作者： nakano

上野之森博物馆

正仓院位于奈良东大寺旧址内，是一座神奇的宝库，近1300年来守护并传承了9000件传承天平文化精髓的宝藏。每年秋季，上野之森美术馆都会举办“正仓院展”，向公众开放这些珍宝。最近，上野之森美术馆正在举办“正仓院THE SHOW——感受此刻存在的奇迹”，旨在提供一种不同于观赏实物的全新方式来欣赏珍宝。

该活动将于 2025 年 9 月 20 日星期六至 2025 年 11 月 9 日星期日举行。

光明皇后（701-760年）扶持了以建造地方寺庙和东大寺大佛而闻名的第45代圣武天皇（701-756年），并致力于制定佛教政策和救济贫民。正仓院宝物的历史始于光明皇后为祈求圣武天皇的灵魂安息，将圣武天皇的部分爱物捐赠给东大寺大佛。在约9000件宝物中，许多都清晰地记录了其制作日期、目的和来源，至今仍传承着当时人们的技艺、审美观念和愿望。

本次展览由宫内厅正仓院全权负责，以“编织爱与美”为主题，揭开这些在御玺制度下被精心守护的宝物背后的各种故事，让参观者全身心地感受它们的魅力。

会场入口处，展出了一本与捐赠文物目录《国宝图鉴》等身大小的复制品，该图鉴全长超过14米，展开后铺满整张纸，展现了正仓院文物的起源。本次展览是大阪会场的巡回展览，而《国宝图鉴》则是东京会场的新展品。

在活动前的新闻发布会上，宫内厅正仓院事务所所长饭田武彦谈到了由于试图严格管理这些在1300年间变得脆弱的宝藏，使其难以向公众开放这一难题，并解释说，此次展览正是为了解决这个问题而诞生的。 “我们希望提供一种比仅仅观看宝藏本身更具创新性的体验，因此我们还设置了能够调动五感的展品，让参观者能够从各个角度欣赏宝藏的魅力。”他说道，因此，本次展览并未展出实际的宝藏。

有些人可能会失望地想“什么，没有真品吗？”，但实际上，这里展出的是宫内厅正仓院经过多年研究和制作的“复制品” 。

与普通的复制品不同，复制品并非简单地再现其外观，而是运用各种分析仪器和光学设备，探究当时的材料和技术，由人间国宝等工匠以娴熟的技艺，力求重现宝物的原貌。本次展览展出了11件复制品，其中包括世界上唯一现存的古代五弦琵琶、作为正仓院代表宝物的“螺钿紫檀五弦琵琶”和“螺钿盒” 。

正仓院的目标是“再造一件正仓院的宝物”。复制品就像是穿越时空来到现代的宝物，让我们能够尽可能真实地看到奈良时代的人们所见到的宝物，没有任何褪色或损坏。

此外，自2019年起，正仓院事务所一直与TOPPAN合作，充分利用最新的3D测量、高分辨率摄影和纹理捕捉技术，创建宝物的详细3D数字数据（数字档案） 。

本次展览将在该3D数字数据上添加特效的影像作品，以约12K的高清影像形式，投射在高约4米、宽约20米的巨型屏幕上。屏幕采用基于2023年荣获诺贝尔化学奖的“量子点”研究成果开发的屏幕涂料，使这些珍品以更加鲜明的对比效果闪耀。

约17分钟的放映影片，以华丽的音乐为背景，分为三个部分：讲述正仓院秘闻的“故事影像”、展现宝物本身震撼人心“美”的“数字宝物影像”以及“宝物复刻及仿制影像”。其中，最令人印象深刻的是故事影像中的“正仓院之美世界”，骆驼、大象、神兽等在宝物上的花鸟纹饰和螺钿装饰中翩翩起舞，营造出一个奇幻的“美”世界。宝物所蕴含的美感浓缩于此，置身于屏幕前，更能获得身临其境的体验。

数字珍宝影像以不同的角度投射珍宝，让观者得以一窥肉眼难以察觉的细节和纹理。例如，精美的装饰镜“螺钿圆镜11号”，其花卉和鸟类图案点缀着青金石和绿松石碎片；以及精美的香炉座“漆金薄绘板B”，其上有32片色彩鲜艳的花瓣。即使不使用单筒望远镜，也能获得真正身临其境的观赏体验。“漆金薄绘板B”的花瓣被拆开，展现出花朵绽放的图案，以及香火升腾的景象，这才是只有数字数据才能带来的真正愉悦的体验。

