【采访报道】上野“开始,开始”荒木玉名作品展将在东京都美术馆举办。穿越一个既可爱又令人不安的非凡世界。

东京都美术馆
《超越记忆》2023

荒木玉名是一位持续从事从版画到装置等广泛表现活动的纽约艺术家,他的首次回顾展将在东京上野的东京都美术馆举办。展览期限至2023年10月9日。

展览入口
展会风景
展会风景

荒木玉名(1970-)1991年从武藏野美术大学短期大学毕业后留学墨西哥,对“光明与黑暗”、“生与死”共存的独特文化着迷。此后,他在墨西哥多次停留期间,通过多种表现形式创作出具有独特世界观的作品,其中包括在当地学习的铜版画、三维作品、装置、动画等技法。

2012年,她将活动基地迁至纽约,迈出了有意识地以移民身份生活的新一步,近年来她对“跨越国界”、“多样性”等主题感兴趣。 “包容。”

本次展览是荒木经惟的首次回顾展。从早期作品到新作品,从手掌大小的三维作品到占据整个楼层的大型装置,约120件品种多样,《记忆的那里》(2023年/首次展出)在这次展览中),受到“上野的回忆”的启发。正在开发丰富的作品集。

展览由四个章节组成。荒木经惟作品的魅力在于其主题和表现方式能够唤起人们的生活和故事,给人一种亲切和怀旧的感觉,同时在日常和非凡之间建立了界限,让你的心仿佛被带到了某个地方。观众被邀请踏上一段穿越世界的神秘之旅。

第一章“旅行的‘开始,开始!’”介绍了比较早期的作品,包括那些以旅行为主题的作品,以及那些以在墨西哥的经历为灵感的作品,我以此为起点进行介绍。

《无题》1995

入口处有一件名为《无题》 (1995)的作品,它是由一个音乐盒组成的,观众可以自己转动螺丝。关于这部作品,荒木经惟在一次画廊演讲中评论道,“当一首歌正在播放时,我是抱着一边听着它一边进行想象的旅程的想法来创作它的。”众多空空的相框,预示着即将开始的旅程中的美好邂逅。

左边是《开始,开始》2003
从左至右:夜晚、白天,1999 年

展览就像《开始,开始》 (2003)中的帷幕一样开始,一个故事开始了。 《白天》和《夜晚》 (1999)的创作理念是“如果有一个可以随身携带的作品,可以放在我旅行时住的房间的床边,或者火车窗边的小桌子上。” 创作的独特可折叠三维作品。全部采用铜版雕刻技术制成。

左起:La calavera amarilla(黄色骨架),2005 年,¿拜拉莫斯?(你想跳舞吗?)》2005
《Una Marcha de los esqueletos》2004

以骷髅为主题的《黄色骷髅》(La calavera amarilla) (2005) 和以色彩缤纷的装饰和彩灯迎接死者的《骷髅进行曲》(Una Marcha de los esqueletos) (2004),您可以感受到墨西哥独特的生死观的影响,例如“太阳”。

《曹诗》2005

《曹诗》 (2005)是一个充满温暖光线的梦幻场景,让人想起灯笼。这个设计的灵感来自于墨西哥穷人浓厚的生活方式,他们过去未经许可从电线杆上拉出电线,用它们来照亮自己的房屋和小吃摊,而用这些灯装饰的街道是如此美丽,看起来非常美丽。就像星空一样,这是一个受这个概念启发的装置。

天花板上悬挂着许多电源线,电源线的末端连接着看起来像房子的小盒子。不仅光的颜色不同,每个小盒子的图案也不同,使用的物品也多种多样,比如荒木经惟在墨西哥喝过的一盒茶、一张巴士票、一张墨西哥摔跤的传单等。 。

混乱国家的形象来自于荒木经惟从涂满色彩的房屋和居住在那里的墨西哥城人民中感受到的“混乱中生存的力量”,不是吗?

《曹诗》2005》/从下往上看,可以看到不一样的表情。

请注意,这项工作是一项参与性工作。在展览协调员(支持观看的志愿者,绰号“Kee-jin”)的指导下,观众可以将小盒子连接到他们选择的任何插座上,使它们成为城市景观的一部分。

第二章“柔光中潜伏的黑暗”中,两个装置对称排列,分别表达光明和黑暗。

《家》1999

荒木经惟以他小时候居住的住宅区为形象创作的《内》 (1999)中,大约100个由白色胶合板制成的盒子靠在白色的墙上,类似于住宅区中的房屋。

每个盒子都被随机编号,观众从主持人那里收到一把钥匙,打开与编号相匹配的盒子门。然后,光线从里面溢出,我们开始看到版画中描绘的每个家庭的温馨生活,这在统一的外表下很难想象。

《家》1999
[首页] 1999/ 内侧涂上蜂蜡,营造出柔和的氛围。

在《家》墙的另一边, 《看不见》 (2011)有着强烈的存在感,一个黑色的、不祥的物体从上方蔓延开来,仿佛将日常生活中的小幸福填满在同一个空间里。工作..

[隐形] 2011/ 让人想起席卷东北城市的“黑色海啸”。

该作品是在2011年东日本大地震之后创作的,视觉上捕捉了当时因核电站事故而感受到的焦虑和厌恶的感觉,其中被称为放射性物质的看不见的危险物质可能会飞来。制作。据说,这些黑色物体是用从墨西哥大量购买的黑色兰花纤维染色,然后将它们卷成饺子,然后粘贴在一起制成的。

第三章“故事的世界,跨越国界的蝴蝶”,全面介绍了荒木经惟的“故事的世界”,可爱而又令人不安,充满了荒木经惟的诗意。

《震旦剧场》2000年
《远野物语》2007
《木偶剧》2003
《湖夜》2000

荒木经惟画的人物大多只是剪影,看不到他们的表情。他独自一人在广阔的世界里,有时会面对一些令人恐惧的事情。你看到孤独、自由还是对某事的渴望吗?当我自己和我自己神秘地重叠时,我的记忆被动摇了,不知不觉间,我的思绪似乎被吸收到了作品的世界里。

《夜之核心》2006
《行人所见的彩虹》2007

《NeNe Sol – 最年轻的太阳》是一本以至今仍在墨西哥恰巴斯地区流传的玛雅太阳创造神话为基础的图画书,由荒木经惟先生和 Leñateros Studio 联合制作,版画工作室的成员主要是玛雅土著人。事情。会场内展示了原型版和原版插图。独特的装订看起来像石雕,是由一位墨西哥雕塑家创作的。

《NeNe Sol – 最年轻的太阳 -》 原型版和插图,2011

2022年,荒木经惟将在东京都美术馆与来自各国的孩子们一起举办名为“我听到民间故事”的工作坊。孩子们体验了用纸浆制作帐篷和蝴蝶形状的图画书,还介绍了来自祖国的民间故事。会场内陈列着当时实际制作的帐篷。

《从前,从前……》2022

荒木先生对他在墨西哥遇到的帝王蝶很感兴趣,这种蝴蝶像候鸟一样从一个国家迁徙到另一个国家过冬。这件作品的灵感显然来自于帝王蝶将翅膀停在地面上的形象。

这部作品以特朗普执政期间作为移民生活在美国的荒木经惟,以及他对被围墙封锁而无法跨越国界的难民,以及无论怎样都能在世界各地自由迁徙的帝王蝶的思考为基础。的边界。它是叠加的。

帐篷内。这是一个放松的空间。

此外,由于帐篷是人们暂时停留或避难的地方,荒木经惟透露,这件作品有“人们可以安心躲藏的地方”的意义。

在第四章“上野的地下冒险”中,我们使用了地下三层展览室的整个空间,可以称为博物馆的“那里”(底部),天花板高度为 10 米,为“上野的记忆”创造创意。由此产生的大型装置“记忆的那里” (2023)将装饰本次展览旅程的最后一部分。

《超越记忆》2023

在我的研究中,我了解到它成为许多历史事件的舞台,例如日本第一个公园、博物馆和动物园的诞生,关东大地震,东京大空袭,以及战后黑市的出现。战争,吸引了来自各个国家和地区的人们,而荒木先生却被他所居住的上野的混乱所吸引。

中央黑色鸟笼般的巨大物体周围,展示着上野过去和现在的碎片图像,包括荒木经惟本人拍摄的上野照片和描绘上野的浮世绘,一对悬挂着象征“眼睛”的镜子天花板上的光线在揭示埋藏在“下面”(底部)的上野形象方面发挥了作用。

《记忆之地》2023/您可以走进去,欣赏镜子中反射并飞来飞去的图像和物体阴影的运动。

该物体是“一个像笼子一样的空心篮子,吞噬并吐出过去、未来、美丽和琐碎。”该物体的上部看起来像是被一只大手抓着。有些柱子是弯曲的,好像它们是从内部强行推出或从外部撬开的。

对于这个形状,荒木经惟说,“鸟笼和笼子似乎是在保护鸟类,但同时也限制了它们,让它们无法自由飞走,而这个形状就是从这两个方面显现出来的。”他解释道。


对于这次展览,荒木先生说:“我希望很多孩子和年轻人都能够看到它。我希望他们能够走进地下,有一种有点神秘的体验,像在旅行一样享受它。”从地面到上野“那里”的旅程也激起了我对另一段旅程的向往。

一个让人想起荒木经惟感兴趣的跨越国界、多样性和包容性等现代社会跨国家和地区共同主题的展览,将持续至2023年10月9日。

上野《开始,开始》荒木玉名作品展

时期 2023年7月22日(星期六)~2023年10月9日(星期一·节假日)
场地 东京都美术馆 A、B、C 展厅
营业时间 9:30-17:30、周五 9:30-20:00(最后入场时间为闭馆前 30 分钟)
休息日 9月19日星期一(星期二)
*但是,办公室将于9月18日(周一/节假日)和10月9日(周一/节假日)开放
入场费 一般:1,100日元 / 大学、专门学校学生:700日元 / 65岁以上:800日元
*高中生以下免费
*其他入场费详情请参阅官方网站。
由…赞助 东京都历史文化财团 东京都美术馆
询问 03-3823-6921(东京都美术馆)
展会官方网站 https://www.tobikan.jp/hajimarihajimari

*文章内容截至报道时。请查看官方网站了解最新信息。

文章提供: Kokosil Ueno


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【会场报道】玛雅“红皇后”首次访日!特别展览“古代墨西哥”在东京国立博物馆开幕。玛雅、阿兹特克和特奥蒂瓦坎的宝藏都集中在一处

东京国立博物馆
“红皇后”展览

介绍代表古代墨西哥的三大文明宝藏的特别展览“古代墨西哥 – 玛雅、阿兹特克、特奥蒂瓦坎”将于2023年6月16日星期五至2023年9月3日星期日在东京国立博物馆举办。在博物馆(东京上野)举行。

场馆入口
会场风景
场地景观,“装饰头骨”阿兹特克文明,1469-1481 年,Templo Mayor 博物馆

本次展览将以代表中美洲的三大文明(玛雅文明、阿兹特克文明和特奥蒂瓦坎文明,这些文明共享文化元素,并在墨西哥和中美洲部分地区繁荣发展,直至16世纪西班牙入侵)为重点。

介绍了从墨西哥各大博物馆精心挑选的铭文、浮雕、考古文物等约140件珍贵出土文物以及近期的发掘成果。我们将探索墨西哥古代文明的深度和魅力,例如多样化的自然环境所创造的独特的世界观和造型之美。

从会场的展览来看。文明与城市遗址的位置关系。

展览分为四个章节:“古代墨西哥的邀请”、“特奥蒂瓦坎:众神之城”、“玛雅:城邦的兴衰”、“阿兹特克:特诺奇蒂特兰神庙”。

第一章“古代墨西哥的邀请”

第一章“古代墨西哥的邀请”是基于三个文明共同主题的作品的横断面展览,例如“玉米”、“天体和日历”、“球类运动”和“活人祭祀” ,”以及各个文明遗迹的图片。是介绍性的部分,通过它传达了整个古墨西哥的世界观。

天体和历法是中美洲重要的文化元素,构成了独特的宇宙观。据说,这部作品两端所代表的金星被认为是最重要的行星。 /《夜空中的石板》阿兹特克文明,1325-1521,墨西哥国家人类学博物馆
球类运动不仅仅是娱乐,还有很多意义,比如活人祭祀的宗教仪式、邀请使节的仪式等。 /《球员泥人》玛雅文明,600-950,墨西哥国家人类学博物馆
右图:美洲虎在中美洲文明中被视为国王、权威和神秘力量的象征。也可以作为祭品献给神灵。 /《美洲豹陶器》玛雅文明,600-950,墨西哥国家人类学博物馆

在这里,公元前1500年左右在墨西哥湾兴起的中美洲的根源是奥尔梅克文明,它继承了后来的中美洲文明的各种要素,例如主权概念和与仪式相关的许多神。作品《奥尔梅克风格》石像”表明存在

具有人类和美洲虎特征的婴儿雕像,代表奥尔梅克宗教观念。 /《奥尔梅克石像》奥尔梅克文明,公元前1000-400年,墨西哥国家人类学博物馆

第2章“特奥蒂瓦坎众神之城”

第二章“特奥蒂瓦坎:众神之城”讲述了从公元前 100 年到公元 550 年繁荣的特奥蒂瓦坎文明。

基于当时人们所信仰的宇宙世界观,特奥蒂瓦坎是一座以“死亡大道”为中心,集金字塔、仪式大厅、宫殿式建筑和严谨的住宅群于一体的国家主导城市。是一座规划城市和一座大型宗教城市。最近的研究表明,那里居住着多达10万人,但所使用的语言和文字尚未弄清楚,它仍然是一个充满许多谜团的文明。

在这里,我们介绍代表特奥蒂瓦坎的三座金字塔:太阳金字塔、月亮金字塔和羽蛇金字塔,以及从它们周围出土的作品。

墙上的“太阳金字塔”和“月亮金字塔”图形与实际特奥蒂瓦坎的位置相匹配,传达了“死亡大道”的氛围。

陈列室中央暴露的“死亡圆盘石雕”是1964年在特奥蒂瓦坎最大的金字塔——太阳金字塔前的广场上挖掘出来的。
这是一座直径超过1m的石雕,像光环一样放射状扩散的图案和从头骨口中伸出的舌头令人印象深刻。在中美洲,日落代表死亡,日出代表重生。

《死亡盘石雕》特奥蒂瓦坎文明,300-550,墨西哥国家人类学博物馆
“月亮金字塔”展览。这件作品是从祭祀墓中出土的。好大的眼睛…. /“马赛克雕像”特奥蒂瓦坎文明,公元 200-250 年,特奥蒂瓦坎考古区

