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东京都美术馆

荒木玉名是一位持续从事从版画到装置等广泛表现活动的纽约艺术家，他的首次回顾展将在东京上野的东京都美术馆举办。展览期限至2023年10月9日。

荒木玉名（1970-）1991年从武藏野美术大学短期大学毕业后留学墨西哥，对“光明与黑暗”、“生与死”共存的独特文化着迷。此后，他在墨西哥多次停留期间，通过多种表现形式创作出具有独特世界观的作品，其中包括在当地学习的铜版画、三维作品、装置、动画等技法。

2012年，她将活动基地迁至纽约，迈出了有意识地以移民身份生活的新一步，近年来她对“跨越国界”、“多样性”等主题感兴趣。 “包容。”

本次展览是荒木经惟的首次回顾展。从早期作品到新作品，从手掌大小的三维作品到占据整个楼层的大型装置，约120件品种多样，《记忆的那里》（2023年/首次展出）在这次展览中），受到“上野的回忆”的启发。正在开发丰富的作品集。

展览由四个章节组成。荒木经惟作品的魅力在于其主题和表现方式能够唤起人们的生活和故事，给人一种亲切和怀旧的感觉，同时在日常和非凡之间建立了界限，让你的心仿佛被带到了某个地方。观众被邀请踏上一段穿越世界的神秘之旅。

第一章“旅行的‘开始，开始！’”介绍了比较早期的作品，包括那些以旅行为主题的作品，以及那些以在墨西哥的经历为灵感的作品，我以此为起点进行介绍。

入口处有一件名为《无题》 （1995）的作品，它是由一个音乐盒组成的，观众可以自己转动螺丝。关于这部作品，荒木经惟在一次画廊演讲中评论道，“当一首歌正在播放时，我是抱着一边听着它一边进行想象的旅程的想法来创作它的。”众多空空的相框，预示着即将开始的旅程中的美好邂逅。

展览就像《开始，开始》 （2003）中的帷幕一样开始，一个故事开始了。 《白天》和《夜晚》 （1999）的创作理念是“如果有一个可以随身携带的作品，可以放在我旅行时住的房间的床边，或者火车窗边的小桌子上。” 创作的独特可折叠三维作品。全部采用铜版雕刻技术制成。

以骷髅为主题的《黄色骷髅》(La calavera amarilla) (2005) 和以色彩缤纷的装饰和彩灯迎接死者的《骷髅进行曲》(Una Marcha de los esqueletos) (2004)，您可以感受到墨西哥独特的生死观的影响，例如“太阳”。

《曹诗》 （2005）是一个充满温暖光线的梦幻场景，让人想起灯笼。这个设计的灵感来自于墨西哥穷人浓厚的生活方式，他们过去未经许可从电线杆上拉出电线，用它们来照亮自己的房屋和小吃摊，而用这些灯装饰的街道是如此美丽，看起来非常美丽。就像星空一样，这是一个受这个概念启发的装置。

天花板上悬挂着许多电源线，电源线的末端连接着看起来像房子的小盒子。不仅光的颜色不同，每个小盒子的图案也不同，使用的物品也多种多样，比如荒木经惟在墨西哥喝过的一盒茶、一张巴士票、一张墨西哥摔跤的传单等。 。

混乱国家的形象来自于荒木经惟从涂满色彩的房屋和居住在那里的墨西哥城人民中感受到的“混乱中生存的力量”，不是吗？

请注意，这项工作是一项参与性工作。在展览协调员（支持观看的志愿者，绰号“Kee-jin”）的指导下，观众可以将小盒子连接到他们选择的任何插座上，使它们成为城市景观的一部分。

第二章“柔光中潜伏的黑暗”中，两个装置对称排列，分别表达光明和黑暗。

荒木经惟以他小时候居住的住宅区为形象创作的《内》 （1999）中，大约100个由白色胶合板制成的盒子靠在白色的墙上，类似于住宅区中的房屋。

每个盒子都被随机编号，观众从主持人那里收到一把钥匙，打开与编号相匹配的盒子门。然后，光线从里面溢出，我们开始看到版画中描绘的每个家庭的温馨生活，这在统一的外表下很难想象。

在《家》墙的另一边， 《看不见》 （2011）有着强烈的存在感，一个黑色的、不祥的物体从上方蔓延开来，仿佛将日常生活中的小幸福填满在同一个空间里。工作..

该作品是在2011年东日本大地震之后创作的，视觉上捕捉了当时因核电站事故而感受到的焦虑和厌恶的感觉，其中被称为放射性物质的看不见的危险物质可能会飞来。制作。据说，这些黑色物体是用从墨西哥大量购买的黑色兰花纤维染色，然后将它们卷成饺子，然后粘贴在一起制成的。

第三章“故事的世界，跨越国界的蝴蝶”，全面介绍了荒木经惟的“故事的世界”，可爱而又令人不安，充满了荒木经惟的诗意。

荒木经惟画的人物大多只是剪影，看不到他们的表情。他独自一人在广阔的世界里，有时会面对一些令人恐惧的事情。你看到孤独、自由还是对某事的渴望吗？当我自己和我自己神秘地重叠时，我的记忆被动摇了，不知不觉间，我的思绪似乎被吸收到了作品的世界里。

《NeNe Sol – 最年轻的太阳》是一本以至今仍在墨西哥恰巴斯地区流传的玛雅太阳创造神话为基础的图画书，由荒木经惟先生和 Leñateros Studio 联合制作，版画工作室的成员主要是玛雅土著人。事情。会场内展示了原型版和原版插图。独特的装订看起来像石雕，是由一位墨西哥雕塑家创作的。

2022年，荒木经惟将在东京都美术馆与来自各国的孩子们一起举办名为“我听到民间故事”的工作坊。孩子们体验了用纸浆制作帐篷和蝴蝶形状的图画书，还介绍了来自祖国的民间故事。会场内陈列着当时实际制作的帐篷。

荒木先生对他在墨西哥遇到的帝王蝶很感兴趣，这种蝴蝶像候鸟一样从一个国家迁徙到另一个国家过冬。这件作品的灵感显然来自于帝王蝶将翅膀停在地面上的形象。

这部作品以特朗普执政期间作为移民生活在美国的荒木经惟，以及他对被围墙封锁而无法跨越国界的难民，以及无论怎样都能在世界各地自由迁徙的帝王蝶的思考为基础。的边界。它是叠加的。

此外，由于帐篷是人们暂时停留或避难的地方，荒木经惟透露，这件作品有“人们可以安心躲藏的地方”的意义。

在第四章“上野的地下冒险”中，我们使用了地下三层展览室的整个空间，可以称为博物馆的“那里”（底部），天花板高度为 10 米，为“上野的记忆”创造创意。由此产生的大型装置“记忆的那里” （2023）将装饰本次展览旅程的最后一部分。

在我的研究中，我了解到它成为许多历史事件的舞台，例如日本第一个公园、博物馆和动物园的诞生，关东大地震，东京大空袭，以及战后黑市的出现。战争，吸引了来自各个国家和地区的人们，而荒木先生却被他所居住的上野的混乱所吸引。

中央黑色鸟笼般的巨大物体周围，展示着上野过去和现在的碎片图像，包括荒木经惟本人拍摄的上野照片和描绘上野的浮世绘，一对悬挂着象征“眼睛”的镜子天花板上的光线在揭示埋藏在“下面”（底部）的上野形象方面发挥了作用。

该物体是“一个像笼子一样的空心篮子，吞噬并吐出过去、未来、美丽和琐碎。”该物体的上部看起来像是被一只大手抓着。有些柱子是弯曲的，好像它们是从内部强行推出或从外部撬开的。

对于这个形状，荒木经惟说，“鸟笼和笼子似乎是在保护鸟类，但同时也限制了它们，让它们无法自由飞走，而这个形状就是从这两个方面显现出来的。”他解释道。

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对于这次展览，荒木先生说：“我希望很多孩子和年轻人都能够看到它。我希望他们能够走进地下，有一种有点神秘的体验，像在旅行一样享受它。”从地面到上野“那里”的旅程也激起了我对另一段旅程的向往。

