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东京国立博物馆

纪念寺庙创建1200周年的特别展览“神护寺——空海与真言宗密教的起源”在东京国立博物馆开幕，介绍了京都神护寺传世的众多寺院宝物。弘法大师空海与真言宗密宗。展览期至2024年9月8日星期日。

*部分作品在展览期间会有不同的展示方式。
早期展览：7月17日（周三）-8月12日（周一/闭馆）
晚展：8月14日（周三）-9月8日（周日）

真言宗密宗圣地，1200年宝藏在一处

位于京都高尾市的神护寺（神国所真言寺）于 824 年由高尾山寺和新愿寺两座寺庙合并而成。高尾山寺是平安时代提出迁都的和气清麻吕的家寺。在唐朝首都长安系统学习密教的空海（774-835）就以此寺为家回到日本后，奠定了真言宗密宗的基础。

空海入寺后，因火灾等原因年久失修，后在真言宗文觉上人的努力下，并得到后白河隐天皇和源赖朝的支持下得以重建。此后，尽管经历了应仁之乱、明治维新废除佛教、寺院领地被拆除等各种危机，该寺仍继续护法至今。

本次展览是为了纪念2024年神护寺创建1200周年和空海诞辰1250周年而举办的。

展览的核心是被称为日本雕刻史上最伟大杰作之一的国宝“药师如来立像”，以及与之相关的国宝“灵界曼陀罗（高雄曼陀罗）”。与空海一起完成了历时六年的修复，神护寺经历了1200年的风雨沧桑，保存下来了许多宝物。这是一次规模空前、质量和数量空前的展览，介绍了约100件超越佛教艺术的日本艺术杰作，其中包括17件国宝和44件重要文化财产。

该展览旨在追溯神护寺的历史。
一开始，象征性地放置了一幅屏风，描绘了人们在清泷河沿岸排成一排的枫树上的盛宴，清泷河流经高雄，俯瞰云间的圣地神护寺。传达了神护寺的氛围，神护寺自古以来就作为红叶名胜而深受人们的喜爱，至今其美丽的景色仍然令人着迷。

这里有很多与国宝“高尾坛城”有关的寺院宝物！

展览上半场的亮点是国宝灵界曼陀罗（高尾曼陀罗） ，它是日本现存最古老的灵界曼陀罗。共有两个展览，上半场为“大藏会”，下半场为“金刚会”。

灵界曼陀罗是真言密宗所教导的以大日如来为中心的宇宙的两幅观想：金刚界，代表觉悟之道，胎界，代表慈悲的扩展。此作品因传至高尾山神护寺而被称为“高尾坛城”，是空海根据他在天长时代（824-834）从唐朝带回的坛城直接制作的。尊纳皇帝的要求，具有极高的价值。

望着约4米见方的巨屏，斜纹丝上用金银泥以自由线条画出许多佛像，丝上用一种名为“‘紫’的染料织成花凤图案”。菩萨的形象描绘得工整，这在当时是很少见的。据说金刚界有1461个，子宫界有409个，这是压倒性的。我不禁想到，每一件作品都花费了多少时间和精力，因为每个人的脸型、携带的物品都有详细的规定，容不得半点差错。

同层还展示着江户时代制作的高雄曼陀罗的全尺寸复制品。两种宽度均全年展示。与有明显损坏的原件相比，丝绸上的线条和色彩的鲜艳程度更加清晰，将原件的优雅气息完美地表达出来，因此值得将它们放在一起进行比较。

如果您想了解更多有关各种本尊图像的信息，您可以参考仅用墨水描绘轮廓的高雄曼陀罗图标，或在单独的房间中播放的解释视频。

据记载，高尾坛城曾两次被修葺，第一次是镰仓时代的高田天皇，第二次是江户时代的1793年。可久天皇和退位天皇御樱町。这是继 2016 年至 2022 年进行约 230 年来的首次大修之后，第三次向公众开放。

旧的高雄曼陀罗储物盒等展品，记录了两次修复的历史，以及高达皇帝亲自撰写的修复历史，将有助于传承高雄曼陀罗，这被认为是空海手写曼陀罗的基础和标准，它向下一代传达了我们祖先希望生存的一部分思想和信仰。

还出现了一个特别的展览室，里面有令人印象深刻的雕像！药师如来立像在主像严厉的目光中穿过

展览的后半部分，出现了一系列神护寺的雕塑作品。

神护寺流传最古老的密宗佛像——五大国藏菩萨坐像，是空海弟子心斋应仁明天皇之命所立，作为佛像供奉于多宝塔。这是神护寺一年两次揭幕的隐藏佛像，此次展览将首次将五尊佛像全部在寺庙外展出。

五大空藏菩萨据说具有无量的智慧与福报，据说将空藏菩萨的功德分为五种，传授给人们，或者是金刚世界戈地如来的化身。该作品被认为是基于早期密宗佛教图像，如高雄坛城，其亮点包括长眼、丰唇的优雅面部特征以及肉体的表情。

据说这座雕像本身就是空海的一种曼陀罗，在会场，四尊雕像围绕着法海空藏排列成一圈，形成了三维曼陀罗的外观。当我停在它面前时，我感觉自己仿佛被几乎一模一样的坐像所营造出的神秘气氛所包围。

最后的展厅里，只有立像的杰作排列成行，营造出一种庄严的气氛。中央是主像药师如来立像，这也是首次在寺庙外展示。据认为，空海将一尊曾供奉在前身寺庙中的佛像带到神护寺，而不是密宗佛像。

八世纪末至九世纪初，创作了许多独特的佛教造像，但这尊佛像更为突出。他最显着的特征就是那让你挺直身姿的严厉目光。再加上她坚定的嘴巴，充满了尊严。

本次展览的一大魅力在于，您可以从不同的角度欣赏雕塑的美丽，而通常只能从正面看到它，因为它被保存在神护寺的祖师中。

它是由一整块木头制成的，除了手臂之外，大腿突出得从正面看根本无法想象，更强调了它的厚度。此外，左袖上的本帕式和服图案在大圆波和小驻波之间交替，雕刻的深度营造出更加深邃的感觉。丹波风格的袈裟图案是早期平安雕塑的特征，但据说如此美丽且清晰可见的雕像很少见。

空海为何选择这尊非密宗佛像作为主像呢？原因尚不清楚，但东京国立博物馆研究员丸山四郎表示如下。

“我想空海本人对形体有着很深的兴趣，甚至比密宗对形体的重视还要强烈。空海看到这尊佛像的时候有什么感受？如果你能把它送给我的话。”

主像周围是四天神和十二将军的立像。在神护寺，佛像排列得很近，但它们之间有一定的空间。此外，灯光使雕像独特姿势的剪影在背景中脱颖而出，完美凸显其动态表情。一时间我被这壮观的景象迷住了。

可以感受空海思想和精神的特别展览“神护寺 – 空海与真言宗密宗的开端”将持续至 2024 年 9 月 8 日（星期日）。

1200周年纪念特展“神护寺——空海与真言宗密宗的开端”概要

*文章内容截至报道时。最新信息请查看展会官方网站。

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国立科学博物馆

昆虫是最大的生物类群，占地球上已报道物种的一半以上。国立科学博物馆特别展览“昆虫狂人”开幕，从不同的角度和独特的视角深入探讨这个未知的世界。展览期限至2024年10月14日（周一、节假日）。

人类已命名了大约100万种昆虫。尽管它们是人类生活中最常见的野生动物，但只有少数物种得到普遍认可。此外，尽管每个人都知道昆虫的名字，但在很多情况下，它们的生态充满了神秘感，或者隐藏着只有研究人员知道的有趣秘密。

此次展览的展品范围广泛，从超过10厘米的巨型甲虫到不到1毫米的微小黄蜂，还有像昆虫一样被称为“虫子”的陆生节肢动物，如蜘蛛和蜈蚣。来自国立自然科学博物馆的五名研究人员正在疯狂地探索昆虫多样性的世界，这超出了从书籍和插图百科全书中可以获得的知识，同时结合了稀有标本和最新的昆虫研究。

即使你是个狂热分子，会场也会有一个名为“Zone 1: Insects and Bugs”的介绍区，会介绍昆虫和虫子的区别及其特征等基本信息，所以即使你不是熟悉昆虫的我可能不需要担心。

下一个部分“第二区：多样的昆虫”是本次展览的主要部分。根据研究人员的专业类型分为五门， “蜻蜓门”针对的是蜻蜓、蚱蜢、蝉等不完全变态的昆虫， “蜜蜂门”针对的是具有膜质翅膀的蜜蜂和苍蝇。 ， 《蝴蝶门》介绍了蝴蝶和飞蛾， 《甲虫门》介绍了甲虫、锹虫等甲虫， 《蜘蛛门》介绍了蜘蛛、蜈蚣、蝎子等非昆虫节肢动物的世界。 介绍。每个主题都涉及以下三个关键词：“多样化的关键”、“昆虫新常识”和“昆虫的食物、衣服和住所”。

每个区域都有五个巨型模型作为地标等待着游客，研究人员密切关注细节。

它与典型的昆虫展览有些不同，比如日本长尾黄蜂的模型并没有表现出酷炫的飞行样子，而是难以形容地再现了其身体变形和产卵的情况。让人不禁产生“这就是我关注的东西！？”的意外感，可以说是本次展览的真正乐趣所在。

