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台東區一葉紀念館

 

台東市一葉紀念館目前正在舉辦名為「一葉居住的下谷龍泉寺町」的特別展覽，展現樋口一葉在下谷龍泉寺町（現龍泉）的生活，這裡也是她代表作《竹倉部》的背景地。展覽將於2025年10月25日（星期六）至12月21日（星期日）舉行。

■ 台東市一葉紀念館<br />為了保存明治時期傑出女作家樋口一葉的文學成就，眾多志工齊心協力，於1961年創建了這座日本首座專門紀念女性作家的文學博物館。 2006年，受一葉肖像被選為新版5000日元紙幣的啟發，這座破舊的建築進行了翻新。另一大亮點是建築師柳澤隆彥的精美設計。館內收藏並展出了大量珍貴資料，展現了一葉的創作活動和生活方式，其中包括《竹倉部》的未完成手稿、信件以及和歌條。

在下谷龍泉寺町的生活經歷，成就了「奇蹟般的14個月」。

樋口一葉（本名：夏）1872年（明治5年）出生於中產階級家庭。她從小就展現出人的天賦，14歲時進入中島歌子的詩歌學校萩野屋，學習古典詩歌、和歌和書法。

1889年，他的父親因病去世，給他留下了巨額債務。年僅17歲的他被迫承擔起養家的重任，過著艱辛的生活，供養母親瀧和妹妹國。他師從報社記者兼作家花井東水，並於1892年在文學雜誌《武藏野》上發表了小說《山櫻》，正式以小說家的身份出道。他試圖用作品的版稅來補貼家用，但始終無法擺脫貧困。 1893年7月，他從寧靜的本鄉菊坂町搬到了吉原紅燈區附近的下屋龍泉寺町368番地，在那裡開了一家雜貨店和糖果店。他體驗了當地一年一度的盛事，例如洗足稻荷祭和鳥之市，並終日觀察著紅燈區裡來來去去的人群。

最終，他的生意並未步入正軌，九個多月後，他搬到了福山町丸山本鄉。從此，他潛心寫作，根據在下谷龍泉寺町的生活經歷，創作了一系列傑作，包括《竹藏部》、《濁江》和《十三屋》。這十四個月後來被譽為「奇蹟般的十四個月」。他的作品受到森鷗外和幸田露伴的盛贊，並收到許多邀約，但他卻在1896年因肺結核去世，年僅24歲。

特別展覽「下谷龍泉寺町，一葉生活的地方」介紹了下谷龍泉寺町的地方特色，這裡是一葉作為作家茁壯成長的沃土，並揭示了她在那裡的生活、所見所聞以及所學到的東西。

一葉居住的貧民窟

進入展廳，首先映入眼簾的是根據嚴謹的歷史考證和訪談資料，還原了下谷龍泉寺町當時的景象。展廳中央是伊一葉居住的兩棟公寓大樓，沿著大園寺通（現茶屋町通）筆直向前延伸，便可看到大羽黑道府的石牆和緊急關卡，這裡是吉原紅燈區的分界線。從這裡步行幾分鐘即可到達。

■ 「大羽黑護城河中倒映的燈光彷彿讓他們就在那裡，馬車來來往往，象徵著無比的繁榮。（略）轉過三島神社的拐角，沒有看到什麼大型建築，只有一排十棟屋簷下陷的公寓樓，總共二十棟……」 （總共二十棟…」開頭）摘自《竹倉部》開頭）摘自《竹倉部》開頭） 現代譯文：三層樓高的紅燈區燈火通明，喧鬧聲清晰可聞，連漆黑的排水溝裡也倒映著燈光。早晚車水馬龍，可見此地無比繁榮。 （略）然而，一旦轉過三島神社的街角，映入眼簾的並非高大醒目的豪宅，而是一排十來棟屋簷傾斜的排屋。

■ 「這棟房子位於從下谷到吉原的一條主幹道上。從傍晚開始，就能聽到馬車呼嘯而過的聲音和燈光。那景象，真是美得無法用語言形容。」（摘自日記《塵埃》） 這棟房子位於從下屋到吉原的唯一一條路上，到了晚上，人力車的吆喝聲此起彼伏，燈光忽明忽暗。那景象難以用言語形容。