一个让人想起荒木经惟感兴趣的跨越国界、多样性和包容性等现代社会跨国家和地区共同主题的展览，将持续至2023年10月9日。

上野《开始，开始》荒木玉名作品展

时期	2023年7月22日（星期六）～2023年10月9日（星期一·节假日）
场地	东京都美术馆 A、B、C 展厅
营业时间	9:30-17:30、周五 9:30-20:00（最后入场时间为闭馆前 30 分钟）
休息日	9月19日星期一（星期二） *但是，办公室将于9月18日（周一/节假日）和10月9日（周一/节假日）开放
入场费	一般：1,100日元 / 大学、专门学校学生：700日元 / 65岁以上：800日元 *高中生以下免费 *其他入场费详情请参阅官方网站。
由…赞助	东京都历史文化财团 东京都美术馆
询问	03-3823-6921（东京都美术馆）
展会官方网站	https://www.tobikan.jp/hajimarihajimari

*文章内容截至报道时。请查看官方网站了解最新信息。

文章提供： Kokosil Ueno

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东京国立博物馆

介绍代表古代墨西哥的三大文明宝藏的特别展览“古代墨西哥 – 玛雅、阿兹特克、特奥蒂瓦坎”将于2023年6月16日星期五至2023年9月3日星期日在东京国立博物馆举办。在博物馆（东京上野）举行。

本次展览将以代表中美洲的三大文明（玛雅文明、阿兹特克文明和特奥蒂瓦坎文明，这些文明共享文化元素，并在墨西哥和中美洲部分地区繁荣发展，直至16世纪西班牙入侵）为重点。

介绍了从墨西哥各大博物馆精心挑选的铭文、浮雕、考古文物等约140件珍贵出土文物以及近期的发掘成果。我们将探索墨西哥古代文明的深度和魅力，例如多样化的自然环境所创造的独特的世界观和造型之美。

展览分为四个章节：“古代墨西哥的邀请”、“特奥蒂瓦坎：众神之城”、“玛雅：城邦的兴衰”、“阿兹特克：特诺奇蒂特兰神庙”。

第一章“古代墨西哥的邀请”

第一章“古代墨西哥的邀请”是基于三个文明共同主题的作品的横断面展览，例如“玉米”、“天体和日历”、“球类运动”和“活人祭祀” ，”以及各个文明遗迹的图片。是介绍性的部分，通过它传达了整个古墨西哥的世界观。

在这里，公元前1500年左右在墨西哥湾兴起的中美洲的根源是奥尔梅克文明，它继承了后来的中美洲文明的各种要素，例如主权概念和与仪式相关的许多神。作品《奥尔梅克风格》石像”表明存在

第2章“特奥蒂瓦坎众神之城”

第二章“特奥蒂瓦坎：众神之城”讲述了从公元前 100 年到公元 550 年繁荣的特奥蒂瓦坎文明。

基于当时人们所信仰的宇宙世界观，特奥蒂瓦坎是一座以“死亡大道”为中心，集金字塔、仪式大厅、宫殿式建筑和严谨的住宅群于一体的国家主导城市。是一座规划城市和一座大型宗教城市。最近的研究表明，那里居住着多达10万人，但所使用的语言和文字尚未弄清楚，它仍然是一个充满许多谜团的文明。

在这里，我们介绍代表特奥蒂瓦坎的三座金字塔：太阳金字塔、月亮金字塔和羽蛇金字塔，以及从它们周围出土的作品。

陈列室中央暴露的“死亡圆盘石雕”是1964年在特奥蒂瓦坎最大的金字塔——太阳金字塔前的广场上挖掘出来的。
这是一座直径超过1m的石雕，像光环一样放射状扩散的图案和从头骨口中伸出的舌头令人印象深刻。在中美洲，日落代表死亡，日出代表重生。

其中最具存在感的展品是羽蛇神石雕和西帕克特里头饰石雕。
这是覆盖羽蛇金字塔四壁的大型石雕的一部分，羽蛇金字塔是城堡的中央寺庙，是一座边长 400m 的大型仪式大厅。据说它代表了象征维纳斯和力量的羽蛇神的头饰，以及象征着时间（日历）开始的造物主湿婆赫特里（Shivakhtri）的头饰。

在会场，装置的设计是为了让您可以看到这些石雕如何从金字塔中突出。

羽蛇神的波浪形身体上反复雕刻着西帕克特里头饰的图案，因此整个羽蛇金字塔是中美洲第一座代表神圣王权和加冕的纪念碑。

羽蛇金字塔下深15m 、长103m的隧道中出土的文物中，以蜗牛壳尖端制成的乐器喇叭最为引人注目。该作品的图像风格和内容与玛雅宗教中心的图像相似，而特奥蒂瓦坎没有这种图像。

特奥蒂瓦坎居住地的墓体中埋藏着一件动物形状的陶器，上面有贝壳等华丽的装饰，挖掘者将其命名为“一只奇怪的鸭子”。由于它与许多贝类产品一起被发现，因此被认为是与墨西哥湾进行贸易的贝类商人有关的陪葬品。

“喇叭”、“鸟陶”等展品告诉我们，特奥蒂瓦坎是一个多民族的城市，贸易和市场经济活动蓬勃发展。

此外，让你想象特奥蒂瓦坎生活的壁画和陶器也很有趣。
在许多公寓大楼和仪式设施中都可以看到彩色壁画，例如“风暴神壁画” ，据说它代表了特奥蒂瓦坎的主要神灵之一，风暴神或雨神特拉洛克。

此外，从民居废墟中出土的许多香炉，都是根据用途重新排列各种装饰品而制成的。展出的“香炉”被认为是用于为死去的战士举行安魂仪式，其图案是箭头和盾牌等。

第三章“玛雅城邦的兴衰”

第三章“玛雅城邦的兴衰”介绍了玛雅文明的文化和朝代，玛雅文明从公元前1200年左右到16世纪在尤卡坦半岛周围蓬勃发展。该部分是本次展览中作品数量最多的部分。

据说，玛雅人在公元一世纪左右建立了一个具有独特文化和治理形式的王朝。但政治上却从未统一，通过无数城市之间的贸易和外交使团的进出等友好往来，有时还会发生争夺霸权的战争，形成了一个庞大的网络社会。出土的物品传达了玛雅地区的各种趋势。

帕伦克是玛雅森林城市之一，这是一座中等规模的城市，于公元 400 至 800 年间在西部地区繁荣发展。尤其是在日本首次展出的红皇后（Reina Roja）墓中出土的文物，是本次展览的亮点之一，被誉为王朝艺术杰作。

帕伦克是一座艺术之城，以其精致的建筑、雕塑和铭文而闻名，其黄金时代是国王 Kinichi Hanab Pakal（615-683 年）统治时期。
据说，帕卡尔国王在通过外交和战争加强帕伦克影响力的同时，也着力扩建王宫，使其成为玛雅地区最宏伟的建筑之一。他的遗体被安置在一座名为铭文神庙的陵墓中，据说是由巴卡尔国王亲自设计的。

这具尸体被称为“红皇后（Reina Roja）”，于 1994 年在铭文神庙旁边的第 13 号神庙中被发现。它的俗名来自于它被埋葬时覆盖着鲜红色的朱砂（水银红色）。调查结果显示，此人极有可能是巴卡尔国王的妻子伊什·查库布·阿豪(Ish Tsakub Ahau)。

会场内，“红皇后”的12件陪葬品被贴在人体模型上，在受13号神庙石室启发的空间中再现了埋葬状态。 “红皇后面具”是用小块孔雀石制成的，眼睛用黑曜石做，眼白用白翡翠做。

虽然照片中没有出现，但在项链、王冠等精美随葬品中，有一根不起眼的小“针”静静地陈列在人体模型旁边，引起了我的注意。看起来可能很奇怪，纺纱和编织是所有社会阶层的妇女都会做的活动之一，而针也是“红皇后”每天使用的，并且被认为是来世所必需的。是
他们不仅根据自己的身份来打扮，而且还同情自己或周围人的真实愿望，他们说：“我想要没有麻烦的生活。”

复制品展览旁边还播放了“红皇后”发掘调查的视频资料。

此外，在帕伦克王宫遗址发现的96字石版画展览上，我们得以彻底领略到如诗如画、造型优美的玛雅文字。

玛雅文字是一种由语标和音节文字组成的神秘语言，目前大约有700个字符和据说有数万个组织的各种组合正在被阐明。人们认为人的行为再现了神灵和祖先的行为，因此文字主要用来记录国王和国家的历史以及宫廷仪式。
这部作品还记录了帕伦克国王的即位日期和准确日期。

与日本一样，书法不仅用于传达信息，而且在玛雅人中也被视为艺术品。

在帕伦克等许多城市衰落之后，900年前后成为尤卡坦半岛北部玛雅地区最大城市的车臣伊察出土的文物也值得一看。
其中《木炭雕像》是我看完解说后觉得本次展览最恐怖的作品。雕像的腹部有一个类似盘子的东西，里面可能放着祭品，有时是从活人祭品上取下的心脏……

