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東京都美術館

荒木玉名是一位持續從事從版畫到裝置等廣泛表現活動的紐約藝術家，他的首次回顧展將在東京上野的東京都美術館舉行。展覽期限至2023年10月9日。

荒木玉名（1970-）1991年從武藏野美術大學短期大學畢業後留學墨西哥，對「光明與黑暗」、「生與死」共存的獨特文化著迷。此後，他在墨西哥多次停留期間，透過多種表現形式創作出具有獨特世界觀的作品，其中包括在當地學習的銅版畫、三維作品、裝置、動畫等技法。

2012年，她將活動基地遷至紐約，邁出了有意識地以移民身份生活的新一步，近年來她對“跨越國界”、“多樣性”等主題感興趣。 “包容。”

本次展覽是荒木經惟的首次回顧展。從早期作品到新作品，從手掌大小的三維作品到佔據整個樓層的大型裝置，約120件品種多樣，《記憶的那裡》（2023年/首次展出）在這次展覽中），受到「上野的回憶」的啟發。正在發展豐富的作品集。

展覽由四個章節組成。荒木經惟作品的魅力在於其主題和表現方式能夠喚起人們的生活和故事，給人一種親切和懷舊的感覺，同時在日常和非凡之間建立了界限，讓你的心彷彿被帶到了某個地方。觀眾被邀請踏上穿越世界的神秘之旅。

第一章「旅行的『開始，開始！』」介紹了比較早期的作品，包括那些以旅行為主題的作品，以及那些以在墨西哥的經歷為靈感的作品，我以此為起點進行介紹。

入口處有一件名為《無題》 （1995）的作品，它是由一個音樂盒組成的，觀眾可以自己轉動螺絲。關於這部作品，荒木經惟在一次畫廊演講中評論道，“當一首歌正在播放時，我是抱著一邊聽著它一邊進行想像的旅程的想法來創作它的。”眾多空空的相框，預示著即將開始的旅程中美好的邂逅。

展覽就像《開始，開始》 （2003）中的帷幕一樣開始，一個故事開始了。 《白天》和《夜晚》 （1999 年）的創作理念是「如果有一個可以隨身攜帶的作品，可以放在我旅行時住的房間的床邊，或者火車窗邊的小桌子上。」創作的獨特可折疊三維作品。全部採用銅版雕刻技術製成。

以骷髏為主題的《黃色骷髏》(La calavera amarilla) (2005) 和以色彩繽紛的裝飾和彩燈迎接死者的《骷髏進行曲》(Una Marcha de los esqueletos) (2004)，您可以感受到墨西哥獨特的生死觀的影響，例如“太陽”。

《曹詩》 （2005）是一個充滿溫暖光線的夢幻場景，讓人想起燈籠。這個設計的靈感來自墨西哥窮人的濃厚生活方式，他們過去未經許可從電線桿上拉出電線，用它們來照亮自己的房屋和小吃攤，而用這些燈裝飾的街道是如此美麗，看起來非常美麗。就像星空一樣，這是一個受這個概念啟發的裝置。

天花板上懸掛著許多電源線，電源線的末端連接著看起來像房子的小盒子。不僅光的顏色不同，每個小盒子的圖案也不同，使用的物品也多種多樣，比如荒木經惟在墨西哥喝過的一盒茶、一張巴士票、一張墨西哥摔跤的傳單等。 。

混亂國家的形象來自於荒木經惟從塗滿色彩的房屋和居住在那裡的墨西哥城人民中感受到的“混亂中生存的力量”，不是嗎？

請注意，這項工作是一項參與性工作。在展覽協調員（支持觀看的志願者，綽號“Kee-jin”）的指導下，觀眾可以將小盒子連接到他們選擇的任何插座上，使它們成為城市景觀的一部分。

第二章「柔光中潛伏的黑暗」中，兩個裝置對稱排列，分別表達光明與黑暗。

荒木經惟以他小時候居住的住宅區為形象創作的《內》 （1999）中，大約100個由白色膠合板製成的盒子靠在白色的牆上，類似於住宅區中的房屋。

每個盒子都被隨機編號，觀眾從主持人那裡收到一把鑰匙，打開與編號相符的盒子門。然後，光線從裡面溢出，我們開始看到版畫中描繪的每個家庭的溫馨生活，這在統一的外表下很難想像。

在《家》牆的另一邊， 《看不見》 （2011）有著強烈的存在感，一個黑色的、不祥的物體從上方蔓延開來，彷彿將日常生活中的小幸福填滿在同一個空間裡。工作..

該作品是在2011年東日本大地震之後創作的，視覺上捕捉了當時因核電站事故而感受到的焦慮和厭惡的感覺，其中被稱為放射性物質的看不見的危險物質可能會飛來。製作。據說，這些黑色物體是用從墨西哥大量購買的黑色蘭花纖維染色，然後將它們捲成餃子，然後粘貼在一起製成的。

第三章“故事的世界，跨越國界的蝴蝶”，全面介紹了荒木經惟的“故事的世界”，可愛而又令人不安，充滿了荒木經惟的詩意。

荒木經惟畫的人物大多只是剪影，看不到他們的表情。他獨自一人在廣闊的世界裡，有時會面對一些令人恐懼的事情。你看到孤獨、自由還是對某件事的渴望嗎？當我自己和我自己神秘地重疊時，我的記憶被動搖了，不知不覺間，我的思緒似乎被吸收到了作品的世界裡。

《NeNe Sol – 最年輕的太陽》是一本以至今仍在墨西哥恰巴斯地區流傳的瑪雅太陽創造神話為基礎的圖畫書，由荒木經惟先生和版畫工作室 Leñateros Kobo 聯合製作其成員主要是土著瑪雅人。會場內展示了原型版和原始插圖。獨特的裝訂看起來像石雕，是由一位墨西哥雕塑家創作的。

2022年，荒木經惟將在東京都美術館與來自各國的孩子們一起舉辦名為「我聽到民間故事」的工作坊。孩子們體驗了用紙漿製作帳篷和蝴蝶形狀的圖畫書，也介紹了來自祖國的民間故事。會場內陳列著當時實際製作的帳篷。

荒木先生對他在墨西哥遇到的帝王蝶很感興趣，這種蝴蝶像候鳥一樣從一個國家遷徙到另一個國家過冬。這件作品的靈感顯然來自於帝王蝶將翅膀停在地面上的形象。

這部作品以川普執政期間作為移民生活在美國的荒木經惟，以及他對被圍牆封鎖而無法跨越國界的難民，以及無論怎樣都能在世界各地自由遷徙的帝王蝶的思考為基礎。的邊界。它是疊加的。

此外，由於帳篷是人們暫時停留或避難的地方，荒木透露，這件作品有「一個讓人們可以安心躲藏的地方」的意義。

在第四章「上野的地下冒險」中，我們使用了地下三層展覽室的整個空間，可以稱為博物館的「那裡」（底部），天花板高度為10米，為「上野的記憶」創造想法。我獲得的大型裝置「超越記憶」 （2023）將是本次展覽旅程的最後一部分。

在我的研究中，我了解到它成為許多歷史事件的舞台，例如日本第一個公園、博物館和動物園的誕生，關東大地震，東京大空襲，以及戰後黑市的出現。戰爭，吸引了來自各個國家和地區的人們，而荒木先生卻被他所居住的上野的混亂所吸引。

中央黑色鳥籠般的巨大物體周圍，展示著上野過去和現在的碎片圖像，包括荒木經惟本人拍攝的上野照片和描繪上野的浮世繪，一對懸掛著象徵“眼睛”的鏡子天花板上的角色使埋藏在「下面」（底部）的上野的圖像顯現出來。

該物體是「一個像籠子一樣的空心籃子，吞噬並吐出過去、未來、美麗和瑣碎。」物體的上部看起來像是被一隻大手抓著。有些柱子是彎曲的，好像它們是從內部強行推出或從外部撬開的。

對於這個形狀，荒木經惟說，「鳥籠和籠子似乎是在保護鳥兒，但同時也限制了它們，讓它們不能自由飛走，這個形狀就是從這兩個方面顯現出來的。」他解釋道。

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對於這次展覽，荒木先生說：“我希望很多孩子和年輕人都能夠看到它。我希望他們能夠走進地下，有一種有點神秘的體驗，像在旅行一樣享受它。”從地面到上野「那裡」的旅程也激起了我對另一段旅程的嚮往。