亮点之一是再现传说中的香木“兰迦泰”的香气。兰迦泰（宝物名：黄树光）是一种沉香木，由生长在东南亚的瑞香科沉香属植物的树桩上沉积树脂和精油而成。它受到织田信长、足利义满、足利义政等当时的统治者的青睐，被称为“世界第一名香”。据说，如今还能闻到淡淡的兰迦泰香气，真是令人惊叹。

为了记录这逐渐消逝的香味，正仓院事务所与高砂国际株式会社合作，将从2024年开始分析从兰迦泰散发出的空气中的芳香成分。此外，通过调香师的“闻香”（一种将香木放在香炉中加热并品尝香气的香味欣赏方法），他们发现这种香味与从岩蔷薇植物树脂中提取的天然香料劳丹脂相似，并以此为基础制作出了首款复制香水。

高砂国际株式会社IR/PR部的铃木隆志解释说：“与其说是‘乱世台’本身的香味，不如说是聆听时闻到的香味，是织田信长等人闻到的香味。” 活动现场将把香水的复制品放在玻璃容器中，让参观者能够真正感受到香味。

笔者感觉它散发着一种优雅的香味，让人联想到肉桂和杏仁。这款闻名世界的香水在现代重新焕发活力，非常推荐大家在会场体验一下。

“美丽大道”一直延伸到天花板，布满了各种各样色彩斑斓的珍宝图案，大道的另一边是展览区，展示着当代艺术家受正仓院珍宝启发而创作的新作品。

参与的艺术家有音乐制作人龟田诚二、摄影师泷本干也、陶瓷艺术家龟江道子、设计师篠原智惠。

龟田诚二 (Seiji Kameda) 发行了一首名为《光》的作品，将他珍藏的琵琶和尺八乐器的录音与当代音乐结合在一起。
滝本干也展出了一系列单色照片，照片中雄伟的正仓院在黑暗中被月光照亮，让人想起1300年前人们所看到的夜世界，那时还没有像今天这样的光。
龟江美智子想象了当时人们被从未见过的色彩、材料和图案所感动的故事，并在创作作品时将这些故事表演出来。展出的小盘子和花瓶上装饰着巧妙结合数字技术和模拟笔触创作的图案。

出席媒体预展的 Shinohara Tomoe 讲述了她的“LACQUERED EWER SHOSOIN DRESS ”的制作过程和细节，这件衣服融合了传统与现代元素，以波斯风格的水壶“laquered gobin”为主题，灵感来自正仓院宝藏的“与当今相关的美感” 。

《漆壶》是使用东亚独有的漆艺，用薄薄的银板雕刻出精美的花鸟动物图案的作品。篠原被这件作品压倒性的存在感所吸引，说道：“我感受到了大陆的慷慨流动感和永恒的美感。”

这件作品从构思到完成耗时约一年，基于宝物的3D数据，手工描绘了400多个不同的图案，同时也展现了历代工匠的热情。设计师们致力于展现1300年的历史，将切割好的黄铜片反复地贴在压碎的天鹅绒面料上，浸泡在化学品中，并加热，通过反复的尝试和错误，最终呈现出细微的差别。

这件衣服的重点在于其造型，她说道：“我根据3D数据，尽可能地保留了漆器gobin的东方造型。这是我第一次尝试用3D数据制作服装，但我希望人们能感受到仿佛真的在窥视一件宝藏。”

在观察漆器袈裟时，他发现不仅有鹿、鸟等动物，就连小昆虫也雌雄成双地生活着。他讲述了自己在漆器袈裟中发现“圣武天皇与光明皇后的爱情故事”时的感动。

“本次展览的最大特色在于，它能让人们感受到正仓院宝物的艺术感，也体现了宫内厅正仓院的严肃性。如果这次展览能让大家感受到正仓院宝物的魅力、手工的价值，以及祖先们传承至今的热情，我将不胜感激。希望大家前来参观。”

“正仓院 THE SHOW ～感受现存于此的奇迹～”展览不仅能让您感受到运用最新技术在现代复活的宝物的魅力，还能让您感受到守护和传承古代宝物历史的人们的心声。展览将持续至11月9日（周日）。

“正仓院 THE SHOW～感受存在于此时此地的奇迹～”概要

日期	2025年9月20日星期六 – 2025年11月9日星期日
场地	上野之森博物馆
营业时间	10:00-17:00（闭馆前30分钟停止入场）
入场费	（当日票）成人2,300日元、高中生、大学生1,700日元、小学生、初中生1,100日元 *学龄前儿童免费入场 *门票详情请见展览官网。
组织者	上野之森美术馆、“正仓院THE SHOW”执行委员会（读卖电视台、读卖新闻、凸版、角川媒体社）、日本电视台、BS日本电视台
监管	宫内厅正仓院
询问	您好请拨打050-5541-8600（每天9:00-20:00开放）
展会官方网站	https://shosoin-the-show.jp/tokyo/