在这次展览中，出现了许多“牺牲”、“人祭”等令人恐惧的关键词。这些奇特的做法在中美洲已经持续了 3000 多年，现代人可能会对它们的残忍行为感到惊讶。

然而，这不仅仅是一种不人道的仪式行为，所有生命形式的诞生和运转都是通过神的工作和牺牲而实现的，这源于原住民的道德观念，他们认为必须坚持原则。人们普遍向上帝和自然祈祷。

第四章“阿兹特克特诺奇蒂特兰大神庙”

第四章“阿兹特克特诺奇蒂特兰神庙”是阿兹特克特诺奇蒂特兰王国（今墨西哥）的一座大城市，于 1325 年由母语为纳瓦特尔语的人们在墨西哥中部高地特斯科科湖的一个岛上建立，例如墨西加城）出土的物品。鼎盛时期人口超过20万，一直繁荣到1521年落入西班牙手中。

顺便说一句，在墨西哥中部高地，文明按照特奥蒂瓦坎⇒托尔特克⇒阿兹特克的顺序兴衰。 “特奥蒂瓦坎”这个名字在纳瓦特尔语中意为“众神之城”，是由发现该遗迹的阿兹特克王国的墨西加人命名的。

阿兹特克人通过军事力量和朝贡制度增强了国家实力，在建筑和绘画尤其是雕塑方面带来了惊人的发展。特诺奇蒂特兰是阿兹特克人集中财富的地方，据说创造了历史上独一无二的创意环境，国内外艺术家分享技术、品味和传统。

勇敢的“雄鹰战士雕像”传达了特诺奇蒂特兰的一部分创意之美。

特诺奇蒂特兰的中心矗立着大神庙，这是两座雄伟的金字塔形神庙，供奉着太阳神和战争之神维齐洛波奇特利以及雨神和大地之神特拉洛克。这件作品是在大神庙北侧的“鹰屋”中发现的。真人大小且功能强大。

许多专家认为他们是国王直接控制下的“雄鹰军团”的战士，在战争和宗教中发挥了重要作用，似乎仍然有各种理论认为它代表了洛波奇托里的出现。

展出的许多雕塑代表了阿兹特克人崇拜的神灵。

“特拉洛克神的花瓶”以其凸出的眼睛和明亮的蓝色令人印象深刻。
中美洲是一个农业社会，据说几个世纪以来一直痴迷于控制降雨。因此，祈祷、祭品和儿童祭祀都献给特拉洛克，雨神和“给予者”，他提供了植物发芽所需的一切。

据信，这件作品包含了祈雨和丰收的愿望，因为储水的罐子上装饰着神灵特拉洛克（Tralok）。

其中一件展品是一个由绿色蛇纹岩制成的“面具” ，它与第二章特奥蒂瓦坎展览中介绍的“马赛克雕像”有着相似的氛围。事实上，这是从特奥蒂瓦坎废墟中出土的面具，经过墨西哥人的打磨，并沾上了眼睛和耳环。

据说，包括梅西卡在内的后古典时期晚期（1250-1521）的人们挖出了过去的文明，并将它们作为具有神奇力量的神圣物质奉献给他们的寺庙。这个展览的有趣之处之一就是你可以感受到这些联系。

展览最后，中美洲罕见的黄金制成的吊坠、耳环、权杖状饰品一次性展出，展示了大神庙的最新发掘成果。

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会场上，我们对展览空间的制作很讲究，比如传达古城遗址魅力的视频素材和写实的再现展览，光是走动就能感受到古墨西哥的氛围。展品之间的距离较宽，易于欣赏也是一个优点。

顺便说一句，目前场馆内所有展品都允许拍照，仅供个人使用。 （今后有可能取消或变更，详情请参阅馆内信息及官方网站。）

特展“古墨西哥”探索了古墨西哥文化传统的深度和魅力，这些文化传统仍然被生活在这片土地上的人们所传承。活动将持续至2023年9月3日（周日）。

“古墨西哥：玛雅、阿兹特克和特奥蒂瓦坎”特展概览

展览期间	2023年6月16日（星期五）至9月3日（星期日）
场地	东京国立博物馆平成馆
营业时间	上午 9:30 至下午 5:00 *周六至晚上 7:00 *6月30日星期五至7月2日星期日以及7月7日星期五至7月9日星期日至晚上8:00 * 一般文化展览于下午 5:00 关闭 *闭馆前30分钟停止入场
闭馆日	7 月 18 日星期一（星期二） *7月17日（周一/节假日）、8月14日（周一）开放
参观费（含税）	成人2200日元、大学生1400日元、高中生1000日元、初中生以下免费 *详情请参阅官网购票页面。
组织者	东京国立博物馆、NHK、NHK Promotions、朝日新闻
询问	050-5541-8600（Hello Dial/上午 9:00 至晚上 8:00，全年开放）
展会官方网站	https://mexico2023.exhibit.jp/

*文章内容截至采访日期（2023年6月15日）。请查看官方网站了解最新信息。

文章提供： kokosil Ueno

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上野之森美术馆

一个独特的恐龙展览，只收集以绘画为中心的恐龙艺术，而不是化石和骨骼标本，特别展览“恐龙图画书-想象/创造失落的世界”将于2023年5月31日（星期三）-7在上野皇家博物馆 3 月 22 日星期六。

此次展览因展出20世纪最伟大的两位恐龙画作查尔斯·R·奈特（Charles R. Knight）和兹德内克·布里安德（Zdenek Briand）的大量作品而备受关注。报告场地状况。

当我们想到恐龙展览时，我们通常会想到以化石和骨骼标本为中心的展品，但在这次展览中，我们根据化石等科学证据来绘制恐龙等古生物，这些材料通常放在这些材料旁边。生态重建图=“Paleoart” 。

恐龙在大约250至6600万年前的中生代统治着地球，19世纪上半叶随着化石的发掘，通过生态重建图被公众所认识。此后，众多学者与艺术家携手努力，试图再现远古时期充满浪漫色彩的远古生物的面貌。

场馆内将展出约150件从世界各地收藏的古艺术作品，从早期绘制的奇特重建图画到当代艺术家根据最新研究成果创作的杰作。

从“发现”恐龙到今天的200年里，我们将随着每次新发现的科学基础的变化，追踪恐龙（古生物学）的表达方式是如何变化的。

第一章《恐龙的诞生——黎明的怪怪》

展览由四个章节组成。第一章“恐龙的诞生——黎明的怪怪”介绍了19世纪“发现”恐龙后不久，用有限的知识创作的一组作品。您可以欣赏到与我们想象中的恐龙相差甚远的独特外观。

首先是石版画《Douria Antiquiol（古代多塞特）》 （1830年），根据地质学家亨利·德拉·比奇的原画创作，据说是历史上第一批还原古生物生态的画作之一。 。

该作品是一位女性化石收藏家，因在英格兰南部多塞特郡发现恐龙之前的鱼龙和蛇颈龙等海洋爬行动物，为19世纪古生物学的发展做出了贡献，为纪念玛丽的成就而制作安宁.

它位于多塞特郡的史前海岸，充满了安宁发现的古代生物。人们的注意力被吸引到屏幕右侧，鱼龙似乎正在咬住蛇颈龙细细的脖子。

本次展览的组织者冈本博树（神户设计大学教授、兵库县立美术馆前馆长）表示：“从现代研究来看，很难想象鱼龙会攻击蛇颈龙。它传达了一种图像一个更加强大的掠食者。”

此外，本次展览重点介绍与斑龙一起“发现”的第一个恐龙——禽龙的形象演变。

被称为“恐龙发现者”的英国医生兼业余地质学家吉迪恩·曼特尔（Gideon Mantell）于1825年将其命名为“Iguanodon”（鬣蜥牙），因为它的牙齿与现代爬行动物鬣蜥相似。看来这种生物最初是想象成一只巨大的鬣蜥。

禽龙的早期例子是乔治·沙夫的《重建爬行动物》 （1833），描绘了一只异常巨大的禽龙，它巨大的身体在地面上爬行，长长的蛇状尾巴起伏着。

然而，如果你看看1853年左右制作的水晶宫禽龙雕塑，形象发生了微小的变化。禽龙的四条腿像大象和犀牛等哺乳动物一样，从身体直接下降到地面。

它是在当时最有影响力的英国古生物学家、 “恐龙”一词的创造者理查德·欧文的指导下创建的。冈本表示，这种物理特征是目前对恐龙的定义之一。

此外，1878-80年在比利时煤矿发现近乎完美的禽龙化石，极大地修正了自曼特尔发现以来传播了近50年的禽龙重建形象。原来，它正在竖起上半身，之前被认为是鼻角的骨头实际上是前肢上的拇指尖刺。