一個讓人想起現代社會跨國家和地區的共同主題的展覽，例如荒木經惟感興趣的跨界、多樣性和包容性。」將舉辦至2023年10月9日。

上野《開始，開始》荒木玉名作品展

時期	2023年7月22日（星期六）～2023年10月9日（星期一·假日）
場地	東京都美術館 A、B、C 展廳
營業時間	9:30-17:30、週五 9:30-20:00（最後入場時間為閉館前 30 分鐘）
休息日	9月19日星期一（星期二） *但是，辦公室將於9月18日（週一/假日）和10月9日（週一/假日）開放
入場費	一般：1,100日圓 / 大學、專校學生：700日圓 / 65歲以上：800日圓 *高中生以下免費 *其他入場費詳情請參閱官方網站。
由…贊助	東京都歷史文化財團 東京都美術館
詢問	03-3823-6921（東京都美術館）
展會官方網站	https://www.tobikan.jp/hajimarihajimari

*文章內容截至報道時。請查看官方網站以了解最新資訊。

文章提供： Kokosil Ueno

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東京國立博物館

介紹代表古代墨西哥的三大文明寶藏的特別展覽“古代墨西哥 – 瑪雅、阿茲特克、特奧蒂瓦坎”將於2023年6月16日星期五至2023年9月3日星期日在東京國立博物館舉辦。在博物館（東京上野）舉行。

本次展覽將以代表中美洲的三大文明（瑪雅文明、阿茲特克文明和特奧蒂瓦坎文明，這些文明共享文化元素，並在墨西哥和中美洲部分地區繁榮發展，直至16世紀西班牙入侵）為重點。

介紹了從墨西哥各大博物館精心挑選的銘文、浮雕、考古文物等約140件珍貴出土文物以及近期的發掘成果。我們將探索墨西哥古代文明的深度和魅力，例如多樣化的自然環境所創造的獨特的世界觀和造型之美。

展覽由四個章節組成：“古代墨西哥的邀請”、“特奧蒂瓦坎：眾神之城”、“瑪雅：城邦的興衰”和“阿茲特克：特諾奇蒂特蘭神廟”。

第一章“古代墨西哥的邀請”

第一章“古代墨西哥的邀請”是基於三個文明共同主題的作品的橫斷面展覽，例如“玉米”、“天體和日曆”、“球類運動”和“活人祭祀” ，”以及各個文明遺蹟的圖片。是介紹性的部分，通過它傳達了整個古墨西哥的世界觀。

在這裡，公元前1500年左右在墨西哥灣興起的中美洲的根源是奧爾梅克文明，它繼承了後來的中美洲文明的各種要素，例如主權概念和與儀式相關的許多神。作品《奧爾梅克風格》石像”表明存在

第2章“特奧蒂瓦坎眾神之城”

第二章“特奧蒂瓦坎：眾神之城”講述了從公元前 100 年到公元 550 年繁榮的特奧蒂瓦坎文明。

基於當時人們所信仰的宇宙世界觀，特奧蒂瓦坎是一座以“死亡大道”為中心，集金字塔、儀式大廳、宮殿式建築和嚴謹的住宅群於一體的國家主導城市。是一座規劃城市和一座大型宗教城市。最近的研究表明，那里居住著多達10萬人，但所使用的語言和文字尚未弄清楚，它仍然是一個充滿許多謎團的文明。

在這裡，我們介紹代表特奧蒂瓦坎的三座金字塔：太陽金字塔、月亮金字塔和羽蛇金字塔，以及從它們周圍出土的作品。

陳列室中央暴露的“死亡圓磐石雕”是1964年在特奧蒂瓦坎最大的金字塔——太陽金字塔前的廣場上挖掘出來的。
這是一座直徑超過1m的石雕，像光環一樣放射狀擴散的圖案和從頭骨口中伸出的舌頭令人印象深刻。在中美洲，日落代表死亡，日出代表重生。

其中最具存在感的展品是羽蛇神石雕和西帕克特里頭飾石雕。
這是覆蓋羽蛇金字塔四壁的大型石雕的一部分，羽蛇金字塔是城堡的中央寺廟，是一座邊長 400m 的大型儀式大廳。據說它代表了象徵維納斯和力量的羽蛇神的頭飾，以及象徵著時間（曆法）開始的造物主濕婆赫特里（Shivakhtri）的頭飾。

在會場，裝置的設計是為了讓您可以看到這些石雕如何從金字塔中突出。

羽蛇神的波浪形身體上反复雕刻著西帕克特里頭飾的圖案，因此整個羽蛇金字塔是中美洲第一座代表神聖王權和加冕的紀念碑。

羽蛇金字塔下深15m 、長103m的隧道中出土的文物中，以蝸牛殼尖端製成的樂器喇叭最為引人注目。該作品的圖像風格和內容與瑪雅宗教中心的圖像相似，而特奧蒂瓦坎沒有這種圖像。

特奧蒂瓦坎居住地的墓體中埋藏著一件動物形狀的陶器，上面有貝殼等華麗的裝飾，挖掘者將其命名為“一隻奇怪的鴨子”。由於它與許多貝類產品一起被發現，因此被認為是與墨西哥灣進行貿易的貝類商人有關的陪葬品。

“喇叭”、“鳥陶”等展品告訴我們，特奧蒂瓦坎是一個多民族的城市，貿易和市場經濟活動蓬勃發展。

此外，讓你想像特奧蒂瓦坎生活的壁畫和陶器也很有趣。
在許多公寓大樓和儀式設施中都可以看到彩色壁畫，例如“風暴神壁畫” ，據說它代表了特奧蒂瓦坎的主要神靈之一，風暴神或雨神特拉洛克。

此外，從民居廢墟中出土的許多香爐，都是根據用途重新排列各種裝飾品而製成的。展出的“香爐”被認為是用於為死去的戰士舉行安魂儀式，其圖案是箭頭和盾牌等。

第三章“瑪雅城邦的興衰”

第三章“瑪雅城邦的興衰”介紹了瑪雅文明的文化和朝代，瑪雅文明從公元前1200年左右到16世紀在尤卡坦半島周圍蓬勃發展。該部分是本次展覽中作品數量最多的部分。

據說，瑪雅人在公元一世紀左右建立了一個具有獨特文化和治理形式的王朝。但政治上卻從未統一，通過無數城市之間的貿易和外交使團的進出等友好往來，有時還會發生爭奪霸權的戰爭，形成了一個龐大的網絡社會。出土的物品傳達了瑪雅地區的各種趨勢。

帕倫克是瑪雅森林城市之一，這是一座中等規模的城市，於公元 400 至 800 年間在西部地區繁榮發展。尤其是在日本首次展出的紅皇后（Reina Roja）墓中出土的文物，是本次展覽的亮點之一，被譽為王朝藝術傑作。

帕倫克是一座藝術之城，以其精緻的建築、雕塑和銘文而聞名，其黃金時代是國王 Kinichi Hanab Pakal（615-683 年）統治時期。
據說，帕卡爾國王在通過外交和戰爭加強帕倫克影響力的同時，也著力擴建王宮，使其成為瑪雅地區最宏偉的建築之一。他的遺體被安置在一座名為銘文神廟的陵墓中，據說是由巴卡爾國王親自設計的。

這具屍體被稱為“紅皇后（Reina Roja）”，於 1994 年在銘文神廟旁邊的第 13 號神廟中被發現。它的俗名來自於它被埋葬時覆蓋著鮮紅色的硃砂（水銀紅色）。調查結果顯示，此人極有可能是巴卡爾國王的妻子伊什·查庫布·阿豪(Ish Tsakub Ahau)。

會場內，“紅皇后”的12件陪葬品被貼在人體模型上，在受13號神廟石室啟發的空間中再現了埋葬狀態。 “紅皇后面具”是用小塊孔雀石製成的，眼睛用黑曜石做，眼白用白翡翠做。

雖然照片中沒有出現，但在項鍊、王冠等精美隨葬品中，有一根不起眼的小“針”靜靜地陳列在人體模型旁邊，引起了我的注意。看起來可能很奇怪，紡紗和編織是所有社會階層的婦女都會做的活動之一，而針也是“紅皇后”每天使用的，並且被認為是來世所必需的。是
他們不僅根據自己的身份來打扮，而且還同情自己或周圍人的真實願望，他們說：“我想要沒有麻煩的生活。”

複製品展覽旁邊還播放了“紅皇后”發掘調查的視頻資料。

此外，在帕倫克王宮遺址發現的96字石版畫展覽上，我們得以徹底領略到如詩如畫、造型優美的瑪雅文字。

瑪雅文字是一種由語標和音節文字組成的神秘語言，目前大約有700個字符和據說有數万個組織的各種組合正在被闡明。人們認為人的行為再現了神靈和祖先的行為，因此文字主要用來記錄國王和國家的歷史以及宮廷儀式。
這部作品還記錄了帕倫克國王的即位日期和準確日期。

與日本一樣，書法不僅用於傳達信息，而且在瑪雅人中也被視為藝術品。

在帕倫克等許多城市衰落之後，900年前後成為尤卡坦半島北部瑪雅地區最大城市的車臣伊察出土的文物也值得一看。
其中《木炭雕像》是我看完解說後覺得本次展覽最恐怖的一件作品。雕像的腹部有一個類似盤子的東西，裡面可能放著祭品，有時是從活人祭品上取下的心臟……

