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台東區朝倉雕刻博物館

為紀念當代具象雕塑代表人物朝倉京子（1925-2016）誕辰100週年，上野之森博物館畫廊於2025年5月11日（星期日）至5月21日（星期三）舉辦了題為“朝倉京子誕辰100週年”的個人展。免費入場。

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朝倉京子是雕刻家朝倉文夫的次女，朝倉文夫引領了明治至昭和時期的日本雕刻界，以其出色的自然寫實表現力而聞名。

他在父親創辦的朝倉雕刻學校學習雕刻，並於 1942 年入選第五屆新聞展，參加首次展覽。她在日展上多次獲得特別入選，1952年，年僅26歲的她成為該展覽最年輕、也是第一位女性評委，但她似乎為了擺脫父權社會和周圍的各種束縛而離開了展覽。此後，他以自由的立場創作了許多成熟都市女性的形象，確立了自己的風格。他直到生命的盡頭都活躍在藝術的最前線，於2016年去世，享年90歲。

本次展覽將從其逝世後家人捐贈給台東區的藏品中精心挑選12件作品進行展出，主要展出作品為1970年後創作的青銅作品。本次展覽旨在紀念淺倉京子誕辰100週年，並讓人們再次發現這位藝術家的魅力。上野之森美術館也是朝倉京子過世前舉辦最後一次個人畫展的場地。

根據帶我們參觀展覽的朝倉雕塑美術館*首席研究員戶張康子介紹，朝倉京子對於作品模特兒的選擇非常講究，有時她會花上幾年的時間來挑選一個模特兒。適合戴這種眼鏡的很多都是年輕的外國女性或混血女性，臉蛋小巧，四肢修長，身材時尚。

(※)…這裡是朝倉文雄在台東區谷中的工作室兼住所，朝倉京子就是在這裡從父親那裡學習雕塑的基礎知識的。現在它作為博物館向公眾開放。

「Tsuki」系列包含三件作品，它們以大膽的特徵吸引著觀眾。其中一幅全身像展現了人物奇特的姿勢，彷彿在跳舞，充分傳達了他精緻比例的美感。雕塑家的精湛技藝體現在肌肉的對稱表達上，下半身緊張，雙臂放鬆，這體現在獨特而動感的姿勢中，以及人物踮起腳尖時的平衡感中。

優雅的「帽子」是一頂大帽子，低低地戴在眼睛上，是朝倉京子特別喜歡的作品之一。雖然從正面看不到人物的表情，但雙手在胸前張開的優美表情為作品增添了迷人的優雅，而且根據觀看的高度和角度，給人的印像也會有所不同。

據戶張說，從這部作品開始，這種手勢表達就成為朝倉京子作品的重點。

雕塑家佐藤忠義表示：「手確實是容易引起注意的生物，如果你稍有疏忽，它們就會自言自語，變成俗氣的雕塑。然而，在京子的作品中，例如在《帽子》中，她巧妙地運用了手勢表達，讓我們在面對作品時，彷彿她正在創造一個與我們對話的時空。”

會場中特別引人注目的作品是「F」 （後來改名為「Rest」 ），這是朝倉今日子作品中罕見的男性人物，以歌手布施明為原型。該作品描繪了一位忙碌的年輕歌手在短暫的空閒時間在露台上休息的場景，於1979年獲得了第七屆長野市戶外雕塑獎。部分腳從黑色底座伸出，是雕塑家想要傳達的一種放鬆心態的形象。

順便說一句，朝倉京子的作品遍布日本各地的公共場所，這幅作品被安裝在長野縣長野市的城山公園。 「休息」這個標題與這個被茂密綠樹環繞的田園詩般的地方完美契合。雕像從石質基座中伸出身體，腳尖著地，顯得輕鬆愜意，彷彿正在野餐。這必定會讓觀眾感到心靈愉悅。

會場的最深處，展示著同樣被選為本次展覽主視覺圖的「Lisa」 。托巴里表示，這件作品是將女性自然站立姿勢昇華的雕塑，其顯著特點是從任何角度、360度看都是「完美無瑕的」 。

「很多時候，一件藝術品都有正面，或者說，當你站在作品前時，它就是雕塑家想要展現的那一面。京子的作品，無論從哪個角度觀看，姿勢都是固定的。京子的作品沒有人類的弱點。這件作品讓你體會到了這一點。我認為這件作品解答了雕塑對京子的意義。」

托巴里也呼籲人們關注這件作品的底部。

顯然，讓雕塑用兩條腿站起來需要很高的技巧。您經常會看到一些雕塑，您腳下的地面與雕塑本身融為一體。這就是所謂的“jiama”，它也起到像砝碼一樣的作用，調整作品的重心。

一位雕塑家曾說過，如果留出一些“餘地”，平衡性會更容易調整，但這件作品卻沒有。京子老師的神奇之處在於，她能如此輕鬆地完成如此高難度的創作。這件作品的創作過程，是用黏土原型製作石膏模型，然後澆注青銅完成的。為了讓它像人一樣站立，並用黏土塑造形狀和平衡感，研究人體至關重要。想像一下這個過程，你會發現，京子那些時尚的作品，正是源自於敏銳的觀察力和精湛的技藝。

縱觀整個作品，顯然距離創作已經過去了相當長一段時間，但令人驚訝的是，女性人物卻絲毫沒有顯露出衰老的感覺。她之所以能成為一件永恆的藝術作品，原因之一在於她簡約的時尚風格，最大限度地展現了她的外在美。他的手指插在牛仔褲口袋裡，臉上帶著莊重的表情，但他並沒有刻意表現得很酷。她自然、自由的女性形像似乎與在仍由男性主導的藝術界努力擺脫父親保護的朝倉京子有重疊。

最後，戶張對於朝倉京子作品的吸引力提出瞭如下看法：

「朝倉文夫的作品往往被安置在高處，所以很多作品都是仰視觀看的。而京子的作品則相反，通常被安置在與觀者相同的高度。空間與作品融為一體，營造出一種輕鬆親近的感覺，彷彿我們融入了作品之中。我認為這是一大魅力，也是他的作品至今仍被安置在戶外空間並為人們所熟悉的原因。」

朝倉京子的雕塑就像一種提神的補品，為城市景觀帶來一絲清新的氣息。即使您錯過了這次展覽，我們也鼓勵您去尋找朝倉京子的作品，其中許多作品分散在東京各地，感受它們活潑的氛圍和永恆的美麗。

 

此外，朝倉雕刻美術館將於2025年9月13日（週六）至12月14日（週日）舉辦「朝倉京子：誕生100週年」特別展。這是朝倉文雄和京子父女共同創作的雕刻空間首次在美術館展出。詳情請參閱朝倉雕塑博物館官方網站。

[參考] 可查閱過去展覽會的相關文章。
紀念朝倉文雄逝世60週年特別展：“奇妙的貓生：朝倉文雄與貓，有時還有狗”
（長度：2024 年 9 月 14 日星期六至 2024 年 12 月 24 日星期二）

 

「朝倉京子誕辰100週年展」概要

朝倉雕刻美術館（台東區谷中7-18-10）

*本文內容來自訪談時。

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東京國立博物館

蔦屋重三郎(1750-97)，又稱“蔦屋”，是江戶時代著名的出版商。目前，位於東京上野的東京國立博物館正在舉辦特別展「蔦屋十三郎：內容產業的風雲人物」 ，該展覽與2025年大河劇《Berabou – 蔦屋榮華的夢番》相結合，該劇將以蔦屋為主角。展覽將持續到2025年6月15日星期日。

*展覽期間，部分展出作品將會有所變更。
展覽前半段：4月22日（週二）～5月18日（週日）
延展時間：5月20日（週二）—6月15日（週日）

發現歌麻呂和寫樂的江戶媒體大亨蔦屋十三郎

蔦江於 1750 年出生在吉原，這是幕府正式承認的妓院。他最初是一家租賃書店，後來成為出版商，他將自己的網絡擴大到包括武士、富裕的市民、受歡迎的演員、劇作家和藝術家，開發了媒體組合併為江戶出版業引入了各種新理念。

他緊跟時代潮流，出版了《黃頁》、《寫本》、《鏡花緣》、《浮世繪》等多種刊物，創作出許多暢銷作品。它也因培養出喜多川歌麿、東洲齋寫樂等浮世繪藝術家而聞名，他們現在被認為是世界知名的日本藝術家。

本次展覽透過展出前半部和後半部的共約250件作品，追溯當時具有巨大影響力的人物蔦江的活動，讓參觀者感受到他所創造的價值觀和藝術性。

第一章：吉原細見、Sharebon 和黃皮書的創新

展覽分為三個章節和一個附錄。在第一章的入口處，迎接遊客的是吉原大門，這是吉原紅燈區的唯一入口。

這是拍攝歷史劇《パラヴィパネパ》時使用的實際場景，據說在製作場景時參考了歌川豐春、歌川國貞、歌川廣重等人的浮世繪。門後是模仿吉原主要街道中野町的空間，成排的櫻花和路燈營造出春天的氛圍。

第一章展示了吉原指南《吉原齋民》，這是蔦江出版生涯的起點。

《吉原裁民》最初由另一家出版商出版，但存在許多問題，導致其失去信譽，包括無法跟上吉原資訊的快速變化。
相較之下，蔦首次再版的吉原報紙《硬花》，不僅利用了在吉原長大的父母的信息網絡來更新最新信息，而且還改進了版面，將妓院排列在街道的兩側，使報紙的頂部和底部彼此相對，方便讀者在街上行走時將其拿在手中。他們還透過將兩頁資訊合併到一頁來降低成本，從而為正在衰落的吉原百貨吸引了大批顧客。

