作者： nakano

台东区朝仓雕刻博物馆

为纪念当代具象雕塑代表人物朝仓京子（1925-2016）诞辰100周年，上野之森博物馆画廊于2025年5月11日（星期日）至5月21日（星期三）举办了题为“朝仓京子诞辰100周年”的个人展。免费入场。

朝仓京子是雕刻家朝仓文夫的次女，朝仓文夫引领了明治至昭和时期的日本雕刻界，以其出色的自然写实表现力而闻名。

他在父亲创办的朝仓雕刻学校学习雕刻，并于 1942 年入选第五届新闻展，参加首次展览。她在日展上多次获得特别入选，1952年，年仅26岁的她成为该展览最年轻、也是第一位女性评委，但她似乎为了摆脱男权社会和周围的各种束缚而离开了展览。此后，他以自由的立场创作了许多成熟都市女性的形象，确立了自己的风格。他直至生命的尽头都活跃在艺术的最前线，于2016年去世，享年90岁。

本次展览将从其逝世后家人捐赠给台东区的藏品中精心挑选12件作品进行展出，主要展出作品为1970年以后创作的青铜作品。本次展览旨在纪念浅仓京子诞辰100周年，并让人们再次发现这位艺术家的魅力。上野之森美术馆也是朝仓京子去世前举办最后一次个人画展的场所。

据带我们参观展览的朝仓雕塑美术馆*首席研究员户张康子介绍，朝仓京子对于作品模特的选择非常讲究，有时她会花上几年的时间来挑选一个模特。适合戴这种眼镜的很多都是年轻的外国女性或者混血女性，脸蛋小巧，四肢修长，身材时尚。

(※)……这里是朝仓文雄在台东区谷中的工作室兼住所，朝仓京子就是在这里从父亲那里学习雕塑的基础知识的。现在它作为博物馆向公众开放。

“Tsuki”系列中有三件作品以其大胆的特征吸引着观众。其中一幅全身像展现了人物奇特的姿势，仿佛在跳舞，充分传达了他精致比例的美感。雕塑家的精湛技艺体现在肌肉的对称表达上，下半身紧张，双臂放松，这体现在独特而动感的姿势中，以及人物踮起脚尖时的平衡感中。

优雅的“帽子”是一顶大帽子，低低地戴在眼睛上，是朝仓京子特别喜欢的作品之一。虽然从正面看不到人物的表情，但双手在胸前张开的优美表情为作品增添了迷人的优雅，而且根据观看的高度和角度，给人的印象也会有所不同。

据户张说，从这部作品开始，这种手势表达就成为朝仓京子作品的重点。

雕塑家佐藤忠义表示：“手确实是容易引起注意的生物，如果你稍有疏忽，它们就会自言自语，变成俗气的雕塑。然而，在京子的作品中，例如在《帽子》中，她巧妙地运用了手势表达，让我们在面对作品时，仿佛她正在创造一个与我们对话的时空。”

会场中特别引人注目的作品是“F” （后改名为“Rest” ），这是朝仓今日子作品中罕见的男性人物，以歌手布施明为原型。该作品描绘了一位忙碌的年轻歌手在短暂的空闲时间在露台上休息的场景，于1979年获得了第七届长野市户外雕塑奖。部分脚从黑色底座中伸出，是雕塑家想要传达的一种放松心态的形象。

顺便说一句，朝仓京子的作品遍布日本各地的公共场所，这幅作品被安装在长野县长野市的城山公园。 “休息”这个标题与这个被茂密绿树环绕的田园诗般的地方完美契合。雕像从石质基座中伸出身体，脚尖着地，显得轻松惬意，仿佛正在野餐。这必定会让观众感到心灵愉悦。

会场的最深处，展示着同样被选为本次展览主视觉图的“Lisa” 。托巴里表示，这件作品是将女性自然站立姿势升华的雕塑，其显著特点是从任何角度、360度看都是“完美无瑕的” 。

“很多时候，一件艺术品都有正面，或者说，当你站在作品前时，它就是雕塑家想要展现的那一面。京子的作品，无论从哪个角度观看，姿势都是固定的。京子的作品没有人类的弱点。这件作品让你体会到了这一点。我认为这件作品解答了雕塑对京子的意义。”

托巴里还呼吁人们关注这件作品的底部。

显然，让雕塑用两条腿站立起来需要很高的技巧。您经常会看到一些雕塑，您脚下的地面与雕塑本身融为一体。这就是所谓的“jiama”，它还起到像砝码一样的作用，调整作品的重心。

一位雕塑家曾说过，如果留出一些“余地”，平衡性会更容易调整，但这件作品却没有。京子老师的神奇之处在于，她能如此轻松地完成如此高难度的创作。这件作品的创作过程，是用黏土原型制作石膏模型，然后浇注青铜完成的。为了让它像人一样站立，并用黏土塑造出形状和平衡感，研究人体至关重要。想象一下这个过程，你就会发现，京子那些时尚的作品，正是源于敏锐的观察力和精湛的技艺。

纵观整个作品，显然距离创作已经过去了相当长一段时间，但令人惊讶的是，女性人物却丝毫没有显露出衰老的感觉。她之所以能成为一件永恒的艺术作品，原因之一在于她简约的时尚风格，最大限度地展现了她的外在美。他的手指插在牛仔裤口袋里，脸上带着庄重的表情，但他并没有刻意表现得很酷。她自然、自由的女性形象似乎与在仍由男性主导的艺术界努力摆脱父亲保护的朝仓京子有重叠。

“朝仓文夫的作品往往被安置在高处，所以很多作品都是仰视观看的。而京子的作品则相反，通常被安置在与观者相同的高度。空间与作品融为一体，营造出一种轻松亲近的感觉，仿佛我们融入了作品之中。我认为这是一大魅力，也是他的作品至今仍被安置在户外公共空间并为人们所熟悉的原因。”

