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东京都美术馆

2024 年是巴黎首次印象派展览举办 150 周年。东京都美术馆目前正在举办名为“印象派：从莫奈到美国——伍斯特美术馆收藏”的展览，追溯颠覆西方艺术传统的印象派对欧美的冲击和影响。 ，以美国伍斯特艺术博物馆的收藏为中心。展览期限至2024年4月7日。

伍斯特艺术博物馆位于美国波士顿附近，于1898年开放，藏品约4万件，从古埃及、古希腊和罗马的古典艺术到世界各地的当代艺术。其中，他积极收藏印象派作为当时的当代艺术。自 1898 年开放以来，它一直是该系列的重要组成部分。

本次展览重点关注印象派颠覆西方艺术传统的创新及其在全球的传播。馆内的印象派藏品大多是首次来日本访问，不仅有莫奈、雷诺阿等法国知名印象派画家，也有很少被介绍到日本的柴尔德·哈萨姆等美国印象派画家。介绍40多位艺术家的约70幅油画，其中包括一些最具代表性的艺术家。

展览共分为5个章节。在第一章“挑战传统”中，巴比松画派和现实主义画家在法国故乡熟悉的风景和自然中发现了美和新的题材，介绍了传统绘画，其中宗教和历史绘画处于鼎盛时期。印象派兴起于19世纪上半叶，颠覆了艺术的等级制度。

与此同时，美国人们对这个国家壮丽的自然美景的兴趣与日俱增，美国风格的风景开始流行。在本章中，您可以比较大西洋两岸风景画的兴起。

温斯洛·霍默 (Winslow Homer)是 19 世纪末的美国著名画家，早在法国印象派出现之前，他就将户外绘画作为其作品的基本元素。 《冬季海岸》 （1892）是他职业生涯后半段的作品，当时他专注于描绘大海和面对大海的人们，他直观而大胆的笔触描绘了汹涌的海浪拍击缅因州海岸的情景。展现荷马印象派的一面。

第二章“巴黎与印象派画家”，克劳德·莫奈、卡米尔·毕沙罗和皮埃尔·奥古斯特，他们脱离了学院的传统，走到户外，用鲜艳的色彩和大胆的笔触描绘了他们眼中的世界。 – 展出雷诺阿等第一届印象派展览成员的作品。此外，还可以看到唯一参加印象派后续展览的美国女画家玛丽·卡萨特的作品，以及被称为“美国莫奈”的柴尔德·哈萨姆在巴黎求学期间的作品。

同一章节中介绍的莫奈的《睡莲》 （1908）是本次展览的亮点之一。虽然这是一幅印象派山水画，睡莲失去了轮廓，仿佛融入了池塘，树木倒映在水中，色彩奇幻，但也有他后期作品中明显的抽象表现的迹象。 。

莫奈在巴黎郊区西维尔尼度过了他的后半生，在那里他继续画了250多朵漂浮在他创造的“水上花园”中的睡莲。该作品是1909年在巴黎杜兰德-鲁埃尔画廊展出的《睡莲》系列之一，次年被伍斯特艺术博物馆直接从画廊购买。如今，睡莲被各个博物馆收藏，但伍斯特艺术博物馆实际上是世界上第一家购买莫奈睡莲的博物馆。

现场还将介绍博物馆与艺术品经销商之间关于购买该作品的往来信函副本，其中包括第一任馆长对董事会的劝说、延期等利用信件和电报的生动信件。付款期限。我查到了。

第三章“国际扩张”讨论了美国的约翰·辛格·萨金特、瑞典的安德斯·伦纳德·索恩和比利时的阿尔弗雷德·史蒂文斯如何将在巴黎获得的印象派精髓带回自己的祖国，并将其应用到自己的艺术实践中。 ，展出黑田精辉、久米庆一郎等日本画家的作品。

其中很多并不是完全模仿法国印象派的风格，而是在与各地区的文化和社会融合中得到独特的升华，受到没有接触过印象派或从未去过法国的画家的欢迎。它以多种方式传播和发展。

本次展览的亮点是第四章“美国印象派”，介绍了印象派在国际上尤其是在美国的传播过程中是如何被接受的。

1880年代中期，欧洲印象派在美国艺术品经销商和收藏家中流行起来，许多美国画家前往法国满足需求。评论家希望年轻画家能够发现“远离欧洲主题的美国本土之美”，因此感觉美国的主题，例如新英格兰乡村和现代化的城市景观，继续受到青睐。我做到了。

柴尔德·哈萨姆（Childe Hassam）也在第二章中出现，他是第一个将自己在当地学到的印象派风格融入自己的作品中的人，并通过暑期学校和艺术家殖民地将其传播到整个美国。

哈萨姆出生于波士顿，1883年第一次去巴黎时接触了印象派作品，1886年至1889年在那里留学。返回日本后，他定居纽约，并在那里取得了成功，成为美国领先的印象派画家之一。本章按时间顺序展示了三幅不同主题的作品，并与第二章《法国花园采花》（1888年）一起，可以追溯他绘画风格和兴趣的变化。

《哥伦布大道，雨天》 （1885）以柔和的色彩和柔和的笔触描绘了波士顿的雨天大道，远处城市的朦胧气氛和光亮的光彩的描绘，可以感受到印象派的影响。人行道上的光。你可以

巴黎留学后创作的《阿普尔多尔岛西尔夫的岩石》（1907）让人想起莫奈的悬崖风景画，触感截然不同，通过改变拉长笔触的方向巧妙地描绘岩石表面和波浪。基于即使在同一个地方风景也在不断变化的想法，这幅作品是从不同角度和情境生动地描绘阿普尔多尔岛风景的作品之一，采用了类似于莫奈系列作品的手法。

在《早餐室，冬日的早晨，纽约》 （1911）中，窗帘的放置是为了避开随着摩天大楼的建造和汽车的泛滥而转变为现代化大都市的纽约的喧嚣，描绘了纽约的精致生活。中上阶层，关注城市生活。自 1909 年以来，哈萨姆一直致力于《窗户》系列，该系列描绘了一个女人独自在一个房间里，就像这个一样。幕后描绘的摩天大楼被认为是曼哈顿的熨斗大厦，被誉为纽约现代建筑的象征，是美国性的巧妙表达。

埃德蒙·查尔斯·塔贝尔（Edmund Charles Tarbell）是波士顿艺术界的重要人物，拥有众多追随者，以至于创造了“Turbellite”一词，作为一名艺术老师，他以在巴黎学到的印象派为基础来教授学生，传播了独特的表现风格到该地区。

《百叶窗》 （1898）因其浅色和丰富的色彩而具有印象派的感觉，但它对传统形式和细节描绘的关注是波士顿画派画家的特征。透过百叶窗的光线照亮场景所产生的光影对比令人印象深刻，类似于以伦勃朗为代表的巴洛克绘画的明暗对比技术。

最后一部分，第五章，“寻找未见过的风景”，重点介绍了保罗·西涅克（Paul Signac），他采用了基于光学和色彩理论的点画法，以及乔治（Georges），他在热衷于野兽派之后成为立体主义的创始人。展览展出了布拉克等画家的作品，他们在印象派的影响后继续探索新的绘画形式。

乔治·英尼斯和德怀特·威廉·特赖恩是19世纪末美国流行的“色调主义”绘画风格的代表画家。印象派痴迷于大胆的色彩和视觉，而色调主义则强调使用灰色和蓝色等柔和的色调来描绘宁静、情感氛围和无形的事物。

作为瑞典神秘主义者伊曼纽尔·史威登堡的追随者，英尼斯后来的作品呈现出越来越形而上学的倾向。 《森林池塘》 （1892）中所看到的雾蒙蒙的气氛据说描绘了一种精神景观，同时代表着现实和神圣的世界，可见的和不可见的。

另一方面，特赖恩在《秋天的入口》（1908-09）中通过温和的颜料运用和精致的光线，将马萨诸塞州南达特茅斯的乡村景观变成了一个充满神秘色彩的神秘乌托邦。做吧。

对于仍饱受内战影响的美国人民来说，调性主义这些无形的情感场景提供了精神上的安慰。

“印象派：从莫奈到美国——伍斯特美术馆收藏”将持续至2024年4月7日星期日，以全球视角介绍印象派，它诞生于巴黎，改变了人们对美的常识，将画家从严格的束缚中解放出来。规则..这是一个欣赏印象派魅力的宝贵机会，印象派至今尚未广泛传入日本，以美国和法国以外的其他国家为中心。其中很多作品都是首次在日本展出，请不要错过这个机会。

“印象派：从莫奈到美国：伍斯特艺术博物馆藏品”概述

*文章内容截至报道时。请查看官方网站了解最新信息。

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东京国立博物馆

本阿弥光悦生活在战争时代，在艺术上表现出色，创作新颖。

正如标题所示，即将在东京国立博物馆平成馆举办的特别展览《本阿弥光悦的宏观世界》通过多件作品展现了他的信仰和内心世界。

本文报道了活动前一天举行的新闻预览。

本阿弥光悦是谁？

活跃于江户时代初期的本阿弥光悦出身于日本名剑鉴定师世家，是一位对日本后来文化产生巨大影响的艺术家。
他不仅因其家业造剑技艺高超而受到德川幕府和封建领主的高度评价，而且还被称为书法家（书法大师）。出版，为后人留下了优秀的作品。

“一生受过奉承，完全尴尬的人”和“陌生人” （“本阿美行城记”）
光悦以其深厚的信仰和闪耀的精神而受到赞誉，他创作的许多精美作品被指定为国宝和重要文化财产，并继续受到高度赞誉。

走近古怪的本阿弥光悦的审美

本次展览是

第一章 本阿弥家的家务与莲花信仰——光悦艺术的源泉
第 2 章 歌本和莳江光悦 – 爆炸性的文字和形状
第三章 光悦的笔触与字体——二维空间的精湛技艺
第4章 光越茶碗-土剑

本章让我们通过一些精美的作品来探讨本网光悦的审美观。

除了光悦自己的书法和陶器之外，博物馆还展示了在同一信仰下聚集在一起的工匠们创作的漆艺作品，以及针对当时的社会状况而创作的作品。此外，我们还关注本阿弥家族的信仰以及当时法华町居民的社会，创造了一个可以全面了解光悦状况的展览结构。

特别是第四章也是最后一章“光悦茶碗 – 大地之剑”，展示了许多令人惊叹的优雅茶碗，其中包括本阿美光悦的“时雨久乐茶碗”（重要文化财产）。给人一种成为本次展会亮点的感觉。