Tsutaju 在其出版活動中不斷追求人們所喜歡的東西，很明顯此時它已經完全以消費者為導向。

展覽讓參觀者可以比較《吉原撰文》新舊版本之間的變化，同時也展示了為提高出版物商業價值所做的各種嘗試，例如請當時最受歡迎的漫畫作家之一三輕傳撰寫序言。

蔦江獨立出版的第一本出版品是《人女千本》 （1774 年），這是一部記載妓女聲譽的紀實，其中將妓女比作插花。錦繪《青樓美人合照鏡》 （1776年）由蔦江策劃，由人氣畫家北尾重政和勝川春章共同繪製，描繪了各青樓妓女在一年四季忙碌地彈奏古箏、繪畫、書法、插花等藝術和娛樂活動。

據信，這兩幅作品的資金來源都是畫中的妓女、她們的贊助人以及妓院老闆，而這些「賺錢」的作品並沒有給蔦江自己的腰包帶來太大的壓力，因此成為了蔦江的主要商業模式之一。

蔦江展現了他出色的出版技巧，並透過可靠、標準的產品積累了經濟實力，例如獨家出版在江戶流行的淨琉璃木偶劇原版《富本節》以及大量製作寺廟學校和其他機構使用的基礎教科書《往物》。

同時，該公司聘請了受歡迎的作家和插畫家，開始出版《kibyōshi》和《sharebon》漫畫等人氣文學作品。例如，法正堂吉山次的《三德一目》 （1781 年）使蔦江的名字在漫畫界家喻戶曉，三教傳的戲仿作品《盒裝少女，假麵店的美人魚》 （1791 年）則描繪了《浦島太郎》的續集，是在寬政維新時期出版期間創作的。

第二章：鏡花的崛起－蔦丸與文化人物的關係

第二章則聚焦在蔦江與鏡歌（一種模仿和歌並將諷刺和反諷融入社會狀況的短詩）的關係，鏡歌在江戶風靡一時，尤其是在天明時期（1781-89 年）。

創作歌頌江戶的鏡歌文化最初是受過教育的武士階級的一種消遣。隨著寬政改革蔓延至市民、演員、畫家等各行各業，蔦重也以「蔦唐丸」之名進入了歌謠界。在從事文學活動的同時，他也找到了新的出路，成為一名出版商，將人們讀過並丟棄的狂歌詩彙編成名為狂歌書的出版物。他與太田南步、唐衣菊秋、修羅菅江等當時的文化先驅們交流，引領了時尚發源地吉原的繁榮。

此外，蔦重還開創了一種新的鏡歌繪本類型，在先前只有文字的鏡歌書上添加了圖畫，並獨家出版。在鏡歌繪本中，由富有的鏡歌詩人為了出名而出資製作的銀質插頁繪本，其印刷華麗，採用雲母印刷、空氣印刷等技術，堪稱藝術品。

本章的亮點是北川歌麿繪製的京歌詩集，北川歌麿的才華被蔦江發現，而他幾乎全部受僱於蔦江。歌麿的鏡花繪本三部曲《畫本蟲泉》 （1788年）、 《潮日的綱》 （1789年）、 《百鳥鏡花和》 （1790年）分別以昆蟲、貝類、鳥類為主題，展現了歌麿素描的高精細度和敏銳的觀察力。

這裡也展出了《歌枕》 （1788 年），這是一本枕畫（春宮），據信是歌麿生前創作的。負責此次展覽策劃的東京國立博物館策展企劃部長松島雅人表示，這是該博物館150年歷史上首次展出枕骨畫。

作品由12幅大型橫向錦繪版畫組成，描繪了茶館中男女之間錯綜複雜、微妙的互動，包括混亂和談判的場景，其中《茶館二樓》這幅畫被認為特別美麗。 （圖片僅供參考）
畫中描繪的是一段暗戀，雖然女子是從背後看去，看不到表情，但從女子撫摸男子臉頰的動作可以看出她對男子的愛意，而男子的右眼從女子的髮髻下探出，顯得平靜而清醒；男人和女人之間交織在一起的意圖以及那一刻的真實感簡直令人驚嘆。

對於這幅畫，松島評論道：“雖然無法得知歌麿作畫時的想法，但觀者可以想像出兩人之間不同的情感，可見畫作的層次和深度。”

第 3 章：“探索浮世繪藝術家：歌麻呂、寫樂與永正齋朝喜”

第 3 章追溯了蔦江出版生涯後半段的活動，從寬政時期（1789-1801 年）他進軍浮世繪版畫開始。展覽將展出西村屋與八、若屋與一等其他出版社出版的作品，以及代表被稱為浮世繪黃金時代的 18 世紀後期浮世繪世界的傑作。

蔦穂發現了喜多川歌麿、東洲齋寫樂、永松齋鐘喜等著名藝術家，並策劃出版了充分發揮他們魅力的浮世繪。當時，各種出版商都在嘗試浮世繪的新方法，但蔦十番的作品的特點是，它們採用了“大頭像”的構圖，大膽地將人物的臉部特寫，這是演員畫中經常使用的一種風格，而美女畫則以全身像為美女。

美人畫的代表人物歌麿與蔦重聯手，運用「大頭畫」技法，細緻刻畫人物的表情和動作，連感情都表現出來的表現手法廣受歡迎。此外，他先前的美女肖像畫主要以妓女為主，但現在也開始創作以普通女性為主題的作品。

例如， 《三美人》 （1793 年）描繪了寬政時期浪川家的流行海報女郎：沖田、高島大笠和富本豐奈。乍一看，這些臉似乎都一樣，但仔細觀察後，你會發現每幅肖像都捕捉到了眉毛、眼角、鼻子和輪廓的微妙個性。

由於美女肖像一般都描繪了各個時代理想的面容和體型，因此這種將現實主義帶入幻想世界的嘗試，在某種意義上是極具開創性的。

東洲齋寫樂在第三章的結尾被重點介紹。寫樂是日本最傑出的浮世繪藝術家之一，但實際上他的活躍期只有大約 10 個月。他是個神祕的人物，如彗星般出現在江戶，然後又消失得無影無蹤，留下了140多件藝術作品。

他是蔦江為了壟斷演員插畫事業而發掘的明星，其代表作全部由蔦江出版。繼歌麿的美女肖像畫和大頭演員畫作的成功之後，他首次以一本出版物的形式亮相，出版了 28 幅印在黑雲母上的華麗大版錦繪版畫，涵蓋了戲劇作品的劇目。

其中之一就是大谷鬼次三世 (1794) 的江戶兵衛，大多數人可能都至少見過一次。這是《戀愛女友醒來手綱》中的一個場景，描繪了江戶兵衛準備攻擊一平以從他那裡偷走一些錢；他雙手的獨特姿勢捕捉到了他即將脫下夾克的瞬間。結合其對聯畫《初代市川男造藥光一平》 （1794年）的悲劇表現，作品散發出一種極其緊張的氣氛，與黑雲母版畫的深色背景相得益彰。

寫樂的畫風一般被說成是變形，但實際上可以說是高度寫實主義的風格，他毫不留情地暴露面部特徵，不僅描繪出演員自己想要隱藏的皺紋和法令紋，甚至連女性角色的骨骼結構也一併表現出來。

當時，其他藝術家都以一種美化的方式描繪演員。不難想像，蔦江已經預料到這種寫實的表現方式會成為一種新趨勢，但許多熱愛歌舞伎的人都夢想著自己喜歡的演員能夠扮演這些角色。寫樂的畫作過於寫實，不僅不受粉絲歡迎，就連演員本人也不喜歡，始終沒有流行起來。

無論結果如何，這些反映現代人內心想法的錦繪版畫，代表了出版商蔦重在人物表達方面以及浮世繪方面的一個里程碑。

附錄：“天明·寬政時代的江戶城”

18 世紀下半葉的江戶，蔦重創立了他的書店和出版社“幸書堂”，當時的江戶正值經濟和文化蓬勃發展的時期，發展成為一個堪稱“大江戶”的迷人城市。

附錄中，歷史劇《Berabou》的藝術團隊重現了當時日本橋地區的街景。除了展示日本橋四季的CG影像外，館內還展出了劇中使用的道具、佈景素材，講解了江戶文化是如何融入故事的。

請注意，您只能拍攝徽章，但不能真正進入大樓。

本次展覽旨在盡可能地喚起江戶的氛圍。該劇每週都會展示蔦江製作的出版物，許多原版也將在會場展出，因此熱衷於該劇的觀眾可能會發現許多新發現。

特別展「蔦屋重三郎：內容產業的驅動力」概要

*本文內容為訪談時的最新內容。最新資訊請關注展會官方網站。

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台東區博物館

下町風俗資料館於1980年開館，旨在將東京下町的美好舊時光的文化和傳統傳承給後代，接待了包括訪日外國遊客在內的眾多遊客。由於設施老化而進行大規模翻修，該博物館自 2023 年春季起關閉，但現在已以新名稱「下町博物館」重新開放。

※關於下町風俗資料館的過去情況，請點這裡⇒
https://www.culture.city.taito.lg.jp/ja/reports/29750

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此次大規模改造，展覽面積由原侷限於一、二樓擴大至三樓。也增設了哺乳室、無障礙廁所等新設施，讓更多人能享受到便利。

一樓的展覽室重現了1950年代市中心的街景。故事的原型是位於台東區坂本市金杉通（現為根岸三丁目）的燈籠店的一角。坂本市在關東大地震和東京大空襲中倖免於難，直到最近幾年，這裡還保留著許多古老的街道和建築。您可以進入實體大小的公寓大樓，體驗當時的生活方式和氛圍。

改建前重建的展覽以大正時代為藍本，但根據博物館研究員近藤武史介紹，他們決定徹底改造內容，以紀念博物館開館 40 多年來的首次大規模改建。

「我們之所以決定將展覽時間設置在 20 世紀 50 年代，也就是 60 到 70 年前，是因為我們想鼓勵當時的人們帶著家人來參觀展覽，並進行這樣的對話，『哦，原來這個工具是這樣使用的』」，近藤說道。

此外，金杉通還保留著許多圖紙等研究資料，而作為展覽核心的五十嵐燈籠店的老闆五十嵐先生仍然健在，並能提供各種形式的合作，這也是該模型的決定性因素。
（雖然建築已經重建，但五十嵐燈籠店仍在營業。）

