分类： Report

台东区一叶纪念馆

 

台东市一叶纪念馆目前正在举办名为“一叶居住的下谷龙泉寺町”的特别展览，展现樋口一叶在下谷龙泉寺町（现龙泉）的生活，这里也是她代表作《竹仓部》的背景地。展览将于2025年10月25日（星期六）至12月21日（星期日）举行。

■ 台东市一叶纪念馆<br />为了保存明治时期杰出女作家樋口一叶的文学成就，众多志愿者齐心协力，于1961年创建了这座日本首座专门纪念女性作家的文学博物馆。2006年，受一叶肖像被选为新版5000日元纸币的启发，这座破旧的建筑进行了翻新。另一大亮点是建筑师柳泽隆彦的精美设计。馆内收藏并展出了大量珍贵资料，展现了一叶的创作活动和生活方式，其中包括《竹仓部》的未完成手稿、信件以及和歌条。

在下谷龙泉寺町的生活经历，成就了“奇迹般的14个月”。

樋口一叶（本名：夏）1872年（明治5年）出生于一个中产阶级家庭。她从小就展现出过人的天赋，14岁时进入中岛歌子的诗歌学校萩野屋，学习古典诗歌、和歌和书法。

1889年，他的父亲因病去世，给他留下了巨额债务。年仅17岁的他被迫承担起养家的重任，过着艰辛的生活，供养母亲泷和妹妹国。他师从报社记者兼作家花井东水，并于1892年在文学杂志《武藏野》上发表了小说《山樱》，正式以小说家的身份出道。他试图用作品的版税来补贴家用，但始终无法摆脱贫困。 1893年7月，他从宁静的本乡菊坂町搬到了吉原红灯区附近的下屋龙泉寺町368番地，在那里开了一家杂货店和糖果店。他体验到了当地一年一度的盛事，例如洗足稻荷祭和鸟之市，并终日观察着红灯区里来来往往的人群。

最终，他的生意并未步入正轨，九个多月后，他搬到了福山町丸山本乡。从此，他潜心写作，根据在下谷龙泉寺町的生活经历，创作了一系列杰作，包括《竹藏部》、《浊江》和《十三屋》。这十四个月后来被誉为“奇迹般的十四个月”。他的作品受到森鸥外和幸田露伴的盛赞，并收到许多邀约，但他却在1896年因肺结核去世，年仅24岁。

特别展览“下谷龙泉寺町，一叶生活的地方”介绍了下谷龙泉寺町的地方特色，这里是一叶作为作家茁壮成长的沃土，并揭示了她在那里的生活、所见所闻以及所学到的东西。

一叶居住的贫民窟

进入展厅，首先映入眼帘的是根据严谨的历史考证和访谈资料，还原了下谷龙泉寺町当时的景象。展厅中央是伊一叶居住的两栋公寓楼，沿着大园寺通（现茶屋町通）笔直向前延伸，便可看到大羽黑道府的石墙和紧急关卡，这里是吉原红灯区的分界线。从这里步行几分钟即可到达。

■ “大羽黑护城河中倒映的灯光仿佛让他们就在那里，马车来来往往，象征着无比的繁荣。（略）转过三岛神社的拐角，没有看到什么大型建筑，只有一排十栋屋檐下陷的公寓楼，总共二十栋……” （摘自《竹仓部》开头） 现代译文：三层楼高的红灯区灯火通明，喧闹声清晰可闻，就连漆黑的排水沟里也倒映着灯光。早晚车水马龙，可见此地无比繁荣。（略）然而，一旦转过三岛神社的街角，映入眼帘的并非高大醒目的豪宅，而是一排十来栋屋檐倾斜的排屋。

■ “这栋房子位于从下谷到吉原的一条主干道上。从傍晚开始，就能听到马车呼啸而过的声音和灯光。那景象，真是美得无法用语言形容。”（摘自日记《尘埃中》） 这栋房子位于从下屋到吉原的唯一一条路上，到了晚上，人力车的吆喝声此起彼伏，灯光忽明忽暗。那景象难以用语言形容。

连接三岛神社和吉原娱乐区的大园寺通，曾是前往吉原的人力车的主要路线。结合模型和一叶的描述，吉原灯火辉煌、熙熙攘攘的三层妓院和川流不息的车流，与附近破败的廉租房区形成了鲜明的对比。

明治时代的吉原——孩子们也对庭园着迷

《竹仓部》的故事发生在下屋龙泉寺町和吉原红灯区，讲述了一个情感丰富的故事，描绘了将来会成为和尚的信之、将来会成为妓女的绿以及他们的青梅竹马翔太郎之间淡淡的爱情，以及他们在走向成年的过程中所面临的冲突，所有这一切都发生在季节性事件的背景下。

故事始于8月18日，即洗足稻荷祭的前两天，结束于第三鸟祭之后，大约在11月底或12月初，这与一叶在下屋龙泉寺町居住的时期重合。显然，一叶的亲身经历深深地融入了她的作品之中，据说许多人物都是以真人为原型创作的。

在锦绘版画《新吉原稻本郎街角中町庭若即兴图》中，我们可以感受到熙熙攘攘的景象。这幅画描绘了秋季的庭若，而庭若这一活动也出现在作品中。庭若是指艺伎在街边摊位进行即兴表演的活动。在吉原，春季的中町樱花（夜樱）、夏季的玉菊灯笼和秋季的庭若都是吉原的三大景致，深受人们喜爱。一叶巧妙地将这些景致融入到她的作品中，生动地展现了四季的更迭。

故事还描绘了孩子们完全沉浸在吉原的氛围中，开始模仿仁和时代的艺伎，一叶对他们进步如此之快感到惊叹，写道：“孟子的母亲也会惊叹的。”可以说，只有真正生活在那个地区的一叶才能写出如此真实的印象。

一叶不仅从外部观察吉原，还亲自前往探访。她从为她安排工作的“引手茶屋”的女管家那里了解到了花街的情况，欣赏了玉菊灯笼，并详细记录了在花街表演新奈伏舞的艺妓的年龄、衣着和举止……每一次访谈都对日后竹仓部产生了深远的影响。

在糖果店里反复尝试数日——有时还会抱怨

据说，一叶这幅引人注目的肖像画的灵感来源于她1893年8月6日日记《尘埃之内》中的一段文字：“第六天，晴空万里。我开店了。（省略）今晚我装了第一批货，很重……”8月6日是店铺开业的日子，起初，店里出售各种杂物，例如掸子、肥皂、刷子和浅草纸。一叶很快意识到，单靠这些不足以盈利，于是她求助于一位朋友的父亲，他经营着一家糖果批发店，开始出售玩具和廉价糖果，例如面子、气球和绘本。她每天都和来店里的孩子们交朋友。

尽管一叶精力充沛，为了寻找新的住处，她甚至在盛夏酷暑中每天穿着木屐或草履步行20公里，但她却难以承受忙碌的生意节奏，她的信件和日记中充满了抱怨。例如，当她的朋友野宫菊子邀请她去千叶县多古町的家乡静修时，一叶写道：

■ “我希望至少能逃离尘埃三天……但我被困在一栋着火的房子里，焦躁不安，一刻也不得安宁，还要与邻居们的愤怒作斗争，而你们却会嘲笑我。” 现代翻译：我真希望能够逃离这个烦心的世界，哪怕只有三天也好，但琐事不断涌现，我根本没有时间做任何事，而且生活条件艰苦。请让我笑一笑吧。

他在回信中带着一丝自嘲的语气描述了自己的处境。

尽管他尝试了各种方法寻求帮助，但生意还是每况愈下，因为第二年一月，竞争对手在茶屋町大街开了一家店。最终，仅仅九个多月后，他就关掉了店铺，搬到了本乡丸山福山町的新家，决定专心写作。

一叶重拾小说家之路

顺便一提，即使在一叶住在下屋龙泉寺町，几乎完全停止写作期间，曾因《哀号》而赞赏她才华的作家星野天智和平田时，也一直耐心地劝说她继续写作，尽管她因繁忙的日程而犹豫不决。最终，她得以在他们创办的杂志《文学会》上发表了《琴之音》和《花笼》两部作品。本次展览展出了《花笼》的未完成手稿，上面留有修改和大量删减的痕迹，反映了作者的创作历程；同时展出了她记录创作《琴之音》时痛苦挣扎的日记，以及这两部作品最初发表的杂志。

展厅尽头陈列着与《竹仓部》相关的资料，包括未完成的草稿、折纸书《竹仓部绘卷》，甚至还有收录了刊登在《文艺俱乐部》杂志上的手稿的书籍。未完成的草稿与最终版本的内容差异显著，因此，将它们并排阅读，定能发现新的内容。

一叶早期的作品风格奇幻，也包括一些平凡的爱情悲剧故事。但她在下谷龙泉寺町的亲身经历，使她的风格转向更为写实，有时会描绘贫困和女性困境等残酷的现实。本次展览展现了她创作生涯中的一个重要转折点，正是这一转折使她成为明治时期最杰出的作家之一。

此外，在距离一叶纪念馆步行约两分钟的茶屋町通上，有一座纪念樋口一叶故居的纪念碑。自一叶居住于此以来，由于关东大地震后为重建首都而进行的土地调整工程，龙泉地区已发生了显著变化，但“从下屋到吉原的单一笔直道路”的痕迹仍然保留了下来。

沿着茶屋町通向东走，你会看到一根柱子，上面标示着吉原上屋町的紧急出口位置。除了参观特展之外，不妨花点时间想象一下，从一叶的公寓里看到的吉原花街是什么样子？

“下谷龙泉寺町，一叶居住的地方”特展概览

日期	2020年10月25日（星期六）至12月21日（星期日）
场地	台东区一叶纪念馆（东京都台东区龙泉3-18-4）
营业时间	上午 9:00 – 下午 4:30（下午 4:00 停止入场）
休息日	每周一
入场费	成人：300日元；小学生、初中生和高中生：100日元 * 持有身体残疾证明、康复证明、精神健康和福利证明或特定疾病医疗护理接受者证明的人士及其护理人员可免费入场。 *每周六，居住在台东区或在台东区就读的小学生和初中生及其陪同监护人可免费入场。
询问	一叶纪念馆 03-3873-0004
官方网站	https://www.taitogeibun.net/ichiyo/

*本文内容截至采访当日有效。请以官方网站为准获取最新信息。

---

查看其他报告

国立自然科学博物馆

 

国立科学博物馆目前正在举办名为“大灭绝：生命史上的五大灭绝”的特展，该展览聚焦于地球40亿年历史上发生的五次“物种大灭绝”，通常被称为“五大灭绝” 。展览将于2025年11月1日（星期六）至2026年2月23日（星期一，国定假日）举行。

在生命史上，“灭绝”与“进化”密不可分。灭绝是指一个物种在没有留下任何后代的情况下消亡，通常认为每百万年约有10%的物种灭绝。另一方面，大规模灭绝是指不同分类群的物种在地质时间尺度上极短的时间内同时灭绝。

历史上曾有大约90%的物种灭绝，对生态系统造成了巨大冲击。这或许会让人对物种大灭绝现象产生负面印象。然而，尽管大约6600万年前的小行星撞击终结了“恐龙时代”，但哺乳动物迅速占据了陆地生态系统，留下了物种空缺，随后的多样化进化过程最终孕育了人类。如此一来，新物种取代灭绝物种的现象在生命史上不断重演。换言之，物种大灭绝是生命史上的重大转折点，也可以被视为推动生命进化和多样化的重要动力。

