月度归档： 2026年7月

东京艺术大学美术馆

一场名为“艺术大视角下的艺术——今夏成为艺术大学生”的独特展览于2026年7月24日（星期五）在东京艺术大学上野公园的大学美术馆开幕，任何人都可以成为“艺术大学生”。展览将持续至9月23日（星期三，日本国庆节）。

本次展览以东京艺术大学现任教员为讲师，利用博物馆珍贵的藏品作为教学材料，呈现了12场“讲座”，并以“展览”的形式进行。其最大的吸引力在于前所未有的奢华观展体验，让您仿佛置身于一场真实的大学讲座之中。

本报告详细介绍了展览开幕前一天举行的媒体预览活动，其中包括喜剧二人组 Knights（花轮信之和土屋信之）的亮相，他们被任命为本次展览的特别导师。

骑士登场！用欢笑揭开“艺伎”的世界

在媒体预览会上，主办方与喜剧二人组 Knights（花轮信之和土屋信之）举行了新闻发布会，他们被任命为本次展览的“特别导师”。

目前就读于日本大学艺术学院的土屋分享了一段轶事：她曾经认真地参加过艺术预科班，也报考过东京艺术大学，结果却完全落榜。她对这次展览赞不绝口，认为它让参观者体验到了在东京艺术大学学习的感受，并说道：“如果这个展览能让你成为东京艺术大学的学生，那我当初就不用那么努力学习了（笑）。” 而花轮则以其独特的视角赢得了观众的喜爱，他说道：“我喜欢塑料模型，所以看到那个利用红外线探测内部结构，然后制作出佛像复制品的展览，我印象深刻。”

在举办新闻发布会的“第七节课”区域，有一个互动展览，参观者可以在这里欣赏以动物为主题的艺术作品，并将自己的感受写在便利贴上。新闻发布会期间，这里还上演了一场妙语连珠的互动游戏。两位主持人还在巨型北极熊艺术作品“波点”前，用翻页图表展示了他们的答案。

土屋回答说：“我是家教。”花轮则回答说：“其实我什么都没想！”花轮坦白道：“他们让我回答一个有趣的问题，但我什么也想不出来，所以就跑了。”土屋插话说：“故意什么也不说，让对方自己思考，也是一种艺术。”

最后，当被问及对展览的寄语时，土屋极力宣传了展览的理念，他说： “最大的吸引力在于你可以‘成为艺术学生’。我真心希望大家能够体验在艺术院校上课的感觉。”花轮也认真地谈到了亲身感受艺术的重要性，她说：“我们生活在一个把所有时间都花在上网和智能手机上的时代，但亲眼去欣赏和感受画作是非常重要的。”

就这么定了，我要成为一名艺术生。

东京艺术大学美术学部起源于 1887 年（明治 20 年）成立的东京美术学校（美工），一直是艺术教育和研究的中心枢纽，培养了众多杰出的艺术家和研究人员。

本次展览是 2026 年至 2028 年连续三年夏季举办的系列展览中的第一场，也是东京艺术大学现任教职员工策划的首次讲座式展览，重点展示该大学的藏品。

在为期 12 小时的“讲座”系列中，东京艺术大学的教职员工以美术馆展览的形式，提出了各种“看待”艺术的方式，涵盖艺术史、实用技能、表达、欣赏、保护和修复等主题。

通过欣赏真正的艺术作品来学习如何欣赏艺术。

虽然采用教室形式，但绝非传统的讲授式课程。场地陈列着东京艺术大学的丰富藏品，包括黑田清树、和田荣作、平抽田中等往届教授的作品，以及藤田嗣治等毕业生的作品，甚至还有梵高及其学生的画作。通过这种身临其境的观赏体验，您可以学习如何欣赏艺术。

在前三个阶段，我们将从不同角度回顾明治时期的日本现代艺术；在第四阶段，我们将通过冈仓天心的《茶之心》来了解日本的审美观念，冈仓天心是日本艺术流派的创始人之一；在第五阶段，我们将重点学习东京艺术大学世代相传的“临摹”技艺；在第六阶段，我们将以“雕塑”为中心，介绍佛像的保存和修复方法。通过这些课程，我们将强调“正视我们的根源”的重要性。

此外，在第 9 至 11 节期间，我们将介绍艺术院校毕业生的成就，并概述大约 100 年前东京的文化变迁。

观看东京艺术大学的艺术系学生在你眼前创作他们自己的复制品！

在第一阶段的基础绘画工作坊“向博物馆学习：通过临摹了解美的技艺与精神”中，现在的艺术系学生在展厅里演示了临摹技巧。

在骑士队新闻发布会上，土屋先生讲述了他采访正在临摹艺术作品的美术系学生的经历。他解释说，由于场地本身就是一个艺术作品展览空间，可供临摹的工具十分有限。尽管如此，这些美术系学生并没有简单地照搬原作，而是尝试了各种不同的方法，例如改变原作的光源。

