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国立西方艺术博物馆

立陶宛著名艺术家米卡洛尤斯·康斯坦丁纳斯·丘尔廖尼斯（1875–1911）的大型回顾展“丘尔廖尼斯展览：内在星图”目前正在日本国立西洋美术馆举行。这是34年来日本举办的首个大型回顾展。展览将持续至2026年6月14日（星期日）。

*所有展出的作品均出自 Mikaloyus Constantinas Čiurlionis 之手，均来自立陶宛考纳斯国家艺术博物馆 (MK Čiurlionis) 的收藏。

20世纪初，丘尔廖尼斯在绘画和音乐方面都展现出非凡的才华，为现代立陶宛文化奠定了基础。在他短暂的35年人生中，仅用了大约六年的艺术生涯，就创作了300多幅作品。

他的艺术形成于俄罗斯帝国统治时期和立陶宛民族解放运动之中，根植于独特的立陶宛文化，并从该国丰富的自然风光、历史和古老的民间传说中汲取灵感。与此同时，他对神智学和天文学也颇感兴趣，不断深入思考人类精神世界和宇宙奥秘。他以融合象征主义和抽象绘画的独特表达方式而闻名，其创新手法，特别是将音乐形式融入绘画结构，源于他作为作曲家的敏锐感知，巩固了他如今的艺术声誉。

为纪念他诞辰 150 周年，立陶宛举办了此次展览，展出了来自立陶宛考纳斯 M. K. Čiurlionis 国家艺术博物馆收藏的约 80 幅代表性绘画、版画和素描作品。

 展览分为三个章节，外加序言和尾声，序言介绍了丘尔廖尼斯艺术生涯的起点。

丘尔廖尼斯于1875年出生于立陶宛南部一个普通的家庭，自幼便在身为管风琴家的父亲的指导下展现出音乐天赋。1894年，18岁的他进入邻国波兰的华沙音乐学院学习作曲。他在那里磨练技艺直至1901年，创作了包括其代表作交响诗《在森林里》在内的多部音乐作品。之后，他前往德国莱比锡皇家音乐学院深造，直到1902年左右才开始认真追求他长久以来的绘画梦想。

据说他早期的画作强烈体现了象征主义风格，但可惜的是，大部分作品都已遗失。 《森林中的低语》 （1904年）是他于1904年进入新成立的华沙美术学院就读一年级时创作的一幅珍贵的幸存作品。

画中，一只如薄雾般朦胧的手出现在一片树林前，树林矗立在一片神秘幽暗的森林中。将其与前一年创作的同主题明信片进行比较，便能更清晰地看出树木的形态如何与竖琴的琴弦交织，森林的低语如何与拨动琴弦的声音相融合。这幅作品已强烈地体现了丘尔廖尼斯绘画中日后将成为其标志性特征的音乐感性。

第一章“自然的韵律”追溯了丘尔廖尼斯笔下的自然景象。

在华沙生活期间，丘尔廖尼斯丰富的自然环境一直是其艺术创作的灵感源泉。然而，他的画作很少描绘写实的风景；他主要关注的是自然界的动态变化。他以抽象的、有时甚至是拟人化的方式捕捉自然界固有的韵律和循环过程，并赋予它们抒情性和象征意义。

这些兴趣最终促成了一系列以自然为主题的作品，例如四季更迭。在他最早的系列作品《闪光》 （1906年）中，由三幅作品组成，展现了一幅奇幻的画面：夜幕降临，一簇光芒从灰色的烟雾中涌现，排成一列移动，最终仿佛被风引导一般，出现在一扇蓝色大门前。

乍看之下，这道闪光或许会让人联想到萤火虫的生物发光等自然现象。然而，对于丘尔廖尼斯而言，“门”是一个至关重要的主题，它象征着现实与幻想、可见与不可见之间的界限，或许也是通往精神维度的入口，或是灵魂的通道。考虑到这些因素，它也可以被解读为暗示着某种根本性的东西，例如精神或灵魂，通过这道门发生转变的过程。

此外，当周围许多画家专注于描绘冬季宁静而忧郁的一面时，丘尔廖尼斯却试图将冬季内在的力量及其活力视觉化。在他创作的八幅系列画作《冬季》 （1907）中，他始终以树木——生命的象征——为主要主题，在冬季自然界的种种景象中，以不同的形态描绘树木。

该系列作品描绘了矗立在雪原中的树木，它们被坚硬的冰块包裹，有时呈现出生与死、希望与绝望等对比鲜明的概念，有时又象征着烛台，暗示着神圣的启示。随着积雪融化，万物复苏，所有元素——树木、雪花等等——都简化为由星形和矩形组成的几何图形，最终以一种展现冬季固有顽强生命力的方式结束了整个系列。