其中最具存在感的展品是羽蛇神石雕和西帕克特里头饰石雕
这是覆盖羽蛇金字塔四壁的大型石雕的一部分,羽蛇金字塔是城堡的中央寺庙,是一座边长 400m 的大型仪式大厅。据说它代表了象征维纳斯和力量的羽蛇神的头饰,以及象征着时间(日历)开始的造物主湿婆赫特里(Shivakhtri)的头饰。

在会场,装置的设计是为了让您可以看到这些石雕如何从金字塔中突出。

左起:西帕克特里头饰石雕、羽蛇神石雕、特奥蒂瓦坎文明,200-250,特奥蒂瓦坎考古区

羽蛇神的波浪形身体上反复雕刻着西帕克特里头饰的图案,因此整个羽蛇金字塔是中美洲第一座代表神圣王权和加冕的纪念碑。

羽蛇金字塔下深15m 长103m的隧道中出土的文物中,以蜗牛壳尖端制成的乐器喇叭最为引人注目。该作品的图像风格和内容与玛雅宗教中心的图像相似,而特奥蒂瓦坎没有这种图像。

说起在日本会发出声音的海螺,海螺吹响是战争的信号,但这部作品会发出什么样的声音呢? /左右“喇叭”特奥蒂瓦坎文明,公元150-250年,特奥蒂瓦坎考古区
《鸟形陶器》特奥蒂瓦坎文明,250-550,国家人类学博物馆,墨西哥

特奥蒂瓦坎居住地的墓体中埋藏着一件动物形状的陶器,上面有贝壳等华丽的装饰,挖掘者将其命名为“一只奇怪的鸭子”。由于它与许多贝类产品一起被发现,因此被认为是与墨西哥湾进行贸易的贝类商人有关的陪葬品。

“喇叭”、“鸟陶”等展品告诉我们,特奥蒂瓦坎是一个多民族的城市,贸易和市场经济活动蓬勃发展。

《风暴神壁画》特奥蒂瓦坎文明,350-550,国家人类学博物馆,墨西哥

此外,让你想象特奥蒂瓦坎生活的壁画和陶器也很有趣。
在许多公寓大楼和仪式设施中都可以看到彩色壁画,例如“风暴神壁画” ,据说它代表了特奥蒂瓦坎的主要神灵之一,风暴神或雨神特拉洛克。

此外,从民居废墟中出土的许多香炉,都是根据用途重新排列各种装饰品而制成的。展出的“香炉”被认为是用于为死去的战士举行安魂仪式,其图案是箭头和盾牌等。

《香炉》特奥蒂瓦坎文明,350-550,墨西哥国家人类学博物馆

第三章“玛雅城邦的兴衰”

第三章“玛雅城邦的兴衰”介绍了玛雅文明的文化和朝代,玛雅文明从公元前1200年左右到16世纪在尤卡坦半岛周围蓬勃发展。该部分是本次展览中作品数量最多的部分。

据说,玛雅人在公元一世纪左右建立了一个具有独特文化和治理形式的王朝。但政治上却从未统一,通过无数城市之间的贸易和外交使团的进出等友好往来,有时还会发生争夺霸权的战争,形成了一个庞大的网络社会。出土的物品传达了玛雅地区的各种趋势。

似乎是用来喝可可的陶器,上面描绘了外交使节访问宫殿进贡的情景。朝代之间的互访和朝贡交流是玛雅统治者的重要场合。 /《圆柱陶器》玛雅文明,600-850,起源未知,墨西哥国家人类学博物馆
这幅作品描绘了玛雅中部地区大城市卡拉库鲁姆国王和西南边境托尼纳国王进行球类比赛,象征着两国的外交关系。 《托尼娜石雕171》玛雅文明,c.727,墨西哥国家人类学博物馆
玛雅人强调俘虏高级别的人而不是杀死许多敌人。在托尼纳发现了许多战俘的石雕,表明有好战倾向。 /《托尼纳石雕153玛雅文明,708-721,托尼纳遗址博物馆

帕伦克是玛雅森林城市之一,这是一座中等规模的城市,于公元 400 至 800 年间在西部地区繁荣发展。尤其是在日本首次展出的红皇后(Reina Roja)墓中出土的文物,是本次展览的亮点之一,被誉为王朝艺术杰作

“红皇后”展览

帕伦克是一座艺术之城,以其精致的建筑、雕塑和铭文而闻名,其黄金时代是国王 Kinichi Hanab Pakal(615-683 年)统治时期。
据说,帕卡尔国王在通过外交和战争加强帕伦克影响力的同时,也着力扩建王宫,使其成为玛雅地区最宏伟的建筑之一。他的遗体被安置在一座名为铭文神庙的陵墓中,据说是由巴卡尔国王亲自设计的。

这具尸体被称为“红皇后(Reina Roja)”,于 1994 年在铭文神庙旁边的第 13 号神庙中被发现。它的俗名来自于它被埋葬时覆盖着鲜红色的朱砂(水银红色)。调查结果显示,此人极有可能是巴卡尔国王的妻子伊什·查库布·阿豪(Ish Tsakub Ahau)。

“红皇后”展览。 《红皇后的面具》玛雅文明,七世纪末,Alberto Luz Ruillier 帕伦克遗址博物馆

会场内,“红皇后”的12件陪葬品被贴在人体模型上,在受13号神庙石室启发的空间中再现了埋葬状态。 “红皇后面具”是用小块孔雀石制成的,眼睛用黑曜石做,眼白用白翡翠做。

虽然照片中没有出现,但在项链、王冠等精美随葬品中,有一根不起眼的小“针”静静地陈列在人体模型旁边,引起了我的注意。看起来可能很奇怪,纺纱和编织是所有社会阶层的妇女都会做的活动之一,而针也是“红皇后”每天使用的,并且被认为是来世所必需的。是
他们不仅根据自己的身份来打扮,而且还同情自己或周围人的真实愿望,他们说:“我想要没有麻烦的生活。”

复制品展览旁边还播放了“红皇后”发掘调查的视频资料。

《96字母石板》玛雅文明,783,Alberto Luz Luillier帕伦克遗址博物馆

此外,在帕伦克王宫遗址发现的96字石版画展览上,我们得以彻底领略到如诗如画、造型优美的玛雅文字。

玛雅文字是一种由语标和音节文字组成的神秘语言,目前大约有700个字符和据说有数万个组织的各种组合正在被阐明。人们认为人的行为再现了神灵和祖先的行为,因此文字主要用来记录国王和国家的历史以及宫廷仪式。
这部作品还记录了帕伦克国王的即位日期和准确日期。

《96字石板》(局部)玛雅文明,783,Alberto Luz Ruillier帕伦克遗址博物馆

与日本一样,书法不仅用于传达信息,而且在玛雅人中也被视为艺术品。

在帕伦克等许多城市衰落之后,900年前后成为尤卡坦半岛北部玛雅地区最大城市的车臣伊察出土的文物也值得一看。
其中《木炭雕像》是我看完解说后觉得本次展览最恐怖的作品。雕像的腹部有一个类似盘子的东西,里面可能放着祭品,有时是从活人祭品上取下的心脏……

《查克莫尔雕像》玛雅文明,900-1100,尤卡坦地区人类学博物馆坎顿宫

在这次展览中,出现了许多“牺牲”、“人祭”等令人恐惧的关键词。这些奇特的做法在中美洲已经持续了 3000 多年,现代人可能会对它们的残忍行为感到惊讶。

然而,这不仅仅是一种不人道的仪式行为,所有生命形式的诞生和运转都是通过神的工作和牺牲而实现的,这源于原住民的道德观念,他们认为必须坚持原则。人们普遍向上帝和自然祈祷。

这也是从车臣伊察出土的。一种美丽的马赛克镜子装饰品,由绿松石制成,由战士佩戴在腰后。 《马赛克圆盘》玛雅文明,900-1000,墨西哥国家人类学博物馆
奇琴伊察“维纳斯基金会”建筑的雕塑装饰。五个 584 年的金星周期被认为代表八个 365 天的太阳历年。 /《代表金星周期和太阳历的石雕》玛雅文明,800-1000,尤卡坦地区人类学博物馆坎顿王宫收藏

第四章“阿兹特克特诺奇蒂特兰大神庙”

第四章“阿兹特克特诺奇蒂特兰神庙”是阿兹特克特诺奇蒂特兰王国(今墨西哥)的一座大城市,于 1325 年由母语为纳瓦特尔语的人们在墨西哥中部高地特斯科科湖的一个岛上建立,例如墨西加城)出土的物品。鼎盛时期人口超过20万,一直繁荣到1521年落入西班牙手中。

顺便说一句,在墨西哥中部高地,文明按照特奥蒂瓦坎⇒托尔特克⇒阿兹特克的顺序兴衰。 “特奥蒂瓦坎”这个名字在纳瓦特尔语中意为“众神之城”,是由发现该遗迹的阿兹特克王国的墨西加人命名的。

阿兹特克人通过军事力量和朝贡制度增强了国家实力,在建筑和绘画尤其是雕塑方面带来了惊人的发展。特诺奇蒂特兰是阿兹特克人集中财富的地方,据说创造了历史上独一无二的创意环境,国内外艺术家分享技术、品味和传统。

勇敢的“雄鹰战士雕像”传达了特诺奇蒂特兰的一部分创意之美。

看来是要起飞了。包括背部在内,您可以360度享受。 /《鹰战士雕像》阿兹特克文明,1469-1486 年,坦普洛市长博物馆

特诺奇蒂特兰的中心矗立着大神庙,这是两座雄伟的金字塔形神庙,供奉着太阳神和战争之神维齐洛波奇特利以及雨神和大地之神特拉洛克。这件作品是在大神庙北侧的“鹰屋”中发现的。真人大小且功能强大。

许多专家认为他们是国王直接控制下的“雄鹰军团”的战士,在战争和宗教中发挥了重要作用,似乎仍然有各种理论认为它代表了洛波奇托里的出现。

特拉洛克花瓶,阿兹特克文明,1440-1469 年,Templo Mayor 博物馆

展出的许多雕塑代表了阿兹特克人崇拜的神灵。

“特拉洛克神的花瓶”以其凸出的眼睛和明亮的蓝色令人印象深刻。
中美洲是一个农业社会,据说几个世纪以来一直痴迷于控制降雨。因此,祈祷、祭品和儿童祭祀都献给特拉洛克,雨神和“给予者”,他提供了植物发芽所需的一切。

据信,这件作品包含了祈雨和丰收的愿望,因为储水的罐子上装饰着神灵特拉洛克(Tralok)。

描绘米克特兰泰克特里 (Mictrantectri) 的瓮,他是统治地下世界米克特兰 (Mictlan) 的神。作为取出祭祀之心的神灵的同时,还具有赋予生命的作用。 /《Mictrantectri神的骨灰》阿兹特克文明,1469-1481年,Templo Mayor博物馆
造物主特兹卡特利波卡(Tezcatlipoca)的名字意思是画在瓮上的“喷烟镜”,它是隐形的,只有在被长矛或两支箭刺穿时才会显露出来。 《特斯卡特利波卡神的瓮》阿兹特克文明,1469-1481年,大神庙博物馆

其中一件展品是一个由绿色蛇纹岩制成的“面具” ,它与第二章特奥蒂瓦坎展览中介绍的“马赛克雕像”有着相似的氛围。事实上,这是从特奥蒂瓦坎废墟中出土的面具,经过墨西哥人的打磨,并沾上了眼睛和耳环。

“面具”特奥蒂瓦坎文明,200-550,Templo Mayor 博物馆

据说,包括梅西卡在内的后古典时期晚期(1250-1521)的人们挖出了过去的文明,并将它们作为具有神奇力量的神圣物质奉献给他们的寺庙。这个展览的有趣之处之一就是你可以感受到这些联系。

展览最后,中美洲罕见的黄金制成的吊坠、耳环、权杖状饰品一次性展出,展示了大神庙的最新发掘成果。

黄金产品展示
黄金产品展示。从左至右:特斯卡特利波卡和维齐洛波奇特利的权杖形装饰品,特拉尔泰克特里的权杖形装饰品,阿兹特克文明,1486-1502 年,Templo Mayor 博物馆

还备有许多独特的展览原创商品。 *产品数量有限,可能会售完。

会场上,我们对展览空间的制作很讲究,比如传达古城遗址魅力的视频素材和写实的再现展览,光是走动就能感受到古墨西哥的氛围。展品之间的距离较宽,易于欣赏也是一个优点。

顺便说一句,目前场馆内所有展品都允许拍照,仅供个人使用。 (今后有可能取消或变更,详情请参阅馆内信息及官方网站。)

特展“古墨西哥”探索了古墨西哥文化传统的深度和魅力,这些文化传统仍然被生活在这片土地上的人们所传承。活动将持续至2023年9月3日(周日)。

“古墨西哥:玛雅、阿兹特克和特奥蒂瓦坎”特展概览

展览期间 2023年6月16日(星期五)至9月3日(星期日)
场地 东京国立博物馆平成馆
营业时间 上午 9:30 至下午 5:00

*周六至晚上 7:00
*6月30日星期五至7月2日星期日以及7月7日星期五至7月9日星期日至晚上8:00
* 一般文化展览于下午 5:00 关闭
*闭馆前30分钟停止入场

闭馆日 7 月 18 日星期一(星期二)
*7月17日(周一/节假日)、8月14日(周一)开放
参观费(含税) 成人2200日元、大学生1400日元、高中生1000日元、初中生以下免费

*详情请参阅官网购票页面

组织者 东京国立博物馆、NHK、NHK Promotions、朝日新闻
询问 050-5541-8600(Hello Dial/上午 9:00 至晚上 8:00,全年开放)
展会官方网站 https://mexico2023.exhibit.jp/

*文章内容截至采访日期(2023年6月15日)。请查看官方网站了解最新信息。

文章提供: kokosil Ueno


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【场馆报道】恐龙是在艺术中而不是在化石中追踪的。上野之森美术馆举办特别展“恐龙图画书-失落世界的想象/创造”

上野之森美术馆
左/Zdenek Brian,《贝尼萨尔特禽龙》,1950 年,摩拉维亚博物馆,布尔诺 右/Zdenek Brian,《特暴龙 Batal》,1970 年,摩拉维亚博物馆,布尔诺

一个独特的恐龙展览,只收集以绘画为中心的恐龙艺术,而不是化石和骨骼标本,特别展览“恐龙图画书-想象/创造失落的世界”将于2023年5月31日(星期三)-7在上野皇家博物馆 3 月 22 日星期六。

此次展览因展出20世纪最伟大的两位恐龙画作查尔斯·R·奈特(Charles R. Knight)和兹德内克·布里安德(Zdenek Briand)的大量作品而备受关注。报告场地状况。

场馆入口

当我们想到恐龙展览时,我们通常会想到以化石和骨骼标本为中心的展品,但在这次展览中,我们根据化石等科学证据来绘制恐龙等古生物,这些材料通常放在这些材料旁边。生态重建图=“Paleoart”

恐龙在大约250至6600万年前的中生代统治着地球,19世纪上半叶随着化石的发掘,通过生态重建图被公众所认识。此后,众多学者与艺术家携手努力,试图再现远古时期充满浪漫色彩的远古生物的面貌。

展览现场
展览现场

场馆内将展出约150件从世界各地收藏的古艺术作品,从早期绘制的奇特重建图画到当代艺术家根据最新研究成果创作的杰作。

从“发现”恐龙到今天的200年里,我们将随着每次新发现的科学基础的变化,追踪恐龙(古生物学)的表达方式是如何变化的。

第一章《恐龙的诞生——黎明的怪怪》

展览由四个章节组成。第一章“恐龙的诞生——黎明的怪怪”介绍了19世纪“发现”恐龙后不久,用有限的知识创作的一组作品。您可以欣赏到与我们想象中的恐龙相差甚远的独特外观。

左/George Scharf(亨利·德拉·比奇绘制),Douria Antiquiol(古代多塞特郡),1830 年,伦敦自然历史博物馆

首先是石版画《Douria Antiquiol(古代多塞特)》 (1830年),根据地质学家亨利·德拉·比奇的原画创作,据说是历史上第一批还原古生物生态的画作之一。 。

该作品是一位女性化石收藏家,因在英格兰南部多塞特郡发现恐龙之前的鱼龙和蛇颈龙等海洋爬行动物,为19世纪古生物学的发展做出了贡献,为纪念玛丽的成就而制作安宁.

