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國立西洋美術館

東京上野國立西洋美術館首屆當代藝術展：「這裡已經成為未來藝術家睡覺的房間了嗎？——國立西洋美術館65年後問自己|當代藝術家的問題。」打開。展覽期限至2024年5月12日。

■參展藝術家
Yuki Iiyama、Yoichi Umezu、Mai Endo、Tsuyoshi Ozawa、Nodoka Odawara、Natsuko Sakamoto、Hiroshi Sugito、Ryudai Takano、Kyo Takemura、Koki Tanaka、Toeko Tatsuno、Elena Tutattatova、Rei Naito、Taday Nakahaah、Toeko Tatsuk、Elena Tutatkova、Rei Naito、Taday Nakau ) + 安藤博美 + 津橋仁子 + 星川朝子 + 脅本登崎）、布施倫太郎、松浦久夫、宮岐夫人、湯淺江博士、由美地漢字二

這是國立西洋美術館大規模展示當代藝術的一次前所未有的嘗試，該館主要收藏和展覽20世紀上半葉以前的「西方藝術」。在先前舉行的新聞發布會上，據稱此舉的目的並不是為了擴大對藏品的理解視野，將藏品與當代作品並列展示，也不是為了讓對當代藝術有濃厚興趣的人感興趣。正在

回顧過去，松方收藏館是松方小次郎為了向日本畫家展示正宗的西方藝術並為他們的創作活動做出貢獻而建立的博物館的基礎。作為創造和培養未來藝術家的靈感之地。

然而，到目前為止，還沒有人認真質疑博物館是否真的創造了這樣一個空間。

本次展覽面對這一事實並跨越流派，提出了博物館及其藏品如何與當代表達相關的問題，以及它在我們這個時代作品的外觀和意義生成中可以發揮什麼作用。21 組藝術家，透過他們的作品來看看他們的反應。展覽也展出了館藏的約70件西方藝術傑作，包括克勞德·莫奈、保羅·塞尚、莫里斯·丹尼斯等人的作品，都是一個非常有趣的展覽。

這就是為什麼這個計畫的許多參展者都活躍在批評等領域，而且場館裡的文本比典型的當代藝術展覽要多，在某些情況下，文本本身就是一件藝術品。

藝術家處理問題的方法和意識各不相同。

例如，在第一章「這個地方變成了什麼樣的記憶磁場？」中，中林忠義、內藤麗和松浦久夫討論了他們自己的作品以及塞尚、丹尼斯或中林忠義本人的作品。博物館收藏的前輩們的作品，如奧迪隆·雷東(Odilon Redon) 和魯道夫·布雷丁(Rodolphe Bredin)，他們追溯了表達的歷史血統，並在旁邊展出。將博物館定義為一個磁場，不同時代、不同地區的藝術家的記憶共存，相互交織，我們思考博物館的藏品會形成什麼樣的磁場。我們正在通過作品驗證海豚的存在。 。

在第二章「你對日本『西洋美術館』的存在有何看法？」小田原野花在她的新裝置《雕塑/克服現代性－由國立西洋美術館編輯》中探討了博物館的象徵意義。奧古斯特·羅丹的雕塑《思想者》從基座上移開，側放在鮮紅的地毯上，非常引人注目。

與西方的博物館不同，小田原建在容易發生地震的地面上，也面臨著日本現代化進程中博物館所要面對的歷史“扭曲”，他說他對此產生了濃厚的興趣。這件事。

這個新裝置的作品包括在1923 年關東大地震中倒塌的《思想者》，以及在1922 年部落解放運動期間起草《平九社宣言》、後來在監獄中成為民族主義者的齋子萬吉等作品。其組成部分包括日本人畫作“Kishaku”，一個模仿五層寶塔的物體，每次地震都會倒塌並重建，以及博物館獨立開發的隔震平台。小田原的裝置作品探討了日本的地震和意識形態轉變的意識形態問題，「墮落」和「轉變」重疊，營造出提出複雜問題的外觀。

在第四章「這個地方可以成為多種生命/性的場所嗎？」中，高野隆在美術館展廳中重新創造了人類「生命」的空間，這個空間旨在成為一個無味、無臭、中性的地方。它很大。

對於個人來說遙不可及的傑作如果排列在普通的現代客廳裡會是什麼樣子？考慮到這一點，高野決定將博物館收藏的古斯塔夫·庫爾貝、文森特·梵高和盧卡斯·克拉納赫（他的父親）的畫作、埃米爾·安托萬·布德爾的雕塑以及他自己的攝影作品與宜家家具結合起來。由.組成的空間。

高野認為IKEA的產品是現代主義設計的巔峰之作，它消除了象徵權威的裝飾，讓人們過著簡單而充實的生活。任何人都會對庫爾貝和布爾德爾被放置在著名的博物館中感到不舒服，而這些博物館永遠不會出現在我們充滿如此實惠的時尚的日常空間中。不是嗎？大力士肌肉發達的雕塑，過度地表現了某種“男人是堅強的”，放在博物館前花園裡，會因其雄偉的外觀而令人讚嘆，但放在這個聰明的房間裡，卻顯得格格不入，而且是一個現代的——日間雕塑，它看起來像是與感性相反的東西。

隨著心理上的接近，我們看待作品的方式也發生了變化，但同時我也意識到，不受展覽空間的影響，只欣賞作品本身是多麼困難。

儘管博物館是希望以不朽的狀態保存藝術品並永遠保存到未來的機構，但作為實物的藝術品不可避免地會隨著時間的推移而慢慢改變。在第五章「這是一個作品生存的地方嗎？」中，竹村京討論了前松方收藏中的克勞德·莫奈的《睡蓮》，該作品於2016 年在盧浮宮被發現，當時已嚴重受損，目前已成為博物館的藏品。 ，重點關注柳樹的倒影。

一幅199.3厘米x 424.4厘米的巨幅油畫只經過了最低程度的保護處理，其缺失的部分被富有想像力地用半透明布上的絲線補充，使其呈現出雙層結構。我們宣布了1916年的商業廣告《睡蓮》。

竹村反對這樣一種觀點，即由於過度的修復，一個時期創作的作品被不同時代的人們的思想“文字”所覆蓋。在這件作品中，過去失去的記憶被巧妙地用可逆的絲線重新翻譯，“就像把西洋畫變成日本畫一樣”，從而使作品煥發光芒，同時保留缺陷。保護正在付諸實踐，確認這一點並為未來保留它。

最後一章，第七章“尋找未知的地方”，收錄了 2014 年去世的杉戶博、梅津洋一、坂本夏子和辰野登惠子的作品，以及克勞德·莫奈、保羅·西涅克、傑克遜·波洛克等人，透過在同一空間中面對過去高度實驗性的繪畫，我們試圖思考什麼是所謂的日本“當代藝術”，並衡量其實驗性的範圍。

本次展覽的策展人、國立西洋美術館首席研究員新藤敦在本次展覽的籌備過程中表示：“坦白說，國立西洋美術館並不是一個能夠給今天的人們帶來啟發的地方。” ”我有一種強烈的感覺，這可能不會發生。”參加這次展覽的一些藝術家的想法是從國立西洋美術館及其收藏中得到的，但這是因為他們有機會這樣做。

因此，在最後一章中，我們不再問國立西洋美術館的收藏如何為當今藝術家帶來啟發，而是問「今天畫家的畫作如何與過去的作品競爭？」我思考過這一點，我希望作家之間在不同時期對問題的相互認識上的異同能夠顯現出來，」他在解釋這篇文章的意圖時說道。

新藤先生還表示，“我確信會有很多人對我自己的策展方式提出批評”，而這次展覽給人的印像是，展覽正在積極尋求批評，而不是融合各種可能性。聲音被提高。接收。參展藝術家對國立西洋美術館及其藏品傳達了哪些訊息？這將對日本當代藝術界產生怎樣的影響？我希望你能以敏銳的眼光來看看整件事情。

「這個房間已經成為未來藝術家睡覺的地方了嗎？——國立西洋美術館，65年前：當代藝術家的問題”

*文章內容截至報道時。最新資訊請關注展會官方頁面。

文章提供： Kokosil Ueno

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東京都美術館

2024 年是巴黎首次印象派展覽舉辦 150 週年。東京都美術館目前正在舉辦名為“印象派：從莫奈到美國——伍斯特美術館收藏”的展覽，追溯顛覆西方藝術傳統的印象派對歐美的衝擊和影響。 ，以美國伍斯特藝術博物館的收藏為中心。展覽期限至2024年4月7日。

伍斯特藝術博物館位於美國波士頓附近，於1898年開放，收藏約4萬件，從古埃及、古希臘和羅馬的古典藝術到世界各地的當代藝術。其中，他積極收藏印象派作為當時的當代藝術。自 1898 年開放以來，它一直是該系列的重要組成部分。