对于对昆虫不熟悉的笔者来说，这次展览充满了惊喜。

比如关于昆虫组成的社会。黄蜂和蜜蜂的常见生态是工蜂和蜂王成群生活，分工和产卵，这在膜翅目昆虫（大约有 15 万种）中是很不寻常的，而独居的蜜蜂则更为常见。据说有很多。虽然我的知识水平还很低，但我对蜜蜂是群居昆虫的刻板印象感到震惊。

蜜蜂有一种被称为“群居”的生态，它们群居，但它们也是“独居”的，产卵后母蜂离开后，它们基本上独自生活，即使产卵后，母蜂也会为蜜蜂提供食物。孵化的幼虫可以观察到多种生态，例如“亚社会”蜜蜂，它为蜜蜂提供大量能量，以及“劳动寄生”，它依赖其他蜜蜂筑巢和收集食物。因此，蜜蜂作为思考昆虫社会性进化的研究材料引起了极大的兴趣。

关于性别多样性的展品充满了有趣的展品，其中最引人注目的展品之一是雌雄同体，一种兼具男性和女性特征的独特个体。

雌雄同体有时可能出现在同一物种的许多个体中，特别是在蝴蝶的情况下，已经发现许多雌雄同体从中心线向左和向右明显分开的例子。更罕见的是，展览中展示了雌雄同体的标本，其特征是雄性具有左前翅和右后翅，雌性具有右前翅和左后翅。每一只蝴蝶的对称都是美丽的，让人不禁感受到生命的奥秘。

在场馆里，你不仅可以观察到昆虫复杂、奇特、美丽的视觉效果，有时还可以使用显微镜，还可以欣赏到精致的、不单调排列的标本。

例如，您可以用不同大小的甲虫和锹虫绘制一个渐变圆圈，以创建一件时尚的艺术品，或者您可以在一排蝴蝶中混合不同的物种，以创建一个找不同的外观。为了招待游客，安排得十分周到。

具有“结构颜色”的昆虫标本，例如黄甲虫的“虹彩”颜色，其颜色不是通过颜料而是通过阳光与微小结构的干涉而着色，看起来就像古怪的珠宝盒。这种象鼻虫生活在新几内亚周围，它的体表有一种叫做佛声晶体的结构颜色，根据角度的不同，会发出绿色、蓝色和紫色的光芒，极其美丽。

本次展览的魅力之一在于，您不仅可以“看”，还可以从“听”、“摸”、“闻”等多种角度体验昆虫的世界。

北美是一群蝉的家园，称为日本蝉（每 17 年出现一次）和日本蝉（每 13 年出现一次）。这两个群体每221年同时发生一次，这是2017年和2013年的公倍数，而2024年正是它们发生的年份，正如日本新闻中所谈论的那样。

场内充满了各种昆虫的声音，但作为“听”体验展尤其值得关注的是可以体验素数研讨会合唱的地方。研究团队前往伊利诺伊州芝加哥参加本次展览。我们将介绍现场记录的噪音，最高可达85至86分贝（与弹珠机店内的响度大致相同），并附有游记。

作为“嗅闻”体验展览的一部分，我们设置了一个散发着桉树油和粪臭素气味的场所，桉树油存在于黄蜂喜爱的桉树精油中，而粪臭素则存在于黄蜂的粪便中。这种蜜蜂是仅生活在中美洲和南美洲的蜜蜂，具有全球罕见的雄性从花朵中收集气味成分以接近雌性的习性，其光泽的美丽也是一大亮点。

在“触摸”体验展中，您可以触摸寄生在植物上的蚜虫幼虫为保护自己免受捕食者侵害而通过异常发育而形成的实际巢穴“瘿”，内容引起了我的好奇心。

剩下的部分“第三区：虫子与人类”作为尾声，深入探讨人们日常生活中的虫子世界，思考虫子与人类的未来。

根据不同的观点，昆虫可以被视为害虫或益虫。该展览将黄蜂列为典型害虫的一个例子，并解释说，虽然它们会蜇人，但它们也有能力防止农田中的昆虫损害。据说，如果你换个角度，你就会发现人类的生命是由多种生物组成的生态系统支撑的。

乍一看，昆虫生活在自然环境所剩无几的城市里，甚至在家里，这对于不擅长昆虫的人来说可能是一件大事。一个有趣的事实是，尽管人们在家中和室外看到同一种昆虫，但有一种假设认为，当人们在家中看到这种昆虫时，他们会在心理上感到更加厌恶。此外，由于城市化，每天看到昆虫的机会正在减少，这可能是人们讨厌昆虫“无法识别的东西”的原因。

因此，尾声的标题是：“通过了解每种昆虫以及你不喜欢它们的原因，你也许能够稍微减轻你对所有昆虫的厌恶。”它也被包括在内。

大多数人都不知道微小昆虫的世界，但展览的内容自然地提醒我们，昆虫是我们最近的邻居，与我们的生活密不可分。

此外，在本次展览中，喜剧二人组“Ungirls”的山根义明将于2023年在广岛的山区表演“Motonari”。您还可以看到 Motonarihimekobanenagahanekakushi 的标本，这是在录制名为“Motonarihimekobanenagahanekakushi”的节目时发现的一种新昆虫。

由于这一发现，Ungirls 成为了本次展览的官方支持者。山根先生在开幕前举行的开幕演讲中上台，他说，尽管在发现新物种时与他在一起的日和自然科学博物馆的研究员 Yoshihiro Senda 指出， ，“这很难得”，回想起来，我以为这只是一种恭维，并没有当真。

他的搭档田中隆继续说道，“山根想要尽快完成拍摄，所以他没有深入山里，而是迅速在入口附近挖了一些土壤，发现了一个新物种的地方。我不会寻找的。”他笑着分析说，之所以发现新物种，是因为山根先生的“马虎”。

我们周围似乎有我们可能不知道的新昆虫种类。在展览的最后，我们介绍了研究人员在寻找昆虫时的观点、技术和工具，因此对于学生来说，作为他们独立的夏季研究的一部分，尝试发现新的昆虫物种可能会很有趣。

特别展“Insects MANIAC”将持续至10月14日（周一、节假日）。

“Insects MANIAC”特别展览概览

时期	2024年7月13日（周六）～2024年10月14日（周一·节假日）
场地	国立科学博物馆（东京上野公园）
营业时间	9:00-17:00（入场截止时间为16:30） *但是，每周六、8月11日（周日）至8月15日（周四），博物馆开放至19:00（入馆截止至18:30）
闭馆日	9月2日（星期一）、9日（星期一）、17日（星期二）、24日（星期二）、30日（星期一）
入场费（含税）	一般民众、大学生2,100日元、小学生、初中生、高中生600日元 *学龄前儿童免费。 *持有残疾人证的人士和一名护理人员可免费入场。 *其他详情请查看官方网站。
由…赞助	国立科学博物馆、读卖新闻、富士电视台
询问	050-5541-8600（您好拨号）
展会官方网站	https://www.konchuten.jp/
导师	井出龙也【蜜蜂总监督】/国立科学博物馆动物学研究部陆生无脊椎动物研究小组、研究员野村周平【鞘翅目】/国立科学博物馆动物学研究部陆生无脊椎动物研究小组组长Utsugu神保【蝴蝶与飞蛾】 / 国立科学博物馆动物学研究部陆生无脊椎动物研究组研究主任清卓也【蜻蛉类】 / 国立科学博物馆动物学研究部陆生无脊椎动物研究组研究主管奥村健一【蜘蛛类】/国立科学博物馆动物研究部陆生无脊椎动物研究组研究员

*文章内容截至报道日期（2024年7月12日）。最新信息请关注展会官方网站。

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国立西洋美术馆

目前，国立西洋美术馆正在举办“内藤收藏手稿——最优雅的中世纪缩影”展览，探讨流行于中世纪欧洲的彩绘手稿的魅力。展览期至2024年8月25日星期日。

15 世纪印刷技术发明之前，手稿在欧洲很流行，文字是通过手工抄写到由薄薄加工的动物皮（动物毛皮纸）制成的纸上，需要花费大量的时间和精力。创建使用

手稿常常饰有华丽的装饰和插图，有时甚至成为极其奢华的物品，但它们是当时人们传播信息的主要媒介，同时也对支撑基督教信仰起到了重要作用。负责。

本次展览标题中的“内藤收藏”是指筑波大学和茨城医科大学名誉教授内藤博收集的零叶手稿（叶子，从书籍中分离出来的单张纸）的集合。到收藏是国内美术馆藏品最多的手稿之一，2015年捐赠给该馆，2020年又新增手稿26件。

本次展览将通过约150件作品，包括内藤收藏的大部分作品和国内大学图书馆的藏品，介绍每份手稿的作用以及文字和图片融为一体的中世纪装饰（*）艺术的世界。大型展览。

（*手稿的装饰因其闪闪发光的特点而被称为“sai-kazari”，它使用了大量的黄金。）

展览根据丽羽原稿所属的用途分为“第一章：圣经”、“第二章：诗歌编纂”、“第三章：日常事务手稿”等章节。 ”、“第 4 章：弥撒手稿”、“第 5 章：神职人员使用的其他手稿”、“第 6 章：时经书”、“第 7 章：日历”、“第 8 章：教会法律和书籍” 《誓言》、《九篇世俗手稿》共九章。