連接三島神社和吉原娛樂區的大園寺通，曾是前往吉原的人力車的主要路線。結合模型和一葉的描述，吉原燈火輝煌、熙熙攘攘的三層妓院和川流不息的車流，與附近破敗的廉租房區形成了鮮明的對比。

明治時代的吉原－孩子也對庭園著迷

《竹倉部》的故事發生在下屋龍泉寺町和吉原紅燈區，講述了一個情感豐富的故事，描繪了將來會成為和尚的信之、將來會成為妓女的綠以及他們的青梅竹馬翔太郎之間淡淡的愛情，以及他們在走向成年的過程中所面臨的衝突，所有這一切都發生在季節性事件的背景下。

故事始於8月18日，即洗足稻荷祭的前兩天，結束於第三鳥祭之後，大約在11月底或12月初，這與一葉在下屋龍泉寺町居住的時期重合。顯然，一葉的親身經歷深深融入了她的作品之中，據說許多角色都是以真人為原型創作的。

在錦繪版畫《新吉原稻本郎街角中町庭若即興圖》中，我們可以感受到熙熙攘攘的景象。這幅畫描繪了秋季的庭若，而庭若這一活動也出現在作品中。庭若是指藝伎在街邊攤位進行即興表演的活動。在吉原，春季的中町櫻花（夜櫻）、夏季的玉菊燈籠和秋季的庭若都是吉原的三大景緻，深受人們喜愛。一葉巧妙地將這些景緻融入她的作品中，生動地展現了四季的更迭。

故事也描繪了孩子們完全沉浸在吉原的氛圍中，開始模仿仁和時代的藝伎，一葉對他們進步如此之快感到驚嘆，寫道：「孟子的母親也會驚嘆的。」可以說，只有真正生活在那個地區的一葉才能寫出如此真實的印象。

一葉不僅從外部觀察吉原，也親自前往探訪。她從為她安排工作的「引手茶屋」的女管家那裡了解到了花街的情況，欣賞了玉菊燈籠，並詳細記錄了在花街表演新奈伏舞的藝妓的年齡、衣著和舉止……每一次訪談都對日後竹倉部產生了深遠的影響。

在糖果店裡反覆嘗試數日——有時還會抱怨

據說，一葉這幅引人注目的肖像畫的靈感來自她1893年8月6日日記《塵埃之內》中的一段文字：「第六天，晴空萬裡。我開店了。（省略）今晚我裝了第一批貨，……」8月6日是店裡開張的日子，起初，店裡出售各種雜物，例如刷子、草紙。一葉很快意識到，單靠這些不足以盈利，於是她求助於一位朋友的父親，他經營著一家糖果批發店，開始出售玩具和廉價糖果，例如面子、氣球和繪本。她每天都和來店裡的孩子交朋友。

儘管一葉精力充沛，為了尋找新的住處，她甚至在盛夏酷暑中每天穿著木屐或草履步行20公里，但她卻難以承受忙碌的生意節奏，她的信件和日記中充滿了抱怨。例如，當她的朋友野宮菊子邀請她到千葉縣多古町的家鄉靜修時，一葉寫道：

■ “我希望至少能逃離塵埃三天……但我被困在一棟著火的房子裡，焦躁不安，一刻也不得安寧，還要與鄰居們的憤怒作鬥爭，而你們卻會嘲笑我。” 現代翻譯：我真希望能夠逃離這個煩心的世界，即使只有三天也好，但瑣事不斷湧現，我根本沒有時間做任何事，而且生活條件艱苦。請讓我笑一笑吧。

他在回信中帶著一絲自嘲的語氣描述了自己的處境。

儘管他嘗試了各種方法尋求幫助，但生意還是每況愈下，因為第二年一月，競爭對手在茶屋町大街開了一家店。最終，僅僅九個多月後，他就關掉了店鋪，搬到了本鄉丸山福山町的新家，決定專心寫作。

一葉重拾小說家之路

順便一提，即使在一葉住在下屋龍泉寺町，幾乎完全停止寫作期間，曾因《哀號》而讚賞她才華的作家星野天智和平田時，也一直耐心地勸說她繼續寫作，儘管她因繁忙的日程而猶豫不決。最終，她得以在他們創辦的雜誌《文學會》上發表了《琴之音》和《花籠》兩部作品。本次展覽展出了《花籠》的未完成手稿，上面留有修改和大量刪減的痕跡，反映了作者的創作歷程；同時展出了她記錄創作《琴之音》時痛苦掙扎的日記，以及這兩部作品最初發表的雜誌。