在這次展覽中，出現了許多“犧牲”、“人祭”等令人恐懼的關鍵詞。這些奇特的做法在中美洲已經持續了 3000 多年，現代人可能會對它們的殘忍行為感到驚訝。

然而，這不僅僅是一種不人道的儀式行為，所有生命形式的誕生和運轉都是通過神的工作和犧牲而實現的，這源於原住民的道德觀念，他們認為必須堅持原則。人們普遍向上帝和自然祈禱。

第四章“阿茲特克特諾奇蒂特蘭大神廟”

第四章“阿茲特克特諾奇蒂特蘭神廟”是阿茲特克特諾奇蒂特蘭王國（今墨西哥）的一座大城市，於 1325 年由母語為納瓦特爾語的人們在墨西哥中部高地特斯科科湖的一個島上建立，例如墨西加城）出土的物品。鼎盛時期人口超過20萬，一直繁榮到1521年落入西班牙手中。

順便說一句，在墨西哥中部高地，文明按照特奧蒂瓦坎⇒托爾特克⇒阿茲特克的順序興衰。 “特奧蒂瓦坎”這個名字在納瓦特爾語中意為“眾神之城”，是由發現該遺蹟的阿茲特克王國的墨西加人命名的。

阿茲特克人通過軍事力量和朝貢制度增強了國家實力，在建築和繪畫尤其是雕塑方面帶來了驚人的發展。特諾奇蒂特蘭是阿茲特克人集中財富的地方，據說創造了歷史上獨一無二的創意環境，國內外藝術家分享技術、品味和傳統。

勇敢的“雄鷹戰士雕像”傳達了特諾奇蒂特蘭的一部分創意之美。

特諾奇蒂特蘭的中心矗立著大神廟，這是兩座雄偉的金字塔形神廟，供奉著太陽神和戰爭之神維齊洛波奇特利以及雨神和大地之神特拉洛克。這件作品是在大神廟北側的“鷹屋”中發現的。真人大小且功能強大。

許多專家認為他們是國王直接控制下的“雄鷹軍團”的戰士，在戰爭和宗教中發揮了重要作用，似乎仍然有各種理論認為它代表了洛波奇托里的出現。

展出的許多雕塑代表了阿茲特克人崇拜的神靈。

“特拉洛克神的花瓶”以其凸出的眼睛和明亮的藍色令人印象深刻。
中美洲是一個農業社會，據說幾個世紀以來一直痴迷於控制降雨。因此，祈禱、祭品和兒童祭祀都獻給特拉洛克，雨神和“給予者”，他提供了植物發芽所需的一切。

據信，這件作品包含了祈雨和豐收的願望，因為儲水的罐子上裝飾著神靈特拉洛克（Tralok）。

其中一件展品是一個由綠色蛇紋岩製成的“面具” ，它與第二章特奧蒂瓦坎展覽中介紹的“馬賽克雕像”有著相似的氛圍。事實上，這是從特奧蒂瓦坎廢墟中出土的面具，經過墨西哥人的打磨，並沾上了眼睛和耳環。

據說，包括梅西卡在內的後古典時期晚期（1250-1521）的人們挖出了過去的文明，並將它們作為具有神奇力量的神聖物質奉獻給他們的寺廟。這個展覽的有趣之處之一就是你可以感受到這些聯繫。

展覽最後，中美洲罕見的黃金製成的吊墜、耳環、權杖狀飾品一次性展出，展示了大神廟的最新發掘成果。

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會場上，我們對展覽空間的製作很講究，比如傳達古城遺址魅力的視頻素材和寫實的再現展覽，光是走動就能感受到古墨西哥的氛圍。展品之間的距離較寬，易於欣賞也是一個優點。

順便說一句，目前場館內所有展品都允許拍照，僅供個人使用。 （今後有可能取消或變更，詳情請參閱館內信息及官方網站。）

特展“古墨西哥”探索了古墨西哥文化傳統的深度和魅力，這些文化傳統仍然被生活在這片土地上的人們所傳承。活動將持續至2023年9月3日（週日）。

“古墨西哥：瑪雅、阿茲特克和特奧蒂瓦坎”特展概覽

展覽期間	2023年6月16日（星期五）至9月3日（星期日）
場地	東京國立博物館平成館
營業時間	上午 9:30 至下午 5:00 *週六至晚上 7:00 *6月30日星期五至7月2日星期日以及7月7日星期五至7月9日星期日至晚上8:00 * 一般文化展覽於下午 5:00 關閉 *閉館前30分鐘停止入場
閉館日	7 月 18 日星期一（星期二） *7月17日（週一/節假日）、8月14日（週一）開放
參觀費（含稅）	成人2200日元、大學生1400日元、高中生1000日元、初中生以下免費 *詳情請參閱官網購票頁面。
組織者	東京國立博物館、NHK、NHK Promotions、朝日新聞
詢問	050-5541-8600（Hello Dial/上午 9:00 至晚上 8:00，全年開放）
展會官方網站	https://mexico2023.exhibit.jp/

*文章內容截至採訪日期（2023年6月15日）。請查看官方網站了解最新信息。

文章提供： kokosil Ueno

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上野之森美術館

一個獨特的恐龍展覽，只收集以繪畫為中心的恐龍藝術，而不是化石和骨骼標本，特別展覽“恐龍圖畫書-想像/創造失落的世界”將於2023年5月31日（星期三）-7在上野皇家博物館 3 月 22 日星期六。

此次展覽因展出20世紀最偉大的兩位恐龙画作查爾斯·R·奈特（Charles R. Knight）和茲德內克·布里安德（Zdenek Briand）的大量作品而備受關注。報告場地狀況。

當我們想到恐龍展覽時，我們通常會想到以化石和骨骼標本為中心的展品，但在這次展覽中，我們根據化石等科學證據繪製了恐龍等古生物生物，這些材料通常放在這些材料旁邊。生態重建圖=“Paleoart” 。

恐龍在大約250至6600萬年前的中生代統治著地球，19世紀上半葉隨著化石的發掘，通過生態重建圖被公眾所認識。此後，眾多學者與藝術家攜手努力，試圖再現遠古時期充滿浪漫色彩的遠古生物的面貌。

場館內將展出約150件從世界各地收藏的古藝術作品，從早期繪製的奇特重建圖畫到當代藝術家基於最新研究的傑作。

從“發現”恐龍到今天的200年裡，我們將隨著每次新發現的科學基礎的變化，追踪恐龍（古生物學）的表達方式是如何變化的。

第一章《恐龍的誕生——黎明的怪怪》

展覽由四個章節組成。第一章“恐龍的誕生——黎明的怪怪”介紹了19世紀“發現”恐龍後不久，用有限的知識創作的一組作品。您可以欣賞到與我們想像中的恐龍相差甚遠的獨特外觀。

首先是石版畫《Douria Antiquiol（古代多塞特）》 （1830年），根據地質學家亨利·德拉·比奇的原畫創作，據說是歷史上第一批還原古生物生態的畫作之一。 。

該作品是一位女性化石收藏家，因在英格蘭南部多塞特郡發現恐龍之前的魚龍和蛇頸龍等海洋爬行動物，為19世紀古生物學的發展做出了貢獻，為紀念瑪麗的成就而製作安寧.

它位於多塞特郡的史前海岸，充滿了安寧發現的古代生物。人們的注意力被吸引到屏幕右側，魚龍似乎正在咬住蛇頸龍細細的脖子。

本次展覽的組織者岡本博樹（神戶設計大學教授、兵庫縣立美術館前館長）表示：“從現代研究來看，很難想像魚龍會攻擊蛇頸龍。它傳達了一種圖像一個更加強大的掠食者。”

此外，本次展覽重點介紹與斑龍一起“發現”的第一個恐龍——禽龍的形象演變。

被稱為“恐龍發現者”的英國醫生兼業餘地質學家吉迪恩·曼特爾（Gideon Mantell）於1825年將其命名為“Iguanodon”（鬣蜥牙），因為它的牙齒與現代爬行動物鬣蜥相似。看來這種生物最初是想像成一隻巨大的鬣蜥。

禽龍的早期例子是喬治·沙夫的《重建爬行動物》 （1833），描繪了一隻異常巨大的禽龍，它巨大的身體在地面上爬行，長長的蛇狀尾巴起伏著。

然而，如果你看看1853年左右製作的水晶宮禽龍雕塑，形象發生了微小的變化。禽龍的四條腿像大象和犀牛等哺乳動物一樣，從身體直接下降到地面。

它是在當時最有影響力的英國古生物學家、 “恐龍”一詞的創造者理查德·歐文的指導下創建的。岡本表示，這種物理特徵是目前對恐龍的定義之一。

此外，1878-80年在比利時煤礦發現近乎完美的禽龍化石，極大地改變了自曼特爾發現以來傳播了近50年的禽龍重建形象。原來，它正在豎起上半身，之前被認為是鼻角的骨頭實際上是前肢上的拇指尖刺。