“大灭绝——生命史上的五大灭绝”特展聚焦于对生命史产生重大影响的五次重大物种灭绝事件，通常被称为“五大灭绝”。展览运用最新研究成果，探讨了每次灭绝事件的成因以及灭绝前后生物多样性的变化。

介绍结束后，参观者将看到球形视频展览“大灭绝球”，其中展示了五大物种的精彩影像。

以“大灭绝球体”为中心，呈放射状分布着六个区域，其中包括一个逐一讲解“五大灭绝”事件的区域，以及一个介绍新生代之后世界的区域。参观完一个区域后，游客会回到“大灭绝球体”中心。这种展馆结构在国立科学博物馆的特展中较为少见，其关键在于各个区域之间可以轻松穿梭。

展览内容如下：

第一集：“OS边界：海洋环境的多样化”
第二集“FF边界：陆地生态系统的发展”
第三集：“PT 边界：历史上最大规模的物种灭绝”
第四集：“TJ Boundary：向恐龙时代的巨大转变”
第五集：白垩纪-古近纪界线：中生代的终结
第六集：“新生代生物多样性：后五大洲时代”

“XX界线”是用来划分地质时期的术语；例如，“OS界线”代表奥陶纪和志留纪之间的界线，大约在4.44亿年前，第一次生物大灭绝发生于此。

为了筹备此次展览，博物馆还在与“五大生物”有着密切联系的摩洛哥开展了研究，其中包括费祖阿塔化石遗址。该遗址让我们得以一窥奥陶纪末期生物大灭绝之前的世界，此外，博物馆还收集了三叶虫和其他生物的标本，并调查了与三叠纪末期生物大灭绝相关的火山活动。这些调查结果将首次向世人展示。其中一项研究成果便是巨型甲胄鱼——邓氏鱼（一种盾皮鱼）的化石标本，它将在第二集中亮相。

大约在3.8亿至3.6亿年前的FF界线（对应于晚泥盆世）附近，发生了一次分阶段的大灭绝事件。据信，该事件是由火山爆发导致的骤冷和海洋酸化共同作用造成的。尽管它是五大灭绝事件中规模最小的一次，但海洋生物受到的破坏却最为严重，18%至41%的属和42%至69%的物种灭绝。此外，珊瑚礁也遭到大规模破坏，几乎所有无颌鱼类都消失了。

邓氏鱼是一种体型巨大的盾皮鱼，体长超过4米，头骨上长有强有力的颌骨。它曾主宰着晚泥盆世的海洋，但盾皮鱼似乎并没有存活到钙质纪。

另一方面，在陆地上，没有根和叶的植物在整个泥盆纪时期经历了快速的身体结构演化。从泥盆纪中期开始，出现了几个具有粗壮树干并最终成为树木的分类群。其中，世界上已知最古老的树木是原始蕨类植物瓦氏蕨（Wattiersa），发现于美国纽约州（本次展览展出了其复制品）。早期裸子植物和小叶植物也相继出现，历史上最早的森林形成于泥盆纪晚期。

也有人指出，这些森林的出现导致大量二氧化碳的消耗，这可能加剧了气候变冷，并导致了海洋生物的大规模灭绝。

第 5 集“K-Pg 界线：中生代的终结”解释了发生在白垩纪末期（大约 6600 万年前）的第五次生物大灭绝，这次灭绝是由一颗直径约 10 公里的小行星撞击墨西哥尤卡坦半岛附近引发的。

火灾的冲击能量产生了大量的含硫蒸汽，这些蒸汽与水蒸气反应生成硫酸盐气溶胶。这些气溶胶与森林火灾产生的烟尘共同作用，阻挡了阳光长达数年甚至数十年。这不仅阻碍了作为食物链基础的植物的光合作用，还导致了酸雨的形成，对生物体造成了严重破坏。

该场馆展出了一块 CM2 型碳质球粒陨石，据信与 1969 年坠落在澳大利亚默奇森地区的陨石属于同一类型，此外还展出了小行星撞击时引发的地震和巨大海啸所形成的地质层标本。

此外，重点介绍在第五次大灭绝中幸存下来的中生代哺乳动物和森林恢复的章节，展出了许多从美国丹佛自然科学博物馆运到日本的珍贵化石标本。该博物馆拥有世界领先的脊椎动物和植物化石收藏之一。

说到珍稀标本，第六集“新生代生物多样性：五大生物之后的世界”首次公开展示了在东京多摩川发现的一具完整的斯特勒海牛骨骼化石。斯特勒海牛是生活在北太平洋的大型食藻哺乳动物，展出的这具化石长约6米，是目前已知最古老的斯特勒海牛化石。该物种最后一次被发现是在1768年，一些人认为人类活动可能加速了它们的灭绝。

近年来，环境变化和生物多样性丧失被认为是人类活动造成的，这已成为全球热议的话题，一些人甚至将当前形势描述为“第六次物种大灭绝”。参观本次展览的观众将了解到，运用自然科学研究（例如本文所介绍的研究）所获得的知识来预测当前物种灭绝和气候变化在未来可能造成的后果，并利用这些知识制定应对措施和对策，是多么重要。

在活动开始前的新闻发布会上，本次展览的特邀导航员福山雅治登台亮相。

福山曾担任NHK自然纪录片节目《热点：最后的乐园》的主持人，并在之后的15年中走遍世界各地，探寻濒危野生动物令人惊叹的生态和进化之谜。在第二个展馆，正在举办福山拍摄的27幅动物摄影作品的特别展览，并附有题为“生命之声，大地之歌”的说明文字。

福山表示，她的创作灵感源于她的祖母。祖母独自抚养四个孩子，同时坚持务农，与自然保持着紧密的联系。“从小我就觉得大自然既美丽又遥远，但同时也是一个难以生存的地方。所以，当我接到自然节目的邀请时，我并非只是想去欣赏美景，而是更关心我们家族赖以生存的自然环境正在发生怎样的变化。”她这样解释自己对这个节目的想法。

福山还表示，通过这次展览，他感受到地壳运动和火山活动是地球作为一个整体生命体进行“新陈代谢”的一部分。“当发生大规模灭绝时，70%甚至90%的生物都会灭绝。这是否是地球为了生长和进化而做出的牺牲？如果我们认为幸存的生物对地球至关重要……如果是这样，那么如果我们把现在视为‘第六次大灭绝’，我们作为地球这个生命体，究竟在为地球做些什么？或许我们最终也会成为地球生长和变化的牺牲品。”他反思着脑海中萦绕的诸多思绪说道。

最后，他向即将参观展览的孩子们传达了以下信息：

看完展览后，我深感我们无法生存，既离不开与生俱来的东西（比如环境和运气），也离不开我们努力奋斗争取来的东西。有些人可能会疑惑，为什么要学习，为什么要上学。但我希望大家能够意识到，在这个贫困、歧视、分裂和疏离并存的世界里，我们能够接受义务教育，拥有一个可以学习的环境，是多么幸运。即使“大灭绝”展览让你感到恐惧，我也希望它能让你思考如何与你挚爱的家人和朋友一起生存下去，并让你明白你需要竭尽全力。

“大灭绝：生命史上的五大物种”特展概述

日期	2025年11月1日星期六 – 2026年2月23日星期一（假日）
场地	国立科学博物馆（东京上野公园）
营业时间	9:00-17:00（16:30前停止入场）
休息日	2026年1月1日（星期四）、11月25日（星期二）、12月28日（星期日）至2026年1月1日（星期四）、1月13日（星期二） *但是，博物馆将于11月3日（星期一，国庆节）、11月24日（星期一，闭馆）、1月12日（星期一，国庆节）、2月16日（星期一）和2月23日（星期一，国庆节）开放。
入场费	成人及大学生：2300日元；小学生、初中生及高中生：600日元 *学龄前儿童免费。 *持有残疾证明者及其一名陪护人员可免费入场。 *更多详情请查看展览官方网站。
组织者	国立科学博物馆、NHK、NHK推广公司、读卖新闻
询问	050-5541-8600（Hello Dial）
官方展览网站	https://daizetsumetsu.jp/

*本文内容截至发稿时有效。请访问展览官方网站获取最新信息。

---

查看其他报告

国家西方艺术博物馆

国立西方艺术博物馆正在举办名为“奥赛博物馆印象派：室内故事”的展览，该展览聚焦于印象派画家笔下的室内场景。展览将于2025年10月25日（星期六）至2026年2月15日（星期日）举行。

提到“印象派”，我们首先想到的或许是捕捉户外光线或变幻氛围的风景画。他们创作风景画的方式以及对户外写生的运用，无疑给现代艺术带来了一场革命。与此同时，对室内空间的关注也是印象派的重要组成部分，埃德加·德加便是其中的典范。他探索了人造光而非自然光的效果，并留下了许多基于敏锐观察的室内绘画杰作。

首届印象派画展于1874年在巴黎举办。当时，巴黎正经历着大规模的城市改造工程——奥斯曼改革，城市面貌迅速现代化。在这座熙熙攘攘、充满活力的都市中，人们大部分时间都待在室内，室内场景比室外场景更显私密，可以说是现代艺术的典型主题。换句话说，室内场景为艺术家们提供了完美的创作灵感，激发他们创作出与时代相契合的新画作。

本次展览将展出约100件绘画、素描和装饰艺术品，其中包括约70件来自巴黎奥赛博物馆（被誉为“印象派圣殿”）的杰作，以及来自日本和海外的重要作品。展览将分四个章节，探讨印象派画家及同时代画家（如德加、马奈、莫奈和雷诺阿）在室内空间创作中的兴趣和表现挑战。

 

第一章“室内肖像画”着重探讨了肖像画。肖像画在19世纪末的沙龙和艺术市场中极为流行，也是印象派画家重要的表达方式。在他们的肖像画中，他们描绘模特在日常生活中的场景，试图展现人物的性格、职业、社会阶层和审美趣味等社会属性，有时还会通过精心的指导将这些属性巧妙地融合在一起。

本部分的亮点是德加青年时期的杰作《家庭肖像（贝雷利一家）》 （1858-1869），这幅画作经过修复后首次在日本展出。画中描绘了流亡佛罗伦萨的德加的姑姑一家，乍看之下，这似乎是一幅正式的家庭肖像，场景设定在一间典型的资产阶级定制公寓的房间里，房间以醒目的蓝色调装饰。然而，这幅作品不仅坦率地捕捉了每个人的个性和特点，还通过对人物面部表情、姿态和位置的巧妙处理，暗示了这对夫妇之间紧张的关系和心理上的疏离，如同心理剧一般。这种手法突破了传统、肤浅的理想化家庭形象，显得格外具有现代感，也充分展现了年轻的德加的真诚和敏锐的观察力。

莫奈的诗意之作《公寓一角》（1875年）描绘了他在巴黎附近阿尔让特伊的家，是他为数不多的室内画作之一。莫奈对光影效果的敏锐感知在这幅画中展现得淋漓尽致：前景中敞开的窗帘和绿植，与远处昏暗的房间形成鲜明的明暗对比，冷暖色调交相辉映。画中，他的儿子让和一位被认为是他妻子的女子卡米尔的身影被描绘得十分含蓄，几乎如同剪影一般，但窗帘和镶木地板上反复出现的斜线引导着视线，强化了人物形象的冲击力。