朝仓京子的雕塑就像一种提神的补品，给城市景观带来一丝清新的气息。即使您错过了这次展览，我们也鼓励您去寻找朝仓京子的作品，其中许多作品分散在东京各地，感受它们活泼的氛围和永恒的美丽。

此外，朝仓雕刻美术馆将于2025年9月13日（周六）至12月14日（周日）举办“朝仓京子：诞生100周年”特别展。这是朝仓文雄和京子父女共同创作的雕刻空间首次在该美术馆展出。详情请参阅朝仓雕塑博物馆官方网站。

[参考] 可查阅过去展览会的相关文章。
纪念朝仓文雄逝世60周年特别展：“奇妙的猫生：朝仓文雄与猫，有时还有狗”
（活动时间：2024年9月14日（星期六）至2024年12月24日（星期二））

“朝仓京子诞辰100周年展”概要

朝仓雕刻美术馆（台东区谷中7-18-10）

*本文内容来自采访时。

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东京国立博物馆

茑屋重三郎(1750-97)，又名“茑屋”，是江户时代著名的出版商。目前，位于东京上野的东京国立博物馆正在举办特别展“茑屋十三郎：内容产业的风云人物” ，该展览与2025年大河剧《Berabou – 茑屋荣华的梦番》相结合，该剧将以茑屋为主角。展览将持续到2025年6月15日星期日。

*展览期间，部分展出作品将会有所变更。
展览前半段：4月22日（周二）～5月18日（周日）
延展时间：5月20日（周二）—6月15日（周日）

发现歌麻吕和写乐的江户媒体大亨茑屋十三郎

茑江于 1750 年出生在吉原，这是幕府正式承认的妓院。他最初是一家租赁书店，后来成为一名出版商，他将自己的网络扩大到包括武士、富裕的市民、受欢迎的演员、剧作家和艺术家，开发了媒体组合并为江户出版业引入了各种新理念。

他紧跟时代潮流，出版了《黄页》、《写本》、《镜花缘》、《浮世绘》等多种刊物，创作出众多畅销作品。它还因培养出喜多川歌麿、东洲斋写乐等浮世绘艺术家而闻名，他们现在被认为是世界知名的日本艺术家。

本次展览通过展出前半部分和后半部分的共约250件作品，追溯当时具有巨大影响力的人物茑江的活动，让参观者感受到他所创造的价值观和艺术性。

第一章：吉原细见、Sharebon 和黄皮书的创新

展览分为三个章节和一个附录。在第一章的入口处，迎接游客的是吉原大门，这是吉原红灯区的唯一入口。

这是拍摄历史剧《パラヴィパネパ》时使用的实际场景，据说在制作场景时参考了歌川丰春、歌川国贞、歌川广重等人的浮世绘。门后是模仿吉原主要街道中野町的空间，成排的樱花和路灯营造出春天的氛围。

第一章展示了吉原指南《吉原斋民》，这是茑江出版生涯的起点。

《吉原裁民》最初由另一家出版商出版，但存在许多问题，导致其失去信誉，包括无法跟上吉原信息的快速变化。
相比之下，茑首次再版的吉原报纸《硬花》，不仅利用了在吉原长大的父母的信息网络来更新最新信息，而且还改进了版面，将妓院排列在街道的两侧，使报纸的顶部和底部彼此相对，方便读者在街上行走时将其拿在手中。他们还通过将两页信息合并到一页来降低成本，从而为正在衰落的吉原百货吸引了大批顾客。

Tsutaju 在其出版活动中不断追求人们所喜欢的东西，很明显此时它已经完全以消费者为导向。

展览让参观者可以比较《吉原撰文》新旧版本之间的变化，同时也展示了为提高出版物商业价值所做的各种尝试，例如请当时最受欢迎的漫画作家之一三轻传撰写序言。

茑江独立出版的第一本出版物是《人女千本》 （1774 年），这是一部记载妓女声誉的纪实，其中将妓女比作插花。锦绘《青楼美人合照镜》 （1776年）由茑江策划，由人气画家北尾重政和胜川春章共同绘制，描绘了各青楼妓女在一年四季忙碌地弹奏古筝、绘画、书法、插花等艺术和娱乐活动。

据信，这两幅作品的资金来源都是画中的妓女、她们的赞助人以及妓院老板，而这些“赚钱”的作品并没有给茑江自己的腰包带来太大的压力，因此成为了茑江的主要商业模式之一。

茑江展现了他出色的出版技巧，并通过可靠、标准的产品积累了经济实力，例如独家出版在江户流行的净琉璃木偶剧原版《富本节》以及大量制作寺庙学校和其他机构使用的基础教科书《往物》。

同时，该公司聘请了受欢迎的作家和插画家，开始出版《kibyōshi》和《sharebon》漫画等人气文学作品。例如，法正堂吉山次的《三德一目》 （1781 年）使茑江的名字在漫画界家喻户晓，三教传的戏仿作品《盒装少女，假面店的美人鱼》 （1791 年）则描绘了《浦岛太郎》的续集，是在宽政维新时期出版限制期间创作的。

第二章 镜花的崛起——茑渡丸与文化界人士的交流

第二章重点讲述茑江与镜歌（一种模仿和歌并将讽刺和反讽融入社会状况的短诗）的关系，镜歌在江户风靡一时，尤其是在天明时期（1781-89 年）。

创作歌颂江户的镜歌文化最初是受过教育的武士阶层的一种消遣。随着宽政改革蔓延至市民、演员、画家等各行各业，茑重也以“茑唐丸”之名进入了歌谣界。在从事文学活动的同时，他还找到了新的出路，成为一名出版商，将人们读过并丢弃的狂歌诗汇编成名为狂歌书的出版物。他与太田南步、唐衣菊秋、修罗菅江等当时的文化先驱们交流，引领了时尚发源地吉原的潮流。