观看东京艺术大学的艺术系学生认真临摹画作，或许能让你有机会思考隐藏在艺术作品中的艺术家的情感和意图。

作为暑假期间的体验式学习活动

虽然本次展览以大学讲座为主题，但并非只有成年人才能欣赏。

第七节课的主题是“让我们透过动物的视角欣赏艺术作品”，展出了各种以动物为主题的艺术作品。这个区域推荐给孩子们，因为它能让他们从“可爱”这种简单的情感入手。

在第八课时“看、摸、说”中，我们将介绍最新的AI分析艺术鉴赏档案库。该档案库利用AI技术整理和存储观赏艺术作品的感受，让您体验自己与他人的差异，以及自身艺术鉴赏能力的转变。与孩子分享您的感受，或许能带来诸多启发。

我个人推荐东大寺南门仁王像的缩小复制品，它在第六节课“美术大学风格：佛像的医生”中展出。这件作品是根据比例对原像的各个角度和造型进行了细微调整而制作的。一定要去现场感受一下仁王像的“光芒”，据说它们可以驱邪避凶。

活动场地将设有适合全家一起体验的互动展览，以及可供参观者体验压花印章的练习册。此外，活动期间还将举办东京艺术大学特有的小型音乐会和小型讲座等特色活动。何不深入研究一下你感兴趣的讲座，并将其变成你的暑假项目呢？

“艺台式艺术观——今夏成为艺台学生”概述

*本文信息截至采访时有效。请以官方网站或其他来源的信息为准。

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国家西方艺术博物馆

一场以伦勃朗·哈尔曼松·范·莱茵（1606-1669）这位17世纪荷兰著名画家的“版画家”身份为主题的展览在荷兰国立西方艺术博物馆开幕。该展览名为“版画家伦勃朗：挑战、传承与影响”，将持续至2026年9月23日（星期三，国庆节）。

*部分展出作品将在展览期间进行更换。详情请查看官方网站公布的作品清单。

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伦勃朗于1606年出生于荷兰莱顿，是一位杰出的肖像画家和叙事画家。他以油画作品而闻名，例如运用光影对比强烈的《夜巡》。然而，伦勃朗一生也致力于版画创作，尤其擅长蚀刻版画。他开创了版画表现力的先河，被誉为版画史上最伟大的大师之一。

本次展览不仅追溯了伦勃朗版画创作中遇到的各种“挑战”，还汇集了戈雅、马蒂斯、毕加索等受其影响的艺术家的作品，探讨了直至20世纪初的“传承”与“影响”。展览主要展出阿姆斯特丹伦勃朗故居博物馆（世界上唯一一座专门收藏伦勃朗作品的博物馆）和荷兰国立西方艺术博物馆的藏品，以及从日本博物馆、大学图书馆和海外私人收藏家处借展的作品。展出的物品约有 130 件，包括书籍和海报。

第一章“伦勃朗在版画制作中的挑战”介绍了伦勃朗雄心勃勃的版画制作过程中产生的各种表现形式，分为五个主题部分：“肖像和头像研究”、“社会边缘人和普通人”、“宗教主题”、“铜版画素描”和“风景画”。

17世纪的欧洲，主要的版画技法包括木版画、金属雕刻和蚀刻。雕刻技法先于蚀刻，它是用雕刻刀直接在金属版（即刻有印刷图像的版）上进行雕刻的。由于难度较高，雕刻技法需要接受过专业的训练，其风格的特点是线条强劲有力、锐利清晰，且以直线为主，有时甚至呈现出近乎机械般的规整。

相比之下，伦勃朗主要专注于蚀刻（腐蚀雕刻）。这项技术最初是为在坚硬的铁制盔甲和刀剑上雕刻装饰图案而开发的，后来被应用于版画制作。其原理是用针（一种针尖状的工具）刮擦涂有防腐剂的铜版，然后用酸腐蚀裸露的金属，形成凹槽。它的特点是制作起来就像用笔在纸上作画一样简单，但最初它常常被视为雕刻的替代品，因为雕刻需要耗费大量时间，其表现力也未得到充分发挥。

17世纪初，荷兰一些未接受过正规版画训练的画家开始涉足蚀刻领域。一场探索不受传统束缚的全新表达形式的运动开始兴起。刚刚成为独立画家的伦勃朗也加入了这场运动，并作为这一历史转折点的领军人物，为运动的发展做出了贡献。他留下了令人瞩目的314幅作品，每一幅都基于一块原创版画。

