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国立西方艺术博物馆

立陶宛著名艺术家米卡洛尤斯·康斯坦丁纳斯·丘尔廖尼斯（1875–1911）的大型回顾展“丘尔廖尼斯展览：内在星图”目前正在日本国立西洋美术馆举行。这是34年来日本举办的首个大型回顾展。展览将持续至2026年6月14日（星期日）。

*所有展出的作品均出自 Mikaloyus Constantinas Čiurlionis 之手，均来自立陶宛考纳斯国家艺术博物馆 (MK Čiurlionis) 的收藏。

20世纪初，丘尔廖尼斯在绘画和音乐方面都展现出非凡的才华，为现代立陶宛文化奠定了基础。在他短暂的35年人生中，仅用了大约六年的艺术生涯，就创作了300多幅作品。

他的艺术形成于俄罗斯帝国统治时期和立陶宛民族解放运动之中，根植于独特的立陶宛文化，并从该国丰富的自然风光、历史和古老的民间传说中汲取灵感。与此同时，他对神智学和天文学也颇感兴趣，不断深入思考人类精神世界和宇宙奥秘。他以融合象征主义和抽象绘画的独特表达方式而闻名，其创新手法，特别是将音乐形式融入绘画结构，源于他作为作曲家的敏锐感知，巩固了他如今的艺术声誉。

为纪念他诞辰 150 周年，立陶宛举办了此次展览，展出了来自立陶宛考纳斯 M. K. Čiurlionis 国家艺术博物馆收藏的约 80 幅代表性绘画、版画和素描作品。

 展览分为三个章节，外加序言和尾声，序言介绍了丘尔廖尼斯艺术生涯的起点。

丘尔廖尼斯于1875年出生于立陶宛南部一个普通的家庭，自幼便在身为管风琴家的父亲的指导下展现出音乐天赋。1894年，18岁的他进入邻国波兰的华沙音乐学院学习作曲。他在那里磨练技艺直至1901年，创作了包括其代表作交响诗《在森林里》在内的多部音乐作品。之后，他前往德国莱比锡皇家音乐学院深造，直到1902年左右才开始认真追求他长久以来的绘画梦想。

据说他早期的画作强烈体现了象征主义风格，但可惜的是，大部分作品都已遗失。 《森林中的低语》 （1904年）是他于1904年进入新成立的华沙美术学院就读一年级时创作的一幅珍贵的幸存作品。

画中，一只如薄雾般朦胧的手出现在一片树林前，树林矗立在一片神秘幽暗的森林中。将其与前一年创作的同主题明信片进行比较，便能更清晰地看出树木的形态如何与竖琴的琴弦交织，森林的低语如何与拨动琴弦的声音相融合。这幅作品已强烈地体现了丘尔廖尼斯绘画中日后将成为其标志性特征的音乐感性。

第一章“自然的韵律”追溯了丘尔廖尼斯笔下的自然景象。

在华沙生活期间，丘尔廖尼斯丰富的自然环境一直是其艺术创作的灵感源泉。然而，他的画作很少描绘写实的风景；他主要关注的是自然界的动态变化。他以抽象的、有时甚至是拟人化的方式捕捉自然界固有的韵律和循环过程，并赋予它们抒情性和象征意义。

这些兴趣最终促成了一系列以自然为主题的作品，例如四季更迭。在他最早的系列作品《闪光》 （1906年）中，由三幅作品组成，展现了一幅奇幻的画面：夜幕降临，一簇光芒从灰色的烟雾中涌现，排成一列移动，最终仿佛被风引导一般，出现在一扇蓝色大门前。

乍看之下，这道闪光或许会让人联想到萤火虫的生物发光等自然现象。然而，对于丘尔廖尼斯而言，“门”是一个至关重要的主题，它象征着现实与幻想、可见与不可见之间的界限，或许也是通往精神维度的入口，或是灵魂的通道。考虑到这些因素，它也可以被解读为暗示着某种根本性的东西，例如精神或灵魂，通过这道门发生转变的过程。

此外，当周围许多画家专注于描绘冬季宁静而忧郁的一面时，丘尔廖尼斯却试图将冬季内在的力量及其活力视觉化。在他创作的八幅系列画作《冬季》 （1907）中，他始终以树木——生命的象征——为主要主题，在冬季自然界的种种景象中，以不同的形态描绘树木。

该系列作品描绘了矗立在雪原中的树木，它们被坚硬的冰块包裹，有时呈现出生与死、希望与绝望等对比鲜明的概念，有时又象征着烛台，暗示着神圣的启示。随着积雪融化，万物复苏，所有元素——树木、雪花等等——都简化为由星形和矩形组成的几何图形，最终以一种展现冬季固有顽强生命力的方式结束了整个系列。

第二章“交响画”终于探讨了丘尔廖尼斯尝试将绘画和音乐融合在一起的主题。

1907年至1909年间，丘尔廖尼斯对这一主题进行了深入而系统的探索。当时，受波德莱尔、瓦格纳和尼采思想的影响，绘画与音乐融合的潮流在欧洲画家中兴起。然而，尽管许多画家对通过色彩表达通感音乐感兴趣，丘尔廖尼斯却以其作曲家的独特视角，将音乐本身的结构应用于绘画。这正是丘尔廖尼斯在现代艺术史上占据独特地位的原因。

在双联画《前奏曲，赋格曲》 （1908 年）中，前奏曲被用作赋格曲的引子，赋格曲是一种复调音乐形式，其中多个声部（部分）模仿和追求一个主题。

在《序曲》中，漂浮在屏幕中央的金色船只立刻吸引了人们的目光，但值得注意的是，屏幕右下角低着头坐着的人影，一只手向上指着，以及塔状的轮廓，一直延续到《赋格》的下半部分。

在接下来的“赋格”中，除了前述的主题之外，杉树也成为了画面的中心。乍看之下，这似乎是一幅宁静的湖畔景象，但仔细观察后，会发现杉树的影像与其在水面上的倒影之间存在着不协调之处。在这里，每个主题都遵循赋格的结构，以微妙的形式和色彩变化重复出现，并通过规模和稀疏度的变化来唤起音乐性。

正如这幅作品所示，丘尔廖尼斯摒弃了传统的基于透视的具象空间，转而采用多层水平分割的图层构建图像。然后，他借鉴了复调音乐（一种作曲技巧，例如赋格）中多条独立旋律同时和谐进行的方式，使每一层都产生共鸣，成功地以视觉方式呈现了复调音乐的意境。

此外，丘尔廖尼斯将奏鸣曲式引入绘画领域，一生创作了七个系列的宏大作品。本次展览展出了其中的三幅作品： 《第三奏鸣曲（蛇奏鸣曲）》、《第五奏鸣曲（海奏鸣曲）》和《第六奏鸣曲（星奏鸣曲）》 （均创作于1908年）。该系列作品的每个乐章都以速度命名，《第五奏鸣曲（海奏鸣曲）》由三个乐章组成：快板、行板和终曲。

在由规则水平层叠构成的“快板”乐章中，大海被描绘成一首音符跳跃的乐谱，波浪、泡沫和金色的颗粒沿着海岸扩散，构成了一幅生机勃勃的旋律。在接下来的“行板”乐章中，波浪的运动变得更加舒缓。在宁静的氛围中，目光沉入一个水下王国，立陶宛神话的意象在那里交织。而在“终曲”乐章中，泡沫和帆船等意象与振奋人心的波浪节奏汇聚，最终走向戏剧性的结局。

这幅作品是丘尔廖尼斯与未婚妻索菲亚在波罗的海度假胜地度过暑假时构思并创作的，有人认为其欢快的氛围正是他个人幸福的表达。此外，有人指出，《终曲》中巨浪的意象受到了葛饰北斋《富岳三十六景》中《神奈川冲浪里》的影响。（※此作品目前正在同期举办的“北斋：富岳三十六景——井之内收藏展”中展出。）

大海象征着永恒和生命的轮回，波浪的重复本身就蕴含着音乐的韵律，这深深地触动了丘尔廖尼斯的情感，并成为他交响诗和散文诗的主题。在本章节的展厅中，钢琴交响诗《大海》作为背景音乐播放，同时展出的还有《大海》的乐谱手稿。您将能够从多个角度探索丘尔廖尼斯如何细致地聆听自然的存在，并将自然的旋律“转录”到他的作品中。

第三章“献给立陶宛的幻想曲”着重描写了立陶宛民族性格，同时介绍了丘尔廖尼斯成熟时期的作品。

1904-1905年日俄战争和第一次俄国革命爆发后，立陶宛的民族解放运动迅速发展。作为立陶宛艺术界的领军人物之一，丘尔廖尼斯也投身于这场运动，创作了一系列散文集，这些散文集既是立陶宛文化的精神宣言，也是立陶宛民歌集的插图。其核心理念是，重新审视地方民间传说、民歌和手工艺——这些都是民族文化的重要组成部分——对于重塑失去的民族认同和构建独特的立陶宛艺术风格至关重要。

另一方面，民族文化也为丘尔廖尼斯的创作提供了丰富的灵感来源。例如，出现在《立陶宛公墓》 （1909年）中的十字架是该国的代表性图案之一，体现了立陶宛人民对独立的渴望。

在这幅作品中，天空以蛋彩画特有的半透明蓝绿色调为基础，闪耀着北斗七星的光芒，象征着灵魂的指引之光；十字架的轮廓则有节奏地排列在地面上。这些十字架融合了立陶宛传统的自然崇拜和祖先崇拜，以及14世纪被确立为国教的基督教的象征符号，其设计别具匠心，并饰以丰富的植物、动物和天体图案。

十字架逐渐融入民间信仰，被竖立在各处——墓地、路边、农田——成为一种祈祷和纪念的象征，其意义远不止于悼念逝者，也包括祈求旅途平安和五谷丰登。正因如此，它也成为了俄罗斯帝国同化政策下镇压的目标。

《骑士前奏曲》 （1909）更庄严地宣告了民族复兴。丘尔廖尼斯很少描绘具体的风景，但在这幅画中，他巧妙地融入了立陶宛首都维尔纽斯的元素。画中勇敢驰骋于城市之上的透明骑士（维蒂斯）象征着民族的独立与荣耀，也是14世纪至18世纪末立陶宛大公国的国徽。

此外，从 1907 年开始，丘尔廖尼斯创立了他自己独特的绘画流派——“童话”，发展出将民间故事、神话和普遍叙事结构与他自己的愿景融合在一起的原型图像。

奇幻世界、国王与公主、骑士、旅程和道路是此类作品的典型元素， 《童话（国王的童话）》 （1909）正是以国王为主题的作品。故事发生在一片笼罩在黑暗中的森林里，两位国王凝视着一座闪耀的穹顶，穹顶内展现着立陶宛美丽的自然风光和乡村景色。他们既体现了世界的二元性，又如同守护者一般，从外部世界俯瞰着小小的立陶宛。

