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国立科学博物馆

鸟类大约分为11,000个物种，是陆地脊椎动物中数量最多的物种，并且在世界各地的各种环境中繁衍生息，包括天空、地球、水，甚至极地。日本的鸟类分类以日本鸟类学会出版的《日本鸟类目录》为基础，时隔12年进行了首次修订。

目前正在东京上野国立科学博物馆举办的特别展览“鸟类：基因组分析揭示的新鸟类谱系” （持续至2025年2月24日）根据基因组谱系的最新分类解释了多样性。世界各地鸟类的魅力，包括它们令人惊叹的生态。展出了 600 多件鸟类标本，是国立科学博物馆历史上规模最大的展览，适合从初学者到鸟类爱好者再到狂热的观鸟者的广泛人群。

担任本次展览总监督的西海功先生（国立科学博物馆动物研究部研究主任）在开幕前的新闻发布会上谈到了举办本次展览的意义。

“鸟类在生态系统金字塔中发挥着多种作用，例如，食花蜜的鸟类参与授粉，食种子的鸟类参与种子传播，它为各种无法自己打洞的生物提供了栖息地。如鸟和猫头鹰。近年来，许多鸟类的数量有所减少，有些濒临灭绝，我相信在考虑全球环境时，了解鸟类并适应它们是极其重要的。”

西凯认为，在所有动物中，鸟类特别容易受到环境的影响。保守估计，有1430个物种因人类活动而灭绝，这意味着12%的物种已经灭绝。作为本次展览的前奏，设置了一个以“灭绝”为主题的专区，可以感受到策展人“最重要的是，我们希望人们了解鸟类的现状”的强烈愿望。 '

本次展览的一大亮点是展示了真人大小的桑德斯佩拉戈尔尼斯模型，这是历史上最大的飞鸟，生活在约2600万年前，翼展长达7米。

该模型的监督者 Hiji Takanobu 先生（国立科学博物馆） “据我们目前所知，这是历史上最大的飞鸟。”考虑到这只鸟的潜力，根据它的身体结构，我们不知道它能有多大。“我接受了挑战。恢复它是因为我想探索化石中已知形状的多样性，例如它们是否可以飞行，以及形状的局限性。”

本次展览最吸引人的特点就是标本数量之多。

据西贝介绍，他们从国立科学博物馆的约3000件标本中精心挑选了最美丽的标本。与日本唯一一家专门研究鸟类的博物馆——我孙子市鸟类博物馆和姬路博物馆合作展出了来自世界各地的600多件鸟类标本。这次展览的口号是“你将看到值得一生珍藏的鸟类！” ，但作为指导，如果你能观察到 400 多种鸟类，那么你就被认为是一位相当有经验的观鸟者。

可爱的鸟、独特的鸟、稀有的鸟。有了如此多样的物种，无论您要寻找哪种鸟类，您都一定会从中获得乐趣。

场馆按照分类序排列，其中亮点是企鹅序展览和“企鹅聚集”专区。

展出了企鹅目现存 18 种物种中 11 种的 15 件标本。虽然有些标本具有独特的姿势，例如帝企鹅正在注视着它的雏鸟，但也有一些标本在其排列中讲述了一个故事，例如一群海角企鹅和麦哲伦企鹅凝视着同一个方向，仿佛它们对企鹅感兴趣。某物。这是一个有凝聚力的场景，散发出动物园的气氛。

它看起来像企鹅，但它是一个完全不同的家族，有趣的是它随意地与海雀混在一起，海雀是鸻科的成员。虽然企鹅的分布仅限于南半球，但据说海雀等与企鹅类似的不会飞的鸟类即使在北极也经历了趋同进化（*）。

(*) 当来自不同谱系的生物体置于同一环境中时，它们会获得相似的特征和功能，例如鲨鱼（鱼类）、海豚（哺乳动物）、鸟类的翅膀和蝙蝠（哺乳动物）的翅膀。

当你看向“企鹅聚集”角的上空时，你会看到捕食企鹅蛋和雏鸟的捕食者大贼鸥正在张开翅膀，显然是在瞄准企鹅。很容易错过悬挂的展品，所以我们建议360度环顾会场。

此外，通过基因组分析进行系统发育研究是本次展览的支柱，展览还介绍了游隼目作为主要分类的建立，作为这项研究的标志性成果。根据主要基于形态差异的游隼常规分类，它们被归类为鹰科成员，这一点很少受到质疑。然而，事实上，它们在系统发育上与鹦鹉和雀形目的关系比与鹦鹉和雀形目的关系更密切。事实证明它很接近。

雀形目有 44 个目，雀形目有 6,700 多种，几乎分布于世界各地，但雀形目只有一种，是亚马逊河流域特有的，但分布范围很广。物种数量和分布范围的范围。

这种一目一种的稀有鸟类是树栖的，飞行能力较差，是唯一具有独特生态、主要以树叶为食的鸟类。这个形象与猛禽猛禽的形象完全相反，猛禽会猛烈地飞行来捕食猎物，但从系统发育角度来看，鹰和猫头鹰等猛禽可能起源于这一目。

基本上，鸟类的“眼睛”在几乎相同的年龄发生了分化，而“眼睛”是从6600万年前恐龙因小行星撞击而灭绝到大约5000万年前分化的群体。已成为。目前尚不清楚蛹目是否已超过 5000 万年没有分化并仅作为一个物种幸存下来，或者是否除了一个物种外的所有物种都已灭绝，但它是一个神秘的存在。

千万不要错过“鸟类的秘密”专区，该专区由著名动物插画家沼加渡(Watari Numagas)创作。

这个角有“杜鹃蛋会毁掉它的宿主吗？”以及鸟类也有的“方言”和“单词”等23个主题，并以知识问答形式介绍最新的研究成果。沼笠渡的插图以幽默的方式帮助参观者理解，让人发笑。

其中一位监督者浜尾正司（国立科学博物馆动物研究部研究主任）说：“通过这次展览，我们想强调鸟类和人类看待世界的差异。”我提到展览“鸽子教会我们鸟类的心脏。”

那里介绍的是一项实验的结果，在该实验中，向受过训练以区分日本和西方绘画的鸽子展示了一幅打乱的绘画，其中原始绘画被分为 1,024 个部分并重新排列。人们很难分辨原画是日本画还是西洋画，但鸽子即使第一次看到这幅画，也能轻易分辨出来。

“人类善于从大局出发，找出特征，而鸽子则很诚实，或者更确切地说，它们会一一观察细节并记住它们。这就是它们感知事物的方式。换句话说，它们有感知世界的方式不同。这个故事并不是说鸽子聪明或不聪明，而是说智人和鸟类有不同的认知方式，看待世界的方式也不同。”（Hamao）

滨尾先生还提到了一个关于雄性和雌性鸟类之间意想不到的配对关系的展览。有些人可能会有这样的印象：鸟类结成一夫一妻制，和谐地抚养孩子，就像“押鸟夫妇”这一说法所暗示的那样。然而，例如，当一只雄性雉鸡与处于交配关系的雌性雉鸡生下孩子时，它就会放弃筑巢、孵化、抚养孩子和配对关系，并开始陆续向其他雌性求爱，从而导致一夫多妻制。据说这是一个系统（或混杂）。

人类的常识会让我们皱起眉头，想：“一只小鸡怎么能在不养育自己的孩子的情况下从一只雌性转移到另一只雌性？”然而，实际上，小鸡成熟得很快，似乎只需要一只小鸡就足以抚养他们自己的小鸡。 Hamao说，这是每个个体在恶劣的自然环境中进化以产生更多后代的结果。

“这样一来，我们所认为的‘因为人类这样思考，鸟类也会这样思考’’的想法令人惊讶地不正确。鸟类承受着严峻的进化选择压力，我已经获得了所有必要的品质。留下一个孩子。因此，我觉得我们不应该把它和人类联系起来。我们应该了解鸟类的本质，欣赏它们，并思考它们的保护。基于这一点，我们正在创建这样的展览。”（先生）滨尾）

基因组分析显示，鸟类看起来与我们过去的图像有所不同。它们具有什么样的生态特征，过着什么样的生活方式，在生态系统中扮演着什么样的角色？了解了这一点，我们又发现它们有怎样的魅力呢？此次展览将是更新基因组时代鸟类形象的绝佳机会。

“鸟类：基因组分析揭示的新鸟类谱系”特别展览概述

时期	2024年11月2日（星期六）～2025年2月24日（星期一/休息）
场地	国立科学博物馆（东京上野公园）
开放时间	9:00-17:00（入场截止时间为16:30）
休息日	周一、11月5日（周二）、12月28日（周六）～1月1日（周三）、1月14日（周二） *但是，博物馆将于11月4日（星期一、节假日）、12月23日（星期一）、1月13日（星期一、节假日）、2月17日（星期一）、2月24日（星期一、节假日）开放。 *演出日期可能会发生变化。
入场费（含税）	一般民众、大学生2,100日元、小学生、初中生、高中生600日元 *学龄前儿童免费。 *持有残疾人证的人士和一名护理人员可免费入场。 *如果您有学生证或其他证明，请在入学时出示。
赞助商	国立科学博物馆、日本经济新闻、BS 东京电视台
询问	050-5541-8600（您好拨号）
展会官方网站	https://toriten.exhn.jp/

*文章内容截至报道之日。最新信息请关注展会官方网站。

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东京国立博物馆

被称为古坟时代众多粘土中最伟大的杰作的国宝“埴轮铠甲武士”被指定为国宝，并举办了特别展览“为了纪念这一时刻，将在东京国立博物馆（以下简称东博）举办“埴轮”活动。展览期限至2024年12月8日。

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埴轮是在 3 世纪至 6 世纪的古坟时代活跃创作的，是并排放置在古坟中的无釉雕像，古坟是国王和其他有权势人物的坟墓。早期，它们是简单的圆柱体形状，但随着时间的推移，它们发展成为独特的造型，包括人物、马、鸟等可爱的动物泥人，以及模仿精致武器和房屋的具象泥人。它是一份将古代人们的生活和习俗传承至今的珍贵文献。

本次展览汇集了从日本各地精选的约120件珍品，包括从古墓中出土的泥人等陪葬品。这将是半个世纪以来东北地区首次举办的大型陶土展。

在第一个会场的入口处迎接游客的是“跳舞埴轮” ，它以其可爱而傻乎乎的表情被公认为埴轮的标志。埴轮是在日本列岛独特出现和发展的，其特点是服装、面部、手势等的表达简单化，且圆润，是体现其独特的“松散”的代表作品。据说它是按照仪式中的舞蹈设计的，也是东伯的吉祥物东伯君的模型。

1930年从埼玉县熊谷市的野原古坟挖掘出来后，很快就得到了修复和恢复，但近年来它已经严重老化，不再可供出租。因此，东京国立博物馆和文化财产利用中心通过众筹等方式筹集捐款，将于2022年10月开始拆除和修复该建筑。修缮将于2024年3月完成，本次展览将是其修缮后首次亮相。