许多从事蚀刻版画创作的画家在其短暂的艺术生涯中仅创作了寥寥几幅作品，而且这些作品大多描绘风景。相比之下，伦勃朗的创作题材十分广泛，不仅包括风景，还包括肖像、头像习作、风俗画和圣经故事。他还留下了一些以铜版为素描本的习作，这在当时的荷兰是一种新兴的艺术形式。在当时艺术创作高度专业化的荷兰，像伦勃朗这样涉猎如此广泛题材的艺术家实属罕见。从这个角度来看，伦勃朗的版画创作无疑极具挑战性。

伦勃朗早期标志性作品《张嘴自画像》 （1630年），画中人物双眼圆睁、嘴唇紧抿，乍看之下似乎滑稽可笑，但这绝非出于玩笑之作。这幅作品表明，伦勃朗作为一名叙事者，在人物描绘中力求真实可信，并以自己的面容为模特，研究各种表情。

次年创作的《戴软帽和花纹斗篷的自画像》 （1631年）虽然尺寸较小，但其线条运用之丰富却令人印象深刻。柔软的帽檐以一系列柔和起伏的垂直线条描绘而成，而光泽厚实的斗篷则以交错重叠、图案各异的锯齿线勾勒而成。另一方面，褶裥领口、袖口花边和卷发则以钢笔素描般的自由笔触，运用柔和细腻的线条加以描绘。这表明他已经克服了此前常被诟病的“单调”风格，并形成了一套能够驾驭不同质感的线条绘画风格。

此外，蚀刻通常需要反复修改原版（状态），并在印刷过程中显影图像。伦勃朗的蚀刻状态数量异常之多，这幅作品中已识别出14个状态。

在《版画家克莱门特·德·容格肖像》 （1651年）的展览中，您可以比较版画的第一版和第五版。在第五版中，阴影更深，使得面部表情难以辨认，从而赋予了版画一种神秘的氛围。

伦勃朗经常通过层层叠加的方式对画面进行大幅修改，有时甚至改变了场景的根本含义。渐渐地，他开始将修改原版作为创造变体的手段，而不仅仅是对图像进行加工。例如，在《逃往埃及》 （约1652年）这幅作品中，他修改了早期版画家塞格斯（Segers）的《托比亚斯与天使》的原版，创作了一幅以圣家族前往埃及的旅程为主题的作品。这表明，伦勃朗并不把版画视为一种固定不变的成品，而将其视为一个灵活的创作空间。

伦勃朗的《一百荷兰盾版画》 （1648年）被认为是其最杰出的蚀刻版画之一，也是本次展览的亮点之一。这幅版画的标题源于其在当时以“一百荷兰盾”的天价售出。版画描绘了新约圣经《马太福音》第十九章中的多个场景，基督作为共同的主角，将这些场景同时展现。

在柔和的暗色调背景下，无数线条交织成网，营造出光影由黑转灰再转白的微妙渐变。采用“干刻”技法——即用特制针直接刮擦铜版，在凸起处形成独特的模糊效果——并印制于日本纸上，进一步增强了丰富的色调层次，赋予画面深邃的意境。

另一方面，画作左侧的人物群像几乎完全由轮廓线勾勒而成，如同钢笔素描。这幅作品不仅因其创新的整体构图而引人注目，也可被视为伦勃朗技法实验的巅峰之作。

《阿姆斯特丹景色》 （约1641年）是伦勃朗从运河对岸描绘阿姆斯特丹的一幅作品，他一生的大部分时间都在这里度过。这幅画的构图，地平线较低，天空占据了画布的大部分，符合当时荷兰风景画的流行趋势。另一方面，他刻意留白天空以营造光线感的技法，与传统版画中几乎总是描绘云彩的风格有所不同，而这也可以说是伦勃朗开创的一种技法。

第二章“传承——17至18世纪”追溯了伦勃朗及其同时代人在17至18世纪的影响。

伦勃朗的版画在创作之时就广受欢迎。然而，或许是因为他的技法过于先进，17世纪他的追随者寥寥无几，例如他的学生费迪南德·博尔和意大利画家乔瓦尼·贝内德托·卡斯蒂廖内。

在接下来的18世纪，人们对伦勃朗作品的兴趣日益浓厚，尤其是在德国艺术家中。伦勃朗的仰慕者格奥尔格·弗里德里希·施密特创作的《窗边蜘蛛自画像》 （1758年）描绘了艺术家在明亮的窗前勤奋作画的场景，显然受到了伦勃朗的《窗边蚀刻师自画像》 （1648年）的启发，后者也与施密特的作品并置展出。然而，施密特也融入了他独特的个人风格，例如小提琴和剑暗示了他的军旅生涯，而蜘蛛网这一象征命运和时光流逝的意象，则为画面增添了一丝忧郁的抒情色彩。

