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国立西洋美术馆

东京上野国立西洋美术馆首届当代艺术展：“这里已经成为未来艺术家睡觉的房间了吗？──国立西洋美术馆65年后问自己|当代艺术家的问题。”打开。展览期限至2024年5月12日。

■参展艺术家
Yuki Iiyama、Yoichi Umezu、Mai Endo、Tsuyoshi Ozawa、Nodoka Odawara、Natsuko Sakamoto、Hiroshi Sugito、Ryudai Takano、Kyo Takemura、Koki Tanaka、Toeko Tatsuno、Elena Tutatchkova、Rei Naito、Tadayoshi Nakabayashi、Yu Nagashima Rie、Parplume（Yoichi Umezu） + 安藤博美 + 津桥仁子 + 星川朝子 + 胁本登崎）、布施伦太郎、松浦久夫、宫岐夫人、汤浅江博士、由美地汉字二

这是国立西洋美术馆大规模展示当代艺术的一次前所未有的尝试，该馆主要收藏和展示20世纪上半叶以前的西方艺术。在此前举行的新闻发布会上，据称此举的目的并不是通过将藏品与当代作品并列展示来扩大对藏品的理解视野，也不是为了引起对当代艺术有浓厚兴趣的人们的兴趣。正在

回顾过去，松方收藏馆是根据松方小次郎的遗愿而建立的，他希望向日本画家展示正宗的西方艺术，并为他们的创作活动做出贡献。预计将成为创造和培养未来艺术家的灵感之地。

然而，到目前为止，还没有有人认真质疑博物馆是否真的创造了这样一个空间。

本次展览面对这一事实并跨越流派，提出了博物馆及其藏品如何与当代表达相关的问题，以及它在我们这个时代作品的外观和意义生成中可以发挥什么作用。 21组艺术家，通过他们的作品来看看他们的反应。展览还展出了该馆馆藏的约70件西方艺术杰作，包括克劳德·莫奈、保罗·塞尚、莫里斯·丹尼斯等人的作品，是一个非常有趣的展览。

这就是为什么这个项目的许多参展者都活跃在批评等领域，而且场馆里的文本比典型的当代艺术展览要多，在某些情况下，文本本身就是一件艺术品。

艺术家处理问题的方法和意识各不相同。

例如，在第一章“这个地方变成了什么样的记忆磁场？”中，中林忠义、内藤丽和松浦久夫讨论了他们自己的作品以及塞尚、丹尼斯或中林忠义本人的作品。博物馆收藏的前辈们的作品，如奥迪隆·雷东 (Odilon Redon) 和鲁道夫·布雷丁 (Rodolphe Bredin)，他们追溯了表达的历史血统，并在旁边展出。将博物馆定义为一个磁场，不同时代、不同地区的艺术家的记忆共存，相互交织，我们思考博物馆的藏品会形成什么样的磁场。我们正在通过作品验证海豚的存在。 。

在第二章“你对日本‘西洋美术馆’的存在有何看法？”小田原野花在她的新装置《雕塑/克服现代性——由国立西洋美术馆编辑》中探讨了博物馆的象征意义。奥古斯特·罗丹的雕塑《思想者》从基座上移开，侧放在鲜红的地毯上，非常引人注目。

与西方的博物馆不同，小田原建在容易发生地震的地面上，也面临着日本现代化进程中博物馆所要面对的历史“扭曲”，他说他对此产生了浓厚的兴趣。这件事。

这个新装置的作品包括在 1923 年关东大地震中倒塌的《思想者》，以及在 1922 年部落解放运动期间起草《平九社宣言》、后来在狱中成为民族主义者的斋子满吉等作品。其组成部分包括日本人画作“Kishaku”，一个模仿五层宝塔的物体，每次地震都会倒塌并重建，以及博物馆独立开发的隔震平台。小田原的装置作品探讨了日本的地震和意识形态转变的意识形态问题，“堕落”和“转变”重叠，营造出提出复杂问题的外观。

在第四章“这个地方可以成为多种生命/性的场所吗？”中，高野隆在美术馆展厅中重新创造了人类“生命”的空间，这个空间旨在成为一个无味、无臭、中性的地方。它很大。

对于个人来说遥不可及的杰作如果排列在普通的现代客厅里会是什么样子？考虑到这一点，高野决定将博物馆收藏的古斯塔夫·库尔贝、文森特·梵高和卢卡斯·克拉纳赫（他的父亲）的画作、埃米尔-安托万·布德尔的雕塑以及他自己的摄影作品与宜家家具结合起来。由.组成的空间。

高野认为宜家的产品是现代主义设计的巅峰之作，它消除了象征权威的装饰，让人们过上简单而充实的生活。任何人都会对库尔贝和布尔德尔被放置在著名的博物馆中感到不舒服，而这些博物馆永远不会出现在我们充满如此实惠的时尚的日常空间中。不是吗？大力神肌肉发达的雕塑，过度地表现了某种“男人是坚强的”，放在博物馆前花园里，会因其雄伟的外观而令人赞叹，但放在这个聪明的房间里，却显得格格不入，而且是一个现代的——日间雕塑，它看起来像是与感性相反的东西。

随着心理上的接近，我们看待作品的方式也发生了变化，但同时我也意识到，不受展览空间的影响，欣赏和衡量作品本身的价值是多么困难。

尽管博物馆是希望以不朽的状态保存艺术品并永远保存到未来的机构，但作为实物的艺术品不可避免地会随着时间的推移而慢慢发生变化。在第五章“这是一个作品生存的地方吗？”中，竹村京讨论了前松方收藏中的克劳德·莫奈的《睡莲》，该作品于 2016 年在卢浮宫被发现，当时已严重受损，目前已成为博物馆的藏品。 ，重点关注柳树的倒影。

一幅199.3厘米x 424.4厘米的巨幅油画只经过了最低限度的保护处理，其缺失的部分被富有想象力地用半透明布上的丝线补充，形成了双层结构。我们宣布了1916年的商业广告《睡莲》。

竹村反对这样一种观点，即由于过度的修复，一个时期创作的作品被不同时代的人们的思想“文字”所覆盖。在这件作品中，过去失去的记忆被巧妙地用可逆的丝线重新翻译，“就像把西洋画变成日本画一样”，从而使作品焕发光芒，同时保留缺陷。保护正在付诸实践，确认这一点并为未来保留它。

最后一章，第七章“寻找未知的地方”，收录了 2014 年去世的杉户博、梅津洋一、坂本夏子和辰野登惠子的作品，以及克劳德·莫奈、保罗·西涅克、杰克逊·波洛克等人，通过在同一空间中面对过去高度实验性的绘画，我们试图思考什么是所谓的日本“当代艺术”，并衡量其实验性的范围。

本次展览的策展人、国立西洋美术馆首席研究员新藤敦在本次展览的筹备过程中表示：“坦白说，国立西洋美术馆并不是一个能够给今天的人们带来启发的地方。” ”我有一种强烈的感觉，这可能不会发生。”参加这次展览的一些艺术家的想法是从国立西洋美术馆及其藏品中得到的，但这是因为他们有机会这样做。

因此，在最后一章中，我们不再问国立西洋美术馆的藏品如何给当今艺术家带来启发，而是问“今天画家的画如何与过去的作品竞争？”我思考过这一点，我希望作家之间在不同时期对问题的相互认识上的异同能够显现出来，”他在解释这篇文章的意图时说道。

新藤先生还表示，“我确信会有很多人对我自己的策展方式提出批评”，而这次展览给人的印象是，展览正在积极寻求批评，而不是融合各种可能性。声音被提高。接收。参展艺术家对国立西洋美术馆及其藏品传达了哪些信息？这将对日本当代艺术界产生怎样的影响？我希望你能以敏锐的眼光来看看整个事情。

《这个房间是否已成为未来艺术家睡觉的地方？——国立西洋美术馆65年后当代艺术家的提问》概述

*文章内容截至报道时。最新信息请关注展会官方页面。

文章提供： Kokosil Ueno

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东京都美术馆

2024 年是巴黎首次印象派展览举办 150 周年。东京都美术馆目前正在举办名为“印象派：从莫奈到美国——伍斯特美术馆收藏”的展览，追溯颠覆西方艺术传统的印象派对欧美的冲击和影响。 ，以美国伍斯特艺术博物馆的收藏为中心。展览期限至2024年4月7日。

伍斯特艺术博物馆位于美国波士顿附近，于1898年开放，藏品约4万件，从古埃及、古希腊和罗马的古典艺术到世界各地的当代艺术。其中，他积极收藏印象派作为当时的当代艺术。自 1898 年开放以来，它一直是该系列的重要组成部分。