第二章“交响画”终于探讨了丘尔廖尼斯尝试将绘画和音乐融合在一起的主题。

1907年至1909年间，丘尔廖尼斯对这一主题进行了深入而系统的探索。当时，受波德莱尔、瓦格纳和尼采思想的影响，绘画与音乐融合的潮流在欧洲画家中兴起。然而，尽管许多画家对通过色彩表达通感音乐感兴趣，丘尔廖尼斯却以其作曲家的独特视角，将音乐本身的结构应用于绘画。这正是丘尔廖尼斯在现代艺术史上占据独特地位的原因。

在双联画《前奏曲，赋格曲》 （1908 年）中，前奏曲被用作赋格曲的引子，赋格曲是一种复调音乐形式，其中多个声部（部分）模仿和追求一个主题。

在《序曲》中，漂浮在屏幕中央的金色船只立刻吸引了人们的目光，但值得注意的是，屏幕右下角低着头坐着的人影，一只手向上指着，以及塔状的轮廓，一直延续到《赋格》的下半部分。

在接下来的“赋格”中，除了前述的主题之外，杉树也成为了画面的中心。乍看之下，这似乎是一幅宁静的湖畔景象，但仔细观察后，会发现杉树的影像与其在水面上的倒影之间存在着不协调之处。在这里，每个主题都遵循赋格的结构，以微妙的形式和色彩变化重复出现，并通过规模和稀疏度的变化来唤起音乐性。

正如这幅作品所示，丘尔廖尼斯摒弃了传统的基于透视的具象空间，转而采用多层水平分割的图层构建图像。然后，他借鉴了复调音乐（一种作曲技巧，例如赋格）中多条独立旋律同时和谐进行的方式，使每一层都产生共鸣，成功地以视觉方式呈现了复调音乐的意境。

此外，丘尔廖尼斯将奏鸣曲式引入绘画领域，一生创作了七个系列的宏大作品。本次展览展出了其中的三幅作品： 《第三奏鸣曲（蛇奏鸣曲）》、《第五奏鸣曲（海奏鸣曲）》和《第六奏鸣曲（星奏鸣曲）》 （均创作于1908年）。该系列作品的每个乐章都以速度命名，《第五奏鸣曲（海奏鸣曲）》由三个乐章组成：快板、行板和终曲。

在由规则水平层叠构成的“快板”乐章中，大海被描绘成一首音符跳跃的乐谱，波浪、泡沫和金色的颗粒沿着海岸扩散，构成了一幅生机勃勃的旋律。在接下来的“行板”乐章中，波浪的运动变得更加舒缓。在宁静的氛围中，目光沉入一个水下王国，立陶宛神话的意象在那里交织。而在“终曲”乐章中，泡沫和帆船等意象与振奋人心的波浪节奏汇聚，最终走向戏剧性的结局。

这幅作品是丘尔廖尼斯与未婚妻索菲亚在波罗的海度假胜地度过暑假时构思并创作的，有人认为其欢快的氛围正是他个人幸福的表达。此外，有人指出，《终曲》中巨浪的意象受到了葛饰北斋《富岳三十六景》中《神奈川冲浪里》的影响。（※此作品目前正在同期举办的“北斋：富岳三十六景——井之内收藏展”中展出。）

大海象征着永恒和生命的轮回，波浪的重复本身就蕴含着音乐的韵律，这深深地触动了丘尔廖尼斯的情感，并成为他交响诗和散文诗的主题。在本章节的展厅中，钢琴交响诗《大海》作为背景音乐播放，同时展出的还有《大海》的乐谱手稿。您将能够从多个角度探索丘尔廖尼斯如何细致地聆听自然的存在，并将自然的旋律“转录”到他的作品中。

第三章“献给立陶宛的幻想曲”着重描写了立陶宛民族性格，同时介绍了丘尔廖尼斯成熟时期的作品。

1904-1905年日俄战争和第一次俄国革命爆发后，立陶宛的民族解放运动迅速发展。作为立陶宛艺术界的领军人物之一，丘尔廖尼斯也投身于这场运动，创作了一系列散文集，这些散文集既是立陶宛文化的精神宣言，也是立陶宛民歌集的插图。其核心理念是，重新审视地方民间传说、民歌和手工艺——这些都是民族文化的重要组成部分——对于重塑失去的民族认同和构建独特的立陶宛艺术风格至关重要。

另一方面，民族文化也为丘尔廖尼斯的创作提供了丰富的灵感来源。例如，出现在《立陶宛公墓》 （1909年）中的十字架是该国的代表性图案之一，体现了立陶宛人民对独立的渴望。