近 100 年来，禽龙在古艺术中被描绘成一种前肢长有锋利尖刺的双足生物。在接下来的第2章和第4章中，您可以看到描绘禽龙在这种方式下“进化”的外观的作品。

此外，在第一章中，那些外表和行为都像人类的怪异恐龙，对受到攻击的朋友感到厌恶并撤退，或者像怪物电影一样在居民区里走来走去。有趣的是，还有更多描绘恐龙的作品，比如故事画比修复画更重要。可见当时人们对恐龙的蓬松认知和丰富的想象力。

第二章“经典恐龙形象的确立与普及”

第二章“古典恐龙雕像的建立与普及”介绍了19世纪末至20世纪中叶古艺术黄金时代的作品， Charles R.和Zdeněk Briand用了大量篇幅。

恐龙发掘和研究的舞台逐渐从欧洲转向北美大陆，从1870年代到1890年代，两位古生物学家围绕恐龙化石的发现展开了一场被称为“骨战”的激烈较量。结果，发现了剑龙和三角龙等多种恐龙，揭示了生活在中生代的动物的多样性。

查尔斯·R·奈特（Charles R. Knight ，1874-1953）是一位美国古生物学画家，他对新恐龙的现实可视化做出了最大贡献，揭开了未知的面纱并使之普及。

奈特同时也是一名野生动物画家，留下了近1000幅活体动物的画作，人们相信通过这种活动培养的观察眼睛和生物知识对古艺术的创作很有用。

奈特的写实风景画，以及其中放置的恐龙和灭绝生物的生动形象，在解剖学和自然环境描绘方面都在当时非常出色，很快就受到了大众和专家的关注。他的作品对电影文化产生了影响，如电影《失落的世界》（1925年）和《金刚》（1933年）。

在奈特的作品展览中，不能忽视他最伟大的杰作之一《白垩纪-蒙大拿》（Cretaceous-Montana ，1928），这是菲尔德自然历史博物馆壁画的草图之一。

《白垩纪-蒙大拿》是一部定格了恐龙世界明星之间的竞争形象“霸王龙与三角龙”的不朽作品，并作为恐龙画本身的象征作品而广为人知。这种紧张的构图被后来的很多艺术家模仿和改编，而且经常出现在电影、漫画等娱乐界，所以很多人应该都至少看过一次。我被深深地感动了，这就是原作。

 

另一方面，来自捷克斯洛伐克（现捷克共和国）的画家兹德内克·布赖恩（ Zdenek Brian ，1905-1981）在奈特之后的一代人中受到欢迎。

尽管奈特的作品与前一个时代不切实际的古艺术背道而驰，但布莱恩德也是一位出色的画家。他的作品基于欧洲艺术现实主义的传统，具有很强的说服力，如果你告诉你他亲眼所见并画了它，你可能会相信。

看看布莱恩画的古生物，它们天生就有体温，一看就知道它们是活物。

布里安德的作品以代表作《上个世纪的断裂》（1956年）等书籍在世界各地广受欢迎，并在20世纪60年代和1970年代在日本的儿童百科全书和儿童读物中被大量转载和复制。对一个时代恐龙形象的树立起了决定性的作用。正因如此，这一时期沉迷于恐龙百科全书的那一代人可能会发现很多让他们感觉在哪里见过的作品。

过去，无法从化石中确定恐龙的颜色，因此艺术家们用自己的猜测给它们上色，这种对比给人留下了强烈的印象。 《Antrodemus Valens and Stegosaurus Stenopus》 （1950）中的剑龙可能是该图像的来源之一。我能够意识到布莱恩的影响力有多大。

本次展览汇集了18件布莱恩德的珍贵作品。这是最大的吸引力。

此外，在同一章中，我们还可以欣赏到作为“爬树恐龙”而受欢迎的剑齿龙过去的雄伟身姿，但后来发现，作为研究基础的修复本身，错了。

第3章“日本接待恐龙的历史”

在欧美确立的恐龙形象于19世纪末进入日本。第三章“日本接受恐龙的历史”改变方向，介绍了植根于明治至昭和时代日本文化历史中的恐龙。除了科普杂志、儿童漫画以及柯南道尔的《失落的世界》（1912）等经典科幻小说译本外，还展出了软胶娃娃和模仿恐龙的石膏雕像等玩具。

此外，他还解释了恐龙在一般艺术领域（即所谓的美术）中的象征意义，其目的不是真实地再现恐龙。 （还收录了从平成到令和的部分作品）

福泽一郎将超现实主义带到了日本，创作了许多讽刺社会和文明批评的作品，福泽一郎的《爬行动物受感染与爬行动物灭亡》 （1974）以其大胆的恐龙四肢构图而有趣。蔚蓝的天空和夕阳的强烈色彩对比、曾经繁荣昌盛的巨型生物的短暂出现、以及蜂拥而至的小型哺乳动物的出现，据说都是在讽刺日本的派系政治。

筱原爱的《从摇篮到坟场》 （2010-2011），让我们想起西方绘画中“死亡与少女”的传统形象，无论女孩多么美丽，都无法逃脱衰老和死亡；浩富士《侏罗纪塑料》（2023） ，提醒我们塑料的原料石油，原本是恐龙等生物的化石，同时考虑到大量生产和大量消费的问题）等，都是规模宏大、值得一看的。

第4章“基于科学知识的图像重建”

第四章“基于科学知识的图像重建”，话题又回到了恐龙图像的变化。 20世纪60年代到1970年代的恐龙研究掀起了一场被称为“恐龙文艺复兴”的革命，提出了恐龙是“活跃的温血动物”而不是之前认为的缓慢的变温动物的观点，恐龙雕像也被大幅重新设计。一件又一件表现新恐龙出现的作品诞生了。

展览中，即使在奇幻艺术领域也拥有邪教般人气的插画家威廉·斯托特（ William Stout ）和曾参与电影《侏罗纪公园》三维模型制作的迈克尔·图西克（Michael Tursic），以及准确而有力的笔触，基于艺术解剖学的恐龙。自 1960 年以来出现的才华横溢的古艺术家的各种作品将参加比赛，例如现代日本古生物修复绘画的领军艺术家小田隆 ( Takashi Oda )。

当代艺术家正在让恐龙敏捷地移动。约翰·宾登 (John Bindon) 的《风暴前线》 (1996) 中，暴龙以极快的速度奔跑，同时溅起水花；格雷戈里·保罗 (Gregory Paul ) 的《七七八和索罗》似乎捕捉到了恐龙开始移动的瞬间。与第二章中看到的恐龙相比， Lunithoides (1989) 和其他人具有不同的活力感。

我的感觉是作品的个性也很强。道格拉斯·亨德森（Douglas Henderson）的作品美得令人惊叹，抒情的粉彩，精确地表达了古代世界的光线和空气，就像在看一本高品质的写真集。

虽然许多画家关注的是恐龙本身，但亨德森却有强烈的倾向将恐龙与它们当时生活的环境一起描绘。我画画时要让它融入风景而不需聚焦。

我完全被这个巧妙的构图所吸引，它与常见的记忆重叠，比如当我试图拍摄日落时，不小心捕捉到一只鸟，或者当我在森林里散步时，在树的深处发现了一只松鼠。

随着学术知识的增加，“恐龙百科全书-想象/失落世界的创造”特展将持续至2023年7月22日星期六。当然，内容会激起古代世界的浪漫，这是一个难得的机会来看到跨越时代的古艺术，所以请看看。

“恐龙百科全书——失落世界的想象/创造”特展概览

展览期间	2023年5月31日星期三至2023年7月22日星期六 * 展览期间每天开放
场地	上野之森美术馆
营业时间	10:00 – 17:00（周末及节假日 9:30 – 17:00） *闭馆前30分钟停止入场
参观费（含税）	一般2,300日元、大学·专科生1,600日元、高中·中·小学生1,000日元 * 学龄前儿童免费（必须有高中生以上陪同） * 持有残疾人证和一名助手的人士免费 * 提供团体折扣。 *虽然不是预约系统，但拥挤时可能会限制人数。 其他门票详情请查看官方页面。
组织者	产经新闻、富士电视台、上野之森美术馆
询问	您好拨打050-5541-8600（每天/9:00-20:00）
官方网站	https://kyoryu-zukan.jp/