从丘尔廖尼斯艺术生涯的早期开始，“国王”一直是其重要的主题之一。在本次展览的尾声部分，展出的杰作《雷克斯（国王）》将国王作为统治世界的超凡存在形象确立下来。

另一方面，丘尔廖尼斯接触到了当时的国际知识潮流，如神智学和天文学，这加深了他对人类精神世界和宇宙奥秘的思考。

这幅名为《祭坛画》 （1909年）的作品首次在日本展出，是丘尔廖尼斯的杰作，充满了宇宙般的视野和独特的鸟瞰式空间表现。巨大的阶梯式祭坛两侧描绘着骑士和天使等图案，这些图案对丘尔廖尼斯而言都具有象征意义。它们错综复杂的交织构成了一部宏伟史诗般的画面，从下至上层层递进。同时，阶梯本身象征着人类精神不断提升的各个阶段，而阶梯的数量则被认为与将宇宙和人类结构划分为七个阶段的神智学理论相对应。

展览以《雷克斯（国王）》 （1909）的尾声收尾。这幅杰作最全面地展现了丘尔廖尼斯的思想和形式探索，也是他尺寸最大的画作。在一幅以优美的单色光影交织而成的画布上，构成世界的四大元素——火、水、土、气——被浓缩其中。在如同宏大交响诗般错综复杂的结构之下，无数星辰、天使、树木等图案反复出现，而一位双层半透明的国王端坐于大地之上，仿佛垂直刺穿宇宙。

在这部至今仍充满神秘色彩的作品中，丘尔廖尼斯将他吸收的各种思想——包括立陶宛本土的自然崇拜、印度教、埃及神话、神智学、天文学和自然科学——融合到一个单一的叙事体系中，创造了一个与基督教上帝截然不同的全新故事。两位国王虽然展现了二元论的原则，但他们被描绘的不仅仅是世界的统治者，而是与自然和宇宙融为一体的泛神论存在。

这幅作品创作于丘尔廖尼斯为寻求绘画事业更上一层楼而将创作活动拓展至圣彼得堡的时期。正如他所愿，这幅作品受到了俄罗斯艺术界领军人物亚历山大·贝努瓦的高度赞扬。然而，丘尔廖尼斯对此毫不知情。由于创作的艰辛和精神压力，他的身心健康逐渐恶化。1911年4月10日，他因肺炎去世，年仅35岁。

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丘尔廖尼斯是一位独具特色的艺术家，他以精湛的技艺描绘了音乐与绘画、立陶宛民族认同，以及对人类心灵和宇宙奥秘的思考。自2000年以来，他的作品在欧洲各地举办，人们对他独特艺术世界的重新审视也日益升温。欢迎莅临展馆，欣赏他的作品。

“丘尔廖尼斯展览：内星图”概要

*本文信息截至发稿时有效。请访问展览官方网站获取最新信息。

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国立自然科学博物馆

近年来，以战斗形式介绍和讨论动物、恐龙和神话生物实力的所谓“战斗百科全书”非常流行。“世界上最强壮的动物是什么？”“当然是非洲象。”“不对，河马也很强壮。”这类讨论趣味十足，能够激发好奇的孩子和成年人的兴趣。

强大的力量、锋利的獠牙、致命的毒液、电击——这些危险生物拥有人类无法匹敌的惊人能力。这些能力可以称之为“终极技巧”，是它们在进化过程中为了捕猎和自卫而获得的。

聚焦于此类致命技艺，目前正在东京上野国立科学博物馆举办的特展“超级危险生物展：科学探索生命真正的力量”正在展出，展览从科学的角度探讨了危险生物惊人的生态习性以及常见生物隐藏的危险。它或许能为“最强者”之争提供新的视角。（展览持续至2026年6月14日）

该场馆的设计理念是“探索危险生物惊人能力的禁忌实验室”。它没有采用现有的分类方法，而是根据危险生物的标志性动作将其分为八类。展览运用多种方式呈现这些生物，包括珍贵的标本、先进的计算机生成图像、教学模型以及令人印象深刻的纪录片片段。

■展览构成
区域 A：“使用近战攻击的危险生物”
实验室 1. 强力战斗机类型
实验室 2. 致命咬伤类型
实验室 3. 武装型
实验 4. 大型集群类型

B区：“拥有特殊攻击能力的危险生物”
实验室5.剧毒型
实验六：化学攻击类型
实验7. 电击类型
实验室 8. 吸血鬼类型

基本上，每个展区都展示了每种宝可梦的一个特殊招式，而且显然，每个招式的名称都是由负责该展区的策展人专门为本次展览创作的。从酷炫到让人忍不住想大声念出来的招式名称，再到双关语，甚至还有一些直白得过分的招式名称，策展人的个性都展现得淋漓尽致。

值得一提的是，还有一些展览会吸引孩子们，例如“动物报纸：极其危险生物的案例档案”，它以报纸的形式呈现了国内外涉及危险生物的真实事件，以及按类型分类的卡片游戏风格的图标。

“力量战士”展区尤其令人印象深刻。展品包括非洲象、绿水蟒和食火鸡，这些动物体型庞大、力量惊人，无需任何花招就能构成强大的威胁。

例如，非洲象能用一种名为“鼻子炸弹”的简单却威力十足的招式，只需轻轻甩动象鼻，就能造成毁灭性的打击。象鼻是这一招式的关键，长度可达2米，重达150公斤，其独特之处在于它没有骨骼，完全由肌肉构成。象鼻由大约9万根肌纤维组成，与人体肌纤维的数量相当，这使得它能够进行复杂的收缩和伸展。此外，据说象鼻的硬度和形状可以通过调节内部液体的压力来自由改变，类似于液压系统。因此，它们不仅拥有强大的力量，还具备灵巧的技巧，例如能够捡起鸡蛋。

下一个展品是一头巨大的南方象海豹标本，体型堪比非洲象。虽然许多人可能认为海豹是悠闲、圆润、温顺的动物，但雄性南方象海豹体型惊人，身长可达5米，体重可达3吨。

即使被鲨鱼或虎鲸咬伤，象海豹有时也能凭借厚达10厘米的皮下脂肪层阻挡牙齿并再生皮肤，从而存活下来，展现了它们惊人的生存能力。这里播放的纪录片片段记录了一只南方象海豹闯入城市，试图用其致命的“身体挤压”动作（同时爬行）压扁一辆汽车的场景，让你真切感受到它们构成的威胁。

本次展览的另一个吸引人之处在于，它以“虎鲸大战大白鲨：谁才是海洋中最强大的？”为主题，展馆内各处陈列的展柱提供了各种信息，帮助您就“力量”这一主题做出明智的决定。

例如，在“致命一击”展览中，我们展示了擅长咬人的危险生物，不仅解释了牙齿的结构（牙齿表面覆盖着牙釉质，这是生物体中最坚硬的组织），还解释了咬合力，即“咬合力”。

在比较食肉动物的咬合力商数（BFQ，一种用于比较相对咬合力且与体型无关的指标）时，我们发现了一个有趣的结果：体重约100克的小型鼬科动物——小鼬（164）的咬合力商数显著高于狮子（123）和斑鬣狗（99.6）。此外，大熊猫（151）——一种既是食肉动物又是食草动物——的咬合力商数也很高，这表明体型较小或以草食为主的动物的咬合力不容小觑。

鼬科动物都是极其凶猛的猎手，它们以锋利的犬齿捕杀体型比自己大的猎物而闻名，例如伶鼬和狼獾。尤其是蜜獾，这种生活在非洲大陆上体型最大的鼬科动物，据说它无所畏惧地与体重超过自身十倍的狮子搏斗，其顽强的战斗精神令人叹为观止。

蜜獾的招牌绝技（能力）并非撕咬，而是“坚不可摧的身体和抗毒能力”。令人惊讶的是，它厚实而富有弹性的皮肤使其能够抵御动物撕咬、豪猪刺伤和蜜蜂蜇伤，甚至连眼镜蛇等毒蛇的攻击也能抵挡。可以说，它是一位攻守兼备、生存能力极强的均衡型战士。

此外，“致命一击”展览首次在日本公开展示了世界上最大的咸水鳄“罗龙”的等身复制品，这条鳄鱼身长超过 6 米。

由于曾发生多起致命事件，咸水鳄有时被称为“食人鳄”，一直以来都是人们关注的焦点。其中，洛龙（Lolong）保持着吉尼斯世界纪录“圈养最大鳄鱼”的称号，其体长惊人，达6.17米，体重1075公斤。展览现场展出了一尊根据菲律宾采集的洛龙数据扫描结果忠实复制而成的等比例模型。它庞大的体型让人不禁相信当年需要100人才能将其从海里拖出来的壮举。另一个亮点是“死亡翻滚”的视频讲解，鳄鱼咬住猎物后，会在水下扭动庞大的身躯将其撕成碎片。

在展出的“群居型”生物（如蚱蜢和食人鱼）中，行军蚁展区是必看的。

行军蚁栖息于东南亚和非洲，以其数千万只蚂蚁组成的庞大蚁群而闻名，它们会吞噬周围的猎物，然后再继续行进。它们攻击和杀死的不仅仅是小型蜥蜴和蚱蜢；据报道，它们甚至会攻击幼羊，以及因病无法行动的老人。它们强大的捕食能力足以令人不寒而栗。

蚁后作为蚁群的核心，长期以来被视为一种难以捉摸、近乎神话般的生物，尽管日本和海外的研究人员进行了多年的研究，但仍然难以证实它的存在。然而，九州大学博物馆副教授、本次展览的负责人之一丸山宗俊，以及昆虫探险家兼摄影师岛田拓，在肯尼亚共和国进行研究期间，成功捕捉到了一只蚁后，并将其拍摄下来。其中一件珍贵的蚁后标本，将在本次展览中首次在日本展出。

下半场的 B 区“特殊攻击危险生物”非常精彩，因为有各种各样棘手的特殊招式。

展览以“剧毒”部分开篇，分析了黄蜂、幼年巨蜥和蓝环章鱼等多种生物的毒素。紧随其后的是“化学攻击”部分，展示了一些奇特的特殊攻击手段，例如条纹臭鼬的强力毒液、100摄氏度高温气体以及自毁防御机制。“电击”部分探索了电鳗等生物的发电机制，它们可以产生高达850伏的电压。最后，“吸血”部分聚焦于吸血蝙蝠和蜱虫等吸血生物，并简要介绍了传染病的危害。

B区栖息着许多外形可能令人感到生理不适的生物，例如狼蛛和巨型蜈蚣，因此胆小者请谨慎前往。如果您不介意这些，请务必花时间仔细观察它们的外形。

在专门介绍蝎子的章节中，你会看到“剧毒”蝎子的典型例子——死亡潜行者（意为“走向死亡的蝎子”）。这种中等体型、身形纤细的蝎子拥有蝎子界最强效的神经毒素之一。旁边还有帝王蝎，尽管外表威猛，但其毒液却出奇地弱，通常只会造成类似蜜蜂蜇伤的疼痛。关于蝎毒，一个有趣的现象是“爪子越小，毒液越强；反之，爪子越大，毒液越弱”，这清楚地表明了“危险程度并非总是如表面看起来那样”。

说到徒有其表的生物，被描述为“剧毒”的太阳蜘蛛就是一个典型的例子。它被誉为“仅凭第一印象就足以令人胆寒的节肢动物王国生物之一”。它巨大的螯肢确实令人印象深刻，但除此之外，它并无其他真正的威胁。尽管它看起来像是要冲向人类，但实际上它只是在寻找阴凉处躲避它不喜欢的阳光，而且它相当胆小。它既没有毒液也没有毒刺，所以它出现在这个展览中的原因令人费解，但这恰恰是它的魅力所在。它基于外表所展现的“危险性”与本次展览的主要展品不相上下。