19世纪下半叶，随着工作场所与家庭界限的日益清晰，与可以自由出入公共场所的男性形成鲜明对比的是，资产阶级女性由于不被允许自由外出，她们的活动主要局限于家庭内部。第二章“日常生活场景”介绍了一系列作品，这些作品捕捉了女性在家中享受爱好和手工活动的轻松场景，例如音乐演奏、阅读和针线活。

雷诺阿的《弹钢琴的女孩们》（1892年）也是本次展览的主视觉作品。这幅画是应当时美术局局长的要求而创作的，其目的是为了吸引卢森堡博物馆（当时的国立现代艺术博物馆）收藏。在那个年代，拥有一架钢琴象征着财富和高雅的生活方式，而弹钢琴则是上流社会女儿们的爱好，因此也成为了绘画的热门题材。这幅作品以温暖的色彩和柔和的笔触，描绘了几个女孩脸贴着脸，专注地看着乐谱，展现了一幅理想的资产阶级家庭景象。

第三章“室内室外光线与自然”展示了印象派画家如何将他们对室外光线和自然的兴趣融入到他们的作品中，其中的作品以连接室内和室外空间的复杂空间为背景，例如阳台、露台和温室，这些都是 19 世纪流行的社交场所。

阿尔伯特·巴托洛梅的《温室里的景象》（约1881年）描绘了他家特制的玻璃温室中的一幕。巴托洛梅的妻子普洛斯佩里身着清凉的紫色夏装，告别了刺眼的阳光，步入灯光昏暗的温室。那里棕榈树和天竺葵正蓬勃生长，枝繁叶茂。柔和的光线在她脸上和裙摆上投下斑驳的光影，营造出舒适的夏日氛围。

这幅画作完成后不久，普洛斯佩里便病逝于1887年。巴塞洛缪悲痛欲绝，将画中描绘的辉煌时刻珍藏于心，似乎从未舍弃过这幅画作和那件礼服。为了纪念这一特殊时刻，这件礼服也与画作一同在展览中展出。

本章还介绍了静物画，将自然作为装饰元素带入室内，以及日本主义的发展，日本主义以自然为主要灵感来源，创造了创新的装饰艺术。

第四章“印象派装饰”探讨了印象派画家将自然融入室内装饰后出现的各种室内装饰表现形式。当时，装饰艺术——此前曾被视为低俗肤浅的表达方式——正逐渐受到人们的积极评价。本章分析的案例包括为罗马尼亚贵族比贝斯科王子设计的宅邸、年轻的雷诺阿与建筑师查尔斯-贾斯汀·勒库尔的合作作品，以及莫里索的客厅兼工作室模型，从中我们可以一窥装饰画对居住空间的影响。

马奈和莫奈为他们的赞助人、商人欧内斯特·霍舍德的城堡创作了装饰画。马奈的《花丛中的孩子（雅克·霍舍德）》 （1876年）描绘了霍舍德家的长子雅克从花园的花丛中探出头来；莫奈的《火鸡》 （1877年）则描绘了一群火鸡在草地上漫步，城堡则作为背景。这两幅画都以印象派特有的明亮色彩和大胆笔触，捕捉了霍舍德家族熟悉的场景和主题，让我们既能欣赏印象派的美学，又能了解其客户的品味。

古斯塔夫·卡耶博特与莫奈一样热爱园艺和景观设计，他对装饰性植物绘画也抱有浓厚的兴趣。《雏菊花丛》 （1892-1893）是一幅未完成的作品，据信是他最初为自家创作的墙面装饰画。这幅画以鸟瞰视角，将白色雏菊散布在画布上，营造出一种沉浸感，仿佛将观者包裹其中。画面无限延伸，没有起点也没有终点，与莫奈的“大型装饰画”系列作品——《睡莲》系列——有着异曲同工之妙。

“奥赛博物馆印象派画展——室内世界的故事”让参观者体验印象派的魅力。印象派艺术在19世纪巴黎的都市生活中，突破了自然与室内空间的界限，创造出独具创新的艺术作品。展览将持续至2026年2月15日（星期日）。

《奥赛博物馆印象派：室内画作赏析》概述

*本文内容截至发稿时有效。请访问展览官方网站获取最新信息。

---

查看其他报告

上野之森博物馆

正仓院位于奈良东大寺旧址内，是一座神奇的宝库，近1300年来守护并传承了9000件传承天平文化精髓的宝藏。每年秋季，上野之森美术馆都会举办“正仓院展”，向公众开放这些珍宝。最近，上野之森美术馆正在举办“正仓院THE SHOW——感受此刻存在的奇迹”，旨在提供一种不同于观赏实物的全新方式来欣赏珍宝。

该活动将于 2025 年 9 月 20 日星期六至 2025 年 11 月 9 日星期日举行。

光明皇后（701-760年）扶持了以建造地方寺庙和东大寺大佛而闻名的第45代圣武天皇（701-756年），并致力于制定佛教政策和救济贫民。正仓院宝物的历史始于光明皇后为祈求圣武天皇的灵魂安息，将圣武天皇的部分爱物捐赠给东大寺大佛。在约9000件宝物中，许多都清晰地记录了其制作日期、目的和来源，至今仍传承着当时人们的技艺、审美观念和愿望。

本次展览由宫内厅正仓院全权负责，以“编织爱与美”为主题，揭开这些在御玺制度下被精心守护的宝物背后的各种故事，让参观者全身心地感受它们的魅力。

会场入口处，展出了一本与捐赠文物目录《国宝图鉴》等身大小的复制品，该图鉴全长超过14米，展开后铺满整张纸，展现了正仓院文物的起源。本次展览是大阪会场的巡回展览，而《国宝图鉴》则是东京会场的新展品。

在活动前的新闻发布会上，宫内厅正仓院事务所所长饭田武彦谈到了由于试图严格管理这些在1300年间变得脆弱的宝藏，使其难以向公众开放这一难题，并解释说，此次展览正是为了解决这个问题而诞生的。 “我们希望提供一种比仅仅观看宝藏本身更具创新性的体验，因此我们还设置了能够调动五感的展品，让参观者能够从各个角度欣赏宝藏的魅力。”他说道，因此，本次展览并未展出实际的宝藏。

有些人可能会失望地想“什么，没有真品吗？”，但实际上，这里展出的是宫内厅正仓院经过多年研究和制作的“复制品” 。

与普通的复制品不同，复制品并非简单地再现其外观，而是运用各种分析仪器和光学设备，探究当时的材料和技术，由人间国宝等工匠以娴熟的技艺，力求重现宝物的原貌。本次展览展出了11件复制品，其中包括世界上唯一现存的古代五弦琵琶、作为正仓院代表宝物的“螺钿紫檀五弦琵琶”和“螺钿盒” 。

正仓院的目标是“再造一件正仓院的宝物”。复制品就像是穿越时空来到现代的宝物，让我们能够尽可能真实地看到奈良时代的人们所见到的宝物，没有任何褪色或损坏。

此外，自2019年起，正仓院事务所一直与TOPPAN合作，充分利用最新的3D测量、高分辨率摄影和纹理捕捉技术，创建宝物的详细3D数字数据（数字档案） 。

本次展览将在该3D数字数据上添加特效的影像作品，以约12K的高清影像形式，投射在高约4米、宽约20米的巨型屏幕上。屏幕采用基于2023年荣获诺贝尔化学奖的“量子点”研究成果开发的屏幕涂料，使这些珍品以更加鲜明的对比效果闪耀。

约17分钟的放映影片，以华丽的音乐为背景，分为三个部分：讲述正仓院秘闻的“故事影像”、展现宝物本身震撼人心“美”的“数字宝物影像”以及“宝物复刻及仿制影像”。其中，最令人印象深刻的是故事影像中的“正仓院之美世界”，骆驼、大象、神兽等在宝物上的花鸟纹饰和螺钿装饰中翩翩起舞，营造出一个奇幻的“美”世界。宝物所蕴含的美感浓缩于此，置身于屏幕前，更能获得身临其境的体验。

数字珍宝影像以不同的角度投射珍宝，让观者得以一窥肉眼难以察觉的细节和纹理。例如，精美的装饰镜“螺钿圆镜11号”，其花卉和鸟类图案点缀着青金石和绿松石碎片；以及精美的香炉座“漆金薄绘板B”，其上有32片色彩鲜艳的花瓣。即使不使用单筒望远镜，也能获得真正身临其境的观赏体验。“漆金薄绘板B”的花瓣被拆开，展现出花朵绽放的图案，以及香火升腾的景象，这才是只有数字数据才能带来的真正愉悦的体验。

亮点之一是再现传说中的香木“兰迦泰”的香气。兰迦泰（宝物名：黄树光）是一种沉香木，由生长在东南亚的瑞香科沉香属植物的树桩上沉积树脂和精油而成。它受到织田信长、足利义满、足利义政等当时的统治者的青睐，被称为“世界第一名香”。据说，如今还能闻到淡淡的兰迦泰香气，真是令人惊叹。

为了记录这逐渐消逝的香味，正仓院事务所与高砂国际株式会社合作，将从2024年开始分析从兰迦泰散发出的空气中的芳香成分。此外，通过调香师的“闻香”（一种将香木放在香炉中加热并品尝香气的香味欣赏方法），他们发现这种香味与从岩蔷薇植物树脂中提取的天然香料劳丹脂相似，并以此为基础制作出了首款复制香水。

高砂国际株式会社IR/PR部的铃木隆志解释说：“与其说是‘乱世台’本身的香味，不如说是聆听时闻到的香味，是织田信长等人闻到的香味。” 活动现场将把香水的复制品放在玻璃容器中，让参观者能够真正感受到香味。

笔者感觉它散发着一种优雅的香味，让人联想到肉桂和杏仁。这款闻名世界的香水在现代重新焕发活力，非常推荐大家在会场体验一下。

“美丽大道”一直延伸到天花板，布满了各种各样色彩斑斓的珍宝图案，大道的另一边是展览区，展示着当代艺术家受正仓院珍宝启发而创作的新作品。

参与的艺术家有音乐制作人龟田诚二、摄影师泷本干也、陶瓷艺术家龟江道子、设计师篠原智惠。

龟田诚二 (Seiji Kameda) 发行了一首名为《光》的作品，将他珍藏的琵琶和尺八乐器的录音与当代音乐结合在一起。
滝本干也展出了一系列单色照片，照片中雄伟的正仓院在黑暗中被月光照亮，让人想起1300年前人们所看到的夜世界，那时还没有像今天这样的光。
龟江美智子想象了当时人们被从未见过的色彩、材料和图案所感动的故事，并在创作作品时将这些故事表演出来。展出的小盘子和花瓶上装饰着巧妙结合数字技术和模拟笔触创作的图案。

出席媒体预展的 Shinohara Tomoe 讲述了她的“LACQUERED EWER SHOSOIN DRESS ”的制作过程和细节，这件衣服融合了传统与现代元素，以波斯风格的水壶“laquered gobin”为主题，灵感来自正仓院宝藏的“与当今相关的美感” 。

《漆壶》是使用东亚独有的漆艺，用薄薄的银板雕刻出精美的花鸟动物图案的作品。篠原被这件作品压倒性的存在感所吸引，说道：“我感受到了大陆的慷慨流动感和永恒的美感。”