*本文内容截至报道时为止。最新信息请以展会官方网站为准。

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《Berabou：茑重英华之梦花》是一部描写活跃于江户时代中期的媒体大亨茑屋重三郎（又名茑重）动荡的人生的历史剧。

这次我们去的“Berabou 江户大河剧博物馆”是在东京都台东区开设的设施，这里是与《Berabou 茑屋重三郎的梦话》主人公茑屋重三郎相关的地区。大河剧博物馆里充满了各种内容，例如角色的服装和道具，让您可以更享受戏剧的乐趣。

在本报告中，我们将介绍它的魅力和亮点。

体验江户时代的氛围

大河剧博物馆所在的台东区市民会馆距离浅草站步行几分钟即可到达。九楼是江户时代的街道“江户唐丸町”，步入其中，仿佛回到了过去。

从电梯通往大河剧博物馆的走廊也充满了各种娱乐游客的噱头，例如用闪光灯拍摄时人物会从剪影中显现出来的面板，以及根据观看角度而变化的浮世绘艺术墙壁。

一踏入“Berabou江户对头大雅剧场”，映入眼帘的便是横滨流星饰演的茑树的主角。

茑屋重三郎于1750年出生于江户新吉原（现台东区洗足），二十多岁时在吉原大门前开设了书店“幸书堂”。他与东洲斋写乐、喜多川歌麿等代表江户文化的文人交往甚密，被誉为“江户的媒体之王”，并取得了巨大的成功。

讲述茑寿一生的历史剧《はラヴィ：茑寿英华的梦坂はどど》将于 2025 年 1 月 5 日开播，截至 10 月初接受采访时，该剧已吸引了众多观众的关注。

《Berabou 介绍》介绍主要演员和工作人员

大河剧博物馆分为九个区域。
“Berabou 介绍”部分将展示 Tsutaju 的服装并介绍主要演员和工作人员。
最引人注目的是位于中央的茑久的服装，是茑久在剧中穿着的黑绿色紬条纹和服。

负责服装设计的伊藤幸子解释了为什么她选择绿色作为主角茑的和服，而不是更常见的靛蓝色：

“他仍然只是个无名小卒，但他不受任何事物的束缚，他淘气又富有想象力，他要创造一些新的东西。我选择了不易复制的绿色，作为象征这种原创生命的开始的颜色。”

他说道：

展览还展示了主演横滨龙星、饰演黑助稻荷的旁白绫濑遥等演员的评论，以及编剧森下芳子、作曲家约翰·格雷厄姆和标题书法家石川九阳等制作团队的评论。

面向海外观众的英文标题为“UNBOUND”的拍照点似乎非常受欢迎，许多人都像 Tsutaju 一样摆出双臂交叉的姿势拍照。

顺便一提，“UNBOUND”的意思是“解放”或“不受约束”。这个词似乎是用来形容茑屋重三郎的，他的生活不受社会地位或出身的束缚，也不受习俗的束缚。

“Ijikkenmichi Zone”展示了与Tsutaju相关的道具和面板。

接下来的“一箩道区”展出了与茑（现代的出版社；原指拥有印刷版的业主）相关的道具以及相关角色的面板。此外，展览中还展出了电影拍摄过程中实际使用的服装和道具（部分为复制品），价值不菲。

特别是第34届参赛作品《绘本虫·埃拉米》，是一本精美绝伦的绘本，充分展现了歌麿敏锐的观察力和写实主义。其鲜艳的色彩和细腻的写实感令人着迷。
这是一次近距离观看电视剧中必不可少的物品的难得机会。

还展出了“茑屋”的复制品。当然，尺寸会根据场地调整，但那确实是“茑屋”的原型。其还原度令人惊叹。

室内从五斗橱到家中的供桌，都经过精心复原，屋檐上摆放着茑重参与出版和出租书籍的书籍。馆内还可以坐坐，记得拍张纪念照哦。

再现吉原的大街！“中之町区域”

最引人注目的展品，莫过于小柴风花饰演的传奇妓女濑川在妓院游行时所穿的服装。您可以想象到妓女们在大街上轻快地行走，引人瞩目的场景。
背景中吉原主要街道中之町的视觉效果也给人留下了深刻的印象，但由于在实际拍摄电视剧时不可能搭建如此长的场景，因此小组成员解释说，他们使用了 LED 图像墙来营造深度。