此外，茑重还开创了一种新的镜歌绘本类型，在之前只有文字的镜歌书上添加了图画，并独家出版。在镜歌绘本中，由富有的镜歌诗人为了出名而出资制作的银质插页绘本，其印刷华丽，采用云母印刷、空气印刷等技术，堪称艺术品。

本章的亮点是北川歌麿绘制的京歌诗集，北川歌麿的才华被茑江发现，而他几乎全部受雇于茑江。歌麿的镜花绘本三部曲《画本虫泉》 （1788年）、 《潮日的纲》 （1789年）、 《百鸟镜花和》 （1790年）分别以昆虫、贝类、鸟类为主题，展现了歌麿素描的高精细度和敏锐的观察力。

这里还展出了《歌枕》 （1788 年），这是一本枕画（春宫），据信是歌麿生前创作的。负责此次展览策划的东京国立博物馆策展企划部部长松岛雅人表示，这是该博物馆150年历史上首次展出枕画。

该作品由12幅大型横向锦绘版画组成，描绘了茶馆中男女之间错综复杂、微妙的互动，包括混乱和谈判的场景，其中《茶馆二楼》这幅画被认为特别美丽。 （图片仅供参考）
画中描绘的是一段暗恋，虽然女子是从背后看去，看不到表情，但从女子抚摸男子脸颊的动作可以看出她对男子的爱意，而男子的右眼从女子的发髻下探出，显得平静而清醒；男人和女人之间交织在一起的意图以及那一刻的真实感简直令人惊叹。

对于这幅画，松岛评价道：“虽然无法得知歌麿作画时的想法，但观者可以想象出两人之间不同的情感，可见画作的层次和深度。”

第 3 章：“探索浮世绘艺术家：歌麻吕、写乐和永正斋朝喜”

第 3 章追溯了茑江出版生涯后半段的活动，从宽政时期（1789-1801 年）他进军浮世绘版画开始。展览将展出西村屋与八、若屋与一等其他出版社出版的作品，以及代表被称为浮世绘黄金时代的 18 世纪后期浮世绘世界的杰作。

茑穂发现了喜多川歌麿、东洲斋写乐、永松斋钟喜等著名艺术家，并策划出版了充分发挥他们魅力的浮世绘。当时，各种出版商都在尝试浮世绘的新方法，但茑十番的作品的特点是，它们采用了“大头像”的构图，大胆地将人物的脸部特写，这是演员画中经常使用的一种风格，而美女画则以全身像为常态。

美人画的代表人物歌麿与茑重联手，运用“大头画”技法，细致刻画人物的表情和动作，连感情都表现出来的表现手法广受欢迎。此外，他之前的美女肖像画虽然以妓女为主，但也开始创作以普通女性为主题的作品。

例如， 《三美人》 （1793 年）描绘了宽政时期浪川家的流行海报女郎：冲田、高岛大笠和富本丰奈。乍一看，这些脸似乎都一样，但仔细观察后，你会发现每幅肖像都捕捉到了眉毛、眼角、鼻子和轮廓的微妙个性。

由于美女肖像一般都描绘了各个时代理想的面容和体型，因此这种将现实主义带入幻想世界的尝试，在某种意义上是极具开创性的。

东洲斋写乐在第三章的结尾被重点介绍。写乐是日本最杰出的浮世绘艺术家之一，但实际上他的活跃期只有大约 10 个月。他是一个神秘的人物，如彗星般出现在江户，然后又消失得无影无踪，留下了140多件艺术作品。

他是茑江为了垄断演员插画事业而发掘的明星，其代表作全部由茑江出版。继歌麿的美女肖像画和大头演员画作的成功之后，他首次以一本出版物的形式亮相，出版了 28 幅印在黑云母上的华丽大版锦绘版画，涵盖了戏剧作品的剧目。

其中之一就是大谷鬼次三世 (1794) 的江户兵卫，大多数人可能都至少见过一次。这是《恋爱女友醒来手纲》中的一个场景，描绘了江户兵卫准备攻击一平以从他那里偷走一些钱；他双手的独特姿势捕捉到了他即将脱下夹克的瞬间。结合其对联画《初代市川男造药光一平》 （1794年）的悲剧表现，作品散发出一种极其紧张的气氛，与黑云母版画的深色背景相得益彰。

写乐的画风一般被说成是变形，但实际上可以说是高度写实主义的风格，他毫不留情地暴露面部特征，不仅描绘出演员自己想要隐藏的皱纹和法令纹，甚至连女性角色的骨骼结构也一并表现出来。

当时，其他艺术家都以一种美化的方式描绘演员。不难想象，茑江已经预料到这种写实的表现方式会成为一种新趋势，但许多热爱歌舞伎的人都梦想着自己喜欢的演员能够扮演这些角色。写乐的画作过于写实，不仅不受粉丝欢迎，就连演员本人也不喜欢，始终没有流行起来。

无论结果如何，这些反映现代人内心想法的锦绘版画，代表了出版商茑重在人物表达方面以及浮世绘方面的一个里程碑。

附录：“天明·宽政时代的江户城”

18 世纪下半叶的江户，茑重创立了他的书店和出版社“幸书堂”，当时的江户正值经济和文化蓬勃发展的时期，发展成为一个堪称“大江户”的迷人城市。

附录中，历史剧《Berabou》的艺术团队重现了当时日本桥地区的街景。馆内除了展示日本桥四季的CG影像外，还展出了剧中使用的道具、布景素材，讲解了江户文化是如何融入故事的。

请注意，您只能拍摄徽章，但不能真正进入大楼。

本次展览旨在尽可能地唤起江户的氛围。该剧每周都会展示茑江制作的出版物，许多原版也将在会场展出，因此热衷于该剧的观众可能会发现很多新发现。

特别展“茑屋重三郎：内容产业的驱动力”概要

*本文内容为采访时的最新内容。最新信息请关注展会官方网站。

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台东区博物馆

下町风俗资料馆于1980年开馆，旨在将东京下町的美好旧时光的文化和传统传承给后代，接待了包括访日外国游客在内的众多游客。由于设施老化而进行大规模翻修，该博物馆自 2023 年春季起关闭，但现在已以新名称“下町博物馆”重新开放。