1960年代，由於關東大地震後地區和街道的再開發，以及戰後重建帶來的經濟快速成長，市中心的生活品質似乎有所提升。展覽區內設立的大螢幕播放著懷舊風格的動畫電影，讓人回想起當時的金杉通。

影片中，主幹道兩旁排列著“表手公寓”，這些公寓是商業和住宅建築，內設商店、餐廳、美容院等，有電車和汽車沿路行駛，還有賣蔬菜的手推車和拉麵攤。影片傳達了這樣的理念：在新時代的浪潮中，傳統的生活方式仍然蓬勃發展。影片刻意沒有使用背景音樂，而是透過強調電車運行聲、鳥兒鳴叫聲等環境聲音來增強真實感。

即使電力和燃氣等基礎設施已經發展起來，燈籠仍然是舉辦許多節日的市中心地區不可或缺的必需品。五十嵐燈籠店自江戶時代末期就開始營業，店內重建了組裝和刻字燈籠的工坊。那裡有一排排圓形的節日燈籠、用於固定燈籠頂部和底部的鐵砧和錘子，以及用於添加文字和顏色的畫筆。

館內收藏的家居用品、家具等基本上都是由當地居民捐贈的，因此有磨損的痕跡。這個博物館的吸引力之一是您可以觸摸物品並感受它們的質地和重量。 （搬運時請小心輕放。）

起居空間和廚房一直延伸到車間的後方，如果你從廚房的後門出去進入小巷，你會看到對面的「後巷」建築。除了從家到工作地點通勤的手工藝人和辦公室職員之外，後巷裡還居住著街頭紙芝居說書人等小販，展覽重現了紙芝居說書人的住所。

入口處的階梯上擺放著用來存放廉價糖果的玻璃罐和木盒。紙芝居說書人靠著向前來觀看說書的孩子們出售廉價糖果為生，但在無法講書的下雨天，孩子們有時會來到他們家裡討要廉價糖果。

如果仔細觀察展品，就會發現就像動畫中描繪的日常場景一樣，既有新舊元素的融合，例如「廚房裡有瓦斯爐，也有正在使用的炭火烤架」。據近藤說，他特別注重現這段過渡時期的氛圍。當小學生進行實地考察時，他們有時會以遊戲的方式讓他們學習，要求他們“想想在燃氣爐發明之前我們用什麼做飯，並嘗試找到具有相同功能的物體！”

二樓為常設展覽室，可以了解從明治時代到1950年代以台東區為中心的市中心的歷史與文化。

一進門，就看到一個介紹展覽，屏幕上播放著兩種視頻：一種是以西洋雙陸棋遊戲的形式追溯台東區歷史的視頻，另一種是介紹支持我們祖先生活的日常用品的視頻。此外，銀幕前的舞台上也展示電影中出現的日常生活實物，依照「衣」、「食」、「住」、「商」、「業」等類別排列。

「最初，我們的想法是挑選並展出代表下町博物館的藏品中的一件。然而，即使作為策展人，也很難明確定義‘下町’的概念，而且不可能僅用一種材料來表達。因此，為了更好地展現‘下町’，我們將作為家庭聚會中心的矮腳桌（傳統的餐桌）置於中心，並將物品以散佈的方式擺在我們周圍的方式，我們所決定的方式就擺在我們周圍。

展出的物品種類繁多，從今天孩子們熟悉的餐桌和招財貓，到令和時代已經完全消失的玻璃捕蠅器和商人會計辦公室用來存放銷售收入的存錢罐。觀察這些未知的工具並想像它們的各種用途也很有趣。

接下來，展覽分為「1.江戶時代以來的市中心文化與生活」、「2.關東大地震與復興」、「3.戰爭時期的生活」、「4.從廢墟中重新開始」、「5.邁向經濟的快速增長」和「6.與我們台東區息息相關的生活」。回顧隨著每個時代的重大變革，街道景觀、生活方式等發生了什麼樣的變化。

以前在設施入口處迎接遊客的「自動電話」（後來成為公用電話）也出現在該地區，成為市中心變化的象徵。日本第一部自動電話於1900年安裝在上野站和新橋站。

雖然很容易被忽視，但抽屜裡隱藏著各種文件，所以一定要檢查一下。例如，台東區是1927年日本第一條地鐵（現在的銀座線）經過的地區，《上野～淺草間建設概要》就是一本概括當時地鐵建設概要的小冊子。目前的銀座線是從淺草到上野，然後在新橋向西轉向澀谷，但有趣的是，文件指出，最初的計劃是從新橋到禦成門，然後再到品川。

新開放的三樓區域設有特別展覽室和市中心資訊角落。

企劃展覽室的展品每年更換三次，大約每四個月一次，紀念首次企劃展覽的主題是「繁華的都心是怎樣的城鎮？」本書首先探討了下町是怎樣的一個城鎮，從它在東京下町的建立（最初建立時，台東區似乎不包含在下町內）到它的擴張，以及生活在那裡的人們的職業和性格。

鄰近的下町資訊角落設有一個名為「下町資料搜尋」的觸控螢幕終端，可供遊客了解更多有關博物館收藏的資料。

如果你對一樓的複製展品或二樓的介紹展品感興趣或有什麼不明白的地方，那麼你可以放心來這裡。您還可以查看未展出材料的數據，這將有助於您的學習和研究。
（這取決於繁忙程度，但如果您對材料有任何疑問，策展人會很樂意為您解釋。）

還可以自由體驗劍玉、臉、松風陀螺、算盤、秤等舊玩具和日常用品，長椅還可以用作休息區。透過大窗戶可以一覽不忍池的全景，是欣賞櫻花、蓮花、秋葉等四季景色變化的絕佳地點。

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下町博物館一定會為從兒童到老人的各個年齡層的人們提供各種各樣的發現和樂趣。經過重大改造後，博物館煥然一新，但近藤說，博物館從下町博物館時代繼承下來的一件事是，遊客的真實生活故事總是出乎意料。

「這些展品就像催化劑一樣，讓參觀者回憶起當時的情景時感到興奮，並說『哦，發生了那件事！』或者祖父母將自己親身經歷的知識傳授給孫輩，其他來訪者聽到後也紛紛點頭附和……這樣的場景我們每天都能看到。自然而然地，你會聽到一些文獻中沒有記載、只有親身經歷過的人才能獲得寶貴的信息。

這裡非常適合在不忍池散步後快速遊覽，何不順便去看看呢？與整修前一樣，街頭紙芝居表演、傳統工藝展示等活動將繼續舉辦，因此請查看官方網站以了解時間表等詳細資訊。

下町風俗資料館概要

*本文內容為訪談時的最新內容。請查看官方網站以獲取最新資訊。

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國立西洋美術館

「我們從哪裡看西洋畫？——從文藝復興到印象派：聖地亞哥藝術博物館 vs. 國立西洋美術館」（俗稱「我們從哪裡看它？」展）在東京上野國立西洋美術館開幕。活動將於 2025 年 3 月 11 日至 6 月 8 日舉行。
我參加了之前舉行的新聞發布會，所以我想分享一些會場的照片。

兩家博物館的收藏互動，從不同角度探索其吸引力

展覽匯集了聖地牙哥藝術博物館和美國國立西洋美術館的藏品共88件，追溯了從文藝復興到19世紀末600年間的西洋美術歷史，並提供了欣賞作品的技巧。

聖地牙哥藝術博物館是美國西部最早全面收藏西方古典繪畫的藝術博物館之一，因與西班牙殖民者建立的聖地牙哥有著文化和歷史淵源，所以收藏以西班牙藝術為主。

展覽囊括了多幅西班牙藝術傑作，包括「bodegón」（西班牙靜物畫）之父胡安·桑切斯·科坦的《靜物與榅桲、捲心菜、甜瓜和黃瓜》以及埃爾·格列柯、蘇巴朗、索羅拉等人的作品。來自聖地牙哥藝術博物館的49件藏品均為首次在日本展出。

另一方面，國立西洋美術館擁有東亞地區唯一的西洋畫綜合收藏館。策展人河瀨優介（國立西洋美術館首席研究員）這樣介紹此次展覽的背景：

「在僅由從一家博物館借來的作品組成的藝術展中，即使可以欣賞到每件作品，也往往很難了解藝術家的個性或藝術家在藝術家藝術生涯中的地位等背景。國立西洋美術館的常設展也是如此。因此，這次，我們決定合併兩家博物館的藏品，將同一藝術家或主題的作品分組排列，進行更深入的藝術。展覽的舉辦旨在以易於理解的方式傳達西方美術的有趣世界。

正如川瀨所說，展覽實際上分為 36 個子主題。例如，第 1 章探討了從喬托到博斯（工作室）意大利和低地國家（今比利時和荷蘭）文藝復興時期繪畫的發展，將喬爾喬內（1477 / 78-1510）和雅格布丁托列托（1518-1594）的作品並列為“威尼斯文藝復興時期肖像”。

喬爾喬內三十多歲就去世了，因此留存的文獻非常少，他的一生依然籠罩在神秘之中，但他被認為是威尼斯繪畫盛期文藝復興風格的創始人。他的《男子肖像》 （1506 年）現藏於聖地牙哥藝術博物館，雖然尺寸不大，但卻是文藝復興時期肖像畫的傑作之一。對身體特徵的精確描繪和柔和的陰影實現了革命性的真實感。

另一方面，丁托列託在喬爾喬內去世後與提香、委羅內塞並列為16世紀威尼斯繪畫三大大師。展覽將聖地牙哥藝術博物館藏喬爾喬內的《老人肖像》 （約1550年）和國立西洋美術館藏的《大衛像》 （約1555-1560年）與喬爾喬內的作品並列展示，並附有說明文字，展示了丁托列托如何發展喬爾喬內的透過色彩漸變來表達的技巧。