这件作品从构思到完成耗时约一年，基于宝物的3D数据，手工描绘了400多个不同的图案，同时也展现了历代工匠的热情。设计师们致力于展现1300年的历史，将切割好的黄铜片反复地贴在压碎的天鹅绒面料上，浸泡在化学品中，并加热，通过反复的尝试和错误，最终呈现出细微的差别。

这件衣服的重点在于其造型，她说道：“我根据3D数据，尽可能地保留了漆器gobin的东方造型。这是我第一次尝试用3D数据制作服装，但我希望人们能感受到仿佛真的在窥视一件宝藏。”

在观察漆器袈裟时，他发现不仅有鹿、鸟等动物，就连小昆虫也雌雄成双地生活着。他讲述了自己在漆器袈裟中发现“圣武天皇与光明皇后的爱情故事”时的感动。

“本次展览的最大特色在于，它能让人们感受到正仓院宝物的艺术感，也体现了宫内厅正仓院的严肃性。如果这次展览能让大家感受到正仓院宝物的魅力、手工的价值，以及祖先们传承至今的热情，我将不胜感激。希望大家前来参观。”

“正仓院 THE SHOW ～感受现存于此的奇迹～”展览不仅能让您感受到运用最新技术在现代复活的宝物的魅力，还能让您感受到守护和传承古代宝物历史的人们的心声。展览将持续至11月9日（周日）。

“正仓院 THE SHOW～感受存在于此时此地的奇迹～”概要

日期	2025年9月20日星期六 – 2025年11月9日星期日
场地	上野之森博物馆
营业时间	10:00-17:00（闭馆前30分钟停止入场）
入场费	（当日票）成人2,300日元、高中生、大学生1,700日元、小学生、初中生1,100日元 *学龄前儿童免费入场 *门票详情请见展览官网。
组织者	上野之森美术馆、“正仓院THE SHOW”执行委员会（读卖电视台、读卖新闻、凸版、角川媒体社）、日本电视台、BS日本电视台
监管	宫内厅正仓院
询问	您好请拨打050-5541-8600（每天9:00-20:00开放）
展会官方网站	https://shosoin-the-show.jp/tokyo/

*本文内容截至报道时为止。最新信息请以展会官方网站为准。

---

查看其他报告

《Berabou：茑重英华之梦花》是一部描写活跃于江户时代中期的媒体大亨茑屋重三郎（又名茑重）动荡的人生的历史剧。

这次我们去的“Berabou 江户大河剧博物馆”是在东京都台东区开设的设施，这里是与《Berabou 茑屋重三郎的梦话》主人公茑屋重三郎相关的地区。大河剧博物馆里充满了各种内容，例如角色的服装和道具，让您可以更享受戏剧的乐趣。

在本报告中，我们将介绍它的魅力和亮点。

体验江户时代的氛围

大河剧博物馆所在的台东区市民会馆距离浅草站步行几分钟即可到达。九楼是江户时代的街道“江户唐丸町”，步入其中，仿佛回到了过去。

从电梯通往大河剧博物馆的走廊也充满了各种娱乐游客的噱头，例如用闪光灯拍摄时人物会从剪影中显现出来的面板，以及根据观看角度而变化的浮世绘艺术墙壁。

一踏入“Berabou江户对头大雅剧场”，映入眼帘的便是横滨流星饰演的茑树的主角。

茑屋重三郎于1750年出生于江户新吉原（现台东区洗足），二十多岁时在吉原大门前开设了书店“幸书堂”。他与东洲斋写乐、喜多川歌麿等代表江户文化的文人交往甚密，被誉为“江户的媒体之王”，并取得了巨大的成功。

讲述茑寿一生的历史剧《はラヴィ：茑寿英华的梦坂はどど》将于 2025 年 1 月 5 日开播，截至 10 月初接受采访时，该剧已吸引了众多观众的关注。

《Berabou 介绍》介绍主要演员和工作人员

大河剧博物馆分为九个区域。
“Berabou 介绍”部分将展示 Tsutaju 的服装并介绍主要演员和工作人员。
最引人注目的是位于中央的茑久的服装，是茑久在剧中穿着的黑绿色紬条纹和服。

负责服装设计的伊藤幸子解释了为什么她选择绿色作为主角茑的和服，而不是更常见的靛蓝色：

“他仍然只是个无名小卒，但他不受任何事物的束缚，他淘气又富有想象力，他要创造一些新的东西。我选择了不易复制的绿色，作为象征这种原创生命的开始的颜色。”

他说道：

展览还展示了主演横滨龙星、饰演黑助稻荷的旁白绫濑遥等演员的评论，以及编剧森下芳子、作曲家约翰·格雷厄姆和标题书法家石川九阳等制作团队的评论。

面向海外观众的英文标题为“UNBOUND”的拍照点似乎非常受欢迎，许多人都像 Tsutaju 一样摆出双臂交叉的姿势拍照。

顺便一提，“UNBOUND”的意思是“解放”或“不受约束”。这个词似乎是用来形容茑屋重三郎的，他的生活不受社会地位或出身的束缚，也不受习俗的束缚。

“Ijikkenmichi Zone”展示了与Tsutaju相关的道具和面板。

接下来的“一箩道区”展出了与茑（现代的出版社；原指拥有印刷版的业主）相关的道具以及相关角色的面板。此外，展览中还展出了电影拍摄过程中实际使用的服装和道具（部分为复制品），价值不菲。

特别是第34届参赛作品《绘本虫·埃拉米》，是一本精美绝伦的绘本，充分展现了歌麿敏锐的观察力和写实主义。其鲜艳的色彩和细腻的写实感令人着迷。
这是一次近距离观看电视剧中必不可少的物品的难得机会。

还展出了“茑屋”的复制品。当然，尺寸会根据场地调整，但那确实是“茑屋”的原型。其还原度令人惊叹。

室内从五斗橱到家中的供桌，都经过精心复原，屋檐上摆放着茑重参与出版和出租书籍的书籍。馆内还可以坐坐，记得拍张纪念照哦。

再现吉原的大街！“中之町区域”

最引人注目的展品，莫过于小柴风花饰演的传奇妓女濑川在妓院游行时所穿的服装。您可以想象到妓女们在大街上轻快地行走，引人瞩目的场景。
背景中吉原主要街道中之町的视觉效果也给人留下了深刻的印象，但由于在实际拍摄电视剧时不可能搭建如此长的场景，因此小组成员解释说，他们使用了 LED 图像墙来营造深度。

此外，中野町区旁边的4K影院播放深入探讨节目主题和幕后花絮的视频内容，还介绍与茑重相关的台东区著名景点和历史遗迹。

另外，还有从大河剧博物馆出发前往与茑屋相关的景点（如茑屋的菩提寺正法寺、与茑屋有渊源的平贺源内的墓地等）的循环巴士，因此建议您实际参观一下在剧场中看到的景点（乘坐循环巴士时需要出示大河剧博物馆的纪念参观证）。

“台东区，茑重的渊源地”官方网站介绍了前往大河剧博物馆和茑重渊源地的示范旅游路线，以及茑重生活的江户时代文化相关的活动和传统仪式。
有兴趣的话请前往“台东区，与茑重有缘的地方”的官方网站确认。

江户城区主要展示幕府及其家臣

江户城也是故事中的一个重要地点。
《はがどどどどどどど》的故事背景设定在江户时代中期，那是一个长期和平、艺术文化繁荣的时代。然而，以松平定信的“宽政改革”为契机，茑重等人的境遇也发生了巨大的变化。

江户城区的展览主要关注与江户幕府有关的人物，例如将军家族及其家臣，以及介绍该项目的艺术和幕后拍摄的展板。

大河剧博物馆的尽头，陈列着演员们亲笔写下的留言和签名彩纸，传达着他们对这部剧的热爱。在这里，你可以找到自己喜欢的角色的签名，或者缅怀那些不幸已经离开剧场的角色。

---

体验江户市场！“台东江户市场”

相邻的台东江户市场出售带有历史剧“Berabou”标志的纪念品，以及与江户相关的物品和台东区当地公司生产的产品。

台东江户市场琳琅满目的纪念品，光是逛逛就能花上一个小时，精美的店内装饰也令人赞叹。店内还设有“猜谜”（江户时代流行的一种谜语）的体验区，趣味十足。带孩子一起体验一下，一定很有趣。

说到好玩，大厅里的纪念章专区也有特色。
通过在参观证背面叠加五张彩色版画，最终您将完成歌川广重的《江户百景：浅草金龙山》。这是一次体验浮世绘多色印刷技术的有趣体验。

大河剧博物馆目前正在举办导览活动，无论是初次来访还是再次来访，都会感到乐趣无穷，不妨尝试一下。

虽然我没有看过这部电视剧，但我对剧中塑造的“江户媒体之王”茑重这个角色以及他成长的地方台东区很感兴趣。

大河剧博物馆将开放至2026年1月12日星期一（国定假日）。
参观完大河剧博物馆后，不妨去游览一下与茑重相关的地方，让您的思绪回到江户时代吧。

■“Berabou江户时代大雅剧场”概要

时期	2025年2月1日（星期六）～2026年1月12日（星期一/节假日）
营业时间	9:00-17:00（最后入场时间 16:30）
休息日	每月第二个星期一（如遇节假日则顺延至次日）、年末年初等
地方	东京都台东区花川户 2-6-5 台东市民会馆 9 楼
组织者	台东区历史剧“Berabou”推进协议会
询问	03-4330-1409（大河剧博物馆）
“台东区，与茑重有关的地方”官方网站	https://taito-tsutaju.jp/features/exhibition

■ 台东江户市场概况

时期	2025年2月1日（星期六）～2026年1月12日（星期一/节假日）
营业时间	9:00-17:00（最后入场时间 16:30）
休息日	每月第二个星期一（如遇节假日则改为次日）、年末年初等
地方	东京都台东区花川户 2-6-5 台东市民会馆 9 楼
询问	03-6802-8150（台东江户市场）
“台东区，与茑重有关的地方”官方网站	https://taito-tsutaju.jp/features/edomonoichi

※本文内容为报道时的最新信息。最新信息请确认官方网站。

---

查看其他报告

东京都美术馆

 

东京都美术馆目前正在举办“梵高：一个家族传承下来的画家之梦”展览，展览追溯了梵高家族的活动，包括深受全球喜爱的画家文森特·梵高（1853-1890）、他的兄弟提奥、他的妻子乔和他的侄子文森特·威廉的鼎力支持，并展示了文森特的梦想和作品如何传承至今。
该活动将于 2025 年 9 月 12 日星期五至 2025 年 12 月 21 日星期日举行。

文森特·梵高 (Vincent van Gogh) 的绘画生涯开始得比较晚，1880 年，27 岁时才开始，但在短短的 10 年时间里，他创作了约 2,000 幅作品，直到 1890 年 7 月 37 岁去世。在文森特的一生中，他的弟弟、密友兼艺术家同行西奥 (Theodorus van Gogh) 给予了他精神和经济上的全力支持，但他在哥哥去世六个月后也去世了。

虽然文森特在世时并非默默无闻，但众所周知，他的作品只售出过几幅。那么，他是如何获得如今如此辉煌的声誉，成为一位作品被世界各地艺术博物馆珍藏的画家的呢？

提奥的妻子约翰娜·梵高-邦格（Johanna van Gogh-Bonger）在他去世后继承了庞大的藏品，并在其中发挥了关键作用。乔毕生致力于将她姐夫的作品推向世界，她孜孜不倦地努力，通过在展览中展出他的作品、策略性地销售作品以及整理和出版他的书信，确保他作为一名画家得到应有的认可。