本次展览重点关注印象派颠覆西方艺术传统的创新及其在全球的传播。馆内的印象派藏品大多是首次来日本访问，不仅有莫奈、雷诺阿等法国知名印象派画家，也有很少被介绍到日本的柴尔德·哈萨姆等美国印象派画家。介绍40多位艺术家的约70幅油画，其中包括一些最具代表性的艺术家。

展览共分为5个章节。在第一章“挑战传统”中，巴比松画派和现实主义画家在法国故乡熟悉的风景和自然中发现了美和新的题材，介绍了传统绘画，其中宗教和历史绘画处于鼎盛时期。印象派兴起于19世纪上半叶，颠覆了艺术的等级制度。

与此同时，美国人们对这个国家壮丽的自然美景的兴趣与日俱增，美国风格的风景开始流行。在本章中，您可以比较大西洋两岸风景画的兴起。

温斯洛·霍默 (Winslow Homer)是 19 世纪末的美国著名画家，早在法国印象派出现之前，他就将户外绘画作为其作品的基本元素。 《冬季海岸》 （1892）是他职业生涯后半段的作品，当时他专注于描绘大海和面对大海的人们，他直观而大胆的笔触描绘了汹涌的海浪拍击缅因州海岸的情景。展现荷马印象派的一面。

第二章“巴黎与印象派画家”，克劳德·莫奈、卡米尔·毕沙罗和皮埃尔·奥古斯特，他们脱离了学院的传统，走到户外，用鲜艳的色彩和大胆的笔触描绘了他们眼中的世界。 – 展出雷诺阿等第一届印象派展览成员的作品。此外，还可以看到唯一参加印象派后续展览的美国女画家玛丽·卡萨特的作品，以及被称为“美国莫奈”的柴尔德·哈萨姆在巴黎求学期间的作品。

同一章节中介绍的莫奈的《睡莲》 （1908）是本次展览的亮点之一。虽然这是一幅印象派山水画，睡莲失去了轮廓，仿佛融入了池塘，树木倒映在水中，色彩奇幻，但也有他后期作品中明显的抽象表现的迹象。 。

莫奈在巴黎郊区西维尔尼度过了他的后半生，在那里他继续画了250多朵漂浮在他创造的“水上花园”中的睡莲。该作品是1909年在巴黎杜兰德-鲁埃尔画廊展出的《睡莲》系列之一，次年被伍斯特艺术博物馆直接从画廊购买。如今，睡莲被各个博物馆收藏，但伍斯特艺术博物馆实际上是世界上第一家购买莫奈睡莲的博物馆。

现场还将介绍博物馆与艺术品经销商之间关于购买该作品的往来信函副本，其中包括第一任馆长对董事会的劝说、延期等利用信件和电报的生动信件。付款期限。我查到了。

第三章“国际扩张”讨论了美国的约翰·辛格·萨金特、瑞典的安德斯·伦纳德·索恩和比利时的阿尔弗雷德·史蒂文斯如何将在巴黎获得的印象派精髓带回自己的祖国，并将其应用到自己的艺术实践中。 ，展出黑田精辉、久米庆一郎等日本画家的作品。

其中很多并不是完全模仿法国印象派的风格，而是在与各地区的文化和社会融合中得到独特的升华，受到没有接触过印象派或从未去过法国的画家的欢迎。它以多种方式传播和发展。

本次展览的亮点是第四章“美国印象派”，介绍了印象派在国际上尤其是在美国的传播过程中是如何被接受的。

1880年代中期，欧洲印象派在美国艺术品经销商和收藏家中流行起来，许多美国画家前往法国满足需求。评论家希望年轻画家能够发现“远离欧洲主题的美国本土之美”，因此感觉美国的主题，例如新英格兰乡村和现代化的城市景观，继续受到青睐。我做到了。

柴尔德·哈萨姆（Childe Hassam）也在第二章中出现，他是第一个将自己在当地学到的印象派风格融入自己的作品中的人，并通过暑期学校和艺术家殖民地将其传播到整个美国。

哈萨姆出生于波士顿，1883年第一次去巴黎时接触了印象派作品，1886年至1889年在那里留学。返回日本后，他定居纽约，并在那里取得了成功，成为美国领先的印象派画家之一。本章按时间顺序展示了三幅不同主题的作品，并与第二章《法国花园采花》（1888年）一起，可以追溯他绘画风格和兴趣的变化。

《哥伦布大道，雨天》 （1885）以柔和的色彩和柔和的笔触描绘了波士顿的雨天大道，远处城市的朦胧气氛和光亮的光彩的描绘，可以感受到印象派的影响。人行道上的光。你可以

巴黎留学后创作的《阿普尔多尔岛西尔夫的岩石》（1907）让人想起莫奈的悬崖风景画，触感截然不同，通过改变拉长笔触的方向巧妙地描绘岩石表面和波浪。基于即使在同一个地方风景也在不断变化的想法，这幅作品是从不同角度和情境生动地描绘阿普尔多尔岛风景的作品之一，采用了类似于莫奈系列作品的手法。

在《早餐室，冬日的早晨，纽约》 （1911）中，窗帘的放置是为了避开随着摩天大楼的建造和汽车的泛滥而转变为现代化大都市的纽约的喧嚣，描绘了纽约的精致生活。中上阶层，关注城市生活。自 1909 年以来，哈萨姆一直致力于《窗户》系列，该系列描绘了一个女人独自在一个房间里，就像这个一样。幕后描绘的摩天大楼被认为是曼哈顿的熨斗大厦，被誉为纽约现代建筑的象征，是美国性的巧妙表达。

埃德蒙·查尔斯·塔贝尔（Edmund Charles Tarbell）是波士顿艺术界的重要人物，拥有众多追随者，以至于创造了“Turbellite”一词，作为一名艺术老师，他以在巴黎学到的印象派为基础来教授学生，传播了独特的表现风格到该地区。

《百叶窗》 （1898）因其浅色和丰富的色彩而具有印象派的感觉，但它对传统形式和细节描绘的关注是波士顿画派画家的特征。透过百叶窗的光线照亮场景所产生的光影对比令人印象深刻，类似于以伦勃朗为代表的巴洛克绘画的明暗对比技术。

最后一部分，第五章，“寻找未见过的风景”，重点介绍了保罗·西涅克（Paul Signac），他采用了基于光学和色彩理论的点画法，以及乔治（Georges），他在热衷于野兽派之后成为立体主义的创始人。展览展出了布拉克等画家的作品，他们在印象派的影响后继续探索新的绘画形式。

乔治·英尼斯和德怀特·威廉·特赖恩是19世纪末美国流行的“色调主义”绘画风格的代表画家。印象派痴迷于大胆的色彩和视觉，而色调主义则强调使用灰色和蓝色等柔和的色调来描绘宁静、情感氛围和无形的事物。

作为瑞典神秘主义者伊曼纽尔·史威登堡的追随者，英尼斯后来的作品呈现出越来越形而上学的倾向。 《森林池塘》 （1892）中所看到的雾蒙蒙的气氛据说描绘了一种精神景观，同时代表着现实和神圣的世界，可见的和不可见的。

另一方面，特赖恩在《秋天的入口》（1908-09）中通过温和的颜料运用和精致的光线，将马萨诸塞州南达特茅斯的乡村景观变成了一个充满神秘色彩的神秘乌托邦。做吧。

对于仍饱受内战影响的美国人民来说，调性主义这些无形的情感场景提供了精神上的安慰。

“印象派：从莫奈到美国——伍斯特美术馆收藏”将持续至2024年4月7日星期日，以全球视角介绍印象派，它诞生于巴黎，改变了人们对美的常识，将画家从严格的束缚中解放出来。规则..这是一个欣赏印象派魅力的宝贵机会，印象派至今尚未广泛传入日本，以美国和法国以外的其他国家为中心。其中很多作品都是首次在日本展出，请不要错过这个机会。

“印象派：从莫奈到美国：伍斯特艺术博物馆藏品”概述

*文章内容截至报道时。请查看官方网站了解最新信息。

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东京国立博物馆

本阿弥光悦生活在战争时代，在艺术上表现出色，创作新颖。

正如标题所示，即将在东京国立博物馆平成馆举办的特别展览《本阿弥光悦的宏观世界》通过多件作品展现了他的信仰和内心世界。

本文报道了活动前一天举行的新闻预览。

本阿弥光悦是谁？

活跃于江户时代初期的本阿弥光悦出身于日本名剑鉴定师世家，是一位对日本后来文化产生巨大影响的艺术家。
他不仅因其家业造剑技艺高超而受到德川幕府和封建领主的高度评价，而且还被称为书法家（书法大师）。出版，为后人留下了优秀的作品。