另一个亮点是利用最新技术制作的透明标本，用于展示“电击”型电鳗、电鲶和电鳐。

透明标本是一种通过化学处理使生物标本透明化的方法，从而无需解剖即可观察其内部结构。传统方法需要使用强化学试剂溶解肌肉和内脏器官，这使得除骨骼以外的其他结构难以观察。然而，近年来，无需使用强化学试剂即可观察标本内细胞和基因的透明化技术相继问世。本次展览也采用了其中一种技术——CUBIC方法的改进版本，使得以往难以观察的发电器官的三维结构得以呈现。

本次展览聚焦于生物的致命攻击手段，旨在从科学的角度揭示其奇妙的生态机制以及人们熟知生物所隐藏的危险。然而，从展览总负责人、国立科学博物馆动物学部的川田真一郎的评论来看，展览策划的背后似乎隐藏着一个愿望，那就是基于科学认知来传达“正确恐惧”的重要性。

川田警官警告人们要警惕大众媒体对危险生物的夸大渲染，以及充斥着虚假图片和视频的互联网所构建的现代社会。人类不仅对拥有自身所缺乏能力的生物感到恐惧，也对其充满敬佩，渴望了解更多、模仿甚至超越他们。这种求知欲极大地推动了科学的发展，从解剖学到尖端生物化学和遗传学，无不体现着科学的进步。此外，他还强调，危险生物的能力是“科学知识的宝库”，其中许多知识可以用于开发我们生活必需的材料和技术。

当你参观这个展览时，你会逐渐意识到，懂得“适当地恐惧”是人类生存的一种策略，它将引领我们走向更美好的明天。

在展览开幕前的媒体预览会上，担任本次展览大使和语音导览解说员的喜剧二人组麒麟成员川岛彰亮相。

谈及对展览的印象，他评论道：“这里有很多具有全球价值的展品，而且每个区域都像一个实验室，让人感觉身临其境。越往里走，我越沉浸其中，感觉自己就像是研究团队的一员。” 他说，最令人印象深刻的危险动物是长颈鹿，并说道：“它们是食草动物，从它们的外表来看，我觉得它们温顺可爱，但看了视频后，我才知道它们会用脖子攻击，这种攻击力足以用脖子杀死一个人。我之前随口说‘是长颈鹿’，现在想想真是太失策了。” 这番话引得观众一阵哄笑。

最后，他们以如下方式宣传了此次展览：
“展览中有一个展品展示，蝎子的毒液越弱，它的爪子就越大。这告诉我们，越是弱小的人，越容易装出一副勇敢的样子去挑衅——这是人类的普遍特征。看完展览后，你可以重新思考自己的优势是什么。你可能会发现，你的优势是一颗充满同情心的心，或者是一种优先考虑他人的善良——这是人类独有的力量。我认为这是一个能让你有所发现的精彩展览。”

“极其危险生物展：科学应对生物面临的严峻挑战”特展将持续至2026年6月14日。

特别展览“极端危险生物展：科学应对生命面临的严峻挑战”概述

场地	国立自然科学博物馆
展览期	2026年3月14日（星期六）至6月14日（星期日）
营业时间	上午 9:00 – 下午 5:00（下午 4:30 停止入场）
夜间营业	从 4 月 25 日（星期六）至 5 月 6 日（星期三，节假日），博物馆将开放至下午 6:00（最后入场时间为下午 5:30）。
休息日	5月7日星期一（星期四） *但是，博物馆将于 4 月 27 日（星期一）、5 月 4 日（星期一/国庆节）和 6 月 8 日（星期一）开放。
价格（含税）	普通门票/大学生：2300日元；小学生/初中生/高中生：600日元（当日售票）
组织者	国立科学博物馆、TBS电视台、TBS Growdia、朝日新闻
询问	050-5541-8600（Hello Dial），03-5814-9898（传真）
运营商官方网站	https://chokikenseibutsuten.jp/

*请注意，展览期间、开放时间和闭馆日期可能会有所变更。
*请注意，此信息可能并非最新信息。详情请查看展览官方网站。

 

文章提供： Cocosil Ueno

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东京都美术馆

东京都美术馆将举办日本首个瑞典黄金时代绘画作品展，近年来，瑞典绘画作品在全球范围内备受瞩目。此次名为“瑞典绘画：北欧之光，日常光辉”的展览，为纪念东京都美术馆开馆100周年，将于2026年1月27日（星期二）至2026年4月12日（星期日）举行。

*所有展出作品均归瑞典国家博物馆所有。

海岸线遍布礁石，森林雄伟壮丽，湖泊星罗棋布，冬季白雪皑皑，盛夏庆典和悠闲的生活方式是传统文化的典范。我们今天所理解的“瑞典性”，是由瑞典画家在19世纪80年代至1915年左右重新发现的，这段时期被称为瑞典艺术的黄金时代。本次展览在瑞典国家博物馆的全力支持下，通过约80幅画作，系统地展现了瑞典艺术在这一黄金时代的发展历程，并探索了北欧人与自然和谐共处、享受充实生活的独特理念。

展览分为六个章节。第一章“瑞典现代绘画的曙光”以尼尔斯·布洛马尔为开篇，据说他是第一位以北欧神话和民间传说为主题的画家，旨在建立一种独特的瑞典艺术形式。

瑞典是第一个在北欧国家建立皇家绘画学院（后更名为皇家美术学院）的国家，该学院成立于1735年。瑞典的传统艺术教育以法国为蓝本，并鼓励将瑞典的历史和神话作为重要的研究课题。然而到了19世纪中期，瑞典深受当时在法国和德国兴起的浪漫主义思潮的影响。尤其是在风景画领域，德国杜塞尔多夫画家的作品被视为典范。这些画家以细致入微的观察为基础，生动地描绘了自然界的雄伟壮丽和壮阔壮阔，许多北欧画家，包括瑞典画家，都慕名前往杜塞尔多夫，寻求艺术的熏陶。

这一趋势与1850年在斯德哥尔摩举办的北欧艺术展密切相关。曾在杜塞尔多夫画派学习的挪威画家在展览上展出了描绘挪威农民生活和峡湾壮丽景色的作品。在瑞典画家看来，这些作品虽然披着创新的外来风格外衣，却深深扎根于斯堪的纳维亚的真实世界，这激发了他们在本国创造一种全新的本土艺术形式的渴望。

19世纪70年代末，一些年轻的瑞典画家对学院陈旧的教学方法感到不满，于是前往巴黎寻求新的表达方式、价值观和艺术指导。当时，印象派等颠覆传统艺术价值观的新兴艺术形式在巴黎蓬勃发展，但许多瑞典画家却选择回归现实主义和自然主义，力求捕捉人物和自然最自然的状态。

在第二章“走向巴黎：邂逅现代法国绘画”中介绍的雨果·萨尔姆松（1843-1894）是最早赴法国学习的瑞典画家之一。他深受巴比松画派的影响，该画派以描绘农民劳作的场景为主题，同时也深受朱尔斯·巴斯蒂安-勒帕热和朱尔斯·布雷顿的现实主义绘画的影响。从《拾穗者》这幅画中，我们可以看出他们的影响不仅体现在题材上，也体现在描绘自然时所采用的即兴、粗犷的笔触上。

另一位在巴黎期间接触到户外写生运动并形成明亮清新色彩和光线风格的画家是阿诺德·约瑟夫森（1851-1906）。1885年，以约瑟夫森为首的一群年轻艺术家向过时的皇家美术学院递交了一份声明，呼吁改革。这些选择脱离学院的艺术家被称为“叛逆者”（Oponentena），并从19世纪90年代起引领了瑞典绘画的发展方向。

第三章“格雷兹-苏尔-卢万的艺术家村”介绍了斯堪的纳维亚艺术家在法国各地建立艺术聚落（社群）的情况，他们开始重视户外艺术。19世纪80年代，瑞典画家们的创作基地之一是位于巴黎东南70公里处的小村庄格雷兹-苏尔-卢万。他们在这里度过夏天，描绘农民的日常生活和卢万河沿岸的田园风光。

瑞典民族画家卡尔·拉尔森（1853-1919）在默默无闻时也搬到了同一地区，在那里他接触到了水彩画，并在充满耀眼光芒的轻松愉快的风景画中找到了新的表达方向。

19 世纪 80 年代末，许多曾在法国工作的瑞典画家回到家乡，致力于创作具有鲜明瑞典特色的艺术，以展现他们的民族认同感。

第 4 章“日常生活中的光辉——过着‘瑞典式’的生活”，收录了艺术家们的作品，他们从严酷而丰富的自然、自己的家庭、亲密的朋友或日常生活中隐藏的转瞬即逝的快乐中找到了主题，并以亲密和充满情感的表达方式描绘了它们。

拉尔森尤其塑造了“瑞典生活”的形象。他和妻子卡琳（也是一位画家）以及他们的七个孩子住在位于达拉纳省中部松德博恩镇的乡村小镇利拉希特内斯，这是一栋两层楼的房子。为了满足家庭的需求，房子经过多次翻修。受当时在英国流行的工艺美术运动的影响，他巧妙地将不同时期和风格的家具融合在一起，并用卡琳亲自设计的纺织品和刺绣装饰室内。他满怀热情地打造了他理想中的家，一件完整的生活艺术品。

在当时的瑞典社会，一种理念正在传播：一个简约舒适、充满匠人巧手打造的“真正美好的事物”的居住环境，能够培养人们的审美情趣，并最终创造一个更美好的社会。正是在这种文化背景下，拉尔森于1899年出版了《居所》（Ett hem），这是一本水彩画集，描绘了他自家住宅的室内装饰、生机勃勃、无忧无虑的生活场景以及四季更迭的景象。这本画集后来被广泛认为是理想家园的象征，代表了“瑞典性”。

尽管《家》展览包含24幅水彩画，但为了保护这些艺术品，东京、山口和名古屋的每个展馆仅展出一幅原作。取而代之的是，另外九幅水彩画将通过特别制作的视频内容进行展示，在大屏幕上传递“莉拉·希特尼斯”温馨的氛围。

安德斯·索恩（1860-1920）是拉尔森的朋友，也是瑞典最早享誉国际的画家之一。他同样从巴黎返回瑞典，定居于家乡达拉纳省的莫拉镇。达拉纳省历史悠久，传统深厚，索恩经常以达拉纳的民间文化为创作主题，例如当地的传统音乐和服饰，这些文化在现代化的浪潮中正逐渐消逝。他笔触迅疾，生动地捕捉光影变幻的瞬间，其作品《科尔-玛吉特编织》至今仍是瑞典最受喜爱、复制次数最多的画作之一。

与此同时，第五章“超越现实：描绘不可见的世界”重点关注那些对超越现实的不可见世界感兴趣的画家，例如将北欧神话与他们自己的精神世界和民族主义联系起来，以及将民间传说视觉化。