此外，西奥和乔的儿子文森特·威廉·梵高于 1960 年成立了文森特·梵高基金会，以防止藏品流失，并在开设国家文森特·梵高博物馆（现为梵高博物馆）方面发挥了重要作用，该博物馆对艺术品的借出政策非常慷慨。

此次展览是日本首次以梵高家族珍藏为主题的展览。展览将展出梵高博物馆馆藏的30余幅文森特油画及素描作品。此外，展览分为五个章节，展出了保罗·高更和爱德华·马奈的油画及素描作品、英法报纸插图版画、浮世绘版画等，展现了梵高兄弟的兴趣爱好和当时的艺术潮流。此外，展览还展出了四封首次在日本展出的文森特手写信件。

文森特立志成为一名画家，自1881年起，他在海牙和荷兰乡村纽南磨练素描和油画技艺。1886年，他移居巴黎，确立了自己的现代风格。之后，他又在阿尔勒、圣雷米和法国南部瓦兹河畔奥韦（他最终在奥韦去世）创作了一系列富有创新精神的杰作。本次展览展出的作品，让观众得以追溯这位艺术家在这十年紧张的创作生涯。

《戴防水帽的渔夫脸》 （1883年）创作于他在海牙期间。当时，他正热衷于学习铅笔、粉笔和墨水等黑色媒介，并受到报纸插图中现实主义题材和黑白对比的影响。在纽南逗留期间，他对色彩理论的兴趣日益浓厚，并开始积极创作静物画，以此练习色彩运用。 《插着月神花的花瓶》 （1884年）是他最早的植物静物画之一，创作于1884年深秋初冬。

抵达巴黎后，他惊讶地发现新先锋派画家的作品与他想象的截然不同，于是他开始摒弃作品中常见的阴暗色调，寻求新的色彩和笔触。他从自己敬仰的画家那里汲取灵感，例如德拉克洛瓦的色彩和蒙蒂切利的厚涂技法，仅在1886年夏天就创作了30多幅花卉静物画。其中一幅名为《插着唐菖蒲和翠菊花的花瓶》 （1886年），其背景独特，形似重叠的十字架。

如果你将目光投向本次展览的亮点——据说是他在巴黎期间创作的最后一幅杰作《画家的自画像》（1887-1888） ，你会惊叹于，与他在荷兰期间创作的油画相比，短短两年间，他已经蜕变为一位极具现代感的画家。

他在巴黎研习色彩理论的成果——丰富而娴熟的用色，源于画布上清晰可见的色彩，以及充满坚定自信的笔触，在画布上生动地蔓延。他的姿态优美，目光虽略带阴影，却直视观者，给人一种坚定意志的感觉，或许是他作为艺术家的骄傲，亦或许是他决心的宣言。

 关于这幅作品，有一则轶事，讲述的是1890年文森特和杨第一次见面的情景，当时文森特还没有离开圣雷米精神病院，准备前往瓦兹河畔奥韦。杨听过很多关于文森特疾病缠身、健康状况不佳的故事，所以他想象文森特看起来是个虚弱的人，但在回忆录中，他写道，他发现文森特“身材魁梧，肩膀宽阔，肤色健康，脸上挂着微笑，举止非常坚定”。他还补充道： “在他众多的自画像中，这幅画在画架前的自画像，最能体现他当时的面容。”

文森特本人似乎对这幅画有负面印象，将其与死神联系在一起，但无论如何，这幅作品被认为是文森特梵高基金会以及梵高博物馆最重要的珍宝之一。

文森特从职业生涯早期就非常欣赏被称为“乡村画家”的让-弗朗索瓦·米勒，并留下了许多临摹作品。他在阿尔勒时期创作的《播种者》 （1888年）便是以米勒的同名作品为蓝本。为了创作出一幅色彩斑斓的《播种者》，文森特反复制作原型，直到对这幅作品的构图感到满意为止。

浮世绘的影响在图案的处理和变形描绘中显而易见，例如大胆地将农民膝盖以下的部分裁剪的创新构图、以极端透视法在前景中近距离显示的树干以及神圣地照耀在农民身上的巨大太阳，因此该作品与浮世绘版画集一起展出。

同时，展览还特设杨志伟售出作品部分，即梵高博物馆馆藏以外的作品，以展现杨志伟在艺术领域无与伦比的创业精神和成就。

虽然Yo原本只是个艺术爱好者，但嫁给提奥后，她逐渐熟悉了现代和当代艺术，包括梵高、私人收藏家和博物馆的世界，以及艺术品交易的机制。提奥去世后，她定期出售文森特的作品，但维持父子生计的经济原因并非她所愿；她雄心勃勃的目标是树立文森特的声誉，因为她认为文森特是现代艺术的核心人物。

张氏夫妇保存的“账簿”揭示了杨氏的辛勤付出。最初，这些账簿仅记录家庭收入和支出，但在张氏去世后，他的艺术品销售记录也被记录下来，留下了杨氏出售作品的清晰记录，包括何时、卖给谁以及售价。经过研究和调查，已确认杨氏的绘画作品超过170幅，纸上作品44幅，其中三幅油画在本次展览中展出。

梵高博物馆拥有世界上最大的梵高作品收藏，约有200幅油画和500幅素描。据说，如果吕先生没有出售这些作品，梵高博物馆还会有大约250幅。然而，正是吕先生的战略性运作，才使得梵高的作品得以被世界各地的收藏机构收藏，让居住在日本的我们也能相对轻松地看到原作并进行欣赏。梵高“让100年后的人们也能欣赏到他的画作”的梦想，就此得以实现。

梵高博物馆的藏品自20世纪80年代后期以来，得益于捐赠和资助，逐渐丰富。藏品不仅涵盖了巴比松画派、海牙画派、象征主义、印象派、后印象派的作品，还有版画、海报等纸上作品，还收录了梵高本人的作品和书信。此次展览是梵高写给安东·凡·拉帕德的四封信首次来到日本，这封信的下落长期不明，于2006年在私人收藏中被发现。

这是四封信中的四张纸片，取自文森特写给范·拉帕德特（Van Rappaardt）的信。范·拉帕德特是文森特在布鲁塞尔结识的一位资深画家。信中描绘了坐在长椅上的人们，以及他在济贫院里见到的老人。这些信件很容易腐烂，很少在展览中展出，因此这次的展出机会极其难得。

展览结束时，将设置一个“沉浸式体验角”，带来一个高逾4米、宽逾14米的空间体验。巨型屏幕上将投射梵高博物馆珍藏的《杏树盛开的枝头》《麦田与乌鸦飞翔》等高清图像，以及《向日葵》（SOMPO美术馆）的3D扫描CG影像。欢迎前来体验这令人沉浸其中的体验，从肉眼难以触及的大胆视角，开启全新的发现。

“梵高展：一个家庭延续的画家之梦”概述

*本文内容截至报道时为止。最新信息请以展会官方网站为准。

文章提供： Kokosil Ueno

---

查看其他报告

东京都美术馆

东京都美术馆目前正在举办一场名为“创造的乐趣： DIY生活”的展览，该展览聚焦人人皆有的创造力，鼓励人们思考如何以自己的方式“生活得更好”。展览以“DIY”（自己动手）为主题，将于2025年7月24日（周四）至2025年10月8日（周三）期间展出。

以下是参展艺术家进行演讲的新闻预览报告。

■ 参展艺术家（按展览顺序/省略标题）：Wakaki Kurumi、Seo Natsumi、Noguchi Kengo、Dunhill & O’Brien、Hisamura Taku、Ito Akihiro 设计与建筑设计事务所、Studio Megane 建筑设计事务所

 

DIY 是一种运用自身智慧解决眼前问题的方法。本次展览将 DIY 视为一种改善生活的方式，也是一种克服不便和困难的手段，并着重展现“制作的乐趣”，例如创作过程中获得的成就感和成就感。展览将展出五位对 DIY 方法和理念感兴趣的当代艺术家和两位建筑师的作品，鼓励人们反思 DIY 的本质——它依赖于个人的方法和感受；以及艺术的存在——它与生活息息相关。

展厅分为四个章节。第一章节“从观看开始的DIY”展出版画家若木久美（1985-）的作品。若木久美从DIY的开端——“观看”中汲取创作动力，将文具、厨房用具、空罐头、家具等日常用品重新加工成版画。

“开管”系列以生漆管塑造鱼片造型，灵感源于工匠将昂贵的生漆管打开，直至用尽最后一点。管子独特的纹理展现了其凹凸不平和的光泽，赋予“鱼纹”一种神秘的魅力。通过这种实验性的行为，艺术家得以为平凡的日常物品注入新的图像和意义，同时也以一种幽默、平易近人的方式展现了创造的乐趣。

这件触及天花板的作品《高街宅邸》 （2025）是用若木自独自生活以来使用了20多年的一台冰箱制作的。由于这台冰箱的使用寿命已接近尾声，若木“决定亲手制作一幅版画来终结它”，于是将其用于此次展览。

这件作品的灵感源自一张贴在冰箱上的德国画家保罗·克利（Paul Klee）展览门票。门票本身融入作品之中，构成了一座立体主义风格的塔楼公寓，令人联想起克利的作品，其音乐感和诗意缤纷的世界令人着迷。

 

第二章“DIY：失去后的重建”介绍了濑尾夏美和野口健吾的作品，重点讲述了那些因自然灾害或经济困难而遭受巨大损失的人们为重建生活所做的努力。

濑尾夏美（1988-）出生于东京，在东日本大地震后移居东北，是一位在记录灾难中生活的人们的话语和景观变化的同时创作出各种作品的艺术家。本次展览的空间以素描和绘画为中心。

开幕作品《环》 （2011）是在灾难发生的当晚创作的，但他不明白为什么“它变成了和昨天一样的线条”。他说，从那时起，他便前往现场，在与当地人交流的同时，真诚地思考应该画什么。

2015年，濑尾目睹了岩手县陆前高田市重建过程中地面抬升的过程，熟悉的山脉被砍伐，城镇遗址被填埋，这让他意识到故事的必要性。本章还收录了多幅与“双重城镇”相关的图画。“双重城镇”讲述了2031年陆前高田市的故事，旧城镇的居民与居住在地下的新城镇的居民彼此相连。

每当他前往能登半岛地震等受灾地区等各地时，都会受到“双重城镇”的启发，与人和地方建立意想不到的联系，创造出分享经验和感想的对话机会。在不可逆转的变迁中，那些不再被提及的记忆和思绪被创造出来，并被他人拾起，支撑起他们的生活。他用感同身受的语言，向观众传达了在小社区中连接人们的活动的潜力。

摄影师野口健吾（1984-）正在展出他的“隐居者”系列作品，这些作品是他走访那些在河岸和公园里建造了各自独特居住空间的人们时拍摄的。这些“隐居者”用回收材料和蓝色防水布拼凑而成，设计和外观各异，有些人出于经济原因而居住在那里，而有些人则出于自己的选择而继续居住在那里。然而，每一处都展现出不同的巧思和创造力，传达出一种直率而真诚的“为了生存而DIY”精神，以及参与其中的人们坚韧不拔的精神。