西班牙最重要的靜物畫家的傑作即將登陸日本，他曾對戈雅和畢卡索產生影響

第二章按地區介紹了17世紀巴洛克藝術的特點，並展示了展覽的亮點——胡安·桑切斯·科坦（Juan Sánchez Cotán ，1560-1627）的《靜物與榅桲，捲心菜，甜瓜和黃瓜》（約1602年）。

16 世紀末至 17 世紀初，靜物畫開始在整個歐洲獨立創作，在西班牙，一種被稱為“bodegón”的靜物畫風格得到了特別發展，這種風格以與食物和餐桌相關的主題為特色。桑切斯·科坦（Sánchez Cotán）是1600年前後活躍於托萊多的一位畫家，他設計了一種獨特的構圖技巧，將少量常見的蔬菜和水果（如這幅作品中所示）排列在石框上，並用類似聚光燈的燈光照射它們，以突出明暗對比。它為西班牙靜物畫樹立了持久的典範。

策展人邁克爾布朗（聖地亞哥藝術博物館歐洲藝術策展人）評論這幅作品的吸引力時說，“乍一看，這似乎是一個簡單的構圖，但中心的一處黑暗空白卻散發著無限的元素和一種神秘而不可觸及的氛圍。”

河瀨表示，在桑切斯·科坦現存的六幅靜物畫中，這幅畫“最為均衡，是他的傑作，清晰地表達了桑切斯·科坦獨有的莊嚴與寧靜”， “這幅作品來到日本，本身就是一件大事”。

比較西班牙的靜物畫，有繼桑切斯·科坦之後的代表人物胡安·范德阿芒特（Juan van der Ament ，1596-1631）的華麗而裝飾性的《水果與野禽靜物籃》 （c.1621），以及因畫了許多聖人肖像而被稱為“僧侶”的《巴蘭科·德·齊蘭科( Francisde （c.1635-40）喚起人們安靜的冥想和祈禱。無論從構圖還是手法上，他們都明顯地繼承了桑切斯·科坦的傳統。

此外，展覽還展出了藝術家本人的4件作品，包括其拿手好戲——大型單人畫《聖多米尼克》 （1626-27年）以及其成熟時期的慈悲傑作《聖母子與聖約翰》 （1658年）。它簡潔地闡述了他的藝術生涯的演變，從深刻的雕塑現實主義到甜美的理想化表達，彷彿被一層光的面紗籠罩著。他的作品總是瀰漫著一種優雅、寧靜的氣息，讓人感受到藝術家一貫的美學意識。

真實的威尼斯與想像中的羅馬：義大利城市風景畫朝不同方向發展

第 3 章重點介紹引領 18 世紀藝術的義大利和法國繪畫的發展，並研究每種流派的特徵：風景畫、肖像畫和風俗畫。這裡正在展出威尼斯和羅馬城市景觀的引人注目的對比展。

18世紀的英國及阿爾卑斯山以北的國家流行“壯遊”，上流社會的子弟為了獲取文化知識，遊歷歐洲各個城市，其中包括歐洲文明的發源地意大利。他們回國時尋找的紀念品之一是城市景觀畫，或稱為“vedota”，這種畫作在“大旅行”的兩個主要中心威尼斯和羅馬十分盛行。

威尼斯城市風景畫方面，展覽將展出貝爾納多·貝洛托（1721-1780）與弗朗西斯科·瓜爾迪（1712-1781）的作品，他們與加納萊托並稱為威尼斯風格三大大師。每件作品都以高度現實主義的方式捕捉了這座宏偉水城的標誌性風景。而羅馬的展覽，雖然同樣位於義大利，卻不再對特定地點的再現，而是呈現了一個現實與虛幻交織的懷舊世界。

例如，被稱為“廢墟中的羅伯特”的於貝爾·羅伯特（Hubert Robert ，1733-1808）在其兩幅風景畫中，就將實際上位於不同地點的著名古代作品聚集到了一起，如卡比托利歐廣場上的馬可·奧勒騎馬雕像和圖拉真柱，其中還包括一座想出來可能是他憑空的神廟。由於人物身著 18 世紀的服裝，作品強烈反映了當時人們想要欣賞古老建築廢墟的視角。

這些畫作被稱為城市景觀畫中的“Capriccio”（奇幻畫作）。羅馬的城市景觀中有許多搖搖欲墜、風化的廢墟和歷史建築，似乎成為畫家的重要靈感來源，畫家自由奔放的思想激發了旅行者的想像。威尼斯變得真實，羅馬變得幻想。由此可見，地域特徵對於某一繪畫流派的興盛有多大的影響。

透過兩位女畫家卡佩和貝諾伊斯特了解從洛羅科到新古典主義的轉變

第三章中，有兩位女畫家瑪麗-加百列·卡佩（Marie-Gabrielle Capet ，1761-1818）和瑪麗-吉耶米娜·伯努瓦（Marie-Guillemine Benoît ，1768-1826）的肖像畫對比展，清晰地展現了18世紀秩序、新銳主義的純正、新鮮主義的經典風格。

從18世紀下半葉起，法國開始湧現女性藝術家，卡佩和伯努瓦都是代表性畫家，她們的名字均在1791年的沙龍（官方展覽）中展出，這是法國大革命後女性首次被允許參加展覽。

在卡佩的自畫像（約1783年）中，年輕的藝術家身著華麗的藍色連身裙，戴著典型的洛可可風格的絲帶和捲髮，而年輕藝術家注視著我們的表情是如此明亮和歡快，讓人難以停止凝視。你可以看到他的自信，就好像他對自己的技能感到自豪。相較之下，伯努瓦的《女子肖像》 （約 1799 年）則明顯展現出新古典主義傾向，其尋求從古典藝術中汲取的靈感，其古典風格的白色襯裙以及雕塑般、穩定的身體描繪。

不僅作品本身的品質很高，而且就像上面提到的城市景觀畫一樣，很容易知道應該看哪裡來欣賞展覽，因此對於初學者來說這是一個必看的展覽。

柵欄的繪畫方式如何改變繪畫的印象？

第四章聚焦在19世紀人物形象的多樣性，其中展出了印象派畫家的「樹籬表面」的比較展，這多少讓人有些驚訝。

展覽的重點是樹籬圖案，這是鄉村地區的常見特徵，曾在卡米耶·畢沙羅（1830-1903）的作品中出現。畢沙羅是最年長的印象派畫家，他離開巴黎去研究蓬圖瓦茲周圍農民的生活，而美國畫家西奧多·羅賓遜（1852-1896）則在莫奈居住的西爾維尼學習藝術技巧。書中闡述了柵欄如何與人物心理聯繫，以及如何有效地利用柵欄作為創造空間的裝置。

由於展覽提出了從這個有些小眾的視角欣賞藝術品的方式，即使是希望深入了解西方藝術的中級和高級愛好者也可以期待有一些新的發現。

不拘泥於思維，隨心所欲欣賞－藤岡靛的電影欣賞方式

展覽的語音導遊藤岡靛 (Dean Fujioka) 也出席了新聞發布會。

回顧語音導覽的錄製過程，藤岡說：「如果像『Koko Miru展』那樣過於強勢，意圖就會改變。在會議期間，我被告知了作為判斷標準的關鍵點，例如不同時代的背景、社會氛圍、宗教觀點、如何選擇要繪製的主題、觸感和繪畫方法，我用自己的方式進行解讀，希望將它們作為一種指導和導航來傳達。」

他也提出了自己的觀影方式，他說：「我覺得當你創作自己的故事時，它會產生你自己的視角，以及你在每一天、每一刻的享受方式。（當主持人問這是否意味著你先面對作品，然後再與自己的內心情感對話）說得更直白一點，是的。這就像在你的腦海裡不斷循環著笑話和回應。」

「宗教主題和背景多種多樣，有些作品具有相當多的諷刺潛力。我試著以一種隨意的方式欣賞它們，不受任何限制，」他繼續說道。看著蘇巴朗的《聖多明尼克》，他以獨特的視角描述了藝術家的魅力，“他仰望天空，雙手擺出可愛的心形姿勢”，引得在場觀眾大笑。

另外，展覽期間還將舉辦為期四天（夜間開放日）的「夜見妖怪」活動。如果您穿著自己的風格並宣布您被邀請參加晚會，您將獲得一張原創明信片，因為展覽中有許多令人著迷的人物。會場內還設有拍照區，以及面具、扇子等「晚會拍照道具」。
*詳細行程及注意事項請查看展會官方網站。

除本次展覽外，從聖地牙哥藝術博物館借來的五幅畫作也在永久收藏中展出，其中包括戈雅的《維森特·瑪麗亞·德·維拉·德·阿拉貢，拉羅卡公爵》（約 1795 年）。如果您持有當天有效的「Dokomiru展」門票，則可以免費參觀常設展覽，所以千萬不要錯過。

「我們該從哪裡看西方繪畫？——從文藝復興到印象派：聖地亞哥藝術博物館 VS 國立西方藝術博物館」摘要

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文章提供者： Kokosil Ueno

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東京都美術館

一場回顧與畢卡索、達利並列西班牙三大大師的畫家胡安·米羅70年創作生涯的大型展覽，在東京上野的東京都美術館開幕。活動將於 2025 年 3 月 1 日至 7 月 6 日舉行。

*本文中的照片是在新聞預展時獲得許可拍攝的。

胡安·米羅（1893-1983）是西班牙加泰隆尼亞畫家，20世紀20年代作為超現實主義的主要人物之一而聞名。他以豐富多彩且獨特的詩歌風格而聞名，其中他將自然界中的圖案（例如太陽、星星和月亮）描繪為象徵性符號，但直到 90 歲去世，他仍在追求純粹和普遍的藝術，以新的表現形式挑戰自己。他被認為是20世紀最具影響力的藝術家之一。