本次展覽重點在於印象派顛覆西方藝術傳統的創新及其在全球的傳播。館內的印象派收藏大多是首次來日本訪問，不僅有莫內、雷諾阿等法國知名印象派畫家，也有很少被介紹到日本的柴爾德·哈薩姆等美國印象派畫家。介紹40多位藝術家的約70幅油畫，其中包括一些最具代表性的藝術家。

展覽共分為5個章節。在第一章「挑戰傳統」中，巴比松畫派和現實主義畫家在法國家鄉熟悉的風景和自然中發現了美和新的題材，介紹了傳統繪畫，其中宗教和歷史繪畫處於鼎盛時期。這是印象派的先驅，發生在十九世紀上半葉，顛覆了藝術的等級制度。

同時，美國人們對這個國家壯麗的自然美景的興趣與日俱增，美國風格的風景開始流行。在本章中，您可以比較大西洋兩岸風景畫的興起。

溫斯洛·霍默 (Winslow Homer)是 19 世紀末的美國著名畫家，早在法國印象派出現之前，他就將戶外繪畫作為其作品的基本元素。 《冬季海岸》 （1892 年）是他職業生涯後半段的作品，當時他專注於描繪大海和麵對大海的人們，他直觀而大膽的筆觸描繪了洶湧的海浪拍擊緬因州海岸的情景。展現荷馬印象派的一面。

第二章“巴黎與印象派畫家”，克勞德·莫奈、卡米爾·畢沙羅和皮埃爾·奧古斯特，他們脫離了學院的傳統，走到戶外，用鮮豔的色彩和大膽的筆觸描繪了他們眼中的世界。- 展出雷諾阿等第一屆印象派展覽成員的作品。此外，還可以看到唯一參加印象派後續展覽的美國女畫家瑪麗·卡薩特的作品，以及被稱為“美國莫奈”的柴爾德·哈薩姆在巴黎求學期間的作品。

同一章節中介紹的莫內的《睡蓮》 （1908）是本次展覽的亮點之一。雖然這是一幅印象派山水畫，睡蓮失去了輪廓，彷彿融入了池塘，樹木倒映在水中，色彩奇幻，但也有他後期作品中明顯的抽象表現的跡象。 。

莫內在巴黎郊區西維爾尼度過了他的後半生，在那裡他繼續畫了250多朵漂浮在他創造的“水上花園”中的睡蓮。該作品是1909年在巴黎杜蘭德-魯埃爾畫廊展出的《睡蓮》系列之一，隔年被伍斯特藝術博物館直接從畫廊購買。如今，睡蓮被各個博物館收藏，但伍斯特藝術博物館實際上是世界上第一個購買莫奈睡蓮的博物館。

現場還將介紹博物館與藝術品經銷商之間關於購買該作品的往來信函副本，其中包括第一任館長對董事會的勸說、延期等利用信件和電報的生動信件。付款期限。我查到了。

第三章「國際擴張」討論了美國的約翰·辛格·薩金特、瑞典的安德斯·倫納德·索恩和比利時的阿爾弗雷德·史蒂文斯如何將在巴黎獲得的印象派精髓帶回自己的祖國，並將其應用到自己的藝術實踐中。 ，展出黑田精輝、久米慶一郎等日本畫家的作品。

其中許多並不是完全模仿法國印象派的風格，而是在與各地區的文化和社會融合中得到獨特的昇華，受到沒有接觸過印象派或從未去過法國的畫家的歡迎。它以多種方式傳播和發展。

本次展覽的亮點是第四章“美國印象派”，介紹了印象派在國際上尤其是在美國的傳播過程中是如何被接受的。

1880年代中期，歐洲印象派在美國藝術品經銷商和收藏家中流行起來，許多美國畫家前往法國滿足需求。評論家希望年輕畫家能夠發現“遠離歐洲主題的美國本土之美”，因此感覺美國的主題，例如新英格蘭鄉村和現代化的城市景觀，繼續受到青睞。我做到了。

柴爾德·哈薩姆（Childe Hassam）也在第二章中出現，他是第一個將自己在當地學到的印象派風格融入自己的作品中的人，並透過暑期學校和藝術家殖民地將其傳播到整個美國。

哈薩姆出生於波士頓，1883年第一次去巴黎時接觸了印象派作品，1886年至1889年在那裡留學。返回日本後，他定居紐約，並在那裡取得了成功，成為美國領先的印象派畫家之一。本章按時間順序展示了三幅不同主題的作品，並與第二章《法國花園採花》（1888年）一起，可以追溯他繪畫風格和興趣的變化。

《哥倫布大道，雨天》 （1885 年）以柔和的色彩和柔和的筆觸描繪了波士頓的雨天大道，遠處城市的朦朧氣氛和光亮的光彩的描繪，可以感受到印象派的影響。人行道上的光。你可以

巴黎留學後創作的《阿普爾多爾島西爾夫的岩石》（1907）讓人想起莫內的懸崖風景畫，觸感截然不同，透過改變拉長筆觸的方向巧妙地描繪岩石表面和波浪。基於即使在同一個地方風景也在不斷變化的想法，這幅作品是從不同角度和情境生動地描繪阿普爾多爾島風景的作品之一，採用了類似於莫奈系列作品的手法。

在《早餐室，冬天的早晨，紐約》 （1911 年）中，窗簾的放置是為了避開隨著摩天大樓的建造和汽車的氾濫而轉變為現代化大都市的紐約的喧囂，描繪了紐約的精緻生活。中上階層，關注城市生活。自 1909 年以來，哈薩姆一直致力於《窗戶》系列，該系列描繪了一個女人獨自在一個房間裡，就像這個一樣。幕後描繪的摩天大樓被認為是曼哈頓的熨斗大廈，被譽為紐約現代建築的象徵，是美國性的巧妙表達。

埃德蒙·查爾斯·塔貝爾（Edmund Charles Tarbell）是波士頓藝術界的重要人物，擁有眾多追隨者，以至於創造了“Turbellite”一詞，作為一名藝術老師，他以在巴黎學到的印象派為基礎來教導學生，傳播了獨特的表現風格到該地區。

《百葉窗》 （1898）因其淺色和豐富的色彩而具有印象派的感覺，但它對傳統形式和細節描繪的關注是波士頓畫派畫家的特徵。透過百葉窗的光線照亮場景所產生的光影對比令人印象深刻，類似於以倫勃朗為代表的巴洛克繪畫的明暗對比技術。

最後一部分，第五章，“尋找未見過的風景”，重點介紹了保羅·西涅克（Paul Signac），他採用了基於光學和色彩理論的點畫法，以及喬治（Georges），他在熱衷於野獸派之後成為立體主義的創始人。展覽展出了布拉克等畫家的作品，他們在印象派的影響後繼續探索新的繪畫形式。

喬治·英尼斯和德懷特·威廉·特賴恩是19世紀末美國流行的「色調主義」繪畫風格的代表畫家。印象派沉迷於大膽的色彩和視覺，而色調主義則強調使用灰色和藍色等柔和的色調來描繪寧靜、情感氛圍和無形的事物。

身為瑞典神秘主義者伊曼紐‧史威登堡的追隨者，英尼斯後來的作品呈現出越來越形而上學的傾向。 《森林池塘》 （1892）中所看到的霧濛濛的氣氛據說描繪了一種精神景觀，同時代表著現實和神聖的世界，可見的和不可見的。

另一方面，特賴恩在《秋天的入口》（1908-09）中透過溫和的顏料運用和精緻的光線，將馬薩諸塞州南達特茅斯的鄉村景觀變成了一個充滿神秘色彩的神秘烏托邦。做吧。

對於仍飽受內戰影響的美國人民來說，調性主義這些無形的情感場景提供了精神上的安慰。

「印象派：從莫內到美國——伍斯特美術館收藏」將持續至2024年4月7日星期日，以全球視角介紹印象派，它誕生於巴黎，改變了人們對美的常識，將畫家從嚴格的束縛中解放出來。規則..這是一個欣賞印象派魅力的寶貴機會，印象派至今尚未廣泛傳入日本，以美國和法國以外的其他國家為中心。其中許多作品都是首次在日本展出，請不要錯過這個機會。

「印象派：從莫內到美國：伍斯特藝術博物館藏品」概述

*文章內容截至報道時。請查看官方網站以了解最新資訊。

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東京國立博物館

本阿彌光悅生活在戰爭時代，在藝術上表現出色，創作新穎。

如標題所示，即將在東京國立博物館平成館舉辦的特別展覽《本阿彌光悅的宏觀世界》透過多件作品展現了他的信仰和內心世界。

本文報導了活動前一天舉行的新聞預覽。

本阿彌光悅是誰？

活躍於江戶時代初期的本阿彌光悅出身於日本名劍鑑定師世家，是一位對日本後來文化產生巨大影響的藝術家。
他不僅因其家業造劍技藝高超而受到德川幕府和封建領主的高度評價，而且還被稱為書法家（書法大師）。出版，為後人留下了優秀的作品。