首字母是手稿装饰的典型例子。

首字母是句子开头装饰华丽的字母。除了赏心悦目之外，它们还可以用作标记文本重要部分的开头和分句符。有趣的是，装饰的类型代表了首字母的层次结构，进而代表了文本的层次结构。

例如， 《礼仪诗集零叶》页面的左中央有一个大字母“B”。“B”的内部上部有一个上帝祝福的人物，在“B”的内部有一个上帝祝福的人物。下部有一幅传统的《诗篇》的人物，它描绘了作者大卫演奏的乐器。这种在字母内部空间描绘故事场景和人物的图画被称为“故事首字母”。

还有其他类型，例如“champi 首字母”（在彩色背景上放置金色字母）和“条纹装饰首字母”（在字母周围用线条图装饰），但在层次结构、故事方面缩写位于顶部。通过用最突出的故事首字母来指示核心文本，可以在视觉上帮助读者理解。

《礼拜诗歌汇编》是旧约《诗篇》、赞美诗、祈祷文等文本的汇编，供日常宗教礼拜使用，即在修道院、教堂每天固定时间举行八次礼拜。 。 是。

内藤藏品收录了许多英国和法国制作的 13 世纪圣经手稿，其中展示《创世记》开头的《圣经零叶》就是其中的代表。

在大量细致排列的字母中，垂直贯穿页面的金边装饰引人注目，但我惊讶地发现，它实际上是一个巨大的“I”，也就是故事的首字母。可以说，这个尺度适合传达一个史诗故事的开始。从上帝创造万物到该隐谋杀亚伯的故事，都在一个约2厘米的小圆圈中细致地表达出来。

《兹沃勒圣经零叶》于 15 世纪末在荷兰北部的兹沃勒镇（靠近现在的荷兰）创作，是一张单页书，上面有故事的首字母和强调的字母 D。我欣赏它的有序之美。

最初，僧侣和尼姑负责抄写和装饰手稿，但逐渐由民间工匠开始接管这一角色。这部作品中所见的复杂字体，很难相信是手写的，是由著名书法家雅各布斯·范·恩克海森 (Jacobus van Enkhuysen) 创作的，据说他花了 14 年时间才抄写整本书。

这种和谐的布局是通过包含诗篇的三个版本而创建的。每个故事的开头都描绘了大卫生活中的一个场景，例如大卫抬着约柜到耶路撒冷。

在某些情况下，首字母缩写用于表明手稿是为谁创作的或在什么背景下使用的，例如， 《礼仪诗歌汇编零叶》中的首字母“C”是方济会修道士在唱歌时写的。讲台前。这意味着母手稿是为方济会修士制作的。

此外，如本作那样，在书页边缘填满植物图案的边框装饰在手稿中很常见，但如果仔细观察，这幅作品有着一种奇怪的、僧侣般的外观，混合着色彩丰富、优雅的花朵。非常独特的是，它有一个老人的头漂浮着。

会场中还有其他页面的页边空白处装饰着恶作剧的图画，也许是出于艺术家的乐趣，仔细检查这些页面很有趣。

祈祷书包含了祈祷期间要阅读的所有文本，最初由主持礼拜仪式的牧师拥有，但逐渐在平信徒中流行起来。

其中，应15世纪统治意大利费拉拉市的埃斯特家族的要求而制作的《莱昂内洛·德埃斯特的祈祷书》 ，就是对世俗信徒来说奢华华丽的作品的一个例子。镶金的框架装饰，以细线般的线条绘制，让人想起奢华珠宝的闪烁，令人惊叹不已。

装饰由乔治·达莱马尼亚 (Giorgio Dalemagna) 完成，他是费拉拉的主要手稿画家之一。虽然整体风格属于晚期哥特式风格，但从缩写里面的人物绘制方式就可以看出文艺复兴风格的影响，或许是因为当时文艺复兴已经在费拉拉开始了。

手稿装饰被保存在书籍中，并且比壁画或挂毯更不易消散或损坏，使它们成为中世纪艺术的宝贵见证。这部作品也可以说是传达时代的一个很好的例子，抓住了过渡时期存在的两种审美情感的本质。

当然，也有许多零叶带有微型图（插图），它们在页面上被赋予独立的空间，而不是用首字母装饰。

《零叶祈祷书》的插图描绘了基督被白色空间装饰所包围，金色背景上散布着花朵和昆虫，具有错视风格（trompe l’oeil，一种在根特和布鲁日流行的装饰）约1500）。这些纸叶最初是为了插入现有手稿中以提高其审美价值，但它们的主人显然在它们上添加了刺绣边框，并以微型绘画的形式将它们用于崇拜。

此外，除基督教相关内容之外的“世俗手稿”，例如百科全书内容和身份证等，也将在场内展出。此外，作为作品研究的结果，我们还涵盖了根据抄写文字内容、字体、装饰风格等识别出的《零叶》的母稿，以及《零叶》的姐妹叶。与母稿分开。

精美插图的手稿，有时用作所有者的地位象征或满足审美趣味。甚至有收藏家只将装饰部分剪下来，被视为超越书籍领域的一流艺术品。其中很多作品虽然尺寸较小，但与我们平时在博物馆里看到的西洋画一样具有美感，令人赏心悦目。为什么不看看这个展览，想想中世纪人们的审美意识，他们读书的感受可能与我们今天不同呢？

《内藤典藏手稿——最优雅的中世纪缩影》概览

*文章内容截至报道时。最新信息请关注展会官方页面。

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东京都美术馆

20世纪艺术巨匠乔治·德·基里科（Giorgio de Chirico ，1888-1978）十年来首次在日本举办的大型回顾展“德·基里科展”正在东京都美术馆举办。东京上野美术馆。展览期限至2024年8月29日。

乔治·德·基里科因其“形而上学绘画”而闻名，对许多艺术家产生了巨大影响，包括萨尔瓦多·达利和雷内·马格里特等超现实主义者。虽然他有着强烈的前卫画家形象，但他也致力于文艺复兴、巴洛克等古典主义表现方法，绘画风格根据时代而发生很大变化。

回顾展一般按照时间顺序介绍艺术家从早年到晚年的作品。然而，在这次展览中，将展出来自世界各地的100多件以油画为主的作品，这些作品以德基里科所处理的主题和母题为特色，如“自画像”、“形而上的绘画、 ”和“回归传统绘画”。它对每幅作品进行了总结，并以通俗易懂的方式解释了它们是如何继续绘制和变化的。

第一章作为引言，重点介绍自画像和肖像。德·基里科从其职业生涯之初就创作了数百幅自画像，风格上发生了各种变化，反映了他在每个时期的研究成果。

德基里科 1888 年出生于希腊，父母是意大利人，父亲去世后，他与母亲和弟弟搬到了德国慕尼黑。在那里，他就读于一所艺术学校，但退学并于 1909 年搬到意大利米兰。当时，德基里科深受弗里德里希·尼采的哲学和以《死亡岛》闻名的抽象主义画家阿诺德·伯克林的绘画的影响。我看到了一幅珍贵的肖像画《我弟弟的肖像》 （1910年），这幅画是在绘画尚未建立之前的早期阶段所画的。

《自画像》 （c1922）是德基里科对西方艺术被“回归秩序”运动主导的时代的回应，该运动重新发现了古典绘画的秩序，作为对前卫运动破坏表现形式的反应我从事的工作是什么。它基于皮耶罗·德拉·弗朗西斯卡（Piero della Francesca）和拉斐尔·桑齐奥（Raffaello Sanzio）等文艺复兴时期绘画作品的扎实视觉。

此外，一些自画像中他穿着 17 世纪的服装或扮演斗牛士。这种导演实验和戏剧偏好是德基里科作品的特点之一，也与他在整个职业生涯中断断续续参与的歌剧和戏剧的舞台设计密切相关。另外，在展览的后半部分，还介绍了德基里科创作的舞台服装和设计草图，想象一下它们之间的相互影响，观看它们会很有趣。

第二章将德基里科标志性的形而上绘画分为三个主题： “意大利广场”、“形而上内部”和“马努干”。本次展览的亮点在于收藏了许多1910年代黄金时代的代表作品，这些作品通常散布在世界各地。

德基里科说，1910年的一天，在佛罗伦萨的圣十字广场，他感觉好像第一次看到熟悉的场景。由于这种“启示”，在绘制广场和室内房间的具体图像时，通常不存在的扭曲的透视和图案排列创造了一种我们所看到的世界的深度感，类似于梦中的图像。开始创作暗示世界上存在的非凡、神秘和奥秘的绘画。

1911 年，当他移居巴黎时，他的奇幻画作立即吸引了评论家，并成为巴黎运动最前沿的一部分。受他所钟爱的尼采哲学的影响，德基里科后来将他的作品命名为“形而上学绘画”。意大利广场一角展出的《沉默的雕像（阿里阿德涅）》 （1913）确实是形而上绘画的杰作。

