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國立西方藝術博物館

立陶宛著名藝術家米卡洛尤斯·康斯坦丁納斯·丘爾廖尼斯（1875–1911）的大型回顧展「丘爾廖尼斯展覽：內在星圖」目前正在日本國立西洋美術館舉行。這是34年來日本舉辦的首個大型回顧展。展覽將持續至2026年6月14日（星期日）。

*所有展出的作品均出自 Mikaloyus Constantinas Čiurlionis 之手，均來自立陶宛考納斯國家藝術博物館 (MK Čiurlionis) 的收藏。

20世紀初，丘爾廖尼斯在繪畫和音樂方面都展現出非凡的才華，為現代立陶宛文化奠定了基礎。在他短暫的35年人生中，僅用了大約六年的藝術生涯，就創作了300多幅作品。

他的藝術形成於俄羅斯帝國統治時期和立陶宛民族解放運動之中，植根於獨特的立陶宛文化，並從該國豐富的自然風光、歷史和古老的民間傳說中汲取靈感。同時，他對神智學和天文學也頗感興趣，不斷深入思考人類精神世界和宇宙奧秘。他以融合象徵主義和抽象繪畫的獨特表達方式而聞名，其創新手法，特別是將音樂形式融入繪畫結構，源於他作為作曲家的敏銳感知，鞏固了他如今的藝術聲譽。

為紀念他誕辰 150 週年，立陶宛舉辦了此次展覽，展出了來自立陶宛考納斯 M. K. Čiurlionis 國家藝術博物館收藏的約 80 幅代表性繪畫、版畫和素描作品。

 展覽分為三個章節，外加序言和後記，序言介紹了丘爾廖尼斯藝術生涯的起點。

丘爾廖尼斯於1875年出生於立陶宛南部一個普通的家庭，自幼便在身為管風琴家的父親的指導下展現出音樂天賦。 1894年，18歲的他進入鄰國波蘭的華沙音樂學院學習作曲。他在那裡磨練技藝直至1901年，創作了包括其代表作交響詩《在森林裡》在內的多部音樂作品。之後，他前往德國萊比錫皇家音樂學院深造，直到1902年左右才開始認真追求他長久以來的繪畫夢想。

據說他早期的畫作強烈體現了象徵主義風格，但可惜的是，大部分作品都已遺失。 《森林中的低語》 （1904年）是他於1904年進入新成立的華沙美術學院就讀一年級時創作的一幅珍貴的倖存作品。

畫中，一隻如薄霧般朦朧的手出現在一片樹林前，樹林矗立在一片神秘幽暗的森林中。將其與前一年創作的同主題明信片進行比較，便能更清晰地看出樹木的形態如何與豎琴的琴弦交織，森林的低語如何與撥動琴弦的聲音相融合。這幅作品已強烈地體現了丘爾廖尼斯繪畫中日後將成為其標誌性特徵的音樂感性。

第一章「大自然的韻律」追溯了丘爾廖尼斯筆下的自然景象。

在華沙生活期間，丘爾廖尼斯豐富的自然環境一直是其藝術創作的靈感來源。然而，他的畫作很少描繪寫實的風景；他主要關注的是自然界的動態變化。他以抽象的、有時甚至是擬人化的方式捕捉自然界固有的韻律和循環過程，並賦予它們抒情性和象徵意義。

這些興趣最終促成了一系列以大自然為主題的作品，例如四季更迭。在他最早的系列作品《閃光》 （1906年）中，由三幅作品組成，展現了一幅奇幻的畫面：夜幕降臨，一簇光芒從灰色的煙霧中湧現，排成一列移動，最終彷彿被風引導一般，出現在一扇藍色大門前。

乍看之下，這道閃光或許會讓人聯想到螢火蟲的生物發光等自然現象。然而，對丘爾廖尼斯而言，「門」是一個至關重要的主題，它像徵著現實與幻想、可見與不可見之間的界限，或許也是通往精神維度的入口，或是靈魂的通道。考慮到這些因素，它也可以被解讀為暗示某種根本性的東西，例如精神或靈魂，透過這道門發生轉變的過程。

此外，當周圍許多畫家專注於描繪冬季寧靜而憂鬱的一面時，丘爾廖尼斯卻試圖將冬季內在的力量及其活力視覺化。在他創作的八幅系列畫作《冬季》 （1907 年）中，他始終以樹木——生命的象徵——為主要主題，在冬季自然界的種種景像中，以不同的形態描繪樹木。

該系列作品描繪了矗立在雪原中的樹木，它們被堅硬的冰塊包裹，有時呈現出生與死、希望與絕望等對比鮮明的概念，有時又像徵著燭台，暗示著神聖的啟示。隨著積雪融化，萬物復甦，所有元素——樹木、雪花等等——都簡化為由星形和矩形組成的幾何圖形，最終以一種展現冬季固有頑強生命力的方式結束了整個系列。

