【东京都美术馆】“安德鲁·怀斯展览”报道：连接光与影、生与死、存在与缺失的“边界”形式

东京都美术馆

东京都美术馆正在举办大型回顾展“安德鲁·怀斯展：庆祝东京都美术馆百年馆庆”，以“边界”为主题，诠释了代表20世纪美国具象绘画的国民画家安德鲁·怀斯（1917-2009）的艺术生涯。展览将持续至2026年7月5日（星期日）。

*本文中展示的所有作品均出自安德鲁·怀斯之手。

活跃于20世纪的安德鲁·怀斯与席卷那个时代的先锋艺术运动，如抽象表现主义、新达达主义和波普艺术，保持着距离。他以家乡宾夕法尼亚州和缅因州为创作基地（他每年夏天都会在那里度过），终其一生都一丝不苟地描绘着他周围的人物和风景。

虽然他的画风写实，但并非仅仅是对所见景象的简单再现。他笔下展现的是一个独特的、带有自传色彩的绘画世界，既反映了内省的意象，又蕴含着能够引起每个人共鸣的普世元素。此外，由于他反复面对有限的土地和人际关系，即便没有描绘清晰的叙事，时间的沉淀、生活在那里的人们的存在和记忆，也自然而然地渗透到画布之中。这种静谧的戏剧性，也是怀斯作品独有的魅力所在。

本次展览是怀斯作品在日本17年来首次举办的大型回顾展，也是他去世后的首次展览。与通常按时间顺序呈现其作品（从早期到晚期）的回顾展不同，本次展览着重展现怀斯作品中频繁出现的“窗户”和“门”等“边界”意象，这些边界象征着通往更为私密世界的纽带。展出的约100件作品中，有超过10件是首次在日本展出。

第一章“画家怀斯”以他的自画像（1945 年）开篇，画中描绘了二十多岁的画家本人，他手里拿着素描本，脸上带着严肃的表情，走过一片荒凉的田野。

怀斯于1917年出生在一个艺术世家，是家中最小的孩子。他自幼体弱多病，无法上学，只能独自在街区游荡，素描绘画，潜心培养自己的艺术才能。十几岁时，他进入父亲——著名插画家N.C.怀斯的画室接受正规的艺术指导，在那里，他的才华开始绽放。在父亲的影响下，他不断探索和寻求属于自己的艺术表达方式，这奠定了他内省式的艺术风格。

20岁时，他的艺术生涯似乎一帆风顺，在纽约举办的首次个人水彩画展上，所有作品全部售罄。然而，1945年，也就是他创作《自画像》的那一年，28岁的他，父亲和侄子——既是他需要克服的障碍，也是他精神的支柱——在一次铁路事故中突然离世。从此，怀斯领悟到“万物皆在变化”，并深化了他独特的绘画世界。他的绘画世界根植于一种强调世间无常的生死观。

本章重点介绍怀斯热情投入创作的精细蛋彩画，包括他的自画像。

蛋彩画是一种古典技法，随着油画的兴起而逐渐式微。这种技法是将颜料溶解于蛋黄和水中，然后反复涂抹薄层。怀斯最初的蛋彩画技法师从他的姐夫兼父亲的学生彼得·赫德。怀斯不喜欢油画颜料的光泽，而蛋彩画粗糙干燥的质地以及能够描绘极其精细的细节，使他成为理想的表现媒介。怀斯珍视这种仅用天然材料调配而成的别致色彩，认为它们是他故乡的色彩。

在水彩画中，他运用“干笔”技法，即用极少量的颜料，加水至最少，然后通过摩擦在画布上层层叠加。这种技法生动地描绘了植物和墙壁的粗糙质感，甚至连风吹拂的空气也栩栩如生，仿佛在编织一幅挂毯。他画作中那种忧郁而诗意的特质，无疑也得益于这种技法。

《阿奇母亲的教堂》 （1945年）是一幅蛋彩画，描绘了一座曾是非裔美国人社区精神家园的教堂。教堂已成废墟，一只白鸽从敞开的窗户飞入。这幅画的构图也呼应了展览“边界”的主题，它不仅展现了失落的景象，更蕴含着一丝微弱的希望。