18世纪仿制品层出不穷，甚至出现了艺术家完成伦勃朗未完成作品的例子，例如施密特的《手扶额头的老人》 （约1639/1770年）。此外，市场需求如此旺盛，以至于原版画很快磨损，导致市场上充斥着大量的复制品和仿制品。

在1751年创作的讽刺画《巴勃罗在费利克斯面前》中，英国讽刺画家威廉·霍加斯嘲讽了伦勃朗有时过于写实的风格。他警告人们不要在伦勃朗的作品上花费巨资，而英国艺术家往往忽视了这一点，这体现了当时的艺术热情。也是在这一时期，《伦勃朗作品全集》（Catalogue Raisonné）的编纂工作开始，为伦勃朗研究奠定了坚实的基础，这一研究至今仍在继续。

第三章“超越世纪的影响——十九世纪和二十世纪”以西班牙大师弗朗西斯科·何塞·德·戈雅·卢西恩特斯开篇。据说戈雅晚年曾说过：“除了自然、委拉斯凯兹和伦勃朗，我没有其他老师。”但这句话指的并非伦勃朗的油画成就，而是他的版画作品。当时，伦勃朗的版画在西班牙十分罕见，戈雅通过熟人的收藏和其他途径潜心研究这些作品，并将它们融入到自己的创作中。

《战争的灾难79：真理已死》 （约1810-1820年）是戈雅创作的一系列版画之一。戈雅亲历了拿破仑战争和国内动荡。尽管身为宫廷画家，他在谴责人性的丑陋和残酷的同时，也融入了激进的政治批判。这幅版画描绘了“真理”的死亡，以女性形象象征，寓意着随着君主制的复辟，“宪政自由”的消亡。画中人物的圆形排列以及从“真理”身上散发出的光芒，都与并排摆放的伦勃朗的《基督显现于使徒》 （1656年）有着某种联系。

与此同时，在19世纪上半叶的法国，蚀刻版画技术一度几乎被遗忘，但在强调艺术家感性和原创性的潮流推动下，它作为一种适合现代的版画技术被重新评估。在此背景下，伦勃朗的一幅作品《书房中的学者（浮士德）》 （约1652年）引起了特别关注。

这幅杰作的美在于其对比鲜明的明暗对比：密密麻麻的线条勾勒出暗部，而明亮的部分则充分展现了线条本身的表达力。画中描绘了一位年长的学者，他正凝视着窗外神秘的身影，他的书房装饰着骷髅和地球仪。这幅画的含义至今仍不甚明了，引发了各种解读。但到了18世纪，它被认为是炼金术士浮士德的画像，并且据说是歌德著名戏剧《浮士德》的灵感来源，而歌德的这部戏剧正是由一位伦勃朗的忠实仰慕者创作的。

此外，这幅画作所散发的神秘氛围与19世纪人们的审美情趣产生了共鸣，促使文学巨匠维克多·雨果将其意象融入其杰作《巴黎圣母院》之中，并被用于推广蚀刻版画的杂志《巴黎蚀刻》的海报。这件作品可被视为当时巴黎蚀刻版画复兴运动中，人们对伦勃朗作品崇拜现象的象征性例证。

1862年成立于巴黎的蚀刻版画家协会盛赞伦勃朗对光影的创新运用——神秘的暮色、闪烁的光芒和漆黑的黑暗——认为这是蚀刻版画创作的无限可能。在伦勃朗版画集的序言中，他们评论道：“（这些版画）对于描绘他梦幻般、充满力量且奇特的想象力所创造出的所有幻想至关重要。无论他的调色板多么丰富，都无法呈现出如此多样的效果。”

法国象征主义的领军画家奥迪隆·雷东也从伦勃朗细腻的色彩渐变和深邃的明暗对比中发现了一种具有塑造性的艺术语言，这种语言唤起了神秘的精神内涵。他对伦勃朗的崇拜之情溢于言表，以至于他在笔记中写道，他认为“形式的奥秘都取决于他（伦勃朗）”。 《启示录：他右手拿着七颗星，口中吐出一把双刃剑》（1899）中笼罩着基督的深邃黑暗，令人联想起伦勃朗的风格。