近 100 年來，禽龍在古藝術中被描繪成一種前肢長有鋒利尖刺的雙足生物。在接下來的第2章和第4章中，您可以看到描繪禽龍在這種方式下“進化”的外觀的作品。

此外，在第一章中，那些外表和行為都像人類的怪異恐龍，對受到攻擊的朋友感到厭惡並撤退，或者像怪物電影一樣在居民區裡走來走去。有趣的是，還有更多描繪恐龍的作品，比如故事畫比修復畫更重要。可見當時人們對恐龍的蓬鬆認知和豐富的想像力。

第二章“經典恐龍形象的確立與普及”

第二章“古典恐龍雕像的建立與普及”介紹了19世紀末至20世紀中葉古藝術黃金時代的作品， Charles R.和Zdeněk Briand用了大量篇幅。

恐龍發掘和研究的舞台逐漸從歐洲轉移到北美大陸，從1870年代到1890年代，兩位古生物學家圍繞恐龍化石的發現展開了一場被稱為“骨戰”的激烈較量。結果，發現了劍龍和三角龍等多種恐龍，揭示了生活在中生代的動物的多樣性。

查爾斯·R·奈特（Charles R. Knight ，1874-1953）是一位美國古生物學畫家，他對新恐龍的現實可視化做出了最大貢獻，揭開了未知的面紗並使之普及。

奈特同時也是一名野生動物畫家，留下了近1000幅活體動物的畫作，人們相信通過這種活動培養的觀察眼睛和生物知識對古藝術的創作很有用。

奈特的寫實風景畫，以及其中放置的恐龍和滅絕生物的生動形象，在解剖學和自然環境描繪方面都在當時非常出色，很快就受到了大眾和專家的關注。他的作品對電影文化產生了影響，如電影《失落的世界》（1925年）和《金剛》（1933年）。

在奈特的作品展覽中，不能忽視他最偉大的傑作之一《白堊紀-蒙大拿》（Cretaceous-Montana ，1928），這是菲爾德自然歷史博物館壁畫的草圖之一。

《白堊紀-蒙大拿》是一部定格了恐龍世界明星之間的競爭形象“霸王龍與三角龍”的不朽作品，並作為恐龙画本身的象徵作品而廣為人知。這種緊張的構圖被後來的很多藝術家模仿和改編，而且經常出現在電影、漫畫等娛樂界，所以很多人應該都至少看過一次。我被深深地感動了，這就是原作。

 

另一方面，來自捷克斯洛伐克（現捷克共和國）的畫家茲德內克·布賴恩（ Zdenek Brian ，1905-1981）在奈特之後的一代人中受到歡迎。

儘管奈特的作品與前一個時代不切實際的古藝術背道而馳，但布萊恩德也是一位出色的畫家。他的作品基於歐洲藝術現實主義的傳統，具有很強的說服力，如果你告訴你他親眼所見並畫了它，你可能會相信。

看看布萊恩畫的古生物，它們天生就有體溫，一看就知道它們是活物。

布里安德的作品以代表作《上個世紀的斷裂》（1956年）等書籍在世界各地廣受歡迎，並在20世紀60年代和1970年代在日本的兒童百科全書和兒童讀物中被大量轉載和復制。對一個時代恐龍形象的樹立起了決定性的作用。正因如此，這一時期沉迷於恐龍百科全書的那一代人可能會發現很多讓他們感覺在哪裡見過的作品。

過去，無法從化石中確定恐龍的顏色，因此藝術家們用自己的猜測給它們上色，這種對比給人留下了強烈的印象。 《Antrodemus Valens and Stegosaurus Stenopus》 （1950）中的劍龍可能是該圖像的來源之一。我能夠意識到布萊恩的影響力有多大。

本次展覽匯集了18件布萊恩德的珍貴作品。這是最大的吸引力。

此外，在同一章中，我們還可以欣賞到作為“爬樹恐龍”而受歡迎的劍齒龍過去的雄偉身姿，但後來發現，最初作為研究基礎的修復本身是錯誤的。

第3章“日本接待恐龍的歷史”

在歐美確立的恐龍形象於19世紀末進入日本。第三章“日本接受恐龍的歷史”改變方向，介紹了植根於明治至昭和時代日本文化歷史中的恐龍。除了科普雜誌、兒童漫畫以及柯南道爾的《失落的世界》（1912）等經典科幻小說譯本外，還展出了軟膠娃娃和模仿恐龍的石膏雕像等玩具。

此外，他還解釋了恐龍在一般藝術領域（即所謂的美術）中的象徵意義，其目的不是真實地再現恐龍。 （還收錄了從平成到令和的部分作品）

福澤一郎將超現實主義帶到了日本，創作了許多諷刺社會、批判文明的作品，福澤一郎的《爬蟲類感染與爬蟲類滅亡》（1974）構圖有趣，大膽地將恐龍四肢放在主體位置。蔚藍的天空和夕陽的強烈色彩對比、曾經繁榮昌盛的巨型生物的短暫出現、以及蜂擁而至的小型哺乳動物的出現，據說都是在諷刺日本的派係政治。

篠原愛的《從搖籃到墳場》 （2010-2011），讓我們想起西方繪畫中“死亡與少女”的傳統形象，無論女孩多麼美麗，都無法逃脫衰老和死亡；浩富士《侏羅紀塑料》（2023） ，提醒我們塑料的原料石油，原本是恐龍等生物的化石，同時考慮到大量生產和大量消費的問題）等，都是規模宏大、值得一看的。

第4章“基於科學知識的圖像重建”

第四章“基於科學知識的圖像重建”，話題又回到了恐龍圖像的變化。 20世紀60年代到1970年代的恐龍研究掀起了一場被稱為“恐龍文藝復興”的革命，提出了恐龍是“活躍的溫血動物”而不是之前認為的緩慢的變溫動物的觀點，恐龍雕像也被大幅重新設計。一件又一件表現新恐龍出現的作品誕生了。

展覽中，即使在奇幻藝術領域也擁有邪教般人氣的插畫家威廉·斯托特（William Stout ）和曾參與電影《侏羅紀公園》三維模型製作的邁克爾·圖西克（Michael Tursic ），以及準確而有力的筆觸，基於藝術解剖學的恐龍。自 1960 年以來出現的才華橫溢的古生物藝術家的各種作品將參加比賽，例如現代日本古生物修復繪畫的領軍藝術家Takashi Oda 。

當代藝術家正在讓恐龍敏捷地移動。約翰·賓登 (John Bindon) 的《風暴前線》 (1996) 中，暴龍以極快的速度奔跑，同時濺起水花；格雷戈里·保羅 (Gregory Paul ) 的《七七八和索羅》似乎捕捉到了恐龍開始移動的瞬間。與第二章中看到的恐龍相比， Lunithoides (1989) 和其他人具有不同的活力感。

我的感覺是作品的個性也很強。道格拉斯·亨德森（Douglas Henderson）的作品美得令人驚嘆，抒情的粉彩，精確地表達了古代世界的光線和空氣，就像在看一本高品質的寫真集。

雖然許多畫家關注的是恐龍本身，但亨德森卻有強烈的傾向將恐龍與它們當時生活的環境一起描繪。我畫畫時要讓它融入風景而不需聚焦。

我完全被這個巧妙的構圖所吸引，它與常見的記憶重疊，比如當我試圖拍攝日落時，不小心捕捉到一隻鳥，或者當我在森林裡散步時，在樹的深處發現了一隻松鼠。

隨著學術知識的增加，“恐龍百科全書-想像/失落世界的創造”特展將持續至2023年7月22日星期六。當然，內容會激起古代世界的浪漫，這是一個難得的機會來看到跨越時代的古藝術，所以請看看。

“恐龍百科全書——失落世界的想像/創造”特展概覽

展覽期間	2023年5月31日星期三至2023年7月22日星期六 * 展覽期間每天開放
場地	上野之森美術館
營業時間	10:00 – 17:00（週末及節假日 9:30 – 17:00） *閉館前30分鐘停止入場
參觀費（含稅）	一般2,300日元、大學·專科生1,600日元、高中·中·小學生1,000日元 * 學齡前兒童免費（必須有高中生以上陪同） * 持有殘疾人證和一名助手的人士免費 * 提供團體折扣。 *雖然不是預約系統，但擁擠時可能會限制人數。 其他門票詳情請查看官方頁面。
組織者	產經新聞、富士電視台、上野之森美術館
詢問	您好撥打050-5541-8600（全天/9:00-20:00）
官方網站	https://kyoryu-zukan.jp/