展廳盡頭陳列著與《竹倉部》相關的資料，包括未完成的草稿、摺紙書《竹倉部繪卷》，甚至還有收錄了刊登在《文藝俱樂部》雜誌上的手稿的書籍。未完成的草稿與最終版本的內容差異顯著，因此，將它們並排閱讀，定能發現新的內容。

一葉早期的作品風格奇幻，也包括一些平凡的愛情悲劇故事。但她在下谷龍泉寺町的親身經歷，使她的風格轉向更為寫實，有時會描繪貧困和女性困境等殘酷的現實。本次展覽展現了她創作生涯中一個重要的轉捩點，正是這一轉折使她成為明治時期最傑出的作家之一。

此外，在距離一葉紀念館步行約兩分鐘的茶屋町通上，有一座紀念樋口一葉故居的紀念碑。自從一葉居住於此以來，由於關東大地震後為重建首都而進行的土地調整工程，龍泉地區已發生了顯著變化，但「從下屋到吉原的單一筆直道路」的痕跡仍然保留了下來。

沿著茶屋町通往東走，你會看到一根柱子，上面標示著吉原上屋町的緊急出口位置。除了參觀特展之外，不妨花點時間想像一下，從一葉的公寓裡看到的吉原花街是什麼樣子？

「下谷龍泉寺町，一葉居住的地方」特展概覽

日期	2020年10月25日（星期六）至12月21日（星期日）
場地	台東區一葉紀念館（東京都台東區龍泉3-18-4）
營業時間	上午 9:00 – 下午 4:30（下午 4:00 停止入場）
休息日	每週一
入場費	成人：300日元；小學生、國中生和高中生：100日元 * 持有身體殘疾證明、復健證明、精神健康和福利證明或特定疾病醫療照護接受者證明的人士及其照護者可免費入場。 *每週六，居住在台東區或在台東區就讀的小學生和初中生及其陪同監護人可免費入場。
詢問	一葉紀念館 03-3873-0004
官方網站	https://www.taitogeibun.net/ichiyo/

*本文內容截至訪談當天有效。請以官方網站為準獲取最新資訊。

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國立自然科學博物館

 

國立科學博物館目前正在舉辦名為“大滅絕：生命史上的五大滅絕”的特展，該展覽聚焦於地球40億年曆史上發生的五次“物種大滅絕”，通常被稱為“五大滅絕” 。展覽將於2025年11月1日（星期六）至2026年2月23日（星期一，國定假日）舉行。

在生命史上，「滅絕」與「進化」密不可分。滅絕是指一個物種在沒有留下任何後代的情況下消亡，通常認為每百萬年約有10%的物種滅絕。另一方面，大規模滅絕是指不同分類群的物種在地質時間尺度上極短的時間內同時滅絕。

歷史上曾經有大約90%的物種滅絕，對生態系統造成了巨大衝擊。這或許會讓人對物種大滅絕現象產生負面印象。然而，儘管大約6600萬年前的小行星撞擊終結了“恐龍時代”，但哺乳動物迅速佔據了陸地生態系統，留下了物種空缺，隨後的多樣化進化過程最終孕育了人類。如此一來，新物種取代滅絕物種的現像在生命史上不斷重演。換言之，物種大滅絕是生命史上的重大轉捩點，也可以被視為推動生命演化和多樣化的重要動力。

「大滅絕－生命史上的五大滅絕」特展聚焦於對生命史產生重大影響的五次重大物種滅絕事件，通常被稱為「五大滅絕」。展覽運用最新研究成果，探討了每次滅絕事件的成因以及滅絕前後生物多樣性的變化。

介紹結束後，參觀者將看到球形視頻展覽“大滅絕球”，其中展示了五大物種的精彩影像。

以「大滅絕球體」為中心，呈放射狀分佈著六個區域，其中包括一個逐一講解「五大滅絕」事件的區域，以及一個介紹新生代之後世界的區域。參觀完一個區域後，遊客會回到「大滅絕球體」中心。這種展館結構在國立科學博物館的特展中較為少見，其關鍵在於各區域之間可以輕鬆穿梭。