第二章「交響畫」終於探討了丘爾廖尼斯嘗試將繪畫和音樂融合在一起的主題。

1907年至1909年間，丘爾廖尼斯對此主題進行了深入而有系統的探索。當時，受波特萊爾、華格納和尼采思想的影響，繪畫與音樂融合的潮流在歐洲畫家中興起。然而，儘管許多畫家對透過色彩表達通感音樂感興趣，丘爾廖尼斯卻以其作曲家的獨特視角，將音樂本身的結構應用於繪畫。這正是丘爾廖尼斯在現代藝術史上佔據獨特地位的原因。

在雙聯畫《前奏曲，賦格曲》 （1908 年）中，前奏曲被用作賦格曲的引子，賦格曲是一種複調音樂形式，其中多個聲部（部分）模仿和追求一個主題。

在《序曲》中，漂浮在螢幕中央的金色船隻立刻吸引了人們的目光，但值得注意的是，螢幕右下角低著頭坐著的人影，一隻手向上指著，以及塔狀的輪廓，一直延續到《賦格》的下半部。

在接下來的「賦格」中，除了前述的主題之外，杉樹也成為了畫面的中心。乍看之下，這似乎是一幅寧靜的湖畔景象，但仔細觀察後，會發現杉樹的影像與其在水面上的倒影之間存在著不協調之處。在這裡，每個主題都遵循賦格的結構，以微妙的形式和色彩變化重複出現，並透過規模和稀疏度的變化來喚起音樂性。

正如這幅作品所示，丘爾廖尼斯摒棄了傳統的基於透視的具象空間，轉而採用多層水平分割的圖層構建圖像。然後，他借鑒了復調音樂（一種作曲技巧，例如賦格）中多條獨立旋律同時和諧進行的方式，使每一層都產生共鳴，成功地以視覺方式呈現了複調音樂的意境。

此外，丘爾廖尼斯將奏鳴曲式引入繪畫領域，一生創作了七個系列的宏大作品。本次展覽展出了其中的三幅作品： 《第三奏鳴曲（蛇奏鳴曲）》、《第五奏鳴曲（海奏鳴曲）》和《第六奏鳴曲（星奏鳴曲）》 （皆創作於1908年）。系列作品的每個樂章都以速度命名，《第五奏鳴曲（海奏鳴曲）》由三個樂章組成：快板、行板和終曲。

在由規則水平層疊構成的「快板」樂章中，大海被描繪成一首音符跳躍的樂譜，波浪、泡沫和金色的顆粒沿著海岸擴散，構成了一幅生機勃勃的旋律。在接下來的「行板」樂章中，波浪的移動變得更加舒緩。在寧靜的氛圍中，目光沉入一個水下王國，立陶宛神話的意像在那裡交織。而在「終曲」樂章中，泡沫和帆船等意象與振奮人心的波浪節奏匯聚，最終走向戲劇性的結局。

這幅作品是丘爾廖尼斯與未婚妻索菲亞在波羅的海度假勝地度過暑假時構思並創作的，有人認為其歡快的氛圍正是他個人幸福的表達。此外，有人指出，《終曲》中巨浪的意象受到了葛飾北齋《富嶽三十六景》中《神奈川衝浪裡》的影響。 （※此作品目前正在同期舉辦的「北齋：富嶽三十六景－井之內收藏展」中展出。）

大海象徵著永恆和生命的輪迴，波浪的重複本身就蘊含著音樂的韻律，這深深觸動了丘爾廖尼斯的情感，並成為他交響詩和散文詩的主題。在本章節的展覽廳中，鋼琴交響詩《大海》作為背景音樂播放，同時展出的還有《大海》的樂譜手稿。您將能夠從多個角度探索丘爾廖尼斯如何細緻地聆聽自然的存在，並將自然的旋律「轉錄」到他的作品中。

第三章「獻給立陶宛的幻想曲」著重描寫了立陶宛民族性格，同時介紹了丘爾廖尼斯成熟時期的作品。

1904-1905年日俄戰爭和第一次俄國革命爆發後，立陶宛的民族解放運動迅速發展。作為立陶宛藝術界的領導者之一，丘爾廖尼斯也投身於這場運動，創作了一系列散文集，這些散文集既是立陶宛文化的精神宣言，也是立陶宛民歌集的插圖。其核心理念是，重新審視地方民間傳說、民歌和手工藝——這些都是民族文化的重要組成部分——對於重塑失去的民族認同和建構獨特的立陶宛藝術風格至關重要。

另一方面，民族文化也為丘爾廖尼斯的創作提供了豐富的靈感來源。例如，出現在《立陶宛公墓》 （1909年）的十字架是該國的代表性圖案之一，體現了立陶宛人民對獨立的渴望。