※※文章內容截至採訪日（2023年5月30日）。請查看官方網站了解最新信息。

文章提供： kokosil Ueno

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東京藝術大學大學美術館

以1981年設立的“台東區長獎”為起點，台東區與東京藝術大學多年來不斷深化交流與合作。許多藝術家通過台東區長獎走向世界，可以說該獎項為年輕藝術家的發展做出了巨大貢獻。

本次展覽將展出學生創作的40件台東區長獎獲獎作品。

 

在“台東區收藏展-離開文化藝術之都上野的藝術家-”中展出的是表彰東京藝術大學優秀學生畢業作品被台東區收藏的“台東區收藏” . 榮獲市長獎的作品集。也就是說，都是學生作品。

1981年開始的台東區長獎制度，授予美術學院繪畫系的日本畫、油畫/版畫各1人。很多獲獎者後來都活躍在行業的第一線，可見他們起到了年輕藝術家走向成功的作用。

追溯昭和、平成、令和的表情“變遷”

本次展覽的主題是“轉型”和“多樣性”。
在本次展覽中，將展出在昭和、平成、令和三個時代頒發了 40 多年的台東區長獎的 40 件作品。此後，活躍在一線的藝術家和有望在未來大踏步前進的新近獲獎者，將他們在學生時代創作的巔峰作品聚集在一處。
當然，每件作品都很吸引人，但我們也關注隨著時間的推移趨勢的變化以及不受“日本畫”或“油畫”框架束縛的思想多樣性。

本次展覽由兩部分組成，上半部分介紹自上次展覽（2016年）以來台東區收藏的獲獎日本畫、油畫和版畫。原本，第六屆“台東收藏展”原定與2020年東京奧運會同期舉辦，但因新型冠狀病毒感染而推遲，為七年來首次舉辦。
上半場集中展示了近七年來創作的年輕藝術家的作品。

另一方面，在下半場，展出了從連續獲得台東區市長獎的作品中精心挑選的作品。從獲得一等獎的手塚雄二（東京藝術大學名譽教授）的作品開始，將有一系列在過去 42 年來獲得同一獎項的寶石。

在現場你能感受到的是年輕藝術家們即將騰飛的“胎動”能量。在小說中，人們常說“處女作包含了作家的全部作品”，但也許可以在這些作品中找到支撐其後續作品的主題和風格。
可以說，無論是已經熟悉他們活動的粉絲，還是第一次接觸他們作品的粉絲，本次展覽都會給他們帶來生動的發現和印象。

參展作品介紹

以下是展出的部分作品。

《迷宮》手塚雄二1981

這就是真正的“會面”嗎？動物會說話的神秘空間

一次會議，每個人都發表自己的意見。會長的女人身後，迷宮無限延伸。這是一部通過將周圍的人比作動物來表現混亂而神秘的世界的作品。 （來自創作者）

<手塚雄二>
1953年出生於神奈川縣。日本藝術學會會員、常務理事、東京藝術大學名譽教授、福井縣立美術館特別館長。作為引領當代日本畫壇的日本畫家，他繼續充滿活力地創作。

 

《帶著枕頭在田野裡跳舞》菊地雅文 1992

將他導演的舞台重構為“山水畫”的作品

1992年，南麻布三橋。每週六日上映約兩個月每週一劇《大偵探真的在嗎？》很多看過整個故事的人都沒有看過這張圖。 （來自創作者）

<菊池雅文>
1968年出生於神戶。畢業於東京藝術大學繪畫系油畫系。從事繪畫、戲劇製作和音樂製作，在日本和海外舉辦過多次個展和群展。 《Nobe ni Makura de Odori Makure》於1992年製作，旨在通過山水畫體驗舞台劇《濕羽奪天》。

 

《與樹相遇》井出康人 1989

光明與黑暗交彙的屋久島之謎

進入研究生院後，我獨自去屋久島旅行。這是一座海岸線上有榕樹、森林中有原始森林、山頂有大雪的島嶼。我在山間小屋裡寫生，營造出一種在森林裡漫步的感覺。長滿青苔的樹枝四通八達，黑暗與光明交錯的世界，是一個神秘而莊嚴的空間。 （來自創作者）

<井出康仁>
1962年出生於福岡縣。東京藝術大學研究生院畢業。目前，受到日本藝術學院特殊待遇。倉敷科學藝術大學藝術學部教授。它的特點是女性和花朵所創造的溫柔而夢幻的風格。

活動概況

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東京都美術館

亨利·馬蒂斯（Henri Matisse，1869-1954）是 20 世紀法國著名畫家，被譽為野獸派運動的中心人物，其鮮豔的色彩在藝術史上產生了重大影響。東京都美術館正在舉辦大型回顧展“馬蒂斯展” 。展覽期至2023年8月20日。

這是關於會場情況的報導，因為我報導了展覽，這是他早期傑作之一“奢侈，寂靜，怪癖”在日本首次公開展覽的熱門話題。

通過約 150 幅傑作探索馬蒂斯的旅程

亨利馬蒂斯被稱為“色彩魔術師”。他的繪畫表達從可見的現實中自由釋放色彩，徹底改變了藝術史，並在現代藝術史上留下了難以忘懷的印記。

目前正在舉辦的“馬蒂斯展”是日本時隔約20年首次舉辦的大型回顧展。巴黎蓬皮杜藝術中心匯集了約 150 件傑作，該中心擁有世界上最大的馬蒂斯收藏。專注於法國南部旺斯的玫瑰經教堂相關的繪畫、雕塑、素描、剪紙和材料，這是他晚年最偉大的傑作。它概述了 84 年來致力於探索直接吸引感官的鮮豔色彩和光線的生活。

展覽由8個章節組成。
・第 1 章野獸派 1895-1909
・第 2 章激進探究的時代 1914-1918
・第三章平行探索——雕塑與繪畫1913-1930
・第 4 章人物與室內設計 1918-1929
・第 5 章傳播和實驗 1930-1937
・第 6 章從尼斯到旺斯 1938-1948
・第七章1931-1954年剪紙畫及近年作品
・第 8 章萬斯念珠教堂 1948-1951

新印象派、野獸派、立體派……馬蒂斯對多種繪畫表現形式的實驗

如果你按時間順序看這些作品，你會發現馬蒂斯在很短的時間內一個接一個地改變了他的繪畫風格。這裡有些例子。

馬蒂斯 1869 年出生於法國北部的一個富裕家庭，20 歲後立志成為一名畫家，並於 1891 年移居巴黎。他試圖確立自己畫家身份的最早作品之一是《讀書的女人》 （1895 年），這是他在巴黎國立美術學院任教的象徵主義畫家古斯塔夫·莫羅手下學習時創作的。讚賞。

受卡米爾·柯羅人物畫的影響，其寫實內斂的畫風讓人不禁懷疑，“這就是馬蒂斯嗎？”這是國家收購後的第一個商業成功，但似乎這種傳統的繪畫方式很快就被拋棄了。

逐漸地，他創造了熾熱、生動的配色方案，例如Pont Saint-Michel (c1900) 和Still Life with Hot Chocolate Pot (1900-1902)，預示著幾年後野獸派的到來。

1904 年，應新印象派中心人物保羅·西涅克的邀請在聖特羅佩度過一個夏天后，他創作了早期的傑作《奢侈、寂靜、優雅》(1904) ，使用的“拆分筆觸”技術他從他那裡學到了。）完成了。

這部將首次在日本展出的作品，用純色代替了被攝體原本的顏色，描繪了一個充滿光亮的堪稱烏托邦的場景。總的來說，他忠實地遵循新印象派繪畫的指導方針，但如果仔細觀察，你會發現指導方針中沒有的實驗痕跡，比如抽像人物被輪廓包圍以保持其形式。儘管馬蒂斯終生困擾的“色彩與線條的碰撞”問題仍未解決，但這幅作品標誌著馬蒂斯繪畫生涯邁出了重要的一步。

早在次年，他就摒棄了這種筆觸劃分，在法國南部的科利烏爾直面色彩與線條衝突的問題。因此，他以自由大膽的色彩表現和粗獷的筆觸創造了野獸派，強調感官而不是肉眼可見的色彩。

然而，儘管馬蒂斯作為野獸派的領軍人物在藝術界引起了軒然大波，但當我們再看《奢華》、《寂靜》、《古怪》三年後創作的《奢華 I》 （1907）時，我們可以看到色彩和諧，筆法和諧，平淡。有些人可能對馬蒂斯有著強烈的野獸派畫家形象，但實際上，馬蒂斯的野獸派傾向並沒有持續數年，而到了1907年，作品就已經開始探索繪畫空間。說明你已經進步到這個階段了的

1914年發生的第一次世界大戰改變了繼續穩步創作的馬蒂斯的一生。在兩個兒子和朋友的調動下，孤立無援的馬蒂斯彷彿要抗拒這種情況一樣，全身心地投入到創作中，並著手進行創新的塑料實驗。