本次展览中,除了版画之外,还将展出一幅放大版画的大型油画。 / 罗伯特·法伦,《侏罗纪海洋生物 — Douria Antiquiol》(古代多塞特郡),c.1850,塞奇威克地球科学博物馆,剑桥大学

它位于多塞特郡的史前海岸,充满了安宁发现的古代生物。人们的注意力被吸引到屏幕右侧,鱼龙似乎正在咬住蛇颈龙细细的脖子。

本次展览的组织者冈本博树(神户设计大学教授、兵库县立美术馆前馆长)表示:“从现代研究来看,很难想象鱼龙会攻击蛇颈龙。它传达了一种图像一个更加强大的掠食者。”

即使在1876年的作品中,鱼龙仍然看好蛇颈龙。鱼龙的折叠腿显得异常可爱。 / Benjamin Waterhouse Hawkins,早期侏罗纪的海洋爬行动物,1876 年,普林斯顿大学地球科学系,Guyot Hall
这只鱼龙像鲸鱼一样从头顶吹起潮水。 / Edouard Liou,鱼龙和蛇颈龙(里亚斯舞台)(路易斯·菲吉耶的《洪水前的地球》插图(第二版,1863 年),1863 年,私人收藏

此外,本次展览重点介绍与斑龙一起“发现”的第一个恐龙——禽龙的形象演变。

被称为“恐龙发现者”的英国医生兼业余地质学家吉迪恩·曼特尔(Gideon Mantell)于1825年将其命名为“Iguanodon”(鬣蜥牙),因为它的牙齿与现代爬行动物鬣蜥相似。看来这种生物最初是想象成一只巨大的鬣蜥。

George Scharf,根据苏塞克斯蒂尔盖特森林中发现的化石重建爬行动物,1833 年,亚历山大·特恩布尔图书馆,惠灵顿

禽龙的早期例子是乔治·沙夫的《重建爬行动物》 (1833),描绘了一只异常巨大的禽龙,它巨大的身体在地面上爬行,长长的蛇状尾巴起伏着。

禽龙是在奥地利植物学家弗兰茨·昂格尔的指导下绘制的,也是一种在地面上爬行的生物的形象。 / Josef Kvasek、Franz Unger – 不同形成时期的原始世界,维尔登群时期(白垩纪早期),1851 年,Eric Buchteau 收藏

然而,如果你看看1853年左右制作的水晶宫禽龙雕塑,形象发生了微小的变化。禽龙的四条腿像大象和犀牛等哺乳动物一样,从身体直接下降到地面。

本杰明·沃特豪斯·霍金斯,《水晶宫中的禽龙(模型)》,约 1853 年,伦敦自然历史博物馆

它是在当时最有影响力的英国古生物学家、 “恐龙”一词的创造者理查德·欧文的指导下创建的。冈本表示,这种物理特征是目前对恐龙的定义之一。

此外,1878-80年在比利时煤矿发现近乎完美的禽龙化石,极大地修正了自曼特尔发现以来传播了近50年的禽龙重建形象。原来,它正在竖起上半身,之前被认为是鼻角的骨头实际上是前肢上的拇指尖刺。

重建的禽龙骨架。 / Leon Becker,1882 年,拿骚宫圣乔治礼拜堂修复伯尼萨尔的第一只禽龙,1884 年,比利时皇家自然历史博物馆,布鲁塞尔

近 100 年来,禽龙在古艺术中被描绘成一种前肢长有锋利尖刺的双足生物。在接下来的第2章和第4章中,您可以看到描绘禽龙在这种方式下“进化”的外观的作品。

还展出了一座复原的雕像,追溯了禽龙形象的演变。

此外,在第一章中,那些外表和行为都像人类的怪异恐龙,对受到攻击的朋友感到厌恶并撤退,或者像怪物电影一样在居民区里走来走去。有趣的是,还有更多描绘恐龙的作品,比如故事画比修复画更重要。可见当时人们对恐龙的蓬松认知和丰富的想象力。

《如果你把前脚踩在高层房子上,你也许可以在六楼的阳台上吃饭》(卡米尔·弗拉马里翁,《人类诞生之前的世界》(1886),插图),1886,埃里克·巴菲特收藏

第二章“经典恐龙形象的确立与普及”

第二章“古典恐龙雕像的建立与普及”介绍了19世纪末至20世纪中叶古艺术黄金时代的作品, Charles R.和Zdeněk Briand用了大量篇幅。

第二章 展览现场,查尔斯·R·奈特 (Charles R. Knight) 作品

恐龙发掘和研究的舞台逐渐从欧洲转向北美大陆,从1870年代到1890年代,两位古生物学家围绕恐龙化石的发现展开了一场被称为“骨战”的激烈较量。结果,发现了剑龙和三角龙等多种恐龙,揭示了生活在中生代的动物的多样性。

查尔斯·R·奈特(Charles R. Knight ,1874-1953)是一位美国古生物学画家,他对新恐龙的现实可视化做出了最大贡献,揭开了未知的面纱并使之普及。

查尔斯·R·奈特 (Charles R. Knight),《Agathaumus sphenocerus》(Monoclonius),1897 年,美国自然历史博物馆,纽约
奈特的早期杰作 / Charles R. Knight,Dryptosaurus(跳跃的 Laelaps),1897 年,美国自然历史博物馆,纽约

奈特同时也是一名野生动物画家,留下了近1000幅活体动物的画作,人们相信通过这种活动培养的观察眼睛和生物知识对古艺术的创作很有用。

奈特的写实风景画,以及其中放置的恐龙和灭绝生物的生动形象,在解剖学和自然环境描绘方面都在当时非常出色,很快就受到了大众和专家的关注。他的作品对电影文化产生了影响,如电影《失落的世界》(1925年)和《金刚》(1933年)。

在奈特的作品展览中,不能忽视他最伟大的杰作之一《白垩纪-蒙大拿》(Cretaceous-Montana ,1928),这是菲尔德自然历史博物馆壁画的草图之一。

Charles R. Knight,白垩纪-蒙大拿州,1928 年,普林斯顿大学

《白垩纪-蒙大拿》是一部定格了恐龙世界明星之间的竞争形象“霸王龙与三角龙”的不朽作品,并作为恐龙画本身的象征作品而广为人知。这种紧张的构图被后来的很多艺术家模仿和改编,而且经常出现在电影、漫画等娱乐界,所以很多人应该都至少看过一次。我被深深地感动了,这就是原作。

 

另一方面,来自捷克斯洛伐克(现捷克共和国)的画家兹德内克·布赖恩( Zdenek Brian ,1905-1981)在奈特之后的一代人中受到欢迎。

Zdenek Briand,《志留纪海洋生物》,1951 年,Dvor Kralove 动物园
Zdenek Briand、邓氏鱼和 Cladoselake,1967 年,Dvor Kralove 动物园

尽管奈特的作品与前一个时代不切实际的古艺术背道而驰,但布莱恩德也是一位出色的画家。他的作品基于欧洲艺术现实主义的传统,具有很强的说服力,如果你告诉你他亲眼所见并画了它,你可能会相信。

Briand作品的魅力之一是对皮肤上难以想象的皱纹的细致描绘。 / Zdenek Briand,优秀迷惑龙,1950 年,Dvor Kralove 动物园
Zdenek Brian,短翼蛇颈龙,1964 年,Dvor Kralove 动物园

看看布莱恩画的古生物,它们天生就有体温,一看就知道它们是活物。

布里安德的作品以代表作《上个世纪的断裂》(1956年)等书籍在世界各地广受欢迎,并在20世纪60年代和1970年代在日本的儿童百科全书和儿童读物中被大量转载和复制。对一个时代恐龙形象的树立起了决定性的作用。正因如此,这一时期沉迷于恐龙百科全书的那一代人可能会发现很多让他们感觉在哪里见过的作品。

左/Zdenek Brian,《贝尼萨尔特禽龙》,1950 年,摩拉维亚博物馆,布尔诺 右/Zdenek Brian,《特暴龙 Batal》,1970 年,摩拉维亚博物馆,布尔诺
Zdenek Brian,秀丽翼手龙,1967 年,Dvor Kralove 动物园

过去,无法从化石中确定恐龙的颜色,因此艺术家们用自己的猜测给它们上色,这种对比给人留下了强烈的印象。 《Antrodemus Valens and Stegosaurus Stenopus》 (1950)中的剑龙可能是该图像的来源之一。我能够意识到布莱恩的影响力有多大。

Zdenek Briand、Antrodemus Valens 和 Stegosaurus Stenopus,1950 年,Dvor Kralove 动物园

本次展览汇集了18件布莱恩德的珍贵作品。这是最大的吸引力。

此外,在同一章中,我们还可以欣赏到作为“爬树恐龙”而受欢迎的剑齿龙过去的雄伟身姿,但后来发现,作为研究基础的修复本身,错了。

英勇的形象现在却招致忧郁。 / Neve Parker,《正齿兽》,1950 年代,伦敦自然历史博物馆

第3章“日本接待恐龙的历史”

在欧美确立的恐龙形象于19世纪末进入日本。第三章“日本接受恐龙的历史”改变方向,介绍了植根于明治至昭和时代日本文化历史中的恐龙。除了科普杂志、儿童漫画以及柯南道尔的《失落的世界》(1912)等经典科幻小说译本外,还展出了软胶娃娃和模仿恐龙的石膏雕像等玩具。

曾创作过多部恐龙题材漫画的常吕十三的代表作《DINO²》的珍贵原画。 / Tokoro Juzo 《DINO²》漫画手稿,2002 年,归艺术家所有
左/荒木一成/海洋堂《塑料模型套件(角龙)》1978年,田村浩收藏右/Marushin《软胶娃娃(剑龙)》田村浩收藏

此外,他还解释了恐龙在一般艺术领域(即所谓的美术)中的象征意义,其目的不是真实地再现恐龙。 (还收录了从平成到令和的部分作品)

福泽一郎,《灭亡的爬行动物》(左)、《崛起的爬行动物》(右),1974年,富冈市美术馆和福泽一郎纪念美术馆

福泽一郎将超现实主义带到了日本,创作了许多讽刺社会和文明批评的作品,福泽一郎的《爬行动物受感染与爬行动物灭亡》 (1974)以其大胆的恐龙四肢构图而有趣。蔚蓝的天空和夕阳的强烈色彩对比、曾经繁荣昌盛的巨型生物的短暂出现、以及蜂拥而至的小型哺乳动物的出现,据说都是在讽刺日本的派系政治。

筱原爱,《从摇篮到墓地》,2010-2011,鹤博物馆

筱原爱的《从摇篮到坟场》 (2010-2011),让我们想起西方绘画中“死亡与少女”的传统形象,无论女孩多么美丽,都无法逃脱衰老和死亡;浩富士《侏罗纪塑料》(2023) ,提醒我们塑料的原料石油,原本是恐龙等生物的化石,同时考虑到大量生产和大量消费的问题)等,都是规模宏大、值得一看的。

第4章“基于科学知识的图像重建”

第四章“基于科学知识的图像重建”,话题又回到了恐龙图像的变化。 20世纪60年代到1970年代的恐龙研究掀起了一场被称为“恐龙文艺复兴”的革命,提出了恐龙是“活跃的温血动物”而不是之前认为的缓慢的变温动物的观点,恐龙雕像也被大幅重新设计。一件又一件表现新恐龙出现的作品诞生了。

威廉·斯托特,《沼泽谋杀案 – 火鳄攻击克里特龙》,1980 年,福井县立恐龙博物馆

展览中,即使在奇幻艺术领域也拥有邪教般人气的插画家威廉·斯托特( William Stout )和曾参与电影《侏罗纪公园》三维模型制作的迈克尔·图西克(Michael Tursic),以及准确而有力的笔触,基于艺术解剖学的恐龙。自 1960 年以来出现的才华横溢的古艺术家的各种作品将参加比赛,例如现代日本古生物修复绘画的领军艺术家小田隆 ( Takashi Oda )。

左/Michael Tarsik,《恐龙 Throsus》,1993 年,印第安纳波利斯儿童博物馆(兰岑多夫收藏)
右/Michael Tarsik,戟龙,1994 年,印第安纳波利斯儿童博物馆(兰岑多夫收藏)
小田隆,《追寻1》,2000-2001,群马县立自然历史博物馆

当代艺术家正在让恐龙敏捷地移动。约翰·宾登 (John Bindon) 的《风暴前线》 (1996) 中,暴龙以极快的速度奔跑,同时溅起水花;格雷戈里·保罗 (Gregory Paul ) 的《七七八和索罗》似乎捕捉到了恐龙开始移动的瞬间。与第二章中看到的恐龙相比, Lunithoides (1989) 和其他人具有不同的活力感。

约翰·宾登,《风暴前线》,1996 年,印第安纳波利斯儿童博物馆(兰岑多夫收藏)
格雷戈里·保罗(Gregory Paul),《Chippachi and Saurornithoides》,1989 年,福井县立恐龙博物馆

我的感觉是作品的个性也很强。道格拉斯·亨德森(Douglas Henderson)的作品美得令人惊叹,抒情的粉彩,精确地表达了古代世界的光线和空气,就像在看一本高品质的写真集。