在这幅作品中，天空以蛋彩画特有的半透明蓝绿色调为基础，闪耀着北斗七星的光芒，象征着灵魂的指引之光；十字架的轮廓则有节奏地排列在地面上。这些十字架融合了立陶宛传统的自然崇拜和祖先崇拜，以及14世纪被确立为国教的基督教的象征符号，其设计别具匠心，并饰以丰富的植物、动物和天体图案。

十字架逐渐融入民间信仰，被竖立在各处——墓地、路边、农田——成为一种祈祷和纪念的象征，其意义远不止于悼念逝者，也包括祈求旅途平安和五谷丰登。正因如此，它也成为了俄罗斯帝国同化政策下镇压的目标。

《骑士前奏曲》 （1909）更庄严地宣告了民族复兴。丘尔廖尼斯很少描绘具体的风景，但在这幅画中，他巧妙地融入了立陶宛首都维尔纽斯的元素。画中勇敢驰骋于城市之上的透明骑士（维蒂斯）象征着民族的独立与荣耀，也是14世纪至18世纪末立陶宛大公国的国徽。

此外，从 1907 年开始，丘尔廖尼斯创立了他自己独特的绘画流派——“童话”，发展出将民间故事、神话和普遍叙事结构与他自己的愿景融合在一起的原型图像。

奇幻世界、国王与公主、骑士、旅程和道路是此类作品的典型元素， 《童话（国王的童话）》 （1909）正是以国王为主题的作品。故事发生在一片笼罩在黑暗中的森林里，两位国王凝视着一座闪耀的穹顶，穹顶内展现着立陶宛美丽的自然风光和乡村景色。他们既体现了世界的二元性，又如同守护者一般，从外部世界俯瞰着小小的立陶宛。

从丘尔廖尼斯艺术生涯的早期开始，“国王”一直是其重要的主题之一。在本次展览的尾声部分，展出的杰作《雷克斯（国王）》将国王作为统治世界的超凡存在形象确立下来。

另一方面，丘尔廖尼斯接触到了当时的国际知识潮流，如神智学和天文学，这加深了他对人类精神世界和宇宙奥秘的思考。

这幅名为《祭坛画》 （1909年）的作品首次在日本展出，是丘尔廖尼斯的杰作，充满了宇宙般的视野和独特的鸟瞰式空间表现。巨大的阶梯式祭坛两侧描绘着骑士和天使等图案，这些图案对丘尔廖尼斯而言都具有象征意义。它们错综复杂的交织构成了一部宏伟史诗般的画面，从下至上层层递进。同时，阶梯本身象征着人类精神不断提升的各个阶段，而阶梯的数量则被认为与将宇宙和人类结构划分为七个阶段的神智学理论相对应。

展览以《雷克斯（国王）》 （1909）的尾声收尾。这幅杰作最全面地展现了丘尔廖尼斯的思想和形式探索，也是他尺寸最大的画作。在一幅以优美的单色光影交织而成的画布上，构成世界的四大元素——火、水、土、气——被浓缩其中。在如同宏大交响诗般错综复杂的结构之下，无数星辰、天使、树木等图案反复出现，而一位双层半透明的国王端坐于大地之上，仿佛垂直刺穿宇宙。

在这部至今仍充满神秘色彩的作品中，丘尔廖尼斯将他吸收的各种思想——包括立陶宛本土的自然崇拜、印度教、埃及神话、神智学、天文学和自然科学——融合到一个单一的叙事体系中，创造了一个与基督教上帝截然不同的全新故事。两位国王虽然展现了二元论的原则，但他们被描绘的不仅仅是世界的统治者，而是与自然和宇宙融为一体的泛神论存在。

这幅作品创作于丘尔廖尼斯为寻求绘画事业更上一层楼而将创作活动拓展至圣彼得堡的时期。正如他所愿，这幅作品受到了俄罗斯艺术界领军人物亚历山大·贝努瓦的高度赞扬。然而，丘尔廖尼斯对此毫不知情。由于创作的艰辛和精神压力，他的身心健康逐渐恶化。1911年4月10日，他因肺炎去世，年仅35岁。

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丘尔廖尼斯是一位独具特色的艺术家，他以精湛的技艺描绘了音乐与绘画、立陶宛民族认同，以及对人类心灵和宇宙奥秘的思考。自2000年以来，他的作品在欧洲各地举办，人们对他独特艺术世界的重新审视也日益升温。欢迎莅临展馆，欣赏他的作品。

“丘尔廖尼斯展览：内星图”概要

*本文信息截至发稿时有效。请访问展览官方网站获取最新信息。

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国立自然科学博物馆

近年来，以战斗形式介绍和讨论动物、恐龙和神话生物实力的所谓“战斗百科全书”非常流行。“世界上最强壮的动物是什么？”“当然是非洲象。”“不对，河马也很强壮。”这类讨论趣味十足，能够激发好奇的孩子和成年人的兴趣。