展覽內容如下：

第一集：“OS邊界：海洋環境的多樣化”
第二集“FF邊界：陸地生態系的發展”
第三集：“PT 邊界：歷史上最大規模的物種滅絕”
第四集：“TJ Boundary：向恐龍時代的巨大轉變”
第五集：白堊紀-古近紀界線：中生代的終結
第六集：“新生代生物多樣性：後五大洲時代”

「XX界線」是用來劃分地質時期的術語；例如，「OS界線」代表奧陶紀和志留紀之間的界線，大約在4.44億年前，第一次生物大滅絕發生於此。

為了籌備此次展覽，博物館也在與「五大生物」有著密切聯繫的摩洛哥進行了研究，其中包括費祖阿塔化石遺址。該遺址讓我們得以一窺奧陶紀末期生物大滅絕之前的世界，此外，博物館還收集了三葉蟲和其他生物的標本，並調查了與三疊紀末期生物大滅絕相關的火山活動。這些調查結果將首次向世人展示。其中一項研究成果就是巨型甲胄魚－鄧氏魚（一種盾皮魚）的化石標本，它將在第二集中亮相。

大約在3.8億到3.6億年前的FF界線（對應於晚泥盆世）附近，發生了一次分階段的大滅絕事件。據信，該事件是由火山爆發導致的驟冷和海洋酸化共同作用造成的。儘管它是五大滅絕事件中規模最小的一次，但海洋生物受到的破壞卻最為嚴重，18%至41%的屬和42%至69%的物種滅絕。此外，珊瑚礁也遭到大規模破壞，幾乎所有無頜魚都消失了。

鄧氏魚是一種體型巨大的盾皮魚，體長超過4米，頭骨上長有強而有力的顎骨。它曾主宰著晚泥盆世的海洋，但盾皮魚似乎沒有存活到鈣質紀。

另一方面，在陸地上，沒有根和葉的植物在整個泥盆紀經歷了快速的身體結構演化。從泥盆紀中期開始，出現了幾個具有粗壯樹幹並最終成為樹木的分類群。其中，世界上已知最古老的樹木是原始蕨類植物瓦氏蕨（ Wattiersa ），發現於美國紐約州（本次展覽展出了其複製品）。早期裸子植物和小葉植物也相繼出現，歷史上最早的森林形成於泥盆紀晚期。

也有人指出，這些森林的出現導致大量二氧化碳的消耗，這可能加劇了氣候變冷，並導致了海洋生物的大規模滅絕。

第 5 集「K-Pg 界線：中生代的終結」解釋了發生在白堊紀末期（大約 6,600 萬年前）的第五次生物大滅絕，這次滅絕是由一顆直徑約 10 公里的小行星撞擊墨西哥尤卡坦半島附近引發的。

火災的衝擊能量產生了大量的含硫蒸汽，這些蒸汽與水蒸氣反應生成硫酸鹽氣溶膠。這些氣溶膠與森林火災產生的煙塵共同作用，阻擋了陽光長達數年甚至數十年。這不僅阻礙了作為食物鏈基礎的植物的光合作用，也導致了酸雨的形成，對生物體造成了嚴重破壞。

該場館展出了一塊 CM2 型碳質球粒隕石，據信與 1969 年墜落在澳洲默奇森地區的隕石屬於同一類型，此外還展出了小行星撞擊時引發的地震和巨大海嘯所形成的地質層標本。

此外，重點介紹在第五次大滅絕中倖存下來的中生代哺乳動物和森林恢復的章節，展出了許多從美國丹佛自然科學博物館運送到日本的珍貴化石標本。博物館擁有世界領先的脊椎動物和植物化石收藏之一。

說到稀有標本，第六集「新生代生物多樣性：五大生物之後的世界」首次公開展示了在東京多摩川發現的一具完整的斯特勒海牛骨骼化石。斯特勒海牛是生活在北太平洋的大型食藻哺乳動物，展出的這具化石長約6米，是目前已知最古老的斯特勒海牛化石。該物種最後一次被發現是在1768年，有些人認為人類活動可能加速了它們的滅絕。

近年來，環境變遷和生物多樣性喪失被認為是人類活動造成的，這已成為全球熱議的話題，有些人甚至將當前情況描述為「第六次物種大滅絕」。參觀本次展覽的觀眾將了解到，運用自然科學研究（例如本文所介紹的研究）所獲得的知識來預測當前物種滅絕和氣候變遷在未來可能造成的後果，並利用這些知識制定應對措施和對策，是多麼重要。

