【美国国立西部艺术博物馆】关于“伦勃朗版画家：挑战、传承与影响”展览的报告。伦勃朗版画的创新之处是什么，使其与戈雅、雷东和马蒂斯的作品联系起来？

国家西方艺术博物馆

一场以伦勃朗·哈尔曼松·范·莱茵（1606-1669）这位17世纪荷兰著名画家的“版画家”身份为主题的展览在荷兰国立西方艺术博物馆开幕。该展览名为“版画家伦勃朗：挑战、传承与影响”，将持续至2026年9月23日（星期三，国庆节）。

*部分展出作品将在展览期间进行更换。详情请查看官方网站公布的作品清单。

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伦勃朗于1606年出生于荷兰莱顿，是一位杰出的肖像画家和叙事画家。他以油画作品而闻名，例如运用光影对比强烈的《夜巡》。然而，伦勃朗一生也致力于版画创作，尤其擅长蚀刻版画。他开创了版画表现力的先河，被誉为版画史上最伟大的大师之一。

本次展览不仅追溯了伦勃朗版画创作中遇到的各种“挑战”，还汇集了戈雅、马蒂斯、毕加索等受其影响的艺术家的作品，探讨了直至20世纪初的“传承”与“影响”。展览主要展出阿姆斯特丹伦勃朗故居博物馆（世界上唯一一座专门收藏伦勃朗作品的博物馆）和荷兰国立西方艺术博物馆的藏品，以及从日本博物馆、大学图书馆和海外私人收藏家处借展的作品。展出的物品约有 130 件，包括书籍和海报。

第一章“伦勃朗在版画制作中的挑战”介绍了伦勃朗雄心勃勃的版画制作过程中产生的各种表现形式，分为五个主题部分：“肖像和头像研究”、“社会边缘人和普通人”、“宗教主题”、“铜版画素描”和“风景画”。

17世纪的欧洲，主要的版画技法包括木版画、金属雕刻和蚀刻。雕刻技法先于蚀刻，它是用雕刻刀直接在金属版（即刻有印刷图像的版）上进行雕刻的。由于难度较高，雕刻技法需要接受过专业的训练，其风格的特点是线条强劲有力、锐利清晰，且以直线为主，有时甚至呈现出近乎机械般的规整。

相比之下，伦勃朗主要专注于蚀刻（腐蚀雕刻）。这项技术最初是为在坚硬的铁制盔甲和刀剑上雕刻装饰图案而开发的，后来被应用于版画制作。其原理是用针（一种针尖状的工具）刮擦涂有防腐剂的铜版，然后用酸腐蚀裸露的金属，形成凹槽。它的特点是制作起来就像用笔在纸上作画一样简单，但最初它常常被视为雕刻的替代品，因为雕刻需要耗费大量时间，其表现力也未得到充分发挥。

17世纪初，荷兰一些未接受过正规版画训练的画家开始涉足蚀刻领域。一场探索不受传统束缚的全新表达形式的运动开始兴起。刚刚成为独立画家的伦勃朗也加入了这场运动，并作为这一历史转折点的领军人物，为运动的发展做出了贡献。他留下了令人瞩目的314幅作品，每一幅都基于一块原创版画。

许多从事蚀刻版画创作的画家在其短暂的艺术生涯中仅创作了寥寥几幅作品，而且这些作品大多描绘风景。相比之下，伦勃朗的创作题材十分广泛，不仅包括风景，还包括肖像、头像习作、风俗画和圣经故事。他还留下了一些以铜版为素描本的习作，这在当时的荷兰是一种新兴的艺术形式。在当时艺术创作高度专业化的荷兰，像伦勃朗这样涉猎如此广泛题材的艺术家实属罕见。从这个角度来看，伦勃朗的版画创作无疑极具挑战性。

伦勃朗早期标志性作品《张嘴自画像》 （1630年），画中人物双眼圆睁、嘴唇紧抿，乍看之下似乎滑稽可笑，但这绝非出于玩笑之作。这幅作品表明，伦勃朗作为一名叙事者，在人物描绘中力求真实可信，并以自己的面容为模特，研究各种表情。

次年创作的《戴软帽和花纹斗篷的自画像》 （1631年）虽然尺寸较小，但其线条运用之丰富却令人印象深刻。柔软的帽檐以一系列柔和起伏的垂直线条描绘而成，而光泽厚实的斗篷则以交错重叠、图案各异的锯齿线勾勒而成。另一方面，褶裥领口、袖口花边和卷发则以钢笔素描般的自由笔触，运用柔和细腻的线条加以描绘。这表明他已经克服了此前常被诟病的“单调”风格，并形成了一套能够驾驭不同质感的线条绘画风格。

此外，蚀刻通常需要反复修改原版（状态），并在印刷过程中显影图像。伦勃朗的蚀刻状态数量异常之多，这幅作品中已识别出14个状态。

在《版画家克莱门特·德·容格肖像》 （1651年）的展览中，您可以比较版画的第一版和第五版。在第五版中，阴影更深，使得面部表情难以辨认，从而赋予了版画一种神秘的氛围。