在这里，您可以看到从各章节展出的作品中按流派选择的作品。

漆

文学与书法世界编织的图像链

国宝级的船桥莳江砚盒坐落在展览的入口处，其光彩和造型让参观者惊叹不已。
该砚盒作为本阿弥光悦（1558-1637）的杰作而闻名，其显着特征是凸起的人字形盖子。整个器身呈圆角长方形，盖做得比器身大。

整个盒子表面密密麻麻地撒满了金粉，小船排列成波浪的图案，它们之间的空间充满了细密的波纹，银色的诗字高高地镶嵌在盒子里。

剑

以本阿美家族的审美力精心挑选的名刀

光越的指剑作为唯一流传下来的剑，时隔约40年首次向公众展示。

作者金氏是镰仓时代末期至南北町时代前半期活跃于美浓国志津（现岐阜县）的刀匠。指背镶有金质的“花神”，据说是光越的笔，附带的剑架上饰有精致的草，将整个剑鞘包裹在金漆中，华丽无比。

如果你破译了信物上的金嵌文字和爬草上的金漆的文字含义，你是否能看出光悦隐藏的感情？

书

光悦最充实时期的代表作品

以金银漆描绘群鹤飞翔的文纸卷，上面散落着平安时代以来36位诗人的36首诗。字母的形状和布局巧妙地变化，以配合鹤的起落和鸟群的密度，你会惊叹于它的活力感。
该书法与田原谷宗达的草图合作甚至竞争，据说是光越展现其最充实风格的时期的代表作品。

这次展览将是一次非常宝贵的机会，因为所有卷册将同时展出。

陶器

至今仍具有压倒性存在的名碗

Raku茶碗是手工塑造的，并用抹刀雕刻而成，据说是光悦制作的茶碗，其设计在各个地方都给人留下了光悦自己的手部动作的印象。
但这部作品的特点就是压抑这一点，整体给人一种宁静的印象。据了解，名古屋出身的数喜役者森川如春男在16岁时就获得了它。

活动概览

*文章内容截至采访时。详细信息可能与最新信息有所差异，请以展会官方网站为准。此外，本文中介绍的作品可能已经展出过。

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国立科学博物馆

自2013年被列入联合国教科文组织非物质文化遗产以来，日本料理越来越受到全世界的关注。

日本列岛的大自然孕育出的多样食材、人们智慧创造的发酵等技术以及独创性、烹饪方法和历史变迁， “日本料理——日本的自然与人民的智慧”特别展览正在国立科学博物馆（东京上野）举办。展览期至2024年2月25日（星期日）。

既然我报道了这个展览，我就汇报一下现场的情况。

*该展会原定于2020年举办，但因新型冠状病毒的影响而取消，将于2020年再次举办。

食物来自山，食物来自海。多样化食材孕育的日本饮食文化

展览由六个章节组成。

第一章是介绍，使用视频提出问题“什么是日本料理？”接下来，将展示第二章“群岛中种植的食材”，占据了大约一半的场地。

从食物的基础水开始，然后我们转向蘑菇、野生植物、蔬菜、海藻、海鲜……日本列岛南北绵延 3,000 多公里，是世界上生物多样性最丰富的列岛之一，它将利用 250 多个实际标本和模型，科学地呈现日本列岛所带来的丰富食材，同时还讨论发酵技术等话题和汤料。有解释。

例如，在水展区，专门用空间讲解水的硬度，如软水和硬水。

水的硬度会根据地质类型以及作为日常水源的雨水（硬度本身几乎为零）的停留时间以及钙和镁等矿物质在 1 升水中存在的时间而变化。取决于它含有多少毫克。

根据世界卫生组织的标准，低于60毫升/升为软水，120毫升/升以上为硬水，介于两者之间的为中硬水。日本由于地势陡峭、降雨量多、水滞留时间短，水基本上都是软水。软水没有味道，食材容易溶解在水中，适合使用高汤来衬托食材风味的日本料理。

另一方面，欧洲大陆地势平坦，水流缓慢，因此有大量的硬水，而硬水使食材在煮沸时难以溶解和分解，因此炖菜和其他使用肉类的炖菜已变得广泛确立为家庭烹饪。Ta。

我经常听到人们说，“日本是一个软水国家，所以如果你去一个硬水国家旅行，有些人会发现喝水困难或胃部不适。”有些人可能不知道，用途也因水质而异。事实证明，软水对日本饮食文化的发展做出了巨大的贡献。

虽然说日本是软水国家，但是地区差异显着，也有一些地方是硬水。展览展示了从日本各地出售的各种硬度的天然水的塑料瓶，并对可提取水的地形和地质进行了解释和比较。

此外，日本多样的地形和气候，包括低地、高地、亚热带和寒温带，造就了植被的多样性，尤其是蘑菇。全世界已知的蘑菇约有 20,000 种，据说约有 2,500 至 3,000 种分布在日本，其中约 10% 的蘑菇有名称。

在蘑菇展区，我们重点关注的是松露、牛肝菌等在欧美被视为奢侈食品的野生蘑菇，在日本也有分布。它们产量很大，虽然很难想象古代的日本人不知道它们的存在，但它们并没有被用作日本料理的配料。另一方面，日本人喜欢的滑菇和金针菇等粘糊糊的蘑菇在西方国家往往不受欢迎。

有趣的是，以同样的方式出现的蘑菇之间存在着巨大的差异，一方面受到重视，另一方面却被忽视。这样，展览就从延伸到世界各地的角度来阐述“日本食品”的形象进行了多次尝试。

海鲜是日本料理中常用的蛋白质来源。日本吃的海鲜品种据说是世界上最好的之一。日本列岛周围有各种各样的水环境，从流冰覆盖的鄂霍次克海到红树林和海洋的琉球群岛。珊瑚礁。仅日本就有约 4,700 种鱼类。这些种类分布吗？

为了介绍各个物种不同的迁徙路线和栖息地，海鲜展区还准备了互动视频展览。将手放在日本列岛周边海域每个季节出现的各种海鲜的影子上，就会显示该海鲜的信息，成为一种有趣的学习方式。

作为珍贵的展品，东京帝国大学的池田菊苗博士因发现并命名了高汤所代表的美味“鲜味”而闻名，他实际上生产了提取的鲜味成分谷氨酸（“鲜味”）。提到了从海带中提取的 1 号提取物“蒸馏塔米酸”） 。

如今，鲜味已被全球公认为“UMAMI”。鲜味是由池田博士于 1908 年发现的，是不同于人们早已熟知的甜、酸、咸、苦的第五种味道。然而，“高汤”本身是从海带和鲣鱼片等原料中提取谷氨酸、肌苷酸和鸟苷酸等鲜味成分而制成的，其历史更为悠久，早在室町文献中就已出现。时期。高汤的鲜味不依赖于动物脂肪和油，而是带出食材的味道，使其成为日本料理的重要组成部分，而日本料理往往比较清淡，以汤和蔬菜为主。

另外，当你同时品尝氨基酸谷氨酸和核酸类鲜味成分肌苷酸和鸟苷酸时，会出现一种被称为“鲜味协同”的现象，即鲜味明显比不吃时更强。他们被单独消费。这种现象在1960年就被发现了，其机理直到2008年才被阐明，但海带（谷氨酸）和鲣鱼片（肌苷酸）的组合在日本料理中开始流行，据说这是江户时代的事。

高汤的展示让我们一睹先人对食物永不满足的好奇精神，尽管他们不知道鲜味的存在，但他们将自己的经验运用到烹饪中。

卑弥呼和信长吃什么？还有江户时代食谱的复制展示。

会场后半段看点颇多，尤其是第三章《日本料理的起源》，解开了绳文时代至今日本料理的历史，并以卑弥呼等历史人物为主角、织田信长、佩里海军上将、明治天皇。本次展览的亮点之一就是再现名人餐桌的展示。

自奈良时代确立了以米和鱼为中心的日本料理的原始形态，并被认为不洁而避免肉类消费的情况下，它已发展成为素食、本膳、怀石料理等多种形式，但这些都是有限的……这是只能提供给某些地方和职位的人的东西。直到江户时代，日本的饮食文化才取得了长足的进步，知识和技术才传播到民间。据说其背后的主要因素是餐馆的发展、发酵调味料的工厂化生产以及由于识字人口的增加而导致的食谱的传播。

展览中将展出收集了100种豆腐菜肴的俏皮畅销书《豆腐百珍》（1782年），以及因该书的热门而出版的《萝卜烹饪的秘密盒子》，以及主打鸡肉和鸡蛋的“万宝”。查看对日本饮食文化的传播做出贡献的原始食谱书籍，例如使用不同食材的“百林物”烹饪书，以及使用鸡肉和鸡蛋制作的菜肴的食物样本书上介绍的菜谱，就完成了。展览旁边有一个现代版食谱的二维码，所以在家尝试一下可能会很有趣。

第四章《日本料理的真、善、美》中，赏心悦目的视频装置聚焦于日本料理的构成要素，如厨师的生动技艺、炊具的精致造型等。 ，还有我们老祖宗的审美意识，我给你。

文明和启蒙运动到来后，随着西方和中国美食的传入，日本人民开始将他们创造的饮食文化称为“和食”，并意识到了这一概念。历史上，日本成功地融合了外国食材，开发出新的美食，比如日式与西式融合的烹饪方法，以及咖喱饭、那不勒斯意大利面、炸猪排、拉面等日式西餐和中餐。成为日本料理的一大特色。

第五章“我的日本料理”中，通过之前的展览了解了日本料理的制作过程后，其内容旨在让您重新思考什么是日本料理，其定义随着时代的变化而变化。我做到了。

第二会场只有第六章《日本料理的未来》，讲述了日本料理未来将如何变化，指出了乡土料理和传统蔬菜的重要性，并解释了日本料理如何延续因应社会变化而改变，展望未来。在介绍解决粮食问题的尝试和开发技术的区域，我们能够看到罕见的人工孵化的细头鳗幼体。

如今，无论什么季节，都可以订购世界各地的食材，通过互联网可以轻松获得任何国家的食谱。随时随地都可以体验同样的食物、同样的味道……随着同质化食品相关服务的扩张，日本饮食文化的多样性和独特性可能正在消失。然而，有些食材和口味是根植于当地的，如果我们想到改变西餐以适应日式风格和米饭和味噌汤背景的智慧和毅力，我们就忍不住了但想想未来，我觉得我们应该对它的发展抱有很大的希望