修复后有几处发生了变化，但最大的变化可能是发红的程度。清理过程中发现，这件作品的颜色比实际颜色更黄，这是因为埋藏时附着的污垢，以及多年展出时空气中积累的污垢。旧的出土物品通常不会被强行移除以显示其出处，但在这次修复中，他们决定尽可能多地去除污垢，以便他们可以看到它们最初制作时的样子。这样出现的原始颜色正是关东北部常见的红烧色，含有较高的铁含量，含有火山矿物质。

不过，据东博大学研究员山本亮介绍，最近有一种理论认为“他们不是在跳舞，而是在拉马”。

埴轮的单手举起姿势经常与马一起出土。似乎还有证据表明，较短的埴轮腰间挂着的绞绳代表缰绳，背上的镰刀代表用来割草为马提供食物的东西。如果是马引的话，我可能已经把他们当作“跳舞的人”认识了很多年了，所以我感到有点失望……

“另一方面，埴轮通常是由原来的发展而来，具有不同的含义。在这次展览中，我们称它们为埴轮群雕像，但它们是由不同类型的埴轮组合而成，例如猎人的埴轮可以表现的故事有很多，比如用泥人或野猪表达狩猎场景。因此，根据泥人的组合，仍然有可能表达舞蹈场景。 ，正如已经说过的那样。”山本研究员说。未来的研究值得期待。

下一个展区名为“王者出现”，是一个豪华的空间，所有展品均由国宝组成。

在古墓中，除了粘土泥人之外，还可能发现豪华的随葬品。例如，在古坟时代初期（3世纪至4世纪），国王扮演着卑弥呼这样的祭司角色，因此出土了许多铜镜和宝石制成的臂饰等宝物。

展览介绍了一件国宝，一把剑首装饰独特的镶金剑，是从建于 4 世纪末的东大寺山古坟中出土的。这件作品被称为日本出土的最古老的铭剑，一些研究人员认为是中国王朝的卑弥呼所传下来的。

武器在古坟时代（5世纪）中期变得更加突出，由于朝鲜半岛的动荡时期，国王变得更加武士化。古坟时代后期（公元六世纪），大和王权的集权性日益增强，骑马风俗也日益盛行，出现了镀金和青铜饰物，将国王和他的马装饰得更加华丽，显示了他们的崇高权威。 。 我会。

这样一来，随葬品也随着国王的角色的变化而变化，从它们中我们可以看出当时制作泥人的文化和习俗是如何变化的。

在古坟上放置泥人的习俗，以与大和王权的关系为中心，从古坟文化中心的近畿地区，到北部的岩手县和南部的鹿儿岛县，遍布日本列岛。 。根据各地风俗习惯的差异、技师的熟练程度以及与大王关系的深浅，这些埴轮可能与大王陵墓中发现的埴轮一样精致，也可能非常独特、独特。随着它的发展，个性开始在其各自的地区显现出来。 “埴轮造型”展区重点关注各种形式的发展。

比如三重县铃鹿市石药东古坟群出土的“马形埴轮” ，无论是直鬃毛还是头饰，都具有独特的头部表情，即使在日本也是独一无二的。据说在茨城县出土的“埴轮男子” ，卷发，头戴尖顶帽子，酷似图画书中的仙女。像这样留着长胡须的埴轮，是6世纪以来具有浓郁乡土气息的典范。

暗中引起参观者注意的是“有脸的圆柱埴轮”，这是一个圆柱埴轮上不知为何带有面部表情。

圆柱形埴轮的根源是弥生时代吉备地区（现在的冈山县）的礼器，被称为“德喜体”的陶器，是作为瓮的台座而制作的，其面部没有任何起源。他们。 。从埴轮的诞生到消失，圆筒埴轮一直是主流，在北关东地区也曾出土过带有面孔的圆筒埴轮的实例，例如群马县玉村町的下乡天神冢古坟、行木平山长古坟等。栃木县足利市的中心地区似乎只有少数病例。难道是粘土工匠认为“圆柱形很无聊”的玩笑吗？

进入第二个场馆，终于看到了本次展览的重头戏——《国宝：勇士与战友》展区。

东伯所拥有的“埴轮”出土于群马县大田市，是第一个被指定为国宝的粘土。还有另外四件类似的武士埴轮，被认为是与这件作品在同一工作室制作的，它们已经被完全修复，但这次展览将总共展示五件这样的“兄弟”，这在历史上还是第一次。 。其中一件目前被美国西雅图艺术博物馆收藏，因此这是一个宝贵的比较和欣赏的机会。

东伯系列是立体的，构造精巧，每个细节从头到脚都覆盖着铠甲，左手拿着弓，右手拿着长剑，背上背着一支箭。他的背影。顺便说一下，悂沙是指用小铁板缝制在上身的铠甲。

东北大学研究员河野正则说：“没有其他埴轮的装甲如此严格。”

“这些‘铠甲佛像’创作于6世纪下半叶，直到6世纪初期，当时的文化中心近畿地区以及其他地区都率先制作了埴轮。随着佛教的传入，价值观发生了变化，近畿地区的钥匙孔形土墩和粘土制作逐渐衰落，但在6世纪后期，群马仍然在进行这种做法，但这并没有影响他们。 ”，他们继续积极地制作粘土。群马对制作粘土异常热情，他们掌握了极其纯熟的技术，留下了大量具有日本代表性的粘土。”

五名铠武士的身材，包括面部表情，都非常相似，但仔细看的话，可以发现，他们背上的箭架并不是眼睑，而是眼六，睫毛之后出现的，也有一些区别。 ，比如下半身穿着袴而不是铠甲。不可忽视的是，从最古老的东京博览会藏品——群马相川考古博物馆，到最新的藏品——奈良天理大学天理资料馆，细节的表达都被简化了。

对于这次展览，河野研究员表示：“我并不希望它只是一个杰作的展览，而是我有强烈的愿望以一种简单易懂的方式向大家传达最新的研究成果，所以我想作为一个典型的例子，他提到了博物馆收藏的《铠甲勇士》的彩色修复展览。经过科学分析和详细的目视观察，发现整个表面被涂成三种颜色：白色、红色和灰色。传统的形象被彻底颠覆。

展览最后，在“会讲故事的埴轮”专区，我们重点关注了前面提到的“埴轮群像”，它结合了人物、动物等多个泥塑人物，表达了各种故事。故事中，有许多场景，比如代表正式祭祀场景的“跪人”，赞扬已故国王的道德，宣誓效忠新国王，以及相扑选手用四足踩踏以避开敌人。介绍来自修建古坟的土地上的邪灵，每个埴轮所扮演的角色。

还有大量可爱的动物埴轮。最常见的动物埴轮是马，它是权力的象征，但其他动物，如象征黎明的公鸡，以及形成狩猎场景的鹿、野猪和狗，也是与皇家仪式有关的他说。另一方面，一些水禽和鱼类被认为是自然动物的真实复制品，我们可以感受到古人对自然形态的认识。

这场埴轮大型展览历经五年左右的筹备才得以奇迹般地实现，汇集了各馆藏的王牌杰作。何不借此机会再次体验埴轮世界的深度呢？

 

*本次展览除部分作品外，展厅内可以拍照。

纪念铠甲武士被指定为国宝50周年特别展览“埴轮”概要

*文章内容截至报道时。最新信息请查看展会官方网站。

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国立西洋美术馆

“莫奈：睡莲之时”展览在东京上野国立西洋美术馆开幕，以印象派画家克劳德·莫奈的晚期作品及其表现方式的变化为主题。展览期限至2025年2月11日。

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克劳德·莫奈（Claude Monet，1840-1926）也因建立“系列绘画”技术而闻名，在这种技术中，在不同的季节和天气下观察相同的主题，并在多张画布上捕捉不断变化的印象和光线的运动。 . 1890年，50岁的莫奈在法国吉维尼小村庄购买了土地和房屋，并花了几年时间建造了一个带有睡莲池的“水上花园”。这片睡莲池的水面，周围的树木、天空和光线都倒映在一起，成为莫奈晚年创作的主要来源。

本次展览展出了一系列睡莲，从最早的珍贵睡莲实例，到一直让莫奈心心念念的《大型装饰画》制作过程中创作的大型睡莲，主要进行介绍。莫奈晚年的艺术表现，是他作品的顶峰。

会场内，来自拥有世界上最多的莫奈收藏之一的巴黎莫奈博物馆的 48 幅画作将被带到日本，其中 7 幅是首次在日本展出。共展出66件作品，包括国立西洋美术馆松方收藏以及日本其他收藏的代表作。

会场入口处的放大照片显示莫奈戴着帽子的头倒映在睡莲池中。出席本次展览媒体预展的Marmottan莫奈博物馆藏品部主管、文化财产总策展人西尔维·卡利尔表示：“通过莫奈的视角，与莫奈一起，我们可以欣赏到水和水的温柔风景。” “当你穿过这个展览时，它会以视觉方式呈现出整个展览的意图。”

本次展览由四个章节和一个结语组成。第一章“从塞纳河到睡莲池”介绍了描绘伦敦和塞纳河风景的作品，这些作品是莫奈在 1890 年代末开始创作《睡莲》之前的主要创作来源。 ‘它展示了莫奈如何将探索集中在水的主题以及光和反射图像在水面上的效果。

此外，据说莫奈于 1897 年首次画了《睡莲》，第一章还展示了被认为是最早的《睡莲》的有价值的例子。

与后来的系列作品不同的是，这幅特写镜头不是水面倒映着树木或天空，而是睡莲本身。以细腻的笔触描绘物体的形态，同时保留写实的元素，与后来变得更加抽象的表达方式进行比较，你可以享受到其中的乐趣。

19世纪末的法国，装饰艺术空前繁荣，莫奈也在1870年代印象派时代开始创作成熟的装饰画。最终，在整个1890年代，他在追求系列展览效果的同时，提出了“大装饰”的概念，即展览空间充满了只有一个主题的装饰画：睡莲。尽管患有白内障，他从 1914 年开始孜孜不倦地工作，最终完成了八块巨大的装饰面板，覆盖了巴黎橘园博物馆的整个展览室。

最终的主题是水、睡莲和柳树，但为了符合莫奈对园艺的热爱，最初的计划是在池塘周围种植各种各样的花卉。第二章“水与花卉装饰”展示了该计划的重要组成部分，例如池塘鼓桥上爬行的紫藤和岸边盛开的爱情花。

鸢尾花也是莫奈最喜爱的花卉之一，在莫奈1914年以后创作的花卉研究中，描绘鸢尾花的画作数量仅次于睡莲，有20幅。 《黄鸢尾》的构图乍一看似乎是从昆虫或鱼的角度仰视虹膜，但实际上它是两种不同视角的组合：从侧面看到的虹膜，以及从侧面看到的虹膜。俯视倒映着天空的池塘水面。莫奈致力于探索震撼观众感知的绘画空间。

第三章“大型装饰画之路”展示了九件大型作品，它们与大型装饰画创作过程中所创作的众多“睡莲”的成品形态密切相关。本次展览的亮点是一个椭圆形的展览空间，其灵感来自于橘园博物馆的展览室，周围环绕着睡莲，让你融入到永远蔓延的冥想色彩世界中。此外，该区域还允许进行特殊摄影。