此外，中野町区旁边的4K影院播放深入探讨节目主题和幕后花絮的视频内容，还介绍与茑重相关的台东区著名景点和历史遗迹。

另外，还有从大河剧博物馆出发前往与茑屋相关的景点（如茑屋的菩提寺正法寺、与茑屋有渊源的平贺源内的墓地等）的循环巴士，因此建议您实际参观一下在剧场中看到的景点（乘坐循环巴士时需要出示大河剧博物馆的纪念参观证）。

“台东区，茑重的渊源地”官方网站介绍了前往大河剧博物馆和茑重渊源地的示范旅游路线，以及茑重生活的江户时代文化相关的活动和传统仪式。
有兴趣的话请前往“台东区，与茑重有缘的地方”的官方网站确认。

江户城区主要展示幕府及其家臣

江户城也是故事中的一个重要地点。
《はがどどどどどどど》的故事背景设定在江户时代中期，那是一个长期和平、艺术文化繁荣的时代。然而，以松平定信的“宽政改革”为契机，茑重等人的境遇也发生了巨大的变化。

江户城区的展览主要关注与江户幕府有关的人物，例如将军家族及其家臣，以及介绍该项目的艺术和幕后拍摄的展板。

大河剧博物馆的尽头，陈列着演员们亲笔写下的留言和签名彩纸，传达着他们对这部剧的热爱。在这里，你可以找到自己喜欢的角色的签名，或者缅怀那些不幸已经离开剧场的角色。

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体验江户市场！“台东江户市场”

相邻的台东江户市场出售带有历史剧“Berabou”标志的纪念品，以及与江户相关的物品和台东区当地公司生产的产品。

台东江户市场琳琅满目的纪念品，光是逛逛就能花上一个小时，精美的店内装饰也令人赞叹。店内还设有“猜谜”（江户时代流行的一种谜语）的体验区，趣味十足。带孩子一起体验一下，一定很有趣。

说到好玩，大厅里的纪念章专区也有特色。
通过在参观证背面叠加五张彩色版画，最终您将完成歌川广重的《江户百景：浅草金龙山》。这是一次体验浮世绘多色印刷技术的有趣体验。

大河剧博物馆目前正在举办导览活动，无论是初次来访还是再次来访，都会感到乐趣无穷，不妨尝试一下。

虽然我没有看过这部电视剧，但我对剧中塑造的“江户媒体之王”茑重这个角色以及他成长的地方台东区很感兴趣。

大河剧博物馆将开放至2026年1月12日星期一（国定假日）。
参观完大河剧博物馆后，不妨去游览一下与茑重相关的地方，让您的思绪回到江户时代吧。

■“Berabou江户时代大雅剧场”概要

时期	2025年2月1日（星期六）～2026年1月12日（星期一/节假日）
营业时间	9:00-17:00（最后入场时间 16:30）
休息日	每月第二个星期一（如遇节假日则顺延至次日）、年末年初等
地方	东京都台东区花川户 2-6-5 台东市民会馆 9 楼
组织者	台东区历史剧“Berabou”推进协议会
询问	03-4330-1409（大河剧博物馆）
“台东区，与茑重有关的地方”官方网站	https://taito-tsutaju.jp/features/exhibition

■ 台东江户市场概况

时期	2025年2月1日（星期六）～2026年1月12日（星期一/节假日）
营业时间	9:00-17:00（最后入场时间 16:30）
休息日	每月第二个星期一（如遇节假日则改为次日）、年末年初等
地方	东京都台东区花川户 2-6-5 台东市民会馆 9 楼
询问	03-6802-8150（台东江户市场）
“台东区，与茑重有关的地方”官方网站	https://taito-tsutaju.jp/features/edomonoichi

※本文内容为报道时的最新信息。最新信息请确认官方网站。

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东京都美术馆

 

东京都美术馆目前正在举办“梵高：一个家族传承下来的画家之梦”展览，展览追溯了梵高家族的活动，包括深受全球喜爱的画家文森特·梵高（1853-1890）、他的兄弟提奥、他的妻子乔和他的侄子文森特·威廉的鼎力支持，并展示了文森特的梦想和作品如何传承至今。
该活动将于 2025 年 9 月 12 日星期五至 2025 年 12 月 21 日星期日举行。