如果您通过这次展览加深了对日本列岛多样化的自然环境和人类活动的了解，也许您会发现日常的日本料理味道更加美味。

展览期至2024年2月25日（星期日）。请来参观我们。

“日本料理：日本的自然与人民的智慧”特别展概要

*文章内容截至采访日期（2023年10月27日）。最新信息请关注展会官方网站。

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上野之森美术馆

上野之森美术馆正在举办“莫奈：系列场景”展览，通过《一叠稻草》、《 《睡莲》系列。
展览期限至2024年1月28日。

我参加了活动前的新闻预演，所以我会详细报道一下会场情况。

展出的作品全部是莫奈的作品。与国内外40多家博物馆合作完成的有价值的展览

克劳德·莫奈（1840-1926）是印象派大师。

莫奈对自然光和色彩有着非凡的感觉，他在不同的季节、天气和一天中的时间里观察同一个地方或主题，并在多张画布上创造出一系列不断变化的印象和瞬间的光的运动。他被认为是一位开创了一种称为“系列”的创新表现方法的画家，这在当时是史无前例的。

本次展览是为了纪念1874年印象派诞生150周年（首次印象派展览的举办）而举办的，展出了《稻草堆》、《睡莲》等莫奈的多幅作品。在重点展示一系列有主题的绘画的同时，我们还将介绍印象派之前的作品，例如首次在日本展出的大型肖像画《午餐》 。通过日本国内外40多家博物馆收藏的60多件杰作，可以追溯莫奈的一生，延续着他与时间和光不断的对话。

标志着印象派转折点的早期杰作《午餐》首次在日本展出

展览按时间顺序分为五个章节。

莫奈 1840 年出生于巴黎，在诺曼底的一个港口小镇度过了童年。从15岁左右开始，他就已经成为当地著名的漫画大师，17岁时，在风景画家尤金·布丹的建议下，他开始在户外画风景。

在巴黎接受画家培训后，1865年，他在传统的公共展览沙龙上赢得了两幅风景画，这是当时法国艺术家通往成功的唯一途径，也是最好的市场，他在第一次尝试中就入选了。尽管他首次亮相很成功，但1867年，沙龙的评审标准变得严格和保守，他并没有受到好评。 1870年，他精心准备的作品《午餐》 （1868-69），高度超过230厘米，被拒绝。

在第一章“印象派之前的莫奈”中，莫奈的《午餐》将首次在日本展出，此外还有描绘荷兰水边风景的风景画和肖像画，莫奈从 1871 年逃离荷兰后一直居住在荷兰。普法战争..

《午餐》描绘了后来结婚的卡米尔和因经济原因分居的儿子让开始同居时，餐桌上的随意场景。这是莫奈早期的代表作之一，可以让你体验到难得一见的“黑色”风格，一种说法是，他大胆、粗犷的笔触和鲜艳的色彩是新的表现方式，他把日常场景描绘得几乎没有叙事性，仿佛它们是真实的。伟大的画作。据信，他在大屏幕上绘制这幅画的事实令强调新古典主义的评委感到不满。

以这次拒绝为契机，莫奈远离了艺术风格不同的沙龙，转向了成熟的印象派。

1871年底，莫奈搬到巴黎郊区塞纳河沿岸风景如画的阿让特伊小镇，与到访该地区的马奈和雷诺阿一起致力于绘画。为了寻找新的展示场地，1874年他与战友们在巴黎举办了“第一届印象派画展”。虽然引起了关注，但销量不佳，公司陷入财务困境。此外，1879年，他因病失去了妻子卡米尔，她是他最好的榜样和理解者。

第二章《印象派画家莫奈》展示了莫奈在1870年代和1880年代生活在如此艰苦的环境中，在塞纳河流域各地旅行时创作的各种印象派风景画。 。莫奈喜欢自然风光，尤其是水边景色，而不是快速现代化的城市景观。

大约在这个时候，莫奈模仿风景画家查尔斯·弗朗索瓦·多比尼（Charles-François Daubigny），创造了一艘独特的工作室船，船顶设有小屋，如《莫奈的工作室船》 （1874年）中所描绘的那样。这辆车可以承受户外拍摄带来的恶劣天气，让他可以自由移动，从独特的水上视角捕捉他的许多作品。

尤其让莫奈着迷的是维特伊小村庄的景色，包括它的教堂，俯瞰塞纳河，他反复画这个主题。其中，收藏于南安普敦市美术馆的《维特伊教堂》 （1880）被誉为这一时期的代表作，他在画布上运用了大胆的笔触，试图描绘出可见的时刻，倒映着不断摇曳的水面，亮点是贴得很快。

同一章节中另一件引起我注意的事情是这幅画，与同时期的其他作品相比，它以略为抽象和粗糙的笔触描绘了维特伊荒凉的冬季景观（ 1879）。

另一件以维特伊的自然为主题的作品是《维特伊的春天》 （1880），画中画的是一个女人和一个孩子，看上去是与她同住的奥赫德家族的妻子爱丽丝，是一幅表现力丰富的画作。短而粗的触感，细而短的线条，有节奏的线条如波浪般奔腾，混合着柔和的粉色。

当我比较这两幅作品时，我的印象是后者作为画面显然更加稳定。人们只能想象，春天的温暖到来和亲近之人的出现，也许逐渐抚平了莫奈因失去妻子卡米尔而深感的悲伤。

走向“系列”的想法。一组松散连接的同一主题作品

莫奈因19世纪末铁路网的发展而游历欧洲各地，比起拥挤的度假区，更喜欢荒凉的海滩等自然风光，并在一个地方花了几个月的时间集中绘画。每年重新审视它。

第三章“专注于一个主题”，介绍了捕捉单一景观的多种表达的作品，例如诺曼底的普尔维尔海滩和埃特尔塔的奇怪岩石，这些都让莫奈着迷。

特别有趣的是四件涉及普尔维尔海岸的作品。两幅作品创作于1882年的《普尔维尔悬崖》和15年后创作于1897年的《普尔维尔悬崖》、《早晨》和《普尔维尔海的涟漪》，都描绘了可以看到海岸对面的悬崖。沙滩、大海和天空的构图相似。

不过，1882年的作品明显强调突出的悬崖和礁石作为母题，而1897年的作品则母题较弱，更多地意识到天气、海况和整体氛围的变化，我感觉它是针对我的。

这四幅作品生动地传达了莫奈风格和观点的变化，这只能从这四幅作品在同一个地点历时十多年的时间里完成来看出。

其他作品如《La Manneporte (Etretat)》 (1883)和《La Manneporte in Etretat》 (1886)都是具有一定顺序的作品，给人一种松散的联系感，同一主题的变化。它可以表达为类似的东西。通过这个过程，莫奈产生了创作一系列关于单一主题的绘画的想法。

从第四章“系列画家莫奈”开始，我们终于看到了本次展览的重点“系列”的代表作品。

1883年，42岁的莫奈搬到塞纳河畔的吉维尼，作为他最后的家。莫奈最初以稻草堆为主题，这是该地区秋天常见的景象，但在 1890 年左右，他将多块画布并排排列，并根据天气和时间的光线效果进行创作。创建时时变化的描述。 1891年，他在巴黎杜兰德-鲁埃尔画廊举办了个展，将这些作品作为系列展出，获得了巨大的成功，使他成为法国国内外最重要的画家之一。

这堆稻草被认为是莫奈认真实践系统连续绘画方法的第一个系列。

本次展览的《稻草堆，雪的效果》 （1891）是杜兰德-鲁埃尔画廊1891年展出的15件作品之一。稻草堆被大面积地放置在屏幕前面，几乎处于阴影中的稻草堆与明亮的雪之间形成了美丽的戏剧性对比。

此后，他创作了一系列基于多种主题的作品，从1899年开始，他花了数年时间绘制伦敦的滑铁卢桥和查令十字桥。

《滑铁卢桥》共有41件作品，是伦敦系列作品中最多的，其中三件描绘阴天、黄昏和日落的作品将在场馆展出。

画面中似乎弥漫着潮湿的气氛，每幅画都省略了作为母题的桥梁的细节，柔和的剪影仿佛漂浮在泰晤士河的薄雾中。亮点在于光棱镜所创造的色彩的微妙和谐，就像木版画改变其印刷颜色一样，由于构图相同，色彩表达的独特性脱颖而出。

通过在各种色彩和光线的视觉效果中反复观看单个主题，观众会沉浸在作品中，并能够追溯莫奈本人所经历的“时间”，而这在屏幕上是不存在的。体验它。我相信创造这种身临其境的体验也是莫奈“系列”的目的。

这不仅仅是对光和色彩的简单探索，而是“连续作品”如何共同发挥作用以及它们对观看者产生什么效果，创造出只有通过“连续作品”才能实现的新艺术。莫奈有坚定的意愿这样做。

使莫奈成为“抽象绘画之父”的睡莲

莫奈在吉维尼的家是他理想的最大灵感源泉。我花了很多年的时间设计紫藤和牡丹等季节性花卉盛开的“花园”，以及据说是莫奈的杰作并受到日本花园启发的“水花园”，目的是将它们变成绘画题材。维护。园丁在这个“水上花园”的池塘里种植的睡莲成为了他晚年最伟大的系列作品之一的主题。在第二任妻子爱丽丝和家人的支持下，莫奈继续创作艺术，直到86岁去世，尽管他患有视力障碍。

第五章也是最后一章“睡莲和吉维尼花园”介绍了吉维尼的场景和莫奈喜欢的各种花园场景，包括睡莲。

莫奈于 1897 年夏天开始集中绘画睡莲，即他开始建造池塘四年后， 《睡莲》 （约 1897-98 年）是他在职业生涯初期创作的八幅作品之一。睡莲花朵和叶子的特写构图，靠近池塘表面绘制，形状清晰。引起我注意的是花朵的大胆笔触从远处看时散发出光滑的三维效果。

此时，你可以看到莫奈的目光只集中在睡莲上，黑暗的水面上没有映出池塘周围的树木或天空。随着岁月的流逝，我们的目光聚焦在水面上。随着视力的恶化，他失去了深度，笔触变得更加粗糙，形状、色彩、光线在水面上融为一体，像镜子一样反射着周围的环境，把他变成了一幅抽象画。

这些后来的作品刺激了20世纪中叶的抽象艺术家，莫奈的艺术受到了新的关注和重新评价。

这是一个很有价值的展览，每件作品都是莫奈的代表油画《100%莫奈》，没有任何绘画或底画。这本书推荐给莫奈的初学者，因为它展示了莫奈从印象派之前到晚年的风格变化。请来参观我们。