九件作品中的两件由于云的反射而具有很强的存在感，这成为他从1914年起作品中的一个重要主题。另一方面，中心主要是带有淡淡橙色色调的白云，与蓝天形成鲜明对比。挥毫描绘的睡莲叶、垂柳在画面上、下、左、右延伸，给人一种生动的印象。

莫奈之所以强调云的倒影，是因为他想将它们与与大地相关的元素，如杨树、柳树结合起来，以强化池塘表面的天地合一的感觉。似乎是另一种看待它的方式。

巨型装饰面板的生产基于莫奈新建的大型工作室在户外进行的研究。通过将自然印象的记忆内化并在画布上重建的过程，莫奈的艺术脱离了视网膜上反映的现实，转变成更内在的图像。

第四章“交响色彩”介绍了他与大型装饰画同时创作的一系列小型作品，这些作品他一直持续到去世。主题包括睡莲池上的日式鼓桥以及毗邻“水上花园”的“花园”中带有玫瑰拱门的小路。

或许是因为白内障的发展，视力逐渐下降，他的作品逐渐失去了透视感，开始显得扁平而广阔。他的色觉也发生了变化；有时，黄色和绿色主宰了他的世界，而有时，所有其他颜色都显得偏蓝色，尤其是红色显得浑浊。 1923年开始，他经历了三次手术，视力有了一定程度的恢复，但在他这一时期所画的《日本桥》系列中，色彩纠结，图案难以辨认，轮廓融化，画面模糊。笔触如此密集。

如果你回顾一下第一章中看到的微妙表情，你会对明显的差异感到惊讶。他像用画笔猛击一样不断地一遍又一遍地涂色的方式，似乎是在雕刻出主题的真实性，也似乎是他对视力不佳和缺乏色彩的恐惧的表达，这些障碍可能会阻碍他的创作。作为一个艺术家，这对他来说是致命的。

但实际上，莫奈一直把这一系列乍一看可以看作是他流浪时期的产物的晚年作品一直保留在他的手中。考虑到莫奈是一个完美主义者，他会无情地丢弃任何他不喜欢的东西，这可以看作是基于莫奈经历中培养的色彩感的丰富实验精神的结果。

尾声《颠倒的世界》以两幅描绘垂柳的作品结束了展览，这些作品是对大型装饰画的研究。在莫奈的晚年，当他面临亲人去世、第一次世界大战等诸多磨难时，这些垂柳因其流下眼泪的样子而被解读为象征悲伤和哀悼的图案。

当莫奈构思《大装饰画》时，他的目标是创造一个让观赏者可以平静冥想的空间，周围是一望无际、无始无终的水域。在《睡莲》中，占据画面左半部分的垂柳的实像和虚像的界限极其模糊，给人一种永恒的、宁静的世界的印象。

晚年的莫奈以一种新的感知空间的方式颠覆了基于西方绘画传统视角的世界观。不要错过“莫奈的睡莲”展览，您可以体验莫奈绘画风格的丰富发展，通过他不减的创作冲动超越印象派。

“莫奈的睡莲”活动概述

*文章内容截至报道时。最新信息请查看展会官方网站。

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台东朝仓雕刻博物馆

朝仓文雄是引领日本现代雕塑界的雕塑家，也被称为爱猫人士。纪念朝仓文雄逝世 60 周年的特别展览“奇妙的猫生活：朝仓文雄，猫，有时是狗”，汇集了他所有的猫主题雕塑，目前正在日本朝仓雕塑博物馆举办。台东市。展览期至2024年12月24日（星期二）。

*所有介绍的作品均归朝仓雕刻博物馆所有。

雕塑家朝仓文雄（1883-1964）以彻底追求捕捉对象本来面目的“自然现实主义”表达的态度，创作了《守墓人》、《大隈重信》等肖像雕塑。1948年，他成为第一位雕塑家。获得文化勋章。除了工作之外，他还在东京美术学校（现为东京艺术大学美术学院）任教，并以班级第一名的成绩毕业，并培养了下一代，例如我在朝仓雕塑博物馆主持“朝仓雕塑学校”，那里是他的工作室和住所。

朝仓也被称为无与伦比的爱猫人士，据说他的宅邸里曾经养过多达19只猫。他一生的大部分时间都在创作猫雕塑，有时会用他家的猫作为模型。 1964年，为了纪念他作为雕塑家60周年和东京奥运会开幕，他策划了“猫100展”，捕捉了猫的各种外貌。

然而，就在4月，奥运会前夕，他因病去世，享年81岁，“猫百教展”也没有举办。这个梦想被传递给了相关人员，并于 1994 年和 2017 年在他最后的家——朝仓雕塑博物馆以特别展览的形式实现了。

这次的特别展览《奇妙的猫生活：朝仓文雄和猫，有时是狗》也以猫的作品为主，与《猫百教展》类似，但与以往展览不同的是，展览是一种方法。

“我们不是简单地展示猫的作品，而是在这里（朝仓雕塑博物馆）展示它们，着眼于朝仓如何与他的猫一起度过时光以及它们的生活是什么样的，”他说。朝仓雕刻博物馆。

虽然不太为人所知，但朝仓不仅养猫，还养狗。虽然没有以心爱的狗为原型的作品，但他们创作了少量的狗的作品，并通过添加这些作品，试图创造一个生动且容易想象过去生活的展览。

展出的53件作品主要包括青铜猫雕像，还有猫的素描和有关猫的手写俳句。还介绍了作为朝仓重要的创作手段的照片。

进入主展览空间——工作室，首先映入眼帘的是《吊猫》 （1909），这是有记录以来最早展出的猫作品。

这部在第3届文展上展出的作品，在当时的构图上是新颖的，亮点是抱起猫脖子的有力手臂与猫松散的身体之间的对比。看着猫的表情，我忍不住笑了。仔细观察，可以看到猫的后腿微微绷紧，可以感受到刚从东京美术学校毕业的年轻朝仓佑已经具备的敏锐的观察力和出色的表现力。能。

据户张说，他是一位雕塑家和直言不讳的艺术评论家，与朝仓有着密切的友谊，并且知道他在文天展出了一件描绘纯真的日常生活的小作品，显然有一个插曲。这是高村光太郎称赞的。

“直到那时，文腾展览已经展出了许多具有传奇色彩的作品，这些作品探讨了人体之美或表达抽象主题的具体人体，高村赞扬了他对待猫的方式。我认为这就是为什么朝仓从高村的话中获得了信心，即即使是描绘日常场景的小作品也可以成功，朝仓可能会在他的一生中继续创作猫的作品。” （户张先生）

另一方面，高村指出了本作中手臂表情的僵硬。被认为是同年制作的《Arm 》（约1909年），由于没有在任何展览中展出过的记录，因此被认为是朝仓作为练习而制作的。

除了 Arm 之外，该场馆还展出了十年后由高村光太郎创作的Hand (1918)。朝仓要求正在筹集留学资金的高村在不透露自己身份的情况下自由创作这部作品，他说：“即使只有一只手或一只脚”，这句话呼应了他过去的批评。也许仅这一点就引起了高村的共鸣，他最终发现这是朝仓的要求。展览展示了两位雕塑家之间的互动。

当我们把注意力转向他在《悬挂的猫》大约 40 年后创作的晚期作品《好捕获》（1946 年）时，我们被他技巧的复杂性所震惊。当你把老鼠含在嘴里的那一刻，你脖子上的肌肉就会紧张，你的脸上会露出狰狞的表情，你的前腿也会有平衡感，准备迎接老鼠的抵抗动作。这只猫是如此逼真，以至于你可以很容易地想象它在这之后跳下去，就好像这只猫是根据当时真实的猫塑造的。

据说朝仓喜欢猫的一切，包括它们异想天开的动作和性情，并且对赋予猫独特、柔软动作的骨骼非常感兴趣。他不仅研究骨骼标本，而且“据朝仓的女儿说，朝仓总是把猫放在腿上抚摸它们，不仅仅是为了抚摸它们，而是为了研究它们的骨骼和肌肉。”我认为这是为了找出他是谁并确定，”托巴里说。这是充满朝仓独特追求严格现实主义的一集。

尽管它们的睡姿相同，但是否将头埋在前爪中，以及耳朵和尾巴的形状不同，都忠实地表现出来。此外，猫咪们的姿势也多种多样，比如伸展身体、给小猫喂奶、互相拥抱等。

《产后猫》（1911）乍一看似乎只是坐着，描绘了朝仓在南海实地考察后返回家中，迎接她的宠物猫，这只猫是两天前刚刚生下孩子的。 。他看上去很疲惫，低着头。

朝仓看到自己心爱的猫咪抱怨生孩子的劳累，然后靠在自己的腿上，仿佛在诉说生小猫的喜悦，由此产生了创作这件作品的灵感。对于与其他猫作品相比，变形细节较多的原因，户张先生表示，“也许他是想捕捉猫的情绪、疲劳和喜悦，而不是猫的外表。”

另一方面，他的后期作品《猫病》 （1958）描绘了一只心爱的猫，在抬起屁股和忍受疼痛时，皮肤变得下垂，皮毛失去光泽，与其他作品不同。随之而来的那种柔和被剥离了，给我们一种艺术家直面疾病和死亡的坚毅和悲伤，让人想移开视线。

对于朝仓来说，猫的作品与肖像雕塑不同，肖像雕塑是受委托后在有限的条件下创作的，而是他放松肩膀、自由地释放自己的创作欲望而创作的作品。是否有可能，雕刻这些作为题材并不容易处理的人物，是出于爱猫人士想要保留所有美好回忆（如照片或日记）的真实情感？这种态度也是朝仓猫作品魅力的源泉。

此外，会场还将播放一段17分钟的视频，介绍朝仓的青铜作品，一种名为气模铸造的制作工艺。首先，用粘土制作作品，然后用石膏模制出原型，然后在此基础上制作青铜。这句话很容易描述，但实际的作品确实是一件工艺品。对于那些难以想象铸造过程的人来说，这是必看的地方，因为您可以看到展出的作品经历了令人难以置信的详细过程。

对于举办这次展览的动力，户张说，“不了解朝仓的人正在逐渐增加，所以我们策划这次展览是为了帮助人们熟悉朝仓和他的作品。”

这次展览，你可以充分感受到朝仓出色的造型能力、观察力和对猫的深厚热爱，是对朝仓魅力的完美介绍。何不来看看那些让爱猫人士无法抗拒的活泼微笑姿势呢？

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会场朝仓雕刻馆也是一座非常吸引人的建筑，所以我就介绍一下它的一些亮点。

1907年，24岁的朝仓从东京美术学校毕业后，在谷中设立了自己的工作室和住所。在顶级工匠的帮助下，场地多次扩建和修缮，现在的朝仓雕刻博物馆大楼于1935年竣工。 2001年，该建筑被注册为国家有形文化财产，2008年，整个遗址被指定为“旧朝仓文夫花园”，被指定为国家风景名胜区。工作室建筑采用钢筋混凝土结构，住宅建筑采用木结构数寄屋风格，结构独特，但朝仓卓越的审美能力使不同的材料得到了协调，没有产生不协调的感觉。