文森特·梵高 (Vincent van Gogh) 的绘画生涯开始得比较晚，1880 年，27 岁时才开始，但在短短的 10 年时间里，他创作了约 2,000 幅作品，直到 1890 年 7 月 37 岁去世。在文森特的一生中，他的弟弟、密友兼艺术家同行西奥 (Theodorus van Gogh) 给予了他精神和经济上的全力支持，但他在哥哥去世六个月后也去世了。

虽然文森特在世时并非默默无闻，但众所周知，他的作品只售出过几幅。那么，他是如何获得如今如此辉煌的声誉，成为一位作品被世界各地艺术博物馆珍藏的画家的呢？

提奥的妻子约翰娜·梵高-邦格（Johanna van Gogh-Bonger）在他去世后继承了庞大的藏品，并在其中发挥了关键作用。乔毕生致力于将她姐夫的作品推向世界，她孜孜不倦地努力，通过在展览中展出他的作品、策略性地销售作品以及整理和出版他的书信，确保他作为一名画家得到应有的认可。

此外，西奥和乔的儿子文森特·威廉·梵高于 1960 年成立了文森特·梵高基金会，以防止藏品流失，并在开设国家文森特·梵高博物馆（现为梵高博物馆）方面发挥了重要作用，该博物馆对艺术品的借出政策非常慷慨。

此次展览是日本首次以梵高家族珍藏为主题的展览。展览将展出梵高博物馆馆藏的30余幅文森特油画及素描作品。此外，展览分为五个章节，展出了保罗·高更和爱德华·马奈的油画及素描作品、英法报纸插图版画、浮世绘版画等，展现了梵高兄弟的兴趣爱好和当时的艺术潮流。此外，展览还展出了四封首次在日本展出的文森特手写信件。

文森特立志成为一名画家，自1881年起，他在海牙和荷兰乡村纽南磨练素描和油画技艺。1886年，他移居巴黎，确立了自己的现代风格。之后，他又在阿尔勒、圣雷米和法国南部瓦兹河畔奥韦（他最终在奥韦去世）创作了一系列富有创新精神的杰作。本次展览展出的作品，让观众得以追溯这位艺术家在这十年紧张的创作生涯。

《戴防水帽的渔夫脸》 （1883年）创作于他在海牙期间。当时，他正热衷于学习铅笔、粉笔和墨水等黑色媒介，并受到报纸插图中现实主义题材和黑白对比的影响。在纽南逗留期间，他对色彩理论的兴趣日益浓厚，并开始积极创作静物画，以此练习色彩运用。 《插着月神花的花瓶》 （1884年）是他最早的植物静物画之一，创作于1884年深秋初冬。

抵达巴黎后，他惊讶地发现新先锋派画家的作品与他想象的截然不同，于是他开始摒弃作品中常见的阴暗色调，寻求新的色彩和笔触。他从自己敬仰的画家那里汲取灵感，例如德拉克洛瓦的色彩和蒙蒂切利的厚涂技法，仅在1886年夏天就创作了30多幅花卉静物画。其中一幅名为《插着唐菖蒲和翠菊花的花瓶》 （1886年），其背景独特，形似重叠的十字架。

如果你将目光投向本次展览的亮点——据说是他在巴黎期间创作的最后一幅杰作《画家的自画像》（1887-1888） ，你会惊叹于，与他在荷兰期间创作的油画相比，短短两年间，他已经蜕变为一位极具现代感的画家。

他在巴黎研习色彩理论的成果——丰富而娴熟的用色，源于画布上清晰可见的色彩，以及充满坚定自信的笔触，在画布上生动地蔓延。他的姿态优美，目光虽略带阴影，却直视观者，给人一种坚定意志的感觉，或许是他作为艺术家的骄傲，亦或许是他决心的宣言。

 关于这幅作品，有一则轶事，讲述的是1890年文森特和杨第一次见面的情景，当时文森特还没有离开圣雷米精神病院，准备前往瓦兹河畔奥韦。杨听过很多关于文森特疾病缠身、健康状况不佳的故事，所以他想象文森特看起来是个虚弱的人，但在回忆录中，他写道，他发现文森特“身材魁梧，肩膀宽阔，肤色健康，脸上挂着微笑，举止非常坚定”。他还补充道： “在他众多的自画像中，这幅画在画架前的自画像，最能体现他当时的面容。”

文森特本人似乎对这幅画有负面印象，将其与死神联系在一起，但无论如何，这幅作品被认为是文森特梵高基金会以及梵高博物馆最重要的珍宝之一。

文森特从职业生涯早期就非常欣赏被称为“乡村画家”的让-弗朗索瓦·米勒，并留下了许多临摹作品。他在阿尔勒时期创作的《播种者》 （1888年）便是以米勒的同名作品为蓝本。为了创作出一幅色彩斑斓的《播种者》，文森特反复制作原型，直到对这幅作品的构图感到满意为止。