野口勇在十年的研究过程中多次到访同一个地方，展览中的一个系列作品以相同的构图聚焦于一个人和他的“隐居处”，记录他们的变化。

有些人，或许在你下次造访时，依然面容如初；而有些人，或许早已老去。又或许，即便是同一个小屋，人们也像寄居蟹一样，辗转辗转。又或许，有人亲手搭建了一座房屋，却被台风瞬间吹倒。这些人，在城市的角落里，过着日复一日的生活。小屋，终究只是暂时的栖身之所。我希望，欣赏这些作品的人们，也能思考生命的意义。（野口勇）

 

第三章“DIY形式与关系”介绍了Dunhill & O’Brien和久村卓二人以雕塑手法为基础从事各种表现活动，强调了他们所创造的“形式”与人、社会产生新的“关系”的过程。

常驻伦敦的艺术家二人组 Dunhill & O’Brien 受合作的挑战与可能性所启发，创作原创装置艺术，并将表演与合作作品融为一体。所有展出作品均为专为本次展览准备的全新作品。此次新项目的灵感源于他们与最上俊之的邂逅。这件以《伊吕波》为原型的户外雕塑作品现藏于东京都美术馆，其形式与文字之间的关联令他们印象深刻。（该作品可免费参观。）

从那时起，我们聚集了来自英国和日本的100多位来自不同背景的参与者，包括艺术家、科学家、音乐家和作家，并举办了工作坊，让他们根据描述户外雕塑的文字创作泥塑。所有通过远程“对话”创作的泥塑作品都被数字化并3D打印，最终以“形状库”的形式在现场发布。

进一步，通过将这些数据集融合，他制作了整体的3D模型。之后，他安装了19世纪用于放大雕塑的缩放仪，将3D模型放大到与室外雕塑大致相同的尺寸，完成了大型装置作品《欣赏ABC的方法和装置——又伊吕波》 （2025年）。

这个看似基座的东西，其实是 Dunhill & O’Brien 伦敦工作室的全尺寸复制品。两人将其描述为一个“练习的木筏”，既是基座，也是创作的场所，更是一个如同家一般的空间。展览中，一个缩放仪被放置在这个工作室风格的“木筏”之上，它的功能如同一件复杂的雕塑创作工具。

久村卓（1977-）毕业于多摩美术大学雕塑系，他是一位对艺术价值的变迁提出质疑的艺术家，游走于各种体制框架之间。展览中没有一件雕塑作品堪称典型的雕塑。久村卓试图摆脱他所称的“严谨而运动”的学院派雕塑，因此他选择采用强调轻盈感、减轻身心压力的材料，以及游走于艺术边缘的DIY和手工技法。

Hisamura 主要从事 parergon（使艺术作品成为可能的结构元素）的研究，例如基座、框架和展览空间。

例如，这件“可穿戴雕塑” ——PLUS_Ralph Lauren_黄色条纹衬衫（2025）——是由二手Ralph Lauren服装制成的作品。底座绣在胸前的标志上，形成了一个雕塑，但Hisamura认为仅凭这一点还不足以超越手工艺的范畴，于是他将刺绣框起来，营造出一种绘画般的效果。此外，他还在旋转平台上制作了一个心轴，将衬衫放置在上面，并安装了一个由回收废料制成的阶梯式底座，通过四层结构凸显其艺术性。

“单点结构”系列作品由一所已关闭学校捐赠的栅栏和建筑工地使用的A型路障组成，其底座类似长凳，让参观者可以坐下，却不会意识到它们是雕塑。这解决了艺术博物馆面临的困境：它们希望参观者欣赏艺术，但往往很少有地方可以坐下来休息。

东京都美术馆（2025）的吧台式空间——纺织品吧台，旨在促进交流，并鼓励人们在美术馆停留更长时间。每周五，这里都会举办活动，参观者可以像在酒吧点饮料一样，订购自己喜欢的纺织纱线和布料，并制作自己的原创纺织品。（需提前预约）

使用的线种类繁多，既有手工线厂家提供的线，也有用旧衣服撕碎制成的线。据说其中一些线是东京都美术馆以前展览的窗帘。一边用艺术家的双手编织这些线，一边回想它们赋予生命的记忆，这将是一次丰富的体验，这也是本次展览的特色。

 

第四章“DIY站——自己动手做！”为参观者提供了一个平台，让他们可以反思展品，并以第一章至第三章中看到的多样化方法和独创性为参考点，重新思考DIY。

该空间由伊藤彰弘设计事务所和眼镜工作室建筑设计事务所两大建筑团队共同设计，以“观察与沉思”为主题。作为其象征，空间中央展示了“DIY时间轴”，从对抗工业革命而兴起的工艺美术运动开始，以DIY精神为视角，概括了历史活动。

展览周围设有多个角落，可以体验艺术家的创作技巧和方法，并展示与DIY和艺术家相关的材料。例如，Dunhill & O’Brien设计了一个装置，让参观者可以伸手进入盒子，用手观察里面的雕塑，以满足他们“触摸和感受”雕塑的渴望。

按照由公众担任的展览主持人“Tsukurun”的指导，参加者轮流讲解盒子里雕塑的特征，而另一位参加者则根据讲解创作图画。看到同一个雕塑如何根据每个参加者关注的纹理、形状和文字产生完全不同的图画，非常有趣。

还有许多其他展览鼓励制作、交流和思考，例如，在一个角落里，Wakaki Kurumi 用废弃的柱子木雕刻了一块木块，参观者可以使用拓印法（将纸放在纹理表面上，然后用铅笔或类似物摩擦以转移图案的技术）将其变成艺术品。通过这个展览，参观者可能会遇到各种冲动和情感，例如他们想要尝试的事情、困扰他们的事情、他们想要解决的事情，这可能会导致原创 DIY 项目的诞生。

《创造的乐趣：DIY生活》概述

*本文内容截至报道时为止。最新信息请确认展会官方网站。

---

查看其他报告

国立西洋美术馆

国立西洋美术馆（东京上野公园）正在举办“国立西洋美术馆素描收藏：从文艺复兴到巴洛克”展览，展出约80件来自国立西洋美术馆的杰作。国立西洋美术馆拥有世界顶级素描收藏，其中包括丢勒和鲁本斯的作品。展览将于2025年7月1日至9月28日举行。

瑞典斯德哥尔摩国家博物馆是欧洲最古老的艺术博物馆之一，以瑞典王室的艺术收藏为基础而建。博物馆收藏了从中世纪至今的各种艺术品、工艺品和设计作品，但其素描收藏无论在质量还是数量上都被认为是世界上最好的之一。

素描（绘画、素描）是一种二维作品，主要使用钢笔、木炭、粉笔等线条描绘，以表现物体的轮廓、纹理、光影。素描的用途多种多样，例如快速捕捉灵感或磨练技艺。由于素描通常与绘画或雕塑概念的形成过程息息相关，16 和 17 世纪的作家将其视为所有艺术形式的基础，并对其给予高度评价。

速写最大的魅力就在于它能让观者身临其境地感受创作过程，直接感受到艺术家的思绪和手的痕迹，还能感受到在需要细心笔触的真实作品中无法体会到的动感。

本次展览传达了从文艺复兴时期到巴洛克时期素描的独特特征和魅力，共展出了84件作品，其中包括从国立博物馆素描收藏中借出的81件杰作和从国立西洋美术馆借出的3件相关作品。

素描是一种极易受温度、湿度、光线和震动影响的艺术形式。如此大规模地将海外美术馆的藏品汇集到日本尚属首次。

展览分为四个章节，按产地划分展出作品：意大利、法国、德国和荷兰。第一章节聚焦于意大利，它在文艺复兴、风格主义和巴洛克时期一直是辉煌的艺术中心。

特别值得注意的是卡拉奇家族的作品，他们在 16 世纪末左右开始的后期巴洛克艺术中发挥了重要作用，当时，在风格主义时期画家们不再那么重视自然观察，而现在，这种观察又开始受到重视。

卡拉奇家族于1582年在家乡博洛尼亚创办了一所私立艺术学院，提供独特的艺术教育，包括临摹古典雕塑、描绘郊区风景和普通人像。他们尤其注重裸体绘画，有时还会运用解剖学来理解人体结构。安尼贝尔·卡拉奇用红粉笔创作的《仰卧的年轻裸体男子，头部倾斜，双眼闭合》便是此类人物画的典范。

此外，画家卢多维科·卡尔迪（Ludovico Cardi，又名 Cigoli，约 1604-09 年）的肖像画是一幅肖像素描，捕捉了一位正在创作素描的画家的情景，也是本次展览的标志。

第二章以法国为主题，从应邀前往巴黎东南部枫丹白露宫廷的意大利画家的独特服装设计开始，继续介绍雅克·贝朗日和雅克·卡洛等来自洛林的独特版画大师以及引领法国巴洛克时期的画家的作品。

卡罗也是一位技艺精湛的绘图员，展览展出了《圣安东尼的诱惑》的初步草图，其中描绘了围绕圣安东尼的传说，同时还有一幅基于草图的版画（约 1635 年）。

通过细致的调整赋予线条动感，同时又能表现出自然透视感的版画技法、丰富多样的妖异视觉效果、如同从惊恐电影中剪下来一般的动感，每一件作品都值得单独欣赏。

然而，版画中安东尼勇敢地挥舞着十字架与魔鬼搏斗，而素描中他却摔倒在地，被逼入不利境地。此外，两幅作品在细节上也存在诸多差异，例如构图左右两侧是否有岩石。通过比较这两幅作品，我们可以想象艺术家创作作品时的关注点，以及他对元素的选择所产生的效果。

本章还涉及了为国家博物馆的绘画收藏奠定基础的建筑师尼科德穆斯·泰辛 (Nikodemus Tessin) 委托绘制的用于自己家天花板装饰的精美设计图。

第 3 章重点介绍 16 世纪的德国（或更准确地说是德语地区，包括瑞士、奥地利等），重点包括德国文艺复兴时期三位最伟大的大师马蒂亚斯·格吕内瓦尔德、阿尔布雷希特·丢勒和汉斯·巴尔东·格里恩的头部研究和肖像画。

丢勒的《三辫年轻女子肖像》 （1515年）被誉为“没有什么不能用黑线描绘”，它虽然只是一幅草图，却最终成为一件独立的巨作。面部各个部位、轮廓和皮肤纹理都以细腻复杂的线条描绘，但值得注意的是，头发、丝带和衣着则以更粗、更深的线条描绘，这种技法自然而然地将人们的注意力引向人物的身材。

第四章回顾了17世纪以来尼德兰（今比利时和荷兰）的发展历程，开篇便展出了卢卡斯·范·莱顿的《青年男子肖像》 （1521年），画中那双浅色的眼睛反射着光芒，格外引人注目。15世纪初，油画技法在尼德兰迅速发展，但纸张的传播速度远慢于意大利，16世纪初之前的素描作品存世甚少。从这个意义上讲，这幅作品堪称一件珍贵的代表作。

由于政治和宗教动荡，荷兰在16世纪末分裂为南北弗兰德斯地区。但动乱平息后，彼得·保罗·鲁本斯便成为弗兰德斯艺术复兴的中心人物。为了处理工作室接到的大量订单，鲁本斯将工作分配给众多学徒和助手，据说，这种分工模式的背后，是精心准备的草图。