“莫奈系列场景”概述

※※文章内容截至报道日期（2023/10/19）。请查看官方网站了解最新信息。

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东京国立博物馆

「大和绘」创立于平安时代初期，历经各种变迁而流传下来。

东京国立博物馆即将举办的特别展览“大和绘——代代相传的朝代之美”，追溯了始终创新的大和绘的血统。

本文报道了活动前一天举行的新闻预览。

什么是大和绘？

特别展“大和绘——代代相传的王朝之美”以平安时代以来不断绘制的“大和绘”为中心。
然而，有趣的是“Yamato-e”的概念随着时间的推移发生了很大的变化。

从平安时代到镰仓时代，描绘日本风景和人物的作品被称为“大和绘”，与描绘中国题材的“唐绘”形成鲜明对比，但此后出现了诸如水墨画 基于某种风格的绘画被称为“中国画”，而基于前代传统风格的作品被称为“大和绘”。
换句话说，“大和绘”一直作为与外国绘画相反的概念而存在。

本次展览精选了《大和绘》画作，这些画作继承了王朝美的精髓，同时不断改变着形式，特别是从平安时代到室町时代。

满满的日本艺术“实战教科书”！

本次展览共分为6个章节。

序言：传统与创新——大和画的变迁——
第1章 大和绘的创立——平安时代——
第2章 大和绘的新面貌——镰仓时代——
第3章 大和绘的成熟——南北町和室町时代——
第四章 宫廷绘画谱系
最终章 大和绘与四个季节——代代相传的王朝之美——

通过作品，您可以体验到大和绘与唐绘、中国画等外国艺术的思想和技法反复交涉而独立发展起来的变化，以及各个时期的特点。

这就是日本艺术的王道！教科书般的作品、艺术收藏中熟悉的作品等等汇集在一起，真是一种景象。
总共约245件展品中，70%以上为国宝和重要文化财产，展览中不仅展示了绘画作品，还展示了许多支持大和绘审美的同期作品，例如书法和工艺作品。

其中，被认为“本次展览强烈推荐”的作品之一是重要文化财产“滨松屏风” （东京国立博物馆所有），被誉为最精美的屏风之一。室町时代的大和画。

这是一幅给人非常生动的印象的杰作，许多花草树木叠加在令人眼花缭乱的海滩景观上，从右到左代表季节的变化。据说它是汇集了古代和中世纪大和绘各种元素的“终极大和绘” 。

如果你仔细观察的话，整幅画似乎都散发着暗淡的光芒，但这显然是由于室町时代大和绘独有的技术，其中云母（一种层状硅酸盐矿物）被扫过基地。与后来强调黄金的安土桃山时代不同，它像月夜的暮光一样闪闪发光。不知怎的，你能感受到一部分日本人深厚的美感。

日本画卷史上最优秀的杰作“四大画卷”齐聚一堂。

此外，在众多画卷中，平安时代末期创作的“四大画卷”被誉为最伟大的杰作。
本次展览将展出现存最古老、最伟大的王朝故事绘卷《源氏绘卷物语》，以及《信贵山延吉绘卷》、《万大纳言绘卷》和著名的《长寿吉画》（均为国宝）。我们都会见面。

这是四大画卷之一，被称为“长寿图画” （京都高山寺藏）的国宝。我对2015年在东京国立博物馆举办的人头攒动的超大型展印象深刻，这部作品以其幽默可爱的性质受到了很多人的喜爱。
四时的更替、每月的事件、花鸟山水、各种故事……大和绘描绘了各种各样的主题，而这部《长兽千兆》中描绘的动态动物就是其中之一。它脱颖而出。

本次展览分四个展期（①10月11日（星期三）-10月22日（星期日）➁10月24日（星期二）-11月5日（星期日）③11月7日（星期二）-19日（星期日）④11月21日（星期二）-展览将根据12月3日（周日）进行调整，但四大画卷将于10月11日至22日30年来首次齐聚。
除了这个时期之外，还有被誉为大和绘肖像杰作的三大饰经（久无寺经、平家经、慈光寺经）和神护寺三尊像（传赖朝像、传平重森像、传藤原红像）有许多值得注意的作品，包括古代和中世纪的杰作，例如（都是国宝）相继出现。

负责本次展览的东京国立博物馆策展研究部绘画雕塑部部长土屋贵宏表示：“这是一次作品数量如此之多的展览，即使作品较少也能完成。”超过一半的作品。我想随着展品的变化，你会看到更多的作品。希望你能经常来参观。”
是对观众说的。

《大和绘》的世界在一千多年的历程中不断传承和改变。
请您随时到会场参观、参观。

*每件作品的展出时间请参见官网《展览图录》。

活动概览

*文章内容截至采访时。详细信息可能与最新信息有所差异，请以展会官方网站为准。此外，本文中介绍的作品可能已经展出过。

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东京都美术馆

介绍罗马从建国到近代的美丽历史的“永恒之城罗马”展览在东京都美术馆开幕，重点展示位于市中心的卡比托利欧博物馆的藏品。罗马。展览时间为2023年9月16日星期六至2023年12月10日星期日。

我参观了会场，并将报道展览情况。

卡比托利欧博物馆庆祝罗马辉煌和美丽的历史

卡比托利欧山长期以来一直是罗马人的宗教、政治和文化中心，古代曾有供奉至高神朱庇特和其他诸神的神庙，如今卡比托利欧山是罗马市政厅所在地。卡比托利欧博物馆建在一座小山上，是世界上最古老的博物馆之一。

1471年，文艺复兴时期的教皇西克斯图斯四世在卡比托利欧山向罗马公民捐赠了四尊古代雕塑，目的是激发他们的自尊心，并表明他是古罗马的合法继承人。博物馆成立的结果。它于 1734 年向公众开放，收藏了丰富的罗马出土的古代文物、源自梵蒂冈的雕塑以及罗马显赫家族拥有的艺术品。

本次展览重点展示卡比托利欧博物馆的藏品，涵盖从建国神话到古罗马时代的辉煌，再到艺术达到顶峰的文艺复兴和巴洛克时期，以及从17世纪开始的一切内容。本次展览通过约70件雕塑、绘画和版画介绍了被誉为“永恒之城”的罗马辉煌的历史和艺术。

除了按时间顺序排列的五个章节外，还设有介绍博物馆与日本交流的特别展览，以纪念岩仓使团访问该博物馆150周年。

第一章“罗马建国神话的创造”，解开了据说建城于公元前753年的古罗马的民间传说和神话。起点是著名的著作《卡比托利欧》 “母狼（繁殖）”，可以说是罗马的象征，就被放在那里。

原作是卡比托利欧博物馆的四大古代雕塑之一。据说创建于公元前5世纪。 （展出的作品是后来由罗马市政厅拥有的复制品）

这个故事根据战神马尔斯所生的罗马第一任国王罗慕路斯和女祭司瑞亚·西尔维娅抚养长大的母狼以及弟弟雷穆斯的故事改编而成。诗人维吉尔的史诗《埃涅阿斯纪》取材于罗马建国神话。

原本它只有一只母狼，但在文艺复兴时期，又增加了一尊喝牛奶的双胞胎雕像。母狼睁大的眼睛和皮毛以一种风格而精致的方式表现出来。

母狼哺乳双胞胎的雕像被供奉在罗马城内，随着它作为建国神话的化身与帝国历史一起不断前行，它已成为公共纪念碑和钱币等公共艺术，它影响了各种媒体的图像表达。 《卡比托利欧母狼》是除了后世添加的双胞胎雕像外，可以被认为是标志性作品的现存作品。

第一章中还有许多其他描绘母狼的作品，例如《银德拉克马》和《博尔塞纳之镜》 （公元前 4 世纪），这表明了其作为象征的巨大影响力。

公元前27年以后的帝制时期，肖像画随着帝国的繁荣而发展。罗马皇帝的肖像，表情庄重，写实，不仅起到了宣传手段的作用，还影响了普通公民的私人肖像，据说还普及了各种时尚的服装、姿势和发型。

第二章“古罗马帝国的辉煌”，通过“时代面孔”追溯辉煌时代，其中包括奠定古罗马帝国基础的尤利乌斯·凯撒和奥古斯都的头雕。它传达社会和政治变化。

在这里，卡比托利欧博物馆拥有的两座君士坦丁巨像的碎片以精致的全尺寸复制品展出，令人印象深刻。君士坦丁巨像是教皇西克斯图斯四世向罗马公民捐赠的另一座古代雕塑。

君士坦丁（在位 306-337 年）是罗马帝国最重要的皇帝之一。他被称为第一位重新统一分裂帝国、承认基督教为国教并自己成为信徒的罗马皇帝。

仅头部就有约1.8米高。它的规模让人想起它以前的辉煌。人们认为，凹陷的脸颊、眼下严重的泪袋和嘴角的皱纹是皇帝晚年的写照。虽然表情凝重，但那双微微仰起的眼睛，仿佛眺望远方，令人印象深刻。一种超然的气息，似乎体现了当时人们对皇帝的崇高理想。

除了头部之外，本次展览还重新复制了卢浮宫最近发现的左脚、左手，甚至左手食指。

不要错过隐藏的宝石“卡比托利欧的维纳斯”！

此外，第二章展出的《卡比托利欧的维纳斯》是本次展览最引人注目的作品。

这件 2 世纪的作品以阿佛洛狄忒（希腊爱神，等同于维纳斯）雕像为基础，由伟大的古希腊雕塑家普拉克西特莱斯于公元前 4 世纪创作。

她采取维纳斯雕像典型的羞涩姿势，优美的身体曲线和丰润的肌肤纹理表现得极其美丽迷人。如果仔细看的话，可以看到她的头发在头顶扎成一个蝴蝶结，在颈后扎成一个发髻，然后头发披散成两半，有点像有趣的发型。

该作品与《米洛的维纳斯》（卢浮宫博物馆）、《美第奇的维纳斯》（乌菲兹美术馆）并称为古代维纳斯雕像的杰作。事实上，这是自1752年获得以来，它第三次被带出卡比托利欧博物馆，其中包括被拿破仑领导的法国军队暂时没收的那一次，因此它确实可以说是一件珍品。永远不应该被排除在外。