伦勃朗的风景蚀刻版画杰作《三棵树》 （1643年）在19世纪的法国也广为人知。这幅画描绘了荷兰乡村即将迎来暴风雨的景象，画面中暴雨倾泻而下的锐利斜线、交错线条勾勒出的翻滚黑云，以及三棵树后的光影对比，共同营造出戏剧性的效果。许多艺术家都为这种风格所倾倒，本次展览通过巴比松画派艺术家如查尔斯-弗朗索瓦·杜比尼、阿方斯·勒格罗和费利克斯·布拉克蒙的作品，展现了这种风格的影响。

即使到了 20 世纪初，伦勃朗的受欢迎程度也没有减弱，被认为是 20 世纪艺术史上最伟大的两位人物的亨利·马蒂斯和巴勃罗·毕加索都在自己的作品中向伦勃朗致敬。

亨利·马蒂斯是前卫艺术运动“野兽派”的创始人，以其杰出的色彩运用而闻名，但在版画创作方面，他几乎完全专注于黑白表现。此次展出的作品《亨利·马蒂斯雕刻版画》 （1900-1903）便是马蒂斯版画创作的起点之作。

他的作品主题和构图，以大幅正面视角展现自己的上半身，据信受到了伦勃朗《窗前蚀刻自画像》的启发，与前文提到的施密特的18世纪作品有异曲同工之妙。对于年轻的马蒂斯而言，在首次尝试版画创作时，以19世纪末以来在巴黎广受欢迎的伦勃朗自画像为蓝本，或许是一个自然而然的选择。

在毕加索的《持调色板的伦勃朗》（1934年）中，这幅作品是“沃拉尔系列”的一部分，画中伦勃朗的公众形象——在其蚀刻版画自画像中反复出现——被夸张地描绘出来，画中伦勃朗留着胡须，戴着羽毛帽。这幅作品的创作缘起于毕加索在一块已无法使用的铜版上随意涂抹线条，却意外地勾勒出了伦勃朗的形象。这幅作品也是毕加索的一次实验性尝试，旨在检验他能否重现伦勃朗作品中深邃的黑色。作品中借鉴了多幅版画的图像，表明毕加索也曾深入研究过伦勃朗。由于现场禁止拍照，请您务必亲临现场欣赏这幅作品。

负责此次展览的国立西洋美术馆策展人中田明日香表示：“在日本，以伦勃朗版画为主题的展览有很多。然而，这是我们首次策划一个将范围扩大到涵盖其影响的展览。我希望参观者在展馆内不仅能欣赏到伦勃朗版画的魅力，还能被其在时间和地域上的广度和丰富性所震撼。”

《版画家伦勃朗：挑战、遗产与影响》概要

*本文信息截至发稿时有效。请访问展览官方网站获取最新信息。

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上野皇家博物馆

“梵高大展：夜晚的咖啡馆露台”目前正在上野皇家博物馆展出，这是文森特·梵高（1853-1890）的杰作《夜晚的咖啡馆露台（广场）》近20年来首次在日本展出，引起了广泛关注。展览将持续至2026年8月12日（星期三）。

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荷兰的克勒勒-米勒博物馆拥有世界上最重要的梵高作品收藏之一。本次展览全部展出梵高最杰出的作品，是“梵高大展”两阶段展览的第一阶段，重点展示他短暂艺术生涯的前半段，这段生涯仅持续了约10年。

本次展览展出了梵高的约60件作品，包括油画和素描，以及莫奈和雷诺阿等其他当代著名画家的作品。展览分为五个章节，追溯了梵高的一生轨迹：从他在荷兰的早期生活，到在巴黎被绚丽的色彩所唤醒，再到后来为了追求更明亮的光线而移居法国南部的阿尔勒，直至他创作出杰作《夜晚的咖啡馆（广场）》。

另一个亮点是她写给弟弟西奥和亲密朋友的信件中的许多引语，这些引语展示在场馆的墙壁和说明板上，作为了解她情感的线索。

第一章：“巴比松学派与海牙学派”

1869年，16岁的梵高开始在他叔叔拥有的古皮尔画廊工作。然而，随着他对宗教问题的兴趣日益浓厚，他对艺术行业失去了兴趣，并于1876年被解雇。此后，他立志成为一名牧师，并通过与生活在艰苦环境中的农民和工人的交流，逐渐相信“真理”和“真诚”就存在于他们的生活中。

1880 年后，当他真正开始从事绘画事业时，最先引起他兴趣的是法国的“巴比松画派”和荷兰的“海牙画派”，这两门画派将在第一章中介绍。

巴比松画派以其自然主义风景画和风俗画而闻名，活跃于19世纪上半叶至中期巴黎郊外的巴比松村及其周边地区。他们摒弃了传统的历史画，以写实的手法，根据直接观察描绘熟悉的自然风光和贫苦农民的生活。这种在户外写生的风格，对下一代印象派画家产生了深远的影响。