本次展覽匯集了米羅的代表作《星座》系列以及代表其早期至晚年各個時期的繪畫、陶瓷、雕塑等作品約百件，全方位地介紹了米羅的整個藝術生涯。該計畫是為了響應米羅逝世40年後重新評價米羅的全球潮流而開展的，據說是自1966年米羅在世時合作舉辦的展覽以來，日本最大規模的回顧展。

展覽共分為五個篇章。

年輕人米洛因未能獲得父親推薦的會計工作而病倒。 1912年，米羅重返藝術學校，研究最新的藝術趨勢。
在第一章「年輕的米羅：對藝術的決心」中，有作品展現了米羅在這一時期嘗試了立體主義、野獸派，以及被當時的前衛藝術家視為父親的塞尚等多種繪畫風格，探索著自己的表達方式。

米羅留下了許多以羅伊格山的動人風景為主題的作品，包括他的早期傑作《棕櫚樹的房子》 （1918 年）。蒙特羅伊格是米羅藝術信念得以堅定的地方，也是他一生創作的源泉，是他深化藝術思考的地方，也是他重新確認加泰隆尼亞人身分的地方。本作品是米羅所謂「細密畫派時期」的代表作品，他放棄了先前對其影響很大的野獸派風格，開始注重精細細節的描繪。

1920年，米羅終於如願來到了藝術世界的中心巴黎，這座城市的現代氣息和前衛藝術深深吸引了他。

受到與當地超現實主義作家和詩人的互動的啟發，他開始對一種遠離具體性的、更具詩意的表達風格感興趣。 1925 年至 1927 年間，米羅創作了 100 多幅“夢境畫”，他在代表空虛的廣闊背景中添加了無定形的動態線條，用它們作為象徵來展示夢境的進展。在其中《繪畫=詩》系列中，他將無形的詞語、短語當作主題來描繪，不與具體的物體區分開來，使其擺脫了原有的角色。

第 2 章「蒙特羅伊——巴黎：從鄉村到先鋒派之都」介紹了自 20 世紀 20 年代以來的這些活動。 「夢幻畫作」轟動了巴黎畫壇，米羅也成為了名副其實的著名超現實主義畫家。

《荷蘭室內裝飾 I》 （1928 年）是米羅深受 17 世紀荷蘭繪畫影響的作品，以亨德里克·索爾夫的《琵琶演奏者》（1661 年）為基礎創作。展覽還設有展示索爾夫原創作品和本作準備草圖的面板，透過對比可以發現，索爾夫將日常生活中的自然場景變成了平面色彩和有機形態的超現實世界，消除了任何立體感和透視感。

1936年西班牙內戰爆發，米羅流亡海外，並在隨後的第二次世界大戰期間繼續孤獨地創作，躲避戰爭的蹂躪。
第三章「逃離與詩學：以戰爭時代為背景」重點介紹了傑作「星座」系列，該系列是他於 1940 年從巴黎逃到諾曼底的一個村莊時開始創作的，並在從馬略卡島到蒙特羅伊格的途中完成。

星座系列是紙上而非畫布上的一系列小幅水粉畫。據說他刻意逃避殘酷的現實，從廣闊美麗的星空和莫札特、巴赫的音樂中尋求慰藉，並以此為靈感畫出超越現實的希望之畫。此次展覽展出的作品總計 23 幅，其中三幅為《晨星》、《女人與鳥》以及《蝸牛磷光蹤跡指引下的夜景》 （1940 年）。該系列以建立米羅的象徵體係而著稱，但由於每件作品都分散在世界各地，因此這是一個難得的機會將多件作品放在一起觀看。

另一方面，自1928年前後，米羅開始對藝術的商品化和對藝術家的過度關注進行批判，並產生了「謀殺繪畫」的衝動。漸漸地，他開始發展出一種可以稱為反藝術或反繪畫的風格，例如拼貼畫和與繪畫無關的材料和元素共存的物品，例如本章中介紹的《無題（夜之戀人） 》（1934 年），其中衛生紙被粘貼在鋁箔上。他繼續質疑傳統繪畫表達的本質。

1947年，米羅首次訪問美國，受委託繪製壁畫，但早在六年前，他在美國就已聲名鵲起，紐約現代藝術博物館還舉辦了他的作品回顧展。在此期間，米羅受到了傑克遜·波洛克等年輕藝術家的啟發，回到日本後，他開始對各種創作活動產生興趣，包括蝕刻畫、石版畫、與工匠合作製作的陶瓷以及雕塑。
第四章「夢想工坊：內省與新創作」追溯了 1950 年代和 1960 年代戰後的發展。

順便說一句，雖然米羅的許多作品都有簡潔的標題，但他實際上喜歡賦予標題和作品之間的關係一種俏皮和詩意的感覺。 《一隻紅蜻蜓追逐一條向彗星盤旋的蛇》 （1951 年）就是一個典型的例子；它的描述性標題引導觀眾的目光沿著屏幕移動，誤導觀眾試圖找到彗星、蛇和紅蜻蜓，就像那條盤旋的蛇一樣。激發這種好奇心的是鮮豔的配色，蜿蜒的線條和怪誕的描繪，所有這些都是米羅的手段。我對其構思的巧妙程度感到驚訝。

本章也展示了他在 1956 年完成期待已久的馬略卡島大型工作室之後，受到美國抽象表現主義巨幅畫作的影響，他的作品如何變得越來越大。大型繪畫《太陽前的人物》 （1968 年）是米羅視覺語言的巔峰之作之一，其靈感來自日本畫家僧侶仙井義本的作品，他使用圓形、三角形和正方形的形狀來表達宇宙。

米羅很早就對日本產生了興趣，在 1966 年訪問日本期間，他意識到自己與日本傳統藝術以及日本藝術家的理念有著密切的聯繫。這幅作品以其自信的筆觸讓人聯想到書法，是米羅東方情懷的重要體現，這也是約 40 年來它首次在巴塞隆納以外的地區展出。

第五章「走向繪畫的本質」展示的是他晚年（20 世紀 70 年代至 80 年代）創作的作品。儘管米羅已牢固確立了自己世界知名大師的地位，但即使到了晚年，他仍然繼續審視自己的作品，並毫不猶豫地進行大膽和非傳統的實驗。

例如， 《燒焦的畫布 2》（Burnt Canvas 2，1973 年）是一系列五幅畫作中的一幅，在這些畫作中，白色畫布被大力澆上油漆，踩踏，用刀劃破，最後澆上汽油並點燃。這幅作品並非一時衝動的創作，而是旨在探索隱藏在燒焦的畫布和紙張的物質性中的美感，同時也傳達出一種永不消退的能量和強烈的反叛精神，反對將藝術視為高雅文化，反對將藝術貶低為單純的財產。

晚年的米羅也開始運用更貼近身體動作的筆觸。在他的三聯畫《煙火I、II、III》 （1974年）中，其形象與水墨畫相似，他猛烈地潑灑顏料，然後用畫筆在因重力作用而滴落的顏料痕跡上塗抹。受美國抽象表現主義畫家的影響，他的技巧是讓新的作品透過偶然的機會出現，從而指導他的創作過程。這是作品首次在日本展出。

第 4 章和第 5 章也探討了米羅透過海報創作所做出的積極的社會、政治和文化承諾。

1960、70年代，也就是西班牙佛朗哥獨裁統治的最後時期，米羅創作了大量海報，表達那些幾乎沒有機會公開表達自己意見的社會大眾的希望和要求。他還表示，“藝術家是在別人沉默時，大聲說出來的人”，而此次展覽也強調了米羅作為藝術家的立場，即他從事研究事業並不只是為了表達自己的興趣。

畫家米羅是如何在整個20世紀投身於前衛藝術並且確立自己的風格的同時又不斷使自己處於創作張力之中的？歡迎您來本次展覽親身體驗這一探索過程以及這種獨特的藝術的魅力。

「米洛展」概況

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文章提供者： Kokosil Ueno

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東京國立博物館

位於京都佐賀的大覺寺，自平安京遷都後，作為觀光勝地受到朝廷和貴族的喜愛。
其前身是平安初期嵯峨天皇（786-842）所建的離宮嵯峨院，876年在其女雅子妃的請求下改建為寺廟，創建了大覺寺。從那時起，歷代天皇和皇室成員都曾在這座享有盛譽的寺廟中擔任門跡（住持），這座寺廟後來被親切地稱為「佐賀御所」。

2026年是大覺寺創建1150週年，東京國立博物館為迎接這一天，舉辦了「舊佐賀皇居大覺寺～皇居相關繪畫大全～」紀念展，展出了大覺寺的所有珍寶。展覽將持續到 2025 年 3 月 16 日星期日。

※未註明地點的作品均為大覺寺作品。
*部分作品將被替換。未列出展覽時間的作品將在整個展覽期間展出。
第一期：2025年1月21日（二）至2025年2月16日（星期日）
第二展期：2025年2月18日（二）至2025年3月16日（星期日）
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會場分為四個部分，第一部分「嵯峨天皇與空海～從嵯峨院離宮到大覺寺」展出了描繪大覺寺早期歷史的藝術品。其中特別引人注目的是“五大明王像”，象徵著大覺寺信仰的核心－五大明王信仰。

五大明王是密宗中的五位佛明王，即不動明王、禦三世、群陀利、大義德、金剛夜叉。相傳其起源於中國唐代，而傳入日本則是從唐代歸來的空海開始。喜愛唐文化的嵯峨天皇與空海也是好友，在空海的敦促下，嵯峨天皇在別墅內的手佛堂中供奉了五大明王的像。

雖然當時的佛像已失傳，但信仰卻代代傳承下來，大覺寺至今仍保有三座「五大明王」佛像。其中兩件正在展出。其中之一就是大覺寺的本尊，是由緣派佛教雕刻家明圓在後白河天皇的宮殿中創作的，明圓在平安時代後期為皇室和高級貴族創作了許多佛像。雖然外表嚴肅、憤怒，但其豐滿的體格卻散發著精緻的優雅，是一件融合了力量和優雅的傑作。另外值得注意的是，這是唯一現存的明庵。