※关于下町风俗资料馆的过去情况，请点击这里⇒
https://www.culture.city.taito.lg.jp/ja/reports/29750

此次大规模改造，展览面积由原来局限于一、二楼扩大至三楼。还增设了哺乳室、无障碍厕所等新设施，让更多人能够享受到便利。

一楼的展览室重现了20世纪50年代市中心的街景。故事的原型是位于台东区坂本市金杉通（现根岸三丁目）的一家灯笼店的一角。坂本市在关东大地震和东京大空袭中幸免于难，直到最近几年，这里还保留着许多古老的街道和建筑。您可以进入实物大小的公寓楼，体验当时的生活方式和氛围。

改建前重建的展览以大正时代为蓝本，但据博物馆研究员近藤武史介绍，他们决定彻底改造内容，以纪念博物馆开馆 40 多年来的首次大规模改建。

“我们之所以决定将展览时间设置在 20 世纪 50 年代，也就是 60 到 70 年前，是因为我们想鼓励当时的人们带着家人来参观展览，并进行这样的对话，‘哦，原来这个工具是这样使用的’”，近藤说道。

此外，金杉通还保留着许多图纸等研究资料，而作为展览核心的五十岚灯笼店的老板五十岚先生仍然健在，并能提供各种形式的合作，这也是该模型的决定性因素。
（虽然建筑已经重建，但五十岚灯笼店仍在营业。）

20世纪50、60年代，由于关东大地震后地区和街道的再开发，以及战后重建带来的经济快速增长，市中心的生活质量似乎有所提高。展览区内设立的大屏幕上播放着怀旧风格的动画电影，让人回想起当时的金杉通。

视频中，主干道两旁排列着“表手公寓”，这些公寓是商业和住宅建筑，内设商店、餐馆、美容院等，有电车和汽车沿路行驶，还有卖蔬菜的手推车和拉面摊。视频传达了这样的理念：在新时代的浪潮中，传统的生活方式依然蓬勃发展。影片刻意没有使用背景音乐，而是通过强调电车运行声、鸟儿鸣叫声等环境声音来增强真实感。

即使电力和燃气等基础设施已经发展起来，灯笼仍然是举办许多节日的市中心地区不可或缺的必需品。五十岚灯笼店自江户时代末期就开始营业，店内重建了组装和刻字灯笼的工坊。那里有一排排圆形的节日灯笼、用于固定灯笼顶部和底部的铁砧和锤子，以及用于添加文字和颜色的画笔。

馆内收藏的家居用品、家具等基本都是当地居民捐赠的，因此有磨损的痕迹。这个博物馆的吸引力之一是您可以触摸物品并感受它们的质地和重量。 （搬运时请小心轻放。）

起居空间和厨房一直延伸到车间的后方，如果你从厨房的后门出去进入小巷，你就会看到对面的“后巷”建筑。除了从家到工作地点通勤的手工艺人和办公室职员之外，后巷里还居住着街头纸芝居说书人等小贩，展览重现了纸芝居说书人的住所。

入口处的台阶上摆放着用于存放廉价糖果的玻璃罐和木盒。纸芝居说书人靠向前来观看说书的孩子们出售廉价糖果为生，但在无法讲书的下雨天，孩子们有时会来到他们家里讨要廉价糖果。

如果仔细观察展品，就会发现就像动画中描绘的日常场景一样，既有新旧元素的融合，比如“厨房里有煤气炉，也有正在使用的炭火烤架”。据近藤说，他特别注重重现这一过渡时期的氛围。当小学生进行实地考察时，他们有时会以游戏的方式让他们学习，要求他们“想想在燃气灶发明之前我们用什么做饭，并尝试找到具有相同功能的物体！”

二楼为常设展览室，可以了解从明治时代到20世纪50年代以台东区为中心的市中心的历史和文化。

一进门，就看到一个介绍展览，屏幕上播放着两种视频：一种是以西洋双陆棋游戏的形式追溯台东区历史的视频，另一种是介绍支持我们祖先生活的日常用品的视频。此外，银幕前的舞台上还展示着电影中出现的日常生活实物，按照“衣”、“食”、“住”、“商”、“业”等类别排列。

“最初，我们的想法是挑选并展出代表下町博物馆的藏品中的一件。然而，即使作为策展人，也很难明确定义‘下町’的概念，而且不可能仅用一种材料来表达。因此，为了更好地展现‘下町’，我们将作为家庭聚会中心的矮脚桌（传统的餐桌）置于中心，并将物品以散布的方式摆放在周围。我们决定，物品排列整齐时所营造的氛围，就是我们所说的‘下町’。”（近藤）

展出的物品种类繁多，从今天孩子们熟悉的餐桌和招财猫，到令和时代已经完全消失的玻璃捕蝇器和商人会计办公室用来存放销售收入的存钱罐。观察这些未知的工具并想象它们的各种用途也很有趣。

接下来，展览分为“1.江户时代以来的市中心文化与生活”、“2.关东大地震与复兴”、“3.战争时期的生活”、“4.从废墟中重新开始”、“5.迈向经济的快速增长”和“6.与我们台东区息息相关的生活”。回顾随着每个时代的重大变革，街道景观、生活方式等发生了怎样的变化。