※※文章内容截至采访日（2023年5月30日）。请查看官方网站了解最新信息。

文章提供： kokosil Ueno

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东京艺术大学大学美术馆

自1981年设立“台东区长奖”以来，台东区与东京艺术大学多年来不断深化交流与合作。许多艺术家都是通过台东区长奖走向世界的，可以说该奖项为年轻艺术家的发展做出了巨大的贡献。

本次展览将展出学生创作的40件台东区长奖获奖作品。

 

在“台东区收藏展 – 离开文化艺术之都上野的艺术家”中展出的，是表彰东京艺术大学优秀学生、台东区收藏的毕业作品的“台东区收藏” . 荣获市长奖的作品集。也就是说，都是学生作品。

1981年开始的台东区长奖制度，授予美术学院绘画系的日本画、油画/版画各1人。许多获奖者后来都活跃在行业的第一线，我们可以看到他们起到了年轻艺术家成功的桥梁作用。

追踪昭和、平成、令和的表情“变迁”

本次展览的主题是“转型”和“多样性”。
本次展览将展出昭和、平成、令和三个时代40多年来荣获的台东区长奖的40件作品。此后，活跃在一线的艺术家和有望在未来大踏步前进的新近获奖者，将他们在学生时代创作的巅峰作品聚集在一处。
当然，每件作品都很吸引人，但我们也关注随着时间的推移趋势的变化以及不受“日本画”或“油画”框架束缚的思想多样性。

本次展览由两部分组成，上半部分介绍自上次展览（2016年）以来台东区收藏的获奖日本画、油画和版画。原本，第六届“台东收藏展”原定与2020年东京奥运会同期举办，但因新型冠状病毒感染而推迟，为七年来首次举办。
上半年，集中展示了近七年来青年艺术家的作品。

另一方面，下半场展出从历届台东区长奖作品中精心挑选的作品。从获得一等奖的手冢雄二（东京艺术大学名誉教授）的作品开始，将有一系列在过去 42 年来获得同一奖项的宝石。

在现场你能感受到的是年轻艺术家们即将腾飞的“胎动”能量。在小说中，人们常说“处女作包含了作家的全部作品”，但也许可以在这些作品中找到支撑其后续作品的主题和风格。
可以说，无论是已经熟悉他们活动的粉丝，还是第一次接触他们作品的粉丝，本次展览都会给他们带来生动的发现和印象。

参展作品介绍

以下是展出的部分作品。

《迷宫》手冢雄二1981

这就是真正的“会面”吗？动物会说话的神秘空间

一次会议，每个人都发表自己的意见。会长的女人身后，迷宫无限延伸。这是一部通过将周围的人比作动物来表现混乱而神秘的世界的作品。 （来自创作者）

<手冢雄二>
1953年出生于神奈川县。日本艺术学会会员、常务理事、东京艺术大学名誉教授、福井县立美术馆特别馆长。作为引领当代日本画坛的日本画家，他继续充满活力地创作。

 

《带着枕头在田野里跳舞》菊地雅文 1992

将他导演的舞台重构为“山水画”的作品

1992年，南麻布三桥。每周六日上映约两个月每周一剧《大侦探真的在吗？》很多看过整个故事的人都没有看过这张图。 （来自创作者）

<菊地正文>
1968年出生于神户。毕业于东京艺术大学绘画系油画系。从事绘画、戏剧制作和音乐制作，在日本和海外举办过多次个展和群展。 《Nobe ni Makura de Odori Makure》于1992年制作，旨在通过山水画体验舞台剧《湿羽夺天》。

 

《与树的邂逅》井出康人 1989

光明与黑暗交汇的屋久岛之谜

进入研究生院后，我独自去屋久岛旅行。这是一座海岸线上有榕树、森林中有原始森林、山顶有大雪的岛屿。我在山间小屋里写生，营造出一种在森林里漫步的感觉。长满青苔的树枝四通八达，黑暗与光明交错的世界，是一个神秘而庄严的空间。 （来自创作者）

<井出康仁>
1962年出生于福冈县。东京艺术大学研究生院毕业。目前，受到日本艺术学院特殊待遇。仓敷科学艺术大学艺术学部教授。它的特点是女性和花朵所创造的温柔而梦幻的风格。

活动概况

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东京都美术馆

亨利·马蒂斯（Henri Matisse，1869-1954）是 20 世纪法国著名画家，被誉为野兽派运动的中心人物，其鲜艳的色彩在艺术史上产生了重大影响。东京都美术馆正在举办大型回顾展“马蒂斯展” 。展览期至2023年8月20日。

这是关于会场情况的报道，因为我报道了展览，这是他早期杰作之一“奢侈，寂静，怪癖”在日本首次公开展览的热门话题。

通过约 150 幅杰作探索马蒂斯的旅程

亨利马蒂斯被称为“色彩魔术师”。他的绘画表达从可见的现实中自由释放色彩，彻底改变了艺术史，并在现代艺术史上留下了难以忘怀的印记。

目前正在举办的“马蒂斯展”是日本时隔约20年首次举办的大型回顾展。巴黎蓬皮杜艺术中心汇集了约 150 件杰作，该中心拥有世界上最大的马蒂斯收藏。专注于法国南部旺斯的玫瑰经教堂相关的绘画、雕塑、素描、剪纸和材料，这是他晚年最伟大的杰作。它概述了 84 年来致力于探索直接吸引感官的鲜艳色彩和光线的生活。

展览由8个章节组成。
・第 1 章野兽派 1895-1909
・第 2 章激进探究的时代 1914-1918
・第三章平行探索——雕塑与绘画1913-1930
・第 4 章人物与室内设计 1918-1929
・第 5 章传播和实验 1930-1937
・第 6 章从尼斯到旺斯 1938-1948
・第七章1931-1954年剪纸画及近年作品
・第 8 章万斯念珠教堂 1948-1951

新印象派、野兽派、立体派……马蒂斯对多种绘画表现形式的实验

如果你按时间顺序看这些作品，你会发现马蒂斯在很短的时间内一个接一个地改变了他的绘画风格。这里有些例子。

马蒂斯 1869 年出生于法国北部的一个富裕家庭，20 岁后立志成为一名画家，并于 1891 年移居巴黎。他试图确立自己画家身份的最早作品之一是《读书的女人》 （1895 年），这是他在巴黎国立美术学院任教的象征主义画家古斯塔夫·莫罗手下学习时创作的。赞赏。

受卡米尔·柯罗人物画的影响，其写实内敛的画风让人不禁怀疑，“这就是马蒂斯吗？”这是国家收购后的第一个商业成功，但似乎这种传统的绘画方式很快就被抛弃了。

逐渐地，他创造了炽热、生动的配色方案，例如Pont Saint-Michel (c1900) 和Still Life with Hot Chocolate Pot (1900-1902)，预示着几年后野兽派的到来。

1904 年，应新印象派中心人物保罗·西涅克的邀请在圣特罗佩度过一个夏天后，他创作了早期的杰作《奢侈、寂静、优雅》(1904) ，使用的“拆分笔触”技术他从他那里学到了。）完成了。

这部将首次在日本展出的作品，用纯色代替了被摄体原本的颜色，描绘了一个充满光亮的堪称乌托邦的场景。总的来说，他忠实地遵循新印象派绘画的指导方针，但如果仔细观察，你会发现指导方针中没有的实验痕迹，比如抽象人物被轮廓包围以保持其形式。尽管马蒂斯终生困扰的“色彩与线条的碰撞”问题仍未解决，但这幅作品标志着马蒂斯绘画生涯迈出了重要的一步。

早在次年，他就摒弃了这种笔触划分，在法国南部的科利乌尔直面色彩与线条冲突的问题。因此，他以自由大胆的色彩表现和粗犷的笔触创造了野兽派，强调感官而不是肉眼可见的色彩。

然而，尽管马蒂斯作为野兽派的领军人物在艺术界引起了轩然大波，但当我们再看《奢华》、《寂静》、《古怪》三年后创作的《奢华 I》 （1907）时，我们可以看到色彩和谐，笔法和谐，平淡。有些人可能对马蒂斯有着强烈的野兽派画家形象，但实际上，马蒂斯的野兽派倾向并没有持续数年，而到了1907年，作品就已经开始探索绘画空间。说明你已经进步到这个阶段了的

1914年发生的第一次世界大战改变了继续稳步创作的马蒂斯的一生。在两个儿子和朋友的调动下，孤立无援的马蒂斯仿佛要抗拒这种情况一样，全身心地投入到创作中，并着手进行创新的塑料实验。