另一尊是從京都清涼寺五大堂搬來，高約 2 米，十分氣勢磅礴。其中三尊雕像據信是由室町時代佛教雕塑家印心製作的，兩尊雕像是在江戶時代修復的。

第 2 章「明治維新的開創者後宇多天皇 – 佐賀皇居的起源」主要講述後宇多天皇 (1267-1324) 的功績。 「大覺寺大殿群」中所展示的當時龐大寺院群的面貌，正是後宇多天皇被稱為「大覺寺復興的開山祖師」的原因。

後宇多天皇是真言宗的虔誠信徒，出家後在大覺寺擔任阿闍梨（上師），在培養弟子的同時留下了許多聖訓和書法。展覽中也展出了多件珍貴的御書法（天皇親筆書寫），包括記錄對空海崇敬的國寶《豪田天皇禦書 弘法大師生平》和記錄有關佛教密教迴向儀式的各種理論的《豪田天皇禦書 迴向印明》 。

大覺寺作為從後佐賀天皇開始的皇室（大覺寺系，後來的南朝）的根據地，寺院規模龐大，設施完善，但是從南北朝時期開始就陷入戰亂，在應仁之亂等一系列災難中，寺院的大部分建築被燒毀。第3章「天皇與宮廷文化」介紹了當時支持大覺寺的歷代天皇和住持的功績以及他們所帶來的宮廷文化。

本篇的看點之一是同時展示「臼杵（冰丸）」與「鬼切丸（鎧切）」兩把刀。

「Usu Midori (Kneemaru)」 的刀刃寬大、大膽、彎曲，並具有小而不規則的刀刃圖案，這些圖案以低角度硬化。受到源氏家本係賴光、義經、賴朝等人的高度重視，並傳給了大友、田原、西園寺等家族以及安井門跡，最後傳到了大覺寺。鬼切丸（Higekiri）的刀身略窄，刀刃優雅，中間呈曲線，刀紋粗獷。鎌倉幕府滅亡後，此神社落入新田義貞之手，經過殺死義貞的司馬高經及其子孫最上家，最終捐贈給北野天滿宮。

基於「精心打造的寶劍擁有超越人類理解的精神力量」這一信念，這些「兄弟劍」也與各種超自然傳說有關。它的傳說與源氏家族的興衰息息相關，二口寶珠不僅象徵著源氏家族本脈的正統性和權威性，而且人們還相信它能引領其主人走向勝利。這將是兩者首次在東京共同展出。配備了專門的展示櫃和展示架，方便您欣賞美麗的刀片。

第四篇章「皇后宮觀門畫－主臥與皇帝宮殿」是本次展覽的亮點。位於大覺寺中心的親殿是後水尾天皇賜予的親殿式建築，由1620年入主宮廷的和光（東福門院）的宮殿移建而成。西北面的「清心殿」是安土桃山時代建造的書院式建築，作為歷代住持的住所。

室內裝飾的約240幅推拉門和障子畫，大部分都是安土桃山時代至江戶時代的代表畫家剋野山樂（1559-1635）所作所為，他曾為豐臣氏和九條氏效力。目前，該畫正在進行歷時14年的大規模修復，本次展覽將以修復部分為重點，共展出兩個時期的畫作123幅（早期100幅，晚期102幅）。據說，如此規模的物品被帶出寺廟尚屬首次，其壯觀景象必將令人著迷。

裝飾主臥室鷹室的 13 幅松鷹畫是山樂的花鳥水墨畫傑作，在一塊長長的畫布上描繪了一棵巨大的松樹和一隻勇敢的鷹。粗壯起伏的樹幹和蜿蜒曲折的樹枝所營造出的動態感以及整體的平衡感，可能會讓人想起東京國立博物館所藏的檜木屏風，它是由山樂的老師得野永德 (1543-90) 創作的。

《紅白梅圖》（8 幅）是山樂最偉大的作品之一，裝飾著新田殿的紅梅室，是現實主義和裝飾主義的完美結合，大樹在整個銀幕上的顯示方式也顯示出永德的影響。另一方面，這兩幅作品的描繪風格都比永德的粗獷豪放風格更為柔和、溫和，這表明山樂在繼承了大師的特色的同時，也提煉出了自己獨特的風格個性。

正殿內廊下部障子屏風上的 12 幅畫作名為“野兔”，是由江戶時代中期畫家渡邊子規 (1683-1755) 創作的，他師從徠野派和尾形光琳。據說這幅畫是近衛家廣為了安慰他的兒子而委託創作的。

特別展「舊佐賀皇居大覺寺～皇居相關繪畫的豐富多彩～」將舉辦至2025年3月16日，讓遊客能夠沉浸在大覺寺的悠久歷史和優雅氛圍中。

紀念創作1150週年特別展「舊佐賀皇居大覺寺～皇居相關繪畫大全～」概要

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文章提供者： Kokosil Ueno

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國立科學博物館

鳥類大約分為11,000個物種，是陸地脊椎動物中數量最多的物種，並且在世界各地的各種環境中繁衍生息，包括天空、地球、水，甚至極地。日本的鳥類分類以日本鳥類學會出版的《日本鳥類目錄》為基礎，時隔12年進行了首次修訂。

目前正在東京上野國立科學博物館舉辦的特別展覽“鳥類：基因組分析揭示的新鳥類譜系” （持續至2025年2月24日）根據基因組譜系的最新分類解釋了多樣性。魅力，包括它們令人驚嘆的生態。展出了 600 多件鳥類標本，是國立科學博物館歷史上規模最大的展覽，適合從初學者到鳥類愛好者再到狂熱的觀鳥者的廣泛人群。

擔任本次展覽總監督的西海功先生（國立科學博物館動物研究部研究主任）在開幕前的新聞發布會上談到了舉辦本次展覽的意義。

「鳥類在生態係金字塔中發揮著多種作用，例如，食花蜜的鳥類參與授粉，食種子的鳥類參與種子傳播，它為各種無法自己打洞的生物提供了棲息地。如鳥和貓頭鷹。近年來，許多鳥類的數量有所減少，有些瀕臨滅絕，我相信在考慮全球環境時，了解鳥類並適應它們是極其重要的。

西凱認為，在所有動物中，鳥類特別容易受到環境的影響。保守估計，由於人類活動，已有1430個物種滅絕，這意味著12%的物種已經滅絕。作為本次展覽的前奏，設置了一個以“滅絕”為主題的專區，可以感受到策展人“最重要的是，我們希望人們了解鳥類的現狀”的強烈願望。

本次展覽的一大亮點是展示了真人大小的桑德斯佩拉戈爾尼斯模型，這是歷史上最大的飛鳥，生活在約2600萬年前，翼展長達7公尺。

該模型的監督者Takanobu Hiji先生（國立科學博物館） 「據我們目前所知，這是歷史上最大的飛鳥。」考慮到這隻鳥的潛力，根據它的身體結構，我們不知道它能有多大。 「我接受了挑戰。恢復它是因為我想我想探索化石中已知形狀的多樣性，例如它們是否可以飛行，以及形狀的限制。

本次展覽最吸引人的特點就是標本數量之多。

根據西貝介紹，他們從國立科學博物館收藏的約3000件標本中精心挑選了最美麗的標本。與日本唯一專門研究鳥類的博物館－我孫子市鳥類博物館和姬路博物館合作展出了來自世界各地的600多件鳥類標本。這個展覽的口號是“你可以看到值得一生珍藏的鳥類！” ，但作為指導，如果你能觀察到超過400種鳥類，就可以說你是一個相當有經驗的觀鳥者了。

可愛的鳥、獨特的鳥、稀有的鳥。有這麼多樣的物種，無論您要尋找哪種鳥類，您都一定會從中獲得樂趣。

場館依照分類序排列，其中亮點是企鵝序展和「企鵝聚集」專區。

展出的是現存 18 種企鵝目中 11 種的 15 件標本。雖然有些標本具有獨特的姿勢，例如帝企鵝正在註視著它的雛鳥，但也有一些標本在其排列中講述了一個故事，例如一群海角企鵝和麥哲倫企鵝凝視著同一個方向，彷彿它們對企鵝感興趣。風景連貫，有動物園的氣氛。

它看起來像企鵝，但它是一個完全不同的家族，有趣的是它隨意地與海雀混在一起，海雀是鴴科的成員。雖然企鵝的分佈僅限於南半球，但據說海雀等與企鵝類似的不會飛的鳥類即使在北極也經歷了趨同進化（*）。

(*) 當來自不同譜系的生物體放置在同一環境中時，它們會獲得相似的特徵和功能，例如鯊魚（魚類）、海豚（哺乳動物）、鳥類的翅膀和蝙蝠（哺乳動物）的翅膀。

當你看向「企鵝聚集」角的上空時，你會看到捕食企鵝蛋和雛鳥的掠食者大賊鷗正在張開翅膀，顯然是在瞄準企鵝。很容易錯過懸掛的展品，所以我們建議360度環顧會場。

此外，透過基因組分析進行系統發育研究是本次展覽的支柱，展覽也介紹了遊隼目作為主要分類的建立，作為這項研究的標誌性成果。根據主要基於形態差異的遊隼常規分類，它們被歸類為鷹科成員，這一點很少受到質疑。目的關係更密切。

雀形目有 44 個目，雀形目有 6,700 多種，幾乎分佈於世界各地，但雀形目只有一種，是亞馬遜河流域特有的，但分佈範圍很廣。 。

這種一目一種的稀有鳥類是樹棲的，飛行能力較差，是唯一具有獨特生態、主要以樹葉為食的鳥類。這個形象與猛禽猛禽的形象完全相反，猛禽會猛烈地飛行來捕食獵物，但從系統發育角度來看，鷹和貓頭鷹等猛禽可能起源於此目。