“一生受过奉承，完全尴尬的人”和“陌生人” （“本阿美行城记”）
光悦以其深厚的信仰和闪耀的精神而受到赞誉，他创作的许多精美作品被指定为国宝和重要文化财产，并继续受到高度赞誉。

走近古怪的本阿弥光悦的审美

本次展览是

第一章 本阿弥家的家务与莲花信仰——光悦艺术的源泉
第 2 章 歌本和莳江光悦 – 爆炸性的文字和形状
第三章 光悦的笔触与字体——二维空间的精湛技艺
第4章 光越茶碗-土剑

本章让我们通过一些精美的作品来探讨本网光悦的审美观。

除了光悦自己的书法和陶器之外，博物馆还展示了在同一信仰下聚集在一起的工匠们创作的漆艺作品，以及针对当时的社会状况而创作的作品。此外，我们还关注本阿弥家族的信仰以及当时法华町居民的社会，创造了一个可以全面了解光悦状况的展览结构。

特别是第四章也是最后一章“光悦茶碗 – 大地之剑”，展示了许多令人惊叹的优雅茶碗，其中包括本阿美光悦的“时雨久乐茶碗”（重要文化财产）。给人一种成为本次展会亮点的感觉。

在这里，您可以看到从各章节展出的作品中按流派选择的作品。

漆

文学与书法世界编织的图像链

国宝级的船桥莳江砚盒坐落在展览的入口处，其光彩和造型让参观者惊叹不已。
该砚盒作为本阿弥光悦（1558-1637）的杰作而闻名，其显着特征是凸起的人字形盖子。整个器身呈圆角长方形，盖做得比器身大。

整个盒子表面密密麻麻地撒满了金粉，小船排列成波浪的图案，它们之间的空间充满了细密的波纹，银色的诗字高高地镶嵌在盒子里。

剑

以本阿美家族的审美力精心挑选的名刀

光越的指剑作为唯一流传下来的剑，时隔约40年首次向公众展示。

作者金氏是镰仓时代末期至南北町时代前半期活跃于美浓国志津（现岐阜县）的刀匠。指背镶有金质的“花神”，据说是光越的笔，附带的剑架上饰有精致的草，将整个剑鞘包裹在金漆中，华丽无比。

如果你破译了信物上的金嵌文字和爬草上的金漆的文字含义，你是否能看出光悦隐藏的感情？

书

光悦最充实时期的代表作品

以金银漆描绘群鹤飞翔的文纸卷，上面散落着平安时代以来36位诗人的36首诗。字母的形状和布局巧妙地变化，以配合鹤的起落和鸟群的密度，你会惊叹于它的活力感。
该书法与田原谷宗达的草图合作甚至竞争，据说是光越展现其最充实风格的时期的代表作品。

这次展览将是一次非常宝贵的机会，因为所有卷册将同时展出。

陶器

至今仍具有压倒性存在的名碗

Raku茶碗是手工塑造的，并用抹刀雕刻而成，据说是光悦制作的茶碗，其设计在各个地方都给人留下了光悦自己的手部动作的印象。
但这部作品的特点就是压抑这一点，整体给人一种宁静的印象。据了解，名古屋出身的数喜役者森川如春男在16岁时就获得了它。

活动概览

*文章内容截至采访时。详细信息可能与最新信息有所差异，请以展会官方网站为准。此外，本文中介绍的作品可能已经展出过。

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国立科学博物馆

自2013年被列入联合国教科文组织非物质文化遗产以来，日本料理越来越受到全世界的关注。

日本列岛的大自然孕育出的多样食材、人们智慧创造的发酵等技术以及独创性、烹饪方法和历史变迁， “日本料理——日本的自然与人民的智慧”特别展览正在国立科学博物馆（东京上野）举办。展览期至2024年2月25日（星期日）。

既然我报道了这个展览，我就汇报一下现场的情况。

*该展会原定于2020年举办，但因新型冠状病毒的影响而取消，将于2020年再次举办。

食物来自山，食物来自海。多样化食材孕育的日本饮食文化

展览由六个章节组成。

第一章是介绍，使用视频提出问题“什么是日本料理？”接下来，将展示第二章“群岛中种植的食材”，占据了大约一半的场地。

从食物的基础水开始，然后我们转向蘑菇、野生植物、蔬菜、海藻、海鲜……日本列岛南北绵延 3,000 多公里，是世界上生物多样性最丰富的列岛之一，它将利用 250 多个实际标本和模型，科学地呈现日本列岛所带来的丰富食材，同时还讨论发酵技术等话题和汤料。有解释。

例如，在水展区，专门用空间讲解水的硬度，如软水和硬水。

水的硬度会根据地质类型以及作为日常水源的雨水（硬度本身几乎为零）的停留时间以及钙和镁等矿物质在 1 升水中存在的时间而变化。取决于它含有多少毫克。

根据世界卫生组织的标准，低于60毫升/升为软水，120毫升/升以上为硬水，介于两者之间的为中硬水。日本由于地势陡峭、降雨量多、水滞留时间短，水基本上都是软水。软水没有味道，食材容易溶解在水中，适合使用高汤来衬托食材风味的日本料理。

另一方面，欧洲大陆地势平坦，水流缓慢，因此有大量的硬水，而硬水使食材在煮沸时难以溶解和分解，因此炖菜和其他使用肉类的炖菜已变得广泛确立为家庭烹饪。Ta。

我经常听到人们说，“日本是一个软水国家，所以如果你去一个硬水国家旅行，有些人会发现喝水困难或胃部不适。”有些人可能不知道，用途也因水质而异。事实证明，软水对日本饮食文化的发展做出了巨大的贡献。

虽然说日本是软水国家，但是地区差异显着，也有一些地方是硬水。展览展示了从日本各地出售的各种硬度的天然水的塑料瓶，并对可提取水的地形和地质进行了解释和比较。

此外，日本多样的地形和气候，包括低地、高地、亚热带和寒温带，造就了植被的多样性，尤其是蘑菇。全世界已知的蘑菇约有 20,000 种，据说约有 2,500 至 3,000 种分布在日本，其中约 10% 的蘑菇有名称。

在蘑菇展区，我们重点关注的是松露、牛肝菌等在欧美被视为奢侈食品的野生蘑菇，在日本也有分布。它们产量很大，虽然很难想象古代的日本人不知道它们的存在，但它们并没有被用作日本料理的配料。另一方面，日本人喜欢的滑菇和金针菇等粘糊糊的蘑菇在西方国家往往不受欢迎。

有趣的是，以同样的方式出现的蘑菇之间存在着巨大的差异，一方面受到重视，另一方面却被忽视。这样，展览就从延伸到世界各地的角度来阐述“日本食品”的形象进行了多次尝试。

海鲜是日本料理中常用的蛋白质来源。日本吃的海鲜品种据说是世界上最好的之一。日本列岛周围有各种各样的水环境，从流冰覆盖的鄂霍次克海到红树林和海洋的琉球群岛。珊瑚礁。仅日本就有约 4,700 种鱼类。这些种类分布吗？

为了介绍各个物种不同的迁徙路线和栖息地，海鲜展区还准备了互动视频展览。将手放在日本列岛周边海域每个季节出现的各种海鲜的影子上，就会显示该海鲜的信息，成为一种有趣的学习方式。

作为珍贵的展品，东京帝国大学的池田菊苗博士因发现并命名了高汤所代表的美味“鲜味”而闻名，他实际上生产了提取的鲜味成分谷氨酸（“鲜味”）。提到了从海带中提取的 1 号提取物“蒸馏塔米酸”） 。

如今，鲜味已被全球公认为“UMAMI”。鲜味是由池田博士于 1908 年发现的，是不同于人们早已熟知的甜、酸、咸、苦的第五种味道。然而，“高汤”本身是从海带和鲣鱼片等原料中提取谷氨酸、肌苷酸和鸟苷酸等鲜味成分而制成的，其历史更为悠久，早在室町文献中就已出现。时期。高汤的鲜味不依赖于动物脂肪和油，而是带出食材的味道，使其成为日本料理的重要组成部分，而日本料理往往比较清淡，以汤和蔬菜为主。

另外，当你同时品尝氨基酸谷氨酸和核酸类鲜味成分肌苷酸和鸟苷酸时，会出现一种被称为“鲜味协同”的现象，即鲜味明显比不吃时更强。他们被单独消费。这种现象在1960年就被发现了，其机理直到2008年才被阐明，但海带（谷氨酸）和鲣鱼片（肌苷酸）的组合在日本料理中开始流行，据说这是江户时代的事。