伦勃朗经常通过层层叠加的方式对画面进行大幅修改，有时甚至改变了场景的根本含义。渐渐地，他开始将修改原版作为创造变体的手段，而不仅仅是对图像进行加工。例如，在《逃往埃及》 （约1652年）这幅作品中，他修改了早期版画家塞格斯（Segers）的《托比亚斯与天使》的原版，创作了一幅以圣家族前往埃及的旅程为主题的作品。这表明，伦勃朗并不把版画视为一种固定不变的成品，而将其视为一个灵活的创作空间。

伦勃朗的《一百荷兰盾版画》 （1648年）被认为是其最杰出的蚀刻版画之一，也是本次展览的亮点之一。这幅版画的标题源于其在当时以“一百荷兰盾”的天价售出。版画描绘了新约圣经《马太福音》第十九章中的多个场景，基督作为共同的主角，将这些场景同时展现。

在柔和的暗色调背景下，无数线条交织成网，营造出光影由黑转灰再转白的微妙渐变。采用“干刻”技法——即用特制针直接刮擦铜版，在凸起处形成独特的模糊效果——并印制于日本纸上，进一步增强了丰富的色调层次，赋予画面深邃的意境。

另一方面，画作左侧的人物群像几乎完全由轮廓线勾勒而成，如同钢笔素描。这幅作品不仅因其创新的整体构图而引人注目，也可被视为伦勃朗技法实验的巅峰之作。

《阿姆斯特丹景色》 （约1641年）是伦勃朗从运河对岸描绘阿姆斯特丹的一幅作品，他一生的大部分时间都在这里度过。这幅画的构图，地平线较低，天空占据了画布的大部分，符合当时荷兰风景画的流行趋势。另一方面，他刻意留白天空以营造光线感的技法，与传统版画中几乎总是描绘云彩的风格有所不同，而这也可以说是伦勃朗开创的一种技法。

第二章“传承——17至18世纪”追溯了伦勃朗及其同时代人在17至18世纪的影响。

伦勃朗的版画在创作之时就广受欢迎。然而，或许是因为他的技法过于先进，17世纪他的追随者寥寥无几，例如他的学生费迪南德·博尔和意大利画家乔瓦尼·贝内德托·卡斯蒂廖内。

在接下来的18世纪，人们对伦勃朗作品的兴趣日益浓厚，尤其是在德国艺术家中。伦勃朗的仰慕者格奥尔格·弗里德里希·施密特创作的《窗边蜘蛛自画像》 （1758年）描绘了艺术家在明亮的窗前勤奋作画的场景，显然受到了伦勃朗的《窗边蚀刻师自画像》 （1648年）的启发，后者也与施密特的作品并置展出。然而，施密特也融入了他独特的个人风格，例如小提琴和剑暗示了他的军旅生涯，而蜘蛛网这一象征命运和时光流逝的意象，则为画面增添了一丝忧郁的抒情色彩。

18世纪仿制品层出不穷，甚至出现了艺术家完成伦勃朗未完成作品的例子，例如施密特的《手扶额头的老人》 （约1639/1770年）。此外，市场需求如此旺盛，以至于原版画很快磨损，导致市场上充斥着大量的复制品和仿制品。

在1751年创作的讽刺画《巴勃罗在费利克斯面前》中，英国讽刺画家威廉·霍加斯嘲讽了伦勃朗有时过于写实的风格。他警告人们不要在伦勃朗的作品上花费巨资，而英国艺术家往往忽视了这一点，这体现了当时的艺术热情。也是在这一时期，《伦勃朗作品全集》（Catalogue Raisonné）的编纂工作开始，为伦勃朗研究奠定了坚实的基础，这一研究至今仍在继续。

第三章“超越世纪的影响——十九世纪和二十世纪”以西班牙大师弗朗西斯科·何塞·德·戈雅·卢西恩特斯开篇。据说戈雅晚年曾说过：“除了自然、委拉斯凯兹和伦勃朗，我没有其他老师。”但这句话指的并非伦勃朗的油画成就，而是他的版画作品。当时，伦勃朗的版画在西班牙十分罕见，戈雅通过熟人的收藏和其他途径潜心研究这些作品，并将它们融入到自己的创作中。

《战争的灾难79：真理已死》 （约1810-1820年）是戈雅创作的一系列版画之一。戈雅亲历了拿破仑战争和国内动荡。尽管身为宫廷画家，他在谴责人性的丑陋和残酷的同时，也融入了激进的政治批判。这幅版画描绘了“真理”的死亡，以女性形象象征，寓意着随着君主制的复辟，“宪政自由”的消亡。画中人物的圆形排列以及从“真理”身上散发出的光芒，都与并排摆放的伦勃朗的《基督显现于使徒》 （1656年）有着某种联系。