以前在设施入口处迎接游客的“自动电话”（后来成为公用电话）也出现在该地区，成为市中心变化的象征。日本第一部自动电话于1900年安装在上野站和新桥站。

虽然很容易被忽视，但抽屉里隐藏着各种文件，所以一定要检查一下。例如，台东区是1927年日本第一条地铁（现在的银座线）经过的地区，《上野～浅草间建设概要》就是一本概括当时地铁建设概要的小册子。目前的银座线是从浅草到上野，然后在新桥向西转向涩谷，但有趣的是，该文件指出，最初的计划是从新桥到御成门，然后再到品川。

新开放的三楼区域设有特别展览室和市中心信息角。

企划展览室的展品每年更换三次，大约每四个月一次，纪念首次企划展览的主题是“繁华的都心是怎样的城镇？”本书首先探讨了下町是怎样的一个城镇，从它在东京下町的建立（最初建立时，台东区似乎不包含在下町内）到它的扩张，以及生活在那里的人们的职业和性格。

相邻的下町信息角设有一个名为“下町资料搜索”的触摸屏终端，可供游客了解更多有关博物馆收藏的资料。

如果你对一楼的复制展品或者二楼的介绍展品感兴趣或者有什么不明白的地方，那么你可以放心来这里。您还可以查看未展出材料的数据，这将有助于您的学习和研究。
（这取决于繁忙程度，但如果您对材料有任何疑问，策展人会很乐意为您解释。）

还可以自由体验剑玉、面子、松风陀螺、算盘、秤等旧玩具和日常用品，长椅还可以用作休息区。透过大窗户可以一览不忍池的全景，是欣赏樱花、莲花、秋叶等四季景色变化的绝佳地点。

下町博物馆一定会为从儿童到老人的各个年龄段的人们提供各种各样的发现和乐趣。经过重大改造后，博物馆焕然一新，但近藤说，博物馆从下町博物馆时代继承下来的一件事是，游客的真实生活故事总是出乎意料。

“这些展品就像催化剂一样，让参观者回忆起当时的情景时感到兴奋，并说‘哦，发生了那件事！’或者祖父母将自己亲身经历的知识传授给孙辈，其他来访者听到后也纷纷点头附和……这样的场景我们每天都能看到。自然而然地，你会听到一些文献中没有记载、只有亲身经历过的人才能获得的宝贵信息。我认为这就是主楼最大的魅力所在。”近藤说道。

这里非常适合在不忍池散步后快速游览，所以何不顺便去看看呢？与整修前一样，街头纸芝居表演、传统工艺展示等活动将继续举办，因此请查看官方网站了解时间表等详细信息。

下町风俗资料馆概要

*本文内容为采访时的最新内容。请查看官方网站以获取最新信息。

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国立西洋美术馆

“我们从哪里看西洋画？——从文艺复兴到印象派：圣地亚哥艺术博物馆 vs. 国立西洋美术馆”（俗称“我们从哪里看它？”展）在东京上野国立西洋美术馆开幕。该活动将于 2025 年 3 月 11 日至 6 月 8 日举行。
我参加了之前举行的新闻发布会，所以我想分享一些会场的照片。

两家博物馆的藏品互动，从不同角度探索其吸引力

展览汇集了圣地亚哥艺术博物馆和美国国立西洋美术馆的藏品共88件，追溯了从文艺复兴到19世纪末600年间的西洋美术历史，并提供了欣赏作品的技巧。

圣地亚哥艺术博物馆是美国西部最早全面收藏西方古典绘画的艺术博物馆之一，因与西班牙殖民者建立的圣地亚哥有着文化和历史渊源，所以其收藏以西班牙艺术为主。

展览囊括了多幅西班牙艺术杰作，包括“bodegón”（西班牙静物画）之父胡安·桑切斯·科坦的《静物与榅桲、卷心菜、甜瓜和黄瓜》以及埃尔·格列柯、苏巴朗、索罗拉等人的作品。来自圣地亚哥艺术博物馆的49件藏品均为首次在日本展出。

另一方面，国立西洋美术馆拥有东亚地区唯一的西洋画综合收藏。策展人河濑优介（国立西洋美术馆首席研究员）这样介绍此次展览的背景：

“在仅由从一家博物馆借来的作品组成的艺术展中，即使可以欣赏到每件作品，也往往很难了解艺术家的个性或艺术家在艺术家艺术生涯中的地位等背景。国立西洋美术馆的常设展也是如此。因此，这次，我们决定合并两家博物馆的藏品，将同一艺术家或主题的作品分组排列，进行更深入的挖掘。通过这样做，我们试图传达西方美术的有趣世界，而这通常会因主题的难度和时代的年龄而避免，以及从哪里开始寻找。这次展览的举办旨在以一种易于理解的方式传达西方美术的有趣世界。

正如川濑所说，展览实际上分为 36 个子主题。例如，第 1 章探讨了从乔托到博斯（工作室）意大利和低地国家（今比利时和荷兰）文艺复兴时期绘画的发展，将乔尔乔内（1477 / 78-1510）和雅格布丁托列托（1518-1594）的作品并列为“威尼斯文艺复兴时期肖像”。

乔尔乔内三十多岁就去世了，因此留存的文献非常少，他的一生依然笼罩在神秘之中，但他被认为是威尼斯绘画盛期文艺复兴风格的创始人。他的《男子肖像》 （1506 年）现藏于圣地亚哥艺术博物馆，虽然尺寸不大，但却是文艺复兴时期肖像画的杰作之一。对身体特征的精确描绘和柔和的阴影达到了创新的真实感水平。

另一方面，丁托列托在乔尔乔内去世后与提香、委罗内塞并列为16世纪威尼斯绘画三大大师。展览将圣地亚哥艺术博物馆藏乔尔乔内的《老人肖像》 （约1550年）和国立西洋美术馆藏的《大卫像》 （约1555-1560年）与乔尔乔内的作品并列展示，并附有说明文字，展示了丁托列托如何发展乔尔乔内的通过色彩渐变来表达体积的技巧。