「一生受過奉承，完全尷尬的人」和「陌生人」 （《本阿美行城記》）
光悅以其深厚的信仰和閃耀的精神而受到讚譽，他創作的許多精美作品被指定為國寶和重要文化財產，並繼續受到高度讚譽。

走近古怪的本阿彌光悅的審美

本次展覽是

第一章 本阿彌家的家事與蓮花信仰－光悅藝術的泉源
第 2 章 歌本與蒔江光悅 – 爆炸性字與形式
第三章 光悅的筆觸與字體－二維空間的精湛技藝
第4章 光越茶碗-土劍

本章讓我們透過一些精美的作品來探討本網光悅的美感。

除了光悅自己的書法和陶器之外，博物館還展示了在同一信仰下聚集在一起的工匠們創作的漆藝作品，以及針對當時的社會狀況而創作的作品。此外，我們也關注本阿彌家族的信仰以及當時法華町居民的社會，創造了一個可以全面了解光悅狀況的展覽結構。

特別是第四章也是最後一章「光悅茶碗 – 大地之劍」中，展示了許多令人驚嘆的優雅茶碗，其中包括本阿美光悅的「時雨久樂茶碗」（重要文化財產）。給人一種成為本次展會亮點的感覺。

在這裡，您可以看到從各章節展出的作品中按流派選擇的作品。

漆

文學與書法世界編織的圖像鏈

國寶級的船橋蒔江硯盒位於本次展覽的入口處，其光彩和造型令參觀者驚嘆不已。
該硯盒以本阿彌光悅（1558-1637）的傑作而聞名，其顯著特徵是凸起的人字形蓋子。整個器身呈圓角長方形，蓋子做得比器身大。

整個盒子表面密密麻麻地撒滿了金粉，小船排列成波浪的圖案，它們之間的空間充滿了細密的波紋，銀色的詩字高高地鑲嵌在盒子裡。

劍

以本阿美家族的美學力精心挑選的名刀

光越的指劍作為唯一流傳下來的劍，時隔約40年首次向公眾展示。

作者金氏是鎌倉時代末期至南北町時代前半期活躍於美濃國志津（現在的岐阜縣）的刀匠。指背鑲有金質的“花神”，據說是光越的筆，附帶的劍架上飾有精緻的草，將整個劍鞘包裹在金漆中，華麗無比。

如果你破解了信物上的金嵌文字和爬草上的金漆的文字意義，你是否能看出光悅隱藏的感情？

書

光悅最充實時期的代表作品

以金銀漆描繪群鶴飛翔的文紙捲，上面散落著平安時代以來36位詩人的36首詩。字母的形狀和佈局巧妙地變化，以配合鶴的起落和鳥群的密度，你會驚嘆於它的活力感。
該書法與田原谷宗達的草圖合作甚至競爭，據說是光越展現其最充實風格的時期的代表作品。

這次展覽將是一次非常寶貴的機會，因為所有捲冊都將同時展出。

陶器

至今仍具有壓倒性存在的名碗

Raku茶碗是手工塑造的，並用抹刀雕刻而成，據說是光悅製作的茶碗，其設計在各個地方都給人留下了光悅自己的手部動作的印象。
但這部作品的特點就是壓抑這一點，整體給人一種寧靜的印象。據了解，名古屋出身的數喜役者森川如春男在16歲時就獲得了它。

活動概覽

*文章內容截至採訪時。詳細資訊可能與最新資訊有所差異，請以展會官方網站為準。此外，本文中介紹的作品可能已經展出過。

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國立科學博物館

自2013年被列入聯合國教科文組織非物質文化遺產以來，日本料理越來越受到全世界的關注。

日本列島的大自然孕育出的多樣化食材、人們智慧創造的發酵等技術以及獨創性、烹飪方法和歷史變遷， “日本料理——日本的自然與人民的智慧”特別展覽正在國立科學博物館（東京上野）舉辦。展覽期至2024年2月25日（星期日）。

既然我報道了這個展覽，我就報告一下現場的狀況。

*該展會原定於2020年舉辦，但因新型冠狀病毒的影響而取消，將於2020年再次舉辦。

食物來自山，食物來自海。多樣化食材孕育的日本飲食文化

展覽由六個章節組成。

第一章是介紹，使用影片提出問題“什麼是日本料理？”接下來，將展示第二章“群島中種植的食材”，佔據了大約一半的場地。

從食物的基礎水開始，然後我們轉向蘑菇、野生植物、蔬菜、海藻、海鮮…日本列島南北綿延3,000 多公里，是世界上生物多樣性最豐富的列島之一，它將利用250 多個實際標本和模型，科學地呈現日本列島所帶來的豐富食材，同時也討論發酵技術等話題和湯料。有解釋。

例如，在水展區，專門用空間來講解水的硬度，如軟水和硬水。

水的硬度會根據地質類型以及作為日常水源的雨水（硬度本身幾乎為零）的停留時間以及鈣和鎂等礦物質在 1 公升水中存在的時間而變化。取決於它含有多少毫克。

根據世界衛生組織的標準，低於60毫升/公升為軟水，120毫升/公升以上為硬水，介於兩者之間的為中硬水。日本由於地勢陡峭、降雨量多、水滯留時間短，水基本上都是軟水。軟水沒有味道，食材容易溶解在水中，非常適合使用高湯來襯托食材風味的日本料理。

另一方面，歐洲大陸地勢平坦，水流緩慢，因此有大量的硬水，而硬水使食材在煮沸時難以溶解和分解，因此燉菜和其他使用肉類的燉菜已變得廣泛確立為家庭烹飪。 Ta。

我常聽到人們說，「日本是一個軟水國家，所以如果你去一個硬水國家旅行，有些人會發現喝水困難或胃部不適。」有些人可能不知道，用途也因水質而異。事實證明，軟水對日本飲食文化的發展做出了巨大的貢獻。

雖然說日本是軟水國家，但地區差異顯著，有些地方是硬水。展覽展示了從日本各地出售的各種硬度的天然水的塑膠瓶，並對可提取水的地形和地質進行了解釋和比較。

此外，日本多樣的地形和氣候，包括低地、高地、亞熱帶和寒溫帶，造就了植被的多樣性，尤其是蘑菇。全世界已知的蘑菇約有 20,000 種，據說約有 2,500 至 3,000 種分佈在日本，其中約 10% 的蘑菇有名稱。

在蘑菇展區，我們重點關注的是松露、牛肝菌等在歐美被視為奢侈食品的野生蘑菇，在日本也有分佈。它們產量很大，雖然很難想像古代的日本人不知道它們的存在，但它們並沒有被用作日本料理的配料。另一方面，日本人喜歡的滑菇和金針菇等黏糊糊的蘑菇在西方國家往往不受歡迎。

有趣的是，以同樣的方式出現的蘑菇之間存在著巨大的差異，一方面受到重視，另一方面卻被忽略。這樣，展覽就從延伸到世界各地的角度來闡述「日本食品」的形象進行了多次嘗試。

海鮮是日本料理常用的蛋白質來源。日本吃的海鮮品種據說是世界上最好的之一。日本列島周圍有各種各樣的水環境，從流冰覆蓋的鄂霍次克海到紅樹林和海洋的琉球群島。珊瑚礁。僅日本就約有4,700 種魚類。這些種類分佈嗎？

為了介紹各個物種不同的遷徙路線和棲息地，海鮮展區也準備了互動視訊展覽。將手放在日本列島週邊海域每個季節出現的各種海鮮的影子上，就會顯示該海鮮的信息，成為一種有趣的學習方式。

作為珍貴的展品，東京帝國大學的池田菊苗博士因發現並命名了高湯所代表的美味“鮮味”而聞名，他實際上生產了提取的鮮味成分谷氨酸（“鮮味”）。提到了從海帶中提取的 1 號提取物“蒸餾塔米酸”） 。

如今，鮮味已被全球公認為「UMAMI」。鮮味是由池田博士於 1908 年發現的，是不同於人們早已熟知的甜、酸、鹹、苦的第五種味道。然而，「高湯」本身是從海帶和鰹魚片等原料中提取谷氨酸、肌苷酸和鳥苷酸等鮮味成分而製成的，其歷史更為悠久，早在室町文獻中就已出現。時期。高湯的鮮味不依賴動物脂肪和油，而是帶出食材的味道，使其成為日本料理的重要組成部分，而日本料理往往比較清淡，以湯和蔬菜為主。

另外，當你同時品嚐胺基酸麩胺酸和核酸類鮮味成分肌苷酸和鳥苷酸時，會出現一種被稱為「鮮味協同」的現象，即鮮味明顯比不吃時更強。他們被單獨消費。這種現像在1960年就被發現了，其機制直到2008年才被闡明，但海帶（谷氨酸）和鰹魚片（肌苷酸）的組合在日本料理中開始流行，據說這是江戶時代的事。