与此同时，在19世纪上半叶的法国，蚀刻版画技术一度几乎被遗忘，但在强调艺术家感性和原创性的潮流推动下，它作为一种适合现代的版画技术被重新评估。在此背景下，伦勃朗的一幅作品《书房中的学者（浮士德）》 （约1652年）引起了特别关注。

这幅杰作的美在于其对比鲜明的明暗对比：密密麻麻的线条勾勒出暗部，而明亮的部分则充分展现了线条本身的表达力。画中描绘了一位年长的学者，他正凝视着窗外神秘的身影，他的书房装饰着骷髅和地球仪。这幅画的含义至今仍不甚明了，引发了各种解读。但到了18世纪，它被认为是炼金术士浮士德的画像，并且据说是歌德著名戏剧《浮士德》的灵感来源，而歌德的这部戏剧正是由一位伦勃朗的忠实仰慕者创作的。

此外，这幅画作所散发的神秘氛围与19世纪人们的审美情趣产生了共鸣，促使文学巨匠维克多·雨果将其意象融入其杰作《巴黎圣母院》之中，并被用于推广蚀刻版画的杂志《巴黎蚀刻》的海报。这件作品可被视为当时巴黎蚀刻版画复兴运动中，人们对伦勃朗作品崇拜现象的象征性例证。

1862年成立于巴黎的蚀刻版画家协会盛赞伦勃朗对光影的创新运用——神秘的暮色、闪烁的光芒和漆黑的黑暗——认为这是蚀刻版画创作的无限可能。在伦勃朗版画集的序言中，他们评论道：“（这些版画）对于描绘他梦幻般、充满力量且奇特的想象力所创造出的所有幻想至关重要。无论他的调色板多么丰富，都无法呈现出如此多样的效果。”

法国象征主义的领军画家奥迪隆·雷东也从伦勃朗细腻的色彩渐变和深邃的明暗对比中发现了一种具有塑造性的艺术语言，这种语言唤起了神秘的精神内涵。他对伦勃朗的崇拜之情溢于言表，以至于他在笔记中写道，他认为“形式的奥秘都取决于他（伦勃朗）”。 《启示录：他右手拿着七颗星，口中吐出一把双刃剑》（1899）中笼罩着基督的深邃黑暗，令人联想起伦勃朗的风格。

伦勃朗的风景蚀刻版画杰作《三棵树》 （1643年）在19世纪的法国也广为人知。这幅画描绘了荷兰乡村即将迎来暴风雨的景象，画面中暴雨倾泻而下的锐利斜线、交错线条勾勒出的翻滚黑云，以及三棵树后的光影对比，共同营造出戏剧性的效果。许多艺术家都为这种风格所倾倒，本次展览通过巴比松画派艺术家如查尔斯-弗朗索瓦·杜比尼、阿方斯·勒格罗和费利克斯·布拉克蒙的作品，展现了这种风格的影响。

即使到了 20 世纪初，伦勃朗的受欢迎程度也没有减弱，被认为是 20 世纪艺术史上最伟大的两位人物的亨利·马蒂斯和巴勃罗·毕加索都在自己的作品中向伦勃朗致敬。

亨利·马蒂斯是前卫艺术运动“野兽派”的创始人，以其杰出的色彩运用而闻名，但在版画创作方面，他几乎完全专注于黑白表现。此次展出的作品《亨利·马蒂斯雕刻版画》 （1900-1903）便是马蒂斯版画创作的起点之作。

他的作品主题和构图，以大幅正面视角展现自己的上半身，据信受到了伦勃朗《窗前蚀刻自画像》的启发，与前文提到的施密特的18世纪作品有异曲同工之妙。对于年轻的马蒂斯而言，在首次尝试版画创作时，以19世纪末以来在巴黎广受欢迎的伦勃朗自画像为蓝本，或许是一个自然而然的选择。

在毕加索的《持调色板的伦勃朗》（1934年）中，这幅作品是“沃拉尔系列”的一部分，画中伦勃朗的公众形象——在其蚀刻版画自画像中反复出现——被夸张地描绘出来，画中伦勃朗留着胡须，戴着羽毛帽。这幅作品的创作缘起于毕加索在一块已无法使用的铜版上随意涂抹线条，却意外地勾勒出了伦勃朗的形象。这幅作品也是毕加索的一次实验性尝试，旨在检验他能否重现伦勃朗作品中深邃的黑色。作品中借鉴了多幅版画的图像，表明毕加索也曾深入研究过伦勃朗。由于现场禁止拍照，请您务必亲临现场欣赏这幅作品。

负责此次展览的国立西洋美术馆策展人中田明日香表示：“在日本，以伦勃朗版画为主题的展览有很多。然而，这是我们首次策划一个将范围扩大到涵盖其影响的展览。我希望参观者在展馆内不仅能欣赏到伦勃朗版画的魅力，还能被其在时间和地域上的广度和丰富性所震撼。”

《版画家伦勃朗：挑战、遗产与影响》概要

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