这是一部必看的作品，不知道以后在日本还有没有机会再看到。

为了这次展览，我们准备了一个特殊的空间，其灵感来自于卡比托利欧博物馆的八角形展览室“维纳斯室”，作品通常在这里展出。同样，地板也是按照博物馆所在地文艺复兴大师米开朗基罗设计的坎皮多利奥广场的图案设计的。

有关米开朗基罗始于 1537 年的城市规划以及标志性博物馆综合体（包括体现罗马城辉煌的广场和建筑）的开发的更多信息，请参阅第 3 章“从博物馆的诞生到米开朗基罗广场” ”这个概念通过绘画和版画被详细介绍。

在第四章“画廊收藏”中，教皇本笃展示了画廊收藏的 13 件作品。

藏品包括活跃于 16 世纪至 18 世纪的画家的杰作，从意大利巴洛克大师 Pietro da Cortona 到不知名作者的作品。它告诉我们当时意大利主流的主题和表达方式，以及引起艺术赞助人兴趣的画作。

自 17 世纪以来，罗马城作为古代遗址和教会建筑的宝库，已成为意大利和国外艺术家（包括通过大巡演）艺术灵感的源泉。

第五章“对艺术之都罗马的向往——幻想与现实的相互作用”，以纪念图拉真皇帝在达契亚战争中胜利的纪念碑为特色，据说这场战争让艺术家和欧洲君主特别着迷。 30米高的古代纪念碑“图拉真柱”的模型正在展出。我们还展示以古罗马艺术为灵感来源创作的作品。

迈森的素釉陶器《爱与普赛克》是一件小作品，长约30厘米，但交织在一起的身体，尤其是让人想起圆圈的手臂排列，轻轻地抱着彼此的头，似乎象征着永恒的爱情。，一时间我被它那迷人的曲线迷住了。

该作品是卡比托利欧博物馆内著名的 2 世纪大理石雕塑“Amor and Psyche”的复制品。 18世纪，随着古代艺术爱好者数量的增加，出现了生产著名古代雕塑的微缩版的新产业和买卖它们的市场，据说市场上有很多这些作品的复制品。

最后一层有一个角落，有一个特别展览“卡比托利欧博物馆与日本”。

150年前的1873年，明治政府派往欧美的岩仓使团参观了卡比托利欧博物馆。他们参观欧美博物馆的经历影响了明治政府的博物馆政策和艺术教育。

展览将展出根据使团成员可能在当地获得的明信片制作的访问报告《美国和欧洲的流通记录》中的插图，以及日本人民的感受的插图19世纪初期，欧洲受到了影响。我们正在介绍一些传达异国情调的想象图画，例如阿兰达法国卡诺加兰图画。

此外，1876年日本第一所艺术教育机构“工学院美术学校”（后来的“工部美术学校”）成立时，邀请意大利教师教授西洋艺术，以著名的雕塑为教材，我引进了石膏像作为模型，其中包括来自日本的石膏像。卡比托利欧博物馆。

作为其历史的证据，学生们被认为复制了创作于公元 2 世纪、现藏于卡比托利欧博物馆的狄俄尼索斯头像，以及一尊基于同一作品并被带到日本的石膏雕像。欧洲女士阿丽安娜的半个身体并排展示。它象征着卡比托利欧与日本之间永恒的联系。

罗马永恒之城展览让您沉浸在罗马宏伟美丽的历史中，这座城市吸引了来自世界各地的艺术家。请来参观我们。

“永恒之城罗马展”概况

*文章内容截至报道时。请查看官方网站了解最新信息。

文章提供： Kokosil Ueno

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东京国立博物馆

“横尾忠则馆山百德”展览将于 2023 年 9 月 12 日在东京上野的东京国立博物馆表庆馆举办。 （活动截止至12月3日）

我们首次展出“观山圣德”系列的102件新作，其中当代艺术家横尾忠则以自己的诠释重构了中国风僧的传统绘画主题。

*关于作品图像…除非另有说明，所有作品均由横尾忠则创作，并属于艺术家的收藏。

地德观山，因逃避现实的行为而成为人们钦佩的对象。

观山和慈德是两位传说中的诗人僧侣，据说生活在中国唐朝。

尽管他是一位受过高等教育的文学家，但他却是一个自由而古怪的人，住在山洞里，用剩下的食物填饱肚子，并发表令人发指的言论。在中国禅宗中，他们的世俗相貌和行为被尊崇为一种觉悟的境界，观山被视为神圣的文殊菩萨的化身，而慈德则被视为普贤菩萨的化身。
在中国和日本，自镰仓时代以来，观山净德就被许多禅僧和文人墨客描绘成传统绘画题材，近代则在森鸥外、夏目漱石的小说中备受推崇。

2019年，日本当代著名艺术家横尾忠则（1936-）首次展出了以观山上德为主题的作品。其灵感源自江户时代奇幻画家曾我翔白的名作《观山长德图》。

此后，他一直潜心创作“关山贞德”系列，以多种方式改变其造型。在COVID-19大流行期间，他避免与外界接触，并在与世隔绝的工作室里全身心投入创作活动，就像关山慈德的隐居所一样。

展出的“观山上德”系列的102件作品，都是专门为本次展览创作的未发表的全新作品。

生产周期从2021年9月开始大约一年。正如横尾本人在本次展览的新闻发布会上所说，“我决定放弃艺术家的身份，成为一名运动员。”带着与年龄不符的强大和挑战精神，他有时一天工作三遍。速度惊人，有时甚至能把点画出来。

超越时空，从图像到图像

观山丈德据说是一位诗人僧侣，传统的表现是观山手持写有中国诗词的卷轴，丈德则手持扫帚清扫寺院花园，但横尾先生创造了自己的解释将卷轴用作卫生纸并将其用作扫帚。它具有幽默感，具有现代更新，例如让用户切换到真空吸尘器。此外，两人坐在马桶上，让人想起马塞尔·杜尚的喷泉，也许与卫生纸有关。

当我在会场走一圈时，我发现每件作品的标题都统一了制作日期，没有任何说明文字。

东京国立博物馆策展研究部研究部主任松岛正人表示，这些展览反映了横尾的愿望。

“横尾先生自己说，他无意在他的每幅作品中传达某种信息或试图传达某种东西。我把从我的身体中产生的东西放在画布上。我希望人们在自由想象和思考的同时观看它。”解释它。”

在许多情况下，一个特定的主题会形成一系列的阶段，例如“红布”。

《2022-03-24》描绘了关山千德和一名女子在红色床垫上休息的场景，这显然是对 19 世纪法国画家爱德华·马奈的名画《草地上的午餐》的戏仿。还有一幅类似的作品，名为《2022-05-01》，与江户时代画家久住森影的《Noryo Screen》一模一样，是博物馆收藏的国宝。

几天后创建的2022-05-05，他像天方夜谭一样，在红色魔毯上快乐地飞翔在天空中。而当我看《2022-05-28》时，就像是哈利波特的世界。也许他们每个人都想自己飞翔，所以他们从红地毯换成了扫帚。

就这样，横尾先生的观山千德雕像与一个又一个的图像联系在一起，像一百张面孔一样变化。

他看起来装扮成阿尔塞纳·卢平或堂吉诃德，但他的身体也变成了一座巨大的山体，看起来像一幅水墨山水画，或者是一种无机的几何形状，让人想起人工智能或机器人。实德观山为所欲为，打扮成女人，融入其中，融入到风景中，让人根本分不清他在哪里。

此外，正如传统绘画主题《四幅睡画》中，他的陪伴不仅有地得六观山，还有他的两位大师武观禅师和虎，以及爱因斯坦、爱伦·坡、大谷翔平等人展示了他的作品。脸。也能窥见东京奥运会、足球世界杯等反映社会状况的作品……

有一个关山地狱的故事，无论时间、地点、大小、现实还是虚构，都可以自由移动。

这些作品的多样性，就好像艺术家的多面性以《Jitoku Kanzan》的形式展现出来一样，是由于横尾自己所说的“物理大脑”。

这部作品的诞生是因为我让身体自由活动，不受风格或承诺的束缚。艺术家时不时的身体表现，比如昨天和今天的月经变化，或者那天映入眼帘的事物，感觉有点像日记。

用因身体不便而获得的“迟钝的身体”开辟自由的新领域

他的许多画作都以柔和的笔触绘制，横尾先生将这种绘画风格称为“Oborotai”。

“Oborotai”原本是指明治时期确立的日本绘画技法，但对于横尾先生来说，“Oborotai”意味着由于2015年患上听力损失的影响，他的视野甚至大脑内部都变得模糊不清。事物之间、梦境与现实之间的界限都变得模糊了。肌腱炎使得画出清晰、有力的线条变得困难。它是通过这些物理变化获得的。

反复的笔触变得模糊的轮廓，时而中和了时空的围墙，时而超越了艺术家的本意，脱离了过去和技术的束缚，给人一种开放的感觉，融化了观者的心。把它给你。

大部分作品都画在F100或F150尺寸的大画布上，令人印象深刻，而且由于没有亚克力盒等遮盖物，可以近距离欣赏笔触和色彩的层次感。
屏幕明亮，使用了红色、黄色等多种温暖的原色，给我一种平和、充满活力的感觉，仿佛卸下了一些肩上的担子。

据说，举办在世艺术家的展览在博物馆历史上是罕见的。为何不在本次展览中体验横尾忠则在 80 多岁开创了新天地的自由世界，这个展览在博物馆中占有特殊的地位？

此外，作为本次展览的相关项目，东京国立博物馆主楼1号特展室还将推出题为《东京国立博物馆的寒山：对传说中的狂风和尚的向往》的专题报道。 2023年9月12日（星期二）至2023年11月5日，持续至星期日。

*凭本次展览门票即可观看。第一期和第二期展览有变动，详情请查看官网。

包括国宝因达拉的《观山净德图》在内，博物馆收藏的经典《观山净德图》都集中在一处进行介绍。追踪《观山上德图》的演变并将其与横尾的最新作品进行比较可能会很有趣。

“横尾忠则观山百德”展

*文章内容截至报道之日。请查看官方网站了解最新信息。

文章提供： Kokosil Ueno

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东京都美术馆

荒木玉名是一位持续从事从版画到装置等广泛表现活动的纽约艺术家，他的首次回顾展将在东京上野的东京都美术馆举办。展览期限至2023年10月9日。

荒木玉名（1970-）1991年从武藏野美术大学短期大学毕业后留学墨西哥，对“光明与黑暗”、“生与死”共存的独特文化着迷。此后，他在墨西哥多次停留期间，通过多种表现形式创作出具有独特世界观的作品，其中包括在当地学习的铜版画、三维作品、装置、动画等技法。