我们平时展示作品的工作室天花板高度为8.5m，走进去就会被开阔的感觉所震撼。楼层西侧是3.78m长的小村十太郎雕像（1938年），但完全没有压迫感。

艺术家的工作室一般窗户都在北侧，但朝仓雕塑馆的工作室在北、东、南三面都有窗户，特点是极其明亮。该雕塑的目的是通过将雕塑暴露在各个角度的自然光下，研究经常放置在室外的雕塑的外观，并在制作过程中使用窗帘调整光量。此外，北侧顶部的大窗户具有柔和的曲线，可以让光线散布到整个建筑，而不会产生强烈的阴影。墙壁由温暖的棉布制成，雕塑家对细节的关注贯穿始终。

工作室旁边的书房也有一个中庭，让它看起来像一个电影布景。一直延伸到天花板的三边玻璃门书架上堆放的书籍中，有不少外文书籍是艺术评论家、朝仓在东京美术学校期间的导师岩村彻的。据说，岩村去世后，朝仓抵押了自己的房屋筹集资金，买回了这些在二手书店丢失的贵重资料。

顾名思义，朝仓雕刻博物馆三楼的大厅“朝日之间”是招待客人的地方，是朝仓雕刻博物馆最正式的房间。它拥有豪华的日式风格，优雅闪亮的红色墙壁是由昂贵的红玛瑙制成的，经过手工粉碎和绘制。少量黑曜石的混合创造出独特的颜色。

天花板采用从伊豆县天城地里挖出来的神代杉木，并内衬杉树皮。壁龛是用单块松木板制成的，横梁是用泡桐木制成的，这些材料在当时都是很有价值的。这是一个可以感受到朝仓美学的空间，在缺乏统一感的同时又带有一丝俏皮感。

庭院“御天池”由水、巨石和树木组成。这是一座走廊式的建筑，四面都是建筑，建筑利用了雕塑家的视角，让你从每个房间都能欣赏到美丽的风景。朝仓将这里作为自我反省的场所，每当他对自己的生活方式感到困惑或难以辨别事物的本质时，他就会看着清澈的水来净化自己的身心，并移动继续创造更多。

工作室大楼的屋顶上有一个种满橄榄树的花园。据说这是屋顶绿化的早期范例。

园艺培训曾作为朝仓雕塑学校的必修课在此进行。由于园艺和雕刻涉及在土壤中培育生命，因此该项目的目的是通过园艺让学生熟悉土壤，并帮助他们培养对物体的眼睛。目前，菜园已部分重建，成为可以观赏时令花卉的休闲场所。

位于庭园西侧的男性雕像《炮弹》（1924年）在广阔的天空下俯瞰着谷中市。如果在进入建筑物之前从大门向上看，就可以看到作品的正面，所以参观时一定要抬头看看屋顶。

浅仓文雄去世60周年特别展览“奇妙的猫生活：浅仓文雄与猫，有时是狗”概述

*文章内容截至采访时。详细信息可能与最新信息有所差异，请以官方网站为准。

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东京都美术馆

经历了被称为“神童”的童年之后，田中一村在晚年致力于以奄美自然为主题的绘画。

“田中市村展：天海之光：灵魂的绘画”将反思市村全心全意致力于“绘画”的生活和工作。

本文报道了活动前一天举行的新闻预览。

田中一村，不屈的激情之路

1908年出生于栃木町（现栃木市），田中市村从小就表现出杰出的艺术天赋，被誉为神童。
他的父亲是一位雕塑家，给他起了画名“Beison”，他就读于东京美术学校（现东京艺术大学）日本画系，但两个月后退学。
1947年，他将画名改为柳一尊， 《白花》虽入选青龙展，但仍依靠少数支持者。晚年独自移居奄美大岛，终日致力于以奄美自然为题材的绘画，但在69岁时去世。

1979年，他去世后，志愿者在奄美举办了他的遗作展，参观人数达到前所未有的3000人。随着媒体的介绍，他的生平和作品以极大的热情为全国所熟知。

“田中一村：光与灵魂”展出了《苦水芋和相铁》、《露兜树的海边》等未完成的大型作品，这两幅作品都是在奄美绘制的。通过 250 多件作品，主要是绘画，还有素描、工艺品和材料，我们将探索市村绘画生涯的全貌。

最大的回顾展

本次展览分为三个章节：第一章： 《青年南方画家田中米臣：东京时代》、第二章： 《千叶时代村庄的诞生》 、第三章： 《我的奄美之路》 .”通过按时间顺序展示田中一村的作品，现在可以几乎无缝地密切追踪他绘画生涯的转变。

市村从六七岁孩童时期就创作的许多作品至今仍保存在世界各地，而本次展览中展出的许多作品都是近年来的新作，其中有一些是首次展出的作品不少。超过 250 件商品正在出售。堪称规模最大的回顾展。

田中市村的绘画生涯绝非一帆风顺。尽管他从小就被誉为“神童”，并作为新晋南波画家而活跃，但他一生从未举办过个展，并以匿名的方式独自在奄美结束了自己的一生。
第三章中，展示了市村带着不屈的毅力前往奄美，一边努力谋生一边用心创作的作品，通过作品可以体验到绘画的状态。

展览作品介绍

下面我们就来介绍一下部分参展作品。

彻底改变市村“空缺期”形象的杰作

市村后来在一封信中写道，“当我23岁的时候，我认为是真正道路的新绘画风格因为没有得到我的支持者的支持而灭绝了”，传统上这个时期的特点是由于缺乏生产，人们认为存在“空白期”。然而，近年来，这一时期的绘画杰作不断被发现，这种观点开始发生改变。
本作品是一幅华丽的金色屏风，彻底改变了市村在昭和初期的活动形象。
市村当时24岁。您可以感受到探索新视野的热情和能量。

田中一村唯一获奖作品。

1947年，该作品首次入选由川端龙子主办的第19届青龙展，并最终成为唯一入选公开展览的作品。
展览图录上写着“白花，柳一村”，这表明他将画名从“米村”改为“柳一村”。这是一幅雄心勃勃、重新开始的战后作品。
精致的画风，略显宽松的感觉，令人印象深刻。

即使他背弃了荣耀，他仍然忠于自己的信仰。

1948年，即获得一等奖的第二年，市村在第20届青龙展上展出了两件作品。虽然市村承认这首作品《秋收》是他有信心的作品，但他对只有他的参考作品《波浪》被接受感到失望，并拒绝了入选。

这件作品的特点是在金色屏风上以黑色剪影大胆地表达树木。参天大树的逆光效果和树枝树皮的细致纹理，确实是下了不少功夫的结果。
市村甚至背弃繁荣，想要守护的到底是什么？请大家来面对面感受一下这部作品。

奄美之光给市村带来了什么

市村在 1974 年 1 月（当时他 66 岁）写的一封信中写道，它们是“阎魔王的纪念品”、 “亚当的海边”和“福井芋和相铁”。这件作品堪称本次展览的一大亮点。

这件作品体现了我对能够毫无遗憾地创作作品的自豪感，它是以一种叫做露兜树的植物为基础的，这是我从第一次来岛上就开始计划的。露兜树的深颜色是使用从绿色到蓝色的各种颜料制成的。中景以细腻的线条勾勒出涟漪，云层之外的金光给整幅画增添了一种崇高的品质。
展厅里还展出了市村的许多观音和罗汉画，但这幅作品表达了他在生命的最后阶段所达到的宗教情感，一点也不夸张。

一定要在会场欣赏一村美周的杰作。

展览大使小泉小太郎也将登台！

在媒体预览和开幕式上，担任展览大使和语音导览员的演员小泉小太郎穿着一件独一无二的以“福岛和相铁”为主题的大岛紬和服亮相。 。

小泉光太郎说： “我全心全意地担任语音导览，感受到与田中一村先生的联系和机会，他是一个非常奇怪的人。”小泉光太郎说，他的曾祖父又二郎小泉（光太郎的父亲），曾担任交通大臣等职务。他的父亲小泉纯一郎（前首相小泉的祖父）是田中一村赞助的董事长，所以他从小就听说过艺术家田中一村。

近一个世纪后，作为出生在小泉家族的人，他说：“我真的很惊讶，觉得自己得到了一份光荣的工作，所以我全心全意地发出自己的声音。” ，思考通过这次展览发生的神秘邂逅。

“我从小就看过田中市村的后期画作，但在这次展览中我能够看到他的早期作品。就我个人而言，我父母家里有一棵苏铁树，我对描绘天海的画很着迷。天然海洋、木瓜和苏铁植物。”

回顾这次展览的感受，我总结道：

“除了画作之外，还有田中一村留下的珍贵照片、手写明信片和罕见的收据，可以尽情了解他做了什么样的工作，我认为他是一个什么样的人。一个精彩的画展，让人们感受到千叶县早期的生活是什么样的，以及工作是多么辛苦……田中市村我想让你感受到田中的魅力。

他微笑着向观众致辞。

“最后，我想在东京举办个展，结束我的绘画生涯，”田中市村说。这次展览《田中一尊：光与灵魂》也许是一尊最后的愿望却意外地实现了。

活动期限至2024年12月1日（周日）。
欢迎来到会场，欣赏市村的众多作品，他将自己的全部心血投入到“绘画”中，远离世俗的荣耀。

活动概览

*文章内容截至采访时。详细信息可能与最新信息有所差异，请以展会官方网站为准。此外，本文中介绍的作品可能已经展出过。

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东京都美术馆

我们收到了东京都美术馆关于2024年7月20日星期六开幕的特别展览“聆听大地：符号与触摸”的报道。我们想向您介绍一下。

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东京都美术馆的特别展览“聆听大地：符号与触摸”于7月20日星期六开幕。在本次展览中，五位当代艺术家持续创作与自然有着深厚联系的作品，传递出在我们以人类为中心的生活中很难听到的大地气息。 7 月 19 日星期五举行了新闻预览，大楼向媒体开放。我们将报道负责本次展览的策展人大桥夏子以及参展艺术家的展览评论。

■让你倾听大地声音的标志和纹理
■2024年7月20日星期六至2024年10月9日星期三

本次展览的策展人大桥夏子表示：“过去十年，随着东日本大地震和新冠病毒的蔓延，我们感受到了大城市生活的便利，也感受到了生活的便利。”它的弱点有很多。” “除了意识到城市的脆弱之外，我还意识到自然感觉有点遥远，我感知季节变化的能力，以及自然状态和变化的能力，都在逐渐减弱。”个人想法，我进行了研究”，并创作了一个由离开大都市的艺术家参与的展览，他们在大自然中磨练自己的感官并进行创作。

参与的艺术家有河村喜一、古坂遥、美罗子真智子、仓科光子、榎本佑一等，他们都与自然有着深厚的渊源。

当你从入口处的自动扶梯进入展厅（C画廊）时，你会发现在一个高高的天花板的开放空间里排列着川村喜一的摄影作品。河村（1990 年出生）在东京出生并长大，但于 2017 年搬到北海道知床半岛并继续他的写作生涯。