基本上，鳥類的「眼睛」在幾乎相同的年齡發生了分化，而「眼睛」是從6600萬年前恐龍因小行星撞擊而滅絕到大約5000萬年前分化的群體。目前尚不清楚蛹目是否已經超過 5000 萬年沒有分化，僅作為一個物種倖存下來，或者是否除了一個物種之外的所有物種都已滅絕，但它是一個神秘的存在。

不要錯過「鳥類的秘密」專區，該專區由人氣動物插畫家沼笠渡(Watari Numagasa)創作。

這個角有「杜鵑蛋會毀掉它的宿主嗎？」以及鳥類也有的「方言」和「單字」等23個主題，並以知識問答形式介紹最新的研究成果。沼笠渡的插圖以幽默的方式幫助參觀者理解，讓人發笑。

其中一位監督者浜尾正司（國立科學博物館動物研究部研究主任）說：「透過這次展覽，我們想強調鳥類和人類看待世界的差異。」我提到展覽「鴿子教會我們鳥類的心臟。

那裡介紹的是一項實驗的結果，在該實驗中，向受過訓練以區分日本和西方繪畫的鴿子展示了一幅打亂的繪畫，其中原始繪畫被分為 1,024 個部分並重新排列。人們很難分辨原畫是日本畫還是西洋畫，但鴿子即使第一次看到這幅畫，也能輕易分辨出來。

「人類善於從大局出發，找出特徵，而鴿子則很誠實，或者更確切地說，它們會一一觀察細節並記住它們。這就是它們感知事物的方式。換句話說，它們有感知世界的方式不同。

濱尾先生也提到了一個關於雄性和雌性鳥類之間意想不到的配對關係的展覽。有些人可能會有這樣的印象：鳥類結成一夫一妻制，和諧地撫養孩子，就像「押鳥夫婦」這句話所暗示的那樣。然而，例如，當一隻雄性雉雞與處於交配關係的雌性雉雞生下孩子時，它就會放棄築巢、孵化、撫養孩子和配對關係，並開始陸續向其他雌性求愛，從而導致一夫多妻制。

人類的常識會讓我們皺起眉頭，想：「一隻小雞怎麼能從一隻雌性轉移到另一隻而不養育自己的孩子呢？」然而，實際上，小雞成熟得很快，似乎只需要一隻小雞就足以撫養他們自己的小雞。 Hamao說，這是每個個體在惡劣的自然環境中進化以產生更多後代的結果。

「這樣一來，我們所認為的「因為人類這樣想，鳥類也會這樣想」的想法，令人驚訝地是不正確的。鳥類承受著嚴峻的進化選擇壓力，我已經獲得了留下後代所需的所有特質。因此，我覺得我們不應該把它和人類聯繫起來。

基因組分析顯示，鳥類看起來與我們過去的影像有所不同。它們具有什麼樣的生態特徵，過著什麼樣的生活方式，在生態系中扮演什麼樣的角色？了解了這一點，我們又發現它們有怎樣的魅力呢？此次展覽將是更新基因組時代鳥類形象的絕佳機會。

「鳥類：基因組分析揭示的新鳥類譜系」特別展覽概述

時期	2024年11月2日（星期六）～2025年2月24日（星期一/休館）
場地	國立科學博物館（東京上野公園）
開放時間	9:00-17:00（入場截止時間為16:30）
休息日	週一、11月5日（週二）、12月28日（週六）～1月1日（週三）、1月14日（週二） *但是，博物館將於11月4日（星期一、假日）、12月23日（星期一）、1月13日（星期一、假日）、2月17日（星期一）、2月24日（星期一、假日）開放。 *演出日期可能會有所變動。
入場費（含稅）	一般民眾、大學生2,100日圓、小學生、國中生、高中生600日元 *學齡前兒童免費。 *持有殘障人證的人士和一名護理人員可免費入場。 *如果您有學生證或其他證件，請在入學時出示。
贊助商	國立科學博物館、日本經濟新聞、BS 東京電視台
詢問	050-5541-8600（您好撥號）
展會官方網站	https://toriten.exhn.jp/

*文章內容截至報導日。最新資訊請關注展會官方網站。

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東京國立博物館

被稱為古墳時代眾多粘土中最偉大的傑作的國寶“埴輪鎧甲武士”被指定為國寶，並舉辦了特別展覽“為了紀念這一時刻，將在東京國立博物館（以下簡稱東博）舉辦「埴輪」活動。展覽期限至2024年12月8日。

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埴輪是在 3 世紀至 6 世紀的古墳時代活躍創作的，是並排放置在古墳中的無釉雕像，古墳是國王和其他有權勢人物的墳墓。在早期，它們是簡單的圓柱體形狀，但隨著時間的推移，它們發展成為獨特的造型，包括人物、馬、鳥等可愛的動物泥人，以及模仿精緻武器和房屋的具象泥人。它是一份將古代人們的生活和習俗傳承至今的珍貴文獻。

本次展覽匯集了從日本各地精選的約120件珍品，包括從古墓中出土的泥人等陪葬品。這將是半世紀以來東北地區首次舉辦的大型陶土展。

在第一個會場的入口處迎接遊客的是“跳舞埴輪” ，它以其可愛而傻乎乎的表情被公認為埴輪的標誌。埴輪是在日本列島獨特出現和發展的，其特點是服裝、面部、手勢等的表達簡單化，且圓潤，是體現其獨特的“鬆散”的代表作品。據說它是按照儀式中的舞蹈設計的，也是東伯的吉祥物東伯君的模型。

1930年從埼玉縣熊谷市的野原古墳挖掘出來後，很快就得到了修復和恢復，但近年來它已經嚴重老化，不再可供出租。因此，東京國立博物館和文化財產利用中心透過群眾募資等方式籌集捐款，將於2022年10月開始拆除和修復該建築。修繕將於2024年3月完成，本次展覽將是其修繕後首次亮相。

修復後有幾處發生了變化，但最大的變化可能是發紅的程度。清理過程中發現，這件作品的顏色比實際顏色更黃，這是因為埋藏時附著的污垢，以及多年展出時空氣中積累的污垢。舊的出土物品通常不會被強行移除以顯示其出處，但在這次修復中，他們決定盡可能去除污垢，以便他們可以看到它們最初製作時的樣子。這樣出現的原始顏色正是關東北部常見的紅燒色，含有較高的鐵含量，含有火山礦物質。

不過，根據東博大學研究員山本亮介紹，最近有一種理論認為「他們不是在跳舞，而是在拉馬」。

埴輪的單手舉起姿勢經常與馬一起出土。似乎還有證據表明，較短的埴輪腰間掛著的絞繩代表韁繩，背上的鐮刀代表用來割草為馬提供食物的東西。如果是馬引的話，我早就把他們當作「舞者」來熟悉了很多年，所以我感到有點失望…

「另一方面，埴輪通常是由原來的發展而來，具有不同的含義。在這次展覽中，我們稱它們為埴輪群雕像，但它們是由不同類型的埴輪組合而成，例如獵人的埴輪可以表現的故事有很多，例如用泥人或野豬表達狩獵場景。未來的研究值得期待。

下一個展區名為“王者出現”，是一個豪華的空間，所有展品均由國寶組成。

在古代墓葬中，除了黏土泥人之外，還可能發現豪華的隨葬品。例如，在古墳時代初期（3世紀至4世紀），國王扮演卑彌呼這樣的祭司角色，因此出土了許多銅鏡和寶石製成的臂飾等寶物。

展覽介紹了一件國寶，一把劍首裝飾獨特的鑲金劍，是從建於 4 世紀末的東大寺山古墳中出土的。這件作品被認為是日本出土的最古老的銘劍，一些研究人員認為是中國王朝的卑彌呼所傳下來的。

古墳時代（5世紀）中期，由於朝鮮半島的動亂，國王變得更加武士化，武器變得更加突出。古墳時代後期（公元六世紀），大和王權的集權性日益增強，騎馬風俗也日益盛行，出現了鍍金和青銅飾物，將國王和他的馬裝飾得更加華麗，顯示了他們的崇高權威。我會。

這樣一來，隨葬品也隨著國王的角色的變化而變化，從它們中我們可以看出當時製作泥人的文化和習俗是如何變化的。

在古墳上放置泥人的習俗，以與大和王權的關係為中心，從古墳文化中心的近畿地區，到北部的岩手縣和南部的鹿兒島縣，遍布日本列島。根據各地風俗習慣的差異、技師的熟練程度以及與大王關係的深淺，這些埴輪可能與大王陵墓中發現的埴輪一樣精緻，也可能非常獨特、獨特。各自的地區顯現出來。 「埴輪造型」展區集中展示了多種形式的發展。

例如三重縣鈴鹿市石藥東古墳群出土的「馬形埴輪」 ，無論是直鬃毛還是頭飾，都具有獨特的頭部表情，即使在日本也是獨一無二的。據說在茨城縣出土的「埴輪男子」 ，捲髮，頭戴尖頂帽子，酷似圖畫書中的仙女。像這樣留著長鬍鬚的埴輪，是六世紀以來具有濃鬱鄉土氣息的典範。

暗中引起參觀者註意的是“有臉的圓柱埴輪”，這是一個圓柱埴輪上不知為何帶有面部表情。

圓柱形埴輪的根源是彌生時代吉備地區（現在的岡山縣）的禮器，被稱為“德喜體”的陶器，是作為甕的台座而製作的，其面部沒有任何起源。 。從埴輪的誕生到消失，圓筒埴輪一直是主流，在北關東地區也曾出土過帶有面孔的圓筒埴輪的實例，例如群馬縣玉村町的下鄉天神塚古墳、行木平山長古墳等。是黏土製作者的頑皮認為“只是圓柱形很無聊嗎？”

進入第二個場館，終於看到了本次展覽的重頭戲──《國寶：勇士與戰友》展區。

東伯所擁有的「埴輪」出土於群馬縣大田市，是第一個被指定為國寶的黏土。還有另外四件類似的武士埴輪，被認為是與這件作品在同一工作室製作的，它們已經被完全修復，但這次展覽將總共展示五件這樣的“兄弟”，這在歷史上還是第一次。其中一件目前被美國西雅圖藝術博物館收藏，因此這是一個寶貴的比較和欣賞的機會。