新的视角很引人注目,比如只画了在水中行走的克里托龙的四肢。 / Douglas Henderson,《Kritosaurus and Gar》,1990 年,福井县立恐龙博物馆
亨德森的所有作品都有一种宁静的气氛。 / Douglas Henderson,霸王龙,1992 年,印第安纳波利斯儿童博物馆(兰岑多夫收藏)

虽然许多画家关注的是恐龙本身,但亨德森却有强烈的倾向将恐龙与它们当时生活的环境一起描绘。我画画时要让它融入风景而不需聚焦。

我完全被这个巧妙的构图所吸引,它与常见的记忆重叠,比如当我试图拍摄日落时,不小心捕捉到一只鸟,或者当我在森林里散步时,在树的深处发现了一只松鼠。

左/德川博和,筱山群暴龙,2015,丹波市丹波龙化石工作室右/德川博和,Tambatitanis amykitiae,2013,丹波市丹波龙化石工作室

随着学术知识的增加,“恐龙百科全书-想象/失落世界的创造”特展将持续至2023年7月22日星期六。当然,内容会激起古代世界的浪漫,这是一个难得的机会来看到跨越时代的古艺术,所以请看看。

“恐龙百科全书——失落世界的想象/创造”特展概览

展览期间 2023年5月31日星期三至2023年7月22日星期六
* 展览期间每天开放
场地 上野之森美术馆
营业时间 10:00 – 17:00(周末及节假日 9:30 – 17:00)
*闭馆前30分钟停止入场
参观费(含税) 一般2,300日元、大学·专科生1,600日元、高中·中·小学生1,000日元

* 学龄前儿童免费(必须有高中生以上陪同)
* 持有残疾人证和一名助手的人士免费 * 提供团体折扣。
*虽然不是预约系统,但拥挤时可能会限制人数。
其他门票详情请查看官方页面

组织者 产经新闻、富士电视台、上野之森美术馆
询问 您好拨打050-5541-8600(每天/9:00-20:00)
官方网站 https://kyoryu-zukan.jp/

※※文章内容截至采访日(2023年5月30日)。请查看官方网站了解最新信息。

文章提供: kokosil Ueno


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年轻艺术家的胎动及其轨迹。
【东京艺术大学大学美术馆】「台东区藏品展~离开文化艺术博物馆上野的艺术家~」预告报告

东京艺术大学大学美术馆
《Hana no Motonité》上场裕子 1999

自1981年设立“台东区长奖”以来,台东区与东京艺术大学多年来不断深化交流与合作。许多艺术家都是通过台东区长奖走向世界的,可以说该奖项为年轻艺术家的发展做出了巨大的贡献。

本次展览将展出学生创作的40件台东区长奖获奖作品。

 

展厅风光

在“台东区收藏展 – 离开文化艺术之都上野的艺术家”中展出的,是表彰东京艺术大学优秀学生、台东区收藏的毕业作品的台东区收藏” . 荣获市长奖的作品集。也就是说,都是学生作品。

1981年开始的台东区长奖制度,授予美术学院绘画系的日本画、油画/版画各1人。许多获奖者后来都活跃在行业的第一线,我们可以看到他们起到了年轻艺术家成功的桥梁作用。

追踪昭和、平成、令和的表情“变迁”

上半年将展出上届展览(2016年)之后的作品。进入时左侧的墙上展示着屡获殊荣的油画和版画。
前景是“牡蛎”(土屋丽,2022)。用各种材料表现牡蛎壳并再现其复杂表情的实验作品。
右手边的墙上(上半部分)展示着获奖的日本画。
《Raging》(三品太一,2019)是一部以电视天线排成一排的形象为灵感的作品。据说来自农村的三品先生可能还记得这里家乡的林地。

本次展览的主题是“转型”和“多样性”。
本次展览将展出昭和、平成、令和三个时代40多年来荣获的台东区长奖的40件作品。此后,活跃在一线的艺术家和有望在未来大踏步前进的新近获奖者,将他们在学生时代创作的巅峰作品聚集在一处。
当然,每件作品都很吸引人,但我们也关注随着时间的推移趋势的变化以及不受“日本画”或“油画”框架束缚的思想多样性。

下半场则是42年来的巅峰之作,首部获奖作品《迷宫》(手冢雄二,1981)位居榜首。
展示从台东区长奖中严格挑选的作品。你已经可以从每件作品中感受到卓越的工艺
正面是《Qusamura》(佐佐木正,1982),背面是《混乱》(四宫芳俊,2002)。能够比较年代相差甚远的获奖作品,很有趣
“两个(贵宏和久美)”(土肥原贵宏,1986)。一部以梦想为主题的独特作品,作者称之为“我的起点”

本次展览由两部分组成,上半部分介绍自上次展览(2016年)以来台东区收藏的获奖日本画、油画和版画。原本,第六届“台东收藏展”原定与2020年东京奥运会同期举办,但因新型冠状病毒感染而推迟,为七年来首次举办。
上半年,集中展示了近七年来青年艺术家的作品。

另一方面,下半场展出从历届台东区长奖作品中精心挑选的作品。从获得一等奖的手冢雄二(东京艺术大学名誉教授)的作品开始,将有一系列在过去 42 年来获得同一奖项的宝石。

在现场你能感受到的是年轻艺术家们即将腾飞的“胎动”能量。在小说中,人们常说“处女作包含了作家的全部作品”,但也许可以在这些作品中找到支撑其后续作品的主题和风格。
可以说,无论是已经熟悉他们活动的粉丝,还是第一次接触他们作品的粉丝,本次展览都会给他们带来生动的发现和印象。

参展作品介绍

以下是展出的部分作品。

《迷宫》手冢雄二1981

这就是真正的“会面”吗?动物会说话的神秘空间

一次会议,每个人都发表自己的意见。会长的女人身后,迷宫无限延伸。这是一部通过将周围的人比作动物来表现混乱而神秘的世界的作品。 (来自创作者)

<手冢雄二>
1953年出生于神奈川县。日本艺术学会会员、常务理事、东京艺术大学名誉教授、福井县立美术馆特别馆长。作为引领当代日本画坛的日本画家,他继续充满活力地创作。

 

《带着枕头在田野里跳舞》菊地雅文 1992

将他导演的舞台重构为“山水画”的作品

1992年,南麻布三桥。每周六日上映约两个月每周一剧《大侦探真的在吗?》很多看过整个故事的人都没有看过这张图。 (来自创作者)

<菊地正文>
1968年出生于神户。毕业于东京艺术大学绘画系油画系。从事绘画、戏剧制作和音乐制作,在日本和海外举办过多次个展和群展。 《Nobe ni Makura de Odori Makure》于1992年制作,旨在通过山水画体验舞台剧《湿羽夺天》。

 

《与树的邂逅》井出康人 1989

光明与黑暗交汇的屋久岛之谜

进入研究生院后,我独自去屋久岛旅行。这是一座海岸线上有榕树、森林中有原始森林、山顶有大雪的岛屿。我在山间小屋里写生,营造出一种在森林里漫步的感觉。长满青苔的树枝四通八达,黑暗与光明交错的世界,是一个神秘而庄严的空间。 (来自创作者)

<井出康仁>
1962年出生于福冈县。东京艺术大学研究生院毕业。目前,受到日本艺术学院特殊待遇。仓敷科学艺术大学艺术学部教授。它的特点是女性和花朵所创造的温柔而梦幻的风格。

活动概况

展览期间 2023年6月17日星期六 – 2023年7月9日星期日
会场 东京艺术大学大学美术馆3号、4号展厅
营业时间 上午 10:00 至下午 5:00(下午 4:30 截止入场)
闭馆日 周一
观看费 自由的
组织者 台东区、东京艺术大学
询问 050-5541-8600(您好拨号)
展会网站 https://museum.geidai.ac.jp/exhibit/2023/06/taito2023.html
https://www.city.taito.lg.jp/virtualmuseum/index.html

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【会场报道】东京都美术馆将举办大型回顾展“马蒂斯展”。早期杰作《奢侈、寂静、怪癖》将首次在日本展出,追溯寻色者的心路历程。

东京都美术馆

亨利·马蒂斯(Henri Matisse,1869-1954)是 20 世纪法国著名画家,被誉为野兽派运动的中心人物,其鲜艳的色彩在艺术史上产生了重大影响。东京都美术馆正在举办大型回顾展“马蒂斯展” 。展览期至2023年8月20日。

这是关于会场情况的报道,因为我报道了展览,这是他早期杰作之一“奢侈,寂静,怪癖”在日本首次公开展览的热门话题。

展会现场
安装视图,自画像,1900 年,蓬皮杜艺术中心/国家现代艺术博物馆
安装视图,阿尔及利亚女人,1909 年,蓬皮杜艺术中心/国家现代艺术博物馆
装置视图,右:内部与金鱼缸,1914 年,蓬皮杜艺术中心/国家现代艺术博物馆
安装图,马蒂斯设计的《文艺杂志Verve》封面
安装视图,Vence Rosary Chapel 的特别镜头 ©NHK

通过约 150 幅杰作探索马蒂斯的旅程

亨利马蒂斯被称为“色彩魔术师”。他的绘画表达从可见的现实中自由释放色彩,彻底改变了艺术史,并在现代艺术史上留下了难以忘怀的印记。

目前正在举办的“马蒂斯展”是日本时隔约20年首次举办的大型回顾展。巴黎蓬皮杜艺术中心汇集了约 150 件杰作,该中心拥有世界上最大的马蒂斯收藏。专注于法国南部旺斯的玫瑰经教堂相关的绘画、雕塑、素描、剪纸和材料,这是他晚年最伟大的杰作。它概述了 84 年来致力于探索直接吸引感官的鲜艳色彩和光线的生活。

展览由8个章节组成。
・第 1 章野兽派 1895-1909
・第 2 章激进探究的时代 1914-1918
・第三章平行探索——雕塑与绘画1913-1930
・第 4 章人物与室内设计 1918-1929
・第 5 章传播和实验 1930-1937
・第 6 章从尼斯到旺斯 1938-1948
・第七章1931-1954年剪纸画及近年作品
・第 8 章万斯念珠教堂 1948-1951

新印象派、野兽派、立体派……马蒂斯对多种绘画表现形式的实验

如果你按时间顺序看这些作品,你会发现马蒂斯在很短的时间内一个接一个地改变了他的绘画风格。这里有些例子。

马蒂斯 1869 年出生于法国北部的一个富裕家庭,20 岁后立志成为一名画家,并于 1891 年移居巴黎。他试图确立自己画家身份的最早作品之一是《读书的女人》 (1895 年),这是他在巴黎国立美术学院任教的象征主义画家古斯塔夫·莫罗手下学习时创作的。赞赏。

第 1 章展览,女人读书,1895 年,蓬皮杜艺术中心/国家现代艺术博物馆

受卡米尔·柯罗人物画的影响,其写实内敛的画风让人不禁怀疑,“这就是马蒂斯吗?”这是国家收购后的第一个商业成功,但似乎这种传统的绘画方式很快就被抛弃了。

第一章展览,“圣米歇尔桥”,约 1900 年,蓬皮杜中心/国家现代艺术博物馆
第一章展览,静物与热巧克力壶,1900-02,蓬皮杜艺术中心/国家现代艺术博物馆

逐渐地,他创造了炽热、生动的配色方案,例如Pont Saint-Michel (c1900) 和Still Life with Hot Chocolate Pot (1900-1902),预示着几年后野兽派的到来。

第 1 章展览,“奢侈、寂静、古怪”,1904 年,蓬皮杜艺术中心/国家现代艺术博物馆

1904 年,应新印象派中心人物保罗·西涅克的邀请在圣特罗佩度过一个夏天后,他创作了早期的杰作《奢侈、寂静、优雅》(1904) ,使用的“拆分笔触”技术他从他那里学到了。)完成了。

这部将首次在日本展出的作品,用纯色代替了被摄体原本的颜色,描绘了一个充满光亮的堪称乌托邦的场景。总的来说,他忠实地遵循新印象派绘画的指导方针,但如果仔细观察,你会发现指导方针中没有的实验痕迹,比如抽象人物被轮廓包围以保持其形式。尽管马蒂斯终生困扰的“色彩与线条的碰撞”问题仍未解决,但这幅作品标志着马蒂斯绘画生涯迈出了重要的一步。

早在次年,他就摒弃了这种笔触划分,在法国南部的科利乌尔直面色彩与线条冲突的问题。因此,他以自由大胆的色彩表现和粗犷的笔触创造了野兽派,强调感官而不是肉眼可见的色彩。

第 1 章展览,“Luxury I”,1907 年,蓬皮杜艺术中心/国家现代艺术博物馆

然而,尽管马蒂斯作为野兽派的领军人物在艺术界引起了轩然大波,但当我们再看《奢华》、《寂静》、《古怪》三年后创作的《奢华 I》 (1907)时,我们可以看到色彩和谐,笔法和谐,平淡。有些人可能对马蒂斯有着强烈的野兽派画家形象,但实际上,马蒂斯的野兽派倾向并没有持续数年,而到了1907年,作品就已经开始探索绘画空间。说明你已经进步到这个阶段了的

1914年发生的第一次世界大战改变了继续稳步创作的马蒂斯的一生。在两个儿子和朋友的调动下,孤立无援的马蒂斯仿佛要抗拒这种情况一样,全身心地投入到创作中,并着手进行创新的塑料实验。

第二章展览,“科利乌尔的落地窗”,1914 年,蓬皮杜艺术中心/国家现代艺术博物馆

这一时期最引人注目的作品是科利乌尔的落地窗(1914 年),它是二战爆发后立即创作的。对于一生都在自己的工作室(室内)反复实验的马蒂斯来说,“窗”是一个重要的母题,而在马蒂斯的作品中,“窗”并没有将内部和外部分开,而是明确了内部和外部。外面的空间也是统一的,好像是要做的事情。

窗户在西方传统中也被用作视觉隐喻。在同一幅作品中,阳台原本是画在窗户上的,但最后都被涂成了黑色,让人联想到。这个窗口是关闭的还是打开的?如果标题中没有指出它,您会认出这是一个窗口吗?这幅被认为是经过深思熟虑而未完成的作品是马蒂斯的创作之一,展现了“必须去除多少元素才能使图像无法保持?”的极端构图。标志着一个临界点的作品。

第二章展览,白色和玫瑰头,1914 年,蓬皮杜中心/国家现代艺术博物馆

在 Collioure 研究法式窗时,马蒂斯还研究肖像画。在科利乌尔逗留期间,他与立体派画家胡安·格里斯 (Juan Gris) 进行了一系列对话,之后他以自己的女儿玛格丽特为蓝本制作了《怀特与玫瑰头》 (White and Rose Head, 1914)。在马蒂斯的作品中,它被认为是受立体主义影响最大的作品之一。