《有玫瑰色塔的意大利广场》 （c1934）是一个看不到人的广场，但从画布外延伸出的长长的阴影营造出一种令人不安的气氛。它与《有红塔的意大利广场》类似”创建于 1913 年。 的副本。德基里科还积极复制他过去画过的形而上画，尽管这些行为有时被批评为“赝品”，但他自己说，“这些复制品是用更美丽的材料制成的。”它是用更复杂的技术绘制的，我不认为有任何缺陷。”（摘自给他的大师安德烈·布勒东的妻子的一封信，她要求复制），他似乎对这幅画持积极的态度。

第一次世界大战爆发后，德基里科作为一名士兵从巴黎搬到费拉拉，他的画作从俯瞰广场的开放视野转向封闭的室内空间。绘制的图案灵感来自费拉拉的房屋内部和商店的橱窗，而德奇里科熟悉的物品，如饼干、海图和尺子，开始在没有背景的情况下出现。

这些被称为“形而上的室内装饰”，当你观看1910年代的作品时，你会发现所描绘的图案不自然地隐约出现在你眼前的屏幕上。然而，到了 20 世纪 60 年代，安装了窗户，构图也发生了变化，营造出一种宽敞的感觉。从窗户里还可以看到意大利广场的建筑，这是德基里科1968年左右开始的“新形而上绘画”系列作品中的一个特点，融合了过去作品的主题。

在“马努坎”一角，在西方古典绘画中享有特权地位的人物形象被没有个性的马努坎（人体模型）所取代，并被视为与其他物体处于同一水平的物体。将展出一系列作品。由于马努干的出现恰逢第一次世界大战爆发，因此有人说，马努干代表了人类引发战争的非理性，或者说人类对抗暴力的无力。

尽管马努坎扮演了缪斯、先知、哲学家、新娘等多种角色，但在她早期的杰作《先知》 （1914-15）和《形而上学缪斯》 （1918）中，她被描绘成无机物。然而，值得注意的是，随着时间的推移，他们在古典主义的影响下经历了有趣的转变，变得更加肉体化和人性化。

从形而上绘画回归古典绘画后，德基里科于1925年回到巴黎，与超现实主义画家交往，将注意力重新转向形而上绘画，创作了《角斗士》、《角斗士》等新题材。 “山谷家具”也被采用。第 3 章重点讨论 20 年代末的此类发展。

接下来的第四章的标题是[回归传统绘画——从“回归秩序”到“新巴洛克”]，包含了一些作品，展示了本文中经常提到的致力于古典绘画所取得的成果。再次。从1920年左右开始，他研究提香、拉斐尔等文艺复兴时期的作品，然后从1940年代开始研究鲁本斯、委拉斯开兹等巴洛克时期的作品，尽管受到超现实主义者的批评，但他继续研究他们的表达，我将它融入到了制作中。

本章包括两幅沐浴画。其中一幅作品是《躺在浴室里的女人》（阿尔克墨涅的休息） （1932），由印象派画家皮埃尔·奥古斯特·雷诺阿晚年创作，他当时被认为是文艺复兴时期古典主义研究的领军人物。是根据一幅沐浴画创作的。

十几年后创作的另一幅作品《沐浴在风景和红布中的妇女》 （1945年）的灵感来自于巴洛克绘画以及对它们的诠释的欧仁·德拉克洛瓦和古斯塔夫·库尔贝的作品。虽然题材相同，但对比一下，可以发现笔触和风格都有明显的变化，后者整体更加光泽，深色浓重的色彩更加突出。

最后一章“新形而上绘画”讲述了德·基里科十年来的发展，直至他于 1978 年去世，当时他再次开始从事形而上绘画。

在他生命的最后几年，德基里科自由地结合了他过去创作的元素，比如广场、室内装饰、马努坎、古典绘画中的神话故事，甚至他在插画作品中绘制的太阳和月亮，它开辟了新天地，超越了简单的重复。这些风格被称为“新形而上绘画”，1910年代形而下绘画的忧郁、沉重的气氛消失了，全部都是轻盈明亮的，仿佛毒已被除去，都有一种好玩的感觉。

不受周围人批评的影响，德基里科的作品始终是关于前卫与经典能够共存而不是相互矛盾的，并多次引用和致敬自己的作品。这部作品是一部值得尊重的原创作品。这被称为他绘画生涯的顶峰。

“德基里科展”概览

场地	东京都美术馆
时期	2024年4月27日（星期六） – 2024年8月29日（星期四）
营业时间	周五 9:30-17:30 至 20:00（最后入场时间为闭馆前 30 分钟）
休息日	7月9日星期一（星期二）～7月16日（星期二） *但是，办公室将于7月8日（星期一）和8月12日（星期一、节假日）开放。
参观费（含税）	一般2,200日元、大学·专门学校生1,300日元、65岁以上1,500日元 *周六、周日、节假日以及8月20日（周二）以后需要预约。 *高中生以下免费。 *持有身体残疾证明书、爱心笔记本、康复笔记本、精神残疾健康福利笔记本、原爆幸存者健康笔记本及其陪同人员（最多1人）可免费入场。 *其他详情请查看官方门票页面。
由…赞助	东京都历史文化财团、东京都美术馆、朝日新闻
询问	050-5541-8600（您好拨号）
展会官方网站	https://dechirico.exhibit.jp/

*文章内容截至报道时。请查看官方网站了解最新信息。

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东京国立博物馆

为纪念净土宗创立850周年，位于东京上野的东京国立博物馆举办了题为“法然与极乐净土”的特别展览，汇集了许多与净土宗创始人有关的宝物，法然，来自全国各地的寺庙。展览期限至2024年6月9日。

*展览期间，部分作品的展示方式有所不同。详情请查看展会官方网站。

最初在印度和中国发展起来的、祈愿往生阿弥陀如来在西方建立的无苦世界净土的信仰，在日本被称为“净土宗”或“净土信仰” ，以天台宗为基础，主要在比睿山延历寺采用。

法然（1133年～1212年）出生于平安时代末期，战争、天灾、瘟疫接连发生，在佛教末期，在比睿山修习净土宗，并于1175年（贞德五年），他自立教义，名为“南无阿弥陀佛”，创立净土宗，宣扬称颂阿弥陀佛，人人皆可平等得阿弥陀如来救度，往生极乐净土。

“南无阿弥陀佛”的意思是“我皈依阿弥陀如来”。 “念佛”的简单教导很受欢迎，它指出，如果大声赞美这六个字母的短语（念佛），无论你是否进行了严格的训练或善行，你都可以到达天堂。由于其轻松自在的特点，受到了贵族、学者的广泛拥护，甚至得到了苦难中的普通百姓的支持，并逐渐发展成为镰仓佛教的主要教派之一。一直流传至今。

为纪念2024年净土宗创立850周年，本次展览将展示净土宗从法然创立到江户时代德川将军家族皈依的伟大发展的艺术和历史。展示全国净土宗寺庙所拥有的包括国宝和重要文化财产在内的珍贵宝藏的大型展览。

展览分为四个章节。第一章“法然和他的时代”介绍了法然是一个什么样的人，他的外表、成就和思想。

在这里，您可以看到重要文化财产《本愿念佛集选（庐山寺版）》，它是系统化法念思想的净土宗根本经典，其中包括法念亲笔的手迹，以及总共国宝《法然上人图传》可以说是众多法然传记的集大成者，不仅记载了法然从生到死的一生，还记载了宫廷的功绩。贵族、武士、皈依净土宗的弟子们都会出现。

奈良大摩寺奥院本尊法然上人坐像，是中世纪法然上人像的珍贵典范，据称其外观出自年龄相对年轻。他的肉很多，表情似乎带着微笑，给我的感觉很温柔。这种轻松的平易近人的氛围与净土宗的大众化性质相似，进入本次展览后立即展示，确实具有象征意义。

随着邪教势力的壮大，出现了一些歪曲教义、扰乱公共道德的人，延历寺的追随者有时会提起诉讼，要求结束千秋念佛。如果你仔细看一下《七条清会》，里面记载了法然让弟子们签署的七条禁令，以鼓励自律，你会发现，净土真宗的创始人亲鸾，也包括了兰当年的签名。 ）还年轻。

第二章《阿弥陀佛的世界》的亮点是《图传》，通过众多阿弥陀如来的雕塑，表达了许多人的愿望，这种信仰甚至传播到了平民百姓中。这是前面介绍过的国宝“阿弥陀佛二十五菩萨降临”，也是佛教净土宗总寺院京都知恩院所藏。

这幅作品被称为“早来五”，很多人可能都熟悉它，因为它作为镰仓时代佛教绘画的代表作被收录在教科书和其他出版物中。描绘阿弥陀如来乘云降临，与菩萨同行，接送生命终结的念佛修行者往生净土的画作，被称为“雷神图”，因飞云的壮丽表情而得名。强调像水从瀑布直线落下一样奔跑的感觉。这样的设计大概反映了人们希望尽快到达的愿望。

从 2019 年开始的三年时间里，进行了大规模的修复，包括更换hada-uragami（直接贴在主纸背面的加固纸），因此屏幕变得更亮，颜色也变成蓝色。水面的景观得到了改善，从而产生了这幅画所特有的立体风景，例如深深雕刻的山面，变得更加清晰。