浮世绘的影响在图案的处理和变形描绘中显而易见，例如大胆地将农民膝盖以下的部分裁剪的创新构图、以极端透视法在前景中近距离显示的树干以及神圣地照耀在农民身上的巨大太阳，因此该作品与浮世绘版画集一起展出。

同时，展览还特设杨志伟售出作品部分，即梵高博物馆馆藏以外的作品，以展现杨志伟在艺术领域无与伦比的创业精神和成就。

虽然Yo原本只是个艺术爱好者，但嫁给提奥后，她逐渐熟悉了现代和当代艺术，包括梵高、私人收藏家和博物馆的世界，以及艺术品交易的机制。提奥去世后，她定期出售文森特的作品，但维持父子生计的经济原因并非她所愿；她雄心勃勃的目标是树立文森特的声誉，因为她认为文森特是现代艺术的核心人物。

张氏夫妇保存的“账簿”揭示了杨氏的辛勤付出。最初，这些账簿仅记录家庭收入和支出，但在张氏去世后，他的艺术品销售记录也被记录下来，留下了杨氏出售作品的清晰记录，包括何时、卖给谁以及售价。经过研究和调查，已确认杨氏的绘画作品超过170幅，纸上作品44幅，其中三幅油画在本次展览中展出。

梵高博物馆拥有世界上最大的梵高作品收藏，约有200幅油画和500幅素描。据说，如果吕先生没有出售这些作品，梵高博物馆还会有大约250幅。然而，正是吕先生的战略性运作，才使得梵高的作品得以被世界各地的收藏机构收藏，让居住在日本的我们也能相对轻松地看到原作并进行欣赏。梵高“让100年后的人们也能欣赏到他的画作”的梦想，就此得以实现。

梵高博物馆的藏品自20世纪80年代后期以来，得益于捐赠和资助，逐渐丰富。藏品不仅涵盖了巴比松画派、海牙画派、象征主义、印象派、后印象派的作品，还有版画、海报等纸上作品，还收录了梵高本人的作品和书信。此次展览是梵高写给安东·凡·拉帕德的四封信首次来到日本，这封信的下落长期不明，于2006年在私人收藏中被发现。

这是四封信中的四张纸片，取自文森特写给范·拉帕德特（Van Rappaardt）的信。范·拉帕德特是文森特在布鲁塞尔结识的一位资深画家。信中描绘了坐在长椅上的人们，以及他在济贫院里见到的老人。这些信件很容易腐烂，很少在展览中展出，因此这次的展出机会极其难得。

展览结束时，将设置一个“沉浸式体验角”，带来一个高逾4米、宽逾14米的空间体验。巨型屏幕上将投射梵高博物馆珍藏的《杏树盛开的枝头》《麦田与乌鸦飞翔》等高清图像，以及《向日葵》（SOMPO美术馆）的3D扫描CG影像。欢迎前来体验这令人沉浸其中的体验，从肉眼难以触及的大胆视角，开启全新的发现。

“梵高展：一个家庭延续的画家之梦”概述

*本文内容截至报道时为止。最新信息请以展会官方网站为准。

文章提供： Kokosil Ueno

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东京都美术馆

东京都美术馆目前正在举办一场名为“创造的乐趣： DIY生活”的展览，该展览聚焦人人皆有的创造力，鼓励人们思考如何以自己的方式“生活得更好”。展览以“DIY”（自己动手）为主题，将于2025年7月24日（周四）至2025年10月8日（周三）期间展出。

以下是参展艺术家进行演讲的新闻预览报告。

■ 参展艺术家（按展览顺序/省略标题）：Wakaki Kurumi、Seo Natsumi、Noguchi Kengo、Dunhill & O’Brien、Hisamura Taku、Ito Akihiro 设计与建筑设计事务所、Studio Megane 建筑设计事务所

 

DIY 是一种运用自身智慧解决眼前问题的方法。本次展览将 DIY 视为一种改善生活的方式，也是一种克服不便和困难的手段，并着重展现“制作的乐趣”，例如创作过程中获得的成就感和成就感。展览将展出五位对 DIY 方法和理念感兴趣的当代艺术家和两位建筑师的作品，鼓励人们反思 DIY 的本质——它依赖于个人的方法和感受；以及艺术的存在——它与生活息息相关。