平面和简化的屏幕组成,几何人体。它展示了一项类似于科利尤尔落地窗实验的激进实验的结果,该实验探索了如何最大限度地去除细节,同时仍保留模型的本质。

迄今为止推出的作品传达了马蒂斯通过反复实验和思考对新表现形式的贪婪追求。然而展览的内容还停留在第二章的中间,马蒂斯的职业生涯甚至还没有走到一半。看到第八章的时候,因为风格多变,忘记了这是一个单一画家的回顾展。但是,不管他的画风怎么变,我觉得他对色彩和形状的高度觉悟,重情轻物的态度是一贯的。

第 4 章展览,穿着红色裙裤的宫女,1921 年,蓬皮杜中心/国家现代艺术博物馆
第四章展览,<带绿色橱柜的静物> 1928,蓬皮杜艺术中心/国立现代艺术博物馆

从他绘画风格的广度来看,我对《梦》 (1935)和《坐着的玫瑰色裸女》(1935-36)特别感兴趣,这可以在第五章“扩展与实验1930-1937”中看到。

第 5 章展览,梦想,1935 年,蓬皮杜艺术中心/国家现代艺术博物馆
第五章展览,“坐着的玫瑰色裸体”,1935-36,蓬皮杜艺术中心/国家现代艺术博物馆

将大本营迁至法国南部的尼斯后,马蒂斯在1930年代游历美洲和大洋洲,遇到新的光线和空间,作品也变得更加开阔和广阔。也是20年代回归传统绘画观的表现手法再次开始简化的时期。同一时期创作的《梦》和《坐着的玫瑰裸体》是同一年开始创作的,描绘的是马蒂斯生前最喜欢的模特、他的秘书莉迪亚·德莱克托斯卡娅的裸体。虽然有很多共同点,比如蓝色背景,作品给人的印象就大不相同。

《梦》中闭目躺卧的女性上半身横跨画面,充满舒适的开放感,表达心理和雕塑的满足感。《彩色裸体》揭示了擦除和简化的反复操作痕迹,将一个优雅的女人变成了一个幽灵般的示意图。请关注这两幅作品,它们清楚地表达了我这段时间的沉思状态,我追求的是将人的形式插入背景的方法,伴随着无数的变化。

马蒂斯对色彩与线条和谐的追求,以及他生命中的最后一幅油画《大红屋》

第 6 章“从尼斯到旺斯,1938-1948”展示了他晚年的几幅杰作。

据说,马蒂斯无数次颠覆世界的实验,都是在他五光十色的工作室里进行的。因此,工作室本身成为贯穿马蒂斯一生的重要主题。 1939年,二战爆发,年近70岁的马蒂斯将自己收藏的花瓶、布料、家具等物品精心布置在自己的工作室。 “渗入我的身体。

第 6 章展览,木兰花静物,1941 年,蓬皮杜艺术中心/国家现代艺术博物馆

Still Life with Magnolia (1941)是马蒂斯代名词的美丽红色代表作,强调平面性和装饰性,经过数十幅预备图完成。通过仅提取主题的本质,我表达了围绕着星形木兰花的多种事物,就像它们漂浮一样。这是画家最喜欢的作品之一,马蒂斯说他“竭尽全力”完成了这幅作品。

1943年,马蒂斯为躲避空袭的威胁,从尼斯搬到郊区的旺斯,并在这里创作了他最后的油画系列“旺斯的内部”系列。在同一展览中,展出了该系列的第一幅作品《黄色和蓝色内饰》 (1946 年),以及艺术家的第 13 幅也是最后一幅油画《大红色内饰》(1948 年)。

第 6 章展览,“黄色和蓝色内饰”,1946 年,蓬皮杜中心/国家现代艺术博物馆
第 6 章展览,大红屋,1948 年,蓬皮杜中心/国家现代艺术博物馆

尤其是《红色的大室内》被定位为凝聚马蒂斯在色彩上的作品的杰作,在一个平面的空间里,将马蒂斯绘画中的红色、工作室、绘画等重要主题巧妙地组合在一起。在挂在墙上的两幅画都是引用马蒂斯现有的作品。左边的黑白素描不仅像窗户一样向空间展开,还与右边的彩色油画平起平坐,继续挑战色彩冲突的挑战和线描。我觉得我正在向那些再次看到它的人展示马蒂斯的作品。

东京都美术馆策展人 Tomoko Yabumae 评价她的作品的魅力时说:“对于马蒂斯来说,世界充满了和谐。因此,将不同世界联系在一起的各种元素在一幅画中和谐存在(我的目标是工作)。

黑色的轮廓在活泼的红色背景下轻盈地舞动。线条与色彩既和谐又相互张开,营造出无尽的幸福感。这是一部象征着马蒂斯直到 79 岁高龄的最后几年才停止创作的作品。

还将放映充满色彩和光线的马蒂斯杰作“Vence Rosario Chapel”的精美特别视频。

到目前为止,我们已经挑选了展览中的画作并进行了介绍,但在第 3 章中,我们介绍了主要的雕塑,在第 7 章中,我们介绍了剪纸作品,在第 8 章中,我们介绍了 Vence 在念珠教堂上的作品。稻田。

第三章 安装视图

在第三章“平行调查:雕塑与绘画,1913-1930”中,一系列<back>作品,一个历时20年探索的母题,排列在墙上,令人印象深刻。马蒂斯是一位具有强烈的二维表现意象的画家,但他说他从事雕塑工作的原因是“作为补充优秀作品来整理我的思想”。但是它的重要性不小,它帮助我探索了二维和三维之间的关系,而泥塑是我最喜欢的媒介,因为它把绘画中无法表达的想法具象化了。

第三章展览,Henriette I–III,1925-29,(I:1925/II:1927/III:1929),蓬皮杜中心/国家现代艺术博物馆

逐渐复杂化肖像的表达,他试图证明即使身体结构被错误地描绘,隐藏在人身上的本质真相并没有被隐藏,而是被揭示了。里莱特系列(1925-29)充满了不强调可见物再现的类似马蒂斯的作品。

第三章展览,背面 I–IV,1909–30(I:1909/II:1913/III:1916–1917/IV:1930),蓬皮杜艺术中心/国家现代艺术博物馆

《背》系列(1909-30)由四个真人大小的女性形象组成,看似表达了从I到IV逐渐简化女性背影的过程,但实际上是一个从头开始的系列。相反,它被设想为一个单一的不断变化的泥塑。有人指出,该系列的创作时期与《舞蹈》等巨幅画作的创作时期重叠。这表明马蒂斯试图通过联系绘画和雕塑来解决时代的形成问题。对马蒂斯来说,雕塑是他整个艺术实践的节奏。

在第七章“剪纸绘画及其晚期作品 1931-1954”中,马蒂斯在 20 世纪 40 年代后开始专注于他的工作,当时他因病卧床在轮椅上,用剪刀作画。

第 7 章展览,“爵士乐”,1947 年,蓬皮杜中心/国家现代艺术博物馆

1943 年至 1946 年间,马蒂斯制作了 20 幅剪纸,并以此为基础出版了开创性的艺术集《爵士乐》 。标题强调剪纸的即兴性质。著名的剪纸作品《伊卡洛斯》也收录在同一本书中。水粉色彩鲜艳的剪纸图片给人一种在会场黑色墙壁上翩翩起舞的感觉。

Chapter 7 Exhibition,大型壁挂,将大型镂空画板转移到亚麻布上制成。左:大洋洲,天空;右:大洋洲,海,1946 年,蓬皮杜艺术中心/国家现代艺术博物馆

Kirigami-e 的优点是可以轻松地尝试画面构图并专注于色彩而不用担心轮廓,这也是马蒂斯系列绘画中不可分割的表达方式。素描、绘画和雕塑在单一的剪裁动作中融为一体,并作为统一色彩和线条两种构成元素的手段。

第 8 章 安装视图

在高潮部分第 8 章“旺斯念珠教堂 1948-1951”中,展出了与马蒂斯在旺斯念珠教堂的作品相关的大量资料,马蒂斯在 1948 年至 1951 年间创作了他的作品,作为他作品的高潮。

马蒂斯将教堂视为一件综合性的艺术作品,他运用了他探索过的所有技术,例如设计、雕塑和剪纸,来设计建筑、壁画、装饰品、法衣和礼仪用品。我致力于到那时为止的一切。从“岁月”二字的意象中,你会惊讶于无法想象的生命力。

第 8 章展览,Vence Rosary Chapel 的特别视频 ©NHK

在本章中,播放了为展览拍摄的旺斯念珠教堂的特别视频。一段精美的 4K 视频介绍了在阳光明媚的日子里小教堂内从早到晚不断变化的灯光。游览结束时,请欣赏色彩、线条和光线交织在一起的空间,这完美体现了马蒂斯的信念,即这座小教堂应该是一个“点亮参观者心灵”的空间。我想让你

“马蒂斯展”将举办至2023年8月20日(周日)。

“马蒂斯展”概要

展览期间 2023年4月27日星期四至2023年8月20日星期日
会场 东京都美术馆特展室
营业时间 9:30-17:30,周五至20:00
*最后入场时间为闭馆前 30 分钟
休息日 7月18日星期一(星期二)
*但是,房间将于7月17日(星期一/节假日)和8月14日(星期一)开放。
观看费 大人2,200日元、大学生·专门学校学生1,300日元、65岁以上1,500日元

*本次展览需要在指定的日期和时间进行预订
*有关观看费用和门票的详细信息,请查看官方页面

组织者 东京都历史文化财团、东京都美术馆、蓬皮杜中心、朝日新闻、NHK、NHK宣传
询问 050-5541-8600(你好拨号)
展会官网 https://matisse2023.exhibit.jp/

*文章内容截至采访日(2023年4月26日)。请查看官方网站以获取最新信息。

文章提供者: kokosil Ueno


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【采访报道】在国立西洋美术馆举办“仰慕之地布列塔尼”展。莫奈和高更在法国内心的“异国他乡”收获了什么?

国立西洋美术馆

从 19 世纪末到 20 世纪,来自世界各地的画家来到法国西北部的布列塔尼地区创作他们的作品。展览“布列塔尼,敬仰之地——莫奈、高更、黑田清辉等人眼中的异国他乡”将在东京上野国立西洋美术馆举办,就在里面。
展览将于2023年3月18日星期六至2023年6月11日星期日举行。

由于我参加了新闻发布会,所以我将报告会场的情况。

*文章内容截至采访日期(2023年3月17日)。请查看官方网站以获取最新信息。

会场入口
展会现场
展会现场
安装视图,保罗·高更,布列塔尼农民,1894 年,布面油画,奥赛博物馆(巴黎)
展览现场,Lucien Simon <<Burning Ground>> 1917年前后,布面油画,大原美术馆
久米庆一郎,晚秋,1892 年,布面油画,久米美术馆

全世界艺术家都羡慕的法国腹地“布列塔尼”是什么?

多样而雄伟的自然风光、古老的巨石遗迹、中世纪和早期现代的基督教纪念碑,以及讲布列塔尼凯尔特语的人们简单而虔诚的生活方式。布列塔尼地区位于法国西北部,有一个半岛伸入大西洋,直到16世纪才作为布列塔尼王国独立。

法国境内的“外国”,即使在被法国吞并后也保留了其独特的风景和文化。随着19世纪浪漫主义的到来,许多寻求新题材的艺术家将目光投向了布列塔尼。

在本次展览“布列塔尼,倾慕之地——莫奈、高更、黑田精机等人的眼中”,我们聚焦于 19 世纪末至 20 世纪初令画家着迷的时期,包括绘画、素描、版画,将展出海报等约160件物品。我们正在探索每位画家在这片异域土地上寻找和发现的东西。展出的作品来自日本和两个海外博物馆的30多个藏品。

第 1 章“发现布列塔尼:异国之旅”

展览由四个章节组成。

第一章“发现布列塔尼:异国之旅”探讨了自19世纪初浪漫主义画家“发现”布列塔尼以来,流行了哪些布列塔尼形象。 ”(在乡村旅行寻找风景如画的风景),包括英国风景画家威廉特纳的水彩画。

威廉·特纳,南特,1829 年,水彩画,布列塔尼公爵城堡,南特历史博物馆
Alphonse Mucha 左:“Erika’s Flower on the Quay” 右:“Thistle on the Dune”,1902 年,彩色石版画,OGATA 收藏
Georges Meunier 在右边铁路海报:Pont-Aven,1914 年涨潮时的河流,彩色石版画,大阪中之岛美术馆(三得利海报收藏)

当布列塔尼异国情调形象的理想化和程式化,以女性形象为代表,戴着 koif(头饰)和穿着民族服饰,到处都是面向大众的海报,Eugène Boudin 和 Claude Monet 从印象派旅行一代的作品中,我们可以看到他们以真诚的态度面对布列塔尼的朴实自然。

Eugène Boudin,道拉斯的海岸和船只,1870-73 年,布面油画,波拉艺术博物馆

特别值得注意的是莫奈的 Paul-Domois 洞穴(1886) 和Beryl of the Storm (1886)。

1886年秋天,莫奈在布列塔尼半岛南部海岸以野外风光着称的贝里尔岛度过了两个半月,这是其中的两个。

克劳德·莫奈,Paul-Domois 的石窟,1886 年,布面油画,茨城县现代艺术博物馆
克劳德·莫奈,《风暴中的绿宝石》,1886 年,布面油画,奥赛博物馆(巴黎)

它描绘了平静和惊涛骇浪的对称景观。 Paul-Domois的Grotto笔触柔和,比较有节奏感,而Beryl the Storm,笔触狂放,仿佛自己的身体感官在暴风雨中被附身,仿佛莫奈的经历被刻在了画中,这样的作为在那里。

从1890年代开始,莫奈开始呈现一系列画作,试图在画布上捕捉不断变化的光线和气氛中的瞬间。

第 2 章“气候培育的敏感性:高更、Pont-Aven 画派和土地精神”

第二章“气候滋养的敏感:高更、阿文桥画派与大地精神”,展示了保罗·高更等留在西南小村庄阿文桥的画家的作品。布列塔尼。

第二章展览布景,高更的作品一字排开。

高更从1886年到1894年多次在布列塔尼逗留,以逃避巴黎生活的艰辛,似乎对他想要的“野性的东西,原始的东西”的思考加深了。

Paul Gauguin,沐浴在 Bois d’Amour’s Mill,1886 年,布面油画,广岛美术馆

高更的12件作品(10幅油画和2幅版画)是本次展览的亮点之一。从Bois d’Amour的《Watermill Bathers》 (1886),按时间顺序排列,保留了Camille Pissarro的印象派风格,他用简化的形式和色彩来描绘现实世界和内心意象。我可以追踪到他风格的转变,如《站在海边的布列塔尼少女》 (1889),显示了上面综合的综合主义风格的成熟。

保罗·高更,《站在海滩上的布列塔尼女孩》,1889 年,布面油画,国立西洋美术馆(松方收藏)

《站在海边的布列塔尼女孩》描绘了两个女孩手牵着手,凝视着画家。高更本人试图在这片土地上寻找的“野性与原始的东西”,体现在农家孩子们忍受劳动和贫困的形象中,比如他们强壮的大腿和朴素的衣服。它以一种假设的形式象征性地表现出来.