强大的力量、锋利的獠牙、致命的毒液、电击——这些危险生物拥有人类无法匹敌的惊人能力。这些能力可以称之为“终极技巧”，是它们在进化过程中为了捕猎和自卫而获得的。

聚焦于此类致命技艺，目前正在东京上野国立科学博物馆举办的特展“超级危险生物展：科学探索生命真正的力量”正在展出，展览从科学的角度探讨了危险生物惊人的生态习性以及常见生物隐藏的危险。它或许能为“最强者”之争提供新的视角。（展览持续至2026年6月14日）

该场馆的设计理念是“探索危险生物惊人能力的禁忌实验室”。它没有采用现有的分类方法，而是根据危险生物的标志性动作将其分为八类。展览运用多种方式呈现这些生物，包括珍贵的标本、先进的计算机生成图像、教学模型以及令人印象深刻的纪录片片段。

■展览构成
区域 A：“使用近战攻击的危险生物”
实验室 1. 强力战斗机类型
实验室 2. 致命咬伤类型
实验室 3. 武装型
实验 4. 大型集群类型

B区：“拥有特殊攻击能力的危险生物”
实验室5.剧毒型
实验六：化学攻击类型
实验7. 电击类型
实验室 8. 吸血鬼类型

基本上，每个展区都展示了每种宝可梦的一个特殊招式，而且显然，每个招式的名称都是由负责该展区的策展人专门为本次展览创作的。从酷炫到让人忍不住想大声念出来的招式名称，再到双关语，甚至还有一些直白得过分的招式名称，策展人的个性都展现得淋漓尽致。

值得一提的是，还有一些展览会吸引孩子们，例如“动物报纸：极其危险生物的案例档案”，它以报纸的形式呈现了国内外涉及危险生物的真实事件，以及按类型分类的卡片游戏风格的图标。

“力量战士”展区尤其令人印象深刻。展品包括非洲象、绿水蟒和食火鸡，这些动物体型庞大、力量惊人，无需任何花招就能构成强大的威胁。

例如，非洲象能用一种名为“鼻子炸弹”的简单却威力十足的招式，只需轻轻甩动象鼻，就能造成毁灭性的打击。象鼻是这一招式的关键，长度可达2米，重达150公斤，其独特之处在于它没有骨骼，完全由肌肉构成。象鼻由大约9万根肌纤维组成，与人体肌纤维的数量相当，这使得它能够进行复杂的收缩和伸展。此外，据说象鼻的硬度和形状可以通过调节内部液体的压力来自由改变，类似于液压系统。因此，它们不仅拥有强大的力量，还具备灵巧的技巧，例如能够捡起鸡蛋。

下一个展品是一头巨大的南方象海豹标本，体型堪比非洲象。虽然许多人可能认为海豹是悠闲、圆润、温顺的动物，但雄性南方象海豹体型惊人，身长可达5米，体重可达3吨。

即使被鲨鱼或虎鲸咬伤，象海豹有时也能凭借厚达10厘米的皮下脂肪层阻挡牙齿并再生皮肤，从而存活下来，展现了它们惊人的生存能力。这里播放的纪录片片段记录了一只南方象海豹闯入城市，试图用其致命的“身体挤压”动作（同时爬行）压扁一辆汽车的场景，让你真切感受到它们构成的威胁。

本次展览的另一个吸引人之处在于，它以“虎鲸大战大白鲨：谁才是海洋中最强大的？”为主题，展馆内各处陈列的展柱提供了各种信息，帮助您就“力量”这一主题做出明智的决定。

例如，在“致命一击”展览中，我们展示了擅长咬人的危险生物，不仅解释了牙齿的结构（牙齿表面覆盖着牙釉质，这是生物体中最坚硬的组织），还解释了咬合力，即“咬合力”。

在比较食肉动物的咬合力商数（BFQ，一种用于比较相对咬合力且与体型无关的指标）时，我们发现了一个有趣的结果：体重约100克的小型鼬科动物——小鼬（164）的咬合力商数显著高于狮子（123）和斑鬣狗（99.6）。此外，大熊猫（151）——一种既是食肉动物又是食草动物——的咬合力商数也很高，这表明体型较小或以草食为主的动物的咬合力不容小觑。

鼬科动物都是极其凶猛的猎手，它们以锋利的犬齿捕杀体型比自己大的猎物而闻名，例如伶鼬和狼獾。尤其是蜜獾，这种生活在非洲大陆上体型最大的鼬科动物，据说它无所畏惧地与体重超过自身十倍的狮子搏斗，其顽强的战斗精神令人叹为观止。