另外，不可错过的还有净土圣地奈良台摩寺的国宝“津织台摩坛城” 。这项工作本来是安排在第3章的，但也许由于篇幅限制，它被安排在第2章区域。

该作品描绘了长宽各4米的净土，令人印象深刻，描绘了净土宗三大圣典之一的《甘无二法经》的内容。使用染成丰富色彩的丝绸和金线，每英寸（3.3厘米）60根经线的精确编织，可以想象产生了接近绘画的表现，例如精细的线条图和颜色渐变。据信它是在唐朝的中国或8世纪奈良时代的日本制造的，但据说没有其他8世纪的文物使用如此先进的技术制造的例子。这将是该剧首次在奈良县以外的地区上映。

遗憾的是，原作色彩大部分已失，但这部作品在镰仓时代获得了法然弟子食空的极大信任，并制作了许多复制品。同一章节中还展出了墨线清晰的台玛坛城复制品。相传《鹤织大摩坛城》是贵族之女中正姬在阿弥陀如来的帮助下，用莲花线一夜编织而成的，但它应该与《鹤织大摩坛城》一起观赏。如果你这样做了，你或许能够体验到一部分当时人们所推崇的神秘主义。

第三章“法然的弟子与佛法之路”追溯了法然弟子的活动，他们在法然去世后不知疲倦地努力将他的教义传播到日本各地，包括镇西（九州）、镰仓和京都。

弟子们之间似乎有不同的做法，例如传宗念佛的概念建构、各种修行在其中的定位、以及确保邪教的合法性等。展出的《末代念佛施手印（原极乐版）》据说是镇圣派创始人翔子亲笔所写，他感叹弟子中出现了不同意见和不同流派的情况。这部作品是为了向后人传达法然的真实意图而写的。这让我想到，即使是最简单的传宗念佛教义的保护和传承是多么困难。

净土宗复兴的创始人正艺为日立国的关东净土宗奠定了基础，其弟子正宗在江户创建了增上寺。自松平家族以来，笃信净土宗的德川家康在江户建立了增上寺，在京都建立了知恩院，巩固了教团的地位。第四章“江户时代的净土宗”，追溯了江户时代净土宗的急剧崛起，该教派利用净土宗寺院带来的大量宝物，获得了幕府和各封建领主的赞助。

这里可以看到的三部大藏经（宋版、元版、高丽版）是德川家康用领土从大和、周卫、近江三国的寺庙获得的“三大藏”，并捐赠给增上寺的。寺庙。

大藏经是翻译成中文的5000多卷佛经的总集。在中国，随着印刷文化的发展，从北宋开始，大藏经就开始采用木版印刷。印刷版的《大藏经》是不可多得的文化财产，但据说世界上还没有一座寺庙藏有三本而无缺本的例子。这是文化史上极其重要的著作，为现代佛教研究奠定了基础。

虽然不华丽，但引起我注意的是据说是家康手写的《每日念佛》 。据信，家康晚年每天苦心抄写《南无阿弥陀佛》经，祈求自己灭亡。从远处看，你可能会误以为它是某种图案，看到名字写得如此紧凑，6列41行，有点令人毛骨悚然，似乎是一种痴迷的表达。然而，如果你仔细观察，你会发现只有两个地方写着“南无阿弥家康”而不是“南无阿弥陀佛”。我不知道为什么这样写，但我想知道这是否只是一个笑话，或者背后是否有更深的含义。

鹿野一信（1816-63）是江户时代末期的画家，据说在进入鹿野派之前，他主要自学了四条派和土佐派的风格，经过一段时间创作了这幅作品作为他绘画生涯的巅峰之作，我挑战的增上寺藏《五百罗汉》可以说是这次展览的亮点。

阿罗汉是一种尊称，指佛陀弟子中证悟的圣人，被认为具有救度众生的作用。五百罗汉是佛陀灭度后参加集会（第一次集会）编撰佛经的五百罗汉。在日本，江户中期以后，各地积极创作五百罗汉的木雕和石像。会的。

这幅罗汉图无论大小、数量、威力都是史无前例的，是描绘了500尊罗汉，每尊5幅，共100幅的杰作。罗汉的修行与生活、六道、人间的灾难、罗汉的救援等独特的场景，以丰富的色彩、戏剧性的色彩表现出来，采用西方的明暗和透视法，不受日本绘画框架的束缚。我被大量的信息和其中的热情所震撼，本书的任何部分都毫不费力。

会场内共展示100幅中的24幅（上半场和下半场各12幅）。

在会场最后看到的是香川法念寺拥有的“卧佛像” 。该作品是佛陀圆寂场景的三维再现，由一尊比真人大小的卧佛像组成，周围环绕着哀罗汉、天龙八尊和动物等总共 82 尊雕像。 。它是由高松藩初代藩主松平赖重从京都请来的佛教雕刻家建造的，像这样的大型涅槃像是没有的。

通常放置在法念寺的三佛堂（涅槃堂），本次展览展出了26件。它作为一个拍照点开放。

东京展结束后，展览计划前往京都国立博物馆和九州国立博物馆巡回展出。

 

“法然极乐净土”概要

*文章内容截至报道时。最新信息请查看展会官方网站。

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国立西洋美术馆

东京上野国立西洋美术馆首届当代艺术展：“这里已经成为未来艺术家睡觉的房间了吗？──国立西洋美术馆65年后问自己|当代艺术家的问题。”打开。展览期限至2024年5月12日。

■参展艺术家
Yuki Iiyama、Yoichi Umezu、Mai Endo、Tsuyoshi Ozawa、Nodoka Odawara、Natsuko Sakamoto、Hiroshi Sugito、Ryudai Takano、Kyo Takemura、Koki Tanaka、Toeko Tatsuno、Elena Tutatchkova、Rei Naito、Tadayoshi Nakabayashi、Yu Nagashima Rie、Parplume（Yoichi Umezu） + 安藤博美 + 津桥仁子 + 星川朝子 + 胁本登崎）、布施伦太郎、松浦久夫、宫岐夫人、汤浅江博士、由美地汉字二

这是国立西洋美术馆大规模展示当代艺术的一次前所未有的尝试，该馆主要收藏和展示20世纪上半叶以前的西方艺术。在此前举行的新闻发布会上，据称此举的目的并不是通过将藏品与当代作品并列展示来扩大对藏品的理解视野，也不是为了引起对当代艺术有浓厚兴趣的人们的兴趣。正在

回顾过去，松方收藏馆是根据松方小次郎的遗愿而建立的，他希望向日本画家展示正宗的西方艺术，并为他们的创作活动做出贡献。预计将成为创造和培养未来艺术家的灵感之地。

然而，到目前为止，还没有有人认真质疑博物馆是否真的创造了这样一个空间。

本次展览面对这一事实并跨越流派，提出了博物馆及其藏品如何与当代表达相关的问题，以及它在我们这个时代作品的外观和意义生成中可以发挥什么作用。 21组艺术家，通过他们的作品来看看他们的反应。展览还展出了该馆馆藏的约70件西方艺术杰作，包括克劳德·莫奈、保罗·塞尚、莫里斯·丹尼斯等人的作品，是一个非常有趣的展览。

这就是为什么这个项目的许多参展者都活跃在批评等领域，而且场馆里的文本比典型的当代艺术展览要多，在某些情况下，文本本身就是一件艺术品。

艺术家处理问题的方法和意识各不相同。

例如，在第一章“这个地方变成了什么样的记忆磁场？”中，中林忠义、内藤丽和松浦久夫讨论了他们自己的作品以及塞尚、丹尼斯或中林忠义本人的作品。博物馆收藏的前辈们的作品，如奥迪隆·雷东 (Odilon Redon) 和鲁道夫·布雷丁 (Rodolphe Bredin)，他们追溯了表达的历史血统，并在旁边展出。将博物馆定义为一个磁场，不同时代、不同地区的艺术家的记忆共存，相互交织，我们思考博物馆的藏品会形成什么样的磁场。我们正在通过作品验证海豚的存在。 。

在第二章“你对日本‘西洋美术馆’的存在有何看法？”小田原野花在她的新装置《雕塑/克服现代性——由国立西洋美术馆编辑》中探讨了博物馆的象征意义。奥古斯特·罗丹的雕塑《思想者》从基座上移开，侧放在鲜红的地毯上，非常引人注目。

背面完全可见，许多参观者坐下来欣赏“思想者”，认为他们可能再也见不到这种状态的“思想者”了。当思考者摔倒时，坐垫的精致舒适感让他看起来像是睡着了，颇有些幽默感。

与西方的博物馆不同，小田原建在容易发生地震的地面上，也面临着日本现代化进程中博物馆所要面对的历史“扭曲”，他说他对此产生了浓厚的兴趣。这件事。

这个新装置的作品包括在 1923 年关东大地震中倒塌的《思想者》，以及在 1922 年部落解放运动期间起草《平九社宣言》、后来在狱中成为民族主义者的斋子满吉等作品。其组成部分包括日本人画作“Kishaku”，一个模仿五层宝塔的物体，每次地震都会倒塌并重建，以及博物馆独立开发的隔震平台。小田原的装置作品探讨了日本的地震和意识形态转变的意识形态问题，“堕落”和“转变”重叠，营造出提出复杂问题的外观。

 