另一方面，活跃于19世纪下半叶荷兰北海之滨海城市海牙的海牙画派，师从巴比松画派，创作了当时不常见的题材，例如描绘渔村艰辛生活的场景。他们独特的技法强调光影而非色彩，以灰蒙蒙的色调捕捉潮湿的空气和阴沉的天空，营造出忧郁而感伤的氛围，在当时的荷兰艺术界广受欢迎。

梵高最初是通过临摹绘画指导书籍起步的。从1881年底到1883年9月，他定居海牙，在那里直接师从他的远房亲戚、海牙画派成员安东·莫夫学习绘画基础知识。他的主要榜样是约瑟夫·伊斯雷尔斯，他是海牙画派的核心人物。

伊斯拉尔不仅创作渔民和农民等风俗画，还创作了许多具有犹太背景的宗教题材作品。他戏剧性地运用明暗对比法，继承了17世纪荷兰大师伦勃朗的风格。在梵高的早期杰作《吃土豆的人》（现藏于梵高博物馆）中，我们可以感受到伊斯拉尔的影响，画面中人物的面容从黑暗中浮现，营造出庄严肃穆的宗教氛围。（该作品的石版画正在展出。）

此外，谈及梵高，不可或缺的是巴比松画派成员让-弗朗索瓦·米勒，他以《播种者》和《拾穗者》等作品而闻名。梵高终其一生都敬仰米勒，因为他以庄严的目光捕捉那些虔诚地与大地和谐共处的人们，并描绘出他们生活方式的崇高之美。梵高并非简单地临摹石版画，而是用自己的色彩和表达方式对其进行重构，并以此为基础建立起自己的风格。

第二章：“荷兰时期”

第二章收录了梵高在海牙和荷兰南部纽南（他于 1883 年搬到那里）实际创作的油画和素描作品。

《戴草帽的静物》 （1881 年）标志着梵高从此前完全专注于绘画，开始认真对待油画的时期。学习…在一张木桌上，他摆放了一顶系着黑色丝带的黄色草帽、一根烟斗、一些陶器和碎布，试图展现各种不同的质感。他在信中写道：“我想我已经迈出了创作真正严肃作品的第一步。”字里行间流露出他的自豪。据说，他长期保存着这幅作品，作为日后创作的参考。

海牙画派和梵高都描绘了工人阶级的生活，但海牙画派为了博取资产阶级收藏家的青睐，倾向于描绘他们所幻想的“简朴生活”。而梵高则展现了他独特的风格，有时通过夸张的面部表情，将人物的苦难和挣扎描绘得残酷、丑陋或疲惫不堪。

《木匠作坊和洗衣房》 （1882年）描绘了他在海牙的家后景，运用透视法营造出一种写实感。尤其值得注意的是前景中的那棵小树。他先用铅笔勾勒出轮廓，然后用钢笔和墨水勾勒，再用白色水彩颜料添加花朵，最后用锋利的工具刮擦背景边缘。尽管这幅作品略显生涩，但它展现了艺术家通过尝试各种材料和技法来拓展其表现力的努力。

织工劳作是纽南时期最具代表性的主题之一。1880年，梵高游历法国北部织工村落时，被织工们深深打动，他形容他们“梦幻、沉思，如同梦游者”。他决定将目光聚焦于这些在当时很少作为艺术主题出现的织工身上，同时，他也对织机本身的精巧结构着迷不已。

《织布机与织工》 （1884年）是这种风格的典型代表，画面中醒目的黑色织布机在暗灰色背景的衬托下格外引人注目。据说他曾将这幅作品拍摄成名片大小的照片，或许是为了向提奥汇报拍摄效果并推广这幅作品。

1883年12月至1885年11月期间，他居住在纽南，创作了500多幅作品，其中许多是探索明暗对比技法的头像习作。他对纽南妇女日常佩戴的白色帽子尤为感兴趣，并在信中写道，帽子及其在阴影中投射的脸庞“呈现出一种更细腻的色彩质感，很像明暗对比法”。

当时，受以色列的影响，梵高在“黑暗中透出的光芒”中发现了美。因此，他调整了模特面部和服装的色调，然后调整了背景的光影，以在暗色调的画面中表现光影和深度的效果。

他在荷兰时期的巅峰之作是油画《吃土豆的人》。此次展出的作品是根据油画的习作制作的石版画，旨在向亲朋好友展现他自信的创作，描绘了农民“手工劳动”的高贵一面。尽管这是他首次尝试版画，但提奥和他的朋友、画家范·拉巴德却对这幅作品给予了严厉的评价，称其“模糊不清”且“肤浅”。从此以后，梵高在艺术创作中更加注重抒情表达而非技巧。