在這幅作品中，天空以蛋彩畫特有的半透明藍綠色調為基礎，閃耀著北斗七星的光芒，象徵著靈魂的指引之光；十字架的輪廓則有節奏地排列在地面上。這些十字架融合了立陶宛傳統的自然崇拜和祖先崇拜，以及14世紀被確立為國教的基督教的象徵符號，其設計獨特的匠心，並飾以豐富的植物、動物和天體圖案。

十字架逐漸融入民間信仰，被豎立在各處——墓地、路邊、農田——成為一種祈禱和紀念的象徵，其意義遠不止於悼念逝者，也包括祈求旅途平安和五穀豐登。也因為如此，它也成為了俄羅斯帝國同化政策下鎮壓的目標。

《騎士前奏曲》 （1909）更莊嚴地宣告了民族復興。丘爾廖尼斯很少描繪具體的風景，但在這幅畫中，他巧妙地融入了立陶宛首都維爾紐斯的元素。畫中勇敢馳騁於城市之上的透明騎士（維蒂斯）象徵著民族的獨立與榮耀，也是14世紀至18世紀末立陶宛大公國的國徽。

此外，從 1907 年開始，丘爾廖尼斯創立了他自己獨特的繪畫流派——“童話”，發展出將民間故事、神話和普遍敘事結構與他自己的願景融合在一起的原型圖像。

奇幻世界、國王與公主、騎士、旅程和道路是這類作品的典型元素， 《童話（國王的童話）》 （1909 年）正是以國王為主題的作品。故事發生在一片籠罩在黑暗中的森林裡，兩位國王凝視著一座閃耀的穹頂，穹頂內展現立陶宛美麗的自然風光和鄉村景色。他們既體現了世界的二元性，也如同守護者一般，從外在世界俯瞰著小小的立陶宛。

從丘爾廖尼斯藝術生涯的早期開始，「國王」一直是其重要的主題之一。在本次展覽的尾聲部分，展出的傑作《雷克斯（國王）》將國王作為統治世界的超凡存在形象確立。

另一方面，丘爾廖尼斯接觸到了當時的國際知識潮流，如神智學和天文學，這加深了他對人類精神世界和宇宙奧秘的思考。

這幅名為《祭壇畫》 （1909年）的作品首次在日本展出，是丘爾廖尼斯的傑作，充滿了宇宙般的視野和獨特的鳥瞰式空間表現。巨大的階梯式祭壇兩側描繪著騎士和天使等圖案，這些圖案對丘爾廖尼斯都具有像徵意義。它們錯綜複雜的交織構成了一部宏偉史詩般的畫面，從下至上層層遞進。同時，階梯本身象徵著人類精神不斷提升的各個階段，而階梯的數量則被認為與將宇宙和人類結構劃分為七個階段的神智學理論相對應。

展覽以《雷克斯（國王）》 （1909）的尾聲收尾。這幅傑作最全面地展現了丘爾廖尼斯的思想和形式探索，也是他尺寸最大的畫作。在一幅以優美的單色光影交織而成的畫布上，構成世界的四大元素——火、水、土、氣——都被濃縮其中。在如同宏大交響詩般錯綜複雜的結構之下，無數星辰、天使、樹木等圖案反覆出現，而一位雙層半透明的國王端坐於大地之上，彷彿垂直刺穿宇宙。

在這部至今仍充滿神秘色彩的作品中，丘爾廖尼斯將他吸收的各種思想——包括立陶宛本土的自然崇拜、印度教、埃及神話、神智學、天文學和自然科學——融合到一個單一的敘事體系中，創造了一個與基督教上帝截然不同的全新故事。兩位國王雖然展現了二元論的原則，但他們被描繪的不僅是世界的統治者，而是與自然和宇宙融為一體的泛神論存在。

這幅作品創作於丘爾廖尼斯為尋求繪畫事業更上一層樓而將創作活動拓展至聖彼得堡的時期。正如他所願，這幅作品受到了俄羅斯藝術界領導者亞歷山大·貝努瓦的高度讚揚。然而，丘爾廖尼斯對此毫不知情。由於創作的艱辛和精神壓力，他的身心健康逐漸惡化。 1911年4月10日，他因肺炎去世，享年35歲。

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丘爾廖尼斯是一位獨具特色的藝術家，他以精湛的技藝描繪了音樂與繪畫、立陶宛民族認同，以及對人類心靈和宇宙奧秘的思考。自2000年以來，他的作品在歐洲各地舉辦，人們對他獨特藝術世界的重新審視也日益升溫。歡迎蒞臨展館，欣賞他的作品。

「丘爾廖尼斯展覽：內星圖」概要

*本文資訊截至發稿時有效。請造訪展覽官方網站以獲取最新資訊。

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國立自然科學博物館

近年來，以戰斗形式介紹和討論動物、恐龍和神話生物實力的所謂「戰鬥百科全書」非常流行。 「世界上最強壯的動物是什麼？」「當然是非洲象。」「不對，河馬也很強壯。」這類討論趣味十足，能夠激發好奇的孩子和成年人的興趣。