在第四章“这个地方可以成为多种生命/性的场所吗？”中，高野隆在美术馆展厅中重新创造了人类“生命”的空间，这个空间旨在成为一个无味、无臭、中性的地方。它很大。

对于个人来说遥不可及的杰作如果排列在普通的现代客厅里会是什么样子？考虑到这一点，高野决定将博物馆收藏的古斯塔夫·库尔贝、文森特·梵高和卢卡斯·克拉纳赫（他的父亲）的画作、埃米尔-安托万·布德尔的雕塑以及他自己的摄影作品与宜家家具结合起来。由.组成的空间。

高野认为宜家的产品是现代主义设计的巅峰之作，它消除了象征权威的装饰，让人们过上简单而充实的生活。任何人都会对库尔贝和布尔德尔被放置在著名的博物馆中感到不舒服，而这些博物馆永远不会出现在我们充满如此实惠的时尚的日常空间中。不是吗？大力神肌肉发达的雕塑，过度地表现了某种“男人是坚强的”，放在博物馆前花园里，会因其雄伟的外观而令人赞叹，但放在这个聪明的房间里，却显得格格不入，而且是一个现代的——日间雕塑，它看起来像是与感性相反的东西。

随着心理上的接近，我们看待作品的方式也发生了变化，但同时我也意识到，不受展览空间的影响，欣赏和衡量作品本身的价值是多么困难。

 

尽管博物馆是希望以不朽的状态保存艺术品并永远保存到未来的机构，但作为实物的艺术品不可避免地会随着时间的推移而慢慢发生变化。在第五章“这是一个作品生存的地方吗？”中，竹村京讨论了前松方收藏中的克劳德·莫奈的《睡莲》，该作品于 2016 年在卢浮宫被发现，当时已严重受损，目前已成为博物馆的藏品。 ，重点关注柳树的倒影。

一幅199.3厘米x 424.4厘米的巨幅油画只经过了最低限度的保护处理，其缺失的部分被富有想象力地用半透明布上的丝线补充，形成了双层结构。我们宣布了1916年的商业广告《睡莲》。

竹村反对这样一种观点，即由于过度的修复，一个时期创作的作品被不同时代的人们的思想“文字”所覆盖。在这件作品中，过去失去的记忆被巧妙地用可逆的丝线重新翻译，“就像把西洋画变成日本画一样”，从而使作品焕发光芒，同时保留缺陷。保护正在付诸实践，确认这一点并为未来保留它。

最后一章，第七章“寻找未知的地方”，收录了 2014 年去世的杉户博、梅津洋一、坂本夏子和辰野登惠子的作品，以及克劳德·莫奈、保罗·西涅克、杰克逊·波洛克等人，通过在同一空间中面对过去高度实验性的绘画，我们试图思考什么是所谓的日本“当代艺术”，并衡量其实验性的范围。

本次展览的策展人、国立西洋美术馆首席研究员新藤敦在本次展览的筹备过程中表示：“坦白说，国立西洋美术馆并不是一个能够给今天的人们带来启发的地方。” ”我有一种强烈的感觉，这可能不会发生。”参加这次展览的一些艺术家的想法是从国立西洋美术馆及其藏品中得到的，但这是因为他们有机会这样做。

因此，在最后一章中，我们不再问国立西洋美术馆的藏品如何给当今艺术家带来启发，而是问“今天画家的画如何与过去的作品竞争？”我思考过这一点，我希望作家之间在不同时期对问题的相互认识上的异同能够显现出来，”他在解释这篇文章的意图时说道。

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新藤先生还表示，“我确信会有很多人对我自己的策展方式提出批评”，而这次展览给人的印象是，展览正在积极寻求批评，而不是融合各种可能性。声音被提高。接收。参展艺术家对国立西洋美术馆及其藏品传达了哪些信息？这将对日本当代艺术界产生怎样的影响？我希望你能以敏锐的眼光来看看整个事情。

《这个房间是否已成为未来艺术家睡觉的地方？——国立西洋美术馆65年后当代艺术家的提问》概述

*文章内容截至报道时。最新信息请关注展会官方页面。

文章提供： Kokosil Ueno

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东京都美术馆

 

2024 年是巴黎首次印象派展览举办 150 周年。东京都美术馆目前正在举办名为“印象派：从莫奈到美国——伍斯特美术馆收藏”的展览，追溯颠覆西方艺术传统的印象派对欧美的冲击和影响。 ，以美国伍斯特艺术博物馆的收藏为中心。展览期限至2024年4月7日。

伍斯特艺术博物馆位于美国波士顿附近，于1898年开放，藏品约4万件，从古埃及、古希腊和罗马的古典艺术到世界各地的当代艺术。其中，他积极收藏印象派作为当时的当代艺术。自 1898 年开放以来，它一直是该系列的重要组成部分。

本次展览重点关注印象派颠覆西方艺术传统的创新及其在全球的传播。馆内的印象派藏品大多是首次来日本访问，不仅有莫奈、雷诺阿等法国知名印象派画家，也有很少被介绍到日本的柴尔德·哈萨姆等美国印象派画家。介绍40多位艺术家的约70幅油画，其中包括一些最具代表性的艺术家。

展览共分为5个章节。在第一章“挑战传统”中，巴比松画派和现实主义画家在法国故乡熟悉的风景和自然中发现了美和新的题材，介绍了传统绘画，其中宗教和历史绘画处于鼎盛时期。印象派兴起于19世纪上半叶，颠覆了艺术的等级制度。

与此同时，美国人们对这个国家壮丽的自然美景的兴趣与日俱增，美国风格的风景开始流行。在本章中，您可以比较大西洋两岸风景画的兴起。

温斯洛·霍默 (Winslow Homer)是 19 世纪末的美国著名画家，早在法国印象派出现之前，他就将户外绘画作为其作品的基本元素。 《冬季海岸》 （1892）是他职业生涯后半段的作品，当时他专注于描绘大海和面对大海的人们，他直观而大胆的笔触描绘了汹涌的海浪拍击缅因州海岸的情景。展现荷马印象派的一面。

第二章“巴黎与印象派画家”，克劳德·莫奈、卡米尔·毕沙罗和皮埃尔·奥古斯特，他们脱离了学院的传统，走到户外，用鲜艳的色彩和大胆的笔触描绘了他们眼中的世界。 – 展出雷诺阿等第一届印象派展览成员的作品。此外，还可以看到唯一参加印象派后续展览的美国女画家玛丽·卡萨特的作品，以及被称为“美国莫奈”的柴尔德·哈萨姆在巴黎求学期间的作品。

同一章节中介绍的莫奈的《睡莲》 （1908）是本次展览的亮点之一。虽然这是一幅印象派山水画，睡莲失去了轮廓，仿佛融入了池塘，树木倒映在水中，色彩奇幻，但也有他后期作品中明显的抽象表现的迹象。 。

莫奈在巴黎郊区西维尔尼度过了他的后半生，在那里他继续画了250多朵漂浮在他创造的“水上花园”中的睡莲。该作品是1909年在巴黎杜兰德-鲁埃尔画廊展出的《睡莲》系列之一，次年被伍斯特艺术博物馆直接从画廊购买。如今，睡莲被各个博物馆收藏，但伍斯特艺术博物馆实际上是世界上第一家购买莫奈睡莲的博物馆。

现场还将介绍博物馆与艺术品经销商之间关于购买该作品的往来信函副本，其中包括第一任馆长对董事会的劝说、延期等利用信件和电报的生动信件。付款期限。我查到了。

第三章“国际扩张”讨论了美国的约翰·辛格·萨金特、瑞典的安德斯·伦纳德·索恩和比利时的阿尔弗雷德·史蒂文斯如何将在巴黎获得的印象派精髓带回自己的祖国，并将其应用到自己的艺术实践中。 ，展出黑田精辉、久米庆一郎等日本画家的作品。

其中很多并不是完全模仿法国印象派的风格，而是在与各地区的文化和社会融合中得到独特的升华，受到没有接触过印象派或从未去过法国的画家的欢迎。它以多种方式传播和发展。

本次展览的亮点是第四章“美国印象派”，介绍了印象派在国际上尤其是在美国的传播过程中是如何被接受的。

1880年代中期，欧洲印象派在美国艺术品经销商和收藏家中流行起来，许多美国画家前往法国满足需求。评论家希望年轻画家能够发现“远离欧洲主题的美国本土之美”，因此感觉美国的主题，例如新英格兰乡村和现代化的城市景观，继续受到青睐。我做到了。

柴尔德·哈萨姆（Childe Hassam）也在第二章中出现，他是第一个将自己在当地学到的印象派风格融入自己的作品中的人，并通过暑期学校和艺术家殖民地将其传播到整个美国。

哈萨姆出生于波士顿，1883年第一次去巴黎时接触了印象派作品，1886年至1889年在那里留学。返回日本后，他定居纽约，并在那里取得了成功，成为美国领先的印象派画家之一。本章按时间顺序展示了三幅不同主题的作品，并与第二章《法国花园采花》（1888年）一起，可以追溯他绘画风格和兴趣的变化。

《哥伦布大道，雨天》 （1885）以柔和的色彩和柔和的笔触描绘了波士顿的雨天大道，远处城市的朦胧气氛和光亮的光彩的描绘，可以感受到印象派的影响。人行道上的光。你可以