在活動開始前的記者會上，本次展覽的特邀導航員福山雅治登台亮相。

福山曾擔任NHK自然紀錄片節目《熱點：最後的樂園》的主持人，並在之後的15年中走遍世界各地，探索瀕危野生動物令人驚嘆的生態和進化之謎。在第二個展館，正在舉辦福山拍攝的27幅動物攝影作品的特別展覽，並附有題為“生命之聲，大地之歌”的說明文字。

福山表示，她的創作靈感源自於她的祖母。祖母獨自撫養四個孩子，同時堅持務農，與大自然保持緊密的聯繫。 「從小我就覺得大自然既美麗又遙遠，但同時也是一個難以生存的地方。所以，當我接到自然節目的邀請時，我並非只是想去欣賞美景，而是更關心我們家族賴以生存的自然環境正在發生怎樣的變化。」她這樣解釋自己對這個節目的想法。

福山也表示，透過這次展覽，他感受到地殼運動和火山活動是地球作為一個整體生命體進行「新陳代謝」的一部分。 「當發生大規模滅絕時，70%甚至90%的生物都會滅絕。這是否是地球為了生長和進化而做出的犧牲？如果我們認為倖存的生物對地球至關重要……如果是這樣，那麼如果我們把現在視為‘第六次大滅絕’，我們作為地球這個生命體，究竟在為地球做些什麼？或許我們最終也會成為地球生長和變化的腦海中。

最後，他向即將參觀展覽的孩子們傳達了以下訊息：

看完展覽後，我深感我們無法生存，既離不開與生俱來的東西（例如環境和運氣），也離不開我們努力奮鬥取來的東西。有些人可能會疑惑，為什麼要學習，為什麼要上學。但我希望大家能夠意識到，在這個貧窮、歧視、分裂和疏離並存的世界裡，我們能夠接受義務教育，擁有一個可以學習的環境，是多麼幸運。即使「大滅絕」展覽讓你感到恐懼，我也希望它能讓你思考如何與你摯愛的家人和朋友一起生存下去，並讓你明白你需要竭盡全力。

「大滅絕：生命史上的五大物種」特展概述

日期	2025年11月1日（星期六）至2026年2月23日（星期一/假日）
場地	國立科學博物館（東京上野公園）
營業時間	9:00-17:00（16:30前停止入場）
休息日	2026年1月1日（星期四）、11月25日（星期二）、12月28日（星期日）至2026年1月1日（星期四）、1月13日（星期二） *但是，博物館將於11月3日（星期一，國慶日）、11月24日（星期一，休館）、1月12日（星期一，國慶日）、2月16日（星期一）及2月23日（星期一，國慶日）開放。
入場費	成人及大學生：2,300日圓；小學生、國中生及高中生：600日圓 *學齡前兒童免費。 *持有殘障證明者及其一名陪護人員可免費入場。 *更多詳情請查看展覽官方網站。
主辦單位	國立科學博物館、NHK、NHK推廣公司、讀賣新聞
詢問	050-5541-8600（Hello Dial）
官方展覽網站	https://daizetsumetsu.jp/

*本文內容截至發稿時有效。請造訪展覽官方網站以獲取最新資訊。

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國家西方藝術博物館

國立西方藝術博物館正在舉辦名為「奧賽博物館印象派：室內故事」的展覽，聚焦於印象派畫家筆下的室內場景。展覽將於2025年10月25日（星期六）至2026年2月15日（星期日）舉行。

提到“印象派”，我們首先想到的或許是捕捉戶外光線或變幻氛圍的風景畫。他們創作風景畫的方式以及對戶外寫生的運用，無疑地為現代藝術帶來了一場革命。同時，對室內空間的關注也是印象派的重要組成部分，埃德加·德加便是其中的典範。他探索了人造光而非自然光的效果，並留下了許多基於敏銳觀察的室內繪畫傑作。

首屆印象派畫展於1874年在巴黎舉行。當時，巴黎正經歷大規模的城市改造工程——奧斯曼改革，城市面貌迅速現代化。在這座熙熙攘攘、充滿活力的都市中，人們大部分時間都待在室內，室內場景比室外場景更顯私密，可以說是現代藝術的典型主題。換句話說，室內場景為藝術家們提供了完美的創作靈感，激發他們創作出與時代相契合的新畫作。