這一時期最引人注目的作品是科利烏爾的落地窗（1914 年），它是二戰爆發後立即創作的。對於一生都在自己的工作室（室內）反复實驗的馬蒂斯來說，“窗”是一個重要的母題，而在馬蒂斯的作品中，“窗”並沒有將內部和外部分開，而是明確了內部和外部。外面的空間也是統一的，好像是要做的事情。

窗戶在西方傳統中也被用作視覺隱喻。在同一幅作品中，陽台原本是畫在窗戶上的，但最後都被塗成了黑色，讓人聯想到。這個窗口是關閉的還是打開的？如果標題中沒有指出它，您會認出這是一個窗口嗎？這幅被認為是經過深思熟慮而未完成的作品是馬蒂斯的創作之一，展現了“必須去除多少元素才能使圖像無法保持？”的極端構圖。標誌著一個臨界點的作品。

在 Collioure 研究法式窗時，馬蒂斯還研究肖像畫。在科利烏爾逗留期間，他與立體派畫家胡安·格里斯 (Juan Gris) 進行了一系列對話，之後他以自己的女兒瑪格麗特為藍本製作了《懷特與玫瑰頭》 (White and Rose Head, 1914)。在馬蒂斯的作品中，它被認為是受立體主義影響最大的作品之一。

平面和簡化的屏幕組成，幾何人體。它展示了一項類似於科利尤爾落地窗實驗的激進實驗的結果，該實驗探索瞭如何最大限度地去除細節，同時仍保留模型的本質。

迄今為止推出的作品傳達了馬蒂斯通過反复實驗和思考對新表現形式的貪婪追求。然而展覽的內容還停留在第二章的中間，馬蒂斯的職業生涯甚至還沒有走到一半。看到第八章的時候，因為風格多變，忘記了這是一個單一畫家的回顧展。但是，不管他的畫風怎麼變，我覺得他對色彩和形狀的高度覺悟，重情輕物的態度是一貫的。

從他繪畫風格的廣度來看，我對《夢》 （1935）和《坐著的玫瑰色裸女》（1935-36）特別感興趣，這可以在第五章“擴展與實驗1930-1937”中看到。

將大本營遷至法國南部的尼斯後，馬蒂斯在1930年代遊歷美洲和大洋洲，遇到新的光線和空間，作品也變得更加開闊和廣闊。也是20年代回歸傳統繪畫觀的表現手法再次開始簡化的時期。同一時期創作的《夢》和《坐著的玫瑰裸體》是同一年開始創作的，描繪的是馬蒂斯生前最喜歡的模特、他的秘書莉迪亞·德萊克托斯卡婭的裸體。雖然有很多共同點，比如藍色背景，作品給人的印象就大不相同。

《夢》中閉目躺臥的女性上半身橫跨畫面，充滿舒適的開放感，表達心理和雕塑的滿足感。《彩色裸體》揭示了擦除和簡化的反复操作痕跡，將一個優雅的女人變成了一個幽靈般的示意圖。請注意這兩幅作品，它們清楚地表達了我這段時間的沉思狀態，我追求的是將人的形式插入背景的方法，伴隨著無數的變化。

馬蒂斯對色彩與線條和諧的追求，以及他生命中的最後一幅油畫《大紅屋》

第 6 章“從尼斯到旺斯，1938-1948”展示了他晚年的幾幅傑作。

據說，馬蒂斯無數次顛覆世界的實驗，都是在他五光十色的工作室裡進行的。因此，工作室本身成為貫穿馬蒂斯一生的重要主題。 1939年，二戰爆發，年近70歲的馬蒂斯將自己收藏的花瓶、布料、家具等物品精心佈置在自己的工作室。 “滲入我的身體。

Still life with magnolia （1941）是馬蒂斯代名詞的美麗紅色代表作，強調平面性和裝飾性，經過數十幅預備圖完成。通過僅提取主題的本質，我表達了圍繞著星形木蘭花的多種事物，就像它們漂浮一樣。這是畫家最喜歡的作品之一，馬蒂斯說他“竭盡全力”完成了這幅作品。

1943年，馬蒂斯為躲避空襲的威脅，從尼斯搬到郊區的旺斯，並在這裡創作了他最後的油畫系列“旺斯的內部”系列。在同一展覽中，展出了該系列的第一幅作品《黃色和藍色內飾》 （1946 年），以及藝術家的第 13 幅也是最後一幅油畫《大紅色內飾》 （1948 年）。

尤其是《紅色的大室內》被定位為凝聚馬蒂斯在色彩上的作品的傑作，在一個平面的空間裡，將馬蒂斯繪畫中的紅色、工作室、繪畫等重要主題巧妙地組合在一起。在掛在牆上的兩幅畫都是引用馬蒂斯現有的作品。左邊的黑白素描不僅像窗戶一樣向空間展開，還與右邊的彩色油畫平起平坐，繼續挑戰色彩衝突的挑戰和線描。我覺得我正在向那些再次看到它的人展示馬蒂斯的作品。

東京都美術館策展人 Tomoko Yabumae 評價她的作品的魅力時說：“對於馬蒂斯來說，世界充滿了和諧。因此，將不同世界聯繫在一起的各種元素在一幅畫中和諧存在（我的目標是工作）。

黑色的輪廓在活潑的紅色背景下輕盈地舞動。線條與色彩既和諧又相互張開，營造出無盡的幸福感。這是一部象徵著馬蒂斯直到 79 歲高齡的最後幾年才停止創作的作品。

還將放映充滿色彩和光線的馬蒂斯傑作“Vence Rosario Chapel”的精美特別視頻。

到目前為止，我們已經挑選了展覽中的畫作並進行了介紹，但在第 3 章中，我們介紹了主要的雕塑，在第 7 章中，我們介紹了剪紙作品，在第 8 章中，我們介紹了 Vence 在念珠教堂上的作品。稻田。

在第三章“平行調查：雕塑與繪畫，1913-1930”中，一系列<back>作品，一個歷時20年探索的母題，排列在牆上，令人印象深刻。馬蒂斯是一位具有強烈的二維表現意象的畫家，但他說他從事雕塑工作的原因是“作為補充優秀作品來整理我的思想”。但是它的重要性不小，它幫助我探索了二維和三維之間的關係，而泥塑是我最喜歡的媒介，因為它把繪畫中無法表達的想法具象化了。

逐漸復雜化肖像的表達，他試圖證明即使身體結構被錯誤地描繪，隱藏在人身上的本質真相並沒有被隱藏，而是被揭示了。裡萊特系列（1925-29）充滿了不強調可見物再現的類似馬蒂斯的作品。

《背》系列（1909-30）由四個真人大小的女性形象組成，看似表達了從I到IV逐漸簡化女性背影的過程，但實際上是一個從頭開始的系列。相反，它被設想為一個單一的不斷變化的泥塑。有人指出，該系列的創作時期與《舞蹈》等巨幅畫作的創作時期重疊。這表明馬蒂斯試圖通過聯繫繪畫和雕塑來解決時代的形成問題。對馬蒂斯來說，雕塑是他整個藝術實踐的節奏。

在第七章“剪紙繪畫及其晚期作品 1931-1954”中，馬蒂斯在 20 世紀 40 年代後開始專注於他的工作，當時他因病臥床在輪椅上，用剪刀作畫。

1943 年至 1946 年間，馬蒂斯製作了 20 幅剪紙，並以此為基礎出版了開創性的藝術集《爵士樂》 。標題強調剪紙的即興性質。著名的剪紙作品《伊卡洛斯》也收錄在同一本書中。水粉色彩鮮豔的剪紙圖片給人一種在會場黑色牆壁上翩翩起舞的感覺。

Kirigami-e 的優點是可以輕鬆地嘗試畫面構圖並專注於色彩而不用擔心輪廓，這也是馬蒂斯系列繪畫中不可分割的表達方式。素描、繪畫和雕塑在單一的剪裁動作中融為一體，並作為統一色彩和線條兩種構成元素的手段。

在高潮部分第 8 章“旺斯念珠教堂 1948-1951”中，展出了與馬蒂斯在旺斯念珠教堂的作品相關的大量資料，馬蒂斯在 1948 年至 1951 年間創作了他的作品，作為他作品的高潮。

馬蒂斯將教堂視為一件綜合性的藝術作品，他運用了他探索過的所有技術，例如設計、雕塑和剪紙，來設計建築、壁畫、裝飾品、法衣和禮儀用品。我致力於到那時為止的一切。從“歲月”二字的意像中，你會驚訝於無法想像的生命力。

在本章中，播放了為展覽拍攝的旺斯念珠教堂的特別視頻。一段精美的 4K 視頻介紹了在陽光明媚的日子裡小教堂內從早到晚不斷變化的燈光。遊覽結束時，請欣賞色彩、線條和光線交織在一起的空間，這完美體現了馬蒂斯的信念，即這座小教堂應該是一個“點亮參觀者心靈”的空間。我想讓你