巴黎留学后创作的《阿普尔多尔岛西尔夫的岩石》（1907）让人想起莫奈的悬崖风景画，触感截然不同，通过改变拉长笔触的方向巧妙地描绘岩石表面和波浪。基于即使在同一个地方风景也在不断变化的想法，这幅作品是从不同角度和情境生动地描绘阿普尔多尔岛风景的作品之一，采用了类似于莫奈系列作品的手法。

在《早餐室，冬日的早晨，纽约》 （1911）中，窗帘的放置是为了避开随着摩天大楼的建造和汽车的泛滥而转变为现代化大都市的纽约的喧嚣，描绘了纽约的精致生活。中上阶层，关注城市生活。自 1909 年以来，哈萨姆一直致力于《窗户》系列，该系列描绘了一个女人独自在一个房间里，就像这个一样。幕后描绘的摩天大楼被认为是曼哈顿的熨斗大厦，被誉为纽约现代建筑的象征，是美国性的巧妙表达。

埃德蒙·查尔斯·塔贝尔（Edmund Charles Tarbell）是波士顿艺术界的重要人物，拥有众多追随者，以至于创造了“Turbellite”一词，作为一名艺术老师，他以在巴黎学到的印象派为基础来教授学生，传播了独特的表现风格到该地区。

《百叶窗》 （1898）因其浅色和丰富的色彩而具有印象派的感觉，但它对传统形式和细节描绘的关注是波士顿画派画家的特征。透过百叶窗的光线照亮场景所产生的光影对比令人印象深刻，类似于以伦勃朗为代表的巴洛克绘画的明暗对比技术。

最后一部分，第五章，“寻找未见过的风景”，重点介绍了保罗·西涅克（Paul Signac），他采用了基于光学和色彩理论的点画法，以及乔治（Georges），他在热衷于野兽派之后成为立体主义的创始人。展览展出了布拉克等画家的作品，他们在印象派的影响后继续探索新的绘画形式。

乔治·英尼斯和德怀特·威廉·特赖恩是19世纪末美国流行的“色调主义”绘画风格的代表画家。印象派痴迷于大胆的色彩和视觉，而色调主义则强调使用灰色和蓝色等柔和的色调来描绘宁静、情感氛围和无形的事物。

作为瑞典神秘主义者伊曼纽尔·史威登堡的追随者，英尼斯后来的作品呈现出越来越形而上学的倾向。 《森林池塘》 （1892）中所看到的雾蒙蒙的气氛据说描绘了一种精神景观，同时代表着现实和神圣的世界，可见的和不可见的。

另一方面，特赖恩在《秋天的入口》（1908-09）中通过温和的颜料运用和精致的光线，将马萨诸塞州南达特茅斯的乡村景观变成了一个充满神秘色彩的神秘乌托邦。做吧。

对于仍饱受内战影响的美国人民来说，调性主义这些无形的情感场景提供了精神上的安慰。

“印象派：从莫奈到美国——伍斯特美术馆收藏”将持续至2024年4月7日星期日，以全球视角介绍印象派，它诞生于巴黎，改变了人们对美的常识，将画家从严格的束缚中解放出来。规则..这是一个欣赏印象派魅力的宝贵机会，印象派至今尚未广泛传入日本，以美国和法国以外的其他国家为中心。其中很多作品都是首次在日本展出，请不要错过这个机会。

“印象派：从莫奈到美国：伍斯特艺术博物馆藏品”概述

时期	2024 年 1 月 27 日星期六 – 2024 年 4 月 7 日星期日
场地	东京都美术馆
营业时间	9:30-17:30，周五至 20:00（最后入场时间为闭馆前 30 分钟）
休息日	2月13日星期一（星期二） *但是，2月12日（星期一、节假日）、3月11日（星期一）、3月25日（星期一）办公。
参观费（含税）	一般2,200日元、大学·专门学校生1,300日元、65岁以上1,500日元 *周六、周日、节假日以及4月2日（周二）以后，特定日期和时间需要预约（当天有空位的情况下可以入场） *高中生以下免费。 其他详情请查看展会官方网站。
由…赞助	东京都历史文化财团、东京都美术馆、日本电视台、日本电视台奔驰、BS日本电视台、读卖新闻
询问	050-5541-8600（您好拨号）
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东京国立博物馆

本阿弥光悦生活在战争时代，在艺术上表现出色，创作新颖。

正如标题所示，即将在东京国立博物馆平成馆举办的特别展览《本阿弥光悦的宏观世界》通过多件作品展现了他的信仰和内心世界。

本文报道了活动前一天举行的新闻预览。

本阿弥光悦是谁？

活跃于江户时代初期的本阿弥光悦出身于日本名剑鉴定师世家，是一位对日本后来文化产生巨大影响的艺术家。
他不仅因其家业造剑技艺高超而受到德川幕府和封建领主的高度评价，而且还被称为书法家（书法大师）。出版，为后人留下了优秀的作品。

“一生受过奉承，完全尴尬的人”和“陌生人” （“本阿美行城记”）
光悦以其深厚的信仰和闪耀的精神而受到赞誉，他创作的许多精美作品被指定为国宝和重要文化财产，并继续受到高度赞誉。

走近古怪的本阿弥光悦的审美

本次展览是

第一章 本阿弥家的家务与莲花信仰——光悦艺术的源泉
第 2 章 歌本和莳江光悦 – 爆炸性的文字和形状
第三章 光悦的笔触与字体——二维空间的精湛技艺
第4章 光越茶碗-土剑

本章让我们通过一些精美的作品来探讨本网光悦的审美观。

除了光悦自己的书法和陶器之外，博物馆还展示了在同一信仰下聚集在一起的工匠们创作的漆艺作品，以及针对当时的社会状况而创作的作品。此外，我们还关注本阿弥家族的信仰以及当时法华町居民的社会，创造了一个可以全面了解光悦状况的展览结构。

特别是第四章也是最后一章“光悦茶碗 – 大地之剑”，展示了许多令人惊叹的优雅茶碗，其中包括本阿美光悦的“时雨久乐茶碗”（重要文化财产）。给人一种成为本次展会亮点的感觉。

在这里，您可以看到从各章节展出的作品中按流派选择的作品。

漆

文学与书法世界编织的图像链

国宝级的船桥莳江砚盒坐落在展览的入口处，其光彩和造型让参观者惊叹不已。
该砚盒作为本阿弥光悦（1558-1637）的杰作而闻名，其显着特征是凸起的人字形盖子。整个器身呈圆角长方形，盖做得比器身大。

整个盒子表面密密麻麻地撒满了金粉，小船排列成波浪的图案，它们之间的空间充满了细密的波纹，银色的诗字高高地镶嵌在盒子里。

剑

以本阿美家族的审美力精心挑选的名刀

光越的指剑作为唯一流传下来的剑，时隔约40年首次向公众展示。

作者金氏是镰仓时代末期至南北町时代前半期活跃于美浓国志津（现岐阜县）的刀匠。指背镶有金质的“花神”，据说是光越的笔，附带的剑架上饰有精致的草，将整个剑鞘包裹在金漆中，华丽无比。

如果你破译了信物上的金嵌文字和爬草上的金漆的文字含义，你是否能看出光悦隐藏的感情？

书

光悦最充实时期的代表作品

以金银漆描绘群鹤飞翔的文纸卷，上面散落着平安时代以来36位诗人的36首诗。字母的形状和布局巧妙地变化，以配合鹤的起落和鸟群的密度，你会惊叹于它的活力感。
该书法与田原谷宗达的草图合作甚至竞争，据说是光越展现其最充实风格的时期的代表作品。

这次展览将是一次非常宝贵的机会，因为所有卷册将同时展出。

陶器

至今仍具有压倒性存在的名碗

Raku茶碗是手工塑造的，并用抹刀雕刻而成，据说是光悦制作的茶碗，其设计在各个地方都给人留下了光悦自己的手部动作的印象。
但这部作品的特点就是压抑这一点，整体给人一种宁静的印象。据了解，名古屋出身的数喜役者森川如春男在16岁时就获得了它。

活动概览

时期	2024年1月16日（星期二） – 2024年3月10日（星期日） *部分作品可能会在展览期间展出。
场地	东京国立博物馆平成馆（上野公园）
营业时间	9 : 30-17 : 00 *最后入场时间为闭馆前 30 分钟。
闭馆日	2月13日星期一（星期二） *但是，2月12日（周一/节假日）照常营业
入场费	一般：2,100日元大学生：1,300日元高中生：900日元*繁忙时段，您可能需要等待入场。 *初中生以下免费。进入博物馆时请出示学生证。 *残疾人士和一名看护者免费入场。进入设施时请出示您的残疾证明。 *凭此展览门票，还可以观看仅限参观当日的一般文化展览。 详情请查看展会官网门票信息页面。
展会官方网站	https://koetsu2024.jp/

*文章内容截至采访时。详细信息可能与最新信息有所差异，请以展会官方网站为准。此外，本文中介绍的作品可能已经展出过。

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国立科学博物馆

自2013年被列入联合国教科文组织非物质文化遗产以来，日本料理越来越受到全世界的关注。

日本列岛的大自然孕育出的多样食材、人们智慧创造的发酵等技术以及独创性、烹饪方法和历史变迁， “日本料理——日本的自然与人民的智慧”特别展览正在国立科学博物馆（东京上野）举办。展览期至2024年2月25日（星期日）。