乔恩·鲍尔（1882-1918）以其为瑞典童话集《布兰德·托姆塔尔和巨魔》（Bland tomtar och troll）所作的插图而闻名，是一位深受喜爱的插画家，他以北欧民间故事为蓝本，描绘了充满奇幻色彩的世界，其中不乏巨魔和森林仙子。他笔下光线昏暗、色彩柔和、仿佛拥有自己意志的森林，以及那些既诡异又略带忧郁和幽默的巨魔形象，都唤起了人们对自然的神秘感和敬畏之情。

奥古斯特·斯特林堡（1849-1912）是一位尤为独特的人物，他是瑞典19世纪最重要的剧作家和作家。斯特林堡自学成才，一生中只有很短一段时间专注于绘画，而这段时期恰逢他精神状态不稳定，包括剧作创作的低谷、家庭不和，以及对神秘学和化学实验的兴趣。他用画刀创作的风景画直接触动观者的心灵，甚至触动了他自身的精神状态。他独特的风格充分利用了创作过程中潜意识涌现的偶然性和意象。

第六章“与自然同行：瑞典新绘画的诞生”是本次展览的亮点。瑞典曾被认为是一个“无画可画”的国家，但从19世纪90年代起，画家们开始“发现”瑞典独特的自然美景，例如茂密的森林和湖泊、嶙峋的海岸线以及白雪皑皑的冬季景色，并开始探索描绘这些美景的合适方式。

例如，古斯塔夫·菲耶斯塔德（1868-1948）是一位定居于瑞典中西部韦姆兰省拉肯湖畔的画家，他一生都在创作冬季风景画。他的作品《冬日月光》以其饱满而富有装饰性的笔触描绘了覆盖地面和针叶树的蓬松圆润的积雪。他独特的点彩画法，通过有节奏地叠加细小的点和线，营造出浑然一体的画面效果，赋予了雪景一种神秘而宁静的氛围，这正是菲耶斯塔德的标志性风格。

这一时期的风景画尤其注重探索题材和技法，更强调通过风景来表达情感和氛围。柔和细腻的黄昏和黎明光线完美地诠释了这一点，取代了19世纪80年代作品中常见的耀眼阳光。夏夜漫长的暮色和笼罩夜空的蓝色光芒，赋予画面一种诗意的氛围，照亮了瑞典丰富的自然景观。这种后来被称为“民族浪漫主义”的艺术潮流，催生了其他国家艺术中鲜见的、独具特色的瑞典绘画。

尼尔斯·克鲁格（1858-1930）自巴黎时期起便对马匹在各种工作环境中的表现抱有浓厚的兴趣。即使回到瑞典后，他仍然继续描绘在故乡卡尔马附近的乌兰岛上，马匹、牛群和其他牲畜悠闲吃草的场景。晚年深受梵高影响的克鲁格，其画作《夜幕降临》生动地捕捉了黄昏的氛围和光线，画面一半被蓝色的光芒笼罩，笔触短促有力，颇具梵高的风格。仔细观察，你会发现这蓝色的光芒不仅笼罩着天空，也倾泻在吃草的马匹和大地上，在原本平凡的风景中营造出一种宏伟而奇幻的氛围。

此外，本次展览的语音导览（需付费）首次在博物馆的特色导览中加入了“慢赏”环节。这一观赏方式也应用于国立博物馆的教育项目中，让参观者通过仔细观察每一件作品并提出问题，更深入地欣赏艺术作品。参观时，请务必体验一下。

“东京都美术馆百年纪念展：瑞典绘画：北欧之光，日常光辉”概览

*本文内容截至发稿时有效。请访问展览官方网站获取最新信息。

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台东区一叶纪念馆

 

台东市一叶纪念馆目前正在举办名为“一叶居住的下谷龙泉寺町”的特别展览，展现樋口一叶在下谷龙泉寺町（现龙泉）的生活，这里也是她代表作《竹仓部》的背景地。展览将于2025年10月25日（星期六）至12月21日（星期日）举行。

■ 台东市一叶纪念馆<br />为了保存明治时期杰出女作家樋口一叶的文学成就，众多志愿者齐心协力，于1961年创建了这座日本首座专门纪念女性作家的文学博物馆。2006年，受一叶肖像被选为新版5000日元纸币的启发，这座破旧的建筑进行了翻新。另一大亮点是建筑师柳泽隆彦的精美设计。馆内收藏并展出了大量珍贵资料，展现了一叶的创作活动和生活方式，其中包括《竹仓部》的未完成手稿、信件以及和歌条。

在下谷龙泉寺町的生活经历，成就了“奇迹般的14个月”。

樋口一叶（本名：夏）1872年（明治5年）出生于一个中产阶级家庭。她从小就展现出过人的天赋，14岁时进入中岛歌子的诗歌学校萩野屋，学习古典诗歌、和歌和书法。

1889年，他的父亲因病去世，给他留下了巨额债务。年仅17岁的他被迫承担起养家的重任，过着艰辛的生活，供养母亲泷和妹妹国。他师从报社记者兼作家花井东水，并于1892年在文学杂志《武藏野》上发表了小说《山樱》，正式以小说家的身份出道。他试图用作品的版税来补贴家用，但始终无法摆脱贫困。 1893年7月，他从宁静的本乡菊坂町搬到了吉原红灯区附近的下屋龙泉寺町368番地，在那里开了一家杂货店和糖果店。他体验到了当地一年一度的盛事，例如洗足稻荷祭和鸟之市，并终日观察着红灯区里来来往往的人群。

最终，他的生意并未步入正轨，九个多月后，他搬到了福山町丸山本乡。从此，他潜心写作，根据在下谷龙泉寺町的生活经历，创作了一系列杰作，包括《竹藏部》、《浊江》和《十三屋》。这十四个月后来被誉为“奇迹般的十四个月”。他的作品受到森鸥外和幸田露伴的盛赞，并收到许多邀约，但他却在1896年因肺结核去世，年仅24岁。

特别展览“下谷龙泉寺町，一叶生活的地方”介绍了下谷龙泉寺町的地方特色，这里是一叶作为作家茁壮成长的沃土，并揭示了她在那里的生活、所见所闻以及所学到的东西。

一叶居住的贫民窟

进入展厅，首先映入眼帘的是根据严谨的历史考证和访谈资料，还原了下谷龙泉寺町当时的景象。展厅中央是伊一叶居住的两栋公寓楼，沿着大园寺通（现茶屋町通）笔直向前延伸，便可看到大羽黑道府的石墙和紧急关卡，这里是吉原红灯区的分界线。从这里步行几分钟即可到达。

■ “大羽黑护城河中倒映的灯光仿佛让他们就在那里，马车来来往往，象征着无比的繁荣。（略）转过三岛神社的拐角，没有看到什么大型建筑，只有一排十栋屋檐下陷的公寓楼，总共二十栋……” （摘自《竹仓部》开头） 现代译文：三层楼高的红灯区灯火通明，喧闹声清晰可闻，就连漆黑的排水沟里也倒映着灯光。早晚车水马龙，可见此地无比繁荣。（略）然而，一旦转过三岛神社的街角，映入眼帘的并非高大醒目的豪宅，而是一排十来栋屋檐倾斜的排屋。

■ “这栋房子位于从下谷到吉原的一条主干道上。从傍晚开始，就能听到马车呼啸而过的声音和灯光。那景象，真是美得无法用语言形容。”（摘自日记《尘埃中》） 这栋房子位于从下屋到吉原的唯一一条路上，到了晚上，人力车的吆喝声此起彼伏，灯光忽明忽暗。那景象难以用语言形容。

连接三岛神社和吉原娱乐区的大园寺通，曾是前往吉原的人力车的主要路线。结合模型和一叶的描述，吉原灯火辉煌、熙熙攘攘的三层妓院和川流不息的车流，与附近破败的廉租房区形成了鲜明的对比。

明治时代的吉原——孩子们也对庭园着迷

《竹仓部》的故事发生在下屋龙泉寺町和吉原红灯区，讲述了一个情感丰富的故事，描绘了将来会成为和尚的信之、将来会成为妓女的绿以及他们的青梅竹马翔太郎之间淡淡的爱情，以及他们在走向成年的过程中所面临的冲突，所有这一切都发生在季节性事件的背景下。

故事始于8月18日，即洗足稻荷祭的前两天，结束于第三鸟祭之后，大约在11月底或12月初，这与一叶在下屋龙泉寺町居住的时期重合。显然，一叶的亲身经历深深地融入了她的作品之中，据说许多人物都是以真人为原型创作的。

在锦绘版画《新吉原稻本郎街角中町庭若即兴图》中，我们可以感受到熙熙攘攘的景象。这幅画描绘了秋季的庭若，而庭若这一活动也出现在作品中。庭若是指艺伎在街边摊位进行即兴表演的活动。在吉原，春季的中町樱花（夜樱）、夏季的玉菊灯笼和秋季的庭若都是吉原的三大景致，深受人们喜爱。一叶巧妙地将这些景致融入到她的作品中，生动地展现了四季的更迭。

故事还描绘了孩子们完全沉浸在吉原的氛围中，开始模仿仁和时代的艺伎，一叶对他们进步如此之快感到惊叹，写道：“孟子的母亲也会惊叹的。”可以说，只有真正生活在那个地区的一叶才能写出如此真实的印象。

一叶不仅从外部观察吉原，还亲自前往探访。她从为她安排工作的“引手茶屋”的女管家那里了解到了花街的情况，欣赏了玉菊灯笼，并详细记录了在花街表演新奈伏舞的艺妓的年龄、衣着和举止……每一次访谈都对日后竹仓部产生了深远的影响。

在糖果店里反复尝试数日——有时还会抱怨

据说，一叶这幅引人注目的肖像画的灵感来源于她1893年8月6日日记《尘埃之内》中的一段文字：“第六天，晴空万里。我开店了。（省略）今晚我装了第一批货，很重……”8月6日是店铺开业的日子，起初，店里出售各种杂物，例如掸子、肥皂、刷子和浅草纸。一叶很快意识到，单靠这些不足以盈利，于是她求助于一位朋友的父亲，他经营着一家糖果批发店，开始出售玩具和廉价糖果，例如面子、气球和绘本。她每天都和来店里的孩子们交朋友。

尽管一叶精力充沛，为了寻找新的住处，她甚至在盛夏酷暑中每天穿着木屐或草履步行20公里，但她却难以承受忙碌的生意节奏，她的信件和日记中充满了抱怨。例如，当她的朋友野宫菊子邀请她去千叶县多古町的家乡静修时，一叶写道：

■ “我希望至少能逃离尘埃三天……但我被困在一栋着火的房子里，焦躁不安，一刻也不得安宁，还要与邻居们的愤怒作斗争，而你们却会嘲笑我。” 现代翻译：我真希望能够逃离这个烦心的世界，哪怕只有三天也好，但琐事不断涌现，我根本没有时间做任何事，而且生活条件艰苦。请让我笑一笑吧。

他在回信中带着一丝自嘲的语气描述了自己的处境。

尽管他尝试了各种方法寻求帮助，但生意还是每况愈下，因为第二年一月，竞争对手在茶屋町大街开了一家店。最终，仅仅九个多月后，他就关掉了店铺，搬到了本乡丸山福山町的新家，决定专心写作。