“一个被称为世界自然遗产的地方。棕熊、虎鲸，有时甚至鲸鱼也来到这里，所以虽然这里有丰富的自然，但它也生活在非常恶劣的环境中。方括号中的‘自然’，如相反，我创作作品的目的是表达自己作为一个生活在那里的人，用自己的触觉感受当地的气候。”搬到这里的第二年秋天，他就拿到了狩猎证，进山打猎。虽然一开始他想更多地了解自然和动物，但一开始他觉得自己不被森林接受，也很难见到动物。如果你不了解地形和生活在那里的生物的生态，你将无法在该地区行走或接近你的猎物。

“我住在知床，因为我能意识到生活在城市中时无法理解和感受不到的事情，但我不是通过狩猎从外部观察生态系统，而是走进内部并作为生物的一员体验灵性。“我创作作品的目的是希望将行动的过程与摄影的表达联系起来。”（河村）

印在织物上的照片记录了川村的日常生活，包括他与家人的阿伊努狗Upashi的生活，以及知床的风景。这些照片装在北海道制造的木框里，悬挂在户外露营绳上，构成了展览空间。出于对环境的考虑和对博物馆建筑的尊重，没有修建新的墙壁来展示作品。作品在空间中舒适的排列方式会给观者带来耳目一新的感觉。这个木制相框是可折叠的。所有作品均装进艺术家的汽车，运至场地展出。展览结束后，它将再次折叠并返回知床。这大概也是川村所说的重视生活、生产和展览之间连续性的行为的过程。

古坂遥，木刻版画艺术家，出生于大阪府。在芬兰和挪威等斯堪的纳维亚半岛生活后，他于 2017 年开始在青森制作作品，同时采访与自然和谐相处的人们。本次展览分为三个主题展出作品。这是一系列名为“Doodge of the Reindeer Mountain”的版画，其灵感来自北欧萨米游牧民族的手工作品“Soma no Boat”，是经过对北欧山区反复研究而创作的。青森和南津轻，以及“言语之声”。

古坂将木版画视为他与自然互动的一种方式。他之所以产生这种想法，很大程度上是受到 2003 年他第一次住在萨米村庄的影响。从那时起，通过电子邮件等方式与他们交流，我逐渐了解了与严酷的大自然相处的滋味。

“驯鹿毛皮”的灵感来自萨米人，他们自古以来就在气温可达-40摄氏度的地区穿着驯鹿毛皮生存。当他们捕获驯鹿时，他们会利用所有的东西来生存，包括皮毛、骨头和肌腱。木刻版画之于故乡，就像驯鹿之于萨米人一样。通过制作木版画，我开始想要像驯鹿和驯鹿一样生活，所以我开始利用实木的外观和纹理，用我收集的土壤作为颜料。这就是“驯鹿山Duodge”系列的开始。

“编织”是指人们将经线绑在森林里的树木上，一边调节张力，一边在大自然中用手劳动，感受身处其中的轻盈和舒适。 “我通过记录他们关于如何在大自然中表现的话语来创作作品，”他说。

2017年，我将注意力转向日本，开始前往青森采访那些经历过严冬的人们。为了这次展览，我们创作了与场地天花板高度相匹配的大型木版画。这是一件新作品，使用青森县的漆汁和他自己种植的靛蓝印刷而成，他曾在漆林中砍伐木材，将其制成木版。会场内不仅展示木版画，还展出这些木版画，营造出类似青森树林的展览空间。还展出了家乡用作颜料的天然材料，如漆汁、靛蓝和泥土。在“制线器”中，青森柏木中填充了一层薄薄的青森收集的泥。当装置干燥时，它会逐渐破裂，形成线条，你可以看到它随着展览的进行而变化。

此外，我们还展示了一段视频，记录了与家乡自然和谐相处的作品创作过程。从夏天的采蓝、冬天的砍木、采土、雕刻印刷的过程，我们将探讨我们的家乡如何与自然相连，直到木版画的制作，以及我们如何培育您可以看到，开始生产需要花费大量的时间和精力。该视频由本次展览的参展艺术家河村喜一拍摄。

Miroko Machiko 充满活力的作品世界在楼下的中庭展览室（A 画廊）展开。 Miroko Machiko 出生于大阪府，在东京工作 11 年后，于 2019 年搬到奄美大岛。展览空间的中央打造了一座“岛”，周围陈列着许多关于奄美大岛的作品。

Miroko Machiko表示，奄美大岛的人们与自然和谐相处，因此他们对自然的感知能力很强。

“我意识到我根本没有感知自然的能力。”我想看看它是否存在，但岛上的自然很吵闹，它的运动就像生物一样，我创造了它。我的工作是将它们捕捉为肉眼无法看到的生物。”（Miroko）

构成岛屿的墙壁内侧的画作是在这个地点花费四天的时间绘制的。外面是2023年出版的图画书《Mienai Ryu》的原画。

“进去之前，我想让你先感受一下《隐形的龙》的故事。一切都是相互影响的，风一吹，波浪就起来，小浪就溅起水花，互相撞击。所以，我是有意识的。”我一开始并没有打算这么做，但我是即兴创作的，所以我表达了很多我在岛上看到的世界，如果人们能感受到大自然的沙沙声，我会很高兴。 .”（米罗子）

岛上的地板被泥土染红了。 Miroko 搬到奄美大岛已经大约五年了，她逐渐意识到岛上汲取地球能量的天然材料非常适合她想要表达的内容。
您还可以在会场一角搭建的小屋中观看描绘奄美大岛森林中“光的沙沙声”的现场绘画视频“Umimatou”。

“当我在户外画画时，我会接收到风的移动、光线的变化以及大量的能量，然后将它们一次性释放出来。然后，由这些东西形成的东西对我来说就变得像生物一样可见。这意味着某种东西被塑造成有生命的东西，我觉得对我来说，从周围环境中汲取灵感很重要，就好像它印在我自己的身体上一样。”（Miroko）

对于奄美大岛的人们来说，山脉和森林是神灵居住的圣地。我没有不必要地进去，而是说：“我已经到了入口处。森林里到处都是树根和石头，移动起来很困难。我想画很多东西，但我画不出来。”这感觉就像是一场斗争。”我认为它已经出现了。我在制作过程中穿的衣服被拆卸并制成画布并用于其他作品。“（Miroko）

视频中小屋的外墙也涂有一种名为Hikagehego的植物的染料，这种植物在奄美野生生长。

仓科光子（Mitsuko Kurashina）的作品在 B 画廊展出，她出生于青森县，目前居住在东京。我从2001年开始画植物。

为了观察因东日本大地震（2011年）引发的海啸而改变的植物生长环境，他从2013年开始定期访问该地点，并用水彩画了植物。此次展览展出了他在无法前往灾区期间绘制的两幅关东地区植物画，以及他在岩手县、福岛县和宫城县考察后绘制的15幅作品。

作品标题中的数字是所描绘植物的经纬度。仓科说，这是一件非常重要的事情，因为他想“不仅表明这个地方确实存在，而且描绘了一个只有在当时才能看到的场景。”通过仔细观察和详细绘制这些植物（我们将其命名为“海啸植物”），我们可以了解这些植物的种子是否被海啸带走，是否因海啸的搅动而发芽。仓科说：“我们将调查这些植物是否是通过重型机械运输到那里的，那个地方发生了什么，以及为什么这些植物在那里扎根。”

正在进行中的作品也在展出。这就是仓科在本次展览中倾注心血创作的白紫藤。紫藤，俗称紫藤，藤蔓向上生长，缠绕在紫藤架上，花朵下垂。然而，这是一棵爬在地上的藤蔓，长出叶子，开着白色的花朵。 2016年，仓科有机会看到一张白色紫藤在该地区爬行的照片，并决定自己真的很想把它画下来，所以他研究了该地区，并于去年开始画它。据说地上开白花的情况很少见。仓科大概有很多能量才能让它绽放吧。这也是一个能够看到正在进行的工作的宝贵机会。

榎本雄一（1974 年出生）在东京出生长大，自 2018 年起在北海道根室市和新泻县糸鱼川市设立工作室，在三个地点工作。
本次展览展出了名为《冰雪奇缘》的新作品，该作品以根室风景为基础的油画和铝板模仿冰块。

从远处看，《沼泽与树林》就像一幅黑白抽象画，但如果仔细观察，你可以在黑色的画面中看到一片树林。

大桥策展人转述了榎本的话：“我记得在无人的森林深处突然出现的景色让我感到惊讶、喜悦，甚至感到害怕。”——榎本介绍说，这件作品是用一种新鲜的方式捕捉他所遇到的自然。敏感性。因为作品只是简单的黑白剪裁，所以给观者留下了连接自己记忆、自由展开想象的空间。

另一方面，10件新作品《冰雪奇缘》是在铝板上创作的，捕捉了海风吹来的雪所产生的表情。

策展人大桥说：“尽管你没有在冰上行走的经验（一般来说），但排列如此多的此类作品会创造出一个让你感觉自己被冰包围的空间。”排列的 10 件作品让人想象冬天根室大自然创造出的无数美丽形状。顺便说一句，在最后展示的小片中，可以在雪地里看到动物的脚印。乍一看，世界似乎安静而单色，但它表达了生物的存在以及榎本在根室感受到的生命的光芒。

 

场地的尽头展示着代表春天的作品。这件器皿形状的作品以 Ezospermia 为主题，Ezospermia 是一种在北海道发现的多年生植物，从四月到五月开花。这是榎本在展览结束时创作的新作品。

旁边播放着榎本拍摄的照片作为其作品创作素材的幻灯片，让您可以看到根室从春天到季节的变化。榎本不仅充分传达了根室吸引他的新鲜感，这里的景色与东京完全不同，而且还包括与展出作品密切相关的照片，例如冰湖风景和花朵有趣的是它也被包括在内。

当您在展示五位当代艺术家的照片、版画、油画、水彩画和装置等各种作品的空间中来回走动时，您将体验到人类与自然的联系感，这是我们经常会忘记。

此外，本次展览的图录还包括在奄美大岛染色的泥染布。
这是由参与艺术家之一 Machiko Miroko 用来创作作品的泥染同一工作室制作的。

摄影：铃木涉

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展览概况 ●展览名称 聆听大地：符号与感动
低语之地：艺术家与自然的呼应
●期间：2024年7月20日（星期六）至2024年10月9日（星期三）
●会场 东京都美术馆画廊A、B、C
●每周一闭馆，9月17日（周二）、9月24日（周二）※8月12日（周一·节假日）、9月16日（周一·节假日）、9月23日（周一·节假日）开放●开放时间9:30～ 17:30、周五 9:30～20:00 ※最后入馆时间为闭馆前 30 分钟●入场费：一般 1,100 日元、大学、专门学校生 700 日元、老年人以上 65,800 日元、高中生、高中生免费更年轻 *【夏夜博物馆折扣】等折扣详情请参见展览官方网站。
●主办：东京都历史文化财团、东京都美术馆 ●特别合作：株式会社津川 ●协办：Hokuryaku LLC、三岛社株式会社、山茶花画廊、青森公立大学国际艺术中心青森 ●联系方式: 东京都美术馆 03-3823 -6921
最新活动信息等请参见展会官方网站。
https://www.tobikan.jp/daichinimimi