既然我报道了这个展览，我就汇报一下现场的情况。

*该展会原定于2020年举办，但因新型冠状病毒的影响而取消，将于2020年再次举办。

食物来自山，食物来自海。多样化食材孕育的日本饮食文化

展览由六个章节组成。

第一章是介绍，使用视频提出问题“什么是日本料理？”接下来，将展示第二章“群岛中种植的食材”，占据了大约一半的场地。

从食物的基础水开始，然后我们转向蘑菇、野生植物、蔬菜、海藻、海鲜……日本列岛南北绵延 3,000 多公里，是世界上生物多样性最丰富的列岛之一，它将利用 250 多个实际标本和模型，科学地呈现日本列岛所带来的丰富食材，同时还讨论发酵技术等话题和汤料。有解释。

例如，在水展区，专门用空间讲解水的硬度，如软水和硬水。

水的硬度会根据地质类型以及作为日常水源的雨水（硬度本身几乎为零）的停留时间以及钙和镁等矿物质在 1 升水中存在的时间而变化。取决于它含有多少毫克。

根据世界卫生组织的标准，低于60毫升/升为软水，120毫升/升以上为硬水，介于两者之间的为中硬水。日本由于地势陡峭、降雨量多、水滞留时间短，水基本上都是软水。软水没有味道，食材容易溶解在水中，适合使用高汤来衬托食材风味的日本料理。

另一方面，欧洲大陆地势平坦，水流缓慢，因此有大量的硬水，而硬水使食材在煮沸时难以溶解和分解，因此炖菜和其他使用肉类的炖菜已变得广泛确立为家庭烹饪。Ta。

我经常听到人们说，“日本是一个软水国家，所以如果你去一个硬水国家旅行，有些人会发现喝水困难或胃部不适。”有些人可能不知道，用途也因水质而异。事实证明，软水对日本饮食文化的发展做出了巨大的贡献。

虽然说日本是软水国家，但是地区差异显着，也有一些地方是硬水。展览展示了从日本各地出售的各种硬度的天然水的塑料瓶，并对可提取水的地形和地质进行了解释和比较。

此外，日本多样的地形和气候，包括低地、高地、亚热带和寒温带，造就了植被的多样性，尤其是蘑菇。全世界已知的蘑菇约有 20,000 种，据说约有 2,500 至 3,000 种分布在日本，其中约 10% 的蘑菇有名称。

在蘑菇展区，我们重点关注的是松露、牛肝菌等在欧美被视为奢侈食品的野生蘑菇，在日本也有分布。它们产量很大，虽然很难想象古代的日本人不知道它们的存在，但它们并没有被用作日本料理的配料。另一方面，日本人喜欢的滑菇和金针菇等粘糊糊的蘑菇在西方国家往往不受欢迎。

有趣的是，以同样的方式出现的蘑菇之间存在着巨大的差异，一方面受到重视，另一方面却被忽视。这样，展览就从延伸到世界各地的角度来阐述“日本食品”的形象进行了多次尝试。

海鲜是日本料理中常用的蛋白质来源。日本吃的海鲜品种据说是世界上最好的之一。日本列岛周围有各种各样的水环境，从流冰覆盖的鄂霍次克海到红树林和海洋的琉球群岛。珊瑚礁。仅日本就有约 4,700 种鱼类。这些种类分布吗？

为了介绍各个物种不同的迁徙路线和栖息地，海鲜展区还准备了互动视频展览。将手放在日本列岛周边海域每个季节出现的各种海鲜的影子上，就会显示该海鲜的信息，成为一种有趣的学习方式。

作为珍贵的展品，东京帝国大学的池田菊苗博士因发现并命名了高汤所代表的美味“鲜味”而闻名，他实际上生产了提取的鲜味成分谷氨酸（“鲜味”）。提到了从海带中提取的 1 号提取物“蒸馏塔米酸”） 。

如今，鲜味已被全球公认为“UMAMI”。鲜味是由池田博士于 1908 年发现的，是不同于人们早已熟知的甜、酸、咸、苦的第五种味道。然而，“高汤”本身是从海带和鲣鱼片等原料中提取谷氨酸、肌苷酸和鸟苷酸等鲜味成分而制成的，其历史更为悠久，早在室町文献中就已出现。时期。高汤的鲜味不依赖于动物脂肪和油，而是带出食材的味道，使其成为日本料理的重要组成部分，而日本料理往往比较清淡，以汤和蔬菜为主。

另外，当你同时品尝氨基酸谷氨酸和核酸类鲜味成分肌苷酸和鸟苷酸时，会出现一种被称为“鲜味协同”的现象，即鲜味明显比不吃时更强。他们被单独消费。这种现象在1960年就被发现了，其机理直到2008年才被阐明，但海带（谷氨酸）和鲣鱼片（肌苷酸）的组合在日本料理中开始流行，据说这是江户时代的事。

高汤的展示让我们一睹先人对食物永不满足的好奇精神，尽管他们不知道鲜味的存在，但他们将自己的经验运用到烹饪中。

卑弥呼和信长吃什么？还有江户时代食谱的复制展示。

会场后半段看点颇多，尤其是第三章《日本料理的起源》，解开了绳文时代至今日本料理的历史，并以卑弥呼等历史人物为主角、织田信长、佩里海军上将、明治天皇。本次展览的亮点之一就是再现名人餐桌的展示。

自奈良时代确立了以米和鱼为中心的日本料理的原始形态，并被认为不洁而避免肉类消费的情况下，它已发展成为素食、本膳、怀石料理等多种形式，但这些都是有限的……这是只能提供给某些地方和职位的人的东西。直到江户时代，日本的饮食文化才取得了长足的进步，知识和技术才传播到民间。据说其背后的主要因素是餐馆的发展、发酵调味料的工厂化生产以及由于识字人口的增加而导致的食谱的传播。

展览中将展出收集了100种豆腐菜肴的俏皮畅销书《豆腐百珍》（1782年），以及因该书的热门而出版的《萝卜烹饪的秘密盒子》，以及主打鸡肉和鸡蛋的“万宝”。查看对日本饮食文化的传播做出贡献的原始食谱书籍，例如使用不同食材的“百林物”烹饪书，以及使用鸡肉和鸡蛋制作的菜肴的食物样本书上介绍的菜谱，就完成了。展览旁边有一个现代版食谱的二维码，所以在家尝试一下可能会很有趣。

第四章《日本料理的真、善、美》中，赏心悦目的视频装置聚焦于日本料理的构成要素，如厨师的生动技艺、炊具的精致造型等。 ，还有我们老祖宗的审美意识，我给你。

文明和启蒙运动到来后，随着西方和中国美食的传入，日本人民开始将他们创造的饮食文化称为“和食”，并意识到了这一概念。历史上，日本成功地融合了外国食材，开发出新的美食，比如日式与西式融合的烹饪方法，以及咖喱饭、那不勒斯意大利面、炸猪排、拉面等日式西餐和中餐。成为日本料理的一大特色。

第五章“我的日本料理”中，通过之前的展览了解了日本料理的制作过程后，其内容旨在让您重新思考什么是日本料理，其定义随着时代的变化而变化。我做到了。

第二会场只有第六章《日本料理的未来》，讲述了日本料理未来将如何变化，指出了乡土料理和传统蔬菜的重要性，并解释了日本料理如何延续因应社会变化而改变，展望未来。在介绍解决粮食问题的尝试和开发技术的区域，我们能够看到罕见的人工孵化的细头鳗幼体。

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如今，无论什么季节，都可以订购世界各地的食材，通过互联网可以轻松获得任何国家的食谱。随时随地都可以体验同样的食物、同样的味道……随着同质化食品相关服务的扩张，日本饮食文化的多样性和独特性可能正在消失。然而，有些食材和口味是根植于当地的，如果我们想到改变西餐以适应日式风格和米饭和味噌汤背景的智慧和毅力，我们就忍不住了但想想未来，我觉得我们应该对它的发展抱有很大的希望

如果您通过这次展览加深了对日本列岛多样化的自然环境和人类活动的了解，也许您会发现日常的日本料理味道更加美味。

展览期至2024年2月25日（星期日）。请来参观我们。

“日本料理：日本的自然与人民的智慧”特别展概要

时期	2023年10月28日星期六 – 2024年2月25日星期日 *演出日期可能会发生变化。
场地	国立科学博物馆（东京上野公园）
营业时间	9:00-17:00（入场截止时间为16:30）
闭馆日	周一、年末年初（12月28日～1月1日）、1月9日（周二）、2月13日（周二） *但是，12月25日（星期一）、1月8日（星期一、节假日）、2月12日（星期一、节假日）、2月19日（星期一）开馆。
入场费（含税）	成人、大学生2,000日元、小学生、初中生、高中生600日元 ※学龄前儿童免费。 *持有残疾人证的人士和一名护理人员可免费入场。 其他详情请查看官方网站的门票页面（ https://washoku2023.exhibit.jp/ticket.html ）。
询问	050-5541-8600（您好拨号）
展会官方网站	https://washoku2023.exhibit.jp/
由…赞助	国立科学博物馆、朝日新闻

*文章内容截至采访日期（2023年10月27日）。最新信息请关注展会官方网站。

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