蜜獾的招牌绝技（能力）并非撕咬，而是“坚不可摧的身体和抗毒能力”。令人惊讶的是，它厚实而富有弹性的皮肤使其能够抵御动物撕咬、豪猪刺伤和蜜蜂蜇伤，甚至连眼镜蛇等毒蛇的攻击也能抵挡。可以说，它是一位攻守兼备、生存能力极强的均衡型战士。

此外，“致命一击”展览首次在日本公开展示了世界上最大的咸水鳄“罗龙”的等身复制品，这条鳄鱼身长超过 6 米。

由于曾发生多起致命事件，咸水鳄有时被称为“食人鳄”，一直以来都是人们关注的焦点。其中，洛龙（Lolong）保持着吉尼斯世界纪录“圈养最大鳄鱼”的称号，其体长惊人，达6.17米，体重1075公斤。展览现场展出了一尊根据菲律宾采集的洛龙数据扫描结果忠实复制而成的等比例模型。它庞大的体型让人不禁相信当年需要100人才能将其从海里拖出来的壮举。另一个亮点是“死亡翻滚”的视频讲解，鳄鱼咬住猎物后，会在水下扭动庞大的身躯将其撕成碎片。

在展出的“群居型”生物（如蚱蜢和食人鱼）中，行军蚁展区是必看的。

行军蚁栖息于东南亚和非洲，以其数千万只蚂蚁组成的庞大蚁群而闻名，它们会吞噬周围的猎物，然后再继续行进。它们攻击和杀死的不仅仅是小型蜥蜴和蚱蜢；据报道，它们甚至会攻击幼羊，以及因病无法行动的老人。它们强大的捕食能力足以令人不寒而栗。

蚁后作为蚁群的核心，长期以来被视为一种难以捉摸、近乎神话般的生物，尽管日本和海外的研究人员进行了多年的研究，但仍然难以证实它的存在。然而，九州大学博物馆副教授、本次展览的负责人之一丸山宗俊，以及昆虫探险家兼摄影师岛田拓，在肯尼亚共和国进行研究期间，成功捕捉到了一只蚁后，并将其拍摄下来。其中一件珍贵的蚁后标本，将在本次展览中首次在日本展出。

下半场的 B 区“特殊攻击危险生物”非常精彩，因为有各种各样棘手的特殊招式。

展览以“剧毒”部分开篇，分析了黄蜂、幼年巨蜥和蓝环章鱼等多种生物的毒素。紧随其后的是“化学攻击”部分，展示了一些奇特的特殊攻击手段，例如条纹臭鼬的强力毒液、100摄氏度高温气体以及自毁防御机制。“电击”部分探索了电鳗等生物的发电机制，它们可以产生高达850伏的电压。最后，“吸血”部分聚焦于吸血蝙蝠和蜱虫等吸血生物，并简要介绍了传染病的危害。

B区栖息着许多外形可能令人感到生理不适的生物，例如狼蛛和巨型蜈蚣，因此胆小者请谨慎前往。如果您不介意这些，请务必花时间仔细观察它们的外形。

在专门介绍蝎子的章节中，你会看到“剧毒”蝎子的典型例子——死亡潜行者（意为“走向死亡的蝎子”）。这种中等体型、身形纤细的蝎子拥有蝎子界最强效的神经毒素之一。旁边还有帝王蝎，尽管外表威猛，但其毒液却出奇地弱，通常只会造成类似蜜蜂蜇伤的疼痛。关于蝎毒，一个有趣的现象是“爪子越小，毒液越强；反之，爪子越大，毒液越弱”，这清楚地表明了“危险程度并非总是如表面看起来那样”。

说到徒有其表的生物，被描述为“剧毒”的太阳蜘蛛就是一个典型的例子。它被誉为“仅凭第一印象就足以令人胆寒的节肢动物王国生物之一”。它巨大的螯肢确实令人印象深刻，但除此之外，它并无其他真正的威胁。尽管它看起来像是要冲向人类，但实际上它只是在寻找阴凉处躲避它不喜欢的阳光，而且它相当胆小。它既没有毒液也没有毒刺，所以它出现在这个展览中的原因令人费解，但这恰恰是它的魅力所在。它基于外表所展现的“危险性”与本次展览的主要展品不相上下。

另一个亮点是利用最新技术制作的透明标本，用于展示“电击”型电鳗、电鲶和电鳐。

透明标本是一种通过化学处理使生物标本透明化的方法，从而无需解剖即可观察其内部结构。传统方法需要使用强化学试剂溶解肌肉和内脏器官，这使得除骨骼以外的其他结构难以观察。然而，近年来，无需使用强化学试剂即可观察标本内细胞和基因的透明化技术相继问世。本次展览也采用了其中一种技术——CUBIC方法的改进版本，使得以往难以观察的发电器官的三维结构得以呈现。