在《罗宾，阿伦德尔勋爵的封臣》 （1620年）中，鲁本斯本人在页边空白处写下了关于模特所穿服装的材料和颜色的详细注释，让我们了解了草图的用途。

在经济繁荣的尼德兰，绘画也迎来了前所未有的繁荣，由于尼德兰是禁止宗教崇拜的新教国家，购买绘画的国民更青睐于熟悉、易懂的题材，风景画、风俗画、静物画、动物画等题材都得到了蓬勃发展。另一方面，也有画家继续专注于描绘基督教故事，其中最突出的就是伦勃朗。

《基督被捕》描绘了犹大背叛后基督在客西马尼园被捕的场景，虽然画面简洁，却巧妙运用了伦勃朗标志性的光影效果。这幅画不仅展现了紧张场景的庄严与神圣，还展现了基督接受命运时的高尚精神，是一幅虽小却引人注目的作品。

展览的最后，是科内利斯·维瑟的《睡狗》 ，一只慵懒地睡着的可爱狗狗。这幅画作基于对每个细节的细致观察，从微微睁开的眼睑到狗狗腹部柔软的毛发，柔和的色彩传达了艺术家对狗狗温暖的目光。此外，展览现场还出售基于这幅作品的原创周边商品，如果您来参观，一定不要错过。

“国家博物馆素描收藏：从文艺复兴到巴洛克”展览概览

*本文内容截至报道时为止。最新信息请确认展会官方网站。

---

查看其他报告

国立科学博物馆

听到“冰河时代”这个词，有些人可能会想象一个冰雪覆盖的严酷世界，与现在截然不同。然而，从学术角度来看，冰河时代指的是冰盖（覆盖陆地的厚厚冰块）在大陆范围内广泛存在的时期。

冰河期（气候寒冷，冰盖不断扩大）与间冰期（气候相对温暖，冰盖不断消退）交替出现，周期约为10万年，因此冰河期并非总是寒冷的。即使我们生活在2025年，格陵兰岛和南极洲仍存在冰盖，但如果你明白我们正处于间冰期（或者说冰期）中期，每天都在遭受极端高温的折磨，那么这一年或许会有所不同。

目前正在国立科学博物馆举办的特别展“冰河时代展～4万年前人类眼中的世界” （2025年7月12日至10月13日）重点介绍了约4万年前，即上一次冰河时期的地球状况。

展览将利用最新的科学知识和强有力的展品，展示生活在与现代完全不同的环境中的人类和动物的生活以及环境的变化，包括首次在日本展出的尼安德特人和克罗马农人的实际头骨，以及灭绝动物的骨骼标本、生态重建模型和考古材料。

负责此次展览的日本国立科学博物馆馆长篠田健一在媒体预览会上表示：

世界上有80亿人，但实际上我们都是同一个物种：智人。欧洲和亚洲曾经存在过其他人类物种，但到了1.2万年前，只剩下了智人。我们的祖先在6万年前离开非洲后，遇到了什么样的人和动物？本次展览的主要目的是让参观者体验那些已经灭绝的动物曾经生活在哪里，以及它们的样子。我们希望这次展览不仅能鼓励参观者反思我们迄今为止的旅程，还能让他们思考在全球变暖导致的环境变化下，我们应该如何生活。

走进展厅，映入眼帘的是一尊雄伟的猛犸象。据说，这尊猛犸象在数千年前就生活在西伯利亚和阿拉斯加的岛屿上，现藏于德国的赖斯-恩格尔霍恩博物馆。猛犸象是本次展览的亮点之一，其气势令人叹为观止。不过，也别忘了欣赏一下它面前那块略带枪伤的洞狮肋骨。

这块距今4.8万年的肋骨化石出土于德国南部。洞狮是现代狮子的近亲，经常出现在壁画和雕塑中，并被认为是尼安德特人和智人（克罗马农人）的常见猎物。这些矛痕表明，我们的人类祖先在冰河时代与四处游荡的动物对抗，过着艰苦的生活，这为充满浪漫气息的展览提供了一个绝佳的开场。

在距今3万至2万年前的最冷时期，欧亚大陆高纬度地区经历了降温，形成了广阔的草原苔原（寒冷草原和永久冻土区）。在这种环境下，草原栖息的猛犸象动物群，包括长毛象、洞狮、披毛犀和草原蟒蛇，繁衍生息。这些动物群，连同自间冰期以来在森林中幸存的巨鹿和洞熊，以及许多其他现存物种，构成了末次冰期的巨型动物群。

“第一章：冰河时代的欧洲动物”展出巨型动物的化石、全身骨骼标本和复原模型，探索它们兴衰的奥秘，并讲解灭绝物种和现存物种的生态。这些动物拥有令人震撼的身躯和抵御严寒的长毛，展现了当时严酷的环境。

麝牛以其如同裹着布的长毛和巨大的蹄子为特征，是猛犸象群中幸存的成员，也是山羊亚科的成员。两万年前，地球突然变暖导致草原苔原面积缩小，适应寒冷气候的物种和草原物种逐渐消失。然而，麝牛和北极狐却能够将它们的栖息地迁入北极圈，并因此得以生存至今。

克罗马农人的祖先大约在30万年前起源于非洲，大约在6万年前遍布欧亚大陆。当时，另一种名为尼安德特人的人类生活在欧洲，但他们在大约4万年前消失了。

尼安德特人体格强健，肌肉发达；克罗马农人则体型相对纤细，四肢修长。乍一看，尼安德特人似乎更适合在严酷的冰河时代生存，但究竟是什么决定了他们两人的命运呢？“第二章：尼安德特人与克罗马农人”将通过石器、装饰品等考古遗迹揭开这一谜团。而被称为“世界最著名”的“拉费拉西1号”和“克罗马农1号”这两个生活在同一时代的人类物种的头骨实物，也首次在日本展出。

“拉费拉西1号”于1909年在法国拉费拉西岩洞中被发现，是一具近乎完整的尼安德特人骨骼，生活在距今4.5万至4.3万年前。“克罗马农1号”也是在法国克罗马农岩洞的公路修建过程中发现的，据信是生活在距今2.8万至2.7万年前的人类。即使只是快速浏览一下展出的头骨，也能发现头骨长度、颧骨宽度和眉骨突出程度的显著差异，因此，这是一个近距离比较两者的绝佳机会。

据称，在地下发现的 La Ferrassie 1 号尸体提供了证据，证明尼安德特人有埋葬死者的习俗，而尼安德特人传统上被认为是野蛮人，文化水平低于克罗马农人。

连接第二章和第三章的走廊里，有一段视频展览，讲解了冰河时代的基本知识，对初学者来说一定很有吸引力。此外，还有一个角落可以触摸动物毛发和牙齿的化石。描摹猛犸象和野牛牙齿独特的轮廓，想象它们吃什么以及牙齿形状的由来，也是一件很有趣的事情。

第三章“冰河时代的日本列岛”介绍了据信在大约38000年前就已经抵达日本的人类的生活，以及当时生活的动物的生活，包括日本灭绝最多的三种动物——瑙曼象、矢部巨鹿和日本长耳虎牛。

在距今7万至2万年前的末次冰期，气候显著变冷，冰盖和冰川的发育将地球上的大部分水都凝固了，导致日本列岛的海平面下降了60多米。据说当时日本列岛的面貌与今天大不相同，北海道与欧亚大陆相连，本州、四国和九州组成了一个巨大的岛屿，被称为古本州岛。在如此多样化的日本列岛南北延伸的环境中，现代人类形成了丰富的地域特征。

此次比较展览展示了古代本州岛晚旧石器时代中期石器的地域特征，展出了从岩手、大阪和鹿儿岛遗址出土的石器，但其中一件特别引起我们注意的是从大阪水鸟园遗址出土的石刀。

在濑户内地区，一种名为“濑户内技法”的技术被开发出来，这种技术可以批量生产形状奇特的石片，这些石片在破碎石头时会像翅膀一样从冲击点向外展开，这与世界各地使用的石刃不同。用这种濑户内技法制作的矛尖，被制成了被称为“国府式刀形石器”的独特石器。它们的出现原因尚不清楚，但即使在世界范围内，这似乎也是一种罕见的技术。

第二个会场继续展出“冰期-间冰期循环和植被”，其中包括一个可爱的（？）心形花粉化石的放大模型，这是一个从头到尾都值得一看的展览。

担任此次展览形象大使、热爱历史的艺人Abareru君也给予了高度评价，他说道：“如果从入口到出口仔细观看，大概能学到相当于50个小时科学课的知识。”“一点也不浪费！一切都值得一看！”

“这对于暑假期间的独立研究或学习来说也非常棒。地球目前面临着各种各样的挑战，但我认为在冰河时代幸存下来的动物与今天的我们有一些共同之处，”他热情地说道，并推广了他提供的语音导览，“如果你配合我有趣的旁白和讲解观看，你会学到100倍的知识，也会更容易理解100倍。”

特别展“冰河时代：4万年前人类眼中的世界”将展出至10月13日星期一（国定假日）。

特别展“冰河时代：4万年前人类眼中的世界”概要

场地	国立科学博物馆（东京上野公园）
日期	2025年7月12日（周六）～2025年10月13日（周一、节假日）
营业时间	9:00 – 17:00（最后入场时间 16:30）
晚上营业	博物馆将于 8 月 8 日（星期五）至 17 日（星期日）和 10 月 10 日（星期五）至 13 日（星期一，国定假日）晚上 7 点闭馆（最后入场时间为晚上 6 点 30 分）。 ※8月9日（周六）至8月15日（周五）期间，常设展开放至下午6点。其他时间，常设展开放至下午5点（闭馆前30分钟停止入场）。
休息日	9月1日（星期一）、8日（星期一）、16日（星期二）、22日（星期一）、29日（星期一）
票	成人、大学生：2,300日元、小学生、初中生、高中生：600日元 *学龄前儿童免费。 *持有残疾人证的人士及一名护理人员可免费入场。 *如果您有学生证或其他证件，请在入场时出示。 欲了解更多详情，请查看官方网站。
组织者	国立科学博物馆、TBS、TBS Gloudia、东京新闻
询问	050-5541-8600（您好拨号）
官方展览网站	https://hyogakiten.jp/

*本文内容截至报道当日为止。最新信息请以展会官方网站为准。

文章提供： Kokosil Ueno

---

查看其他报告

上野之森博物馆

“五大浮世绘大师——歌麿、写乐、北斋、歌川广重、国芳”展于上野之森美术馆（东京上野）开幕，汇集了浮世绘黄金时代五位大师的杰作。展览将持续至2025年7月6日（星期日）。

在媒体预展前的画廊座谈会上，川崎浮世绘画廊策展人、展览图录作者山本典子登台，讲解了展览的亮点，我们将在下文中与大家一同欣赏展览。

浮世绘是日本最受欢迎的艺术形式，在天明、宽政时期达到黄金时代，五位艺术家凭借此艺术形式而闻名，他们是北川歌麿、东洲斋写乐、葛饰北斋、歌川广重和歌川国芳。本次展览将展出约140件作品，重点展示他们在各自领域达到巅峰的代表作，例如美人肖像、演员肖像和风景画，旨在展现他们艺术表达的独特之处和魅力。