強大的力量、鋒利的獠牙、致命的毒液、電擊——這些危險生物擁有人類無法匹敵的驚人能力。這些能力可以稱之為“終極技巧”，是它們在進化過程中為了捕獵和自衛而獲得的。

聚焦於此類致命技藝，目前正在東京上野國立科學博物館舉辦的特展「超級危險生物展：科學探索生命真正的力量」正在展出，展覽從科學的角度探討了危險生物驚人的生態習性以及常見生物隱藏的危險。它或許能為「最強者」之爭提供新的視野。 （展覽持續至2026年6月14日）

該場館的設計理念是「探索危險生物驚人能力的禁忌實驗室」。它沒有採用現有的分類方法，而是根據危險生物的標誌性動作將其分為八類。展覽運用多種方式呈現這些生物，包括珍貴的標本、先進的電腦生成圖像、教學模型以及令人印象深刻的紀錄片片段。

■展覽構成
區域 A：“使用近戰攻擊的危險生物”
實驗室 1. 強力戰鬥機類型
實驗室 2. 致命咬傷類型
實驗室 3. 武裝型
實驗 4. 大型集群類型

B區：“擁有特殊攻擊能力的危險生物”
實驗室5.劇毒型
實驗六：化學攻擊類型
實驗7. 電擊類型
實驗室 8. 吸血鬼類型

基本上，每個展區都展示了每種寶可夢的一個特殊招式，而且顯然，每個招式的名稱都是由負責該展區的策展人專門為本次展覽創作的。從酷炫到讓人忍不住想大聲念出來的招式名稱，再到雙關語，甚至還有一些直白得過分的，策展人的個性都展現得淋漓盡致。

值得一提的是，還有一些展覽會吸引孩子們，例如“動物報紙：極其危險生物的案例檔案”，它以報紙的形式呈現了國內外涉及危險生物的真實事件，以及按類型分類的卡片遊戲風格的圖標。

「力量戰士」展區尤其令人印象深刻。展品包括非洲象、綠水蟒和食火雞，這些動物體型龐大、力量驚人，無需任何花招就能構成強大的威脅。

例如，非洲象能用一種名為「鼻子炸彈」的簡單卻威力十足的招式，只需輕輕甩動象鼻，就能造成毀滅性的打擊。象鼻是這招式的關鍵，長度可達2米，重達150公斤，其獨特之處在於它沒有骨骼，完全由肌肉構成。象鼻由大約9萬根肌纖維組成，與人體肌纖維的數量相當，這使得它能夠進行複雜的收縮和伸展。此外，據說象鼻的硬度和形狀可以透過調節內部液體的壓力來自由改變，類似於液壓系統。因此，它們不僅擁有強大的力量，還具備靈巧的技巧，例如能夠撿起雞蛋。

下一個展品是一隻巨大的南方像海豹標本，體型堪比非洲象。雖然許多人可能認為海豹是悠閒、圓潤、溫順的動物，但雄性南方像海豹體型驚人，身長可達5米，體重可達3噸。

即使被鯊魚或虎鯨咬傷，像海豹有時也能憑藉厚達10厘米的皮下脂肪層阻擋牙齒並再生皮膚，從而存活下來，展現了它們驚人的生存能力。這裡播放的紀錄片片段記錄了一隻南方像海豹闖入城市，試圖用其致命的「身體擠壓」動作（同時爬行）壓扁一輛汽車的場景，讓你真切感受到它們構成的威脅。

本次展覽的另一個吸引人之處在於，它以「虎鯨大戰大白鯊：誰才是海洋中最強大的？」為主題，展館內各處陳列的展柱提供了各種信息，幫助您就「力量」這一主題做出明智的決定。

例如，在「致命一擊」展覽中，我們展示了擅長咬人的危險生物，不僅解釋了牙齒的結構（牙齒表面覆蓋著琺瑯質，這是生物體中最堅硬的組織），還解釋了咬合力，即「咬合力」。

在比較食肉動物的咬合力商數（BFQ，一種用於比較相對咬合力且與體型無關的指標）時，我們發現了一個有趣的結果：體重約100克的小型鼬科動物——小鼬（164）的咬合力商數顯著高於獅子（123）和斑鬣狗（99.6）。此外，大貓熊（151）——一種既是食肉動物又是食草動物——的咬合力商數也很高，這表明體型較小或以草食為主的動物的咬合力不容小覷。

鼬科動物都是極其兇猛的獵手，它們以鋒利的犬齒捕殺體型比自己大的獵物而聞名，例如伶鼬和狼獾。尤其是蜜獾，這種生活在非洲大陸上體型最大的鼬科動物，據說它無所畏懼地與體重超過自身十倍的獅子搏鬥，其頑強的戰鬥精神令人嘆為觀止。