高湯的展示讓我們一睹先人對食物永不滿足的好奇精神，儘管他們不知道鮮味的存在，但他們將自己的經驗運用到烹飪中。

卑彌呼和信長吃什麼？還有江戶時代食譜的複製展示。

會場後半段看點頗多，尤其是第三章《日本料理的起源》，解開了繩文時代至今日本料理的歷史，並以卑彌呼等歷史人物為主角、織田信長、佩里海軍上將、明治天皇。本次展覽的亮點之一就是再現名人餐桌的展示。

自奈良時代確立了以米和魚為中心的日本料理的原始形態，並被認為不潔而避免肉類消費的情況下，它已發展成為素食、本膳、懷石料理等多種形式，但這些都是有限的……這是只能提供給某些地方和職位的人的東西。直到江戶時代，日本的飲食文化才有了長足的進步，知識和技術才傳到民間。據說背後的主要因素是餐廳的發展、發酵調味料的工廠化生產以及由於識字人口的增加而導致的食譜的傳播。

展覽中將展出收集了100種豆腐菜餚的俏皮暢銷書《豆腐百珍》（1782年），以及因該書的熱門而出版的《蘿蔔烹飪的秘密盒子》，以及主打雞肉和雞蛋的“萬寶」。查看對日本飲食文化的傳播做出貢獻的原始食譜書籍，例如使用不同食材的“百林物”烹飪書，以及使用雞肉和雞蛋製作的菜餚的食物樣本書上介紹的食譜，就完成了。展覽旁邊有一個現代版食譜的二維碼，所以在家嘗試一下可能會很有趣。

第四章《日本料理的真、善、美》中，賞心悅目的錄像裝置聚焦於日本料理的構成要素，如廚師的生動技藝、炊具的精緻造型等。 ，還有我們老祖宗的審美意識，我給你。

文明和啟蒙運動到來後，隨著西方和中國美食的傳入，日本人民開始將他們創造的飲食文化稱為“和食”，並意識到了這個概念。歷史上，日本成功地融合了外國食材，開發出新的美食，例如日式與西式融合的烹飪方法，以及咖哩飯、那不勒斯意大利麵、炸豬排、拉麵等日式西餐和中餐。成為日本料理的一大特色。

在第五章「我的日本料理」中，透過先前的展覽了解了日本料理的製作過程後，其內容旨在讓您重新思考什麼是日本料理，其定義隨著時代的變化而變化。我做到了。

第二會場只有第六章《日本料理的未來》，講述了日本料理未來將如何變化，指出了鄉土料理和傳統蔬菜的重要性，並解釋了日本料理如何延續因應社會變化而改變，展望未來。在介紹解決糧食問題的嘗試和開發技術的區域，我們能夠看到罕見的人工孵化的細頭鰻幼體。

如今，無論季節如何，都可以訂購世界各地的食材，並且可以透過網路輕鬆獲得任何國家的食譜。隨時隨地都可以體驗同樣的食物、同樣的味道……隨著同質化食品相關服務的擴張，日本飲食文化的多樣性和獨特性可能正在消失。然而，有些食材和口味是根植於當地的，如果我們想到改變西餐以適應日式風格和米飯和味噌湯背景的智慧和毅力，我們就忍不住了但想想未來，我覺得發展還是有希望的

如果您透過這次展覽加深了對日本列島多樣化的自然環境和人類活動的了解，也許您會發現日常的日本料理味道更加美味。

展覽期至2024年2月25日（星期日）。請來參觀我們。

「日本料理：日本的自然與人民的智慧」特別展概要

*文章內容截至訪談日期（2023年10月27日）。最新資訊請關注展會官方網站。

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上野之森美術館

上野森美術館正在舉辦「莫內：系列場景」展覽，透過《一疊稻草》、《 《睡蓮》系列。
展覽期限至2024年1月28日。

我參加了活動前的新聞預演，所以我會詳細報導會場狀況。

展出的作品全部都是莫內的作品。與國內外40多家博物館合作完成的有價值的展覽

克勞德·莫內（1840-1926）是印象派大師。

莫內對自然光和色彩有著非凡的感覺，他在不同的季節、天氣和一天中的不同時間觀察相同的地點和圖案，在多張畫布上創造出連續的印象和光的瞬間運動，他被稱為畫家他建立了一種稱為「系列」的創新表達方法，這在當時是史無前例的。

本次展覽是為了紀念1874年印象派誕生150週年（首次印象派展覽的舉辦）而舉辦的，展出了《稻草堆》、《睡蓮》等莫內的多幅作品。在重點展示一系列有主題的在繪畫的同時，我們也將介紹印象派先前的作品，例如首次在日本展出的大型肖像畫《午餐》 。透過日本國內外40多家博物館收藏的60多件傑作，可以追溯莫內的一生，延續他與時間、光不斷的對話。

標誌著印象派轉捩點的早期傑作《午餐》首次在日本展出

展覽依時間順序分為五個章節。

莫奈於 1840 年出生於巴黎，在諾曼第的一個港口小鎮度過了童年。從15歲左右開始，他就已經成為當地著名的漫畫大師，17歲時，在風景畫家尤金·布丹的建議下，他開始在戶外畫風景。

在巴黎接受畫家培訓後，1865年，他在傳統的公共展覽沙龍上贏得了兩幅風景畫，這是當時法國藝術家通往成功的唯一途徑，也是最好的市場，他在第一次嘗試中就入選了。儘管他首次亮相很成功，但1867年，沙龍的評審標準變得嚴格和保守，他並沒有受到好評。 1870年，他精心準備的作品《午餐》 （1868-69），高度超過230厘米，被拒絕。

在第一章「印象派之前的莫內」中，莫內的《午餐》將首次在日本展出，此外還有描繪荷蘭水邊風景的風景畫和肖像畫，莫內從1871 年逃離荷蘭後一直居住在荷蘭。普法戰爭..

《午餐》描繪了後來結婚的卡米爾和因經濟原因分居的兒子讓開始同居時，餐桌上的隨意場景。這是莫內早期的代表作之一，可以讓你體驗到難得一見的「黑色」風格，一種說法是，他大膽、粗獷的筆觸和鮮豔的色彩是新的表現方式，他把日常場景描繪得幾乎沒有敘事性，彷彿它們是真實的。偉大的畫作。據信，他在大銀幕上繪製這幅畫的事實令強調新古典主義的評委感到不滿。

以這次拒絕為契機，莫內遠離了藝術風格不同的沙龍，轉向了成熟的印象派。

1871年底，莫奈搬到巴黎郊區塞納河沿岸風景如畫的阿讓特伊小鎮，與到訪該地區的馬奈和雷諾阿一起致力於繪畫。為了尋找新的展示場地，1874年他與戰友們在巴黎舉辦了「第一屆印象派畫展」。雖然引起了關注，但銷量不佳，公司陷入財務困境。此外，1879年，他因病失去了妻子卡米爾，她是他最好的榜樣和理解者。

第二章《印象派畫家莫奈》展示了莫奈在1870年代和1880年代生活在如此艱苦的環境中，在塞納河流域各地旅行時創作的各種印象派風景畫。 。莫內更喜歡自然景觀，尤其是水邊景觀，而不是快速現代化的城市景觀。

大約在這個時候，莫奈模仿風景畫家查爾斯·弗朗索瓦·多比尼（Charles-François Daubigny），創造了一艘獨特的工作室船，船頂設有小屋，如《莫奈的工作室船》 （1874年）中所描繪的。這輛車可以承受戶外拍攝帶來的惡劣天氣，讓他可以自由移動，從獨特的水上視角捕捉他的許多作品。

尤其讓莫內著迷的是維特伊小村莊的景色，包括它的教堂，俯瞰塞納河，他反覆畫這個主題。其中，收藏於南安普敦市美術館的《維特伊教堂》 （1880）被譽為這一時期的代表作，他在畫布上運用了大膽的筆觸，試圖描繪出可見的時刻，倒映著不斷搖曳的水面，亮點是貼得很快。

同一章節中另一件引起我注意的事情是這幅畫，與同時期的其他作品相比，它以略為抽象和粗糙的筆觸描繪了維特伊荒涼的冬季景觀（ 1879）。

另一件以維特伊的自然為主題的作品是《維特伊的春天》 （1880），畫中畫的是一個女人和一個孩子，看上去是與她同住的奧赫德家族的妻子愛麗絲，是一幅表現力豐富的畫作。短而粗的觸感，細而短的線條，有節奏的線條如波浪般奔騰，混合著柔和的粉紅色。