第1章 北川歌麿：体贴的女人

展览分为五个章节，每个章节聚焦一位艺术家，首先登场的是喜多川歌麿。

歌麿是被江户最著名的制作人茑屋忠三郎发掘的艺术家，茑屋忠三郎还活跃于目前正在 NHK 播出的历史剧《Berabou – 茑屋忠三郎的梦话》。

他与茑重合作，将当时用于描绘演员的“大首绘”（以人物上半身特写为主）的风格引入仕女画。他成为仕女画的领军人物，以描绘女性优雅姿态和思绪的作品风靡全球。

展览主要展出描绘日常生活场景的美女肖像，如《五美争艳：兵库屋的花妻》，画中描绘的并不是身着华丽服饰的女子，而是一位头发蓬乱、正在读信的妓女。

在探讨女性道德的《父母教诲》系列中，出现了一位衣着邋遢、小酌着酒的“爆连”（无忧无虑的女性）。美人画（描绘美女的画像）往往描绘当时的美人，例如受民众崇拜的聪慧美丽的妓女，或是街头招牌女郎，但喜多川歌麿却在某种程度上，毫无差别地以这些截然相反的女性为模特。

山本评价道：“歌麿的美女画像常常被描绘成理想的女性形象，但其实他也擅长描绘这些恶毒的女人。”

喜多川歌麿对各种女性的生活习惯和风俗习惯都很感兴趣，并以此为题材，涵盖了从微笑着看着在家玩耍的弟弟的姐姐、在海边休息的海女、哺乳孩子的山魔女等各种女性。他表示，喜多川歌麿作品的一大特点就是能够以丰富的表现力展现出各种女性的魅力，让人不禁想象到她们背后的故事，甚至连指尖都难以想象。

顺便一提，在前面提到的《五美争宠，兵库屋花妻》插图的信里，有这样一句话：“我讨厌模仿，我不抄袭，我是自创艺术家”，由此可见歌麿作为美人画家的坚定自尊。如果你能读懂草书，请务必看看。

第二章：《东洲斋写乐——演员画的影响》

接下来是东洲斋写乐。他和歌麿一样，被茑重发掘，成为浮世绘黄金时代的代表人物之一。在1794年5月至次年1月的十个月里，他创作了约145幅锦绘版画，但随后却突然从公众视野中消失，成为一个背景鲜为人知的神秘人物。

他创作了许多独特而富有冲击力的演员大头像作品，其创作时期可根据其所涵盖剧目的演出时间划分为四个时期，风格和规格清晰。本次展出的写乐作品中，超过一半是出自备受追捧的第一时期的大头像作品，如此众多的作品汇集于此，实属难得。

山本以写乐的早期作品之一《第二代岚龙三的放债人石部兼吉》为例，明确证明了其作品的吸引力。

第二代岚龙三是一位擅长演绎反派角色的演员，在这幅画中他饰演的是放债人。画师注意到这位演员凭借敏锐的观察力，展现出独特的写实风格，例如他卷起袖子摆出夸张姿势时的眼神、每根手指的紧张动作以及他紧绷的嘴角的皱纹。他说道：“在没有变焦相机或望远镜的时代，他能够如此细致地描绘，真是令人惊叹。写乐致力于精准捕捉演员表演的每一个瞬间。”

尾上松介的《松下酒造》中，落魄浪人凌乱的长发和深陷的双眼尤为突出。画作通篇采用暗色，不仅展现了贫困的孤独，也刻画了他即将死去的悲惨命运。

当时其他艺术家都把演员理想化，但写乐更注重写实感和近距离观看舞台的临场感，而非美感，例如连女演员的骨骼结构都刻画得像男性，他甚至不惜牺牲女性的形象。他的写实主义绘画展现出其他演员画作所没有的活力，但他对写实的过度追求招致了当时演员本人及其粉丝的批评，据说这也是他职业生涯短暂的原因。

第3章“葛饰北斋-怒蓝”

第三位是葛饰北斋（1760-1849）。他的名字在19世纪下半叶的日本主义运动中传遍欧洲，在美国摄影杂志《生活》最近进行的“过去1000年中世界上做出最重大成就的100位重要人物”调查中，他是唯一入选的日本人。毫不夸张地说，他是世界上最著名的日本画家。

葛饰北斋在其90年的人生中，不仅创作了木版画，还涉猎了锦绘、折纸版画、手绘插画等众多领域，不仅描绘风景、花鸟和人物，更不断探索宇宙万物。仅从葛饰北斋的代表作《葛饰北斋漫画》中非凡的绘画技巧就能感受到这位画家70余年来的辉煌艺术生涯。据说，这部漫画共收录了4000幅画作。

北斋创作其著名的《富岳三十六景》系列作品时已年逾古稀，这一系列作品从各个角度描绘了富士山的景象。然而，如果我们回顾展出作品前后的版本，就会发现色彩变得更加深邃浓郁。这或许是由于颜料的变化，但这些变化也让我们感受到北斋无论年事已高，始终保持着永不停止的探索精神和雄心壮志，这本身也是一大亮点。

他的代表作之一是《富岳三十六景：神奈川冲浪里》 ，这幅画大胆地捕捉了海浪高高跃起的瞬间，远处可见富士山的形状。

山本以这幅画为例指出，北斋作品的魅力之一就是“视觉技巧”。

有人指出，北斋有意在作品中加入一些设计，以引导观者的视线。我认为，当人们欣赏这幅画时，他们的目光首先会被汹涌澎湃的海浪所吸引。前景中的波浪呈三角形，仔细观察，便会发现它们与远处的富士山遥相呼应。这幅画的设计旨在自然地引导观者的视线从前景的三角形移向远处的三角形。

同样，在《富岳三十六景，五百馆海斋堂》中，引导观者视线的意图也十分明显。从殿堂的地板、屋顶、栏杆，到参拜者的指尖，各种线条都汇聚在背景中巍峨的富士山上。擅长西方透视画法的葛饰北斋在这幅作品中也展现出非凡的技艺，展现了他精湛的几何构图技巧。

第四章 歌川广重——雨月雪江户

下一位艺术家歌川广重(1797-1858) 最初创作的是美女和演员的肖像，但他的突破性系列作品《东海道五十三次》确立了他作为风景画家的地位。

该系列描绘了55处风景，包括连接江户和上方的东海道沿线的53个驿站町，以及日本桥和京都的三条大桥。受十遍社一九的《东海道中膝栗毛》引发的旅游热潮的推动，该系列作品一炮走红。值得注意的是，该系列的出版时间与葛饰北斋的《富岳三十六景》系列大致相同，后者常被拿来与葛饰北斋的杰作山水画作相提并论。

关于歌川广重的风景画，山本有如下评论：

“虽然是风景画，但也描绘了当地人、旅行者、旅行的风土人情以及氛围，营造出一种韵味。它们不仅仅是风景画，也不仅仅是肖像，不仅仅是自然，也不仅仅是人们的生活。广重作品的美妙之处在于，它们都融合在一起了。”

据说歌川广重和北斋都是热衷旅行的人。歌川广重充分利用了当地的自然风光、气候和生活习俗，而北斋则大胆地夸大了他所见事物的构成特质。比较他们视角和创作方向的差异颇具趣味。

歌川广重还擅长描绘日本各地的名胜，在他晚年的杰作《江户百景》系列中，他甚至尝试了不寻常的垂直风景画布局。

尤为引人注目的是《江户百景图：龟户梅屋》。画中，前景中的梅枝被极度放大，梅屋的全景则被捕捉在枝叶间的空隙中，即使在垂直的画框中也能营造出足够的透视感。这种构图被称为近景构图，是歌川广重晚年钟爱的构图手法。

广重作品的一大特色在于他每幅作品的构图都千变万化，从与旅人相同的视角，到像鸟儿一样从高处俯视，再到刻意将嶙峋的岩壁置于画面中央，以表现悬崖峭壁的险峻。这种天马行空的空间表达，如同无人机拍摄般充满想象力，令人百看不厌。

第5章 歌川国芳 – 英雄与奇观

第五章介绍歌川国芳（1797-1861），他与歌川广重同龄，活跃于江户末期和明治时代。展出作品的氛围与以往展览截然不同，呈现出一场气势恢宏、扣人心弦的戏剧。

歌川国芳凭借《人气水浒传》系列作品一鸣惊人，该系列作品以大胆的笔触营造出动感的场景，将生动的人物刻画与绚丽的色彩完美融合。他塑造了许多日本英雄人物，并以奇幻刺激的武士画作和叛逆幽默的漫画风格开辟了新的领域。

人气漫画《水浒传》一百零八勇者之一的《张顺跃白浪》被誉为系列杰作，描绘了水军将领张顺落入敌阵，身中无数利箭，壮烈牺牲的场景。他怒目而视的表情和每一根竖起的头发，都传达出一种随时准备赴死的气势。

就像在本作品中一样，国芳经常用华丽的纹身（irezumi）来装饰他的角色，据说这些纹身令人印象深刻，引发了江户的纹身热潮。

《相马故宫》以横跨纸张缝隙的巨大骷髅头为主题，是一部以三都教传的《读本》（江户时代流行的长篇连载小说）为原型的作品。独特的宽屏三联画（将一系列作品视为一幅大画面的构图）正是歌川国芳擅长的技巧。

这幅画描绘了平将门皇居遗址中奇异生物的景象，但在书中的插图中，无数个小头骨被歌川国芳巧妙地改成了一个巨大的头骨。此外，三联画的强烈效果也展现了歌川国芳独特的创造力。

国芳虽然擅长描绘充满战斗力的武士，但他的作品并非总是描绘惊险刺激的场面。例如， 《坂田金时、臼井贞光、源继纲与怪兽》描绘的是源赖光的四大天王与谋划恶行的怪兽下围棋的场景。那些可怜的怪兽轻易被制服，而武士们却面无表情地下棋，这种幽默的对比令人忍俊不禁。

《荣光：右无敌，左甚五郎》描绘了江户著名雕塑家甚五郎及其周围的雕塑。然而，作品中散落的地狱变身图、宝刀印坐垫以及身旁的猫等国芳标志性元素，表明作品中出现的其实是国芳本人，与甚五郎颇为相似。

山本还指出，仁王、关羽等周围雕塑的面孔都是演员的漫画。

天保维新时期，娱乐业受到打击，浮世绘艺术家被禁止描绘演员或美女。但艺术家们仍然不择手段地创作，尤其是国芳，他有着极强的反叛精神，即使在维新放宽之后，他仍然继续画形似演员的佛像，仿佛在嘲讽幕府，并以此来展现自己的才能。他是一位为平民画画的平民，却以这种方式反抗权威。这就是艺术家国芳。

---

“五大浮世绘大师——歌麿、写乐、北斋、歌川广重、国芳”展将持续到2025年7月6日（星期日）。展览的口号之一是“找到你最喜欢的！”即使你不熟悉浮世绘，我们也鼓励你通过本次展览来感受这五位达到浮世绘巅峰的巨匠的杰作，并找到你最喜欢的艺术家。

“浮世绘五大展——歌麻吕、写乐、葛饰北斋、广重、国芳”概况

日期	2025年5月27日（周二）～7月6日（周日） ※无休息日
营业时间	10:00-17:00（闭馆前30分钟停止入场）
场地	上野之森博物馆（东京都台东区上野公园 1-2 号，邮编 110-0007）
票	详情请浏览官方网站。
组织者	上野之森博物馆/富士电视台
询问	050-5541-8600（Hello Dial 全天/9:00-20:00）
展会官方网站	https://www.5ukiyoeshi.jp/

※本文内容截至报道时为止。最新信息请确认展会官方网站。

文章提供： Kokosil Ueno

---

查看其他报告