第三章“扎根大地:继续凝视布列塔尼的画家”

在第 3 章“在土地上扎根:继续观察布列塔尼的画家”中,布列塔尼从 19 世纪末到 20 世纪初成为旅游胜地和度假区。这是他的家乡。

选自亨利·里维埃系列“时之仙境”:“满月”1901年,彩色石版画,新泻县立近代美术馆,万代岛美术馆※展览至5月7日(周日)
Henri Riviere 出自“布列塔尼风景”系列:“Roney Bay”,1891 年,彩色木刻,国立西洋美术馆

受到浮世绘木版画的启发,亨利·里维埃 (Henri Riviere) 是世纪末日本主义的推动者,他自学制作了多色木版画。里维埃是否将另一个“外国”日本的形象投射到布列塔尼的田园风光中?有趣的是,他把布列塔尼翻译成日文,画得好像在日本一样。

1890 年至 1894 年间创作的 40 幅木刻版画《布列塔尼风景》 ,不仅以细腻的色彩层次引人注目,而且构图让人联想到葛饰北斋,总有一种似曾相识的感觉。

莫里斯·丹尼斯,年轻的母亲,1919 年,布面油画,国立西洋美术馆(松方收藏)
莫里斯·丹尼斯,花卉装饰船,1921 年,布面油画,爱知县立美术馆
莫里斯·丹尼斯,沐浴,1920 年,布面油画,国立西洋美术馆(松方收藏)

创立纳比斯学派的莫里斯·丹尼斯是一位专注于推广宗教艺术的画家,又因为他是虔诚的基督徒,据说与布列塔尼信仰根深蒂固的精神气候产生了共鸣。展览中, 《年轻的母亲》 (1919)等按照基督教肖像画传统描绘布列塔尼一家人的作品引起了我的注意。

此外,从现实与虚构交叠的人间天堂形象,如沐浴(1920)将古希腊的大海投射到布列塔尼海岸,受到古典主义的影响,他在毕业后爱上了古典主义。 1895年后多次去意大利旅行。你可以感受到

Charles Cotte,悲痛,大海的受害者,1908-09,布面油画,国立西洋美术馆(松方收藏)

与丹尼斯明亮而幸福的风景形成鲜明对比的是,下一个展览展示了黑乐队(black group)大量使用黑色,该乐队以现实主义的方式描绘了布列塔尼的自然和风土人情。彩色作品紧随其后。

其中,查尔斯·科泰特的3.5米宽巨幅作品《悲叹,大海的受害者》(1908-09)堪称代表作。 Kotte 的代表作品,他曾创作过许多以大海的悲剧和忍受自然严酷的人们为主题的作品。在海难不断的布列塔尼圣岛码头,传统的基督哀悼画上叠加了岛民对溺水渔民的哀悼。

Charles Cottet 左:“圣约翰节日之火”,约 1900 年,布面油画,大原美术馆

科特的另一件给我留下深刻印象的作品是《圣约翰的火焰》 (约 1900 年),描绘了为死者祈祷的场景。光影的表现让人联想到巴洛克式的绘画,很美,被篝火照亮的人们的表情有一种庄严而略带寒意的气氛。

第四章“从日本经巴黎到布列塔尼:日本艺术家的眼光”

最后一节第四章“从日本经巴黎到布列塔尼:日本艺术家的视角”,19世纪末20世纪初在艺术之都巴黎留学(从明治后期到大正时代),并专注于也前往“外国中的外国”布列塔尼的日本画家。

久米庆一郎,采摘苹果,1892 年,布面油画,久米美术馆
Seiki Kuroda,Breha 的女孩,1891 年,布面油画,Ishibashi Foundation Artizon Museum

黑田清辉是日本近代西洋画界的领军人物,也是最早造访布列塔尼的日本画家之一。1891年与久米庆一郎一同前往布雷亚岛,之后任东京美术学校教授. Kuroda 的Brecha 女孩(1891) 被描绘成头发垂下来,这对于布列塔尼女孩来说是不寻常的。伦勃朗风格内饰的明暗对比和生动的色彩对比引人注目。

金山平三,《苹果之下》(布列塔尼),1915 年,布面油画,兵库县立美术馆
Tsunetomo Morita,Il Blair,1915 年,布面油画,埼玉县现代艺术博物馆
山本佳苗,布列塔尼,1920,彩色木刻,东京国立近代美术馆 *展览至 5 月 7 日(周日)

为创意版画的普及做出贡献的山本佳苗是造访布列塔尼的人之一。 《布列塔尼》 (1920年)作为日本画家在布列塔尼研究的形象而广为人知,是他回国后根据留日期间的草图完成的木版画。强调地平线的画面构图和与素描相匹配的简单背景,沉稳的蓝黑色调营造出标志性布列塔尼女性的宁静氛围。

冈鹿之助,信号灯塔,1926 年,布面油画,目黑美术馆

会场内还展出了旅游指南和行李箱等相关资料,通过这些资料和作品,我感觉就像去布列塔尼旅行一样有趣。

东西方不同的艺术家都在为同一个大主题——布列塔尼创作,但他们在这片异域的土地上所看到的、采取的方式却截然不同。一位凝视着布列塔尼美丽风光而憧憬天堂的画家,一位将贫困和海上事故等严酷现实升华到作品中的画家。这是一次雄心勃勃的展览,再次揭示了每位艺术家的个性。

活动将持续到 2023 年 6 月 11 日(周日)。

“布列塔尼,倾慕之地:莫奈、高更、黑田清辉等人眼中的国度”概要

展览期间 2023年3月18日(周六)~6月11日(周日)
会场 国立西洋美术馆
营业时间 9:30-17:30(周五周六营业至20:00)
*5 月 1 日(周一)、2 日(周二)、3 日(周三/节假日)和 4 日(周四/节假日)营业至 20:00 *最后入场时间为闭馆前 30 分钟
关闭日 星期一 *5月1日(星期一)除外
观看费 一般2,100日元、大学生1,500日元、高中生1,100日元

※初中生以下、身心障碍者和一名陪同者免费。无需购票或预订特定日期和时间。
*如果您是大学生、高中生、初中生或以下,并携带任何笔记本,请在入馆时出示学生证或可以确认年龄的物品。

其他详情请查看官方页面

组织者 国立西洋美术馆、TBS、读卖新闻
光顾 法国驻日本大使馆/Institut Francais Japan, TBS Radio
询问 050-5541-8600(你好拨号)
官方网站 https://bretagne2023.jp/

 

文章提供者: kokosil Ueno


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[东京艺术大学美术馆]“购买展览-Geidai Collection Exhibition 2023-”会场报告。从明治时代到令和时代,铭刻在大学历史上的优秀作品汇聚一堂

东京艺术大学大学美术馆

介绍东京艺术大学从毕业作品和完成作品中精心挑选的优秀作品的“购买展-艺代收藏展2023-”将于3月31日在东京艺术大学大学美术馆举行, 2023.. (展览时间至5月7日)

*此处介绍的所有作品均归东京艺术大学所有。

展会现场
展会现场
安装视图,Yumi Arakawa,Spreading,2016 // Kanshitsu

东京艺术大学(以下简称艺大)自其前身东京美术学校于 1889 年(明治 22 年)开办以来,一直在广泛收集各种艺术作品和资料。大学艺术博物馆以广泛展示庞大的藏品为契机,每年举办有主题的“艺代收藏展”。

2023年的“艺代收藏展”是战后1953年开始的“采购制度”。

似乎有从东京艺术学校购买毕业作品并收集起来用作教材的传统,目前东京艺术大学收藏的“学生作品”数量超过10,000件。

本次展览“Kaijoten”收集了其中约100件作品,数量空前,回顾了艺术大学和日本现当代艺术史发源地的历史。这是一个独特的展览,将明治时代主要明星的日本绘画与令和时代崭露头角的艺术家的混合媒体装置联系起来。

第 1 部分 安装视图

展览由两部分组成。

Part 1“大师的学生作品”主要介绍明治时期至昭和初期东京美术学校的毕业作品。入选的艺术家毕业后在艺术界的各个领域都扮演着重要角色,将展出他们的毕业作品,可以称为他们的处女作,以及通常与他们同时创作的“自画像”。毕业作业,我来了

Taikan Yokoyama,乡村儿童对猴子的看法,1893 年(明治 26 年)//彩色丝绸
Shimomura Kanzan,熊野御前前的花见,1894 年//彩色丝绸

一进场,东京美术学校一年级学生横山泰观的《村堂观年王》 (1893年)和下村鉴山的《熊野御前赏樱》 (1894年)就映入眼帘。 .板谷羽山的“元禄美人” (1984)以令人印象深刻的阵容迎接我们。

Hazan Itaya,Genroku Beauties,1894 年(明治 27 年)//星期四

Hazan Itaya 作为陶艺家取得了巨大的成功,但直到 20 多岁他才开始认真从事陶艺工作。在学校期间,他从提倡现代雕塑写实主义的高村光云那里学习了雕塑技术。小袖花卉蔓藤花纹以浮雕方式表现,与叶山后期的陶器作品有异曲同工之妙。从某种意义上说,可以说是陶艺家叶山的起源之一。

Hishida Shunso,寡妇和孤儿,1895 年//彩色丝绸

引起我注意的是菱田俊素(Shunso Hishida)的《寡妇与孤儿》(1895) ,这位天才画家创作了许多杰作,但年仅 36 岁就去世了。一个战死丈夫的女人的表情充满悲情,让我们预感到未来等待我们的命运。

东京美术学校成立时,似乎将以历史事件及其故事为主题的历史画定位为探索新日本画的课题。这部作品据说是根据军事纪事太平记而作,但其题材是描写被卷入战火中的人的悲剧,而不是战争的英雄画卷,这要追溯到中国-日本战争当时的制作背景并非无关紧要。

事实上,这部作品曾被一位教授严厉批评为“怪物图”,但却被当时担任学校校长的冈仓天心买下。这一集提供了东京美术学校的教育政策和理念的一瞥,它强调现在工作的绘画有什么意义,以及应该赋予它什么意义。

Kotaro Takamura,狮子吼,1902 年 // 青铜
左,Akamatsu Rinsaku,夜行列车,1901 年,帆布/油画 右,Mango Kobayashi,农夫的晚归,1898 年 //帆布,油画
Kinkanho,日落,1916 年 // 油画布
上:Tetsugoro Yorozu,自画像,1912 //帆布,油画 下:Lee Shudo,自画像,1911 //帆布,油画

“毕业后在学校自拍”的习俗是在 1896 年成立的西洋画系教授黑田清辉的指导下诞生的。我得以证实万津哲五郎、青木茂、藤田嗣治等大师的学习成果,他们的毕业设计出人意料地落选,毕业后才华横溢。

当我想到这种在世界上几乎无与伦比的挖掘过去的传统,现在已经形成了一个对理解日本现当代艺术史极为有用的庞大收藏时,黑田东彦不禁感慨其巨大的意义。 Seiki 的成就。

第二部分展览现场

今年是东京艺术大学采购制度实施70周年。

Part 2“各部门选出的采购作品” ,所有12个部门都有采购系统(日本画,油画,雕塑,工艺品,设计,建筑,先进艺术表现,艺术教育,文化财产保护研究,全球艺术实践,一共介绍了52件购买的作品以及他们的选择意向。突出各部门认定为特别优秀的作品的倾向性。

《油画专业》装置图
《日本画专业》装置图
“雕塑系”装置图,Nobuko Yamaguchi,书房,1952 年 // 石膏

从各部门的展品来看,“日本画专业”挑选的是特别表现那个时代的氛围和特征的作品,而“雕塑部门”则是从那个时代挑选购买作品的女性艺术家。按年龄最大的顺序选择五个人的方法。作品的选择和评论都是各系教授从自己的角度来完成的,所以看到他们的个性很有趣。

“设计系”装置图,岩濑香织,奶奶的金鱼,2011-2012 //动画
“建筑系”展览现场,Sota Ichikawa,尝试使用光滑的复眼(=超级眼睛)符号方法创建空间概念,1995 //木板、描图纸、肯特纸、墨水复印、绘图仪输出、BJ 输出, 型号, 文字
“艺术教育实验室”装置图,Mayuko Ooda,靛蓝模版染色万叶灯笼画卷,2018 // 靛蓝、麻、棉、模版染色
“全球艺术实践专业”装置图,Sixte Parc Kakinda“亲密时刻/独白”(部分)2019 // 视频、绘画、装置

东京艺术大学最新的专业——全球艺术实践专业(GAP)成立于2016年的展览特别有趣。 GAP 探索超越现有文化框架的跨学科当代艺术实践,吸引了来自世界各地具有不同语言、文化和性别背景的学生,也有来自艺术以外领域的学生。

从GAP购买的作品中,我能感受到东京艺术大学近年来研究领域和表现方式的多元化。例如, Sixte Parc Kakinda 的《Intimate Moments/Monologue》 (2019)是一件绘画和影像的装置作品。

面对艺术家根基所在的刚果民主共和国矿山开采的铀被带到美国并用于广岛和长崎原子弹轰炸的历史事实,他对受难者进行了细致的研究。广岛原子弹爆炸……它是一部鼓励考虑矿产资源开采的社会和经济原因及其使用对人类和自然的影响的作品。

这位艺术家在评论中表达了他的失望,尽管他认为自己是连接日本和刚果的桥梁,但他在广岛的绘画表演却没有被日本人注意到,他说:“我是一座看不见的桥。”稻田。这部作品作为 GAP 教育的结果而存在并被购买这一事实似乎具有重大意义,因为它是对日本人种族封闭性的认识。

“文化财产保护研究”展览现场图 山崎贵之,木造千手观音的修复推定,京尾护国寺的重要文化财产,1967年//日本扁柏,漆箔,木雕
《作曲部》安装图
“Media Film Major”装置图,Noriko Koshida,墙壁、房间、盒子——眼泪中的事件,2008//视频