蜜獾的招牌絕技（能力）並非撕咬，而是「堅不可摧的身體和抗毒能力」。令人驚訝的是，它厚實而富有彈性的皮膚使其能夠抵禦動物撕咬、豪豬刺傷和蜜蜂蜇傷，甚至連眼鏡蛇等毒蛇的攻擊也能抵抗。可以說，它是一位攻守兼備、生存能力極強的均衡型戰士。

此外，「致命一擊」展覽首次在日本公開展示了世界上最大的鹹水鱷「羅龍」的等身複製品，這隻鱷魚身長超過 6 公尺。

由於曾發生多起致命事件，鹹水鱷有時被稱為“食人鱷”，一直以來都是人們關注的焦點。其中，洛龍（Lolong）保持著金氏世界紀錄「圈養最大鱷魚」的稱號，其體長驚人，達6.17米，體重1075公斤。展覽現場展出了一尊根據菲律賓採集的洛龍數據掃描結果忠實複製而成的等比例模型。它龐大的體型讓人不禁相信當年需要100人才能將其從海裡拖出來的壯舉。另一個亮點是「死亡翻滾」的影片講解，鱷魚咬住獵物後，會在水下扭動龐大的身軀將其撕成碎片。

在眾多以「蜂群」為主題、成群結隊構成威脅的生物展區中，例如蚱蜢和食人魚，行軍蟻展區絕對不容錯過。

行軍蟻棲息於東南亞和非洲，以其數千萬隻螞蟻組成的龐大蟻群而聞名，它們會吞噬周圍的獵物，然後再繼續行進。它們攻擊和殺死的不僅是小型蜥蜴和蚱蜢；據報道，它們甚至會攻擊幼羊，以及因病無法行動的老人。它們強大的捕食能力足以令人不寒而慄。

蟻後作為蟻群的核心，長期以來被視為一種難以捉摸、近乎神話般的生物，儘管日本和海外的研究人員進行了多年的研究，但仍然難以證實它的存在。然而，九州大學博物館副教授、本次展覽的負責人之一丸山宗俊，以及昆蟲探險家兼攝影師島田拓，在肯尼亞共和國進行研究期間，成功捕捉到了一隻蟻後，並將其拍攝下來。其中一件珍貴的蟻後標本，將在本次展覽中首次在日本展出。

下半場的 B 區「特殊攻擊危險生物」非常精彩，因為有各種棘手的特殊招式。

展覽以「劇毒」部分開篇，分析了黃蜂、幼年巨蜥和藍環章魚等多種生物的毒素。緊隨其後的是「化學攻擊」部分，展示了一些奇特的特殊攻擊手段，例如條紋臭鼬的強力毒液、100攝氏度高溫氣體以及自毀防禦機制。 「電擊」部分探索了電鰻等生物的發電機制，它們可以產生高達850伏特的電壓。最後，「吸血」部分聚焦於吸血蝙蝠和蜱蟲等吸血生物，並簡要介紹了傳染病的危害。

B區棲息著許多外型可能令人感到生理不適的生物，例如狼蛛和巨型蜈蚣，因此膽小者請謹慎前往。如果您不介意這些，請務必花時間仔細觀察它們的外形。

在專門介紹蝎子的章節中，你會看到「劇毒」蝎子的典型例子－死亡潛行者（意為「走向死亡的蝎子」）。這種中等體型、身形纖細的蝎子擁有蝎子界最強效的神經毒素之一。旁邊還有帝王蠍，儘管外表威猛，但其毒液卻出奇地弱，通常只會造成類似蜜蜂蜇傷的疼痛。關於蠍毒，一個有趣的現像是“爪子越小，毒液越強；反之，爪子越大，毒液越弱”，這清楚地表明了“危險程度並非總是如表面看起來那樣”。

說到徒有其表的生物，被描述為「劇毒」的太陽蜘蛛就是一個典型的例子。它被譽為「僅憑第一印象就足以令人膽寒的節肢動物王國生物之一」。它巨大的螯肢確實令人印象深刻，但除此之外，它並無其他真正的威脅。儘管它看起來像是要衝向人類，但實際上它只是在尋找陰涼處躲避它不喜歡的陽光，而且它相當膽小。它既沒有毒液也沒有毒刺，所以它出現在這個展覽中的原因令人費解，但這正是它的魅力所在。它基於外表所展現的「危險性」與本次展覽的主要展品不相上下。

另一個亮點是利用最新技術製作的透明標本，用於展示「電擊」型電鰻、電鯰和電鰩。

透明標本是一種透過化學處理使生物標本透明化的方法，因此無需解剖即可觀察其內部結構。傳統方法需要使用強化學試劑溶解肌肉和內臟器官，這使得骨骼以外的其他結構難以觀察。然而，近年來，無需使用強化學試劑即可觀察標本內細胞和基因的透明化技術相繼問世。本次展覽也採用了其中一種技術——CUBIC方法的改良版本，使得以往難以觀察的發電器官的三維結構得以呈現。