2012年，她将活动基地迁至纽约，迈出了有意识地以移民身份生活的新一步，近年来她对“跨越国界”、“多样性”等主题感兴趣。 “包容。”

本次展览是荒木经惟的首次回顾展。从早期作品到新作品，从手掌大小的三维作品到占据整个楼层的大型装置，约120件品种多样，《记忆的那里》（2023年/首次展出）在这次展览中），受到“上野的回忆”的启发。正在开发丰富的作品集。

展览由四个章节组成。荒木经惟作品的魅力在于其主题和表现方式能够唤起人们的生活和故事，给人一种亲切和怀旧的感觉，同时在日常和非凡之间建立了界限，让你的心仿佛被带到了某个地方。观众被邀请踏上一段穿越世界的神秘之旅。

第一章“旅行的‘开始，开始！’”介绍了比较早期的作品，包括那些以旅行为主题的作品，以及那些以在墨西哥的经历为灵感的作品，我以此为起点进行介绍。

入口处有一件名为《无题》 （1995）的作品，它是由一个音乐盒组成的，观众可以自己转动螺丝。关于这部作品，荒木经惟在一次画廊演讲中评论道，“当一首歌正在播放时，我是抱着一边听着它一边进行想象的旅程的想法来创作它的。”众多空空的相框，预示着即将开始的旅程中的美好邂逅。

展览就像《开始，开始》 （2003）中的帷幕一样开始，一个故事开始了。 《白天》和《夜晚》 （1999）的创作理念是“如果有一个可以随身携带的作品，可以放在我旅行时住的房间的床边，或者火车窗边的小桌子上。” 创作的独特可折叠三维作品。全部采用铜版雕刻技术制成。

以骷髅为主题的《黄色骷髅》(La calavera amarilla) (2005) 和以色彩缤纷的装饰和彩灯迎接死者的《骷髅进行曲》(Una Marcha de los esqueletos) (2004)，您可以感受到墨西哥独特的生死观的影响，例如“太阳”。

《曹诗》 （2005）是一个充满温暖光线的梦幻场景，让人想起灯笼。这个设计的灵感来自于墨西哥穷人浓厚的生活方式，他们过去未经许可从电线杆上拉出电线，用它们来照亮自己的房屋和小吃摊，而用这些灯装饰的街道是如此美丽，看起来非常美丽。就像星空一样，这是一个受这个概念启发的装置。

天花板上悬挂着许多电源线，电源线的末端连接着看起来像房子的小盒子。不仅光的颜色不同，每个小盒子的图案也不同，使用的物品也多种多样，比如荒木经惟在墨西哥喝过的一盒茶、一张巴士票、一张墨西哥摔跤的传单等。 。

混乱国家的形象来自于荒木经惟从涂满色彩的房屋和居住在那里的墨西哥城人民中感受到的“混乱中生存的力量”，不是吗？

请注意，这项工作是一项参与性工作。在展览协调员（支持观看的志愿者，绰号“Kee-jin”）的指导下，观众可以将小盒子连接到他们选择的任何插座上，使它们成为城市景观的一部分。

第二章“柔光中潜伏的黑暗”中，两个装置对称排列，分别表达光明和黑暗。

荒木经惟以他小时候居住的住宅区为形象创作的《内》 （1999）中，大约100个由白色胶合板制成的盒子靠在白色的墙上，类似于住宅区中的房屋。

每个盒子都被随机编号，观众从主持人那里收到一把钥匙，打开与编号相匹配的盒子门。然后，光线从里面溢出，我们开始看到版画中描绘的每个家庭的温馨生活，这在统一的外表下很难想象。

在《家》墙的另一边， 《看不见》 （2011）有着强烈的存在感，一个黑色的、不祥的物体从上方蔓延开来，仿佛将日常生活中的小幸福填满在同一个空间里。工作..

该作品是在2011年东日本大地震之后创作的，视觉上捕捉了当时因核电站事故而感受到的焦虑和厌恶的感觉，其中被称为放射性物质的看不见的危险物质可能会飞来。制作。据说，这些黑色物体是用从墨西哥大量购买的黑色兰花纤维染色，然后将它们卷成饺子，然后粘贴在一起制成的。

第三章“故事的世界，跨越国界的蝴蝶”，全面介绍了荒木经惟的“故事的世界”，可爱而又令人不安，充满了荒木经惟的诗意。

荒木经惟画的人物大多只是剪影，看不到他们的表情。他独自一人在广阔的世界里，有时会面对一些令人恐惧的事情。你看到孤独、自由还是对某事的渴望吗？当我自己和我自己神秘地重叠时，我的记忆被动摇了，不知不觉间，我的思绪似乎被吸收到了作品的世界里。

《NeNe Sol – 最年轻的太阳》是一本以至今仍在墨西哥恰巴斯地区流传的玛雅太阳创造神话为基础的图画书，由荒木经惟先生和 Leñateros Studio 联合制作，版画工作室的成员主要是玛雅土著人。事情。会场内展示了原型版和原版插图。独特的装订看起来像石雕，是由一位墨西哥雕塑家创作的。

2022年，荒木经惟将在东京都美术馆与来自各国的孩子们一起举办名为“我听到民间故事”的工作坊。孩子们体验了用纸浆制作帐篷和蝴蝶形状的图画书，还介绍了来自祖国的民间故事。会场内陈列着当时实际制作的帐篷。

荒木先生对他在墨西哥遇到的帝王蝶很感兴趣，这种蝴蝶像候鸟一样从一个国家迁徙到另一个国家过冬。这件作品的灵感显然来自于帝王蝶将翅膀停在地面上的形象。

这部作品以特朗普执政期间作为移民生活在美国的荒木经惟，以及他对被围墙封锁而无法跨越国界的难民，以及无论怎样都能在世界各地自由迁徙的帝王蝶的思考为基础。的边界。它是叠加的。

此外，由于帐篷是人们暂时停留或避难的地方，荒木经惟透露，这件作品有“人们可以安心躲藏的地方”的意义。

在第四章“上野的地下冒险”中，我们使用了地下三层展览室的整个空间，可以称为博物馆的“那里”（底部），天花板高度为 10 米，为“上野的记忆”创造创意。由此产生的大型装置“记忆的那里” （2023）将装饰本次展览旅程的最后一部分。

在我的研究中，我了解到它成为许多历史事件的舞台，例如日本第一个公园、博物馆和动物园的诞生，关东大地震，东京大空袭，以及战后黑市的出现。战争，吸引了来自各个国家和地区的人们，而荒木先生却被他所居住的上野的混乱所吸引。

中央黑色鸟笼般的巨大物体周围，展示着上野过去和现在的碎片图像，包括荒木经惟本人拍摄的上野照片和描绘上野的浮世绘，一对悬挂着象征“眼睛”的镜子天花板上的光线在揭示埋藏在“下面”（底部）的上野形象方面发挥了作用。

该物体是“一个像笼子一样的空心篮子，吞噬并吐出过去、未来、美丽和琐碎。”该物体的上部看起来像是被一只大手抓着。有些柱子是弯曲的，好像它们是从内部强行推出或从外部撬开的。

对于这个形状，荒木经惟说，“鸟笼和笼子似乎是在保护鸟类，但同时也限制了它们，让它们无法自由飞走，而这个形状就是从这两个方面显现出来的。”他解释道。

对于这次展览，荒木先生说：“我希望很多孩子和年轻人都能够看到它。我希望他们能够走进地下，有一种有点神秘的体验，像在旅行一样享受它。”从地面到上野“那里”的旅程也激起了我对另一段旅程的向往。

一个让人想起荒木经惟感兴趣的跨越国界、多样性和包容性等现代社会跨国家和地区共同主题的展览，将持续至2023年10月9日。

上野《开始，开始》荒木玉名作品展

*文章内容截至报道时。请查看官方网站了解最新信息。

文章提供： Kokosil Ueno

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东京国立博物馆

介绍代表古代墨西哥的三大文明宝藏的特别展览“古代墨西哥 – 玛雅、阿兹特克、特奥蒂瓦坎”将于2023年6月16日星期五至2023年9月3日星期日在东京国立博物馆举办。在博物馆（东京上野）举行。

本次展览将以代表中美洲的三大文明（玛雅文明、阿兹特克文明和特奥蒂瓦坎文明，这些文明共享文化元素，并在墨西哥和中美洲部分地区繁荣发展，直至16世纪西班牙入侵）为重点。

介绍了从墨西哥各大博物馆精心挑选的铭文、浮雕、考古文物等约140件珍贵出土文物以及近期的发掘成果。我们将探索墨西哥古代文明的深度和魅力，例如多样化的自然环境所创造的独特的世界观和造型之美。

展览分为四个章节：“古代墨西哥的邀请”、“特奥蒂瓦坎：众神之城”、“玛雅：城邦的兴衰”、“阿兹特克：特诺奇蒂特兰神庙”。

第一章“古代墨西哥的邀请”

第一章“古代墨西哥的邀请”是基于三个文明共同主题的作品的横断面展览，例如“玉米”、“天体和日历”、“球类运动”和“活人祭祀” ，”以及各个文明遗迹的图片。是介绍性的部分，通过它传达了整个古墨西哥的世界观。

在这里，公元前1500年左右在墨西哥湾兴起的中美洲的根源是奥尔梅克文明，它继承了后来的中美洲文明的各种要素，例如主权概念和与仪式相关的许多神。作品《奥尔梅克风格》石像”表明存在

第2章“特奥蒂瓦坎众神之城”

第二章“特奥蒂瓦坎：众神之城”讲述了从公元前 100 年到公元 550 年繁荣的特奥蒂瓦坎文明。

基于当时人们所信仰的宇宙世界观，特奥蒂瓦坎是一座以“死亡大道”为中心，集金字塔、仪式大厅、宫殿式建筑和严谨的住宅群于一体的国家主导城市。是一座规划城市和一座大型宗教城市。最近的研究表明，那里居住着多达10万人，但所使用的语言和文字尚未弄清楚，它仍然是一个充满许多谜团的文明。

在这里，我们介绍代表特奥蒂瓦坎的三座金字塔：太阳金字塔、月亮金字塔和羽蛇金字塔，以及从它们周围出土的作品。

陈列室中央暴露的“死亡圆盘石雕”是1964年在特奥蒂瓦坎最大的金字塔——太阳金字塔前的广场上挖掘出来的。
这是一座直径超过1m的石雕，像光环一样放射状扩散的图案和从头骨口中伸出的舌头令人印象深刻。在中美洲，日落代表死亡，日出代表重生。