高汤的展示让我们一睹先人对食物永不满足的好奇精神，尽管他们不知道鲜味的存在，但他们将自己的经验运用到烹饪中。

卑弥呼和信长吃什么？还有江户时代食谱的复制展示。

会场后半段看点颇多，尤其是第三章《日本料理的起源》，解开了绳文时代至今日本料理的历史，并以卑弥呼等历史人物为主角、织田信长、佩里海军上将、明治天皇。本次展览的亮点之一就是再现名人餐桌的展示。

自奈良时代确立了以米和鱼为中心的日本料理的原始形态，并被认为不洁而避免肉类消费的情况下，它已发展成为素食、本膳、怀石料理等多种形式，但这些都是有限的……这是只能提供给某些地方和职位的人的东西。直到江户时代，日本的饮食文化才取得了长足的进步，知识和技术才传播到民间。据说其背后的主要因素是餐馆的发展、发酵调味料的工厂化生产以及由于识字人口的增加而导致的食谱的传播。

展览中将展出收集了100种豆腐菜肴的俏皮畅销书《豆腐百珍》（1782年），以及因该书的热门而出版的《萝卜烹饪的秘密盒子》，以及主打鸡肉和鸡蛋的“万宝”。查看对日本饮食文化的传播做出贡献的原始食谱书籍，例如使用不同食材的“百林物”烹饪书，以及使用鸡肉和鸡蛋制作的菜肴的食物样本书上介绍的菜谱，就完成了。展览旁边有一个现代版食谱的二维码，所以在家尝试一下可能会很有趣。

第四章《日本料理的真、善、美》中，赏心悦目的视频装置聚焦于日本料理的构成要素，如厨师的生动技艺、炊具的精致造型等。 ，还有我们老祖宗的审美意识，我给你。

文明和启蒙运动到来后，随着西方和中国美食的传入，日本人民开始将他们创造的饮食文化称为“和食”，并意识到了这一概念。历史上，日本成功地融合了外国食材，开发出新的美食，比如日式与西式融合的烹饪方法，以及咖喱饭、那不勒斯意大利面、炸猪排、拉面等日式西餐和中餐。成为日本料理的一大特色。

第五章“我的日本料理”中，通过之前的展览了解了日本料理的制作过程后，其内容旨在让您重新思考什么是日本料理，其定义随着时代的变化而变化。我做到了。

第二会场只有第六章《日本料理的未来》，讲述了日本料理未来将如何变化，指出了乡土料理和传统蔬菜的重要性，并解释了日本料理如何延续因应社会变化而改变，展望未来。在介绍解决粮食问题的尝试和开发技术的区域，我们能够看到罕见的人工孵化的细头鳗幼体。

如今，无论什么季节，都可以订购世界各地的食材，通过互联网可以轻松获得任何国家的食谱。随时随地都可以体验同样的食物、同样的味道……随着同质化食品相关服务的扩张，日本饮食文化的多样性和独特性可能正在消失。然而，有些食材和口味是根植于当地的，如果我们想到改变西餐以适应日式风格和米饭和味噌汤背景的智慧和毅力，我们就忍不住了但想想未来，我觉得我们应该对它的发展抱有很大的希望

如果您通过这次展览加深了对日本列岛多样化的自然环境和人类活动的了解，也许您会发现日常的日本料理味道更加美味。

展览期至2024年2月25日（星期日）。请来参观我们。

“日本料理：日本的自然与人民的智慧”特别展概要

*文章内容截至采访日期（2023年10月27日）。最新信息请关注展会官方网站。

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上野之森美术馆

上野之森美术馆正在举办“莫奈：系列场景”展览，通过《一叠稻草》、《 《睡莲》系列。
展览期限至2024年1月28日。

我参加了活动前的新闻预演，所以我会详细报道一下会场情况。

展出的作品全部是莫奈的作品。与国内外40多家博物馆合作完成的有价值的展览

克劳德·莫奈（1840-1926）是印象派大师。

莫奈对自然光和色彩有着非凡的感觉，他在不同的季节、天气和一天中的时间里观察同一个地方或主题，并在多张画布上创造出一系列不断变化的印象和瞬间的光的运动。他被认为是一位开创了一种称为“系列”的创新表现方法的画家，这在当时是史无前例的。

本次展览是为了纪念1874年印象派诞生150周年（首次印象派展览的举办）而举办的，展出了《稻草堆》、《睡莲》等莫奈的多幅作品。在重点展示一系列有主题的绘画的同时，我们还将介绍印象派之前的作品，例如首次在日本展出的大型肖像画《午餐》 。通过日本国内外40多家博物馆收藏的60多件杰作，可以追溯莫奈的一生，延续着他与时间和光不断的对话。

标志着印象派转折点的早期杰作《午餐》首次在日本展出

展览按时间顺序分为五个章节。

莫奈 1840 年出生于巴黎，在诺曼底的一个港口小镇度过了童年。从15岁左右开始，他就已经成为当地著名的漫画大师，17岁时，在风景画家尤金·布丹的建议下，他开始在户外画风景。

在巴黎接受画家培训后，1865年，他在传统的公共展览沙龙上赢得了两幅风景画，这是当时法国艺术家通往成功的唯一途径，也是最好的市场，他在第一次尝试中就入选了。尽管他首次亮相很成功，但1867年，沙龙的评审标准变得严格和保守，他并没有受到好评。 1870年，他精心准备的作品《午餐》 （1868-69），高度超过230厘米，被拒绝。

在第一章“印象派之前的莫奈”中，莫奈的《午餐》将首次在日本展出，此外还有描绘荷兰水边风景的风景画和肖像画，莫奈从 1871 年逃离荷兰后一直居住在荷兰。普法战争..

《午餐》描绘了后来结婚的卡米尔和因经济原因分居的儿子让开始同居时，餐桌上的随意场景。这是莫奈早期的代表作之一，可以让你体验到难得一见的“黑色”风格，一种说法是，他大胆、粗犷的笔触和鲜艳的色彩是新的表现方式，他把日常场景描绘得几乎没有叙事性，仿佛它们是真实的。伟大的画作。据信，他在大屏幕上绘制这幅画的事实令强调新古典主义的评委感到不满。

以这次拒绝为契机，莫奈远离了艺术风格不同的沙龙，转向了成熟的印象派。

1871年底，莫奈搬到巴黎郊区塞纳河沿岸风景如画的阿让特伊小镇，与到访该地区的马奈和雷诺阿一起致力于绘画。为了寻找新的展示场地，1874年他与战友们在巴黎举办了“第一届印象派画展”。虽然引起了关注，但销量不佳，公司陷入财务困境。此外，1879年，他因病失去了妻子卡米尔，她是他最好的榜样和理解者。

第二章《印象派画家莫奈》展示了莫奈在1870年代和1880年代生活在如此艰苦的环境中，在塞纳河流域各地旅行时创作的各种印象派风景画。 。莫奈喜欢自然风光，尤其是水边景色，而不是快速现代化的城市景观。

大约在这个时候，莫奈模仿风景画家查尔斯·弗朗索瓦·多比尼（Charles-François Daubigny），创造了一艘独特的工作室船，船顶设有小屋，如《莫奈的工作室船》 （1874年）中所描绘的那样。这辆车可以承受户外拍摄带来的恶劣天气，让他可以自由移动，从独特的水上视角捕捉他的许多作品。

尤其让莫奈着迷的是维特伊小村庄的景色，包括它的教堂，俯瞰塞纳河，他反复画这个主题。其中，收藏于南安普敦市美术馆的《维特伊教堂》 （1880）被誉为这一时期的代表作，他在画布上运用了大胆的笔触，试图描绘出可见的时刻，倒映着不断摇曳的水面，亮点是贴得很快。

同一章节中另一件引起我注意的事情是这幅画，与同时期的其他作品相比，它以略为抽象和粗糙的笔触描绘了维特伊荒凉的冬季景观（ 1879）。

另一件以维特伊的自然为主题的作品是《维特伊的春天》 （1880），画中画的是一个女人和一个孩子，看上去是与她同住的奥赫德家族的妻子爱丽丝，是一幅表现力丰富的画作。短而粗的触感，细而短的线条，有节奏的线条如波浪般奔腾，混合着柔和的粉色。