这一时期最引人注目的作品是科利乌尔的落地窗（1914 年），它是二战爆发后立即创作的。对于一生都在自己的工作室（室内）反复实验的马蒂斯来说，“窗”是一个重要的母题，而在马蒂斯的作品中，“窗”并没有将内部和外部分开，而是明确了内部和外部。外面的空间也是统一的，好像是要做的事情。

窗户在西方传统中也被用作视觉隐喻。在同一幅作品中，阳台原本是画在窗户上的，但最后都被涂成了黑色，让人联想到。这个窗口是关闭的还是打开的？如果标题中没有指出它，您会认出这是一个窗口吗？这幅被认为是经过深思熟虑而未完成的作品是马蒂斯的创作之一，展现了“必须去除多少元素才能使图像无法保持？”的极端构图。标志着一个临界点的作品。

在 Collioure 研究法式窗时，马蒂斯还研究肖像画。在科利乌尔逗留期间，他与立体派画家胡安·格里斯 (Juan Gris) 进行了一系列对话，之后他以自己的女儿玛格丽特为蓝本制作了《怀特与玫瑰头》 (White and Rose Head, 1914)。在马蒂斯的作品中，它被认为是受立体主义影响最大的作品之一。

平面和简化的屏幕组成，几何人体。它展示了一项类似于科利尤尔落地窗实验的激进实验的结果，该实验探索了如何最大限度地去除细节，同时仍保留模型的本质。

迄今为止推出的作品传达了马蒂斯通过反复实验和思考对新表现形式的贪婪追求。然而展览的内容还停留在第二章的中间，马蒂斯的职业生涯甚至还没有走到一半。看到第八章的时候，因为风格多变，忘记了这是一个单一画家的回顾展。但是，不管他的画风怎么变，我觉得他对色彩和形状的高度觉悟，重情轻物的态度是一贯的。

从他绘画风格的广度来看，我对《梦》 （1935）和《坐着的玫瑰色裸女》（1935-36）特别感兴趣，这可以在第五章“扩展与实验1930-1937”中看到。

将大本营迁至法国南部的尼斯后，马蒂斯在1930年代游历美洲和大洋洲，遇到新的光线和空间，作品也变得更加开阔和广阔。也是20年代回归传统绘画观的表现手法再次开始简化的时期。同一时期创作的《梦》和《坐着的玫瑰裸体》是同一年开始创作的，描绘的是马蒂斯生前最喜欢的模特、他的秘书莉迪亚·德莱克托斯卡娅的裸体。虽然有很多共同点，比如蓝色背景，作品给人的印象就大不相同。

《梦》中闭目躺卧的女性上半身横跨画面，充满舒适的开放感，表达心理和雕塑的满足感。《彩色裸体》揭示了擦除和简化的反复操作痕迹，将一个优雅的女人变成了一个幽灵般的示意图。请关注这两幅作品，它们清楚地表达了我这段时间的沉思状态，我追求的是将人的形式插入背景的方法，伴随着无数的变化。

马蒂斯对色彩与线条和谐的追求，以及他生命中的最后一幅油画《大红屋》

第 6 章“从尼斯到旺斯，1938-1948”展示了他晚年的几幅杰作。

据说，马蒂斯无数次颠覆世界的实验，都是在他五光十色的工作室里进行的。因此，工作室本身成为贯穿马蒂斯一生的重要主题。 1939年，二战爆发，年近70岁的马蒂斯将自己收藏的花瓶、布料、家具等物品精心布置在自己的工作室。 “渗入我的身体。

Still Life with Magnolia （1941）是马蒂斯代名词的美丽红色代表作，强调平面性和装饰性，经过数十幅预备图完成。通过仅提取主题的本质，我表达了围绕着星形木兰花的多种事物，就像它们漂浮一样。这是画家最喜欢的作品之一，马蒂斯说他“竭尽全力”完成了这幅作品。

1943年，马蒂斯为躲避空袭的威胁，从尼斯搬到郊区的旺斯，并在这里创作了他最后的油画系列“旺斯的内部”系列。在同一展览中，展出了该系列的第一幅作品《黄色和蓝色内饰》 （1946 年），以及艺术家的第 13 幅也是最后一幅油画《大红色内饰》（1948 年）。

尤其是《红色的大室内》被定位为凝聚马蒂斯在色彩上的作品的杰作，在一个平面的空间里，将马蒂斯绘画中的红色、工作室、绘画等重要主题巧妙地组合在一起。在挂在墙上的两幅画都是引用马蒂斯现有的作品。左边的黑白素描不仅像窗户一样向空间展开，还与右边的彩色油画平起平坐，继续挑战色彩冲突的挑战和线描。我觉得我正在向那些再次看到它的人展示马蒂斯的作品。

东京都美术馆策展人 Tomoko Yabumae 评价她的作品的魅力时说：“对于马蒂斯来说，世界充满了和谐。因此，将不同世界联系在一起的各种元素在一幅画中和谐存在（我的目标是工作）。

黑色的轮廓在活泼的红色背景下轻盈地舞动。线条与色彩既和谐又相互张开，营造出无尽的幸福感。这是一部象征着马蒂斯直到 79 岁高龄的最后几年才停止创作的作品。

还将放映充满色彩和光线的马蒂斯杰作“Vence Rosario Chapel”的精美特别视频。

到目前为止，我们已经挑选了展览中的画作并进行了介绍，但在第 3 章中，我们介绍了主要的雕塑，在第 7 章中，我们介绍了剪纸作品，在第 8 章中，我们介绍了 Vence 在念珠教堂上的作品。稻田。

在第三章“平行调查：雕塑与绘画，1913-1930”中，一系列<back>作品，一个历时20年探索的母题，排列在墙上，令人印象深刻。马蒂斯是一位具有强烈的二维表现意象的画家，但他说他从事雕塑工作的原因是“作为补充优秀作品来整理我的思想”。但是它的重要性不小，它帮助我探索了二维和三维之间的关系，而泥塑是我最喜欢的媒介，因为它把绘画中无法表达的想法具象化了。

逐渐复杂化肖像的表达，他试图证明即使身体结构被错误地描绘，隐藏在人身上的本质真相并没有被隐藏，而是被揭示了。里莱特系列（1925-29）充满了不强调可见物再现的类似马蒂斯的作品。

《背》系列（1909-30）由四个真人大小的女性形象组成，看似表达了从I到IV逐渐简化女性背影的过程，但实际上是一个从头开始的系列。相反，它被设想为一个单一的不断变化的泥塑。有人指出，该系列的创作时期与《舞蹈》等巨幅画作的创作时期重叠。这表明马蒂斯试图通过联系绘画和雕塑来解决时代的形成问题。对马蒂斯来说，雕塑是他整个艺术实践的节奏。

在第七章“剪纸绘画及其晚期作品 1931-1954”中，马蒂斯在 20 世纪 40 年代后开始专注于他的工作，当时他因病卧床在轮椅上，用剪刀作画。

1943 年至 1946 年间，马蒂斯制作了 20 幅剪纸，并以此为基础出版了开创性的艺术集《爵士乐》 。标题强调剪纸的即兴性质。著名的剪纸作品《伊卡洛斯》也收录在同一本书中。水粉色彩鲜艳的剪纸图片给人一种在会场黑色墙壁上翩翩起舞的感觉。

Kirigami-e 的优点是可以轻松地尝试画面构图并专注于色彩而不用担心轮廓，这也是马蒂斯系列绘画中不可分割的表达方式。素描、绘画和雕塑在单一的剪裁动作中融为一体，并作为统一色彩和线条两种构成元素的手段。

在高潮部分第 8 章“旺斯念珠教堂 1948-1951”中，展出了与马蒂斯在旺斯念珠教堂的作品相关的大量资料，马蒂斯在 1948 年至 1951 年间创作了他的作品，作为他作品的高潮。

马蒂斯将教堂视为一件综合性的艺术作品，他运用了他探索过的所有技术，例如设计、雕塑和剪纸，来设计建筑、壁画、装饰品、法衣和礼仪用品。我致力于到那时为止的一切。从“岁月”二字的意象中，你会惊讶于无法想象的生命力。

在本章中，播放了为展览拍摄的旺斯念珠教堂的特别视频。一段精美的 4K 视频介绍了在阳光明媚的日子里小教堂内从早到晚不断变化的灯光。游览结束时，请欣赏色彩、线条和光线交织在一起的空间，这完美体现了马蒂斯的信念，即这座小教堂应该是一个“点亮参观者心灵”的空间。我想让你