“馬蒂斯展”將舉辦至2023年8月20日（週日）。

“馬蒂斯展”概要

展覽期間	2023年4月27日星期四至2023年8月20日星期日
會場	東京都美術館特展室
營業時間	9:30-17:30，週五至20:00 *最後入場時間為閉館前 30 分鐘
休息日	7月18日星期一（星期二） *但是，房間將於7月17日（星期一/節假日）和8月14日（星期一）開放。
觀看費	大人2,200日元、大學生·專門學校學生1,300日元、65歲以上1,500日元 *本次展覽需要在指定的日期和時間進行預訂。 *有關觀看費用和門票的詳細信息，請查看官方頁面。
組織者	東京都歷史文化財團、東京都美術館、蓬皮杜中心、朝日新聞、NHK、NHK宣傳
詢問	050-5541-8600（你好撥號）
展會官網	https://matisse2023.exhibit.jp/

*文章內容截至採訪日（2023年4月26日）。請查看官方網站以獲取最新信息。

文章提供者： kokosil Ueno

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國立西洋美術館

從 19 世紀末到 20 世紀，來自世界各地的畫家來到法國西北部的布列塔尼地區創作他們的作品。展覽“布列塔尼，敬仰之地——莫奈、高更、黑田清輝等人眼中的異國他鄉”將在東京上野國立西洋美術館舉辦，就在裡面。
展覽將於2023年3月18日星期六至2023年6月11日星期日舉行。

由於我參加了新聞發布會，所以我將報告會場的情況。

*文章內容截至採訪日期（2023年3月17日）。請查看官方網站以獲取最新信息。

全世界藝術家都羨慕的法國腹地“布列塔尼”是什麼？

多樣而雄偉的自然風光、古老的巨石遺跡、中世紀和早期現代的基督教紀念碑，以及講布列塔尼凱爾特語的人們簡單而虔誠的生活方式。布列塔尼地區位於法國西北部，有一個半島伸入大西洋，直到16世紀才作為布列塔尼王國獨立。

法國境內的“外國”，即使在被法國吞併後也保留了其獨特的風景和文化。隨著19世紀浪漫主義的到來，許多尋求新題材的藝術家將目光投向了布列塔尼。

在本次展覽“布列塔尼，傾慕之地——莫奈、高更、黑田精機等人的眼中”，我們聚焦於 19 世紀末至 20 世紀初令畫家著迷的時期，包括繪畫、素描、版畫，將展出海報等約160件物品。我們正在探索每位畫家在這片異域土地上尋找和發現的東西。展出的作品來自日本和兩個海外博物館的30多個藏品。

第 1 章“發現布列塔尼：異國之旅”

展覽由四個章節組成。

第一章“發現布列塔尼：異國之旅”探討了自19世紀初浪漫主義畫家“發現”布列塔尼以來，流行了哪些布列塔尼形象。 ”（在鄉村旅行尋找風景如畫的風景），包括英國風景畫家威廉特納的水彩畫。

當布列塔尼異國情調形象的理想化和程式化，以女性形象為代表，戴著 koif（頭飾）和穿著民族服飾，到處都是面向大眾的海報，Eugène Boudin 和 Claude Monet 從印象派旅行一代的作品中，我們可以看到他們以真誠的態度面對布列塔尼的樸實自然。

特別值得注意的是莫奈的 Paul-Domois 洞穴(1886) 和Beryl of the Storm (1886)。

1886年秋天，莫奈在布列塔尼半島南部海岸以野外風光著稱的貝里爾島度過了兩個半月，這是其中的兩個。

它描繪了平靜和驚濤駭浪的對稱景觀。 Paul-Domois的Grotto筆觸柔和，比較有節奏感，而Beryl the Storm，筆觸狂放，彷彿自己的身體感官在暴風雨中被附身，彷彿莫奈的經歷被刻在了畫中，這樣的作為在那裡。

從1890年代開始，莫奈開始呈現一系列畫作，試圖在畫布上捕捉不斷變化的光線和氣氛中的瞬間。

第 2 章“氣候培育的敏感性：高更、Pont-Aven 畫派和土地精神”

第二章“氣候滋養的敏感：高更、阿文橋畫派與大地精神”，展示了保羅·高更等留在西南小村莊阿文橋的畫家的作品。布列塔尼。

高更從1886年到1894年多次在布列塔尼逗留，以逃避巴黎生活的艱辛，似乎對他想要的“野性的東西，原始的東西”的思考加深了。

高更的12件作品（10幅油畫和2幅版畫）是本次展覽的亮點之一。從Bois d’Amour的《Watermill Bathers》 （1886），按時間順序排列，保留了Camille Pissarro的印象派風格，他用簡化的形式和色彩來描繪現實世界和內心意象。我可以追踪到他風格的轉變，如《站在海邊的布列塔尼少女》 （1889），顯示了上面綜合的綜合主義風格的成熟。

《站在海邊的布列塔尼女孩》描繪了兩個女孩手牽著手，凝視著畫家。高更本人試圖在這片土地上尋找的“野性與原始的東西”，體現在農家孩子們忍受勞動和貧困的形像中，比如他們強壯的大腿和朴素的衣服。它以一種假設的形式象徵性地表現出來.

第三章“紮根大地：繼續凝視布列塔尼的畫家”

在第 3 章“在土地上紮根：繼續觀察布列塔尼的畫家”中，布列塔尼從 19 世紀末到 20 世紀初成為旅遊勝地和度假區。這是他的家鄉。

受到浮世繪木版畫的啟發，亨利·里維埃 (Henri Riviere) 是世紀末日本主義的推動者，他自學製作了多色木版畫。里維埃是否將另一個“外國”日本的形象投射到布列塔尼的田園風光中？有趣的是，他把布列塔尼翻譯成日文，畫得好像在日本一樣。

1890 年至 1894 年間創作的 40 幅木刻版畫《布列塔尼風景》 ，不僅以細膩的色彩層次引人注目，而且構圖讓人聯想到葛飾北齋，總有一種似曾相識的感覺。

創立納比斯學派的莫里斯·丹尼斯是一位專注於推廣宗教藝術的畫家，又因為他是虔誠的基督徒，據說與布列塔尼信仰根深蒂固的精神氣候產生了共鳴。展覽中， 《年輕的母親》 （1919）等按照基督教肖像畫傳統描繪布列塔尼一家人的作品引起了我的注意。

此外，從現實與虛構交疊的人間天堂形象，如沐浴（1920）將古希臘的大海投射到布列塔尼海岸，受到古典主義的影響，他在畢業後愛上了古典主義。 1895年後多次去意大利旅行。你可以感受到

與丹尼斯明亮而幸福的風景形成鮮明對比的是，下一個展覽展示了黑樂隊（black group）大量使用黑色，該樂隊以現實主義的方式描繪了布列塔尼的自然和風土人情。彩色作品緊隨其後。

其中，查爾斯·科泰特的3.5米寬巨幅作品《悲嘆，大海的受害者》（1908-09）堪稱代表作。 Kotte 的代表作品，他曾創作過許多以大海的悲劇和忍受自然嚴酷的人們為主題的作品。在海難不斷的布列塔尼聖島碼頭，傳統的基督哀悼畫上疊加了島民對溺水漁民的哀悼。

科特的另一件給我留下深刻印象的作品是《聖約翰的火焰》 （約 1900 年），描繪了為死者祈禱的場景。光影的表現讓人聯想到巴洛克式的繪畫，很美，被篝火照亮的人們的表情有一種莊嚴而略帶寒意的氣氛。

第四章“從日本經巴黎到布列塔尼：日本藝術家的眼光”

最後一節第四章“從日本經巴黎到布列塔尼：日本藝術家的視角”，19世紀末20世紀初在藝術之都巴黎留學（從明治後期到大正時代），並專注於也前往“外國中的外國”布列塔尼的日本畫家。

黑田清輝是日本近代西洋畫界的領軍人物，也是最早造訪布列塔尼的日本畫家之一。1891年與久米慶一郎一同前往布雷亞島，之後任東京美術學校教授. Kuroda 的Brecha 女孩(1891) 被描繪成頭髮垂下來，這對於布列塔尼女孩來說是不尋常的。倫勃朗風格內飾的明暗對比和生動的色彩對比引人注目。

為創意版畫的普及做出貢獻的山本佳苗是造訪布列塔尼的人之一。 《布列塔尼》 （1920年）作為日本畫家在布列塔尼研究的形象而廣為人知，是他回國後根據留日期間的草圖完成的木版畫。強調地平線的畫面構圖和與素描相匹配的簡單背景，沉穩的藍黑色調營造出標誌性布列塔尼女性的寧靜氛圍。