展厅分为四个章节。第一章节“从观看开始的DIY”展出版画家若木久美（1985-）的作品。若木久美从DIY的开端——“观看”中汲取创作动力，将文具、厨房用具、空罐头、家具等日常用品重新加工成版画。

“开管”系列以生漆管塑造鱼片造型，灵感源于工匠将昂贵的生漆管打开，直至用尽最后一点。管子独特的纹理展现了其凹凸不平和的光泽，赋予“鱼纹”一种神秘的魅力。通过这种实验性的行为，艺术家得以为平凡的日常物品注入新的图像和意义，同时也以一种幽默、平易近人的方式展现了创造的乐趣。

这件触及天花板的作品《高街宅邸》 （2025）是用若木自独自生活以来使用了20多年的一台冰箱制作的。由于这台冰箱的使用寿命已接近尾声，若木“决定亲手制作一幅版画来终结它”，于是将其用于此次展览。

这件作品的灵感源自一张贴在冰箱上的德国画家保罗·克利（Paul Klee）展览门票。门票本身融入作品之中，构成了一座立体主义风格的塔楼公寓，令人联想起克利的作品，其音乐感和诗意缤纷的世界令人着迷。

 

第二章“DIY：失去后的重建”介绍了濑尾夏美和野口健吾的作品，重点讲述了那些因自然灾害或经济困难而遭受巨大损失的人们为重建生活所做的努力。

濑尾夏美（1988-）出生于东京，在东日本大地震后移居东北，是一位在记录灾难中生活的人们的话语和景观变化的同时创作出各种作品的艺术家。本次展览的空间以素描和绘画为中心。

开幕作品《环》 （2011）是在灾难发生的当晚创作的，但他不明白为什么“它变成了和昨天一样的线条”。他说，从那时起，他便前往现场，在与当地人交流的同时，真诚地思考应该画什么。

2015年，濑尾目睹了岩手县陆前高田市重建过程中地面抬升的过程，熟悉的山脉被砍伐，城镇遗址被填埋，这让他意识到故事的必要性。本章还收录了多幅与“双重城镇”相关的图画。“双重城镇”讲述了2031年陆前高田市的故事，旧城镇的居民与居住在地下的新城镇的居民彼此相连。

每当他前往能登半岛地震等受灾地区等各地时，都会受到“双重城镇”的启发，与人和地方建立意想不到的联系，创造出分享经验和感想的对话机会。在不可逆转的变迁中，那些不再被提及的记忆和思绪被创造出来，并被他人拾起，支撑起他们的生活。他用感同身受的语言，向观众传达了在小社区中连接人们的活动的潜力。

摄影师野口健吾（1984-）正在展出他的“隐居者”系列作品，这些作品是他走访那些在河岸和公园里建造了各自独特居住空间的人们时拍摄的。这些“隐居者”用回收材料和蓝色防水布拼凑而成，设计和外观各异，有些人出于经济原因而居住在那里，而有些人则出于自己的选择而继续居住在那里。然而，每一处都展现出不同的巧思和创造力，传达出一种直率而真诚的“为了生存而DIY”精神，以及参与其中的人们坚韧不拔的精神。

野口勇在十年的研究过程中多次到访同一个地方，展览中的一个系列作品以相同的构图聚焦于一个人和他的“隐居处”，记录他们的变化。

有些人，或许在你下次造访时，依然面容如初；而有些人，或许早已老去。又或许，即便是同一个小屋，人们也像寄居蟹一样，辗转辗转。又或许，有人亲手搭建了一座房屋，却被台风瞬间吹倒。这些人，在城市的角落里，过着日复一日的生活。小屋，终究只是暂时的栖身之所。我希望，欣赏这些作品的人们，也能思考生命的意义。（野口勇）

 

第三章“DIY形式与关系”介绍了Dunhill & O’Brien和久村卓二人以雕塑手法为基础从事各种表现活动，强调了他们所创造的“形式”与人、社会产生新的“关系”的过程。

常驻伦敦的艺术家二人组 Dunhill & O’Brien 受合作的挑战与可能性所启发，创作原创装置艺术，并将表演与合作作品融为一体。所有展出作品均为专为本次展览准备的全新作品。此次新项目的灵感源于他们与最上俊之的邂逅。这件以《伊吕波》为原型的户外雕塑作品现藏于东京都美术馆，其形式与文字之间的关联令他们印象深刻。（该作品可免费参观。）