第三章：“巴黎画家与梵高”

第三章重点介绍活跃于 19 世纪 60 年代至 90 年代的艺术大师（主要是印象派画家）的作品。

梵高曾因画作的阴暗风格而受到巴黎一位成功的艺术品经销商提奥的批评，提奥认为他需要更多地了解现代艺术。此外，由于他对巴比松画派的兴趣日益浓厚，并且渴望法国艺术和法国这个国家本身，梵高在比利时安特卫普的艺术学校短暂学习后，于 1886 年 2 月冲动地搬到了巴黎。

与西奥同住一间公寓，并有机会在“Le Tamboulan”咖啡馆举办展览，他得以与卡米耶·毕沙罗、亨利·德·图卢兹-洛特雷克和埃米尔·贝尔纳等当代画家交流。接触到最新的艺术表达后，他的艺术风格发生了戏剧性的转变，摆脱了在荷兰时期阴郁的创作风格，变得充满光明与色彩。

梵高尤其欣赏克劳德·莫奈的色彩运用、皮埃尔-奥古斯特·雷诺阿充满活力的明暗对比和柔和的笔触，以及保罗·塞尚大胆的构图和色彩表现技巧。他还与乔治·修拉和保罗·西涅克等新印象派画家结为好友，并受其影响开始尝试点彩画法。到1887年夏末，他已完成了一系列运用富有韵律感的笔触的作品，这些作品是他对新印象派的独特诠释。

大约在同一时期，新印象派画家马克西米利安·卢斯（Maximilian Luce）以更为系统的方式实践了点彩画法。他被人造物与自然和谐共存之美所吸引，像梵高一样，在城市与乡村景观交汇的蒙马特山上设立了自己的工作室。他的作品《巴黎地区，从蒙马特眺望》 （约1887年）描绘了从工作室眺望圣但尼工业区的景色。夏日阳光下郁郁葱葱的绿植，以及成排烟囱升起的炊烟与云朵交织的景象，都被他运用点彩画法生动地描绘了出来。

卢斯忠实于修拉的光学理论，试图通过细致而规整的点彩画法捕捉巴黎的光影和氛围。相比之下，梵高不仅遵循绘画规则，更将其提升到一种富有节奏感和力量的笔触境界，仿佛倾泻出他自身的情感，并以一种主观的方式运用色彩。

第四章：“巴黎时期”

第四章追溯了梵高在巴黎生活约两年期间，其绘画风格的剧烈变化。

移居巴黎后，梵高无力聘请模特，被迫创作静物画和自画像，而非他一直想画的肖像画。然而，这最终却极大地提升了他的色彩感知能力。

尤其值得一提的是，仅在1886年夏天，他就创作了至少30幅花卉静物画。具体来说，他反复尝试互补色对比，将互补色（色轮上彼此直接相对的颜色），例如红色和绿色，或橙色和蓝色，并置在一起，使每种颜色都更加鲜明突出。按创作顺序观察展出的三幅花卉静物画——《玫瑰与牡丹》 （1886年）、 《野花与玫瑰静物》 （1886-87年）和《蓝色花瓶中的花》 （1887年），我们可以看到，随着色彩对比的增强，画面的和谐度也愈加精妙，这展现了他日益精湛的技艺。

这受到了欧仁·德拉克罗瓦的影响，他在印象派之前就对互补色效果进行了理论分析和运用；此外，梵高当时非常崇拜的画家阿道夫·蒙蒂切利也对他产生了影响。蒙蒂切利是法国南部的一位画家，以其独特的风格而闻名，他大量运用厚重的颜料，使画面呈现出雕塑般的质感，并运用了强烈的色彩对比。此外，浮世绘版画，包括歌川广重的作品，也对梵高独特的笔触和色彩感产生了重要影响。

与梵高以往的作品不同， 《餐厅内景》 （1887）描绘了一家服务于资产阶级的餐厅，是新印象派技法最鲜明的体现之一。他运用了类似西涅克的点彩笔触，巧妙地安排了互补色的对比——墙壁的红色和绿色、地板的黄色和柔和的紫色、椅子的橙色和桌布的蓝色——这种平衡体现了他精心的构思。

然而，桌椅并非完全以点彩技法描绘。此外，这幅作品绘制在之前使用过的画布背面，或许这种精细的点彩技法对于这位画家奔放的性情而言过于拘束，因为他在移居阿尔勒后便逐渐疏远了严格的点彩画法。这幅作品因其明亮而精致的色彩在梵高的作品中尤为受欢迎，但考虑到以上几点，它或许并非梵高想要广为展示的作品，而仅仅是一次磨练技法的机会。