一叶重拾小说家之路

顺便一提，即使在一叶住在下屋龙泉寺町，几乎完全停止写作期间，曾因《哀号》而赞赏她才华的作家星野天智和平田时，也一直耐心地劝说她继续写作，尽管她因繁忙的日程而犹豫不决。最终，她得以在他们创办的杂志《文学会》上发表了《琴之音》和《花笼》两部作品。本次展览展出了《花笼》的未完成手稿，上面留有修改和大量删减的痕迹，反映了作者的创作历程；同时展出了她记录创作《琴之音》时痛苦挣扎的日记，以及这两部作品最初发表的杂志。

展厅尽头陈列着与《竹仓部》相关的资料，包括未完成的草稿、折纸书《竹仓部绘卷》，甚至还有收录了刊登在《文艺俱乐部》杂志上的手稿的书籍。未完成的草稿与最终版本的内容差异显著，因此，将它们并排阅读，定能发现新的内容。

一叶早期的作品风格奇幻，也包括一些平凡的爱情悲剧故事。但她在下谷龙泉寺町的亲身经历，使她的风格转向更为写实，有时会描绘贫困和女性困境等残酷的现实。本次展览展现了她创作生涯中的一个重要转折点，正是这一转折使她成为明治时期最杰出的作家之一。

此外，在距离一叶纪念馆步行约两分钟的茶屋町通上，有一座纪念樋口一叶故居的纪念碑。自一叶居住于此以来，由于关东大地震后为重建首都而进行的土地调整工程，龙泉地区已发生了显著变化，但“从下屋到吉原的单一笔直道路”的痕迹仍然保留了下来。

沿着茶屋町通向东走，你会看到一根柱子，上面标示着吉原上屋町的紧急出口位置。除了参观特展之外，不妨花点时间想象一下，从一叶的公寓里看到的吉原花街是什么样子？

“下谷龙泉寺町，一叶居住的地方”特展概览

日期	2020年10月25日（星期六）至12月21日（星期日）
场地	台东区一叶纪念馆（东京都台东区龙泉3-18-4）
营业时间	上午 9:00 – 下午 4:30（下午 4:00 停止入场）
休息日	每周一
入场费	成人：300日元；小学生、初中生和高中生：100日元 * 持有身体残疾证明、康复证明、精神健康和福利证明或特定疾病医疗护理接受者证明的人士及其护理人员可免费入场。 *每周六，居住在台东区或在台东区就读的小学生和初中生及其陪同监护人可免费入场。
询问	一叶纪念馆 03-3873-0004
官方网站	https://www.taitogeibun.net/ichiyo/

*本文内容截至采访当日有效。请以官方网站为准获取最新信息。

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国立自然科学博物馆

 

国立科学博物馆目前正在举办名为“大灭绝：生命史上的五大灭绝”的特展，该展览聚焦于地球40亿年历史上发生的五次“物种大灭绝”，通常被称为“五大灭绝” 。展览将于2025年11月1日（星期六）至2026年2月23日（星期一，国定假日）举行。

在生命史上，“灭绝”与“进化”密不可分。灭绝是指一个物种在没有留下任何后代的情况下消亡，通常认为每百万年约有10%的物种灭绝。另一方面，大规模灭绝是指不同分类群的物种在地质时间尺度上极短的时间内同时灭绝。

历史上曾有大约90%的物种灭绝，对生态系统造成了巨大冲击。这或许会让人对物种大灭绝现象产生负面印象。然而，尽管大约6600万年前的小行星撞击终结了“恐龙时代”，但哺乳动物迅速占据了陆地生态系统，留下了物种空缺，随后的多样化进化过程最终孕育了人类。如此一来，新物种取代灭绝物种的现象在生命史上不断重演。换言之，物种大灭绝是生命史上的重大转折点，也可以被视为推动生命进化和多样化的重要动力。

“大灭绝——生命史上的五大灭绝”特展聚焦于对生命史产生重大影响的五次重大物种灭绝事件，通常被称为“五大灭绝”。展览运用最新研究成果，探讨了每次灭绝事件的成因以及灭绝前后生物多样性的变化。

介绍结束后，参观者将看到球形视频展览“大灭绝球”，其中展示了五大物种的精彩影像。

以“大灭绝球体”为中心，呈放射状分布着六个区域，其中包括一个逐一讲解“五大灭绝”事件的区域，以及一个介绍新生代之后世界的区域。参观完一个区域后，游客会回到“大灭绝球体”中心。这种展馆结构在国立科学博物馆的特展中较为少见，其关键在于各个区域之间可以轻松穿梭。

展览内容如下：

第一集：“OS边界：海洋环境的多样化”
第二集“FF边界：陆地生态系统的发展”
第三集：“PT 边界：历史上最大规模的物种灭绝”
第四集：“TJ Boundary：向恐龙时代的巨大转变”
第五集：白垩纪-古近纪界线：中生代的终结
第六集：“新生代生物多样性：后五大洲时代”

“XX界线”是用来划分地质时期的术语；例如，“OS界线”代表奥陶纪和志留纪之间的界线，大约在4.44亿年前，第一次生物大灭绝发生于此。

为了筹备此次展览，博物馆还在与“五大生物”有着密切联系的摩洛哥开展了研究，其中包括费祖阿塔化石遗址。该遗址让我们得以一窥奥陶纪末期生物大灭绝之前的世界，此外，博物馆还收集了三叶虫和其他生物的标本，并调查了与三叠纪末期生物大灭绝相关的火山活动。这些调查结果将首次向世人展示。其中一项研究成果便是巨型甲胄鱼——邓氏鱼（一种盾皮鱼）的化石标本，它将在第二集中亮相。

大约在3.8亿至3.6亿年前的FF界线（对应于晚泥盆世）附近，发生了一次分阶段的大灭绝事件。据信，该事件是由火山爆发导致的骤冷和海洋酸化共同作用造成的。尽管它是五大灭绝事件中规模最小的一次，但海洋生物受到的破坏却最为严重，18%至41%的属和42%至69%的物种灭绝。此外，珊瑚礁也遭到大规模破坏，几乎所有无颌鱼类都消失了。

邓氏鱼是一种体型巨大的盾皮鱼，体长超过4米，头骨上长有强有力的颌骨。它曾主宰着晚泥盆世的海洋，但盾皮鱼似乎并没有存活到钙质纪。

另一方面，在陆地上，没有根和叶的植物在整个泥盆纪时期经历了快速的身体结构演化。从泥盆纪中期开始，出现了几个具有粗壮树干并最终成为树木的分类群。其中，世界上已知最古老的树木是原始蕨类植物瓦氏蕨（Wattiersa），发现于美国纽约州（本次展览展出了其复制品）。早期裸子植物和小叶植物也相继出现，历史上最早的森林形成于泥盆纪晚期。

也有人指出，这些森林的出现导致大量二氧化碳的消耗，这可能加剧了气候变冷，并导致了海洋生物的大规模灭绝。

第 5 集“K-Pg 界线：中生代的终结”解释了发生在白垩纪末期（大约 6600 万年前）的第五次生物大灭绝，这次灭绝是由一颗直径约 10 公里的小行星撞击墨西哥尤卡坦半岛附近引发的。

火灾的冲击能量产生了大量的含硫蒸汽，这些蒸汽与水蒸气反应生成硫酸盐气溶胶。这些气溶胶与森林火灾产生的烟尘共同作用，阻挡了阳光长达数年甚至数十年。这不仅阻碍了作为食物链基础的植物的光合作用，还导致了酸雨的形成，对生物体造成了严重破坏。

该场馆展出了一块 CM2 型碳质球粒陨石，据信与 1969 年坠落在澳大利亚默奇森地区的陨石属于同一类型，此外还展出了小行星撞击时引发的地震和巨大海啸所形成的地质层标本。

此外，重点介绍在第五次大灭绝中幸存下来的中生代哺乳动物和森林恢复的章节，展出了许多从美国丹佛自然科学博物馆运到日本的珍贵化石标本。该博物馆拥有世界领先的脊椎动物和植物化石收藏之一。

说到珍稀标本，第六集“新生代生物多样性：五大生物之后的世界”首次公开展示了在东京多摩川发现的一具完整的斯特勒海牛骨骼化石。斯特勒海牛是生活在北太平洋的大型食藻哺乳动物，展出的这具化石长约6米，是目前已知最古老的斯特勒海牛化石。该物种最后一次被发现是在1768年，一些人认为人类活动可能加速了它们的灭绝。

近年来，环境变化和生物多样性丧失被认为是人类活动造成的，这已成为全球热议的话题，一些人甚至将当前形势描述为“第六次物种大灭绝”。参观本次展览的观众将了解到，运用自然科学研究（例如本文所介绍的研究）所获得的知识来预测当前物种灭绝和气候变化在未来可能造成的后果，并利用这些知识制定应对措施和对策，是多么重要。

在活动开始前的新闻发布会上，本次展览的特邀导航员福山雅治登台亮相。

福山曾担任NHK自然纪录片节目《热点：最后的乐园》的主持人，并在之后的15年中走遍世界各地，探寻濒危野生动物令人惊叹的生态和进化之谜。在第二个展馆，正在举办福山拍摄的27幅动物摄影作品的特别展览，并附有题为“生命之声，大地之歌”的说明文字。

福山表示，她的创作灵感源于她的祖母。祖母独自抚养四个孩子，同时坚持务农，与自然保持着紧密的联系。“从小我就觉得大自然既美丽又遥远，但同时也是一个难以生存的地方。所以，当我接到自然节目的邀请时，我并非只是想去欣赏美景，而是更关心我们家族赖以生存的自然环境正在发生怎样的变化。”她这样解释自己对这个节目的想法。

福山还表示，通过这次展览，他感受到地壳运动和火山活动是地球作为一个整体生命体进行“新陈代谢”的一部分。“当发生大规模灭绝时，70%甚至90%的生物都会灭绝。这是否是地球为了生长和进化而做出的牺牲？如果我们认为幸存的生物对地球至关重要……如果是这样，那么如果我们把现在视为‘第六次大灭绝’，我们作为地球这个生命体，究竟在为地球做些什么？或许我们最终也会成为地球生长和变化的牺牲品。”他反思着脑海中萦绕的诸多思绪说道。

最后，他向即将参观展览的孩子们传达了以下信息：

看完展览后，我深感我们无法生存，既离不开与生俱来的东西（比如环境和运气），也离不开我们努力奋斗争取来的东西。有些人可能会疑惑，为什么要学习，为什么要上学。但我希望大家能够意识到，在这个贫困、歧视、分裂和疏离并存的世界里，我们能够接受义务教育，拥有一个可以学习的环境，是多么幸运。即使“大灭绝”展览让你感到恐惧，我也希望它能让你思考如何与你挚爱的家人和朋友一起生存下去，并让你明白你需要竭尽全力。