“马蒂斯展”将举办至2023年8月20日（周日）。

“马蒂斯展”概要

展览期间	2023年4月27日星期四至2023年8月20日星期日
会场	东京都美术馆特展室
营业时间	9:30-17:30，周五至20:00 *最后入场时间为闭馆前 30 分钟
休息日	7月18日星期一（星期二） *但是，房间将于7月17日（星期一/节假日）和8月14日（星期一）开放。
观看费	大人2,200日元、大学生·专门学校学生1,300日元、65岁以上1,500日元 *本次展览需要在指定的日期和时间进行预订。 *有关观看费用和门票的详细信息，请查看官方页面。
组织者	东京都历史文化财团、东京都美术馆、蓬皮杜中心、朝日新闻、NHK、NHK宣传
询问	050-5541-8600（你好拨号）
展会官网	https://matisse2023.exhibit.jp/

*文章内容截至采访日（2023年4月26日）。请查看官方网站以获取最新信息。

文章提供者： kokosil Ueno

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国立西洋美术馆

从 19 世纪末到 20 世纪，来自世界各地的画家来到法国西北部的布列塔尼地区创作他们的作品。展览“布列塔尼，敬仰之地——莫奈、高更、黑田清辉等人眼中的异国他乡”将在东京上野国立西洋美术馆举办，就在里面。
展览将于2023年3月18日星期六至2023年6月11日星期日举行。

由于我参加了新闻发布会，所以我将报告会场的情况。

*文章内容截至采访日期（2023年3月17日）。请查看官方网站以获取最新信息。

全世界艺术家都羡慕的法国腹地“布列塔尼”是什么？

多样而雄伟的自然风光、古老的巨石遗迹、中世纪和早期现代的基督教纪念碑，以及讲布列塔尼凯尔特语的人们简单而虔诚的生活方式。布列塔尼地区位于法国西北部，有一个半岛伸入大西洋，直到16世纪才作为布列塔尼王国独立。

法国境内的“外国”，即使在被法国吞并后也保留了其独特的风景和文化。随着19世纪浪漫主义的到来，许多寻求新题材的艺术家将目光投向了布列塔尼。

在本次展览“布列塔尼，倾慕之地——莫奈、高更、黑田精机等人的眼中”，我们聚焦于 19 世纪末至 20 世纪初令画家着迷的时期，包括绘画、素描、版画，将展出海报等约160件物品。我们正在探索每位画家在这片异域土地上寻找和发现的东西。展出的作品来自日本和两个海外博物馆的30多个藏品。

第 1 章“发现布列塔尼：异国之旅”

展览由四个章节组成。

第一章“发现布列塔尼：异国之旅”探讨了自19世纪初浪漫主义画家“发现”布列塔尼以来，流行了哪些布列塔尼形象。 ”（在乡村旅行寻找风景如画的风景），包括英国风景画家威廉特纳的水彩画。

当布列塔尼异国情调形象的理想化和程式化，以女性形象为代表，戴着 koif（头饰）和穿着民族服饰，到处都是面向大众的海报，Eugène Boudin 和 Claude Monet 从印象派旅行一代的作品中，我们可以看到他们以真诚的态度面对布列塔尼的朴实自然。

特别值得注意的是莫奈的 Paul-Domois 洞穴(1886) 和Beryl of the Storm (1886)。

1886年秋天，莫奈在布列塔尼半岛南部海岸以野外风光着称的贝里尔岛度过了两个半月，这是其中的两个。

它描绘了平静和惊涛骇浪的对称景观。 Paul-Domois的Grotto笔触柔和，比较有节奏感，而Beryl the Storm，笔触狂放，仿佛自己的身体感官在暴风雨中被附身，仿佛莫奈的经历被刻在了画中，这样的作为在那里。

从1890年代开始，莫奈开始呈现一系列画作，试图在画布上捕捉不断变化的光线和气氛中的瞬间。

第 2 章“气候培育的敏感性：高更、Pont-Aven 画派和土地精神”

第二章“气候滋养的敏感：高更、阿文桥画派与大地精神”，展示了保罗·高更等留在西南小村庄阿文桥的画家的作品。布列塔尼。

高更从1886年到1894年多次在布列塔尼逗留，以逃避巴黎生活的艰辛，似乎对他想要的“野性的东西，原始的东西”的思考加深了。

高更的12件作品（10幅油画和2幅版画）是本次展览的亮点之一。从Bois d’Amour的《Watermill Bathers》 （1886），按时间顺序排列，保留了Camille Pissarro的印象派风格，他用简化的形式和色彩来描绘现实世界和内心意象。我可以追踪到他风格的转变，如《站在海边的布列塔尼少女》 （1889），显示了上面综合的综合主义风格的成熟。

《站在海边的布列塔尼女孩》描绘了两个女孩手牵着手，凝视着画家。高更本人试图在这片土地上寻找的“野性与原始的东西”，体现在农家孩子们忍受劳动和贫困的形象中，比如他们强壮的大腿和朴素的衣服。它以一种假设的形式象征性地表现出来.

第三章“扎根大地：继续凝视布列塔尼的画家”

在第 3 章“在土地上扎根：继续观察布列塔尼的画家”中，布列塔尼从 19 世纪末到 20 世纪初成为旅游胜地和度假区。这是他的家乡。

受到浮世绘木版画的启发，亨利·里维埃 (Henri Riviere) 是世纪末日本主义的推动者，他自学制作了多色木版画。里维埃是否将另一个“外国”日本的形象投射到布列塔尼的田园风光中？有趣的是，他把布列塔尼翻译成日文，画得好像在日本一样。

1890 年至 1894 年间创作的 40 幅木刻版画《布列塔尼风景》 ，不仅以细腻的色彩层次引人注目，而且构图让人联想到葛饰北斋，总有一种似曾相识的感觉。

创立纳比斯学派的莫里斯·丹尼斯是一位专注于推广宗教艺术的画家，又因为他是虔诚的基督徒，据说与布列塔尼信仰根深蒂固的精神气候产生了共鸣。展览中， 《年轻的母亲》 （1919）等按照基督教肖像画传统描绘布列塔尼一家人的作品引起了我的注意。

此外，从现实与虚构交叠的人间天堂形象，如沐浴（1920）将古希腊的大海投射到布列塔尼海岸，受到古典主义的影响，他在毕业后爱上了古典主义。 1895年后多次去意大利旅行。你可以感受到

与丹尼斯明亮而幸福的风景形成鲜明对比的是，下一个展览展示了黑乐队（black group）大量使用黑色，该乐队以现实主义的方式描绘了布列塔尼的自然和风土人情。彩色作品紧随其后。

其中，查尔斯·科泰特的3.5米宽巨幅作品《悲叹，大海的受害者》（1908-09）堪称代表作。 Kotte 的代表作品，他曾创作过许多以大海的悲剧和忍受自然严酷的人们为主题的作品。在海难不断的布列塔尼圣岛码头，传统的基督哀悼画上叠加了岛民对溺水渔民的哀悼。

科特的另一件给我留下深刻印象的作品是《圣约翰的火焰》 （约 1900 年），描绘了为死者祈祷的场景。光影的表现让人联想到巴洛克式的绘画，很美，被篝火照亮的人们的表情有一种庄严而略带寒意的气氛。

第四章“从日本经巴黎到布列塔尼：日本艺术家的眼光”

最后一节第四章“从日本经巴黎到布列塔尼：日本艺术家的视角”，19世纪末20世纪初在艺术之都巴黎留学（从明治后期到大正时代），并专注于也前往“外国中的外国”布列塔尼的日本画家。

黑田清辉是日本近代西洋画界的领军人物，也是最早造访布列塔尼的日本画家之一。1891年与久米庆一郎一同前往布雷亚岛，之后任东京美术学校教授. Kuroda 的Brecha 女孩(1891) 被描绘成头发垂下来，这对于布列塔尼女孩来说是不寻常的。伦勃朗风格内饰的明暗对比和生动的色彩对比引人注目。

为创意版画的普及做出贡献的山本佳苗是造访布列塔尼的人之一。 《布列塔尼》 （1920年）作为日本画家在布列塔尼研究的形象而广为人知，是他回国后根据留日期间的草图完成的木版画。强调地平线的画面构图和与素描相匹配的简单背景，沉稳的蓝黑色调营造出标志性布列塔尼女性的宁静氛围。