其中最具存在感的展品是羽蛇神石雕和西帕克特里头饰石雕。
这是覆盖羽蛇金字塔四壁的大型石雕的一部分，羽蛇金字塔是城堡的中央寺庙，是一座边长 400m 的大型仪式大厅。据说它代表了象征维纳斯和力量的羽蛇神的头饰，以及象征着时间（日历）开始的造物主湿婆赫特里（Shivakhtri）的头饰。

在会场，装置的设计是为了让您可以看到这些石雕如何从金字塔中突出。

羽蛇神的波浪形身体上反复雕刻着西帕克特里头饰的图案，因此整个羽蛇金字塔是中美洲第一座代表神圣王权和加冕的纪念碑。

羽蛇金字塔下深15m 、长103m的隧道中出土的文物中，以蜗牛壳尖端制成的乐器喇叭最为引人注目。该作品的图像风格和内容与玛雅宗教中心的图像相似，而特奥蒂瓦坎没有这种图像。

特奥蒂瓦坎居住地的墓体中埋藏着一件动物形状的陶器，上面有贝壳等华丽的装饰，挖掘者将其命名为“一只奇怪的鸭子”。由于它与许多贝类产品一起被发现，因此被认为是与墨西哥湾进行贸易的贝类商人有关的陪葬品。

“喇叭”、“鸟陶”等展品告诉我们，特奥蒂瓦坎是一个多民族的城市，贸易和市场经济活动蓬勃发展。

此外，让你想象特奥蒂瓦坎生活的壁画和陶器也很有趣。
在许多公寓大楼和仪式设施中都可以看到彩色壁画，例如“风暴神壁画” ，据说它代表了特奥蒂瓦坎的主要神灵之一，风暴神或雨神特拉洛克。

此外，从民居废墟中出土的许多香炉，都是根据用途重新排列各种装饰品而制成的。展出的“香炉”被认为是用于为死去的战士举行安魂仪式，其图案是箭头和盾牌等。

第三章“玛雅城邦的兴衰”

第三章“玛雅城邦的兴衰”介绍了玛雅文明的文化和朝代，玛雅文明从公元前1200年左右到16世纪在尤卡坦半岛周围蓬勃发展。该部分是本次展览中作品数量最多的部分。

据说，玛雅人在公元一世纪左右建立了一个具有独特文化和治理形式的王朝。但政治上却从未统一，通过无数城市之间的贸易和外交使团的进出等友好往来，有时还会发生争夺霸权的战争，形成了一个庞大的网络社会。出土的物品传达了玛雅地区的各种趋势。

帕伦克是玛雅森林城市之一，这是一座中等规模的城市，于公元 400 至 800 年间在西部地区繁荣发展。尤其是在日本首次展出的红皇后（Reina Roja）墓中出土的文物，是本次展览的亮点之一，被誉为王朝艺术杰作。

帕伦克是一座艺术之城，以其精致的建筑、雕塑和铭文而闻名，其黄金时代是国王 Kinichi Hanab Pakal（615-683 年）统治时期。
据说，帕卡尔国王在通过外交和战争加强帕伦克影响力的同时，也着力扩建王宫，使其成为玛雅地区最宏伟的建筑之一。他的遗体被安置在一座名为铭文神庙的陵墓中，据说是由巴卡尔国王亲自设计的。

这具尸体被称为“红皇后（Reina Roja）”，于 1994 年在铭文神庙旁边的第 13 号神庙中被发现。它的俗名来自于它被埋葬时覆盖着鲜红色的朱砂（水银红色）。调查结果显示，此人极有可能是巴卡尔国王的妻子伊什·查库布·阿豪(Ish Tsakub Ahau)。

会场内，“红皇后”的12件陪葬品被贴在人体模型上，在受13号神庙石室启发的空间中再现了埋葬状态。 “红皇后面具”是用小块孔雀石制成的，眼睛用黑曜石做，眼白用白翡翠做。

虽然照片中没有出现，但在项链、王冠等精美随葬品中，有一根不起眼的小“针”静静地陈列在人体模型旁边，引起了我的注意。看起来可能很奇怪，纺纱和编织是所有社会阶层的妇女都会做的活动之一，而针也是“红皇后”每天使用的，并且被认为是来世所必需的。是
他们不仅根据自己的身份来打扮，而且还同情自己或周围人的真实愿望，他们说：“我想要没有麻烦的生活。”

复制品展览旁边还播放了“红皇后”发掘调查的视频资料。

此外，在帕伦克王宫遗址发现的96字石版画展览上，我们得以彻底领略到如诗如画、造型优美的玛雅文字。

玛雅文字是一种由语标和音节文字组成的神秘语言，目前大约有700个字符和据说有数万个组织的各种组合正在被阐明。人们认为人的行为再现了神灵和祖先的行为，因此文字主要用来记录国王和国家的历史以及宫廷仪式。
这部作品还记录了帕伦克国王的即位日期和准确日期。

与日本一样，书法不仅用于传达信息，而且在玛雅人中也被视为艺术品。

在帕伦克等许多城市衰落之后，900年前后成为尤卡坦半岛北部玛雅地区最大城市的车臣伊察出土的文物也值得一看。
其中《木炭雕像》是我看完解说后觉得本次展览最恐怖的作品。雕像的腹部有一个类似盘子的东西，里面可能放着祭品，有时是从活人祭品上取下的心脏……

在这次展览中，出现了许多“牺牲”、“人祭”等令人恐惧的关键词。这些奇特的做法在中美洲已经持续了 3000 多年，现代人可能会对它们的残忍行为感到惊讶。

然而，这不仅仅是一种不人道的仪式行为，所有生命形式的诞生和运转都是通过神的工作和牺牲而实现的，这源于原住民的道德观念，他们认为必须坚持原则。人们普遍向上帝和自然祈祷。

第四章“阿兹特克特诺奇蒂特兰大神庙”

第四章“阿兹特克特诺奇蒂特兰神庙”是阿兹特克特诺奇蒂特兰王国（今墨西哥）的一座大城市，于 1325 年由母语为纳瓦特尔语的人们在墨西哥中部高地特斯科科湖的一个岛上建立，例如墨西加城）出土的物品。鼎盛时期人口超过20万，一直繁荣到1521年落入西班牙手中。

顺便说一句，在墨西哥中部高地，文明按照特奥蒂瓦坎⇒托尔特克⇒阿兹特克的顺序兴衰。 “特奥蒂瓦坎”这个名字在纳瓦特尔语中意为“众神之城”，是由发现该遗迹的阿兹特克王国的墨西加人命名的。

阿兹特克人通过军事力量和朝贡制度增强了国家实力，在建筑和绘画尤其是雕塑方面带来了惊人的发展。特诺奇蒂特兰是阿兹特克人集中财富的地方，据说创造了历史上独一无二的创意环境，国内外艺术家分享技术、品味和传统。

勇敢的“雄鹰战士雕像”传达了特诺奇蒂特兰的一部分创意之美。

特诺奇蒂特兰的中心矗立着大神庙，这是两座雄伟的金字塔形神庙，供奉着太阳神和战争之神维齐洛波奇特利以及雨神和大地之神特拉洛克。这件作品是在大神庙北侧的“鹰屋”中发现的。真人大小且功能强大。

许多专家认为他们是国王直接控制下的“雄鹰军团”的战士，在战争和宗教中发挥了重要作用，似乎仍然有各种理论认为它代表了洛波奇托里的出现。

展出的许多雕塑代表了阿兹特克人崇拜的神灵。

“特拉洛克神的花瓶”以其凸出的眼睛和明亮的蓝色令人印象深刻。
中美洲是一个农业社会，据说几个世纪以来一直痴迷于控制降雨。因此，祈祷、祭品和儿童祭祀都献给特拉洛克，雨神和“给予者”，他提供了植物发芽所需的一切。

据信，这件作品包含了祈雨和丰收的愿望，因为储水的罐子上装饰着神灵特拉洛克（Tralok）。

其中一件展品是一个由绿色蛇纹岩制成的“面具” ，它与第二章特奥蒂瓦坎展览中介绍的“马赛克雕像”有着相似的氛围。事实上，这是从特奥蒂瓦坎废墟中出土的面具，经过墨西哥人的打磨，并沾上了眼睛和耳环。

据说，包括梅西卡在内的后古典时期晚期（1250-1521）的人们挖出了过去的文明，并将它们作为具有神奇力量的神圣物质奉献给他们的寺庙。这个展览的有趣之处之一就是你可以感受到这些联系。

展览最后，中美洲罕见的黄金制成的吊坠、耳环、权杖状饰品一次性展出，展示了大神庙的最新发掘成果。

会场上，我们对展览空间的制作很讲究，比如传达古城遗址魅力的视频素材和写实的再现展览，光是走动就能感受到古墨西哥的氛围。展品之间的距离较宽，易于欣赏也是一个优点。

顺便说一句，目前场馆内所有展品都允许拍照，仅供个人使用。 （今后有可能取消或变更，详情请参阅馆内信息及官方网站。）

特展“古墨西哥”探索了古墨西哥文化传统的深度和魅力，这些文化传统仍然被生活在这片土地上的人们所传承。活动将持续至2023年9月3日（周日）。

“古墨西哥：玛雅、阿兹特克和特奥蒂瓦坎”特展概览

*文章内容截至采访日期（2023年6月15日）。请查看官方网站了解最新信息。

文章提供： kokosil Ueno

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上野之森美术馆

一个独特的恐龙展览，只收集以绘画为中心的恐龙艺术，而不是化石和骨骼标本，特别展览“恐龙图画书-想象/创造失落的世界”将于2023年5月31日（星期三）-7在上野皇家博物馆 3 月 22 日星期六。

此次展览因展出20世纪最伟大的两位恐龙画作查尔斯·R·奈特（Charles R. Knight）和兹德内克·布里安德（Zdenek Briand）的大量作品而备受关注。报告场地状况。

当我们想到恐龙展览时，我们通常会想到以化石和骨骼标本为中心的展品，但在这次展览中，我们根据化石等科学证据来绘制恐龙等古生物，这些材料通常放在这些材料旁边。生态重建图=“Paleoart” 。

恐龙在大约250至6600万年前的中生代统治着地球，19世纪上半叶随着化石的发掘，通过生态重建图被公众所认识。此后，众多学者与艺术家携手努力，试图再现远古时期充满浪漫色彩的远古生物的面貌。

场馆内将展出约150件从世界各地收藏的古艺术作品，从早期绘制的奇特重建图画到当代艺术家根据最新研究成果创作的杰作。

从“发现”恐龙到今天的200年里，我们将随着每次新发现的科学基础的变化，追踪恐龙（古生物学）的表达方式是如何变化的。

第一章《恐龙的诞生——黎明的怪怪》

展览由四个章节组成。第一章“恐龙的诞生——黎明的怪怪”介绍了19世纪“发现”恐龙后不久，用有限的知识创作的一组作品。您可以欣赏到与我们想象中的恐龙相差甚远的独特外观。

首先是石版画《Douria Antiquiol（古代多塞特）》 （1830年），根据地质学家亨利·德拉·比奇的原画创作，据说是历史上第一批还原古生物生态的画作之一。 。

该作品是一位女性化石收藏家，因在英格兰南部多塞特郡发现恐龙之前的鱼龙和蛇颈龙等海洋爬行动物，为19世纪古生物学的发展做出了贡献，为纪念玛丽的成就而制作安宁.