當我比較這兩幅作品時，我的印像是後者作為畫面顯然更加穩定。可以想像，春天的溫暖到來和親人的到來，也許逐漸撫平了莫內因失去妻子卡米爾而深感的悲傷。

走向「系列」的想法。一組鬆散連結的同一主題作品

莫奈因19世紀末鐵路網的發展而遊歷歐洲各地，比起擁擠的休閒場所，更喜歡荒涼的海灘等自然風景，在一處集中度過了幾個月。或者說，我一邊重遊一邊創作。每年一次。

第三章“專注於一個主題”，介紹了捕捉單一景觀的多種表達的作品，例如諾曼底的普爾維爾海灘和埃特爾塔的奇怪岩石，這些都讓莫奈著迷。

特別有趣的是四件涉及普爾維爾海岸的作品。兩幅作品創作於1882年的《普爾維爾懸崖》和15年後創作於1897年的《普爾維爾懸崖》、《早晨》和《普爾維爾海的漣漪》，都描繪了可以看到海岸對面的懸崖。沙灘、海和天空的構圖相似。

不過，1882年的作品明顯強調突出的懸崖和礁石作為母題，而1897年的作品則母題較弱，更多地意識到天氣、海況和整體氛圍的變化，我感覺它是針對我的。

這四幅作品生動地傳達了莫內風格和觀點的變化，這只能從這四幅作品在同一個地點歷時十多年的時間裡完成來看出。

其他作品如《La Manneporte (Etretat)》 (1883)和《La Manneporte in Etretat》 (1886)都是具有一定順序的作品，給人一種鬆散的聯繫感，同一主題的變化。它可以表達為類似的東西。透過這個過程，莫內產生了創作一系列關於單一主題的繪畫的想法。

從第四章「系列畫家莫奈」開始，我們終於看到了本次展覽的重點「系列」的代表作品。

1883年，42歲的莫內搬到塞納河畔的吉維尼，作為他最後的家。莫奈最初以稻草堆為主題，這是該地區秋天常見的景象，但在 1890 年左右，他並排排列了多塊畫布，創作了根據天氣和時間的光線效果而創作的畫作。 .同時創建時時變化的描繪。 1891年，他在巴黎杜蘭德-魯埃爾畫廊舉辦了個展，將這些作品作為系列展出，獲得了巨大的成功，使他成為法國國內外最重要的畫家之一。

這堆稻草被認為是莫內認真實踐系統連續繪畫方法的第一個系列。

本次展覽的《稻草堆，雪的效果》 （1891）是杜蘭德-魯埃爾畫廊1891年展出的15件作品之一。稻草堆被大面積地放置在螢幕前面，幾乎處於陰影中的稻草堆與明亮的雪之間形成了美麗的戲劇性對比。

此後，他創作了一系列基於多種主題的作品，從1899年開始，他花了數年時間繪製倫敦的滑鐵盧橋和查令十字橋。

《滑鐵盧橋》共有41件作品，是倫敦系列作品中最多的，其中三件描繪陰天、黃昏和日落的作品將在場館展出。

畫面中似乎瀰漫著潮濕的氣氛，每幅畫都省略了作為母題的橋樑的細節，柔和的剪影彷彿漂浮在泰晤士河的薄霧中。亮點在於光棱鏡所創造的色彩的微妙和諧，就像改變印刷顏色的木版畫一樣，由於構圖相同，色彩表現的獨特性脫穎而出。

透過在各種色彩和光線的視覺效果中反覆觀看單一主題，觀眾會沉浸在作品中，並能夠追溯莫奈本人所經歷的“時間”，而這在螢幕上是不存在的。體驗它。我相信創造這種身臨其境的體驗也是莫內「系列」的目的。

這不僅僅是對光和色彩的簡單探索，而是「連續作品」如何共同發揮作用以及它們對觀眾產生什麼效果，創造出只有透過「連續作品」才能實現的新藝術。莫內有堅定的意願這樣做。

讓莫內成為「抽象繪畫之父」的睡蓮

莫內在吉維尼的家是他最大的靈感源泉，充滿了他的理想。我花了很多年的時間設計紫藤和牡丹等季節性花卉盛開的“花園”，以及據說是莫奈的傑作並受到日本花園啟發的“水花園”，目的是將它們變成繪畫主題。維護。園丁在這個「水上花園」的池塘裡種植的睡蓮成為了他晚年最偉大的系列作品之一的主題。在第二任妻子愛麗絲和家人的支持下，莫內繼續創作藝術，直到86歲去世，儘管他患有視力障礙。

第五章也是最後一章「睡蓮和吉維尼花園」介紹了吉維尼的場景和莫內喜歡的各種花園場景，包括睡蓮。

莫內於 1897 年夏天開始集中繪畫睡蓮，即他開始建造池塘四年後， 《睡蓮》 （約 1897-98 年）是他在職業生涯初期創作的八幅作品之一。睡蓮花朵和葉子的特寫構圖，靠近池塘表面繪製，形狀清晰。引起我注意的是花朵的大膽筆觸從遠處看時呈現出光滑的三維效果。

此時，你可以看到莫內的目光只集中在睡蓮上，黑暗的水面上沒有映出池塘周圍的樹木和天空。隨著歲月的流逝，我們的目光聚焦在水面上。隨著視力的惡化，他失去了深度，筆觸變得更加粗糙，形狀、色彩、光線在水面上融為一體，像鏡子一樣反射著周圍的環境，把他變成了一幅抽象畫。

這些後來的作品刺激了20世紀中葉的抽象藝術家，莫內的藝術受到了新的關注和重新評價。

這是一個很有價值的展覽，每件作品都是莫內的代表油畫《100%莫內》，沒有任何繪畫或底畫。這本書推薦給莫內的初學者，因為它展示了莫奈從印象派之前到晚年的風格變化。請來參觀我們。

「莫奈系列場景」概述

※※文章內容截至報道日期（2023/10/19）。請查看官方網站以了解最新資訊。

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東京國立博物館

「大和繪」創立於平安時代初期，歷經各種變遷流傳下來。

東京國立博物館即將舉辦的特別展覽“大和繪——代代相傳的朝代之美”，追溯了始終創新的大和繪的血統。

本文報導了活動前一天舉行的新聞預覽。

什麼是大和繪？

特別展「大和繪——代代相傳的王朝之美」以平安時代以來不斷繪製的「大和繪」為中心。
然而，有趣的是「Yamato-e」的概念隨著時間的推移而發生了很大的變化。

從平安時代到鎌倉時代，描繪日本風景和人物的作品被稱為“大和繪”，與描繪中國題材的“唐繪”形成鮮明對比，但此後出現了諸如水墨畫基於某種風格的繪畫被稱為“中國畫”，而基於前代傳統風格的作品被稱為“大和繪”。
換句話說，「大和繪」一直是作為與外國繪畫相反的概念而存在。

本次展覽精選了《大和繪》畫作，這些畫作繼承了王朝美的精髓，同時不斷改變著形式，特別是從平安時代到室町時代。

滿滿的日本藝術「實戰教科書」！

本次展覽共分為6個章節。

序言：傳統與創新－大和畫的變遷——
第1章 大和繪的創立——平安時代——
第2章 大和繪的新面貌——鎌倉時代——
第3章 大和繪的成熟——南北町和室町時代——
第四章 宮廷繪畫譜系
最終章 大和繪與四個季節——代代相傳的王朝之美——

透過作品，您可以體驗到大和繪與卡拉繪、中國畫等外國藝術的思想和技法反覆交涉而獨立發展起來的變化，以及各個時代的特徵。

這就是日本藝術的王道！教科書般的作品、藝術收藏中熟悉的作品等等匯集在一起，真是一種景象。
總共約245件展品中，70%以上為國寶和重要文化財產，展覽中不僅展示了繪畫作品，還展示了許多支持大和繪美學的同期作品，例如書法和工藝作品。

其中，被認為「本次展覽強烈推薦」的作品之一是重要文化財產「濱松屏風」 （東京國立博物館所有），被譽為最精美的屏風之一。室町時代的大和畫。

這是一幅給人非常生動的印象的傑作，許多花草樹木疊加在令人眼花繚亂的海灘景觀上，從右到左代表季節的變化。據說它是匯集了古代和中世紀大和繪各種元素的“終極大和繪” 。

如果你仔細觀察的話，整幅畫似乎都散發著暗淡的光芒，但這顯然是由於室町時代大和繪獨有的技術，其中雲母（一種層狀矽酸鹽礦物）被掃過基地。與後來強調黃金的安土桃山時代不同，它像月夜的暮光一樣閃閃發光。不知怎的，你能感受到一部分日本人深厚的美感。

日本畫卷史上最優秀的傑作「四大畫卷」齊聚一堂。

此外，在眾多畫卷中，平安時代末期創作的「四大畫卷」被譽為最偉大的傑作。
本次展覽將展出現存最古老、最偉大的王朝故事繪卷《源氏繪卷物語》，以及《信貴山延吉繪卷》、《萬大納言繪卷》和著名的《長壽吉畫》 （都是國寶）。我們都會見面。