会场内还展出了旅游指南和行李箱等相关资料，通过这些资料和作品，我感觉就像去布列塔尼旅行一样有趣。

东西方不同的艺术家都在为同一个大主题——布列塔尼创作，但他们在这片异域的土地上所看到的、采取的方式却截然不同。一位凝视着布列塔尼美丽风光而憧憬天堂的画家，一位将贫困和海上事故等严酷现实升华到作品中的画家。这是一次雄心勃勃的展览，再次揭示了每位艺术家的个性。

活动将持续到 2023 年 6 月 11 日（周日）。

“布列塔尼，倾慕之地：莫奈、高更、黑田清辉等人眼中的国度”概要

 

文章提供者： kokosil Ueno

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东京艺术大学大学美术馆

介绍东京艺术大学从毕业作品和完成作品中精心挑选的优秀作品的“购买展-艺代收藏展2023-”将于3月31日在东京艺术大学大学美术馆举行, 2023.. （展览时间至5月7日）

*此处介绍的所有作品均归东京艺术大学所有。

东京艺术大学（以下简称艺大）自其前身东京美术学校于 1889 年（明治 22 年）开办以来，一直在广泛收集各种艺术作品和资料。大学艺术博物馆以广泛展示庞大的藏品为契机，每年举办有主题的“艺代收藏展”。

2023年的“艺代收藏展”是战后1953年开始的“采购制度”。

似乎有从东京艺术学校购买毕业作品并收集起来用作教材的传统，目前东京艺术大学收藏的“学生作品”数量超过10,000件。

本次展览“Kaijoten”收集了其中约100件作品，数量空前，回顾了艺术大学和日本现当代艺术史发源地的历史。这是一个独特的展览，将明治时代主要明星的日本绘画与令和时代崭露头角的艺术家的混合媒体装置联系起来。

展览由两部分组成。

Part 1“大师的学生作品”主要介绍明治时期至昭和初期东京美术学校的毕业作品。入选的艺术家毕业后在艺术界的各个领域都扮演着重要角色，将展出他们的毕业作品，可以称为他们的处女作，以及通常与他们同时创作的“自画像”。毕业作业，我来了

一进场，东京美术学校一年级学生横山泰观的《村堂观年王》 （1893年）和下村鉴山的《熊野御前赏樱》 （1894年）就映入眼帘。 .板谷羽山的“元禄美人” （1984）以令人印象深刻的阵容迎接我们。

Hazan Itaya 作为陶艺家取得了巨大的成功，但直到 20 多岁他才开始认真从事陶艺工作。在学校期间，他从提倡现代雕塑写实主义的高村光云那里学习了雕塑技术。小袖花卉蔓藤花纹以浮雕方式表现，与叶山后期的陶器作品有异曲同工之妙。从某种意义上说，可以说是陶艺家叶山的起源之一。

引起我注意的是菱田俊素（Shunso Hishida）的《寡妇与孤儿》（1895） ，这位天才画家创作了许多杰作，但年仅 36 岁就去世了。一个战死丈夫的女人的表情充满悲情，让我们预感到未来等待我们的命运。

东京美术学校成立时，似乎将以历史事件及其故事为主题的历史画定位为探索新日本画的课题。这部作品据说是根据军事纪事太平记而作，但其题材是描写被卷入战火中的人的悲剧，而不是战争的英雄画卷，这要追溯到中国-日本战争当时的制作背景并非无关紧要。

事实上，这部作品曾被一位教授严厉批评为“怪物图”，但却被当时担任学校校长的冈仓天心买下。这一集提供了东京美术学校的教育政策和理念的一瞥，它强调现在工作的绘画有什么意义，以及应该赋予它什么意义。

“毕业后在学校自拍”的习俗是在 1896 年成立的西洋画系教授黑田清辉的指导下诞生的。我得以证实万津哲五郎、青木茂、藤田嗣治等大师的学习成果，他们的毕业设计出人意料地落选，毕业后才华横溢。

当我想到这种在世界上几乎无与伦比的挖掘过去的传统，现在已经形成了一个对理解日本现当代艺术史极为有用的庞大收藏时，黑田东彦不禁感慨其巨大的意义。 Seiki 的成就。

今年是东京艺术大学采购制度实施70周年。

Part 2“各部门选出的采购作品” ，所有12个部门都有采购系统（日本画，油画，雕塑，工艺品，设计，建筑，先进艺术表现，艺术教育，文化财产保护研究，全球艺术实践，一共介绍了52件购买的作品以及他们的选择意向。突出各部门认定为特别优秀的作品的倾向性。

从各部门的展品来看，“日本画专业”挑选的是特别表现那个时代的氛围和特征的作品，而“雕塑部门”则是从那个时代挑选购买作品的女性艺术家。按年龄最大的顺序选择五个人的方法。作品的选择和评论都是各系教授从自己的角度来完成的，所以看到他们的个性很有趣。

东京艺术大学最新的专业——全球艺术实践专业（GAP）成立于2016年的展览特别有趣。 GAP 探索超越现有文化框架的跨学科当代艺术实践，吸引了来自世界各地具有不同语言、文化和性别背景的学生，也有来自艺术以外领域的学生。

从GAP购买的作品中，我能感受到东京艺术大学近年来研究领域和表现方式的多元化。例如， Sixte Parc Kakinda 的《Intimate Moments/Monologue》 （2019）是一件绘画和影像的装置作品。

面对艺术家根基所在的刚果民主共和国矿山开采的铀被带到美国并用于广岛和长崎原子弹轰炸的历史事实，他对受难者进行了细致的研究。广岛原子弹爆炸……它是一部鼓励考虑矿产资源开采的社会和经济原因及其使用对人类和自然的影响的作品。

这位艺术家在评论中表达了他的失望，尽管他认为自己是连接日本和刚果的桥梁，但他在广岛的绘画表演却没有被日本人注意到，他说：“我是一座看不见的桥。”稻田。这部作品作为 GAP 教育的结果而存在并被购买这一事实似乎具有重大意义，因为它是对日本人种族封闭性的认识。

在第二部展出的作品中，给我印象最深的是工艺部的丸山友美的《一千零一夜》 （1992）。

在由雕刻、锤打、铸造、漆艺、陶艺、染色、材料造型（木材和玻璃）7个领域组成的“工艺系”中，学生通过材料学习先进的传统技术，并获得进一步发展的能力. 旨在附加。

《一千零一夜》是一部使用出色的金属锤击技术将吹过山林的风描绘成风神，并以表现人体为母题的作品。我被身体的活力所吸引，它似乎在水中游泳，以及背后有故事的存在感。据考证，画师丸山友美目前是东京艺术大学工艺系金属锻造教授，正在制作。

根据评论，该作品似乎因“融合了金属锤击技术和焊接，扩展了作为金属作品的表现可能性”这一事实而受到高度评价。作为艺术家和教育家，他不断拓展金属锻造作品的表达可能性。

冈山市柳町 1-8-19 冈智美的动手装置作品（2017 年），跨媒体艺术部成员，也令人难忘。

跨媒体艺术系成立于1999年，追求超越特定媒体框架的各种方法的创造性表达。在以响应不断变化的信息和环境的活动为目标的同时，我们正在探索艺术在社会中的可能性。

被公认为跨媒体艺术系最优秀毕业生的冈友美是一位新锐艺术家，他利用视频和空间设计创作以个人记忆和陈旧习俗等为主题的装置作品。 《冈山市柳町1-8-19》是以我已故祖母的房子为主题的房间型装置，这所房子真实存在于冈山，以及与之相关的回忆。

在一个充满真实家具和小物件等物品的黑暗房间里，通过结合视频投影、反射、灯光和几块亚克力板，艺术家对其祖母的记忆图像在虚拟和真实图像之间分层展开。存在着既非过去也非现在的时间轴空间。影片时长约7分钟，却带给你观影的满足感。诡异闪烁的灯光和诡异漂浮的祖母画像，有点日式恐怖的感觉，凝视着，你的意识仿佛被吸入了另一个世界。

这是您参观本次展览时绝对应该看到的作品。

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会场里有各个时代的精彩作品，各种表现手法，但仔细想想，大多数艺术家在创作时都在20多岁，真是太神奇了。感觉
有的可能后来被称为大师，有的可能毕业后就离开了创作。然而，很明显，所有的作品都是当时一无所有的学生倾注了他们在一流艺术大学所学到的一切的结晶和一团激情。

肯定有很多作品不知道要等多少年才会下一次面世。希望大家能借此难得的机会，回顾东京艺术大学的教育历程，感受历经岁月，依然不失光彩的作品的力量。

 

“购买的展览-Geidai Collection Exhibition 2023-”概述

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