本次展览聚焦于生物的致命攻击手段，旨在从科学的角度揭示其奇妙的生态机制以及人们熟知生物所隐藏的危险。然而，从展览总负责人、国立科学博物馆动物学部的川田真一郎的评论来看，展览策划的背后似乎隐藏着一个愿望，那就是基于科学认知来传达“正确恐惧”的重要性。

川田警官警告人们要警惕大众媒体对危险生物的夸大渲染，以及充斥着虚假图片和视频的互联网所构建的现代社会。人类不仅对拥有自身所缺乏能力的生物感到恐惧，也对其充满敬佩，渴望了解更多、模仿甚至超越他们。这种求知欲极大地推动了科学的发展，从解剖学到尖端生物化学和遗传学，无不体现着科学的进步。此外，他还强调，危险生物的能力是“科学知识的宝库”，其中许多知识可以用于开发我们生活必需的材料和技术。

当你参观这个展览时，你会逐渐意识到，懂得“适当地恐惧”是人类生存的一种策略，它将引领我们走向更美好的明天。

在展览开幕前的媒体预览会上，担任本次展览大使和语音导览解说员的喜剧二人组麒麟成员川岛彰亮相。

谈及对展览的印象，他评论道：“这里有很多具有全球价值的展品，而且每个区域都像一个实验室，让人感觉身临其境。越往里走，我越沉浸其中，感觉自己就像是研究团队的一员。” 他说，最令人印象深刻的危险动物是长颈鹿，并说道：“它们是食草动物，从它们的外表来看，我觉得它们温顺可爱，但看了视频后，我才知道它们会用脖子攻击，这种攻击力足以用脖子杀死一个人。我之前随口说‘是长颈鹿’，现在想想真是太失策了。” 这番话引得观众一阵哄笑。

最后，他们以如下方式宣传了此次展览：
“展览中有一个展品展示，蝎子的毒液越弱，它的爪子就越大。这告诉我们，越是弱小的人，越容易装出一副勇敢的样子去挑衅——这是人类的普遍特征。看完展览后，你可以重新思考自己的优势是什么。你可能会发现，你的优势是一颗充满同情心的心，或者是一种优先考虑他人的善良——这是人类独有的力量。我认为这是一个能让你有所发现的精彩展览。”

“极其危险生物展：科学应对生物面临的严峻挑战”特展将持续至2026年6月14日。

特别展览“极端危险生物展：科学应对生命面临的严峻挑战”概述

场地	国立自然科学博物馆
展览期	2026年3月14日（星期六）至6月14日（星期日）
营业时间	上午 9:00 – 下午 5:00（下午 4:30 停止入场）
夜间营业	从 4 月 25 日（星期六）至 5 月 6 日（星期三，节假日），博物馆将开放至下午 6:00（最后入场时间为下午 5:30）。
休息日	5月7日星期一（星期四） *但是，博物馆将于 4 月 27 日（星期一）、5 月 4 日（星期一/国庆节）和 6 月 8 日（星期一）开放。
价格（含税）	普通门票/大学生：2300日元；小学生/初中生/高中生：600日元（当日售票）
组织者	国立科学博物馆、TBS电视台、TBS Growdia、朝日新闻
询问	050-5541-8600（Hello Dial），03-5814-9898（传真）
运营商官方网站	https://chokikenseibutsuten.jp/

*请注意，展览期间、开放时间和闭馆日期可能会有所变更。
*请注意，此信息可能并非最新信息。详情请查看展览官方网站。

 

文章提供： Cocosil Ueno

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东京都美术馆

东京都美术馆将举办日本首个瑞典黄金时代绘画作品展，近年来，瑞典绘画作品在全球范围内备受瞩目。此次名为“瑞典绘画：北欧之光，日常光辉”的展览，为纪念东京都美术馆开馆100周年，将于2026年1月27日（星期二）至2026年4月12日（星期日）举行。

*所有展出作品均归瑞典国家博物馆所有。

海岸线遍布礁石，森林雄伟壮丽，湖泊星罗棋布，冬季白雪皑皑，盛夏庆典和悠闲的生活方式是传统文化的典范。我们今天所理解的“瑞典性”，是由瑞典画家在19世纪80年代至1915年左右重新发现的，这段时期被称为瑞典艺术的黄金时代。本次展览在瑞典国家博物馆的全力支持下，通过约80幅画作，系统地展现了瑞典艺术在这一黄金时代的发展历程，并探索了北欧人与自然和谐共处、享受充实生活的独特理念。