會場內還展出了旅遊指南和行李箱等相關資料，通過這些資料和作品，我感覺就像去布列塔尼旅行一樣有趣。

東西方不同的藝術家都在為同一個大主題——布列塔尼創作，但他們在這片異域的土地上所看到的、採取的方式卻截然不同。一位凝視著布列塔尼美麗風光而憧憬天堂的畫家，一位將貧困和海上事故等嚴酷現實昇華到作品中的畫家。這是一次雄心勃勃的展覽，再次揭示了每位藝術家的個性。

活動將持續到 2023 年 6 月 11 日（週日）。

“布列塔尼，傾慕之地：莫奈、高更、黑田清輝等人眼中的國度”概要

 

文章提供者： kokosil Ueno

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東京藝術大學大學美術館

介紹東京藝術大學從畢業作品和完成作品中精心挑選的優秀作品的“購買展-藝代收藏展2023-”將於3月31日在東京藝術大學大學美術館舉行, 2023.. （展覽時間至5月7日）

*此處介紹的所有作品均歸東京藝術大學所有。

東京藝術大學（以下簡稱藝大）自其前身東京美術學校於 1889 年（明治 22 年）開辦以來，一直在廣泛收集各種藝術作品和資料。大學藝術博物館以廣泛展示龐大的藏品為契機，每年舉辦有主題的“藝代收藏展”。

2023年的“藝代收藏展”是戰後1953年開始的“採購制度”。

似乎有從東京藝術學校購買畢業作品並收集起來用作教材的傳統，目前東京藝術大學收藏的“學生作品”數量超過10,000件。

本次展覽“Kaijoten”收集了其中約100件作品，數量空前，回顧了藝術大學和日本現當代藝術史發源地的歷史。這是一個獨特的展覽，將明治時代主要明星的日本繪畫與令和時代嶄露頭角的藝術家的混合媒體裝置聯繫起來。

展覽由兩部分組成。

Part 1“大師的學生作品”主要介紹明治時期至昭和初期東京美術學校的畢業作品。入選的藝術家畢業後在藝術界的各個領域都扮演著重要角色，將展出他們的畢業作品，可以稱為他們的處女作，以及通常與他們同時創作的“自畫像”。畢業作業，我來了

一進場，東京美術學校一年級學生橫山泰觀的《村堂觀年王》 （1893年）和下村鑑山的《熊野御前賞櫻》（1894年）就映入眼簾。 .板谷羽山的“元祿美人” （1984）以令人印象深刻的陣容迎接我們。

Hazan Itaya 作為陶藝家取得了巨大的成功，但直到 20 多歲他才開始認真從事陶藝工作。在學校期間，他從提倡現代雕塑寫實主義的高村光雲那裡學習了雕塑技術。小袖花卉蔓藤花紋以浮雕方式表現，與葉山後期的陶器作品有異曲同工之妙。從某種意義上說，可以說是陶藝家葉山的起源之一。

引起我注意的是菱田俊素（Shunso Hishida）的《寡婦與孤兒》（1895） ，這位天才畫家創作了許多傑作，但年僅 36 歲就去世了。一個戰死丈夫的女人的表情充滿悲情，讓我們預感到未來等待我們的命運。

東京美術學校成立時，似乎將以歷史事件及其故事為主題的歷史畫定位為探索新日本畫的課題。這部作品據說是根據軍事紀事太平記而作，但其題材是描寫被捲入戰火中的人的悲劇，而不是戰爭的英雄畫卷，這要追溯到中國-日本戰爭當時的製作背景並非無關緊要。

事實上，這部作品曾被一位教授嚴厲批評為“怪物圖”，但卻被當時擔任學校校長的岡倉天心買下。這一集提供了東京美術學校的教育政策和理念的一瞥，它強調現在工作的繪畫有什麼意義，以及應該賦予它什麼意義。

“畢業後在學校自拍”的習俗是在 1896 年成立的西洋畫系教授黑田清輝的指導下誕生的。我得以證實萬津哲五郎、青木茂、藤田嗣治等大師的學習成果，他們的畢業設計出人意料地落選，畢業後才華橫溢。

當我想到這種在世界上幾乎無與倫比的挖掘過去的傳統，現在已經形成了一個對理解日本現當代藝術史極為有用的龐大收藏時，黑田東彥不禁感慨其巨大的意義。 Seiki 的成就。

今年是東京藝術大學採購制度實施70週年。

Part 2“各部門選出的採購作品” ，所有12個部門都有採購系統（日本畫，油畫，雕塑，工藝品，設計，建築，先進藝術表現，藝術教育，文化財產保護研究，全球藝術實踐，一共介紹了52件購買的作品以及他們的選擇意向。突出各部門認定為特別優秀的作品的傾向性。

從各部門的展品來看，“日本畫專業”挑選的是特別表現那個時代的氛圍和特徵的作品，而“雕塑部門”則是從那個時代挑選購買作品的女性藝術家。按年齡最大的順序選擇五個人的方法。作品的選擇和評論都是各系教授從自己的角度來完成的，所以看到他們的個性很有趣。

東京藝術大學最新的專業——全球藝術實踐專業（GAP）成立於2016年的展覽特別有趣。 GAP 探索超越現有文化框架的跨學科當代藝術實踐，吸引了來自世界各地具有不同語言、文化和性別背景的學生，也有來自藝術以外領域的學生。

從GAP購買的作品中，我能感受到東京藝術大學近年來研究領域和表現方式的多元化。例如， Sixte Parc Kakinda 的《Intimate Moments/Monologue》 （2019）是一件繪畫和影像的裝置作品。

面對藝術家根基所在的剛果民主共和國礦山開采的鈾被帶到美國並用於廣島和長崎原子彈轟炸的歷史事實，他對受難者進行了細緻的研究。廣島原子彈爆炸……它是一部鼓勵考慮礦產資源開采的社會和經濟原因及其使用對人類和自然的影響的作品。

這位藝術家在評論中表達了他的失望，儘管他認為自己是連接日本和剛果的橋樑，但他在廣島的繪畫表演卻沒有被日本人注意到，他說：“我是一座看不見的橋。”稻田。這部作品作為 GAP 教育的結果而存在並被購買這一事實似乎具有重大意義，因為它是對日本人種族封閉性的認識。

在第二部展出的作品中，給我印象最深的是工藝部的丸山友美的《一千零一夜》 （1992）。

在由雕刻、錘打、鑄造、漆藝、陶藝、染色、材料造型（木材和玻璃）7個領域組成的“工藝系”中，學生通過材料學習先進的傳統技術，並獲得進一步發展的能力. 旨在附加。

《一千零一夜》是一部使用出色的金屬錘擊技術將吹過山林的風描繪成風神，並以表現人體為母題的作品。我被身體的活力所吸引，它似乎在水中游泳，以及背後有故事的存在感。據考證，畫師丸山友美目前是東京藝術大學工藝係金屬鍛造教授，正在製作。

根據評論，該作品似乎因“融合了金屬錘擊技術和焊接，擴展了作為金屬作品的表現可能性”這一事實而受到高度評價。作為藝術家和教育家，他不斷拓展金屬鍛造作品的表達可能性。

岡山市柳町 1-8-19 岡智美的動手裝置作品（2017 年），跨媒體藝術部成員，也令人難忘。

跨媒體藝術系成立於1999年，追求超越特定媒體框架的各種方法的創造性表達。在以響應不斷變化的信息和環境的活動為目標的同時，我們正在探索藝術在社會中的可能性。

被公認為跨媒體藝術系最優秀畢業生的岡友美是一位新銳藝術家，他利用視頻和空間設計創作以個人記憶和陳舊習俗等為主題的裝置作品。 《岡山市柳町1-8-19》是以我已故祖母的房子為主題的房間型裝置，這所房子真實存在於岡山，以及與之相關的回憶。

在一個充滿真實家具和小物件等物品的黑暗房間裡，通過結合視頻投影、反射、燈光和幾塊亞克力板，藝術家對其祖母的記憶圖像在虛擬和真實圖像之間分層展開。存在著既非過去也非現在的時間軸空間。影片時長約7分鐘，卻帶給你觀影的滿足感。詭異閃爍的燈光和詭異漂浮的祖母畫像，有點日式恐怖的感覺，凝視著，你的意識彷彿被吸入了另一個世界。

這是您參觀本次展覽時絕對應該看到的作品。

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會場裡有各個時代的精彩作品，各種表現手法，但仔細想想，大多數藝術家在創作時都在20多歲，真是太神奇了。感覺
有的可能後來被稱為大師，有的可能畢業後就離開了創作。然而，很明顯，所有的作品都是當時一無所有的學生傾注了他們在一流藝術大學所學到的一切的結晶和一團激情。

肯定有很多作品不知道要等多少年才會下一次面世。希望大家能藉此難得的機會，回顧東京藝術大學的教育歷程，感受歷經歲月，依然不失光彩的作品的力量。

 

“購買的展覽-Geidai Collection Exhibition 2023-”概述

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