本次展覽將展出約100件繪畫、素描和裝飾藝術品，其中包括約70件來自巴黎奧賽博物館（被譽為「印象派聖殿」）的傑作，以及來自日本和海外的重要作品。展覽將分為四個章節，探討印象派畫家及同時代畫家（如德加、馬奈、莫內和雷諾瓦）在室內空間創作中的興趣和表現挑戰。

 

第一章「室內肖像畫」著重探討了肖像畫。肖像畫在19世紀末的沙龍和藝術市場中極為流行，也是印象派畫家重要的表達方式。在他們的肖像畫中，他們描繪模特兒在日常生活中的場景，試圖展現人物的性格、職業、社會階層和美學趣味等社會屬性，有時還會透過精心的指導將這些屬性巧妙地融合在一起。

本部分的亮點是德加年輕時的傑作《家庭肖像（貝雷利一家）》 （1858-1869），這幅畫作經過修復後首次在日本展出。畫中描繪了流亡佛羅倫薩的德加的姑姑一家，乍看之下，這似乎是一幅正式的家庭肖像，場景設定在一間典型的資產階級定制公寓的房間裡，房間以醒目的藍色調裝飾。然而，這幅作品不僅坦率地捕捉了每個人的個性和特點，還透過對人物面部表情、姿態和位置的巧妙處理，暗示了這對夫婦之間緊張的關係和心理上的疏離，如同心理劇一般。這種手法突破了傳統、膚淺的理想化家庭形象，顯得格外具有現代感，也充分展現了年輕的德加的真誠和敏銳的觀察力。

莫內的詩意之作《公寓一角》（1875年）描繪了他在巴黎附近阿爾讓特伊的家，是他為數不多的室內畫作之一。莫內對光影效果的敏銳感知在這幅畫中展現得淋漓盡致：前景中敞開的窗簾和綠植，與遠處昏暗的房間形成鮮明的明暗對比，冷暖色調交相輝映。畫中，他的兒子讓和一位被認為是他妻子的女子卡米爾的身影被描繪得十分含蓄，幾乎如同剪影一般，但窗簾和鑲木地板上反復出現的斜線引導著視線，強化了人物形象的衝擊力。

19世紀下半葉，隨著工作場所與家庭界限的日益清晰，與可以自由出入公共場所的男性形成鮮明對比的是，資產階級女性由於不被允許自由外出，她們的活動主要局限於家庭內部。第二章「日常生活場景」介紹了一系列作品，這些作品捕捉了女性在家中享受愛好和手工活動的輕鬆場景，例如音樂演奏、閱讀和針線活。

雷諾瓦的《彈鋼琴的女孩們》（1892年）也是本次展覽的主視覺作品。這幅畫是應當時美術局局長的要求而創作的，其目的是為了吸引盧森堡博物館（當時的國立現代藝術博物館）收藏。在那個年代，擁有一架鋼琴象徵著財富和優雅的生活方式，而彈鋼琴則是上流社會女兒們的愛好，因此也成為了繪畫的熱門題材。這幅作品以溫暖的色彩和柔和的筆觸，描繪了幾個女孩臉貼著臉，專注地看著樂譜，展現了一幅理想的資產階級家庭景象。

第三章「室內室外光線與自然」展示了印象派畫家如何將他們對室外光線和自然的興趣融入他們的作品中，其中的作品以連接室內和室外空間的複雜空間為背景，例如陽台、露台和溫室，這些都是 19 世紀流行的社交場所。

阿爾伯特·巴托洛梅的《溫室裡的景象》（約1881年）描繪了他家特製的玻璃溫室中的一幕。巴托洛梅的妻子普洛斯佩里身著清涼的紫色夏裝，告別了刺眼的陽光，步入燈光昏暗的溫室。那裡棕櫚樹和天竺葵正蓬勃生長，枝繁葉茂。柔和的光線在她臉上和裙子上投下斑駁的光影，營造出舒適的夏日氛圍。

這幅畫作完成後不久，普洛斯佩里便病逝於1887年。巴塞洛繆悲痛欲絕，將畫中描繪的輝煌時刻珍藏於心，似乎從未捨棄過這幅畫作和那件禮服。為了紀念這一特殊時刻，這件禮服也與畫作一同在展覽中展出。