“大灭绝：生命史上的五大物种”特展概述

日期	2025年11月1日星期六 – 2026年2月23日星期一（假日）
场地	国立科学博物馆（东京上野公园）
营业时间	9:00-17:00（16:30前停止入场）
休息日	2026年1月1日（星期四）、11月25日（星期二）、12月28日（星期日）至2026年1月1日（星期四）、1月13日（星期二） *但是，博物馆将于11月3日（星期一，国庆节）、11月24日（星期一，闭馆）、1月12日（星期一，国庆节）、2月16日（星期一）和2月23日（星期一，国庆节）开放。
入场费	成人及大学生：2300日元；小学生、初中生及高中生：600日元 *学龄前儿童免费。 *持有残疾证明者及其一名陪护人员可免费入场。 *更多详情请查看展览官方网站。
组织者	国立科学博物馆、NHK、NHK推广公司、读卖新闻
询问	050-5541-8600（Hello Dial）
官方展览网站	https://daizetsumetsu.jp/

*本文内容截至发稿时有效。请访问展览官方网站获取最新信息。

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国家西方艺术博物馆

国立西方艺术博物馆正在举办名为“奥赛博物馆印象派：室内故事”的展览，该展览聚焦于印象派画家笔下的室内场景。展览将于2025年10月25日（星期六）至2026年2月15日（星期日）举行。

提到“印象派”，我们首先想到的或许是捕捉户外光线或变幻氛围的风景画。他们创作风景画的方式以及对户外写生的运用，无疑给现代艺术带来了一场革命。与此同时，对室内空间的关注也是印象派的重要组成部分，埃德加·德加便是其中的典范。他探索了人造光而非自然光的效果，并留下了许多基于敏锐观察的室内绘画杰作。

首届印象派画展于1874年在巴黎举办。当时，巴黎正经历着大规模的城市改造工程——奥斯曼改革，城市面貌迅速现代化。在这座熙熙攘攘、充满活力的都市中，人们大部分时间都待在室内，室内场景比室外场景更显私密，可以说是现代艺术的典型主题。换句话说，室内场景为艺术家们提供了完美的创作灵感，激发他们创作出与时代相契合的新画作。

本次展览将展出约100件绘画、素描和装饰艺术品，其中包括约70件来自巴黎奥赛博物馆（被誉为“印象派圣殿”）的杰作，以及来自日本和海外的重要作品。展览将分四个章节，探讨印象派画家及同时代画家（如德加、马奈、莫奈和雷诺阿）在室内空间创作中的兴趣和表现挑战。

 

第一章“室内肖像画”着重探讨了肖像画。肖像画在19世纪末的沙龙和艺术市场中极为流行，也是印象派画家重要的表达方式。在他们的肖像画中，他们描绘模特在日常生活中的场景，试图展现人物的性格、职业、社会阶层和审美趣味等社会属性，有时还会通过精心的指导将这些属性巧妙地融合在一起。

本部分的亮点是德加青年时期的杰作《家庭肖像（贝雷利一家）》 （1858-1869），这幅画作经过修复后首次在日本展出。画中描绘了流亡佛罗伦萨的德加的姑姑一家，乍看之下，这似乎是一幅正式的家庭肖像，场景设定在一间典型的资产阶级定制公寓的房间里，房间以醒目的蓝色调装饰。然而，这幅作品不仅坦率地捕捉了每个人的个性和特点，还通过对人物面部表情、姿态和位置的巧妙处理，暗示了这对夫妇之间紧张的关系和心理上的疏离，如同心理剧一般。这种手法突破了传统、肤浅的理想化家庭形象，显得格外具有现代感，也充分展现了年轻的德加的真诚和敏锐的观察力。

莫奈的诗意之作《公寓一角》（1875年）描绘了他在巴黎附近阿尔让特伊的家，是他为数不多的室内画作之一。莫奈对光影效果的敏锐感知在这幅画中展现得淋漓尽致：前景中敞开的窗帘和绿植，与远处昏暗的房间形成鲜明的明暗对比，冷暖色调交相辉映。画中，他的儿子让和一位被认为是他妻子的女子卡米尔的身影被描绘得十分含蓄，几乎如同剪影一般，但窗帘和镶木地板上反复出现的斜线引导着视线，强化了人物形象的冲击力。

19世纪下半叶，随着工作场所与家庭界限的日益清晰，与可以自由出入公共场所的男性形成鲜明对比的是，资产阶级女性由于不被允许自由外出，她们的活动主要局限于家庭内部。第二章“日常生活场景”介绍了一系列作品，这些作品捕捉了女性在家中享受爱好和手工活动的轻松场景，例如音乐演奏、阅读和针线活。

雷诺阿的《弹钢琴的女孩们》（1892年）也是本次展览的主视觉作品。这幅画是应当时美术局局长的要求而创作的，其目的是为了吸引卢森堡博物馆（当时的国立现代艺术博物馆）收藏。在那个年代，拥有一架钢琴象征着财富和高雅的生活方式，而弹钢琴则是上流社会女儿们的爱好，因此也成为了绘画的热门题材。这幅作品以温暖的色彩和柔和的笔触，描绘了几个女孩脸贴着脸，专注地看着乐谱，展现了一幅理想的资产阶级家庭景象。

第三章“室内室外光线与自然”展示了印象派画家如何将他们对室外光线和自然的兴趣融入到他们的作品中，其中的作品以连接室内和室外空间的复杂空间为背景，例如阳台、露台和温室，这些都是 19 世纪流行的社交场所。

阿尔伯特·巴托洛梅的《温室里的景象》（约1881年）描绘了他家特制的玻璃温室中的一幕。巴托洛梅的妻子普洛斯佩里身着清凉的紫色夏装，告别了刺眼的阳光，步入灯光昏暗的温室。那里棕榈树和天竺葵正蓬勃生长，枝繁叶茂。柔和的光线在她脸上和裙摆上投下斑驳的光影，营造出舒适的夏日氛围。

这幅画作完成后不久，普洛斯佩里便病逝于1887年。巴塞洛缪悲痛欲绝，将画中描绘的辉煌时刻珍藏于心，似乎从未舍弃过这幅画作和那件礼服。为了纪念这一特殊时刻，这件礼服也与画作一同在展览中展出。

本章还介绍了静物画，将自然作为装饰元素带入室内，以及日本主义的发展，日本主义以自然为主要灵感来源，创造了创新的装饰艺术。

第四章“印象派装饰”探讨了印象派画家将自然融入室内装饰后出现的各种室内装饰表现形式。当时，装饰艺术——此前曾被视为低俗肤浅的表达方式——正逐渐受到人们的积极评价。本章分析的案例包括为罗马尼亚贵族比贝斯科王子设计的宅邸、年轻的雷诺阿与建筑师查尔斯-贾斯汀·勒库尔的合作作品，以及莫里索的客厅兼工作室模型，从中我们可以一窥装饰画对居住空间的影响。

马奈和莫奈为他们的赞助人、商人欧内斯特·霍舍德的城堡创作了装饰画。马奈的《花丛中的孩子（雅克·霍舍德）》 （1876年）描绘了霍舍德家的长子雅克从花园的花丛中探出头来；莫奈的《火鸡》 （1877年）则描绘了一群火鸡在草地上漫步，城堡则作为背景。这两幅画都以印象派特有的明亮色彩和大胆笔触，捕捉了霍舍德家族熟悉的场景和主题，让我们既能欣赏印象派的美学，又能了解其客户的品味。

古斯塔夫·卡耶博特与莫奈一样热爱园艺和景观设计，他对装饰性植物绘画也抱有浓厚的兴趣。《雏菊花丛》 （1892-1893）是一幅未完成的作品，据信是他最初为自家创作的墙面装饰画。这幅画以鸟瞰视角，将白色雏菊散布在画布上，营造出一种沉浸感，仿佛将观者包裹其中。画面无限延伸，没有起点也没有终点，与莫奈的“大型装饰画”系列作品——《睡莲》系列——有着异曲同工之妙。

“奥赛博物馆印象派画展——室内世界的故事”让参观者体验印象派的魅力。印象派艺术在19世纪巴黎的都市生活中，突破了自然与室内空间的界限，创造出独具创新的艺术作品。展览将持续至2026年2月15日（星期日）。

《奥赛博物馆印象派：室内画作赏析》概述

*本文内容截至发稿时有效。请访问展览官方网站获取最新信息。

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上野之森博物馆

正仓院位于奈良东大寺旧址内，是一座神奇的宝库，近1300年来守护并传承了9000件传承天平文化精髓的宝藏。每年秋季，上野之森美术馆都会举办“正仓院展”，向公众开放这些珍宝。最近，上野之森美术馆正在举办“正仓院THE SHOW——感受此刻存在的奇迹”，旨在提供一种不同于观赏实物的全新方式来欣赏珍宝。

该活动将于 2025 年 9 月 20 日星期六至 2025 年 11 月 9 日星期日举行。

光明皇后（701-760年）扶持了以建造地方寺庙和东大寺大佛而闻名的第45代圣武天皇（701-756年），并致力于制定佛教政策和救济贫民。正仓院宝物的历史始于光明皇后为祈求圣武天皇的灵魂安息，将圣武天皇的部分爱物捐赠给东大寺大佛。在约9000件宝物中，许多都清晰地记录了其制作日期、目的和来源，至今仍传承着当时人们的技艺、审美观念和愿望。

本次展览由宫内厅正仓院全权负责，以“编织爱与美”为主题，揭开这些在御玺制度下被精心守护的宝物背后的各种故事，让参观者全身心地感受它们的魅力。

会场入口处，展出了一本与捐赠文物目录《国宝图鉴》等身大小的复制品，该图鉴全长超过14米，展开后铺满整张纸，展现了正仓院文物的起源。本次展览是大阪会场的巡回展览，而《国宝图鉴》则是东京会场的新展品。

在活动前的新闻发布会上，宫内厅正仓院事务所所长饭田武彦谈到了由于试图严格管理这些在1300年间变得脆弱的宝藏，使其难以向公众开放这一难题，并解释说，此次展览正是为了解决这个问题而诞生的。 “我们希望提供一种比仅仅观看宝藏本身更具创新性的体验，因此我们还设置了能够调动五感的展品，让参观者能够从各个角度欣赏宝藏的魅力。”他说道，因此，本次展览并未展出实际的宝藏。

有些人可能会失望地想“什么，没有真品吗？”，但实际上，这里展出的是宫内厅正仓院经过多年研究和制作的“复制品” 。

与普通的复制品不同，复制品并非简单地再现其外观，而是运用各种分析仪器和光学设备，探究当时的材料和技术，由人间国宝等工匠以娴熟的技艺，力求重现宝物的原貌。本次展览展出了11件复制品，其中包括世界上唯一现存的古代五弦琵琶、作为正仓院代表宝物的“螺钿紫檀五弦琵琶”和“螺钿盒” 。

正仓院的目标是“再造一件正仓院的宝物”。复制品就像是穿越时空来到现代的宝物，让我们能够尽可能真实地看到奈良时代的人们所见到的宝物，没有任何褪色或损坏。

此外，自2019年起，正仓院事务所一直与TOPPAN合作，充分利用最新的3D测量、高分辨率摄影和纹理捕捉技术，创建宝物的详细3D数字数据（数字档案） 。

本次展览将在该3D数字数据上添加特效的影像作品，以约12K的高清影像形式，投射在高约4米、宽约20米的巨型屏幕上。屏幕采用基于2023年荣获诺贝尔化学奖的“量子点”研究成果开发的屏幕涂料，使这些珍品以更加鲜明的对比效果闪耀。