当我比较这两幅作品时，我的印象是后者作为画面显然更加稳定。人们只能想象，春天的温暖到来和亲近之人的出现，也许逐渐抚平了莫奈因失去妻子卡米尔而深感的悲伤。

走向“系列”的想法。一组松散连接的同一主题作品

莫奈因19世纪末铁路网的发展而游历欧洲各地，比起拥挤的度假区，更喜欢荒凉的海滩等自然风光，并在一个地方花了几个月的时间集中绘画。每年重新审视它。

第三章“专注于一个主题”，介绍了捕捉单一景观的多种表达的作品，例如诺曼底的普尔维尔海滩和埃特尔塔的奇怪岩石，这些都让莫奈着迷。

特别有趣的是四件涉及普尔维尔海岸的作品。两幅作品创作于1882年的《普尔维尔悬崖》和15年后创作于1897年的《普尔维尔悬崖》、《早晨》和《普尔维尔海的涟漪》，都描绘了可以看到海岸对面的悬崖。沙滩、大海和天空的构图相似。

不过，1882年的作品明显强调突出的悬崖和礁石作为母题，而1897年的作品则母题较弱，更多地意识到天气、海况和整体氛围的变化，我感觉它是针对我的。

这四幅作品生动地传达了莫奈风格和观点的变化，这只能从这四幅作品在同一个地点历时十多年的时间里完成来看出。

其他作品如《La Manneporte (Etretat)》 (1883)和《La Manneporte in Etretat》 (1886)都是具有一定顺序的作品，给人一种松散的联系感，同一主题的变化。它可以表达为类似的东西。通过这个过程，莫奈产生了创作一系列关于单一主题的绘画的想法。

从第四章“系列画家莫奈”开始，我们终于看到了本次展览的重点“系列”的代表作品。

1883年，42岁的莫奈搬到塞纳河畔的吉维尼，作为他最后的家。莫奈最初以稻草堆为主题，这是该地区秋天常见的景象，但在 1890 年左右，他将多块画布并排排列，并根据天气和时间的光线效果进行创作。创建时时变化的描述。 1891年，他在巴黎杜兰德-鲁埃尔画廊举办了个展，将这些作品作为系列展出，获得了巨大的成功，使他成为法国国内外最重要的画家之一。

这堆稻草被认为是莫奈认真实践系统连续绘画方法的第一个系列。

本次展览的《稻草堆，雪的效果》 （1891）是杜兰德-鲁埃尔画廊1891年展出的15件作品之一。稻草堆被大面积地放置在屏幕前面，几乎处于阴影中的稻草堆与明亮的雪之间形成了美丽的戏剧性对比。

此后，他创作了一系列基于多种主题的作品，从1899年开始，他花了数年时间绘制伦敦的滑铁卢桥和查令十字桥。

《滑铁卢桥》共有41件作品，是伦敦系列作品中最多的，其中三件描绘阴天、黄昏和日落的作品将在场馆展出。

画面中似乎弥漫着潮湿的气氛，每幅画都省略了作为母题的桥梁的细节，柔和的剪影仿佛漂浮在泰晤士河的薄雾中。亮点在于光棱镜所创造的色彩的微妙和谐，就像木版画改变其印刷颜色一样，由于构图相同，色彩表达的独特性脱颖而出。

通过在各种色彩和光线的视觉效果中反复观看单个主题，观众会沉浸在作品中，并能够追溯莫奈本人所经历的“时间”，而这在屏幕上是不存在的。体验它。我相信创造这种身临其境的体验也是莫奈“系列”的目的。

这不仅仅是对光和色彩的简单探索，而是“连续作品”如何共同发挥作用以及它们对观看者产生什么效果，创造出只有通过“连续作品”才能实现的新艺术。莫奈有坚定的意愿这样做。

使莫奈成为“抽象绘画之父”的睡莲

莫奈在吉维尼的家是他理想的最大灵感源泉。我花了很多年的时间设计紫藤和牡丹等季节性花卉盛开的“花园”，以及据说是莫奈的杰作并受到日本花园启发的“水花园”，目的是将它们变成绘画题材。维护。园丁在这个“水上花园”的池塘里种植的睡莲成为了他晚年最伟大的系列作品之一的主题。在第二任妻子爱丽丝和家人的支持下，莫奈继续创作艺术，直到86岁去世，尽管他患有视力障碍。

第五章也是最后一章“睡莲和吉维尼花园”介绍了吉维尼的场景和莫奈喜欢的各种花园场景，包括睡莲。

莫奈于 1897 年夏天开始集中绘画睡莲，即他开始建造池塘四年后， 《睡莲》 （约 1897-98 年）是他在职业生涯初期创作的八幅作品之一。睡莲花朵和叶子的特写构图，靠近池塘表面绘制，形状清晰。引起我注意的是花朵的大胆笔触从远处看时散发出光滑的三维效果。

此时，你可以看到莫奈的目光只集中在睡莲上，黑暗的水面上没有映出池塘周围的树木或天空。随着岁月的流逝，我们的目光聚焦在水面上。随着视力的恶化，他失去了深度，笔触变得更加粗糙，形状、色彩、光线在水面上融为一体，像镜子一样反射着周围的环境，把他变成了一幅抽象画。

这些后来的作品刺激了20世纪中叶的抽象艺术家，莫奈的艺术受到了新的关注和重新评价。

这是一个很有价值的展览，每件作品都是莫奈的代表油画《100%莫奈》，没有任何绘画或底画。这本书推荐给莫奈的初学者，因为它展示了莫奈从印象派之前到晚年的风格变化。请来参观我们。

“莫奈系列场景”概述

※※文章内容截至报道日期（2023/10/19）。请查看官方网站了解最新信息。

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东京国立博物馆

「大和绘」创立于平安时代初期，历经各种变迁而流传下来。

东京国立博物馆即将举办的特别展览“大和绘——代代相传的朝代之美”，追溯了始终创新的大和绘的血统。

本文报道了活动前一天举行的新闻预览。

什么是大和绘？

特别展“大和绘——代代相传的王朝之美”以平安时代以来不断绘制的“大和绘”为中心。
然而，有趣的是“Yamato-e”的概念随着时间的推移发生了很大的变化。

从平安时代到镰仓时代，描绘日本风景和人物的作品被称为“大和绘”，与描绘中国题材的“唐绘”形成鲜明对比，但此后出现了诸如水墨画 基于某种风格的绘画被称为“中国画”，而基于前代传统风格的作品被称为“大和绘”。
换句话说，“大和绘”一直作为与外国绘画相反的概念而存在。

本次展览精选了《大和绘》画作，这些画作继承了王朝美的精髓，同时不断改变着形式，特别是从平安时代到室町时代。

满满的日本艺术“实战教科书”！

本次展览共分为6个章节。

序言：传统与创新——大和画的变迁——
第1章 大和绘的创立——平安时代——
第2章 大和绘的新面貌——镰仓时代——
第3章 大和绘的成熟——南北町和室町时代——
第四章 宫廷绘画谱系
最终章 大和绘与四个季节——代代相传的王朝之美——

通过作品，您可以体验到大和绘与唐绘、中国画等外国艺术的思想和技法反复交涉而独立发展起来的变化，以及各个时期的特点。

这就是日本艺术的王道！教科书般的作品、艺术收藏中熟悉的作品等等汇集在一起，真是一种景象。
总共约245件展品中，70%以上为国宝和重要文化财产，展览中不仅展示了绘画作品，还展示了许多支持大和绘审美的同期作品，例如书法和工艺作品。

其中，被认为“本次展览强烈推荐”的作品之一是重要文化财产“滨松屏风” （东京国立博物馆所有），被誉为最精美的屏风之一。室町时代的大和画。

这是一幅给人非常生动的印象的杰作，许多花草树木叠加在令人眼花缭乱的海滩景观上，从右到左代表季节的变化。据说它是汇集了古代和中世纪大和绘各种元素的“终极大和绘” 。

如果你仔细观察的话，整幅画似乎都散发着暗淡的光芒，但这显然是由于室町时代大和绘独有的技术，其中云母（一种层状硅酸盐矿物）被扫过基地。与后来强调黄金的安土桃山时代不同，它像月夜的暮光一样闪闪发光。不知怎的，你能感受到一部分日本人深厚的美感。

日本画卷史上最优秀的杰作“四大画卷”齐聚一堂。

此外，在众多画卷中，平安时代末期创作的“四大画卷”被誉为最伟大的杰作。
本次展览将展出现存最古老、最伟大的王朝故事绘卷《源氏绘卷物语》，以及《信贵山延吉绘卷》、《万大纳言绘卷》和著名的《长寿吉画》（均为国宝）。我们都会见面。