西班牙最重要的静物画家的杰作即将登陆日本，他曾对戈雅和毕加索产生过影响

第二章按地区介绍了17世纪巴洛克艺术的特点，并展示了展览的亮点——胡安·桑切斯·科坦（1560-1627）的《静物与榅桲，卷心菜，甜瓜和黄瓜》 （约1602年）。

16 世纪末至 17 世纪初，静物画开始在整个欧洲独立创作，在西班牙，一种被称为“bodegón”的静物画风格得到了特别发展，这种风格以与食物和餐桌相关的主题为特色。桑切斯·科坦（Sánchez Cotán）是1600年前后活跃于托莱多的一位画家，他设计了一种独特的构图技巧，将少量常见的蔬菜和水果（如这幅作品中所示）排列在石框上，并用类似聚光灯的灯光照射它们，以突出明暗对比。它为西班牙静物画树立了持久的典范。

策展人迈克尔·布朗（圣地亚哥艺术博物馆欧洲艺术策展人）评价这幅作品的吸引力时说，“乍一看，这似乎是一个简单的构图，但中心的一处黑暗空白却散发着无限的元素和一种神秘而不可触及的氛围。”

河濑评价这幅作品是“桑切斯·科坦现存六幅静物画中最为均衡的一幅，是清晰传达出桑切斯·科坦独有的庄严与静谧的杰作”，并表示“这幅作品来到日本，本身就是一件大事”。

比较西班牙的静物画，有继桑切斯·科坦之后的代表人物胡安·范德阿芒特（Juan van der Ament ，1596-1631）的华丽而装饰性的《水果与野禽静物篮》 （c.1621），以及因画了许多圣人肖像而被称为“僧侣画家”的弗朗西斯科·德·苏巴兰（ Francisco de Zurbarán ，1598-1664）的《上帝的羔羊》 （c.1635-40）唤起人们安静的冥想和祈祷。无论从构图还是手法上，他们都明显地继承了桑切斯·科坦的传统。

此外，展览还展出了艺术家本人的4件作品，包括其拿手好戏——大型单人画《圣多米尼克》 （1626-27年）以及其成熟时期的慈悲杰作《圣母子与圣约翰》 （1658年）。它简洁地阐述了他的艺术生涯的演变，从深刻的雕塑现实主义到甜美的理想化表达，仿佛被一层光的面纱笼罩着。他的作品总是弥漫着一种优雅、宁静的气息，让人感受到艺术家一贯的审美意识。

真实的威尼斯与想象中的罗马：意大利城市风景画朝不同方向发展

第 3 章重点介绍引领 18 世纪艺术的意大利和法国绘画的发展，并研究每种流派的特点：风景画、肖像画和风俗画。这里正在展出威尼斯和罗马城市景观的引人注目的对比展。

18世纪的英国及阿尔卑斯山以北的国家流行“壮游”，上流社会的子弟为了获取文化知识，游历欧洲各个城市，其中包括欧洲文明的发源地意大利。他们回国时寻找的纪念品之一是城市景观画，或称“vedota”，这种画作在“大旅行”的两个主要中心威尼斯和罗马十分盛行。

威尼斯城市风景画方面，展览将展出贝尔纳多·贝洛托（1721-1780）与弗朗西斯科·瓜尔迪（1712-1781）的作品，他们与加纳莱托并称为威尼斯风格三大大师。每件作品都以高度逼真的方式捕捉了这座壮丽水城的标志性风景。而罗马的展览，虽然同样位于意大利，却不再对特定地点的再现，而是呈现了一个现实与虚幻交织的怀旧世界。

例如，被称作“废墟中的罗伯特”的于贝尔·罗伯特（Hubert Robert，1733-1808）在其两幅风景画中，就将实际上位于不同地点的著名古代作品聚集到了一起，如卡比托利欧广场上的马可·奥勒留骑马雕像和图拉真柱，其中还包括一座可能是他凭空想象出来的巨大神庙。由于人物身着 18 世纪的服装，该作品强烈反映了当时人们想要欣赏古建筑废墟的视角。

这些画作被称为城市景观画中的“Capriccio”（奇幻的画作）。罗马的城市景观中有许多摇摇欲坠、风化的废墟和历史建筑，似乎成为画家的重要灵感来源，画家自由奔放的思想激发了旅行者的想象力。威尼斯变得真实，罗马变得幻想。由此可见，地域特征对于某一绘画流派的兴盛有多么大的影响。

通过两位女画家卡佩和贝诺伊斯特了解从洛罗科到新古典主义的转变

第三章中，有两位女画家玛丽-加布里埃尔·卡佩（Marie-Gabrielle Capet ，1761-1818）和玛丽-吉耶米娜·伯努瓦（Marie-Guillemine Benoît ，1768-1826）的肖像画对比展，清晰地展现了18世纪法国审美价值观的转变，从光鲜亮丽、贵族气息浓厚的洛可可风格，到强调秩序和理性的新古典主义风格。

从18世纪下半叶起，法国开始涌现出女性艺术家，卡佩和伯努瓦都是代表性画家，她们的名字均在1791年的沙龙（官方展览）中展出，这是法国大革命后女性首次被允许参加展览。

在卡佩的自画像（约1783年）中，年轻的艺术家身着华丽的蓝色连衣裙，戴着典型的洛可可风格的丝带和卷发，而年轻艺术家注视着我们的表情是如此明亮和欢快，让人难以停止凝视。你可以看到他的自信，就好像他对自己的技能感到自豪一样。相比之下，伯努瓦的《女子肖像》 （约 1799 年）则明显展现出新古典主义倾向，其寻求从古典艺术中汲取的灵感，其古典风格的白色衬裙以及雕塑般、稳定的身体描绘。