约17分钟的放映影片，以华丽的音乐为背景，分为三个部分：讲述正仓院秘闻的“故事影像”、展现宝物本身震撼人心“美”的“数字宝物影像”以及“宝物复刻及仿制影像”。其中，最令人印象深刻的是故事影像中的“正仓院之美世界”，骆驼、大象、神兽等在宝物上的花鸟纹饰和螺钿装饰中翩翩起舞，营造出一个奇幻的“美”世界。宝物所蕴含的美感浓缩于此，置身于屏幕前，更能获得身临其境的体验。

数字珍宝影像以不同的角度投射珍宝，让观者得以一窥肉眼难以察觉的细节和纹理。例如，精美的装饰镜“螺钿圆镜11号”，其花卉和鸟类图案点缀着青金石和绿松石碎片；以及精美的香炉座“漆金薄绘板B”，其上有32片色彩鲜艳的花瓣。即使不使用单筒望远镜，也能获得真正身临其境的观赏体验。“漆金薄绘板B”的花瓣被拆开，展现出花朵绽放的图案，以及香火升腾的景象，这才是只有数字数据才能带来的真正愉悦的体验。

亮点之一是再现传说中的香木“兰迦泰”的香气。兰迦泰（宝物名：黄树光）是一种沉香木，由生长在东南亚的瑞香科沉香属植物的树桩上沉积树脂和精油而成。它受到织田信长、足利义满、足利义政等当时的统治者的青睐，被称为“世界第一名香”。据说，如今还能闻到淡淡的兰迦泰香气，真是令人惊叹。

为了记录这逐渐消逝的香味，正仓院事务所与高砂国际株式会社合作，将从2024年开始分析从兰迦泰散发出的空气中的芳香成分。此外，通过调香师的“闻香”（一种将香木放在香炉中加热并品尝香气的香味欣赏方法），他们发现这种香味与从岩蔷薇植物树脂中提取的天然香料劳丹脂相似，并以此为基础制作出了首款复制香水。

高砂国际株式会社IR/PR部的铃木隆志解释说：“与其说是‘乱世台’本身的香味，不如说是聆听时闻到的香味，是织田信长等人闻到的香味。” 活动现场将把香水的复制品放在玻璃容器中，让参观者能够真正感受到香味。

笔者感觉它散发着一种优雅的香味，让人联想到肉桂和杏仁。这款闻名世界的香水在现代重新焕发活力，非常推荐大家在会场体验一下。

“美丽大道”一直延伸到天花板，布满了各种各样色彩斑斓的珍宝图案，大道的另一边是展览区，展示着当代艺术家受正仓院珍宝启发而创作的新作品。

参与的艺术家有音乐制作人龟田诚二、摄影师泷本干也、陶瓷艺术家龟江道子、设计师篠原智惠。

龟田诚二 (Seiji Kameda) 发行了一首名为《光》的作品，将他珍藏的琵琶和尺八乐器的录音与当代音乐结合在一起。
滝本干也展出了一系列单色照片，照片中雄伟的正仓院在黑暗中被月光照亮，让人想起1300年前人们所看到的夜世界，那时还没有像今天这样的光。
龟江美智子想象了当时人们被从未见过的色彩、材料和图案所感动的故事，并在创作作品时将这些故事表演出来。展出的小盘子和花瓶上装饰着巧妙结合数字技术和模拟笔触创作的图案。

出席媒体预展的 Shinohara Tomoe 讲述了她的“LACQUERED EWER SHOSOIN DRESS ”的制作过程和细节，这件衣服融合了传统与现代元素，以波斯风格的水壶“laquered gobin”为主题，灵感来自正仓院宝藏的“与当今相关的美感” 。

《漆壶》是使用东亚独有的漆艺，用薄薄的银板雕刻出精美的花鸟动物图案的作品。篠原被这件作品压倒性的存在感所吸引，说道：“我感受到了大陆的慷慨流动感和永恒的美感。”

这件作品从构思到完成耗时约一年，基于宝物的3D数据，手工描绘了400多个不同的图案，同时也展现了历代工匠的热情。设计师们致力于展现1300年的历史，将切割好的黄铜片反复地贴在压碎的天鹅绒面料上，浸泡在化学品中，并加热，通过反复的尝试和错误，最终呈现出细微的差别。

这件衣服的重点在于其造型，她说道：“我根据3D数据，尽可能地保留了漆器gobin的东方造型。这是我第一次尝试用3D数据制作服装，但我希望人们能感受到仿佛真的在窥视一件宝藏。”

在观察漆器袈裟时，他发现不仅有鹿、鸟等动物，就连小昆虫也雌雄成双地生活着。他讲述了自己在漆器袈裟中发现“圣武天皇与光明皇后的爱情故事”时的感动。

“本次展览的最大特色在于，它能让人们感受到正仓院宝物的艺术感，也体现了宫内厅正仓院的严肃性。如果这次展览能让大家感受到正仓院宝物的魅力、手工的价值，以及祖先们传承至今的热情，我将不胜感激。希望大家前来参观。”

“正仓院 THE SHOW ～感受现存于此的奇迹～”展览不仅能让您感受到运用最新技术在现代复活的宝物的魅力，还能让您感受到守护和传承古代宝物历史的人们的心声。展览将持续至11月9日（周日）。

“正仓院 THE SHOW～感受存在于此时此地的奇迹～”概要

日期	2025年9月20日星期六 – 2025年11月9日星期日
场地	上野之森博物馆
营业时间	10:00-17:00（闭馆前30分钟停止入场）
入场费	（当日票）成人2,300日元、高中生、大学生1,700日元、小学生、初中生1,100日元 *学龄前儿童免费入场 *门票详情请见展览官网。
组织者	上野之森美术馆、“正仓院THE SHOW”执行委员会（读卖电视台、读卖新闻、凸版、角川媒体社）、日本电视台、BS日本电视台
监管	宫内厅正仓院
询问	您好请拨打050-5541-8600（每天9:00-20:00开放）
展会官方网站	https://shosoin-the-show.jp/tokyo/

*本文内容截至报道时为止。最新信息请以展会官方网站为准。

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《Berabou：茑重英华之梦花》是一部描写活跃于江户时代中期的媒体大亨茑屋重三郎（又名茑重）动荡的人生的历史剧。

这次我们去的“Berabou 江户大河剧博物馆”是在东京都台东区开设的设施，这里是与《Berabou 茑屋重三郎的梦话》主人公茑屋重三郎相关的地区。大河剧博物馆里充满了各种内容，例如角色的服装和道具，让您可以更享受戏剧的乐趣。

在本报告中，我们将介绍它的魅力和亮点。

体验江户时代的氛围

大河剧博物馆所在的台东区市民会馆距离浅草站步行几分钟即可到达。九楼是江户时代的街道“江户唐丸町”，步入其中，仿佛回到了过去。

从电梯通往大河剧博物馆的走廊也充满了各种娱乐游客的噱头，例如用闪光灯拍摄时人物会从剪影中显现出来的面板，以及根据观看角度而变化的浮世绘艺术墙壁。

一踏入“Berabou江户对头大雅剧场”，映入眼帘的便是横滨流星饰演的茑树的主角。

茑屋重三郎于1750年出生于江户新吉原（现台东区洗足），二十多岁时在吉原大门前开设了书店“幸书堂”。他与东洲斋写乐、喜多川歌麿等代表江户文化的文人交往甚密，被誉为“江户的媒体之王”，并取得了巨大的成功。

讲述茑寿一生的历史剧《はラヴィ：茑寿英华的梦坂はどど》将于 2025 年 1 月 5 日开播，截至 10 月初接受采访时，该剧已吸引了众多观众的关注。

《Berabou 介绍》介绍主要演员和工作人员

大河剧博物馆分为九个区域。
“Berabou 介绍”部分将展示 Tsutaju 的服装并介绍主要演员和工作人员。
最引人注目的是位于中央的茑久的服装，是茑久在剧中穿着的黑绿色紬条纹和服。

负责服装设计的伊藤幸子解释了为什么她选择绿色作为主角茑的和服，而不是更常见的靛蓝色：

“他仍然只是个无名小卒，但他不受任何事物的束缚，他淘气又富有想象力，他要创造一些新的东西。我选择了不易复制的绿色，作为象征这种原创生命的开始的颜色。”

他说道：

展览还展示了主演横滨龙星、饰演黑助稻荷的旁白绫濑遥等演员的评论，以及编剧森下芳子、作曲家约翰·格雷厄姆和标题书法家石川九阳等制作团队的评论。

面向海外观众的英文标题为“UNBOUND”的拍照点似乎非常受欢迎，许多人都像 Tsutaju 一样摆出双臂交叉的姿势拍照。

顺便一提，“UNBOUND”的意思是“解放”或“不受约束”。这个词似乎是用来形容茑屋重三郎的，他的生活不受社会地位或出身的束缚，也不受习俗的束缚。

“Ijikkenmichi Zone”展示了与Tsutaju相关的道具和面板。

接下来的“一箩道区”展出了与茑（现代的出版社；原指拥有印刷版的业主）相关的道具以及相关角色的面板。此外，展览中还展出了电影拍摄过程中实际使用的服装和道具（部分为复制品），价值不菲。

特别是第34届参赛作品《绘本虫·埃拉米》，是一本精美绝伦的绘本，充分展现了歌麿敏锐的观察力和写实主义。其鲜艳的色彩和细腻的写实感令人着迷。
这是一次近距离观看电视剧中必不可少的物品的难得机会。

还展出了“茑屋”的复制品。当然，尺寸会根据场地调整，但那确实是“茑屋”的原型。其还原度令人惊叹。

室内从五斗橱到家中的供桌，都经过精心复原，屋檐上摆放着茑重参与出版和出租书籍的书籍。馆内还可以坐坐，记得拍张纪念照哦。

再现吉原的大街！“中之町区域”

最引人注目的展品，莫过于小柴风花饰演的传奇妓女濑川在妓院游行时所穿的服装。您可以想象到妓女们在大街上轻快地行走，引人瞩目的场景。
背景中吉原主要街道中之町的视觉效果也给人留下了深刻的印象，但由于在实际拍摄电视剧时不可能搭建如此长的场景，因此小组成员解释说，他们使用了 LED 图像墙来营造深度。

此外，中野町区旁边的4K影院播放深入探讨节目主题和幕后花絮的视频内容，还介绍与茑重相关的台东区著名景点和历史遗迹。

另外，还有从大河剧博物馆出发前往与茑屋相关的景点（如茑屋的菩提寺正法寺、与茑屋有渊源的平贺源内的墓地等）的循环巴士，因此建议您实际参观一下在剧场中看到的景点（乘坐循环巴士时需要出示大河剧博物馆的纪念参观证）。

“台东区，茑重的渊源地”官方网站介绍了前往大河剧博物馆和茑重渊源地的示范旅游路线，以及茑重生活的江户时代文化相关的活动和传统仪式。
有兴趣的话请前往“台东区，与茑重有缘的地方”的官方网站确认。