怀斯成长的乡村查兹福特，是非裔美国人和德裔移民的聚居地。即使在歧视和偏见根深蒂固的年代，怀斯也与这些人结下了友谊，并以他们中的许多人为模特进行创作。

第二章“光与影”着重介绍了怀斯的一个典型特征：他巧妙地运用了光与影之间的对比。

怀斯的许多作品都呈现出明暗交错的视觉效果。这并非17世纪巴洛克绘画中常见的戏剧性聚光灯效果，而是对现实光线的自然呈现。然而，这种对比并非仅仅是一种强调对比的视觉技巧；它有时也巧妙地突出了分隔和连接这两个区域的边界，例如窗户和门。

怀斯自身的经历和情感融入了他对光影的运用，这是塑造其宁静戏剧性作品的重要元素。例如，在《铃铛绳》 （1951）和《冷却棚》 （1953）等作品中，穿透黑暗的光线传达出对外部世界的期盼和对解放的预感。

在《洗衣》 （1961）这幅画中，怀斯工作室花园里晾晒的衣物随风飘动，明亮的灯光映照着洗衣篮。与之形成鲜明对比的是，窗内昏暗阴沉，但仔细观察，两者并非割裂，而是通过一根晾衣绳连接在一起。怀斯的目光中流露出对妻子贝齐的温暖，贝齐既是一位能干的幕后经理，又是一位操持家务的家庭主妇。

此外，正如前文所述，怀斯通过父亲的意外去世以及五年后因肺病而经历的濒死体验，持续直面“生与死”这一无法回避的问题。在《小憩》 （1963）中，一只白猫在谷仓门外深邃的黑暗背景下沐浴阳光。猫处于与死亡相关的“睡眠”状态，但它睡眠的地方却是光与影的交界处。这可以被视为怀斯哲学思想的表达，即“生与死”并非对立的力量，而是一个连续体，彼此交织。

本次展览中占地面积最大的部分是第三章“新英格兰的房子——奥尔森住宅”。

每年夏天，怀斯都会在缅因州库欣小镇度过一段时间，那里位于新英格兰地区，至今仍保留着典型的美国乡村风光。本章开头展示的画作《奥尔森故居》 （1939年）是他第一次拜访奥尔森兄妹家后不久创作的水彩画，当时陪伴他的是贝齐，她后来成为了他的妻子。这座房子孤零零地矗立在山坡上，由于多次翻修和扩建，形状并不规则，怀斯立刻被它深深吸引。在接下来的30年里，他将房子的二楼用作工作室，创作了大量的作品。

对怀斯而言，铅笔画是“表达我对描绘对象强烈情感的一种方式”，他通常快速勾勒轮廓，仿佛要释放内心的冲动。另一方面，就奥尔森住宅而言，或许他是在预见其不可避免的消亡。他一丝不苟地捕捉每一个细节，从窗户到每一块镶板，如同完成一幅肖像画，留下了生动记录其特征的素描作品。

吸引怀斯的不仅仅是那些建筑。他也深深地被克里斯蒂娜这个人物所吸引。克里斯蒂娜是家中的姐姐，尽管因疾病导致双腿残疾，却拥有高贵的独立精神；还有她耐心善良的弟弟阿尔瓦罗，为了养家糊口，放弃了自己挚爱的捕鱼事业，来到农场工作。怀斯尤其敬佩克里斯蒂娜，她拥有他自己虽然出身优渥却缺乏的精神力量。怀斯将她作为自己许多作品的灵感缪斯，其中包括杰作《克里斯蒂娜的世界》（现藏于纽约现代艺术博物馆，本次展览未展出）。

另一幅代表性肖像画是《克里斯蒂娜·奥尔森》 （1947），画中克里斯蒂娜在厨房忙碌后，沐浴着午后的阳光，坐在后门台阶上。怀斯说，她的身形“让他想起一只受伤的海鸥”，这也构成了一种介于室内与室外之间的模糊地带。

克里斯蒂娜因身体限制难以外出，或许会被认为更属于黑暗的室内世界。然而，她透过敞开的门洞，将目光投向阳光普照的室外，从画框外吹来的微风拂动着她的头发，赋予了这幅画以生命力。在这里，边界并非被描绘成分隔的屏障，而是连接内外世界的通道。旁边是一幅“头发不随风飘动”的草图，展现了风的描绘对怀斯的重要性。