不仅作品本身的质量很高，而且就像上面提到的城市景观画一样，很容易知道应该看哪里来欣赏展览，因此对于初学者来说这是一个必看的展览。

栅栏的绘画方式如何改变绘画的印象？

第四章重点关注19世纪人物形象的多样性，其中展出了印象派画家的“树篱表面”的比较展，这多少让人有些惊讶。

展览的重点是树篱图案，这是乡村地区的常见特征，曾在卡米耶·毕沙罗（1830-1903）的作品中出现过。毕沙罗是最年长的印象派画家，他离开巴黎去研究蓬图瓦兹周围农民的生活，而美国画家西奥多·罗宾逊（1852-1896）则在莫奈居住的西尔维尼学习艺术技巧。书中解释了栅栏如何与人物心理相联系，以及如何有效地利用栅栏作为创造空间的装置。

由于展览提出了从如此小众的视角欣赏艺术品的方式，即使是希望深入了解西方艺术的中级和高级爱好者也可以期待有一些新的发现。

不拘泥于思维，随心欣赏——藤冈靛的电影欣赏方式

展览的语音导游员藤冈靛 (Dean Fujioka) 也出席了新闻发布会。

回顾语音导览的录制过程，藤冈说：“如果像‘Koko Miru展’那样过于强势，意图就会改变。在会议期间，我被告知了作为判断标准的关键点，例如不同时代的背景、社会氛围、宗教观点、如何选择要绘制的主题、触感和绘画方法，我用自己的方式进行解读，希望将它们作为一种指导和导航来传达。”

他也提出了自己的观影方式，他说：“我觉得当你创作自己的故事时，它会产生你自己的视角，以及你在每一天、每一刻的享受方式。（当主持人问这是否意味着你先面对作品，然后再与自己的内心情感对话）说得更直白一点，是的。这就像在你的脑海里不断循环着笑话和回应。”

“宗教主题和背景多种多样，有些作品具有相当多的讽刺潜力。我试着以一种随意的方式欣赏它们，不受任何限制，”他继续说道。看着苏巴朗的《圣多米尼克》，他以独特的视角描述了艺术家的魅力，“他仰望天空，双手摆出可爱的心形姿势”，引得在场观众大笑。

另外，展览期间还将举办为期四天（夜间开放日）的“夜见妖怪”活动。如果您穿着自己的风格并宣布您被邀请参加晚会，您将获得一张原创明信片，因为展览中有许多令人着迷的人物。会场内还设有拍照区，以及面具、扇子等“晚会拍照道具”。
*详细日程及注意事项请查看展会官方网站。

除本次展览外，从圣地亚哥艺术博物馆借来的五幅画作也在永久收藏中展出，其中包括戈雅的《维森特·玛丽亚·德·维拉·德·阿拉贡，拉罗卡公爵》（约 1795 年）。如果您持有当天有效的“Dokomiru展”门票，则可以免费参观常设展览，所以千万不要错过。

“我们应该从哪里看西方绘画？——从文艺复兴到印象派：圣地亚哥艺术博物馆 VS 国立西方艺术博物馆”摘要

*本文内容为采访时的最新内容。最新信息敬请关注展会官方网站。

文章提供者： Kokosil Ueno

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东京都美术馆

与毕加索、达利并列西班牙三大画师的胡安·米罗，近日在东京上野的东京都美术馆举办了一场大型展览，回顾他70年的创作生涯。该活动将于 2025 年 3 月 1 日至 7 月 6 日举行。

*本文中的照片是在新闻预展时获得许可拍摄的。

胡安·米罗（1893-1983）是西班牙加泰罗尼亚画家，20世纪20年代作为超现实主义的主要人物之一而闻名。他以丰富多彩且独特的诗歌风格而闻名，其中他将自然界中的图案（例如太阳、星星和月亮）描绘为象征性符号，但直到 90 岁去世，他仍在追求纯粹和普遍的艺术，以新的表现形式挑战自己。他被认为是20世纪最具影响力的艺术家之一。

本次展览汇集了米罗的代表作《星座》系列以及代表其早期至晚年各个时期的绘画、陶瓷、雕塑等作品约百件，全方位地介绍了米罗的整个艺术生涯。该项目是为了响应米罗逝世40年后重新评价米罗的全球潮流而开展的，据说是自1966年米罗在世时合作举办的展览以来，日本最大规模的回顾展。

展览共分为五个篇章。

年轻人米洛因未能获得父亲推荐的会计工作而病倒。在蒙特罗伊格山村的别墅中休养期间，他决定追寻自己长久以来的梦想：成为一名画家。 1912年，米罗重返艺术学校，研究最新的艺术潮流。
第一章“年轻的米罗：对艺术的决心”中，有作品展现了米罗在这一时期尝试了立体主义、野兽派，以及被当时的前卫艺术家视为父亲的塞尚等多种绘画风格，探索着自己的表达方式。

米罗留下了许多以罗伊格山的动人风景为主题的作品，包括他的早期杰作《棕榈树的房子》 （1918 年）。蒙特罗伊格是米罗艺术信念得以坚定的地方，是他一生创作的源泉，是他深化艺术思考的地方，也是他重新确认加泰罗尼亚人身份的地方。本作品是米罗所谓“细密画派时期”的代表作品，他放弃了此前对其影响很大的野兽派风格，开始注重精细细节的描绘。

1920年，米罗终于如愿来到了艺术世界的中心巴黎，这座城市的现代气息和前卫艺术深深地吸引了他。次年，他在巴黎成立了工作室，开始往返于家和蒙特罗伊之间。

受到与当地超现实主义作家和诗人的互动的启发，他开始对一种远离具体性的、更具诗意的表达风格感兴趣。 1925 年至 1927 年间，米罗创作了 100 多幅“梦境画”，他在代表空虚的广阔背景中添加了无定形的动态线条，用它们作为象征来展示梦境的进展。其中《绘画=诗》系列中，他将无形的词语、短语当作主题来描绘，不与具体的物体区别开来，使其摆脱了原有的角色。