本次展覽聚焦於生物的致命攻擊手段，旨在從科學的角度揭示其奇妙的生態機制以及人們熟知生物所隱藏的危險。然而，從展覽總負責人、國立科學博物館動物學部的川田真一郎的評論來看，展覽策劃的背後似乎隱藏著一個願望，那就是基於科學認知來傳達「正確恐懼」的重要性。

川田警官警告人們要警惕大眾媒體對危險生物的誇大渲染，以及充斥著虛假圖片和影片的網路所建構的現代社會。人類不僅對擁有自身所缺乏能力的生物感到恐懼，也對其充滿敬佩，渴望了解更多、模仿甚至超越他們。這種求知欲大大推動了科學的發展，從解剖學到尖端生物化學和遺傳學，無不反映科學的進步。此外，他還強調，危險生物的能力是“科學知識的寶庫”，其中許多知識可以用於開發我們生活必需的材料和技術。

當你參觀這個展覽時，你會逐漸意識到，懂得「適當地恐懼」是人類生存的一種策略，它將引領我們走向更美好的明天。

在展覽開幕前的媒體預覽會上，擔任本次展覽大使和語音導覽解說員的喜劇二人組麒麟成員川島彰亮相。

談到對展覽的印象，他評論道：“這裡有很多具有全球價值的展品，而且每個區域都像一個實驗室，讓人感覺身臨其境。越往裡走，我越沉浸其中，感覺自己就像是研究團隊的一員。”他說，最令人印象深刻的危險動物是長頸鹿，並說道：“它們是食草動物，從它們的外表來看，我覺得它們溫順可愛，但看了視頻後，我才知道它們會用脖子攻擊，這種攻擊力足以用脖子殺死一個人。我之前隨口說‘是長頸鹿’，現在想想觀眾真是太失策了。” 這話引得太大聲了。”

最後，他們以以下方式宣傳了此次展覽：
「展覽中有一個展品展示，蝎子的毒液越弱，它的爪子就越大。這告訴我們，越是弱小的人，越容易裝出一副勇敢的樣子去挑釁——這是人類的普遍特徵。看完展覽後，你可以重新思考自己的優勢是什麼。你可能會發現，你的優勢是一顆充滿同情心的心，或者你可以重新思考自己的優勢是什麼。你可能會發現，你的優勢是一顆充滿同情心的心，或者是一種優先考慮你的展覽是一種精彩的展覽。

「極度危險生物展：科學應對生物面臨的嚴峻挑戰」特展將持續至2026年6月14日。

特別展覽「極端危險生物展：科學應對生命面臨的嚴峻挑戰」概述

場地	國立自然科學博物館
展覽期	2026年3月14日（星期六）至6月14日（星期日）
營業時間	上午 9:00 – 下午 5:00（下午 4:30 停止入場）
夜間營業	從 4 月 25 日（星期六）至 5 月 6 日（星期三，假日），博物館將開放至下午 6:00（最後入場時間為下午 5:30）。
休息日	5月7日星期一（星期四） *但是，博物館將於 4 月 27 日（星期一）、5 月 4 日（星期一/國慶日）和 6 月 8 日（星期一）開放。
價格（含稅）	一般門票/大學生：2,300日圓；小學生/國中生/高中生：600日圓（當日售票）
主辦單位	國立科學博物館、TBS電視台、TBS Growdia、朝日新聞
詢問	050-5541-8600（Hello Dial），03-5814-9898（傳真）
營運商官方網站	https://chokikenseibutsuten.jp/

*請注意，展覽期間、開放時間和閉館日期可能會有所變更。
*請注意，此資訊可能並非最新資訊。詳情請查看展覽官方網站。

 

文章提供： Cocosil Ueno

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東京都美術館

東京都美術館將舉辦日本首個瑞典黃金時代繪畫作品展，近年來，瑞典繪畫作品在全球備受矚目。這次名為「瑞典繪畫：北歐之光，日常光輝」的展覽，為紀念東京都美術館開館100週年，將於2026年1月27日（星期二）至2026年4月12日（星期日）舉行。

*所有展出的作品均來自瑞典國家博物館的藏品。

海岸線遍佈礁石，森林雄偉壯麗，湖泊星羅棋布，冬季白雪皚皚，盛夏慶典和悠閒的生活方式是傳統文化的典範。我們今天所理解的“瑞典性”，是由瑞典畫家在19世紀80年代至1915年左右重新發現的，這段時期被稱為瑞典藝術的黃金時代。本次展覽在瑞典國家博物館的全力支持下，透過約80幅畫作，有系統地展現了瑞典藝術在這黃金時代的發展歷程，並探索了北歐人與自然和諧共處、享受充實生活的獨特理念。