第五章：阿尔勒时代

尽管梵高在巴黎的绘画事业取得了巨大成功，但城市的喧嚣和艺术家之间激烈的竞争逐渐损害了他的身心健康。为了追寻他挚爱的浮世绘版画中那耀眼的阳光，以及艺术家们共同创作的理想环境，他于1888年2月搬到了法国南部的小镇阿尔勒。那里鲜艳的色彩和充足的阳光深深吸引了他，他开始沉浸于通过鲜明的色彩对比来表现自然之美。

在不到15个月的时间里，他创作了大约200幅油画和100多幅素描和水彩画。与此同时，他构思了“黄房子”——一个公共工作室，并准备邀请许多崭露头角的艺术家，其中包括保罗·高更。

从他的话语中可以看出，“我现在最想画的就是星空”和“对我来说，夜晚往往比白天更加生机勃勃、色彩斑斓”，不仅仅是白天的光线让梵高在阿尔勒感到振奋。

本次展览的亮点之作《夜晚的咖啡馆（广场）》 （1888年）描绘了城市中心广场广场在煤气灯昏黄灯光下的夜景。这幅画是梵高最杰出的杰作之一，在荷兰以外地区极为罕见，也是他首次以非凡的方式描绘星空的不朽之作。

在繁星点点的夜空下，咖啡馆的露台熠熠生辉。凸起的星光使它们如同宝石般闪耀。梵高在一封信中这样描述这幅作品：“这是一幅没有黑色的夜景画。画面中只有美丽的蓝色、紫色和绿色，在这片背景下，被照亮的广场呈现出淡淡的硫磺色和柠檬黄的色调。”暖色调的前景与冷色调的背景形成鲜明对比，赋予画面引人注目的光彩，重新定义了传统西方绘画中通常以黑灰色描绘的夜景形象。

有人认为，梵高对星空的追求受到了他喜爱的莫泊桑小说《漂亮朋友》中对夜空的精彩描写的影响，也受到了他在1888年6月初于地中海看到的绚丽星空的影响。无论如何，重要的是，对他而言，星空是一个重要的意象，代表着“希望”。

人们认为，这幅作品创作之时，社区成员们既焦虑又孤独，不知朋友们是否会来探望，同时也充满兴奋和希望。现存的一封信中写道：“夜里辗转难眠时，我会走到户外仰望星空，星星就像我的朋友们一样。”这表明，在这幅作品中，人物或许也将星星与朋友们的形象联系起来。

然而，值得注意的是，当时的咖啡馆与今天的咖啡馆截然不同，它们是人们社交和享乐的场所。这幅作品中对咖啡馆露台的描绘，被认为是有意致敬前文提到的《漂亮朋友》中的场景：贫穷的主人公厌恶地凝视着一家夜间咖啡馆，那里富人们享用美食美酒，妓女们也在此出没。此外，关于创作于同一时期的另一幅作品《夜间咖啡馆》，梵高曾表示，他“试图表达咖啡馆是一个人们自我毁灭、丧失理智、甚至犯罪的地方”。

尘世间欲望与颓废交织，而天国星空象征希望。梵高将这两个世界进行对比，或许正是通过鲜明的互补色对比，他试图进一步凸显后者的光辉灿烂。

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展览第二阶段“伟大的梵高展览：阿尔勒的朗格卢瓦桥”计划于2027年2月6日从神户开始巡展，途经福岛和东京。被誉为荷兰国宝的阿尔勒朗格卢瓦桥，将近70年来首次在日本展出，敬请期待。

■ “梵高大展：夜晚的咖啡馆露台”概览

日期：2026年5月29日（星期五）至2026年8月12日（星期三）
地点：上野皇家博物馆
营业时间：周日至周四 9:00-17:30 / 周五、周六及公众假期 9:00-19:00
*闭馆前30分钟允许入场。
闭馆日：展览期间每天开放。
入场费（平日）：普通入场费2800日元，大学/职业学校/高中学生1600日元，初中/小学生1000日元
*周六、周日及节假日将加收200日元。
*高中生及以下学生在6月30日（星期二）之前可免费入场。
*详情请查看官方网站。
主办单位：产经新闻、TBS电视台、TBS Growdia、博报堂、上野王室博物馆
咨询电话：050-5541-8600（Hello Dial / 上午 9:00 – 晚上 8:00）
展览官方网站 | https://grand-van-gogh-tokyo.com/

*本文信息截至采访时有效，可能与最新信息有所出入，详情请查阅官方网站。

文章提供： Cocosil Ueno

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