从那时起，我们聚集了来自英国和日本的100多位来自不同背景的参与者，包括艺术家、科学家、音乐家和作家，并举办了工作坊，让他们根据描述户外雕塑的文字创作泥塑。所有通过远程“对话”创作的泥塑作品都被数字化并3D打印，最终以“形状库”的形式在现场发布。

进一步，通过将这些数据集融合，他制作了整体的3D模型。之后，他安装了19世纪用于放大雕塑的缩放仪，将3D模型放大到与室外雕塑大致相同的尺寸，完成了大型装置作品《欣赏ABC的方法和装置——又伊吕波》 （2025年）。

这个看似基座的东西，其实是 Dunhill & O’Brien 伦敦工作室的全尺寸复制品。两人将其描述为一个“练习的木筏”，既是基座，也是创作的场所，更是一个如同家一般的空间。展览中，一个缩放仪被放置在这个工作室风格的“木筏”之上，它的功能如同一件复杂的雕塑创作工具。

久村卓（1977-）毕业于多摩美术大学雕塑系，他是一位对艺术价值的变迁提出质疑的艺术家，游走于各种体制框架之间。展览中没有一件雕塑作品堪称典型的雕塑。久村卓试图摆脱他所称的“严谨而运动”的学院派雕塑，因此他选择采用强调轻盈感、减轻身心压力的材料，以及游走于艺术边缘的DIY和手工技法。

Hisamura 主要从事 parergon（使艺术作品成为可能的结构元素）的研究，例如基座、框架和展览空间。

例如，这件“可穿戴雕塑” ——PLUS_Ralph Lauren_黄色条纹衬衫（2025）——是由二手Ralph Lauren服装制成的作品。底座绣在胸前的标志上，形成了一个雕塑，但Hisamura认为仅凭这一点还不足以超越手工艺的范畴，于是他将刺绣框起来，营造出一种绘画般的效果。此外，他还在旋转平台上制作了一个心轴，将衬衫放置在上面，并安装了一个由回收废料制成的阶梯式底座，通过四层结构凸显其艺术性。

“单点结构”系列作品由一所已关闭学校捐赠的栅栏和建筑工地使用的A型路障组成，其底座类似长凳，让参观者可以坐下，却不会意识到它们是雕塑。这解决了艺术博物馆面临的困境：它们希望参观者欣赏艺术，但往往很少有地方可以坐下来休息。

东京都美术馆（2025）的吧台式空间——纺织品吧台，旨在促进交流，并鼓励人们在美术馆停留更长时间。每周五，这里都会举办活动，参观者可以像在酒吧点饮料一样，订购自己喜欢的纺织纱线和布料，并制作自己的原创纺织品。（需提前预约）

使用的线种类繁多，既有手工线厂家提供的线，也有用旧衣服撕碎制成的线。据说其中一些线是东京都美术馆以前展览的窗帘。一边用艺术家的双手编织这些线，一边回想它们赋予生命的记忆，这将是一次丰富的体验，这也是本次展览的特色。

 

第四章“DIY站——自己动手做！”为参观者提供了一个平台，让他们可以反思展品，并以第一章至第三章中看到的多样化方法和独创性为参考点，重新思考DIY。

该空间由伊藤彰弘设计事务所和眼镜工作室建筑设计事务所两大建筑团队共同设计，以“观察与沉思”为主题。作为其象征，空间中央展示了“DIY时间轴”，从对抗工业革命而兴起的工艺美术运动开始，以DIY精神为视角，概括了历史活动。

展览周围设有多个角落，可以体验艺术家的创作技巧和方法，并展示与DIY和艺术家相关的材料。例如，Dunhill & O’Brien设计了一个装置，让参观者可以伸手进入盒子，用手观察里面的雕塑，以满足他们“触摸和感受”雕塑的渴望。

按照由公众担任的展览主持人“Tsukurun”的指导，参加者轮流讲解盒子里雕塑的特征，而另一位参加者则根据讲解创作图画。看到同一个雕塑如何根据每个参加者关注的纹理、形状和文字产生完全不同的图画，非常有趣。

还有许多其他展览鼓励制作、交流和思考，例如，在一个角落里，Wakaki Kurumi 用废弃的柱子木雕刻了一块木块，参观者可以使用拓印法（将纸放在纹理表面上，然后用铅笔或类似物摩擦以转移图案的技术）将其变成艺术品。通过这个展览，参观者可能会遇到各种冲动和情感，例如他们想要尝试的事情、困扰他们的事情、他们想要解决的事情，这可能会导致原创 DIY 项目的诞生。

《创造的乐趣：DIY生活》概述

*本文内容截至报道时为止。最新信息请确认展会官方网站。

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