這是四大畫卷之一，被稱為「長壽圖」 （京都高山寺藏）的國寶。我對2015年在東京國立博物館舉辦的人頭攢動的超大型展印象深刻，這部作品以其幽默可愛的性質受到了許多人的喜愛。
四時的更替、每月的事件、花鳥山水、各種故事……大和繪描繪了各種各樣的主題，而這部《長獸千兆》中描繪的動態動物就是其中之一。它脫穎而出。

本次展覽分四個展期（①10月11日（星期三）-10月22日（星期日）➁10月24日（星期二）-11月5日（星期日）③11月7日（星期二）-19日（星期日）④11月21日（星期二）-展覽將根據12月3日（週日）進行調整，但四大畫卷將於10月11日至22日30年來首次齊聚。
除了這個時期之外，還有被譽為大和繪肖像傑作的三大飾經（久無寺經、平家經、慈光寺經）和神護寺三尊像（傳賴朝像、傳平重森像、傳藤原紅像）有許多值得注意的作品，包括古代和中世紀的傑作，例如（都是國寶）相繼出現。

負責本次展覽的東京國立博物館策展研究部繪畫雕塑部部長土屋貴宏表示：「這是一次作品數量如此之多的展覽，即使作品較少也能完成。」超過一半的作品。我想隨著展品的變化，你會看到更多的作品。希望你能經常來參觀。”
是對觀眾說的。

《大和繪》的世界在一千多年的歷程中不斷傳承與改變。
請您隨時到會場參觀參觀。

*每件作品的展出時間請參考官網《展覽圖錄》。

活動概覽

*文章內容截至採訪時。詳細資訊可能與最新資訊有所差異，請以展會官方網站為準。此外，本文中介紹的作品可能已經展出過。

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東京都美術館

介紹羅馬從建國到現代的美麗歷史的「羅馬永恆之城」展覽在東京都美術館開幕，重點介紹羅馬市中心卡比托利歐博物館的收藏。展覽時間為2023年9月16日星期六至2023年12月10日星期日。

我參觀了會場，並將報道展覽情況。

卡比托利歐博物館慶祝羅馬輝煌和美麗的歷史

卡比托利歐山長期以來一直是羅馬人的宗教、政治和文化中心，古代曾有供奉至高神朱庇特和其他諸神的神廟，如今卡比托利歐山是羅馬市政廳所在地。卡比托利歐博物館建在一座小山上，是世界上最古老的博物館之一。

1471年，文藝復興時期的教宗西克斯圖斯四世在卡比托利歐山嚮羅馬公民捐贈了四尊古代雕塑，目的是激發他們的自尊心，並表明他是古羅馬的合法繼承人。博物館成立的結果。它於 1734 年向公眾開放，收藏了豐富的羅馬出土的古代文物、源自梵蒂岡的雕塑以及羅馬顯赫家族擁有的藝術品。

本次展覽重點介紹卡比托利歐博物館的藏品，涵蓋從建國神話到古羅馬時代的輝煌，再到藝術達到頂峰的文藝復興和巴洛克時期，以及從17世紀開始的一切內容。本次展覽通過約70件雕塑、繪畫和版畫介紹了被譽為「永恆之城」的羅馬輝煌的歷史和藝術。

除了按時間順序排列的五個章節外，還設有介紹博物館與日本交流的特別展覽，以紀念岩倉使團訪問該博物館150週年。

第一章“羅馬建國神話的創造”，解開了據說建城於公元前753年的古羅馬的民間傳說和神話。起點是著名的著作《卡比托利歐》 “母狼（繁殖）”，可以說是羅馬的象徵，就被放在那裡。

原作是卡比托利歐博物館的四大古代雕塑之一。據說創建於西元前5世紀。 （展出的作品是後來由羅馬市政廳擁有的複製品）

這個故事是根據戰神馬爾斯所生的羅馬第一任國王羅慕路斯和女祭司瑞亞·西爾維亞撫養長大的母狼以及弟弟雷穆斯的故事改編而成。詩人維吉爾的史詩《埃涅阿斯紀》取材自羅馬建國神話。

原本它只有一隻母狼，但在文藝復興時期，又增加了一尊喝牛奶的雙胞胎雕像。母狼睜大的眼睛和皮毛以一種風格而精緻的方式表現出來。

母狼哺乳雙胞胎的雕像被供奉在羅馬城內，隨著它作為建國神話的化身與帝國歷史一起不斷前行，它已成為公共紀念碑和錢幣等公共藝術，它影響了各種媒體的圖像表達。 《卡比托利歐母狼》是除了後世添加的雙胞胎雕像外，可以被認為是標誌性作品的現存作品。

第一章中還有許多其他描繪母狼的作品，例如《銀德拉克馬》和《博爾塞納之鏡》 （公元前 4 世紀），這表明了其作為象徵的巨大影響力。

西元前27年後的帝制時期，肖像畫隨著帝國的繁榮而發展。羅馬皇帝的肖像，表情莊重，寫實，不僅起到了宣傳手段的作用，還影響了普通公民的私人肖像，據說還普及了各種時尚的服裝、姿勢和髮型。

第二章“古羅馬帝國的輝煌”，透過“時代面孔”追溯輝煌時代，其中包括奠定古羅馬帝國基礎的尤利烏斯·凱撒和奧古斯都的頭雕。它傳達社會和政治變化。

在這裡，卡比托利歐博物館擁有的兩座君士坦丁巨像的碎片以精緻的全尺寸複製品展出，令人印象深刻。君士坦丁巨像是教宗西克斯圖四世捐贈給羅馬公民的另一座古代雕塑。

君士坦丁（在位 306-337 年）是羅馬帝國最重要的皇帝之一。他被稱為第一位重新統一分裂帝國、承認基督教為國教並自己成為信徒的羅馬皇帝。

光是頭部就有約1.8公尺高。它的規模讓人想起它以前的輝煌。人們認為，凹陷的臉頰、眼下嚴重的淚袋和嘴角的皺紋是皇帝晚年的寫照。雖然表情凝重，但那雙微微仰起的眼睛，彷彿眺望遠方，令人印象深刻。一種超然的氣息，似乎體現了當時人們對皇帝的崇高理想。

除了頭部之外，最近在羅浮宮博物館發現的左腳、左手和左手食指也被展出，還有專門為本次展覽製作的新複製品。

不要錯過隱藏的寶石“卡比托利歐的維納斯”！

此外，第二章展出的《卡比托利歐的維納斯》是本次展覽最引人注目的作品。

這件 2 世紀的作品以阿佛洛狄忒（希臘愛神，等同於維納斯）雕像為基礎，由偉大的古希臘雕塑家普拉克西特萊斯於公元前 4 世紀創作。

她採取維納斯雕像典型的羞澀姿勢，優美的身體曲線和豐潤的肌膚紋理表現得極其美麗迷人。如果仔細看的話，可以看到她的頭髮在頭頂紮成一個蝴蝶結，在頸後紮成一個髮髻，然後頭髮披散成兩部分，有點一個有趣的髮型。

該作品與《米洛的維納斯》（羅浮宮博物館）、《美第奇的維納斯》（烏菲茲美術館）並稱為古代維納斯雕像的傑作。事實上，這是自1752年獲得以來，它第三次被帶出卡比托利歐博物館，其中包括被拿破崙領導的法國軍隊暫時沒收的那一次，因此它確實可以說是一件珍品。永遠不應該被排除在外。

這是一部必看的作品，不知道以後在日本還有沒有機會再看到。

為了這次展覽，我們準備了一個特殊的空間，其靈感來自於卡比托利歐博物館的八角形展覽室“維納斯室”，作品通常在這裡展出。同樣，地板也是按照博物館所在地文藝復興大師米開朗基羅設計的坎皮多利奧廣場的圖案設計的。

有關米開朗基羅始於 1537 年的城市規劃以及標誌性博物館綜合體（包括體現羅馬城輝煌的廣場和建築）的開發的更多信息，請參閱第3 章“從博物館的誕生到米開朗基羅廣場」 」這個概念透過繪畫和版畫被詳細介紹。

在第四章「畫廊收藏」中，教宗本篤展示了畫廊收藏的 13 件作品。

收藏包括活躍於 16 世紀至 18 世紀的畫家的傑作，從義大利巴洛克大師 Pietro da Cortona 到不知名作者的作品。它告訴我們當時義大利主流的主題和表達方式，以及引起藝術贊助者興趣的畫作。

自 17 世紀以來，羅馬城作為古代遺址和教會建築的寶庫，已成為義大利和國外藝術家（包括透過大巡迴演出）藝術靈感的來源。

在第五章「對藝術之都羅馬的嚮往——幻想與現實的相互作用」中，我們將探索紀念圖拉真皇帝在達契亞戰爭中勝利的紀念碑，據說這場戰爭讓藝術家和歐洲君主特別著迷。展出了30公尺高的古代紀念碑「圖拉真之柱」的版畫和模型。我們也展示以古羅馬藝術為靈感來源創作的作品。