 

文章提供： Kokosil Ueno

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东京国立博物馆

纪念寺庙创建1200周年的特别展览“神护寺——空海与真言宗密教的起源”在东京国立博物馆开幕，介绍了京都神护寺传世的众多寺院宝物。弘法大师空海与真言宗密宗。展览期至2024年9月8日星期日。

*部分作品在展览期间会有不同的展示方式。
早期展览：7月17日（周三）-8月12日（周一/闭馆）
晚展：8月14日（周三）-9月8日（周日）

真言宗密宗圣地，1200年宝藏在一处

位于京都高尾市的神护寺（神国所真言寺）于 824 年由高尾山寺和新愿寺两座寺庙合并而成。高尾山寺是平安时代提出迁都的和气清麻吕的家寺。在唐朝首都长安系统学习密教的空海（774-835）就以此寺为家回到日本后，奠定了真言宗密宗的基础。

空海入寺后，因火灾等原因年久失修，后在真言宗文觉上人的努力下，并得到后白河隐天皇和源赖朝的支持下得以重建。此后，尽管经历了应仁之乱、明治维新废除佛教、寺院领地被拆除等各种危机，该寺仍继续护法至今。

本次展览是为了纪念2024年神护寺创建1200周年和空海诞辰1250周年而举办的。

展览的核心是被称为日本雕刻史上最伟大杰作之一的国宝“药师如来立像”，以及与之相关的国宝“灵界曼陀罗（高雄曼陀罗）”。与空海一起完成了历时六年的修复，神护寺经历了1200年的风雨沧桑，保存下来了许多宝物。这是一次规模空前、质量和数量空前的展览，介绍了约100件超越佛教艺术的日本艺术杰作，其中包括17件国宝和44件重要文化财产。

该展览旨在追溯神护寺的历史。
一开始，象征性地放置了一幅屏风，描绘了人们在清泷河沿岸排成一排的枫树上的盛宴，清泷河流经高雄，俯瞰云间的圣地神护寺。传达了神护寺的氛围，神护寺自古以来就作为红叶名胜而深受人们的喜爱，至今其美丽的景色仍然令人着迷。

这里有很多与国宝“高尾坛城”有关的寺院宝物！

展览上半场的亮点是国宝灵界曼陀罗（高尾曼陀罗） ，它是日本现存最古老的灵界曼陀罗。共有两个展览，上半场为“大藏会”，下半场为“金刚会”。

灵界曼陀罗是真言密宗所教导的以大日如来为中心的宇宙的两幅观想：金刚界，代表觉悟之道，胎界，代表慈悲的扩展。此作品因传至高尾山神护寺而被称为“高尾坛城”，是空海根据他在天长时代（824-834）从唐朝带回的坛城直接制作的。尊纳皇帝的要求，具有极高的价值。

望着约4米见方的巨屏，斜纹丝上用金银泥以自由线条画出许多佛像，丝上用一种名为“‘紫’的染料织成花凤图案”。菩萨的形象描绘得工整，这在当时是很少见的。据说金刚界有1461个，子宫界有409个，这是压倒性的。我不禁想到，每一件作品都花费了多少时间和精力，因为每个人的脸型、携带的物品都有详细的规定，容不得半点差错。

同层还展示着江户时代制作的高雄曼陀罗的全尺寸复制品。两种宽度均全年展示。与有明显损坏的原件相比，丝绸上的线条和色彩的鲜艳程度更加清晰，将原件的优雅气息完美地表达出来，因此值得将它们放在一起进行比较。

如果您想了解更多有关各种本尊图像的信息，您可以参考仅用墨水描绘轮廓的高雄曼陀罗图标，或在单独的房间中播放的解释视频。

据记载，高尾坛城曾两次被修葺，第一次是镰仓时代的高田天皇，第二次是江户时代的1793年。可久天皇和退位天皇御樱町。这是继 2016 年至 2022 年进行约 230 年来的首次大修之后，第三次向公众开放。

旧的高雄曼陀罗储物盒等展品，记录了两次修复的历史，以及高达皇帝亲自撰写的修复历史，将有助于传承高雄曼陀罗，这被认为是空海手写曼陀罗的基础和标准，它向下一代传达了我们祖先希望生存的一部分思想和信仰。

还出现了一个特别的展览室，里面有令人印象深刻的雕像！药师如来立像在主像严厉的目光中穿过

展览的后半部分，出现了一系列神护寺的雕塑作品。

神护寺流传最古老的密宗佛像——五大国藏菩萨坐像，是空海弟子心斋应仁明天皇之命所立，作为佛像供奉于多宝塔。这是神护寺一年两次揭幕的隐藏佛像，此次展览将首次将五尊佛像全部在寺庙外展出。

五大空藏菩萨据说具有无量的智慧与福报，据说将空藏菩萨的功德分为五种，传授给人们，或者是金刚世界戈地如来的化身。该作品被认为是基于早期密宗佛教图像，如高雄坛城，其亮点包括长眼、丰唇的优雅面部特征以及肉体的表情。

据说这座雕像本身就是空海的一种曼陀罗，在会场，四尊雕像围绕着法海空藏排列成一圈，形成了三维曼陀罗的外观。当我停在它面前时，我感觉自己仿佛被几乎一模一样的坐像所营造出的神秘气氛所包围。

最后的展厅里，只有立像的杰作排列成行，营造出一种庄严的气氛。中央是主像药师如来立像，这也是首次在寺庙外展示。据认为，空海将一尊曾供奉在前身寺庙中的佛像带到神护寺，而不是密宗佛像。

八世纪末至九世纪初，创作了许多独特的佛教造像，但这尊佛像更为突出。他最显着的特征就是那让你挺直身姿的严厉目光。再加上她坚定的嘴巴，充满了尊严。

本次展览的一大魅力在于，您可以从不同的角度欣赏雕塑的美丽，而通常只能从正面看到它，因为它被保存在神护寺的祖师中。

它是由一整块木头制成的，除了手臂之外，大腿突出得从正面看根本无法想象，更强调了它的厚度。此外，左袖上的本帕式和服图案在大圆波和小驻波之间交替，雕刻的深度营造出更加深邃的感觉。丹波风格的袈裟图案是早期平安雕塑的特征，但据说如此美丽且清晰可见的雕像很少见。

空海为何选择这尊非密宗佛像作为主像呢？原因尚不清楚，但东京国立博物馆研究员丸山四郎表示如下。

“我想空海本人对形体有着很深的兴趣，甚至比密宗对形体的重视还要强烈。空海看到这尊佛像的时候有什么感受？如果你能把它送给我的话。”

主像周围是四天神和十二将军的立像。在神护寺，佛像排列得很近，但它们之间有一定的空间。此外，灯光使雕像独特姿势的剪影在背景中脱颖而出，完美凸显其动态表情。一时间我被这壮观的景象迷住了。

可以感受空海思想和精神的特别展览“神护寺 – 空海与真言宗密宗的开端”将持续至 2024 年 9 月 8 日（星期日）。

1200周年纪念特展“神护寺——空海与真言宗密宗的开端”概要

*文章内容截至报道时。最新信息请查看展会官方网站。

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国立科学博物馆

昆虫是最大的生物类群，占地球上已报道物种的一半以上。国立科学博物馆特别展览“昆虫狂人”开幕，从不同的角度和独特的视角深入探讨这个未知的世界。展览期限至2024年10月14日（周一、节假日）。

人类已命名了大约100万种昆虫。尽管它们是人类生活中最常见的野生动物，但只有少数物种得到普遍认可。此外，尽管每个人都知道昆虫的名字，但在很多情况下，它们的生态充满了神秘感，或者隐藏着只有研究人员知道的有趣秘密。

此次展览的展品范围广泛，从超过10厘米的巨型甲虫到不到1毫米的微小黄蜂，还有像昆虫一样被称为“虫子”的陆生节肢动物，如蜘蛛和蜈蚣。来自国立自然科学博物馆的五名研究人员正在疯狂地探索昆虫多样性的世界，这超出了从书籍和插图百科全书中可以获得的知识，同时结合了稀有标本和最新的昆虫研究。

即使你是个狂热分子，会场也会有一个名为“Zone 1: Insects and Bugs”的介绍区，会介绍昆虫和虫子的区别及其特征等基本信息，所以即使你不是熟悉昆虫的我可能不需要担心。

下一个部分“第二区：多样的昆虫”是本次展览的主要部分。根据研究人员的专业类型分为五门， “蜻蜓门”针对的是蜻蜓、蚱蜢、蝉等不完全变态的昆虫， “蜜蜂门”针对的是具有膜质翅膀的蜜蜂和苍蝇。 ， 《蝴蝶门》介绍了蝴蝶和飞蛾， 《甲虫门》介绍了甲虫、锹虫等甲虫， 《蜘蛛门》介绍了蜘蛛、蜈蚣、蝎子等非昆虫节肢动物的世界。 介绍。每个主题都涉及以下三个关键词：“多样化的关键”、“昆虫新常识”和“昆虫的食物、衣服和住所”。

每个区域都有五个巨型模型作为地标等待着游客，研究人员密切关注细节。

它与典型的昆虫展览有些不同，比如日本长尾黄蜂的模型并没有表现出酷炫的飞行样子，而是难以形容地再现了其身体变形和产卵的情况。让人不禁产生“这就是我关注的东西！？”的意外感，可以说是本次展览的真正乐趣所在。

对于对昆虫不熟悉的笔者来说，这次展览充满了惊喜。

比如关于昆虫组成的社会。黄蜂和蜜蜂的常见生态是工蜂和蜂王成群生活，分工和产卵，这在膜翅目昆虫（大约有 15 万种）中是很不寻常的，而独居的蜜蜂则更为常见。据说有很多。虽然我的知识水平还很低，但我对蜜蜂是群居昆虫的刻板印象感到震惊。

蜜蜂有一种被称为“群居”的生态，它们群居，但它们也是“独居”的，产卵后母蜂离开后，它们基本上独自生活，即使产卵后，母蜂也会为蜜蜂提供食物。孵化的幼虫可以观察到多种生态，例如“亚社会”蜜蜂，它为蜜蜂提供大量能量，以及“劳动寄生”，它依赖其他蜜蜂筑巢和收集食物。因此，蜜蜂作为思考昆虫社会性进化的研究材料引起了极大的兴趣。

关于性别多样性的展品充满了有趣的展品，其中最引人注目的展品之一是雌雄同体，一种兼具男性和女性特征的独特个体。

雌雄同体有时可能出现在同一物种的许多个体中，特别是在蝴蝶的情况下，已经发现许多雌雄同体从中心线向左和向右明显分开的例子。更罕见的是，展览中展示了雌雄同体的标本，其特征是雄性具有左前翅和右后翅，雌性具有右前翅和左后翅。每一只蝴蝶的对称都是美丽的，让人不禁感受到生命的奥秘。