江户城区主要展示幕府及其家臣

江户城也是故事中的一个重要地点。
《はがどどどどどどど》的故事背景设定在江户时代中期，那是一个长期和平、艺术文化繁荣的时代。然而，以松平定信的“宽政改革”为契机，茑重等人的境遇也发生了巨大的变化。

江户城区的展览主要关注与江户幕府有关的人物，例如将军家族及其家臣，以及介绍该项目的艺术和幕后拍摄的展板。

大河剧博物馆的尽头，陈列着演员们亲笔写下的留言和签名彩纸，传达着他们对这部剧的热爱。在这里，你可以找到自己喜欢的角色的签名，或者缅怀那些不幸已经离开剧场的角色。

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体验江户市场！“台东江户市场”

相邻的台东江户市场出售带有历史剧“Berabou”标志的纪念品，以及与江户相关的物品和台东区当地公司生产的产品。

台东江户市场琳琅满目的纪念品，光是逛逛就能花上一个小时，精美的店内装饰也令人赞叹。店内还设有“猜谜”（江户时代流行的一种谜语）的体验区，趣味十足。带孩子一起体验一下，一定很有趣。

说到好玩，大厅里的纪念章专区也有特色。
通过在参观证背面叠加五张彩色版画，最终您将完成歌川广重的《江户百景：浅草金龙山》。这是一次体验浮世绘多色印刷技术的有趣体验。

大河剧博物馆目前正在举办导览活动，无论是初次来访还是再次来访，都会感到乐趣无穷，不妨尝试一下。

虽然我没有看过这部电视剧，但我对剧中塑造的“江户媒体之王”茑重这个角色以及他成长的地方台东区很感兴趣。

大河剧博物馆将开放至2026年1月12日星期一（国定假日）。
参观完大河剧博物馆后，不妨去游览一下与茑重相关的地方，让您的思绪回到江户时代吧。

■“Berabou江户时代大雅剧场”概要

时期	2025年2月1日（星期六）～2026年1月12日（星期一/节假日）
营业时间	9:00-17:00（最后入场时间 16:30）
休息日	每月第二个星期一（如遇节假日则顺延至次日）、年末年初等
地方	东京都台东区花川户 2-6-5 台东市民会馆 9 楼
组织者	台东区历史剧“Berabou”推进协议会
询问	03-4330-1409（大河剧博物馆）
“台东区，与茑重有关的地方”官方网站	https://taito-tsutaju.jp/features/exhibition

■ 台东江户市场概况

时期	2025年2月1日（星期六）～2026年1月12日（星期一/节假日）
营业时间	9:00-17:00（最后入场时间 16:30）
休息日	每月第二个星期一（如遇节假日则改为次日）、年末年初等
地方	东京都台东区花川户 2-6-5 台东市民会馆 9 楼
询问	03-6802-8150（台东江户市场）
“台东区，与茑重有关的地方”官方网站	https://taito-tsutaju.jp/features/edomonoichi

※本文内容为报道时的最新信息。最新信息请确认官方网站。

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东京都美术馆

 

东京都美术馆目前正在举办“梵高：一个家族传承下来的画家之梦”展览，展览追溯了梵高家族的活动，包括深受全球喜爱的画家文森特·梵高（1853-1890）、他的兄弟提奥、他的妻子乔和他的侄子文森特·威廉的鼎力支持，并展示了文森特的梦想和作品如何传承至今。
该活动将于 2025 年 9 月 12 日星期五至 2025 年 12 月 21 日星期日举行。

文森特·梵高 (Vincent van Gogh) 的绘画生涯开始得比较晚，1880 年，27 岁时才开始，但在短短的 10 年时间里，他创作了约 2,000 幅作品，直到 1890 年 7 月 37 岁去世。在文森特的一生中，他的弟弟、密友兼艺术家同行西奥 (Theodorus van Gogh) 给予了他精神和经济上的全力支持，但他在哥哥去世六个月后也去世了。

虽然文森特在世时并非默默无闻，但众所周知，他的作品只售出过几幅。那么，他是如何获得如今如此辉煌的声誉，成为一位作品被世界各地艺术博物馆珍藏的画家的呢？

提奥的妻子约翰娜·梵高-邦格（Johanna van Gogh-Bonger）在他去世后继承了庞大的藏品，并在其中发挥了关键作用。乔毕生致力于将她姐夫的作品推向世界，她孜孜不倦地努力，通过在展览中展出他的作品、策略性地销售作品以及整理和出版他的书信，确保他作为一名画家得到应有的认可。

此外，西奥和乔的儿子文森特·威廉·梵高于 1960 年成立了文森特·梵高基金会，以防止藏品流失，并在开设国家文森特·梵高博物馆（现为梵高博物馆）方面发挥了重要作用，该博物馆对艺术品的借出政策非常慷慨。

此次展览是日本首次以梵高家族珍藏为主题的展览。展览将展出梵高博物馆馆藏的30余幅文森特油画及素描作品。此外，展览分为五个章节，展出了保罗·高更和爱德华·马奈的油画及素描作品、英法报纸插图版画、浮世绘版画等，展现了梵高兄弟的兴趣爱好和当时的艺术潮流。此外，展览还展出了四封首次在日本展出的文森特手写信件。

文森特立志成为一名画家，自1881年起，他在海牙和荷兰乡村纽南磨练素描和油画技艺。1886年，他移居巴黎，确立了自己的现代风格。之后，他又在阿尔勒、圣雷米和法国南部瓦兹河畔奥韦（他最终在奥韦去世）创作了一系列富有创新精神的杰作。本次展览展出的作品，让观众得以追溯这位艺术家在这十年紧张的创作生涯。

《戴防水帽的渔夫脸》 （1883年）创作于他在海牙期间。当时，他正热衷于学习铅笔、粉笔和墨水等黑色媒介，并受到报纸插图中现实主义题材和黑白对比的影响。在纽南逗留期间，他对色彩理论的兴趣日益浓厚，并开始积极创作静物画，以此练习色彩运用。 《插着月神花的花瓶》 （1884年）是他最早的植物静物画之一，创作于1884年深秋初冬。

抵达巴黎后，他惊讶地发现新先锋派画家的作品与他想象的截然不同，于是他开始摒弃作品中常见的阴暗色调，寻求新的色彩和笔触。他从自己敬仰的画家那里汲取灵感，例如德拉克洛瓦的色彩和蒙蒂切利的厚涂技法，仅在1886年夏天就创作了30多幅花卉静物画。其中一幅名为《插着唐菖蒲和翠菊花的花瓶》 （1886年），其背景独特，形似重叠的十字架。

如果你将目光投向本次展览的亮点——据说是他在巴黎期间创作的最后一幅杰作《画家的自画像》（1887-1888） ，你会惊叹于，与他在荷兰期间创作的油画相比，短短两年间，他已经蜕变为一位极具现代感的画家。

他在巴黎研习色彩理论的成果——丰富而娴熟的用色，源于画布上清晰可见的色彩，以及充满坚定自信的笔触，在画布上生动地蔓延。他的姿态优美，目光虽略带阴影，却直视观者，给人一种坚定意志的感觉，或许是他作为艺术家的骄傲，亦或许是他决心的宣言。

 关于这幅作品，有一则轶事，讲述的是1890年文森特和杨第一次见面的情景，当时文森特还没有离开圣雷米精神病院，准备前往瓦兹河畔奥韦。杨听过很多关于文森特疾病缠身、健康状况不佳的故事，所以他想象文森特看起来是个虚弱的人，但在回忆录中，他写道，他发现文森特“身材魁梧，肩膀宽阔，肤色健康，脸上挂着微笑，举止非常坚定”。他还补充道： “在他众多的自画像中，这幅画在画架前的自画像，最能体现他当时的面容。”

文森特本人似乎对这幅画有负面印象，将其与死神联系在一起，但无论如何，这幅作品被认为是文森特梵高基金会以及梵高博物馆最重要的珍宝之一。

文森特从职业生涯早期就非常欣赏被称为“乡村画家”的让-弗朗索瓦·米勒，并留下了许多临摹作品。他在阿尔勒时期创作的《播种者》 （1888年）便是以米勒的同名作品为蓝本。为了创作出一幅色彩斑斓的《播种者》，文森特反复制作原型，直到对这幅作品的构图感到满意为止。

浮世绘的影响在图案的处理和变形描绘中显而易见，例如大胆地将农民膝盖以下的部分裁剪的创新构图、以极端透视法在前景中近距离显示的树干以及神圣地照耀在农民身上的巨大太阳，因此该作品与浮世绘版画集一起展出。

同时，展览还特设杨志伟售出作品部分，即梵高博物馆馆藏以外的作品，以展现杨志伟在艺术领域无与伦比的创业精神和成就。

虽然Yo原本只是个艺术爱好者，但嫁给提奥后，她逐渐熟悉了现代和当代艺术，包括梵高、私人收藏家和博物馆的世界，以及艺术品交易的机制。提奥去世后，她定期出售文森特的作品，但维持父子生计的经济原因并非她所愿；她雄心勃勃的目标是树立文森特的声誉，因为她认为文森特是现代艺术的核心人物。

张氏夫妇保存的“账簿”揭示了杨氏的辛勤付出。最初，这些账簿仅记录家庭收入和支出，但在张氏去世后，他的艺术品销售记录也被记录下来，留下了杨氏出售作品的清晰记录，包括何时、卖给谁以及售价。经过研究和调查，已确认杨氏的绘画作品超过170幅，纸上作品44幅，其中三幅油画在本次展览中展出。

梵高博物馆拥有世界上最大的梵高作品收藏，约有200幅油画和500幅素描。据说，如果吕先生没有出售这些作品，梵高博物馆还会有大约250幅。然而，正是吕先生的战略性运作，才使得梵高的作品得以被世界各地的收藏机构收藏，让居住在日本的我们也能相对轻松地看到原作并进行欣赏。梵高“让100年后的人们也能欣赏到他的画作”的梦想，就此得以实现。

梵高博物馆的藏品自20世纪80年代后期以来，得益于捐赠和资助，逐渐丰富。藏品不仅涵盖了巴比松画派、海牙画派、象征主义、印象派、后印象派的作品，还有版画、海报等纸上作品，还收录了梵高本人的作品和书信。此次展览是梵高写给安东·凡·拉帕德的四封信首次来到日本，这封信的下落长期不明，于2006年在私人收藏中被发现。

这是四封信中的四张纸片，取自文森特写给范·拉帕德特（Van Rappaardt）的信。范·拉帕德特是文森特在布鲁塞尔结识的一位资深画家。信中描绘了坐在长椅上的人们，以及他在济贫院里见到的老人。这些信件很容易腐烂，很少在展览中展出，因此这次的展出机会极其难得。

展览结束时，将设置一个“沉浸式体验角”，带来一个高逾4米、宽逾14米的空间体验。巨型屏幕上将投射梵高博物馆珍藏的《杏树盛开的枝头》《麦田与乌鸦飞翔》等高清图像，以及《向日葵》（SOMPO美术馆）的3D扫描CG影像。欢迎前来体验这令人沉浸其中的体验，从肉眼难以触及的大胆视角，开启全新的发现。

“梵高展：一个家庭延续的画家之梦”概述

*本文内容截至报道时为止。最新信息请以展会官方网站为准。

文章提供： Kokosil Ueno

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