邁森的素釉陶器《愛與普賽克》是一件小作品，長約30厘米，但交織在一起的身體，尤其是讓人想起圓圈的手臂排列，輕輕地抱著彼此的頭，似乎象徵著永恆的愛情。，一時間我被它那迷人的曲線迷住了。

該作品是卡比托利歐博物館內著名的 2 世紀大理石雕塑「Amor and Psyche」的複製品。 18世紀，隨著古代藝術愛好者數量的增加，出現了生產著名古代雕塑的微縮版的新產業和買賣它們的市場，據說市場上有很多這些作品的複製品。

最後一層有一個角落，有一個特別展覽「卡比托利歐博物館與日本」。

150年前的1873年，明治政府派往歐美的岩倉使團參觀了卡比托利歐博物館。他們參觀歐美博物館的經驗影響了明治政府的博物館政策和藝術教育。

展覽將展出根據使團成員可能在當地獲得的明信片製作的訪問報告《美國和歐洲的流通記錄》中的插圖，以及日本人民的感受的插圖19世紀初期，歐洲受到了影響。我們正在介紹一些傳達異國情調的想像圖畫，例如阿蘭達法國卡諾加蘭圖畫。

此外，1876年日本第一所藝術教育機構「工學院美術學校」（後來的「工部美術學校」）成立時，邀請義大利教師教授西洋藝術，以著名的雕塑為教材，我引進了石膏像作為模型，其中包括來自日本的石膏像。卡比托利歐博物館。

作為其歷史的證據，學生被認為複製了創作於公元 2 世紀、現藏於卡比托利歐博物館的狄俄尼索斯頭像，以及一尊基於同一作品並被帶到日本的石膏雕像。歐洲女士阿麗安娜的半個身體並排展示。它像徵著卡比托利歐與日本之間永恆的連結。

羅馬永恆之城展覽讓您沉浸在羅馬宏偉美麗的歷史中，這座城市吸引了來自世界各地的藝術家。請來參觀我們。

「永恆之城羅馬展」概況

*文章內容截至報道時。請查看官方網站以了解最新資訊。

文章提供： Kokosil Ueno

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東京國立博物館

「橫尾忠則館山百德」展覽將於 2023 年 9 月 12 日在東京上野的東京國立博物館表慶館舉行。 （活動截止至12月3日）

我們首次展出「觀山聖德」系列的102件新作，其中當代藝術家橫尾忠則以自己的詮釋重建了中國風僧的傳統繪畫主題。

*關於作品圖像…除非另有說明，所有作品均由橫尾忠則創作，並屬於藝術家的收藏。

地德觀山，因逃避現實的行為而成為人們欽佩的對象。

觀山和慈德是兩位傳說中的詩人僧侶，據說生活在中國唐朝。

儘管他是一位受過高等教育的文學家，但他卻是一個自由而古怪的人，住在山洞裡，用剩下的食物填飽肚子，並發表令人髮指的言論。在中國禪宗中，他們的世俗相貌和行為被尊崇為一種覺悟的境界，觀山被視為神聖的文殊菩薩的化身，而慈德則被視為普賢菩薩的化身。
在中國和日本，自鎌倉時代以來，觀山淨德就被許多禪僧和文人墨客描繪成傳統繪畫題材，近代則在森鷗外、夏目漱石的小說中備受推崇。

2019年，日本當代著名藝術家橫尾忠則（1936-）首次展出了以觀山上德為主題的作品。其靈感源自江戶時代奇幻畫家曾我翔白的名作《觀山地德圖》。

此後，他一直潛心創作「關山貞德」系列，以多種方式改變其造型。在COVID-19大流行期間，他避免與外界接觸，並在與世隔絕的工作室裡全心投入創作活動，就像關山慈德的隱居所一樣。

展出的「觀山上德」系列的102件作品，都是專為本次展覽創作的未出版的全新作品。

生產週期從2021年9月開始大約一年。正如橫尾本人在本次展覽的新聞發布會上所說，「我決定放棄藝術家的身份，成為一名運動員。」帶著與年齡不符的強大和挑戰精神，他有時一天工作三次。速度驚人，有時甚至能把點畫出來。

超越時空，從影像到影像

觀山丈德據說是一位詩人僧侶，傳統的表現是觀山手持寫有中國詩詞的捲軸，丈德則手持掃帚清掃寺院花園，但橫尾先生創造了自己的解釋將捲軸用作衛生紙並將其用作掃帚。它具有幽默感，具有現代更新，例如讓使用者切換到吸塵器。此外，兩人坐在馬桶上，讓人想起馬塞爾杜象的噴泉，也許與衛生紙有關。

當我在會場走一圈時，我發現每件作品的標題都統一了製作日期，沒有任何說明文字。

東京國立博物館策展研究部研究部主任松島正人表示，這些展覽反映了橫尾的願望。

「橫尾先生自己說，他無意在他的每幅作品中傳達某種信息或試圖傳達某種東西。我把從我的身體中產生的東西放在畫布上。我希望人們在自由想像和思考的同時觀看它。”解釋它。”

在許多情況下，一個特定的主題會形成一系列的階段，例如「紅布」。

《2022-03-24》描繪了關山千德和一名女子在紅色床墊上休息的場景，這顯然是對 19 世紀法國畫家愛德華·馬奈的名畫《草地上的午餐》的戲仿。還有一幅類似的作品，名為《2022-05-01》，與江戶時代畫家久住森影的《Noryo Screen》一模一樣，是博物館收藏的國寶。

幾天後創建的2022-05-05，他像天方夜譚一樣，在紅色魔毯上快樂地飛翔在天空中。而當我看《2022-05-28》時，就像是哈利波特的世界。也許他們每個人都想自己飛翔，所以他們從紅地毯換成了掃帚。

就這樣，橫尾先生的觀山千德雕像與一個又一個的圖像聯繫在一起，像一百張臉一樣變化。

他看起來裝扮成阿爾塞納·盧平或堂吉訶德，但他的身體也變成了一座巨大的山體，看起來像一幅水墨山水畫，或者是一種無機的幾何形狀，讓人想起人工智能或機器人。實德觀山為所欲為，打扮成女人，融入其中，融入風景中，讓人根本分不清他在哪裡。

此外，正如傳統繪畫主題《四幅睡畫》中，他的陪伴不僅有地得六觀山，還有他的兩位大師武觀禪師和虎，以及愛因斯坦、愛倫坡、大谷翔平等人展示了他的作品。臉。也能窺見東京奧運、足球世界盃等反映社會狀況的作品…

有一個關山地獄的故事，無論時間、地點、大小、現實或虛構，都可以自由移動。

這些作品的多樣性，就好像藝術家的多面性以《Jitoku Kanzan》的形式展現出來一樣，是由於橫尾自己所說的「物理大腦」。

這部作品的誕生是因為我讓身體自由活動，不受風格或承諾的束縛。藝術家不時的身體表現，例如昨天和今天的月經變化，或是那天映入眼簾的事物，感覺有點像日記。

用因身體不便而獲得的「遲鈍的身體」開闢自由的新領域

他的許多畫作都以柔和的筆觸繪製，橫尾先生將這種繪畫風格稱為“Oborotai”。

「Oborotai」原本是指明治時期確立的日本繪畫技法，但對於橫尾先生來說，「Oborotai」意味著由於2015年患上聽力損失的影響，他的視野甚至大腦內部都變得模糊不清。事物之間、夢境與現實之間的界線都變得模糊了。肌腱炎使得畫出清晰、有力的線條變得困難。它是透過這些物理變化獲得的。

反覆的筆觸變得模糊的輪廓，時而中和了時空的圍牆，時而超越了藝術家的本意，脫離了過去和技術的束縛，給人一種開放的感覺，融化了觀者的心。把它給你。

大部分作品都畫在F100或F150尺寸的大畫布上，令人印象深刻，而且由於沒有壓克力盒等遮蓋物，可以近距離欣賞筆觸和色彩的層次感。
螢幕明亮，使用了紅色、黃色等多種溫暖的原色，給我一種平和、充滿活力的感覺，彷彿卸下了一些肩上的擔子。

據說，舉辦在世藝術家的展覽在博物館歷史上是罕見的。為何不在本次展覽中體驗橫尾忠則在 80 多歲開創了新天地的自由世界，這個展覽在博物館中佔有特殊的地位？

此外，作為本次展覽的相關項目，東京國立博物館主樓1號特展室也將推出題為《東京國立博物館的寒山：對傳說中的狂風和尚的嚮往》的專題報道。2023年9月12日（星期二）至2023年11月5日，持續至星期日。