这是四大画卷之一，被称为“长寿图画” （京都高山寺藏）的国宝。我对2015年在东京国立博物馆举办的人头攒动的超大型展印象深刻，这部作品以其幽默可爱的性质受到了很多人的喜爱。
四时的更替、每月的事件、花鸟山水、各种故事……大和绘描绘了各种各样的主题，而这部《长兽千兆》中描绘的动态动物就是其中之一。它脱颖而出。

本次展览分四个展期（①10月11日（星期三）-10月22日（星期日）➁10月24日（星期二）-11月5日（星期日）③11月7日（星期二）-19日（星期日）④11月21日（星期二）-展览将根据12月3日（周日）进行调整，但四大画卷将于10月11日至22日30年来首次齐聚。
除了这个时期之外，还有被誉为大和绘肖像杰作的三大饰经（久无寺经、平家经、慈光寺经）和神护寺三尊像（传赖朝像、传平重森像、传藤原红像）有许多值得注意的作品，包括古代和中世纪的杰作，例如（都是国宝）相继出现。

负责本次展览的东京国立博物馆策展研究部绘画雕塑部部长土屋贵宏表示：“这是一次作品数量如此之多的展览，即使作品较少也能完成。”超过一半的作品。我想随着展品的变化，你会看到更多的作品。希望你能经常来参观。”
是对观众说的。

《大和绘》的世界在一千多年的历程中不断传承和改变。
请您随时到会场参观、参观。

*每件作品的展出时间请参见官网《展览图录》。

活动概览

*文章内容截至采访时。详细信息可能与最新信息有所差异，请以展会官方网站为准。此外，本文中介绍的作品可能已经展出过。

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东京都美术馆

介绍罗马从建国到近代的美丽历史的“永恒之城罗马”展览在东京都美术馆开幕，重点展示位于市中心的卡比托利欧博物馆的藏品。罗马。展览时间为2023年9月16日星期六至2023年12月10日星期日。

我参观了会场，并将报道展览情况。

卡比托利欧博物馆庆祝罗马辉煌和美丽的历史

卡比托利欧山长期以来一直是罗马人的宗教、政治和文化中心，古代曾有供奉至高神朱庇特和其他诸神的神庙，如今卡比托利欧山是罗马市政厅所在地。卡比托利欧博物馆建在一座小山上，是世界上最古老的博物馆之一。

1471年，文艺复兴时期的教皇西克斯图斯四世在卡比托利欧山向罗马公民捐赠了四尊古代雕塑，目的是激发他们的自尊心，并表明他是古罗马的合法继承人。博物馆成立的结果。它于 1734 年向公众开放，收藏了丰富的罗马出土的古代文物、源自梵蒂冈的雕塑以及罗马显赫家族拥有的艺术品。

本次展览重点展示卡比托利欧博物馆的藏品，涵盖从建国神话到古罗马时代的辉煌，再到艺术达到顶峰的文艺复兴和巴洛克时期，以及从17世纪开始的一切内容。本次展览通过约70件雕塑、绘画和版画介绍了被誉为“永恒之城”的罗马辉煌的历史和艺术。

除了按时间顺序排列的五个章节外，还设有介绍博物馆与日本交流的特别展览，以纪念岩仓使团访问该博物馆150周年。

第一章“罗马建国神话的创造”，解开了据说建城于公元前753年的古罗马的民间传说和神话。起点是著名的著作《卡比托利欧》 “母狼（繁殖）”，可以说是罗马的象征，就被放在那里。

原作是卡比托利欧博物馆的四大古代雕塑之一。据说创建于公元前5世纪。 （展出的作品是后来由罗马市政厅拥有的复制品）

这个故事根据战神马尔斯所生的罗马第一任国王罗慕路斯和女祭司瑞亚·西尔维娅抚养长大的母狼以及弟弟雷穆斯的故事改编而成。诗人维吉尔的史诗《埃涅阿斯纪》取材于罗马建国神话。

原本它只有一只母狼，但在文艺复兴时期，又增加了一尊喝牛奶的双胞胎雕像。母狼睁大的眼睛和皮毛以一种风格而精致的方式表现出来。

母狼哺乳双胞胎的雕像被供奉在罗马城内，随着它作为建国神话的化身与帝国历史一起不断前行，它已成为公共纪念碑和钱币等公共艺术，它影响了各种媒体的图像表达。 《卡比托利欧母狼》是除了后世添加的双胞胎雕像外，可以被认为是标志性作品的现存作品。

第一章中还有许多其他描绘母狼的作品，例如《银德拉克马》和《博尔塞纳之镜》 （公元前 4 世纪），这表明了其作为象征的巨大影响力。

公元前27年以后的帝制时期，肖像画随着帝国的繁荣而发展。罗马皇帝的肖像，表情庄重，写实，不仅起到了宣传手段的作用，还影响了普通公民的私人肖像，据说还普及了各种时尚的服装、姿势和发型。

第二章“古罗马帝国的辉煌”，通过“时代面孔”追溯辉煌时代，其中包括奠定古罗马帝国基础的尤利乌斯·凯撒和奥古斯都的头雕。它传达社会和政治变化。

在这里，卡比托利欧博物馆拥有的两座君士坦丁巨像的碎片以精致的全尺寸复制品展出，令人印象深刻。君士坦丁巨像是教皇西克斯图斯四世向罗马公民捐赠的另一座古代雕塑。

君士坦丁（在位 306-337 年）是罗马帝国最重要的皇帝之一。他被称为第一位重新统一分裂帝国、承认基督教为国教并自己成为信徒的罗马皇帝。

仅头部就有约1.8米高。它的规模让人想起它以前的辉煌。人们认为，凹陷的脸颊、眼下严重的泪袋和嘴角的皱纹是皇帝晚年的写照。虽然表情凝重，但那双微微仰起的眼睛，仿佛眺望远方，令人印象深刻。一种超然的气息，似乎体现了当时人们对皇帝的崇高理想。

除了头部之外，本次展览还重新复制了卢浮宫最近发现的左脚、左手，甚至左手食指。

不要错过隐藏的宝石“卡比托利欧的维纳斯”！

此外，第二章展出的《卡比托利欧的维纳斯》是本次展览最引人注目的作品。

这件 2 世纪的作品以阿佛洛狄忒（希腊爱神，等同于维纳斯）雕像为基础，由伟大的古希腊雕塑家普拉克西特莱斯于公元前 4 世纪创作。

她采取维纳斯雕像典型的羞涩姿势，优美的身体曲线和丰润的肌肤纹理表现得极其美丽迷人。如果仔细看的话，可以看到她的头发在头顶扎成一个蝴蝶结，在颈后扎成一个发髻，然后头发披散成两半，有点像有趣的发型。

该作品与《米洛的维纳斯》（卢浮宫博物馆）、《美第奇的维纳斯》（乌菲兹美术馆）并称为古代维纳斯雕像的杰作。事实上，这是自1752年获得以来，它第三次被带出卡比托利欧博物馆，其中包括被拿破仑领导的法国军队暂时没收的那一次，因此它确实可以说是一件珍品。永远不应该被排除在外。

这是一部必看的作品，不知道以后在日本还有没有机会再看到。

为了这次展览，我们准备了一个特殊的空间，其灵感来自于卡比托利欧博物馆的八角形展览室“维纳斯室”，作品通常在这里展出。同样，地板也是按照博物馆所在地文艺复兴大师米开朗基罗设计的坎皮多利奥广场的图案设计的。

有关米开朗基罗始于 1537 年的城市规划以及标志性博物馆综合体（包括体现罗马城辉煌的广场和建筑）的开发的更多信息，请参阅第 3 章“从博物馆的诞生到米开朗基罗广场” ”这个概念通过绘画和版画被详细介绍。

在第四章“画廊收藏”中，教皇本笃展示了画廊收藏的 13 件作品。

藏品包括活跃于 16 世纪至 18 世纪的画家的杰作，从意大利巴洛克大师 Pietro da Cortona 到不知名作者的作品。它告诉我们当时意大利主流的主题和表达方式，以及引起艺术赞助人兴趣的画作。

自 17 世纪以来，罗马城作为古代遗址和教会建筑的宝库，已成为意大利和国外艺术家（包括通过大巡演）艺术灵感的源泉。

第五章“对艺术之都罗马的向往——幻想与现实的相互作用”，以纪念图拉真皇帝在达契亚战争中胜利的纪念碑为特色，据说这场战争让艺术家和欧洲君主特别着迷。 30米高的古代纪念碑“图拉真柱”的模型正在展出。我们还展示以古罗马艺术为灵感来源创作的作品。