它位于多塞特郡的史前海岸，充满了安宁发现的古代生物。人们的注意力被吸引到屏幕右侧，鱼龙似乎正在咬住蛇颈龙细细的脖子。

本次展览的组织者冈本博树（神户设计大学教授、兵库县立美术馆前馆长）表示：“从现代研究来看，很难想象鱼龙会攻击蛇颈龙。它传达了一种图像一个更加强大的掠食者。”

此外，本次展览重点介绍与斑龙一起“发现”的第一个恐龙——禽龙的形象演变。

被称为“恐龙发现者”的英国医生兼业余地质学家吉迪恩·曼特尔（Gideon Mantell）于1825年将其命名为“Iguanodon”（鬣蜥牙），因为它的牙齿与现代爬行动物鬣蜥相似。看来这种生物最初是想象成一只巨大的鬣蜥。

禽龙的早期例子是乔治·沙夫的《重建爬行动物》 （1833），描绘了一只异常巨大的禽龙，它巨大的身体在地面上爬行，长长的蛇状尾巴起伏着。

然而，如果你看看1853年左右制作的水晶宫禽龙雕塑，形象发生了微小的变化。禽龙的四条腿像大象和犀牛等哺乳动物一样，从身体直接下降到地面。

它是在当时最有影响力的英国古生物学家、 “恐龙”一词的创造者理查德·欧文的指导下创建的。冈本表示，这种物理特征是目前对恐龙的定义之一。

此外，1878-80年在比利时煤矿发现近乎完美的禽龙化石，极大地修正了自曼特尔发现以来传播了近50年的禽龙重建形象。原来，它正在竖起上半身，之前被认为是鼻角的骨头实际上是前肢上的拇指尖刺。

近 100 年来，禽龙在古艺术中被描绘成一种前肢长有锋利尖刺的双足生物。在接下来的第2章和第4章中，您可以看到描绘禽龙在这种方式下“进化”的外观的作品。

此外，在第一章中，那些外表和行为都像人类的怪异恐龙，对受到攻击的朋友感到厌恶并撤退，或者像怪物电影一样在居民区里走来走去。有趣的是，还有更多描绘恐龙的作品，比如故事画比修复画更重要。可见当时人们对恐龙的蓬松认知和丰富的想象力。

第二章“经典恐龙形象的确立与普及”

第二章“古典恐龙雕像的建立与普及”介绍了19世纪末至20世纪中叶古艺术黄金时代的作品， Charles R.和Zdeněk Briand用了大量篇幅。

恐龙发掘和研究的舞台逐渐从欧洲转向北美大陆，从1870年代到1890年代，两位古生物学家围绕恐龙化石的发现展开了一场被称为“骨战”的激烈较量。结果，发现了剑龙和三角龙等多种恐龙，揭示了生活在中生代的动物的多样性。

查尔斯·R·奈特（Charles R. Knight ，1874-1953）是一位美国古生物学画家，他对新恐龙的现实可视化做出了最大贡献，揭开了未知的面纱并使之普及。

奈特同时也是一名野生动物画家，留下了近1000幅活体动物的画作，人们相信通过这种活动培养的观察眼睛和生物知识对古艺术的创作很有用。

奈特的写实风景画，以及其中放置的恐龙和灭绝生物的生动形象，在解剖学和自然环境描绘方面都在当时非常出色，很快就受到了大众和专家的关注。他的作品对电影文化产生了影响，如电影《失落的世界》（1925年）和《金刚》（1933年）。

在奈特的作品展览中，不能忽视他最伟大的杰作之一《白垩纪-蒙大拿》（Cretaceous-Montana ，1928），这是菲尔德自然历史博物馆壁画的草图之一。

《白垩纪-蒙大拿》是一部定格了恐龙世界明星之间的竞争形象“霸王龙与三角龙”的不朽作品，并作为恐龙画本身的象征作品而广为人知。这种紧张的构图被后来的很多艺术家模仿和改编，而且经常出现在电影、漫画等娱乐界，所以很多人应该都至少看过一次。我被深深地感动了，这就是原作。

另一方面，来自捷克斯洛伐克（现捷克共和国）的画家兹德内克·布赖恩（ Zdenek Brian ，1905-1981）在奈特之后的一代人中受到欢迎。

尽管奈特的作品与前一个时代不切实际的古艺术背道而驰，但布莱恩德也是一位出色的画家。他的作品基于欧洲艺术现实主义的传统，具有很强的说服力，如果你告诉你他亲眼所见并画了它，你可能会相信。

看看布莱恩画的古生物，它们天生就有体温，一看就知道它们是活物。

布里安德的作品以代表作《上个世纪的断裂》（1956年）等书籍在世界各地广受欢迎，并在20世纪60年代和1970年代在日本的儿童百科全书和儿童读物中被大量转载和复制。对一个时代恐龙形象的树立起了决定性的作用。正因如此，这一时期沉迷于恐龙百科全书的那一代人可能会发现很多让他们感觉在哪里见过的作品。

过去，无法从化石中确定恐龙的颜色，因此艺术家们用自己的猜测给它们上色，这种对比给人留下了强烈的印象。 《Antrodemus Valens and Stegosaurus Stenopus》 （1950）中的剑龙可能是该图像的来源之一。我能够意识到布莱恩的影响力有多大。

本次展览汇集了18件布莱恩德的珍贵作品。这是最大的吸引力。

此外，在同一章中，我们还可以欣赏到作为“爬树恐龙”而受欢迎的剑齿龙过去的雄伟身姿，但后来发现，作为研究基础的修复本身，错了。

第3章“日本接待恐龙的历史”

在欧美确立的恐龙形象于19世纪末进入日本。第三章“日本接受恐龙的历史”改变方向，介绍了植根于明治至昭和时代日本文化历史中的恐龙。除了科普杂志、儿童漫画以及柯南道尔的《失落的世界》（1912）等经典科幻小说译本外，还展出了软胶娃娃和模仿恐龙的石膏雕像等玩具。

此外，他还解释了恐龙在一般艺术领域（即所谓的美术）中的象征意义，其目的不是真实地再现恐龙。 （还收录了从平成到令和的部分作品）

福泽一郎将超现实主义带到了日本，创作了许多讽刺社会和文明批评的作品，福泽一郎的《爬行动物受感染与爬行动物灭亡》 （1974）以其大胆的恐龙四肢构图而有趣。蔚蓝的天空和夕阳的强烈色彩对比、曾经繁荣昌盛的巨型生物的短暂出现、以及蜂拥而至的小型哺乳动物的出现，据说都是在讽刺日本的派系政治。

筱原爱的《从摇篮到坟场》 （2010-2011），让我们想起西方绘画中“死亡与少女”的传统形象，无论女孩多么美丽，都无法逃脱衰老和死亡；浩富士《侏罗纪塑料》（2023） ，提醒我们塑料的原料石油，原本是恐龙等生物的化石，同时考虑到大量生产和大量消费的问题）等，都是规模宏大、值得一看的。

第4章“基于科学知识的图像重建”

第四章“基于科学知识的图像重建”，话题又回到了恐龙图像的变化。 20世纪60年代到1970年代的恐龙研究掀起了一场被称为“恐龙文艺复兴”的革命，提出了恐龙是“活跃的温血动物”而不是之前认为的缓慢的变温动物的观点，恐龙雕像也被大幅重新设计。一件又一件表现新恐龙出现的作品诞生了。

展览中，即使在奇幻艺术领域也拥有邪教般人气的插画家威廉·斯托特（ William Stout ）和曾参与电影《侏罗纪公园》三维模型制作的迈克尔·图西克（Michael Tursic），以及准确而有力的笔触，基于艺术解剖学的恐龙。自 1960 年以来出现的才华横溢的古艺术家的各种作品将参加比赛，例如现代日本古生物修复绘画的领军艺术家小田隆 ( Takashi Oda )。

当代艺术家正在让恐龙敏捷地移动。约翰·宾登 (John Bindon) 的《风暴前线》 (1996) 中，暴龙以极快的速度奔跑，同时溅起水花；格雷戈里·保罗 (Gregory Paul ) 的《七七八和索罗》似乎捕捉到了恐龙开始移动的瞬间。与第二章中看到的恐龙相比， Lunithoides (1989) 和其他人具有不同的活力感。

我的感觉是作品的个性也很强。道格拉斯·亨德森（Douglas Henderson）的作品美得令人惊叹，抒情的粉彩，精确地表达了古代世界的光线和空气，就像在看一本高品质的写真集。

虽然许多画家关注的是恐龙本身，但亨德森却有强烈的倾向将恐龙与它们当时生活的环境一起描绘。我画画时要让它融入风景而不需聚焦。

我完全被这个巧妙的构图所吸引，它与常见的记忆重叠，比如当我试图拍摄日落时，不小心捕捉到一只鸟，或者当我在森林里散步时，在树的深处发现了一只松鼠。

随着学术知识的增加，“恐龙百科全书-想象/失落世界的创造”特展将持续至2023年7月22日星期六。当然，内容会激起古代世界的浪漫，这是一个难得的机会来看到跨越时代的古艺术，所以请看看。

“恐龙百科全书——失落世界的想象/创造”特展概览

※※文章内容截至采访日（2023年5月30日）。请查看官方网站了解最新信息。

文章提供： kokosil Ueno

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