展览分为六个章节。第一章“瑞典现代绘画的曙光”以尼尔斯·布洛马尔为开篇，据说他是第一位以北欧神话和民间传说为主题的画家，旨在建立一种独特的瑞典艺术形式。

瑞典是第一个在北欧国家建立皇家绘画学院（后更名为皇家美术学院）的国家，该学院成立于1735年。瑞典的传统艺术教育以法国为蓝本，并鼓励将瑞典的历史和神话作为重要的研究课题。然而到了19世纪中期，瑞典深受当时在法国和德国兴起的浪漫主义思潮的影响。尤其是在风景画领域，德国杜塞尔多夫画家的作品被视为典范。这些画家以细致入微的观察为基础，生动地描绘了自然界的雄伟壮丽和壮阔壮阔，许多北欧画家，包括瑞典画家，都慕名前往杜塞尔多夫，寻求艺术的熏陶。

这一趋势与1850年在斯德哥尔摩举办的北欧艺术展密切相关。曾在杜塞尔多夫画派学习的挪威画家在展览上展出了描绘挪威农民生活和峡湾壮丽景色的作品。在瑞典画家看来，这些作品虽然披着创新的外来风格外衣，却深深扎根于斯堪的纳维亚的真实世界，这激发了他们在本国创造一种全新的本土艺术形式的渴望。

19世纪70年代末，一些年轻的瑞典画家对学院陈旧的教学方法感到不满，于是前往巴黎寻求新的表达方式、价值观和艺术指导。当时，印象派等颠覆传统艺术价值观的新兴艺术形式在巴黎蓬勃发展，但许多瑞典画家却选择回归现实主义和自然主义，力求捕捉人物和自然最自然的状态。

在第二章“走向巴黎：邂逅现代法国绘画”中介绍的雨果·萨尔姆松（1843-1894）是最早赴法国学习的瑞典画家之一。他深受巴比松画派的影响，该画派以描绘农民劳作的场景为主题，同时也深受朱尔斯·巴斯蒂安-勒帕热和朱尔斯·布雷顿的现实主义绘画的影响。从《拾穗者》这幅画中，我们可以看出他们的影响不仅体现在题材上，也体现在描绘自然时所采用的即兴、粗犷的笔触上。

另一位在巴黎期间接触到户外写生运动并形成明亮清新色彩和光线风格的画家是阿诺德·约瑟夫森（1851-1906）。1885年，以约瑟夫森为首的一群年轻艺术家向过时的皇家美术学院递交了一份声明，呼吁改革。这些选择脱离学院的艺术家被称为“叛逆者”（Oponentena），并从19世纪90年代起引领了瑞典绘画的发展方向。

第三章“格雷兹-苏尔-卢万的艺术家村”介绍了斯堪的纳维亚艺术家在法国各地建立艺术聚落（社群）的情况，他们开始重视户外艺术。19世纪80年代，瑞典画家们的创作基地之一是位于巴黎东南70公里处的小村庄格雷兹-苏尔-卢万。他们在这里度过夏天，描绘农民的日常生活和卢万河沿岸的田园风光。

瑞典民族画家卡尔·拉尔森（1853-1919）在默默无闻时也搬到了同一地区，在那里他接触到了水彩画，并在充满耀眼光芒的轻松愉快的风景画中找到了新的表达方向。

19 世纪 80 年代末，许多曾在法国工作的瑞典画家回到家乡，致力于创作具有鲜明瑞典特色的艺术，以展现他们的民族认同感。

第 4 章“日常生活中的光辉——过着‘瑞典式’的生活”，收录了艺术家们的作品，他们从严酷而丰富的自然、自己的家庭、亲密的朋友或日常生活中隐藏的转瞬即逝的快乐中找到了主题，并以亲密和充满情感的表达方式描绘了它们。

拉尔森尤其塑造了“瑞典生活”的形象。他和妻子卡琳（也是一位画家）以及他们的七个孩子住在位于达拉纳省中部松德博恩镇的乡村小镇利拉希特内斯，这是一栋两层楼的房子。为了满足家庭的需求，房子经过多次翻修。受当时在英国流行的工艺美术运动的影响，他巧妙地将不同时期和风格的家具融合在一起，并用卡琳亲自设计的纺织品和刺绣装饰室内。他满怀热情地打造了他理想中的家，一件完整的生活艺术品。

在当时的瑞典社会，一种理念正在传播：一个简约舒适、充满匠人巧手打造的“真正美好的事物”的居住环境，能够培养人们的审美情趣，并最终创造一个更美好的社会。正是在这种文化背景下，拉尔森于1899年出版了《居所》（Ett hem），这是一本水彩画集，描绘了他自家住宅的室内装饰、生机勃勃、无忧无虑的生活场景以及四季更迭的景象。这本画集后来被广泛认为是理想家园的象征，代表了“瑞典性”。