在第二部展出的作品中,给我印象最深的是工艺部的丸山友美的《一千零一夜》 (1992)。

“工艺部”装置视图,Tomomi Maruyama,一千零一夜,1992 // 铜,锤击

在由雕刻、锤打、铸造、漆艺、陶艺、染色、材料造型(木材和玻璃)7个领域组成的“工艺系”中,学生通过材料学习先进的传统技术,并获得进一步发展的能力. 旨在附加。

《一千零一夜》是一部使用出色的金属锤击技术将吹过山林的风描绘成风神,并以表现人体为母题的作品。我被身体的活力所吸引,它似乎在水中游泳,以及背后有故事的存在感。据考证,画师丸山友美目前是东京艺术大学工艺系金属锻造教授,正在制作。

根据评论,该作品似乎因“融合了金属锤击技术和焊接,扩展了作为金属作品的表现可能性”这一事实而受到高度评价。作为艺术家和教育家,他不断拓展金属锻造作品的表达可能性。

冈山市柳町 1-8-19 冈智美的动手装置作品(2017 年),跨媒体艺术部成员,也令人难忘。

跨媒体艺术部装置视图,冈山市柳町 1-8-19,Tomomi Oka,2017//混合媒体装置

跨媒体艺术系成立于1999年,追求超越特定媒体框架的各种方法的创造性表达。在以响应不断变化的信息和环境的活动为目标的同时,我们正在探索艺术在社会中的可能性。

被公认为跨媒体艺术系最优秀毕业生的冈友美是一位新锐艺术家,他利用视频和空间设计创作以个人记忆和陈旧习俗等为主题的装置作品。 《冈山市柳町1-8-19》是以我已故祖母的房子为主题的房间型装置,这所房子真实存在于冈山,以及与之相关的回忆。

在一个充满真实家具和小物件等物品的黑暗房间里,通过结合视频投影、反射、灯光和几块亚克力板,艺术家对其祖母的记忆图像在虚拟和真实图像之间分层展开。存在着既非过去也非现在的时间轴空间。影片时长约7分钟,却带给你观影的满足感。诡异闪烁的灯光和诡异漂浮的祖母画像,有点日式恐怖的感觉,凝视着,你的意识仿佛被吸入了另一个世界。

这是您参观本次展览时绝对应该看到的作品。


会场里有各个时代的精彩作品,各种表现手法,但仔细想想,大多数艺术家在创作时都在20多岁,真是太神奇了。感觉
有的可能后来被称为大师,有的可能毕业后就离开了创作。然而,很明显,所有的作品都是当时一无所有的学生倾注了他们在一流艺术大学所学到的一切的结晶和一团激情。

肯定有很多作品不知道要等多少年才会下一次面世。希望大家能借此难得的机会,回顾东京艺术大学的教育历程,感受历经岁月,依然不失光彩的作品的力量。

 

“购买的展览-Geidai Collection Exhibition 2023-”概述

展览期间 2023年3月31日星期五至2023年5月7日星期日
会场 东京艺术大学本馆大学美术馆
营业时间 上午 10:00 至下午 5:00(入场截止至下午 4:30)
关闭日 星期一(但是,博物馆将于5月1日星期一开放)
观看费 一般1,200日元、大学生500日元
组织者 东京艺术大学、读卖新闻
询问 050-5541-8600(你好拨号)
官方网站 https://museum.geidai.ac.jp/

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[上野之森美术馆]台东区残疾人艺术展“森林中的展览”会场报告。提供 214 幅独特的作品,例如水彩画和剪纸

上野之森美术馆

2023年3月8日至12日,上野之森美术馆在台东区举办了残疾人作品展“森林展”。

“森林展览”
会场风光
会场风光
会场风光
场地景观,Ruka Azuma,Black Cat Ram(丙烯颜料)
会场景观,滨田理惠,荷塘花蕾(铅笔,水彩)

在台东区,我们正在为所有人创造享受文化和艺术的机会,支持他们参与文化和艺术活动,并推动“残疾人艺术”倡议以促进对残疾人的理解。

台东区和上野之森美术馆作为“残疾人艺术”的一部分,第二次举办“森林展”

举办展览的原因之一是台东区在采访残疾人设施时说,“我想做一些与我通常在设施中所做的不同的事情”和“我想借此机会采取关于困难的挑战。”我想这是寄给我的。

此外,还有很多残疾人因为心理障碍而难以将自己的作品呈现给世人,也有很多人本来就没有参与过创作活动。他打算通过让这些人在美术馆展出作品的机会,让他们知道独立从事艺术的快乐,以及作品被人认可的快乐。

参展者为在台东区生活、工作上学,或使用台东区残疾人设施或组织的残疾人。还展出了在残疾人设施派遣艺术指导员举办的艺术工作室创作的作品,以及在市内中小学特殊需要班级创作的作品。

松叶小学学生的版画作品,表现了他们最喜欢的生物。额头上的细节也很明显,比如贴珠子。

主题是免费的。会场内摆放着以水彩、彩色铅笔、版画等绘画为中心,自由运用色彩和创意创作的独特作品。

Jun Mitsuhashi << Origami Letters“Tokyo”>>(折纸/纸板)/ 将折纸的过程升华的独特作品。白色和红色与黑色背景的对比在会场格外引人注目。
Yufuru Kids 《月狼》(折纸、黑胶、闪粉、铝箔纸)千代神用于月亮,隐隐约约有一种日本的气息。
润滑“轻功”(墨水)/正如作者所说,“我做这幅作品是因为我想和朋友们一起享受轻功”。 “润滑”这个笔名也很时尚,感觉和作品很配。

作品所附的说明仅包含标题、作者姓名(可以使用化名)和作者的简短评论。我不知道你的年龄,你以前的创作经验,当然也不知道你的残疾程度或类型。当我听到残疾人的艺术时,我认为有些人可能认为他们虽然身体有缺陷但很擅长,或者即使他们是盲人也很了不起。所以,它的结构是为了让你可以面对艺术本身的魅力。

此外,展览不仅仅是展示作品的地方。展出作品将由艺术专家观看,特别优秀的作品将被选为台东区市长奖、上野之森博物馆奖、优秀奖或荣誉奖。今年,评委会成员茅山由和、武藏野美术大学教授兼油画系主任、画家西村富宫和阿斯玛健一、书法家吹野正信共选出10幅作品。

[台东区区长奖] Hiroshi Nori <<今天的饭菜是什么? “(彩色铅笔)
【上野之森美术馆奖】大桥直树《大象》(丙烯颜料)

我能够听到一些评论。

获得台东区区长奖的佐助弘隆先生写下了“今天晚饭吃什么?” 》评论说,“看到鸟时那种强烈的感觉在画中得到了体现。它只描绘了头部,但这样传达了看到鸟的感觉。这是一幅具有很强的鸟的感觉的画面。”目的。” “构图非常壮观。

获得上野之森美术馆奖的大桥直树的《大象》说:“它看起来不像大象,但一眼就能看出是大象。黑色和黄色背景的对比非常出色。”“你可以看到獠牙等部位被摸了很多次。

了解这些专业人士关注什么,会改变你看待自己和他人创作的方式,我觉得会涌现出更多有趣的新想法。

当你创作一件作品时,你希望人们看到它,你希望它被认可。参加本次展览并获奖,或许能在懂得创作乐趣的人中,孕育出未来的大牌艺术家!

商品扣和sacoches

最后,大多数博物馆的商品都陈列在展馆外,但我惊讶地发现展馆内还有商品销售。贩卖的商品是台东区福利作坊制作的点心、布制品、皮革制品。

和台东区的负责人交谈时,目前的情况是,即使做出了好产品,由于销售渠道有限,也只有知情人知道,他说他正在努力提高知名度。


一方面是免费入场的缘故,我采访的第一天展览非常拥挤,还看到几组学生前来实地考察。在很多展览中,都弥漫着避免私下交谈的紧张气氛,但在本次展览中,参观者可以自由地就作品交流意见,很多人还可以合影留念,营造出一种非常热烈的氛围。他们中的一些人可能是参展商,看到他们生动地解释自己的作品令人印象深刻。

上届展览有141件作品,本次增加到214件,展览规模也在逐步扩大。如果你看看展出的作品,没有很好的统一感,你应该能找到给你留下深刻印象的作品。第三届活动定于2024年举办,敬请留意。

“森林中的展览”概览

展览期间 2023年3月8日(周三)~3月12日(周日)
会场 上野之森美术馆
入场费 自由的
网站 https://www.city.taito.lg.jp/bunka_kanko/culturekankyo/events/shougaiarts/morinonaka.html

*文章内容截至采访日(2023年3月8日)。


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体验禅宗文化的精髓。
[东京国立博物馆]特别展“东福寺”(至5月7日)预展报告

东京国立博物馆

东福寺是代表京都的禅寺之一。

被称为新绿和红叶的景点,它是一座著名的寺庙,尽管它被战争摧毁,但仍保存着许多珍贵的东西,如古代文献、书法、经典和肖像画。

本次展览首次介绍东福寺的宝物,汇集了画家妙长的《五百罗汉图》等禅宗文化的优秀作品。

在这篇文章中,我们将报道活动前一天举行的新闻发布会。

东福寺三门

东福寺是京都代表性的禅宗寺庙之一,也被称为新绿和红叶的景点。东福寺之名源于每个字都取自奈良的东大寺和兴福寺。

在中国学习禅宗的恩尼成为创始人。东福寺虽曾数度遭火烧毁,但仍保留着中世纪的气息,并以众多建筑流传至今,其庞大的寺院群俗称“东福寺的 Garandzura”。

特展“东福寺”追溯东福寺创建以来的历史,通过与大陆的交流,介绍禅宗文化的全貌。这是一个广泛传达展览意义和魅力的展览。

东福寺的众多宝物,是禅宗的精髓所在。

展厅入口
恩尼之师吴尊国宝像(自夸,中国南宋,1238年)东福寺收藏,京都展览期间:3月7日(周二)至4月2日(周日))
第二章展览风景。前景是仓山顺久坐像(镰仓时代,14世纪,京都,永明院藏,全年展出)
从第四章展览来看。与中国佛界交流带来的众多书画作品
《Tora Ichidaiji》(Toroseki Master Renpitsu,镰仓南北朝时期,14世纪,京都,灵源院仓库,全年展出)

本届展会展厅分为第一会场和第二会场,

  • 第一章 东福寺的创立与圆仁
  • 第二章精一派的形成与发展
  • 第3话佛画传奇画家妙长
  • 第四章禅宗文化与国际交流
  • 第 5 章 巨大的寺庙和佛像

它由5章组成。

东福寺在南北朝时期被列为京都五大寺院之第四,主寺东福寺及其分寺具有许多讲述禅宗文化故事的特色,例如作为从中国引进的文物,建筑、雕塑、绘画、书法等文化遗产得以传承。本山东福寺、分寺等国宝7件、重要文化财产98件共计105件。
特别是第一、二章中与恩尼及其后继者正一派相关的禅宗艺术精品,如被称为“南宋肖像画之极品”的《木君石寒像》 (国宝) , 排队. 增加.

给我留下个人印象的是恩尼的孙弟子,东福寺第十五代住持弘石士莲(1278-1346 。是代表“虎”字的字迹还是坐着的老虎的图片?就好像你在问观看这个的人,“你认为你是什么?”

佛画传奇画家妙长的画功

Myocho的五百罗汉装置图
本次展览的代表作《五百罗汉》(吉山命长,南北朝时期,至德三年(1386),京都东福寺)。这是第一期(展览期间:3月7日(星期二)至3月27日(星期一))。旁边附有独特的卡通
“恩尼像”(吉山妙长,室町时代,15世纪,京都东福寺,展览期间:3月7日(星期二) – 4月2日(星期日))
重要文化财产《达摩·海老蟾铁绑架》(吉山命长 室町时代 15世纪 京都府东福寺藏 展览期间:3月7日(周二)~4月9日(周日))

本次展览的重头戏是被誉为“绘画大师”的佛像画家妙长的巨作《五百罗汉》。这幅修复后首次展出的作品,是年轻妙长的代表作,水墨与浓彩相得益彰,两幅幅现存于东京根津美术馆。本次展览将是首次展示全貌的宝贵机会(展期因宽度而异)。
旁边是用独特的方式解释内容的漫画,这也是表现东白特有的俏皮感的地方。

展出的还有《达摩与江户铁六图》,被称为明朝成熟期的杰作。对称的构图之美、错综复杂的光影描绘,以及江户画前所未见的明亮轻松的笔触……虽说是国画名作的临摹本,但却是可以领略到明张超群的绘画力和独创性的名作。

笼罩在巨大大教堂的压倒性力量中

在通往第 5 章的通道中,真人大小复制了代表东福寺的旅游胜地通天桥。
第 5 章特大佛像适合巨大的寺庙
展出四大天王立像(全年展出)。右侧前景的多闻天立像是镰仓时代初期的,具有浓郁的运庆风格。
《佛手》(镰仓-南北朝廷时代,14世纪,京都东福寺仓库,全年展出)

第5章是可以实际体验“东福寺伽蓝面具”的地方。与一座巨大的寺庙相适应的特大佛像的规模和威严会让您惊叹不已。

复原后首次公开的多闻天立像、重要文化财产嘉祥立像和阿难立像,以及全长2米的巨大佛手手。还要注意。它是一个有价值的遗迹,可以证明已经消失的前主像的巨大规模。

展览将持续至5月7日(周日)。在会场体验禅宗文化的鲜艳色彩和巨大寺庙的压倒性力量。

活动概况

展览期间 2023年3月7日(星期二)~5月7日(星期日) ※展览期间有可能变更展品
会场 东京国立博物馆平成馆(上野公园)
营业时间 9:30-17:00(入场截止至闭馆前30分钟)
关闭日 周一
*3月27日(周一)和5月1日(周一)开放
观看费 一般 2,100 日元
大学生 1,300 日元
高中生 ¥900 *本次展览不需要提前预订。如果它很拥挤,你可能需要等待才能进入。
*人多时可能需要等待入场。
※中学生以下、残障人士和看护人1名免费。进馆请出示学生证、残疾证等。
*凭这张展览门票,您还可以在参观当天参观一般文化展览。
(注)详情请查看展会官网门票信息页面。
展会官网 https://tofukuji2023.jp/

*文章内容截至采访时。可能与最新信息有所出入,详情请查看展会官网。也有可能本文提到的作品已经展出过。


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回顾2023年4月起进行翻新工程的下町美术馆的魅力。
介绍最后的特别展“明治、大正、昭和时代的孩子们”

下町风俗资料馆

台东区下町博物馆位于东京都上野的不忍池畔。

自1980年开馆以来,为了向子孙后代传递东京都市中心的美好旧文化,博物馆接待了很多游客,但从2023年4月1日起,该设施将进行大规模翻新。你知道吗,博物馆将闭馆由于建筑工程,直到 2024 年底(日期未定)