迈森的素釉陶器《爱与普赛克》是一件小作品，长约30厘米，但交织在一起的身体，尤其是让人想起圆圈的手臂排列，轻轻地抱着彼此的头，似乎象征着永恒的爱情。，一时间我被它那迷人的曲线迷住了。

该作品是卡比托利欧博物馆内著名的 2 世纪大理石雕塑“Amor and Psyche”的复制品。 18世纪，随着古代艺术爱好者数量的增加，出现了生产著名古代雕塑的微缩版的新产业和买卖它们的市场，据说市场上有很多这些作品的复制品。

最后一层有一个角落，有一个特别展览“卡比托利欧博物馆与日本”。

150年前的1873年，明治政府派往欧美的岩仓使团参观了卡比托利欧博物馆。他们参观欧美博物馆的经历影响了明治政府的博物馆政策和艺术教育。

展览将展出根据使团成员可能在当地获得的明信片制作的访问报告《美国和欧洲的流通记录》中的插图，以及日本人民的感受的插图19世纪初期，欧洲受到了影响。我们正在介绍一些传达异国情调的想象图画，例如阿兰达法国卡诺加兰图画。

此外，1876年日本第一所艺术教育机构“工学院美术学校”（后来的“工部美术学校”）成立时，邀请意大利教师教授西洋艺术，以著名的雕塑为教材，我引进了石膏像作为模型，其中包括来自日本的石膏像。卡比托利欧博物馆。

作为其历史的证据，学生们被认为复制了创作于公元 2 世纪、现藏于卡比托利欧博物馆的狄俄尼索斯头像，以及一尊基于同一作品并被带到日本的石膏雕像。欧洲女士阿丽安娜的半个身体并排展示。它象征着卡比托利欧与日本之间永恒的联系。

罗马永恒之城展览让您沉浸在罗马宏伟美丽的历史中，这座城市吸引了来自世界各地的艺术家。请来参观我们。

“永恒之城罗马展”概况

*文章内容截至报道时。请查看官方网站了解最新信息。

文章提供： Kokosil Ueno

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东京国立博物馆

“横尾忠则馆山百德”展览将于 2023 年 9 月 12 日在东京上野的东京国立博物馆表庆馆举办。 （活动截止至12月3日）

我们首次展出“观山圣德”系列的102件新作，其中当代艺术家横尾忠则以自己的诠释重构了中国风僧的传统绘画主题。

*关于作品图像…除非另有说明，所有作品均由横尾忠则创作，并属于艺术家的收藏。

地德观山，因逃避现实的行为而成为人们钦佩的对象。

观山和慈德是两位传说中的诗人僧侣，据说生活在中国唐朝。

尽管他是一位受过高等教育的文学家，但他却是一个自由而古怪的人，住在山洞里，用剩下的食物填饱肚子，并发表令人发指的言论。在中国禅宗中，他们的世俗相貌和行为被尊崇为一种觉悟的境界，观山被视为神圣的文殊菩萨的化身，而慈德则被视为普贤菩萨的化身。
在中国和日本，自镰仓时代以来，观山净德就被许多禅僧和文人墨客描绘成传统绘画题材，近代则在森鸥外、夏目漱石的小说中备受推崇。

2019年，日本当代著名艺术家横尾忠则（1936-）首次展出了以观山上德为主题的作品。其灵感源自江户时代奇幻画家曾我翔白的名作《观山长德图》。

此后，他一直潜心创作“关山贞德”系列，以多种方式改变其造型。在COVID-19大流行期间，他避免与外界接触，并在与世隔绝的工作室里全身心投入创作活动，就像关山慈德的隐居所一样。

展出的“观山上德”系列的102件作品，都是专门为本次展览创作的未发表的全新作品。

生产周期从2021年9月开始大约一年。正如横尾本人在本次展览的新闻发布会上所说，“我决定放弃艺术家的身份，成为一名运动员。”带着与年龄不符的强大和挑战精神，他有时一天工作三遍。速度惊人，有时甚至能把点画出来。

超越时空，从图像到图像

观山丈德据说是一位诗人僧侣，传统的表现是观山手持写有中国诗词的卷轴，丈德则手持扫帚清扫寺院花园，但横尾先生创造了自己的解释将卷轴用作卫生纸并将其用作扫帚。它具有幽默感，具有现代更新，例如让用户切换到真空吸尘器。此外，两人坐在马桶上，让人想起马塞尔·杜尚的喷泉，也许与卫生纸有关。

当我在会场走一圈时，我发现每件作品的标题都统一了制作日期，没有任何说明文字。

东京国立博物馆策展研究部研究部主任松岛正人表示，这些展览反映了横尾的愿望。

“横尾先生自己说，他无意在他的每幅作品中传达某种信息或试图传达某种东西。我把从我的身体中产生的东西放在画布上。我希望人们在自由想象和思考的同时观看它。”解释它。”

在许多情况下，一个特定的主题会形成一系列的阶段，例如“红布”。

《2022-03-24》描绘了关山千德和一名女子在红色床垫上休息的场景，这显然是对 19 世纪法国画家爱德华·马奈的名画《草地上的午餐》的戏仿。还有一幅类似的作品，名为《2022-05-01》，与江户时代画家久住森影的《Noryo Screen》一模一样，是博物馆收藏的国宝。

几天后创建的2022-05-05，他像天方夜谭一样，在红色魔毯上快乐地飞翔在天空中。而当我看《2022-05-28》时，就像是哈利波特的世界。也许他们每个人都想自己飞翔，所以他们从红地毯换成了扫帚。

就这样，横尾先生的观山千德雕像与一个又一个的图像联系在一起，像一百张面孔一样变化。

他看起来装扮成阿尔塞纳·卢平或堂吉诃德，但他的身体也变成了一座巨大的山体，看起来像一幅水墨山水画，或者是一种无机的几何形状，让人想起人工智能或机器人。实德观山为所欲为，打扮成女人，融入其中，融入到风景中，让人根本分不清他在哪里。

此外，正如传统绘画主题《四幅睡画》中，他的陪伴不仅有地得六观山，还有他的两位大师武观禅师和虎，以及爱因斯坦、爱伦·坡、大谷翔平等人展示了他的作品。脸。也能窥见东京奥运会、足球世界杯等反映社会状况的作品……

有一个关山地狱的故事，无论时间、地点、大小、现实还是虚构，都可以自由移动。

这些作品的多样性，就好像艺术家的多面性以《Jitoku Kanzan》的形式展现出来一样，是由于横尾自己所说的“物理大脑”。

这部作品的诞生是因为我让身体自由活动，不受风格或承诺的束缚。艺术家时不时的身体表现，比如昨天和今天的月经变化，或者那天映入眼帘的事物，感觉有点像日记。

用因身体不便而获得的“迟钝的身体”开辟自由的新领域

他的许多画作都以柔和的笔触绘制，横尾先生将这种绘画风格称为“Oborotai”。

“Oborotai”原本是指明治时期确立的日本绘画技法，但对于横尾先生来说，“Oborotai”意味着由于2015年患上听力损失的影响，他的视野甚至大脑内部都变得模糊不清。事物之间、梦境与现实之间的界限都变得模糊了。肌腱炎使得画出清晰、有力的线条变得困难。它是通过这些物理变化获得的。

反复的笔触变得模糊的轮廓，时而中和了时空的围墙，时而超越了艺术家的本意，脱离了过去和技术的束缚，给人一种开放的感觉，融化了观者的心。把它给你。

大部分作品都画在F100或F150尺寸的大画布上，令人印象深刻，而且由于没有亚克力盒等遮盖物，可以近距离欣赏笔触和色彩的层次感。
屏幕明亮，使用了红色、黄色等多种温暖的原色，给我一种平和、充满活力的感觉，仿佛卸下了一些肩上的担子。

据说，举办在世艺术家的展览在博物馆历史上是罕见的。为何不在本次展览中体验横尾忠则在 80 多岁开创了新天地的自由世界，这个展览在博物馆中占有特殊的地位？

此外，作为本次展览的相关项目，东京国立博物馆主楼1号特展室还将推出题为《东京国立博物馆的寒山：对传说中的狂风和尚的向往》的专题报道。 2023年9月12日（星期二）至2023年11月5日，持续至星期日。