展覽分為六個章節。第一章「瑞典現代繪畫的曙光」以尼爾斯·布洛馬爾為開篇，據說他是第一位以北歐神話和民間傳說為主題的畫家，旨在建立一種獨特的瑞典藝術形式。

瑞典是第一個在北歐國家建立皇家繪畫學院（後來更名為皇家美術學院）的國家，該學院成立於1735年。瑞典的傳統藝術教育以法國為藍本，並鼓勵瑞典的歷史和神話作為重要的研究主題。然而到了19世紀中期，瑞典深受當時在法國和德國興起的浪漫主義思潮的影響。尤其是在風景畫領域，德國杜塞爾多夫畫家的作品被視為典範。這些畫家以細緻入微的觀察為基礎，生動地描繪了自然界的雄偉壯麗和壯闊景象，許多北歐畫家，包括瑞典畫家，都慕名前往杜塞爾多夫，尋求藝術的熏陶。

這一趨勢與1850年在斯德哥爾摩舉辦的北歐藝術展密切相關。曾在杜塞爾多夫畫派學習的挪威畫家在展覽上展出了描繪挪威農民生活和峽灣壯麗景色的作品。在瑞典畫家看來，這些作品雖然披著創新的外來風格外衣，卻深深紮根於斯堪的納維亞的真實世界，這激發了他們在本國創造一種全新的本土藝術形式的渴望。

19世紀70年代末，一些年輕的瑞典畫家對學院陳舊的教學方法感到不滿，於是前往巴黎尋求新的表達方式、價值觀和藝術指導。當時，印象派等顛覆傳統藝術價值的新興藝術形式在巴黎蓬勃發展，但許多瑞典畫家選擇回歸寫實主義和自然主義，力求捕捉人物和自然最自然的狀態。

在第二章「走向巴黎：邂逅現代法國繪畫」中介紹的雨果·薩爾姆松（1843-1894）是最早赴法國學習的瑞典畫家之一。他深受巴比松畫派的影響，該畫派以描繪農民勞作的場景為主題，同時也深受朱爾斯·巴斯蒂安-勒帕熱和朱爾斯·布雷頓的寫實主義繪畫的影響。從《拾穗者》這幅畫中，我們可以看出他們的影響不僅體現在題材上，也體現在描繪自然時所採用的即興、粗獷的筆觸上。

另一位在巴黎期間接觸到戶外寫生運動並形成明亮清新色彩和光線風格的畫家是阿諾德·約瑟夫森（1851-1906）。 1885年，一群以約瑟夫森為首的年輕藝術家向過時的皇家美術學院遞交了一份聲明，呼籲改革。這些選擇脫離學院的藝術家被稱為「叛逆者」（Oponentena），並從19世紀90年代起引領了瑞典繪畫的發展方向。

第三章「格雷茲-蘇爾-盧萬的藝術家村」介紹了斯堪的納維亞藝術家在法國各地建立藝術聚落（社群）的情況，他們開始重視戶外藝術。 19世紀80年代，瑞典畫家們的創作基地之一是位於巴黎東南方70公里處的小村莊格雷茲-蘇爾-盧萬。他們在這裡度過夏天，描繪農民的日常生活和盧萬河沿岸的田園風光。

瑞典民族畫家卡爾·拉爾森（1853-1919）在默默無聞時也搬到了同一地區，在那裡他接觸到了水彩畫，並在充滿耀眼光芒的輕鬆愉快的風景畫中找到了新的表達方向。

19 世紀 80 年代末，許多曾在法國工作的瑞典畫家回到家鄉，致力於創作具有鮮明瑞典特色的藝術，以展現他們的民族認同感。

第 4 章“日常生活中的光輝——過著‘瑞典式’的生活”，收錄了藝術家們的作品，他們從嚴酷而豐富的自然、自己的家庭、親密的朋友或日常生活中隱藏的轉瞬即逝的快樂中找到了主題，並以親密和充滿情感的表達方式描繪了它們。

拉爾森尤其塑造了「瑞典生活」的形象。他和妻子卡琳（也是一位畫家）以及他們的七個孩子住在達拉納省中部松德博恩鎮的鄉村小鎮利拉希特內斯，這是一棟兩層樓的房子。為了滿足家庭的需求，房子經過多次翻修。受當時在英國流行的工藝美術運動的影響，他巧妙地將不同時期和風格的家具融合在一起，並用卡琳親自設計的紡織品和刺繡裝飾室內。他滿懷熱情地打造了他理想中的家，一件完整的生活藝術品。

在當時的瑞典社會，一種理念正在傳播：一個簡約舒適、充滿匠人巧手打造的「真正美好的事物」的居住環境，能夠培養人們的審美情趣，並最終創造一個更美好的社會。正是在這種文化背景下，拉爾森於1899年出版了《居所》（Ett hem），這是一本水彩畫集，描繪了他自家住宅的室內裝飾、生機勃勃、無憂無慮的生活場景以及四季更迭的景象。這本畫集後來被廣泛認為是理想家園的象徵，代表了「瑞典性」。