*憑本次展覽門票即可觀賞。第一期和第二期展覽有變動，詳情請查看官網。

包括國寶因達拉的《觀山淨德圖》在內，博物館收藏的經典《觀山淨德圖》都集中在一個地方介紹。追蹤《觀山上德圖》的演變並將其與橫尾的最新作品進行比較可能會很有趣。

「橫尾忠則觀山百德」展

*文章內容截至報導日。請查看官方網站以了解最新資訊。

文章提供： Kokosil Ueno

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東京都美術館

荒木玉名是一位持續從事從版畫到裝置等廣泛表現活動的紐約藝術家，他的首次回顧展將在東京上野的東京都美術館舉行。展覽期限至2023年10月9日。

荒木玉名（1970-）1991年從武藏野美術大學短期大學畢業後留學墨西哥，對「光明與黑暗」、「生與死」共存的獨特文化著迷。此後，他在墨西哥多次停留期間，透過多種表現形式創作出具有獨特世界觀的作品，其中包括在當地學習的銅版畫、三維作品、裝置、動畫等技法。

2012年，她將活動基地遷至紐約，邁出了有意識地以移民身份生活的新一步，近年來她對“跨越國界”、“多樣性”等主題感興趣。 “包容。”

本次展覽是荒木經惟的首次回顧展。從早期作品到新作品，從手掌大小的三維作品到佔據整個樓層的大型裝置，約120件品種多樣，《記憶的那裡》（2023年/首次展出）在這次展覽中），受到「上野的回憶」的啟發。正在發展豐富的作品集。

展覽由四個章節組成。荒木經惟作品的魅力在於其主題和表現方式能夠喚起人們的生活和故事，給人一種親切和懷舊的感覺，同時在日常和非凡之間建立了界限，讓你的心彷彿被帶到了某個地方。觀眾被邀請踏上穿越世界的神秘之旅。

第一章「旅行的『開始，開始！』」介紹了比較早期的作品，包括那些以旅行為主題的作品，以及那些以在墨西哥的經歷為靈感的作品，我以此為起點進行介紹。

入口處有一件名為《無題》 （1995）的作品，它是由一個音樂盒組成的，觀眾可以自己轉動螺絲。關於這部作品，荒木經惟在一次畫廊演講中評論道，“當一首歌正在播放時，我是抱著一邊聽著它一邊進行想像的旅程的想法來創作它的。”眾多空空的相框，預示著即將開始的旅程中美好的邂逅。

展覽就像《開始，開始》 （2003）中的帷幕一樣開始，一個故事開始了。 《白天》和《夜晚》 （1999 年）的創作理念是「如果有一個可以隨身攜帶的作品，可以放在我旅行時住的房間的床邊，或者火車窗邊的小桌子上。」創作的獨特可折疊三維作品。全部採用銅版雕刻技術製成。

以骷髏為主題的《黃色骷髏》(La calavera amarilla) (2005) 和以色彩繽紛的裝飾和彩燈迎接死者的《骷髏進行曲》(Una Marcha de los esqueletos) (2004)，您可以感受到墨西哥獨特的生死觀的影響，例如“太陽”。

《曹詩》 （2005）是一個充滿溫暖光線的夢幻場景，讓人想起燈籠。這個設計的靈感來自墨西哥窮人的濃厚生活方式，他們過去未經許可從電線桿上拉出電線，用它們來照亮自己的房屋和小吃攤，而用這些燈裝飾的街道是如此美麗，看起來非常美麗。就像星空一樣，這是一個受這個概念啟發的裝置。

天花板上懸掛著許多電源線，電源線的末端連接著看起來像房子的小盒子。不僅光的顏色不同，每個小盒子的圖案也不同，使用的物品也多種多樣，比如荒木經惟在墨西哥喝過的一盒茶、一張巴士票、一張墨西哥摔跤的傳單等。 。

混亂國家的形象來自於荒木經惟從塗滿色彩的房屋和居住在那裡的墨西哥城人民中感受到的“混亂中生存的力量”，不是嗎？

請注意，這項工作是一項參與性工作。在展覽協調員（支持觀看的志願者，綽號“Kee-jin”）的指導下，觀眾可以將小盒子連接到他們選擇的任何插座上，使它們成為城市景觀的一部分。

第二章「柔光中潛伏的黑暗」中，兩個裝置對稱排列，分別表達光明與黑暗。

荒木經惟以他小時候居住的住宅區為形象創作的《內》 （1999）中，大約100個由白色膠合板製成的盒子靠在白色的牆上，類似於住宅區中的房屋。

每個盒子都被隨機編號，觀眾從主持人那裡收到一把鑰匙，打開與編號相符的盒子門。然後，光線從裡面溢出，我們開始看到版畫中描繪的每個家庭的溫馨生活，這在統一的外表下很難想像。

在《家》牆的另一邊， 《看不見》 （2011）有著強烈的存在感，一個黑色的、不祥的物體從上方蔓延開來，彷彿將日常生活中的小幸福填滿在同一個空間裡。工作..

該作品是在2011年東日本大地震之後創作的，視覺上捕捉了當時因核電站事故而感受到的焦慮和厭惡的感覺，其中被稱為放射性物質的看不見的危險物質可能會飛來。製作。據說，這些黑色物體是用從墨西哥大量購買的黑色蘭花纖維染色，然後將它們捲成餃子，然後粘貼在一起製成的。

第三章“故事的世界，跨越國界的蝴蝶”，全面介紹了荒木經惟的“故事的世界”，可愛而又令人不安，充滿了荒木經惟的詩意。

荒木經惟畫的人物大多只是剪影，看不到他們的表情。他獨自一人在廣闊的世界裡，有時會面對一些令人恐懼的事情。你看到孤獨、自由還是對某件事的渴望嗎？當我自己和我自己神秘地重疊時，我的記憶被動搖了，不知不覺間，我的思緒似乎被吸收到了作品的世界裡。

《NeNe Sol – 最年輕的太陽》是一本以至今仍在墨西哥恰巴斯地區流傳的瑪雅太陽創造神話為基礎的圖畫書，由荒木經惟先生和版畫工作室 Leñateros Kobo 聯合製作其成員主要是土著瑪雅人。會場內展示了原型版和原始插圖。獨特的裝訂看起來像石雕，是由一位墨西哥雕塑家創作的。

2022年，荒木經惟將在東京都美術館與來自各國的孩子們一起舉辦名為「我聽到民間故事」的工作坊。孩子們體驗了用紙漿製作帳篷和蝴蝶形狀的圖畫書，也介紹了來自祖國的民間故事。會場內陳列著當時實際製作的帳篷。

荒木先生對他在墨西哥遇到的帝王蝶很感興趣，這種蝴蝶像候鳥一樣從一個國家遷徙到另一個國家過冬。這件作品的靈感顯然來自於帝王蝶將翅膀停在地面上的形象。

這部作品以川普執政期間作為移民生活在美國的荒木經惟，以及他對被圍牆封鎖而無法跨越國界的難民，以及無論怎樣都能在世界各地自由遷徙的帝王蝶的思考為基礎。的邊界。它是疊加的。

此外，由於帳篷是人們暫時停留或避難的地方，荒木透露，這件作品有「一個讓人們可以安心躲藏的地方」的意義。

在第四章「上野的地下冒險」中，我們使用了地下三層展覽室的整個空間，可以稱為博物館的「那裡」（底部），天花板高度為10米，為「上野的記憶」創造想法。我獲得的大型裝置「超越記憶」 （2023）將是本次展覽旅程的最後一部分。

在我的研究中，我了解到它成為許多歷史事件的舞台，例如日本第一個公園、博物館和動物園的誕生，關東大地震，東京大空襲，以及戰後黑市的出現。戰爭，吸引了來自各個國家和地區的人們，而荒木先生卻被他所居住的上野的混亂所吸引。

中央黑色鳥籠般的巨大物體周圍，展示著上野過去和現在的碎片圖像，包括荒木經惟本人拍攝的上野照片和描繪上野的浮世繪，一對懸掛著象徵“眼睛”的鏡子天花板上的角色使埋藏在「下面」（底部）的上野的圖像顯現出來。

該物體是「一個像籠子一樣的空心籃子，吞噬並吐出過去、未來、美麗和瑣碎。」物體的上部看起來像是被一隻大手抓著。有些柱子是彎曲的，好像它們是從內部強行推出或從外部撬開的。

對於這個形狀，荒木經惟說，「鳥籠和籠子似乎是在保護鳥兒，但同時也限制了它們，讓它們不能自由飛走，這個形狀就是從這兩個方面顯現出來的。」他解釋道。

對於這次展覽，荒木先生說：“我希望很多孩子和年輕人都能夠看到它。我希望他們能夠走進地下，有一種有點神秘的體驗，像在旅行一樣享受它。”從地面到上野「那裡」的旅程也激起了我對另一段旅程的嚮往。

一個讓人想起現代社會跨國家和地區的共同主題的展覽，例如荒木經惟感興趣的跨界、多樣性和包容性。」將舉辦至2023年10月9日。

上野《開始，開始》荒木玉名作品展

*文章內容截至報道時。請查看官方網站以了解最新資訊。

文章提供： Kokosil Ueno

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