*凭本次展览门票即可观看。第一期和第二期展览有变动，详情请查看官网。

包括国宝因达拉的《观山净德图》在内，博物馆收藏的经典《观山净德图》都集中在一处进行介绍。追踪《观山上德图》的演变并将其与横尾的最新作品进行比较可能会很有趣。

“横尾忠则观山百德”展

*文章内容截至报道之日。请查看官方网站了解最新信息。

文章提供： Kokosil Ueno

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东京都美术馆

荒木玉名是一位持续从事从版画到装置等广泛表现活动的纽约艺术家，他的首次回顾展将在东京上野的东京都美术馆举办。展览期限至2023年10月9日。

荒木玉名（1970-）1991年从武藏野美术大学短期大学毕业后留学墨西哥，对“光明与黑暗”、“生与死”共存的独特文化着迷。此后，他在墨西哥多次停留期间，通过多种表现形式创作出具有独特世界观的作品，其中包括在当地学习的铜版画、三维作品、装置、动画等技法。

2012年，她将活动基地迁至纽约，迈出了有意识地以移民身份生活的新一步，近年来她对“跨越国界”、“多样性”等主题感兴趣。 “包容。”

本次展览是荒木经惟的首次回顾展。从早期作品到新作品，从手掌大小的三维作品到占据整个楼层的大型装置，约120件品种多样，《记忆的那里》（2023年/首次展出）在这次展览中），受到“上野的回忆”的启发。正在开发丰富的作品集。

展览由四个章节组成。荒木经惟作品的魅力在于其主题和表现方式能够唤起人们的生活和故事，给人一种亲切和怀旧的感觉，同时在日常和非凡之间建立了界限，让你的心仿佛被带到了某个地方。观众被邀请踏上一段穿越世界的神秘之旅。

第一章“旅行的‘开始，开始！’”介绍了比较早期的作品，包括那些以旅行为主题的作品，以及那些以在墨西哥的经历为灵感的作品，我以此为起点进行介绍。

入口处有一件名为《无题》 （1995）的作品，它是由一个音乐盒组成的，观众可以自己转动螺丝。关于这部作品，荒木经惟在一次画廊演讲中评论道，“当一首歌正在播放时，我是抱着一边听着它一边进行想象的旅程的想法来创作它的。”众多空空的相框，预示着即将开始的旅程中的美好邂逅。

展览就像《开始，开始》 （2003）中的帷幕一样开始，一个故事开始了。 《白天》和《夜晚》 （1999）的创作理念是“如果有一个可以随身携带的作品，可以放在我旅行时住的房间的床边，或者火车窗边的小桌子上。” 创作的独特可折叠三维作品。全部采用铜版雕刻技术制成。

以骷髅为主题的《黄色骷髅》(La calavera amarilla) (2005) 和以色彩缤纷的装饰和彩灯迎接死者的《骷髅进行曲》(Una Marcha de los esqueletos) (2004)，您可以感受到墨西哥独特的生死观的影响，例如“太阳”。

《曹诗》 （2005）是一个充满温暖光线的梦幻场景，让人想起灯笼。这个设计的灵感来自于墨西哥穷人浓厚的生活方式，他们过去未经许可从电线杆上拉出电线，用它们来照亮自己的房屋和小吃摊，而用这些灯装饰的街道是如此美丽，看起来非常美丽。就像星空一样，这是一个受这个概念启发的装置。

天花板上悬挂着许多电源线，电源线的末端连接着看起来像房子的小盒子。不仅光的颜色不同，每个小盒子的图案也不同，使用的物品也多种多样，比如荒木经惟在墨西哥喝过的一盒茶、一张巴士票、一张墨西哥摔跤的传单等。 。

混乱国家的形象来自于荒木经惟从涂满色彩的房屋和居住在那里的墨西哥城人民中感受到的“混乱中生存的力量”，不是吗？

请注意，这项工作是一项参与性工作。在展览协调员（支持观看的志愿者，绰号“Kee-jin”）的指导下，观众可以将小盒子连接到他们选择的任何插座上，使它们成为城市景观的一部分。

第二章“柔光中潜伏的黑暗”中，两个装置对称排列，分别表达光明和黑暗。

荒木经惟以他小时候居住的住宅区为形象创作的《内》 （1999）中，大约100个由白色胶合板制成的盒子靠在白色的墙上，类似于住宅区中的房屋。

每个盒子都被随机编号，观众从主持人那里收到一把钥匙，打开与编号相匹配的盒子门。然后，光线从里面溢出，我们开始看到版画中描绘的每个家庭的温馨生活，这在统一的外表下很难想象。

在《家》墙的另一边， 《看不见》 （2011）有着强烈的存在感，一个黑色的、不祥的物体从上方蔓延开来，仿佛将日常生活中的小幸福填满在同一个空间里。工作..

该作品是在2011年东日本大地震之后创作的，视觉上捕捉了当时因核电站事故而感受到的焦虑和厌恶的感觉，其中被称为放射性物质的看不见的危险物质可能会飞来。制作。据说，这些黑色物体是用从墨西哥大量购买的黑色兰花纤维染色，然后将它们卷成饺子，然后粘贴在一起制成的。

第三章“故事的世界，跨越国界的蝴蝶”，全面介绍了荒木经惟的“故事的世界”，可爱而又令人不安，充满了荒木经惟的诗意。

荒木经惟画的人物大多只是剪影，看不到他们的表情。他独自一人在广阔的世界里，有时会面对一些令人恐惧的事情。你看到孤独、自由还是对某事的渴望吗？当我自己和我自己神秘地重叠时，我的记忆被动摇了，不知不觉间，我的思绪似乎被吸收到了作品的世界里。

《NeNe Sol – 最年轻的太阳》是一本以至今仍在墨西哥恰巴斯地区流传的玛雅太阳创造神话为基础的图画书，由荒木经惟先生和 Leñateros Studio 联合制作，版画工作室的成员主要是玛雅土著人。事情。会场内展示了原型版和原版插图。独特的装订看起来像石雕，是由一位墨西哥雕塑家创作的。

2022年，荒木经惟将在东京都美术馆与来自各国的孩子们一起举办名为“我听到民间故事”的工作坊。孩子们体验了用纸浆制作帐篷和蝴蝶形状的图画书，还介绍了来自祖国的民间故事。会场内陈列着当时实际制作的帐篷。

荒木先生对他在墨西哥遇到的帝王蝶很感兴趣，这种蝴蝶像候鸟一样从一个国家迁徙到另一个国家过冬。这件作品的灵感显然来自于帝王蝶将翅膀停在地面上的形象。

这部作品以特朗普执政期间作为移民生活在美国的荒木经惟，以及他对被围墙封锁而无法跨越国界的难民，以及无论怎样都能在世界各地自由迁徙的帝王蝶的思考为基础。的边界。它是叠加的。

此外，由于帐篷是人们暂时停留或避难的地方，荒木经惟透露，这件作品有“人们可以安心躲藏的地方”的意义。

在第四章“上野的地下冒险”中，我们使用了地下三层展览室的整个空间，可以称为博物馆的“那里”（底部），天花板高度为 10 米，为“上野的记忆”创造创意。由此产生的大型装置“记忆的那里” （2023）将装饰本次展览旅程的最后一部分。

在我的研究中，我了解到它成为许多历史事件的舞台，例如日本第一个公园、博物馆和动物园的诞生，关东大地震，东京大空袭，以及战后黑市的出现。战争，吸引了来自各个国家和地区的人们，而荒木先生却被他所居住的上野的混乱所吸引。

中央黑色鸟笼般的巨大物体周围，展示着上野过去和现在的碎片图像，包括荒木经惟本人拍摄的上野照片和描绘上野的浮世绘，一对悬挂着象征“眼睛”的镜子天花板上的光线在揭示埋藏在“下面”（底部）的上野形象方面发挥了作用。

该物体是“一个像笼子一样的空心篮子，吞噬并吐出过去、未来、美丽和琐碎。”该物体的上部看起来像是被一只大手抓着。有些柱子是弯曲的，好像它们是从内部强行推出或从外部撬开的。

对于这个形状，荒木经惟说，“鸟笼和笼子似乎是在保护鸟类，但同时也限制了它们，让它们无法自由飞走，而这个形状就是从这两个方面显现出来的。”他解释道。

对于这次展览，荒木先生说：“我希望很多孩子和年轻人都能够看到它。我希望他们能够走进地下，有一种有点神秘的体验，像在旅行一样享受它。”从地面到上野“那里”的旅程也激起了我对另一段旅程的向往。

一个让人想起荒木经惟感兴趣的跨越国界、多样性和包容性等现代社会跨国家和地区共同主题的展览，将持续至2023年10月9日。

上野《开始，开始》荒木玉名作品展

*文章内容截至报道时。请查看官方网站了解最新信息。

文章提供： Kokosil Ueno

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