儘管《家》展覽包含24幅水彩畫，但為了保護這些藝術品，東京、山口和名古屋的每個展館僅展出一幅原作。取而代之的是，另外九幅水彩畫將透過特別製作的影片內容進行展示，在大螢幕上傳遞「莉拉·希特尼斯」溫馨的氛圍。

安德斯·索恩（1860-1920）是拉爾森的朋友，也是瑞典最早享譽國際的畫家之一。他從巴黎返回瑞典後，定居在家鄉達拉納省的莫拉鎮。達拉納省歷史悠久，傳統深厚，索恩經常以達拉納的民間文化為創作主題，例如當地的傳統音樂和服飾，這些文化在現代化的浪潮中正逐漸消逝。他筆觸迅疾，生動地捕捉光影變幻的瞬間，其作品《科爾-瑪吉特編織》至今仍是瑞典最受喜愛、複製次數最多的畫作之一。

同時，第五章「超越現實：描繪不可見的世界」重點關注那些對超越現實的不可見世界感興趣的畫家，例如將北歐神話與他們自己的精神世界和民族主義聯繫起來，以及將民間傳說視覺化。

喬恩·鮑爾（1882-1918）以其為瑞典童話集《布蘭德·托姆塔爾和巨魔》（Bland tomtar och troll）所作的插圖而聞名，是一位深受喜愛的巨魔和森林插畫家，他以北歐民間故事為藍本，描繪了充滿奇幻色彩的世界，其中不乏巨魔和森林插畫家。他筆下光線昏暗、色彩柔和、彷彿擁有自己意志的森林，以及那些既詭異又略帶憂鬱和幽默的巨魔形象，都喚起了人們對自然的神秘感和敬畏之情。

奧古斯特·斯特林堡（1849-1912）是一位特別獨特的人物，他是瑞典19世紀最重要的劇作家和作家。斯特林堡自學成才，一生中只有很短一段時間專注於繪畫，而這段時期恰逢他精神狀態不穩定，包括劇作創作的低谷、家庭不和，以及對神秘學和化學實驗的興趣。他用畫刀創作的風景畫直接觸動觀者的心靈，甚至觸動了他自身的精神狀態。他獨特的風格充分利用了創作過程中潛意識湧現的偶然性和意象。

第六章「與大自然同行：瑞典新繪畫的誕生」是本次展覽的亮點。瑞典曾被認為是一個「無畫可畫」的國家，但從19世紀90年代起，畫家們開始「發現」瑞典獨特的自然美景，例如茂密的森林和湖泊、嶙峋的海岸線以及白雪皚皚的冬季景色，並開始探索描繪這些美景的合適方式。

例如，古斯塔夫·菲耶斯塔德（1868-1948）是一位定居於瑞典中西部韋姆蘭省拉肯湖畔的畫家，他一生都在創作冬季風景畫。他的作品《冬日月光》以其飽滿而富有裝飾性的筆觸描繪了覆蓋地面和針葉樹的蓬鬆圓潤的積雪。他獨特的點彩畫法，透過有節奏地疊加細小的點和線，營造出渾然一體的畫面效果，賦予了雪景一種神秘而寧靜的氛圍，這正是菲耶斯塔德的標誌性風格。

這時期的風景畫尤其註重探索主題和技法，更強調透過風景來表達情感和氛圍。柔和細膩的黃昏和黎明光線完美地詮釋了這一點，取代了19世紀80年代作品中常見的耀眼陽光。夏夜漫長的暮色和籠罩夜空的藍色光芒，賦予畫面一種詩意的氛圍，照亮了瑞典豐富的自然景觀。這種後來被稱為「民族浪漫主義」的藝術潮流，催生了其他國家藝術中鮮見的、獨具特色的瑞典繪畫。

尼爾斯·克魯格（1858-1930）自巴黎時期起便對馬匹在各種工作環境中的表現抱有濃厚的興趣。即使回到瑞典後，他仍然繼續描繪在家鄉卡爾馬附近的烏蘭島上，馬匹、牛群和其他牲畜悠閒吃草的場景。晚年深受梵谷影響的克魯格，其畫作《夜幕降臨》生動地捕捉了黃昏的氛圍和光線，畫面一半被藍色的光芒籠罩，筆觸短促有力，頗具梵高的風格。仔細觀察，你會發現這藍色的光芒不僅籠罩著天空，也傾瀉在吃草的馬匹和大地上，在原本平凡的風景中營造出一種宏偉而奇幻的氛圍。

此外，本次展覽的語音導覽（需付費）首次在博物館的特色導覽中加入了「慢賞」環節。這種觀賞方式也應用於國立博物館的教育計畫中，讓參觀者透過仔細觀察每一件作品並提出問題，更深入地欣賞藝術作品。參觀時，請務必體驗。

「東京都美術館百年紀念展：瑞典繪畫：北歐之光，日常光輝」概覽

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