在场馆里，你不仅可以观察到昆虫复杂、奇特、美丽的视觉效果，有时还可以使用显微镜，还可以欣赏到精致的、不单调排列的标本。

例如，您可以用不同大小的甲虫和锹虫绘制一个渐变圆圈，以创建一件时尚的艺术品，或者您可以在一排蝴蝶中混合不同的物种，以创建一个找不同的外观。为了招待游客，安排得十分周到。

具有“结构颜色”的昆虫标本，例如黄甲虫的“虹彩”颜色，其颜色不是通过颜料而是通过阳光与微小结构的干涉而着色，看起来就像古怪的珠宝盒。这种象鼻虫生活在新几内亚周围，它的体表有一种叫做佛声晶体的结构颜色，根据角度的不同，会发出绿色、蓝色和紫色的光芒，极其美丽。

本次展览的魅力之一在于，您不仅可以“看”，还可以从“听”、“摸”、“闻”等多种角度体验昆虫的世界。

北美是一群蝉的家园，称为日本蝉（每 17 年出现一次）和日本蝉（每 13 年出现一次）。这两个群体每221年同时发生一次，这是2017年和2013年的公倍数，而2024年正是它们发生的年份，正如日本新闻中所谈论的那样。

场内充满了各种昆虫的声音，但作为“听”体验展尤其值得关注的是可以体验素数研讨会合唱的地方。研究团队前往伊利诺伊州芝加哥参加本次展览。我们将介绍现场记录的噪音，最高可达85至86分贝（与弹珠机店内的响度大致相同），并附有游记。

作为“嗅闻”体验展览的一部分，我们设置了一个散发着桉树油和粪臭素气味的场所，桉树油存在于黄蜂喜爱的桉树精油中，而粪臭素则存在于黄蜂的粪便中。这种蜜蜂是仅生活在中美洲和南美洲的蜜蜂，具有全球罕见的雄性从花朵中收集气味成分以接近雌性的习性，其光泽的美丽也是一大亮点。

在“触摸”体验展中，您可以触摸寄生在植物上的蚜虫幼虫为保护自己免受捕食者侵害而通过异常发育而形成的实际巢穴“瘿”，内容引起了我的好奇心。

剩下的部分“第三区：虫子与人类”作为尾声，深入探讨人们日常生活中的虫子世界，思考虫子与人类的未来。

根据不同的观点，昆虫可以被视为害虫或益虫。该展览将黄蜂列为典型害虫的一个例子，并解释说，虽然它们会蜇人，但它们也有能力防止农田中的昆虫损害。据说，如果你换个角度，你就会发现人类的生命是由多种生物组成的生态系统支撑的。

乍一看，昆虫生活在自然环境所剩无几的城市里，甚至在家里，这对于不擅长昆虫的人来说可能是一件大事。一个有趣的事实是，尽管人们在家中和室外看到同一种昆虫，但有一种假设认为，当人们在家中看到这种昆虫时，他们会在心理上感到更加厌恶。此外，由于城市化，每天看到昆虫的机会正在减少，这可能是人们讨厌昆虫“无法识别的东西”的原因。

因此，尾声的标题是：“通过了解每种昆虫以及你不喜欢它们的原因，你也许能够稍微减轻你对所有昆虫的厌恶。”它也被包括在内。

大多数人都不知道微小昆虫的世界，但展览的内容自然地提醒我们，昆虫是我们最近的邻居，与我们的生活密不可分。

此外，在本次展览中，喜剧二人组“Ungirls”的山根义明将于2023年在广岛的山区表演“Motonari”。您还可以看到 Motonarihimekobanenagahanekakushi 的标本，这是在录制名为“Motonarihimekobanenagahanekakushi”的节目时发现的一种新昆虫。

由于这一发现，Ungirls 成为了本次展览的官方支持者。山根先生在开幕前举行的开幕演讲中上台，他说，尽管在发现新物种时与他在一起的日和自然科学博物馆的研究员 Yoshihiro Senda 指出， ，“这很难得”，回想起来，我以为这只是一种恭维，并没有当真。

他的搭档田中隆继续说道，“山根想要尽快完成拍摄，所以他没有深入山里，而是迅速在入口附近挖了一些土壤，发现了一个新物种的地方。我不会寻找的。”他笑着分析说，之所以发现新物种，是因为山根先生的“马虎”。

我们周围似乎有我们可能不知道的新昆虫种类。在展览的最后，我们介绍了研究人员在寻找昆虫时的观点、技术和工具，因此对于学生来说，作为他们独立的夏季研究的一部分，尝试发现新的昆虫物种可能会很有趣。

特别展“Insects MANIAC”将持续至10月14日（周一、节假日）。

“Insects MANIAC”特别展览概览

时期	2024年7月13日（周六）～2024年10月14日（周一·节假日）
场地	国立科学博物馆（东京上野公园）
营业时间	9:00-17:00（入场截止时间为16:30） *但是，每周六、8月11日（周日）至8月15日（周四），博物馆开放至19:00（入馆截止至18:30）
闭馆日	9月2日（星期一）、9日（星期一）、17日（星期二）、24日（星期二）、30日（星期一）
入场费（含税）	一般民众、大学生2,100日元、小学生、初中生、高中生600日元 *学龄前儿童免费。 *持有残疾人证的人士和一名护理人员可免费入场。 *其他详情请查看官方网站。
由…赞助	国立科学博物馆、读卖新闻、富士电视台
询问	050-5541-8600（您好拨号）
展会官方网站	https://www.konchuten.jp/
导师	井出龙也【蜜蜂总监督】/国立科学博物馆动物学研究部陆生无脊椎动物研究小组、研究员野村周平【鞘翅目】/国立科学博物馆动物学研究部陆生无脊椎动物研究小组组长Utsugu神保【蝴蝶与飞蛾】 / 国立科学博物馆动物学研究部陆生无脊椎动物研究组研究主任清卓也【蜻蛉类】 / 国立科学博物馆动物学研究部陆生无脊椎动物研究组研究主管奥村健一【蜘蛛类】/国立科学博物馆动物研究部陆生无脊椎动物研究组研究员

*文章内容截至报道日期（2024年7月12日）。最新信息请关注展会官方网站。

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国立西洋美术馆

目前，国立西洋美术馆正在举办“内藤收藏手稿——最优雅的中世纪缩影”展览，探讨流行于中世纪欧洲的彩绘手稿的魅力。展览期至2024年8月25日星期日。

15 世纪印刷技术发明之前，手稿在欧洲很流行，文字是通过手工抄写到由薄薄加工的动物皮（动物毛皮纸）制成的纸上，需要花费大量的时间和精力。创建使用

手稿常常饰有华丽的装饰和插图，有时甚至成为极其奢华的物品，但它们是当时人们传播信息的主要媒介，同时也对支撑基督教信仰起到了重要作用。负责。

本次展览标题中的“内藤收藏”是指筑波大学和茨城医科大学名誉教授内藤博收集的零叶手稿（叶子，从书籍中分离出来的单张纸）的集合。到收藏是国内美术馆藏品最多的手稿之一，2015年捐赠给该馆，2020年又新增手稿26件。

本次展览将通过约150件作品，包括内藤收藏的大部分作品和国内大学图书馆的藏品，介绍每份手稿的作用以及文字和图片融为一体的中世纪装饰（*）艺术的世界。大型展览。

（*手稿的装饰因其闪闪发光的特点而被称为“sai-kazari”，它使用了大量的黄金。）

展览根据丽羽原稿所属的用途分为“第一章：圣经”、“第二章：诗歌编纂”、“第三章：日常事务手稿”等章节。 ”、“第 4 章：弥撒手稿”、“第 5 章：神职人员使用的其他手稿”、“第 6 章：时经书”、“第 7 章：日历”、“第 8 章：教会法律和书籍” 《誓言》、《九篇世俗手稿》共九章。

首字母是手稿装饰的典型例子。

首字母是句子开头装饰华丽的字母。除了赏心悦目之外，它们还可以用作标记文本重要部分的开头和分句符。有趣的是，装饰的类型代表了首字母的层次结构，进而代表了文本的层次结构。

例如， 《礼仪诗集零叶》页面的左中央有一个大字母“B”。“B”的内部上部有一个上帝祝福的人物，在“B”的内部有一个上帝祝福的人物。下部有一幅传统的《诗篇》的人物，它描绘了作者大卫演奏的乐器。这种在字母内部空间描绘故事场景和人物的图画被称为“故事首字母”。

还有其他类型，例如“champi 首字母”（在彩色背景上放置金色字母）和“条纹装饰首字母”（在字母周围用线条图装饰），但在层次结构、故事方面缩写位于顶部。通过用最突出的故事首字母来指示核心文本，可以在视觉上帮助读者理解。

《礼拜诗歌汇编》是旧约《诗篇》、赞美诗、祈祷文等文本的汇编，供日常宗教礼拜使用，即在修道院、教堂每天固定时间举行八次礼拜。 。 是。

内藤藏品收录了许多英国和法国制作的 13 世纪圣经手稿，其中展示《创世记》开头的《圣经零叶》就是其中的代表。

在大量细致排列的字母中，垂直贯穿页面的金边装饰引人注目，但我惊讶地发现，它实际上是一个巨大的“I”，也就是故事的首字母。可以说，这个尺度适合传达一个史诗故事的开始。从上帝创造万物到该隐谋杀亚伯的故事，都在一个约2厘米的小圆圈中细致地表达出来。

《兹沃勒圣经零叶》于 15 世纪末在荷兰北部的兹沃勒镇（靠近现在的荷兰）创作，是一张单页书，上面有故事的首字母和强调的字母 D。我欣赏它的有序之美。

最初，僧侣和尼姑负责抄写和装饰手稿，但逐渐由民间工匠开始接管这一角色。这部作品中所见的复杂字体，很难相信是手写的，是由著名书法家雅各布斯·范·恩克海森 (Jacobus van Enkhuysen) 创作的，据说他花了 14 年时间才抄写整本书。

这种和谐的布局是通过包含诗篇的三个版本而创建的。每个故事的开头都描绘了大卫生活中的一个场景，例如大卫抬着约柜到耶路撒冷。

在某些情况下，首字母缩写用于表明手稿是为谁创作的或在什么背景下使用的，例如， 《礼仪诗歌汇编零叶》中的首字母“C”是方济会修道士在唱歌时写的。讲台前。这意味着母手稿是为方济会修士制作的。

此外，如本作那样，在书页边缘填满植物图案的边框装饰在手稿中很常见，但如果仔细观察，这幅作品有着一种奇怪的、僧侣般的外观，混合着色彩丰富、优雅的花朵。非常独特的是，它有一个老人的头漂浮着。