東伯系列是立體的，構造精巧，每個細節從頭到腳都覆蓋著鎧甲，左手拿著弓，右手拿著長劍，背上背著一支箭。順便說一下，滂沙是指用小鐵板縫製在上身的鎧甲。

東北大學研究員河野正則表示：“沒有其他埴輪的裝甲如此嚴格。”

「這些『鎧甲佛像』創作於6世紀下半葉，直到6世紀初期，當時的文化中心近畿地區以及其他地區都率先製作了埴輪。隨著佛教的傳入，價值觀發生了變化，近畿地區的鑰匙孔形土墩和粘土製作逐漸衰落，但在6世紀後期，群馬仍然在進行這種做法，但這並沒有影響他們。他們掌握了極其熟練的技術，留下了許多具有日本代表性的作品。

五名鎧武士的身材，包括面部表情，都非常相似，但仔細看的話，可以發現，他們背上的箭架並不是眼瞼，而是眼六，睫毛之後出現的，也有一些區別。穿著袴而不是鎧甲。不可忽視的是，從最古老的東京博覽會藏品——群馬相川考古博物館，到最新的藏品——奈良天理大學天理資料館，細節的表達都被簡化了。

對於這次展覽，河野研究員表示：「我並不希望它只是一個傑作的展覽，而是我有強烈的願望以一種簡單易懂的方式向大家傳達最新的研究成果，所以我想作為一個典型的例子，他指出了博物館藏品中「英國裝甲戰士」的彩色複製品。經過科學分析和詳細的目視觀察，發現整個表面被塗成三種顏色：白色、紅色和灰色。傳統形像被徹底顛覆。

展覽最後，在“會講故事的埴輪”專區，我們重點關注了前面提到的“埴輪群像”，它結合了人物、動物等多個泥塑人物，表達了各種故事。故事中，有許多場景，例如代表正式祭祀場景的“跪人”，讚揚已故國王的道德，宣誓效忠新國王，以及相撲選手用四足踩踏以避開敵人。上的邪靈。

還有大量可愛的動物埴輪。最常見的動物埴輪是馬，它是權力的象徵，但其他動物，如像徵黎明的公雞，以及形成狩獵場景的鹿、野豬和狗，也是與皇家儀式有關的他說。另一方面，有些水禽和魚類被認為是自然動物的真實複製品，我們可以感受到古人對自然形態的認知。

這場埴輪大型展覽歷經五年左右的籌備得以奇蹟般地實現，匯集了各館藏的王牌傑作。何不藉此機會再次體驗埴輪世界的深度呢？

 

*本次展覽除部分作品外，展場內可拍照。

紀念鎧甲武士被指定為國寶50週年特別展覽「埴輪」概要

*文章內容截至報道時。最新資訊請查看展會官方網站。

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國立西洋美術館

「莫內：睡蓮之時」展覽在東京上野國立西洋美術館開幕，以印象派畫家克勞德·莫奈的晚期作品及其表現方式的變化為主題。展覽期限至2025年2月11日。

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克勞德·莫奈（Claude Monet，1840-1926）也因建立「系列繪畫」技術而聞名，在這種技術中，在不同的季節和天氣下觀察相同的主題，並在多張畫布上捕捉不斷變化的印象和光線的運動。 1890年，50歲的莫內在法國吉維尼小村莊購買了土地和房屋，並花了幾年時間建造了一個帶有睡蓮池的「水上花園」。這片睡蓮池的水面，周圍的樹木、天空和光線都倒映在一起，成為莫內晚年創作的主要來源。

本次展覽展出了一系列睡蓮，從最早的珍貴睡蓮範例，到一直佔據莫奈心頭的《大型裝飾畫》製作過程中創作的大型睡蓮。的頂峰。

會場內，來自擁有世界上最多的莫奈收藏之一的巴黎莫奈博物館的 48 幅畫作將被帶到日本，其中 7 幅是首次在日本展出。共展出66件作品，包括國立西洋美術館松方收藏以及日本其他收藏的代表作。

會場入口處的放大照片顯示莫內戴著帽子的頭倒映在睡蓮池中。出席本次展覽媒體預展的馬摩丹‧莫奈博物館藏品部主管兼文化財產總策展人西爾維‧卡利爾表示：「透過莫內的視角，與莫奈一起，我們可以欣賞到水和風景的溫柔風景。

本次展覽由四個章節和一個結語組成。第一章「從塞納河到睡蓮池」介紹了描繪倫敦和塞納河風景的作品，這些作品是莫奈在 1890 年代末開始創作《睡蓮》之前的主要創作來源。 ‘它展示了莫奈如何對水的主題以及光和反射圖像在水面上的影響產生好奇心。

此外，據說莫內於 1897 年首次畫了《睡蓮》，第一章也展示了被認為是最早的《睡蓮》的有價值的例子。

與後來的系列作品不同的是，這幅特寫鏡頭不是水面倒映著樹木或天空，而是睡蓮本身。以細膩的筆觸描繪物體的形態，同時保留寫實的元素，與後來變得更加抽象的表達方式進行比較，你可以享受到其中的樂趣。

19世紀末的法國，裝飾藝術空前繁榮，莫內也在1870年代印象派時代開始創作成熟的裝飾畫。最終，在整個1890年代，他在追求系列展覽效果的同時，提出了「大裝飾」的概念，即展覽空間充滿了只有一個主題的裝飾畫：睡蓮。儘管患有白內障，他從 1914 年開始孜孜不倦地工作，最終完成了八塊巨大的裝飾面板，覆蓋了巴黎橘園博物館的整個展覽室。

最終的主題是水、睡蓮和柳樹，但為了符合莫內對園藝的熱愛，最初的計劃是在池塘周圍種植各種各樣的花卉。第二章「水與花卉裝飾」展示了該計劃的重要組成部分，例如池塘鼓橋上爬行的紫藤和岸邊盛開的愛情花。

鳶尾花也是莫內最愛的花卉之一，在莫內1914年後創作的花卉研究中，描繪鳶尾花的畫作數量僅次於睡蓮，有20幅。 《黃鳶尾》的構圖乍看之下似乎是從昆蟲或魚的角度仰視虹膜，但實際上它是兩種不同視角的組合：從側面看到的虹膜，以及從側面看到的虹膜。天空的池塘水面。莫內致力於探索震撼觀眾感知的繪畫空間。

第三章「大型裝飾畫之路」展出了九件大型作品，它們與大型裝飾畫創作過程中產生的眾多「睡蓮」的成品形態密切相關。本次展覽的亮點是一個橢圓形的展覽空間，靈感來自於橘園博物館的展覽室，周圍環繞著睡蓮，讓你融入永遠蔓延的冥想色彩世界中。此外，該區域還允許進行特殊攝影。

在九件作品中的兩件中，雲的倒影自 1914 年起成為他作品中的一個重要主題，並作出了強有力的陳述。另一方面，中心主要是帶有淡淡橙色色調的白雲，與藍天形成鮮明對比。揮毫描繪的睡蓮葉、垂柳在畫面上、下、左、右延伸，給人一種鮮明的印象。

莫內之所以強調雲的倒影，是因為他想將它們與與大地相關的元素，如楊樹、柳樹結合起來，以強化池塘表面的天地合一的感覺。 。

巨型裝飾面板的生產是基於莫奈新建的大型工作室在戶外進行的研究。透過將自然印象的記憶內化並在畫布上重建的過程，莫內的藝術脫離了視網膜上反映的現實，轉變成更內在的圖像。

第四章「交響色彩」介紹了他與大型裝飾畫同時創作的一系列小型作品，這些作品他一直持續到去世。主題包括睡蓮池上的日式鼓橋以及毗鄰“水上花園”的“花園”中帶有玫瑰拱門的小路。

或許是因為白內障的發展，視力逐漸下降，他的作品逐漸失去了透視感，開始顯得扁平而廣闊。他的色覺也發生了變化；有時，黃色和綠色主宰了他的世界，有時，所有其他顏色都顯得偏藍色，尤其是紅色顯得渾濁。 1923年開始，他經歷了三次手術，視力有了一定程度的恢復，但在他這一時期所畫的《日本橋》系列中，色彩糾結，圖案難以辨認，輪廓融化，畫面模糊。 。

如果您回顧第一章中看到的微妙表情，您會對明顯的差異感到驚訝。他像用畫筆猛擊一樣不斷地一遍又一遍地塗色的方式，似乎是在雕刻出主題的真實性，也似乎是他對視力不佳和缺乏色彩的恐懼的表達，這些障礙可能會阻礙他的創作。

但實際上，莫內一直把這一系列乍看之下可以看作是他流浪時期的產物的晚年作品一直保留在他的手中。考慮到莫奈是個完美主義者，他會無情地丟棄任何他不喜歡的東西，這可以看作是基於莫奈經歷中培養的色彩感的豐富實驗精神的結果。

尾聲《顛倒的世界》以兩幅描繪垂柳的作品結束了展覽，這些作品是對大型裝飾畫的研究。在莫內的晚年，當他面臨親人去世、第一次世界大戰等諸多磨難時，這些垂柳因其流下眼淚的樣子而被解讀為象徵悲傷和哀悼的圖案。

當莫內構思《大裝飾畫》時，他的目標是創造一個讓觀眾可以平靜冥想的空間，周圍是一望無際、無始無終的水域。在《睡蓮》中，佔據畫面左半部的垂柳的實像和虛像的界限極其模糊，給人一種永恆的、寧靜的世界的感覺。

晚年的莫內以一種新的感知空間的方式顛覆了基於西方繪畫傳統視角的世界觀。不要錯過「莫內的睡蓮」展覽，您可以體驗莫奈繪畫風格的豐富發展，透過他不減的創作衝動超越印象派。

「莫內的睡蓮」活動概述

*文章內容截至報道時。最新資訊請查看展會官方網站。

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