尽管《家》展览包含24幅水彩画，但为了保护这些艺术品，东京、山口和名古屋的每个展馆仅展出一幅原作。取而代之的是，另外九幅水彩画将通过特别制作的视频内容进行展示，在大屏幕上传递“莉拉·希特尼斯”温馨的氛围。

安德斯·索恩（1860-1920）是拉尔森的朋友，也是瑞典最早享誉国际的画家之一。他同样从巴黎返回瑞典，定居于家乡达拉纳省的莫拉镇。达拉纳省历史悠久，传统深厚，索恩经常以达拉纳的民间文化为创作主题，例如当地的传统音乐和服饰，这些文化在现代化的浪潮中正逐渐消逝。他笔触迅疾，生动地捕捉光影变幻的瞬间，其作品《科尔-玛吉特编织》至今仍是瑞典最受喜爱、复制次数最多的画作之一。

与此同时，第五章“超越现实：描绘不可见的世界”重点关注那些对超越现实的不可见世界感兴趣的画家，例如将北欧神话与他们自己的精神世界和民族主义联系起来，以及将民间传说视觉化。

乔恩·鲍尔（1882-1918）以其为瑞典童话集《布兰德·托姆塔尔和巨魔》（Bland tomtar och troll）所作的插图而闻名，是一位深受喜爱的插画家，他以北欧民间故事为蓝本，描绘了充满奇幻色彩的世界，其中不乏巨魔和森林仙子。他笔下光线昏暗、色彩柔和、仿佛拥有自己意志的森林，以及那些既诡异又略带忧郁和幽默的巨魔形象，都唤起了人们对自然的神秘感和敬畏之情。

奥古斯特·斯特林堡（1849-1912）是一位尤为独特的人物，他是瑞典19世纪最重要的剧作家和作家。斯特林堡自学成才，一生中只有很短一段时间专注于绘画，而这段时期恰逢他精神状态不稳定，包括剧作创作的低谷、家庭不和，以及对神秘学和化学实验的兴趣。他用画刀创作的风景画直接触动观者的心灵，甚至触动了他自身的精神状态。他独特的风格充分利用了创作过程中潜意识涌现的偶然性和意象。

第六章“与自然同行：瑞典新绘画的诞生”是本次展览的亮点。瑞典曾被认为是一个“无画可画”的国家，但从19世纪90年代起，画家们开始“发现”瑞典独特的自然美景，例如茂密的森林和湖泊、嶙峋的海岸线以及白雪皑皑的冬季景色，并开始探索描绘这些美景的合适方式。

例如，古斯塔夫·菲耶斯塔德（1868-1948）是一位定居于瑞典中西部韦姆兰省拉肯湖畔的画家，他一生都在创作冬季风景画。他的作品《冬日月光》以其饱满而富有装饰性的笔触描绘了覆盖地面和针叶树的蓬松圆润的积雪。他独特的点彩画法，通过有节奏地叠加细小的点和线，营造出浑然一体的画面效果，赋予了雪景一种神秘而宁静的氛围，这正是菲耶斯塔德的标志性风格。

这一时期的风景画尤其注重探索题材和技法，更强调通过风景来表达情感和氛围。柔和细腻的黄昏和黎明光线完美地诠释了这一点，取代了19世纪80年代作品中常见的耀眼阳光。夏夜漫长的暮色和笼罩夜空的蓝色光芒，赋予画面一种诗意的氛围，照亮了瑞典丰富的自然景观。这种后来被称为“民族浪漫主义”的艺术潮流，催生了其他国家艺术中鲜见的、独具特色的瑞典绘画。

尼尔斯·克鲁格（1858-1930）自巴黎时期起便对马匹在各种工作环境中的表现抱有浓厚的兴趣。即使回到瑞典后，他仍然继续描绘在故乡卡尔马附近的乌兰岛上，马匹、牛群和其他牲畜悠闲吃草的场景。晚年深受梵高影响的克鲁格，其画作《夜幕降临》生动地捕捉了黄昏的氛围和光线，画面一半被蓝色的光芒笼罩，笔触短促有力，颇具梵高的风格。仔细观察，你会发现这蓝色的光芒不仅笼罩着天空，也倾泻在吃草的马匹和大地上，在原本平凡的风景中营造出一种宏伟而奇幻的氛围。

此外，本次展览的语音导览（需付费）首次在博物馆的特色导览中加入了“慢赏”环节。这一观赏方式也应用于国立博物馆的教育项目中，让参观者通过仔细观察每一件作品并提出问题，更深入地欣赏艺术作品。参观时，请务必体验一下。

“东京都美术馆百年纪念展：瑞典绘画：北欧之光，日常光辉”概览

*本文内容截至发稿时有效。请访问展览官方网站获取最新信息。

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