第 2 章“蒙特罗伊——巴黎：从乡村到先锋派之都”介绍了 20 世纪 20 年代的这些活动。 “梦幻画作”轰动了巴黎画坛，米罗也成为了名副其实的著名超现实主义画家。

《荷兰室内装饰 I》 （1928 年）是米罗深受 17 世纪荷兰绘画影响的作品，以亨德里克·索尔夫的《琵琶演奏者》（1661 年）为基础创作。展览还设有展示索尔夫原创作品和本作准备草图的面板，通过对比可以发现，索尔夫将日常生活中的自然场景变成了平面色彩和有机形态的超现实世界，消除了任何立体感和透视感。

1936年西班牙内战爆发，米罗流亡海外，并在随后的第二次世界大战期间继续孤独地创作，躲避战争的蹂躏。
第三章“逃离与诗学：以战争时代为背景”重点介绍了杰作“星座”系列，该系列是他于 1940 年从巴黎逃到诺曼底的一个村庄时开始创作的，并在从马略卡岛到蒙特罗伊格的途中完成。

星座系列是纸上而非画布上的一系列小幅水粉画。据说他刻意逃避残酷的现实，从广阔美丽的星空和莫扎特、巴赫的音乐中寻求慰藉，并以此为灵感画出超越现实的希望之画。此次展览展出的作品总计 23 幅，其中三幅为《晨星》、《女人与鸟》以及《蜗牛磷光踪迹指引下的夜景》 （1940 年）。该系列以建立米罗的象征体系而著称，但由于每件作品都分散在世界各地，因此这是一个难得的机会将多件作品放在一起观看。

另一方面，自1928年前后，米罗开始对艺术的商品化和对艺术家的过度关注进行批判，并产生了“谋杀绘画”的冲动。渐渐地，他开始发展出一种可以称为反艺术或反绘画的风格，例如拼贴画和与绘画无关的材料和元素共存的物品，比如本章中介绍的《无题（夜之恋人） 》（1934 年），其中卫生纸被粘贴在铝箔上。他继续质疑传统绘画表达的本质。

1947年，米罗首次访问美国，受委托绘制壁画，但早在六年前，他在美国就已声名鹊起，纽约现代艺术博物馆还举办了他的作品回顾展。在此期间，米罗受到了杰克逊·波洛克等年轻艺术家的启发，回到日本后，他开始对各种创作活动产生兴趣，包括蚀刻画、石版画、与工匠合作制作的陶瓷以及雕塑。
第四章“梦想工坊：内省与新创作”追溯了 20 世纪 50 年代和 60 年代战后的发展。

顺便说一句，虽然米罗的许多作品都有简洁的标题，但他实际上喜欢赋予标题和作品之间的关系一种俏皮和诗意的感觉。 《一只红蜻蜓追逐一条向彗星盘旋的蛇》 （1951 年）就是一个典型的例子；它的描述性标题引导观众的目光沿着屏幕移动，误导观众试图找到彗星、蛇和红蜻蜓，就像那条盘旋的蛇一样。激发这种好奇心的是鲜艳的配色，蜿蜒的线条和怪诞的描绘，所有这些都是米罗的手段。我对其构思的巧妙程度感到惊奇。

本章还展示了他在 1956 年完成期待已久的马略卡岛大型工作室之后，受到美国抽象表现主义巨幅画作的影响，他的作品如何变得越来越大。大型绘画《太阳前的人物》 （1968 年）是米罗视觉语言的巅峰之作之一，其灵感来自日本画家僧侣仙井义本的作品，他使用圆形、三角形和正方形的形状来表达宇宙。

米罗很早就对日本产生了兴趣，在 1966 年访问日本期间，他意识到自己与日本传统艺术以及日本艺术家的理念有着密切的联系。这幅作品以其自信的笔触让人联想到书法，是米罗东方情怀的重要体现，这也是约 40 年来它首次在巴塞罗那以外的地区展出。

第五章“走向绘画的本质”展示的是 20 世纪 70 年代末和 80 年代创作的作品。尽管米罗已牢固确立了自己世界知名大师的地位，但即使到了晚年，他仍然继续审视自己的作品，并毫不犹豫地进行大胆和非传统的实验。

例如， 《烧焦的画布 2》（Burnt Canvas 2，1973 年）是一系列五幅画作中的一幅，在这些画作中，白色画布被大力浇上油漆，踩踏，用刀划破，最后浇上汽油并点燃。这幅作品并非一时冲动的创作，而是旨在探索隐藏在烧焦的画布和纸张的物质性中的美感，同时也传达出一种永不消退的能量和强烈的反叛精神，反对将艺术视为高雅文化，反对将艺术贬低为单纯的财产。

晚年的米罗也开始运用更贴近身体动作的笔触。在他的三联画《烟花I、II、III》 （1974年）中，其形象与水墨画相似，他猛烈地泼洒颜料，然后用画笔在因重力作用而滴落的颜料痕迹上涂抹。受美国抽象表现主义画家的影响，他的技巧是让新的作品通过偶然的机会出现，从而指导他的创作过程。这是该作品首次在日本展出。

第 4 章和第 5 章还探讨了米罗通过海报创作所做出的积极的社会、政治和文化承诺。

20世纪60、70年代，也就是西班牙佛朗哥独裁统治的最后时期，米罗创作了大量海报，表达那些几乎没有机会公开表达自己意见的社会大众的希望和要求。他还表示，“艺术家是在别人沉默时，大声说出来的人”，而此次展览也强调了米罗作为一名艺术家的立场，即他从事研究事业并不只是为了表达自己的兴趣。

画家米罗是如何在整个20世纪投身于前卫艺术并且确立自己的风格的同时又不断使自己处于创作张力之中的？欢迎来本次展览亲身感受这一探索过程以及这种独一无二艺术的魅力。

“米洛展”概况

*本文内容为采访时的最新内容。请查看展会官方网站了解最新信息。

文章提供者： Kokosil Ueno

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