改造后,现在的一些展品将看不到了,我感到既希望又难过。

因此,这次,我采访了博物馆的内部,介绍了大约42年以来一直受到人们喜爱的下町博物馆的外观。

最后的特展“明治·大正·昭和的孩子们~用资料拼出的都市区的孩子们的世界~”也在文章的后半部分提到了,所以一定要在剩下的时间里参观一下一个月的生意。请给我。

台东区立下町资料馆
馆内状况
特别展“明治、大正、昭和时代的孩子们~用资料说明的都市区的孩子们的世界~”的现场图

下町民俗博物馆 诞生于居民的心声

1923年(1923年)关东大地震和1945年(昭和20年)第二次世界大战时被大火烧毁,1964年(昭和39年)为举办东京奥运会而重建。老城区的街道和文化区域迅速消失,老百姓的生活彻底改变。

昭和40年左右(1965年),热爱下町文化的人们开始表达对这种情况的担忧,并萌生了建立博物馆将下町的记忆传承给下一代的想法。 1980 年 10 月 1 日,下町博物馆终于开馆了。

在一楼的展览室中,商户住宅、唐屋、水井等几乎与真人大小一样再现了关东大地震前(约 100 年前)大正时代的街景。在2楼的展览室,我们介绍与以台东区为中心的都心区历史相关的资料和玩具。

展览的魅力在于它是一种体验型内容,您不仅可以欣赏它,还可以登上实际重建的榻榻米房间并触摸展品(*)。博物馆研究员本田先生介绍,这种所谓的亲手展示的方式,现在各个博物馆都在使用,但下町博物馆其实是先行者。

(*由于电晕危机,禁止与展品接触,部分展品除外)

由于该博物馆是应民间要求开馆的,可以说馆藏的许多物品都是从台东区内外收集的捐赠物品。家具和生活用品就在您家中,您可以享受更真实的市中心氛围。

迄今已有超过300万人次到访,最近更成为追寻复古气息的年轻人和前来观光的外国人的热门景点。

穿越回100年前的大正时代

自动电话亭

一楼首先映入眼帘的是鲜红色的六角形自动电话(后更名为公用电话)箱
1900年,日本第一部自动电话出现在东京的上野站和新桥站。在博物馆中,展出了一部经过修复的盒式自动电话,该电话从 1910 年开始使用。

自动电话亭鲜红的颜色在闹市里一定很漂亮。

自动电话。木制建筑很可爱。

里面的手机机身居然是用过的。听筒是分体式的,不是拨号式,而是先呼叫运营商,再接通对方电话的那种。

现在按键式的公用电话已经很少见了,更不用说拨号式的了,但我觉得有一种历史感,因为它们是更早的古董。话筒的位置很低,高个子似乎很难弯下腰说话。这是一个让你想象当时日本人的平均身高是多少的展览。

商家店面

这是再现面向主要街道的大型商户的场景,花尾(*)制造批发商的店面。您可以看到从江户时代流传下来的传统商人房屋建筑,例如“dashigeta-zukuri”和“agedo”。

(*根据下町博物馆展览解说的记法,是花丁字裤而不是丁字裤。)

一进门,左边是制作花王的作坊,右边是接待台和商务会议空间。

在车间的后面,五颜六色的丁字裤垂下来。当时,人们通常认为鞋类就是木屐和草履,丁字裤是日常生活中的必需品。根据季节和和服,他们喜欢通过改变当时流行的材料、形状和图案来改变时尚。

稀有展品方面,工坊上方悬挂着“用神号” 。它就像一个现代的应急包。

安全笼

“在旧江户地区,经常发生洪水,所以为了避免被淋湿,我们架起了一个篮子,把所有重要的东西都扔在里面。(本田先生)

所有的展示品都配发了说明纸,但对于生活在现代的我们来说,可能还有很多不熟悉的物品,例如警示篮。首先,在博物馆里走来走去,同时猜测“那个工具将用于什么?”可能会很有趣。

办公室和商务会议空间

这是一个柜台和商务洽谈空间。据说商人总是有一个收银台(记帐和付账的地方),只有店主和店员等特定的人才能通过收银台的格子作为障碍进入。 。当然,您可以自由进入复制品展览。有算盘,有当时保险柜的“钱箱”,还有用来存放印章的“记号箱”。

随意感觉像一个banto。

“关于这些模拟展览,有资料告诉我们,开馆时,当时的馆长和工作人员通宵留宿,看什么样的东西有用,用在什么地方,然后根据情况决定布局。实际体验上。是右撇子(那时候左撇子被纠正很正常),所以在细节上有很多讲究,比如整理东西,让右手可以抓东西。 ”(本田先生)

本田先生的故事告诉我们,博物馆的作用是传达当时的真实生活,而不是展品的呈现。

商馆前还有在浅草发明的、汽车普及前的代表性交通工具的人力车和送货业务不可或缺的箱车,热闹非凡。营造出繁华的氛围.

黄包车。您可以在灯笼装饰上看到“Akaiwa”这个名字。

住在充满市中心待客之情的公寓楼里

商人屋对面,是古装剧中熟悉的楼复原,四周是窄巷子。

再现唐楼胡同的景色。

采访的时间是“初马”(二月初一)。每年在日本各地的稻荷神社举行初马祭,祈求五谷丰登。由于同一栋楼内还有一座小型稻荷神社,因此公寓内装饰着自江户时代以来在初马祭期间在城市中悬挂的地口灯笼

Jiguchi andon 仍然由工匠制作。

Jiguchi 是一种基于江户时代流行的谚语和俗语的双关语游戏。 Jiguchi 灯笼是在 Jiguchi 灯笼上附上漫画而制成的,他们为初马节聚集的人们提供娱乐。

就这样,博物馆以迎合季节变化的精美作品迎接游客,如新年装饰品和七夕装饰品。在特殊场合装饰也很有趣,可以作为承载基因和祈福神佛的一种方式。是一款可以让您体验当时人的精神生活和闹市四时风光的智能设备。

顺带一提,在因电晕灾难而禁止触摸展品之前,他们似乎偷偷准备了只有注意的人才能享受的小东西,比如抽屉里的换衣服。

一家由老母亲和她的孩子经营的糖果店。你可以看到后面的客厅。

在关东大地震前很常见的一层长屋中,再现了糖果店土库屋

卖陀螺和弹珠等玩具的粗点心店是孩子们的社交聚会场所。厨房和榻榻米房间也是在住宅的一部分开放的环境中建造的。

糖果店对面的厨房。

就当时闹市区的基础设施而言,虽然有电,但电器并不普及,水气也不普遍。这种情况也是从厨房里有一个水瓶来储存居民共用的水井里的水这一事实传播的。

在水缸下可以看到一个木制的水槽,像这样在靠近地板的地方建造一个水槽并蹲下来做饭的作坊被称为“坐流”。令我惊讶的是,这在地震前的大正时代也很普遍。这种安排现在是不可想象的。

排屋的天花板附近有一扇滑动窗,用于烟雾和光线。
铜瓮。左边是生活区,右边是车间。

Dotsuboya 是一家制造和修理锅和水壶等铜制品以及水壶的商店。繁华地段居住着各种各样的工匠,但在这个人们一边修理一边小心使用的时代,道壶屋的工匠们对人们的生活来说是不可或缺的。

在作坊的墙上,制作了供奉火神的神坛,名为“火神坛”

“Dotsuboya 是一个使用火的职业,但当时不可能通过一个电话呼叫消防车,所以我认为对火的恐惧比现在更强烈。我想传达的是是一个有很多虔诚的人的时代。”(本田先生)

Kojindana

回头一看,在刚才说的糖果店里发现了一个神坛。相传过去,家家户户、商户都有神坛,拜神佛一定是日常生活中不可或缺的一部分。

建在排屋后面的稻荷神社也是一个展示虔诚深度的展览。

供奉在廉价公寓后面的小型稻荷神社。

稻荷神在江户时代作为土地和宅邸的守护神供奉,据说每栋平房都建有它。因此,今天在市区仍然存在许多 Inari 神社。

一栋薄薄的墙隔开的房子。对于生活在现代的我们来说,唐楼是一个隐私概念比公寓和公寓弱得无以复加的生活空间。居民之间不可避免地会变得友好,我认为比以往任何时候都更有必要体谅不给他人带来麻烦。
闹市人的善良,可能就是从这样的生活方式中养成的。

排屋旁边还复制了一口井。 Idobata 是唐楼家庭主妇的社交聚会场所。据说市区的水井不是从泉水里取水,而是从叫做“木日”的水管里取水。

一楼展厅的商户和排屋是1980年开馆时建的,已有40多年的历史。博物馆刚开馆时肯定是崭新的地板和柱子,多年来几乎每天都被进出的人弄坏了。

每个人都渴望吗?您还可以坐在钱汤的表台上拍一张纪念照。

昭和30年代人们的生活

二楼作为常设展览,再现了1950年代人们的生活。市中心公寓的厨房和客厅。从东芝的真空管黑白电视机,到日本第一台自动电饭煲,一应俱全的当时的高端家电,不禁让人联想到富家子弟。

短腿桌、抽屉柜等战前流传下来的家具,与最新的家电并存。对方便和舒适的渴望。这种生活方式在1960年代后逐渐消失,我们进入大众消费时代。在怀旧的背后,你也能体会到那些想要保留市中心文化的人的危机感,这也是博物馆成立的动力。

公共浴场曾经是市中心景观不可或缺的一部分。

在它旁边,实际在1950年(1950年)至1986年(1986年)在台东区运营的公共浴室“Kingyoyu”实际使用的表架几乎原样放置。 。据说这是博物馆最受欢迎的拍照点,因为它是博物馆最大的捐赠,而且你真的可以坐在上面。

“尤其是从大正到昭和时代的男人们,可能早就向往了,他们似乎很享受万代的体验,也很想坐下来。他们中的很多人似乎并不知道什么是万代,但是当他们看到展览时,他们说,“这就是万代的样子”和“我喜欢它”。我看到了……似乎展览,而不仅仅是这个万代,是一种催化剂访客。”(本田先生)

不是解说员,也不是策展人,而是一个普通人流畅地讲解展品。博物馆的魅力之一就是可以遇到这样的场景。

正在举办特别展“明治、大正、昭和儿童”(至 2023 年 3 月 31 日)

特别展“明治、大正、昭和时代的孩子们”的安装图

在2楼的展览室,除了昭和公寓的再现展览和公共浴室的看台外,我们通常还展示以台东区为中心的市区相关项目和年度活动相关资料。但是,这一天,正在举行更新前的最后一次特别展览“明治,大正和昭和时代的孩子-用材料拼出的市区儿童世界-” 。 (参观费包含在入场费中)

本次展览以明治至昭和时代生活在闹市区的孩子们的日常生活为中心,主要从博物馆所持有的资料中介绍孩子们在成长过程中经历的游戏和仪式。 .

街头连环画自行车。据说他在舞台下的抽屉里准备了糖果,卖给来看连环画的孩子们。
因新冠危机而被迫暂停的人气老玩具体验角,现已小范围恢复。

特别是与儿童游戏相关的资料非常丰富,展品大致分为贝果马、面子等“户外游戏”和弹珠、假装游戏等“家庭游戏”。

明治时期的锦绘,描绘了东西方儿童进行相扑比赛的场景。
左上角巨大的大理石玩具是玻璃石(昭和时代)。看起来它确实是用来做跳房子的,但我担心它的耐用性。
这些玩具也让我们一窥历史背景,例如战时因物资短缺而被制成陶器的贝戈马。
Menko 大约在 1945-30 年间。这些设计以当时著名的运动员和电影明星为蓝本。

本田先生推荐的是从明治时代到大正时代销售的微型手工具。关键是它是由与真实物品相同的材料制成的,例如木头、竹子、马口铁和陶瓷。就连成年人也为它的精致而激动。

微型工具。孩子们通过这些玩具学会了做家务。
1950 年代的玩具手表和配饰会让想要模仿大人的女孩子心动。即使现在看起来也很可爱。
昭和初期杂志的附录。展出的许多物品都保存完好,我想到了它们对主人的重要性以及捐赠时的背景。

在与儿童成长仪式有关的材料展示中,如 Shichi-go-san 和 Okuizome,本田先生说他希望人们特别注意“Semoncho”

孩子成长的仪式展示
书脊打印显示

Semonjo是一本“Semamori”样书,用彩线缝制在0-2岁儿童穿的连体孕妇装背面。

典型的和服在背部中央有一条接缝,一直认为接缝被视为“眼睛”,具有保护身体免受来自背部的灾难的作用。不过,由于连体孕妇装的背面没有接缝,据说是用彩线绣上了被称为“semamori”的“眼睛”,以避邪。据说展出的是昭和时代的纹章,纹章上的每一个图案都有其含义。

本田先生说:“如果与孩子成长相关的祭典展览能传达出以各种方式保护孩子的父母的心声,我会很高兴。”

回顾下町博物馆历史的一排资料

此外,作为与特别展览同时举办的计划,为了回顾博物馆 42 年的历史,迄今为止举办的计划展览和特别展览的海报和传单,还有现在买不到的博物馆商品。。

改建后的下町资料馆将何去何从?

我们向本多先生询问了翻修后的下町博物馆。

“我们还在制定细节,但不是修复或翻新现在的展览,我们计划彻底改变新时代的印象。它是计划中的(目前展览到2楼),所以我想知道我是否可以向你展示完全不同的景色。请不要担心。”(本田先生)


下町美术馆所在的上野站周边,有许多可以欣赏到具有高学术价值的近现代艺术作品的设施。其中,博物馆的存在老老实实地延续了 42 年,其展品可以让您感受到曾经居住在市区的人们的迹象,不仅对当地居民而且对生活的人们来说都是一个特殊的地方在当今时代。我觉得我正在取代我的位置。

下町博物馆不仅将下町文化传给后代,还充当连接在现实生活中体验过这种文化的世代和不了解它的世代之间的桥梁,将于 2023 年 4 月 1 日开始准备新的生活.从那天起无论您是否去过博物馆,都请在翻修前参观一次,以留作纪念。

下町博物馆概要

地点 台东区上野公园2-1
从JR上野站不忍口步行5分钟
营业时间 上午 9:30 至下午 4:30(入场截止至下午 4:00)
关闭日 每周一(如遇节假日则顺延至次日)、12月29日至1月3日、特别安排期间等。
入场费 一般300日元(200日元)、中小学生100日元(50日元)

*括号中的价格适用于 20 人或以上的团体。
*每周六,在台东区居住或上学的中小学生及其监护人可自由入场。

电话号码 03-3823-7451
官方网站 https://www.taitocity.net/zaidan/shitamachi/

*文章内容截至采访日期(2023年2月3日)。请查看官方网站以获取最新信息。


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