会场中还有其他页面的页边空白处装饰着恶作剧的图画，也许是出于艺术家的乐趣，仔细检查这些页面很有趣。

祈祷书包含了祈祷期间要阅读的所有文本，最初由主持礼拜仪式的牧师拥有，但逐渐在平信徒中流行起来。

其中，应15世纪统治意大利费拉拉市的埃斯特家族的要求而制作的《莱昂内洛·德埃斯特的祈祷书》 ，就是对世俗信徒来说奢华华丽的作品的一个例子。镶金的框架装饰，以细线般的线条绘制，让人想起奢华珠宝的闪烁，令人惊叹不已。

装饰由乔治·达莱马尼亚 (Giorgio Dalemagna) 完成，他是费拉拉的主要手稿画家之一。虽然整体风格属于晚期哥特式风格，但从缩写里面的人物绘制方式就可以看出文艺复兴风格的影响，或许是因为当时文艺复兴已经在费拉拉开始了。

手稿装饰被保存在书籍中，并且比壁画或挂毯更不易消散或损坏，使它们成为中世纪艺术的宝贵见证。这部作品也可以说是传达时代的一个很好的例子，抓住了过渡时期存在的两种审美情感的本质。

当然，也有许多零叶带有微型图（插图），它们在页面上被赋予独立的空间，而不是用首字母装饰。

《零叶祈祷书》的插图描绘了基督被白色空间装饰所包围，金色背景上散布着花朵和昆虫，具有错视风格（trompe l’oeil，一种在根特和布鲁日流行的装饰）约1500）。这些纸叶最初是为了插入现有手稿中以提高其审美价值，但它们的主人显然在它们上添加了刺绣边框，并以微型绘画的形式将它们用于崇拜。

此外，除基督教相关内容之外的“世俗手稿”，例如百科全书内容和身份证等，也将在场内展出。此外，作为作品研究的结果，我们还涵盖了根据抄写文字内容、字体、装饰风格等识别出的《零叶》的母稿，以及《零叶》的姐妹叶。与母稿分开。

精美插图的手稿，有时用作所有者的地位象征或满足审美趣味。甚至有收藏家只将装饰部分剪下来，被视为超越书籍领域的一流艺术品。其中很多作品虽然尺寸较小，但与我们平时在博物馆里看到的西洋画一样具有美感，令人赏心悦目。为什么不看看这个展览，想想中世纪人们的审美意识，他们读书的感受可能与我们今天不同呢？

《内藤典藏手稿——最优雅的中世纪缩影》概览

*文章内容截至报道时。最新信息请关注展会官方页面。

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东京都美术馆

20世纪艺术巨匠乔治·德·基里科（Giorgio de Chirico ，1888-1978）十年来首次在日本举办的大型回顾展“德·基里科展”正在东京都美术馆举办。东京上野美术馆。展览期限至2024年8月29日。

乔治·德·基里科因其“形而上学绘画”而闻名，对许多艺术家产生了巨大影响，包括萨尔瓦多·达利和雷内·马格里特等超现实主义者。虽然他有着强烈的前卫画家形象，但他也致力于文艺复兴、巴洛克等古典主义表现方法，绘画风格根据时代而发生很大变化。

回顾展一般按照时间顺序介绍艺术家从早年到晚年的作品。然而，在这次展览中，将展出来自世界各地的100多件以油画为主的作品，这些作品以德基里科所处理的主题和母题为特色，如“自画像”、“形而上的绘画、 ”和“回归传统绘画”。它对每幅作品进行了总结，并以通俗易懂的方式解释了它们是如何继续绘制和变化的。

第一章作为引言，重点介绍自画像和肖像。德·基里科从其职业生涯之初就创作了数百幅自画像，风格上发生了各种变化，反映了他在每个时期的研究成果。

德基里科 1888 年出生于希腊，父母是意大利人，父亲去世后，他与母亲和弟弟搬到了德国慕尼黑。在那里，他就读于一所艺术学校，但退学并于 1909 年搬到意大利米兰。当时，德基里科深受弗里德里希·尼采的哲学和以《死亡岛》闻名的抽象主义画家阿诺德·伯克林的绘画的影响。我看到了一幅珍贵的肖像画《我弟弟的肖像》 （1910年），这幅画是在绘画尚未建立之前的早期阶段所画的。

《自画像》 （c1922）是德基里科对西方艺术被“回归秩序”运动主导的时代的回应，该运动重新发现了古典绘画的秩序，作为对前卫运动破坏表现形式的反应我从事的工作是什么。它基于皮耶罗·德拉·弗朗西斯卡（Piero della Francesca）和拉斐尔·桑齐奥（Raffaello Sanzio）等文艺复兴时期绘画作品的扎实视觉。

此外，一些自画像中他穿着 17 世纪的服装或扮演斗牛士。这种导演实验和戏剧偏好是德基里科作品的特点之一，也与他在整个职业生涯中断断续续参与的歌剧和戏剧的舞台设计密切相关。另外，在展览的后半部分，还介绍了德基里科创作的舞台服装和设计草图，想象一下它们之间的相互影响，观看它们会很有趣。

第二章将德基里科标志性的形而上绘画分为三个主题： “意大利广场”、“形而上内部”和“马努干”。本次展览的亮点在于收藏了许多1910年代黄金时代的代表作品，这些作品通常散布在世界各地。

德基里科说，1910年的一天，在佛罗伦萨的圣十字广场，他感觉好像第一次看到熟悉的场景。由于这种“启示”，在绘制广场和室内房间的具体图像时，通常不存在的扭曲的透视和图案排列创造了一种我们所看到的世界的深度感，类似于梦中的图像。开始创作暗示世界上存在的非凡、神秘和奥秘的绘画。

1911 年，当他移居巴黎时，他的奇幻画作立即吸引了评论家，并成为巴黎运动最前沿的一部分。受他所钟爱的尼采哲学的影响，德基里科后来将他的作品命名为“形而上学绘画”。意大利广场一角展出的《沉默的雕像（阿里阿德涅）》 （1913）确实是形而上绘画的杰作。

《有玫瑰色塔的意大利广场》 （c1934）是一个看不到人的广场，但从画布外延伸出的长长的阴影营造出一种令人不安的气氛。它与《有红塔的意大利广场》类似”创建于 1913 年。 的副本。德基里科还积极复制他过去画过的形而上画，尽管这些行为有时被批评为“赝品”，但他自己说，“这些复制品是用更美丽的材料制成的。”它是用更复杂的技术绘制的，我不认为有任何缺陷。”（摘自给他的大师安德烈·布勒东的妻子的一封信，她要求复制），他似乎对这幅画持积极的态度。

第一次世界大战爆发后，德基里科作为一名士兵从巴黎搬到费拉拉，他的画作从俯瞰广场的开放视野转向封闭的室内空间。绘制的图案灵感来自费拉拉的房屋内部和商店的橱窗，而德奇里科熟悉的物品，如饼干、海图和尺子，开始在没有背景的情况下出现。

这些被称为“形而上的室内装饰”，当你观看1910年代的作品时，你会发现所描绘的图案不自然地隐约出现在你眼前的屏幕上。然而，到了 20 世纪 60 年代，安装了窗户，构图也发生了变化，营造出一种宽敞的感觉。从窗户里还可以看到意大利广场的建筑，这是德基里科1968年左右开始的“新形而上绘画”系列作品中的一个特点，融合了过去作品的主题。

在“马努坎”一角，在西方古典绘画中享有特权地位的人物形象被没有个性的马努坎（人体模型）所取代，并被视为与其他物体处于同一水平的物体。将展出一系列作品。由于马努干的出现恰逢第一次世界大战爆发，因此有人说，马努干代表了人类引发战争的非理性，或者说人类对抗暴力的无力。

尽管马努坎扮演了缪斯、先知、哲学家、新娘等多种角色，但在她早期的杰作《先知》 （1914-15）和《形而上学缪斯》 （1918）中，她被描绘成无机物。然而，值得注意的是，随着时间的推移，他们在古典主义的影响下经历了有趣的转变，变得更加肉体化和人性化。

从形而上绘画回归古典绘画后，德基里科于1925年回到巴黎，与超现实主义画家交往，将注意力重新转向形而上绘画，创作了《角斗士》、《角斗士》等新题材。 “山谷家具”也被采用。第 3 章重点讨论 20 年代末的此类发展。

接下来的第四章的标题是[回归传统绘画——从“回归秩序”到“新巴洛克”]，包含了一些作品，展示了本文中经常提到的致力于古典绘画所取得的成果。再次。从1920年左右开始，他研究提香、拉斐尔等文艺复兴时期的作品，然后从1940年代开始研究鲁本斯、委拉斯开兹等巴洛克时期的作品，尽管受到超现实主义者的批评，但他继续研究他们的表达，我将它融入到了制作中。

本章包括两幅沐浴画。其中一幅作品是《躺在浴室里的女人》（阿尔克墨涅的休息） （1932），由印象派画家皮埃尔·奥古斯特·雷诺阿晚年创作，他当时被认为是文艺复兴时期古典主义研究的领军人物。是根据一幅沐浴画创作的。

十几年后创作的另一幅作品《沐浴在风景和红布中的妇女》 （1945年）的灵感来自于巴洛克绘画以及对它们的诠释的欧仁·德拉克洛瓦和古斯塔夫·库尔贝的作品。虽然题材相同，但对比一下，可以发现笔触和风格都有明显的变化，后者整体更加光泽，深色浓重的色彩更加突出。

最后一章“新形而上绘画”讲述了德·基里科十年来的发展，直至他于 1978 年去世，当时他再次开始从事形而上绘画。

在他生命的最后几年，德基里科自由地结合了他过去创作的元素，比如广场、室内装饰、马努坎、古典绘画中的神话故事，甚至他在插画作品中绘制的太阳和月亮，它开辟了新天地，超越了简单的重复。这些风格被称为“新形而上绘画”，1910年代形而下绘画的忧郁、沉重的气氛消失了，全部都是轻盈明亮的，仿佛毒已被除去，都有一种好玩的感觉。

不受周围人批评的影响，德基里科的作品始终是关于前卫与经典能够共存而不是相互矛盾的，并多次引用和致敬自己的作品。这部作品是一部值得尊重的原创作品。这被称为他绘画生涯的顶峰。

“德基里科展”概览

场地	东京都美术馆
时期	2024年4月27日（星期六） – 2024年8月29日（星期四）
营业时间	周五 9:30-17:30 至 20:00（最后入场时间为闭馆前 30 分钟）
休息日	7月9日星期一（星期二）～7月16日（星期二） *但是，办公室将于7月8日（星期一）和8月12日（星期一、节假日）开放。
参观费（含税）	一般2,200日元、大学·专门学校生1,300日元、65岁以上1,500日元 *周六、周日、节假日以及8月20日（周二）以后需要预约。 *高中生以下免费。 *持有身体残疾证明书、爱心笔记本、康复笔记本、精神残疾健康福利笔记本、原爆幸存者健康笔记本及其陪同人员（最多1人）可免费入场。 *其他详情请查看官方门票页面。
由…赞助	东京都历史文化财团、东京都美术馆、朝日新闻
询问	050-5541-8600（您好拨号）
展会官方网站	https://dechirico.exhibit.jp/

*文章内容截至报道时。请查看官方网站了解最新信息。

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