缅因州是美国最早有人定居的州之一，奥尔森兄妹住在一栋可以追溯到19世纪初的老房子里，他们的父亲也是一位来自瑞典的移民。怀斯或许从兄妹俩朴素而坚韧的生活中看到了美国建国基石的缔造者。因此，怀斯并没有将目光聚焦于星条旗或纽约摩天大楼等广为人知的象征，而是深深地拥抱了与历史相连的原始景观以及生活在那里的人们的尊严。正是这一点，使他成为一位描绘美国并赢得公众支持的画家。

阿尔瓦罗于1967年12月去世，不久后克里斯蒂娜也于1968年1月离世。次年夏天，怀斯来到空荡荡的房子，创作了《奥尔森家族的终结》 （1969）。这幅画描绘了一个让人联想起克里斯蒂娜厨房工作的烟囱、阿尔瓦罗曾经垂钓的小海湾，以及一只在空中自由飞翔的小燕子。与并置的习作相比，这幅作品中“窗框”（即分隔画面前景和背景的边界）被移除，揭示了怀斯内心深处渴望与已故的兄妹们延续联系的强烈愿望。

怀斯以多年来持续描绘同一主题而闻名，其中包括奥尔森兄妹、他在宾夕法尼亚州的邻居卡尔·克纳（一位前军官）以及照顾克纳的海尔加·特斯托夫。第四章“凝视的广度”着重探讨了这位画家不断在熟悉的风景中寻找“灵感迸发的那一刻”的创作方法，以及他超越人物题材的广泛创作主题。

本章中，以椅子为主题的作品尤为引人注目，例如《船上的乘客》 （1982）、 《高脚凳》 （1985）和《岛屿门廊》 （1999）。 《模特的椅子》 （1982）描绘了一张白色椅子和一些衣物，一位名叫安妮·科尔的女子正倚靠其上。画中没有模特，是因为艺术家认为这样更能体现安妮的个性。可以说，椅子在这里扮演着存在与缺席交织的角色。怀斯经常运用这种技巧，刻意将人物从画布中移除，从而以一种悖论的方式凸显人物的存在感和内心感受。

《灯塔》 （1983）描绘了缅因州南岛灯塔的一幕。贝茜的狗格诺姆乖乖地坐在敞开的门前，仿佛在暗示着楼梯之外的世界。灯塔的光芒维系着水手们的航行。格诺姆似乎扮演着灯塔守护者的角色，代替主人守护着这条生命线。

在最后一章“边界或窗户”中，我们回到边界，特别是窗户的主题，并深入探讨贯穿怀斯绘画的潜在主题。

《天竺葵》 （1960）透过窗户捕捉了克里斯蒂娜在奥尔森家中的身影。然而，克里斯蒂娜的身影如此模糊，若非特意指出，几乎难以察觉。她的存在仅由一株据说她生前挚爱的红色天竺葵暗示。阳光从背景中的窗户倾泻而入，如同《克里斯蒂娜·奥尔森》一样，这幅画也传达出她的世界并非封闭，而是与明亮的外部世界相连。

乍看之下， 《薄冰》 （1969）似乎是一幅抽象画，但它描绘的是怀斯家附近一条水道中漂浮的落叶，透过一层薄冰清晰可见。这幅作品创作于怀斯经历妻子克里斯蒂娜去世后，他深感悲痛的时期。怀斯本人曾表示，画中无数漂浮的落叶象征着他的经历和他遇到的人。由此看来，薄冰之外的景象或许可以被解读为“死亡的世界”。

然而，仔细观察，我们会发现细小的气泡表明水在流动，这并非一片完全静止的死亡之地。此外，一片树叶从冰层中伸出，在冰面上投下阴影，这生动地诠释了怀斯对生死的看法，暗示着生与死并非对立，而是一个连续的过程。

怀斯的画作虽然总是弥漫着一种失落感，但透过窗户洒进来的光线和飞鸟越过边界的画面中，也透着一丝微弱的希望。他“转瞬即逝的美学”与日本的审美情趣产生了深刻的共鸣。本次展览是怀斯去世后的首次大型回顾展，将为人们提供一个重新审视他作品中宁静而又充满戏剧性意味的视角。

“纪念东京都美术馆成立100周年安德鲁·怀斯展览”概述

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