本章也介紹了靜物畫，將自然作為裝飾元素帶入室內，以及日本主義的發展，日本主義以自然為主要靈感來源，創造了創新的裝飾藝術。

第四章「印象派裝飾」探討了印象派畫家將大自然融入室內裝飾後出現的各種室內裝飾表現形式。當時，裝飾藝術——先前曾被視為低俗膚淺的表達方式——正逐漸受到人們的正面評價。本章分析的案例包括為羅馬尼亞貴族比貝斯科王子設計的宅邸、年輕的雷諾阿與建築師查爾斯-賈斯汀·勒庫爾的合作作品，以及莫里索的客廳兼工作室模型，從中我們可以一窺裝飾畫對居住空間的影響。

馬奈和莫內為他們的贊助人、商人歐內斯特·霍舍德的城堡創作了裝飾畫。馬奈的《花叢中的孩子（雅克·霍舍德）》 （1876年）描繪了霍舍德家的長子雅克從花園的花叢中探出頭來；莫內的《火雞》 （1877年）則描繪了一群火雞在草地上漫步，城堡則作為背景。這兩幅畫都以印象派特有的明亮色彩和大膽筆觸，捕捉了霍舍德家族熟悉的場景和主題，讓我們既能欣賞印象派的美學，又能了解其客戶的品味。

與莫內一樣熱愛園藝和景觀設計的古斯塔夫·卡耶博特，也對裝飾性植物繪畫有著濃厚的興趣。 《雛菊花叢》 （1892-1893）是一幅未完成的作品，據信是他最初為自家創作的牆面裝飾畫。這幅畫以鳥瞰視角，將白色雛菊散佈在畫布上，營造出一種沉浸感，彷彿將觀者包裹其中。畫面無限延伸，沒有起點也沒有終點，與莫內的「大型裝飾畫」系列作品——《睡蓮》系列——有著異曲同工之妙。

「奧賽博物館印象派畫展—室內世界的故事」讓參觀者體驗印象派的魅力。印象派藝術在19世紀巴黎的都市生活中，突破了自然與室內空間的界限，創造出獨特的藝術作品。展覽將持續至2026年2月15日（星期日）。

《奧賽博物館印象派：室內畫作賞析》概述

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上野之森博物館

正倉院位於奈良東大寺舊址內，是一座神奇的寶庫，近1300年來守護並傳承了9000件傳承天平文化精髓的寶藏。每年秋季，上野之森美術館都會舉辦“正倉院展”，向公眾開放這些珍寶。最近，上野之森美術館正在舉辦“正倉院THE SHOW——感受此刻存在的奇蹟”，旨在提供一種不同於觀賞實物的全新方式來欣賞珍寶。

活動將於 2025 年 9 月 20 日星期六至 2025 年 11 月 9 日星期日舉行。

光明皇后（701-760年）扶持了以建造地方寺廟和東大寺大佛而聞名的第45代聖武天皇（701-756年），並致力於制定佛教政策和救濟貧民。正倉院寶物的歷史始於光明皇后為祈求聖武天皇的靈魂安息，將聖武天皇的部分愛物捐贈給東大寺大佛。在約9000件寶物中，許多都清楚地記錄了其製作日期、目的和來源，至今仍傳承著當時人們的技藝、美學觀念和願望。

本次展覽由宮內廳正倉院全權負責，以「編織愛與美」為主題，揭開這些在禦璽制度下被精心守護的寶物背後的各種故事，讓參觀者全身心地感受它們的魅力。

會場入口處，展出了一本與捐贈文物目錄《國寶圖鑑》等身大小的複製品，該圖鑑全長超過14米，展開後鋪滿整張紙，展現了正倉院文物的起源。本次展覽為大阪會場的巡迴展覽，而《國寶圖鑑》則是東京會場的新展品。

在活動前的新聞發布會上，宮內廳正倉院事務所所長飯田武彥談到了試圖嚴格管理這些在1300年間變得脆弱的寶藏，使其難以向公眾開放的困境，並解釋說，這次展覽就是為了解決這個問題而誕生的。 「我們希望提供一種比僅僅觀看寶藏本身更具創新性的體驗，所以我們還設置了能夠調動五種感官的展品，讓參觀者能夠從各個角度欣賞寶藏的魅力。」他說道，因此，本次展覽並不展出實際的寶藏。

有些人可能會失望地想“什麼，沒有真品嗎？”，但實際上，這裡展出的是宮內廳正倉院經過多年研究和製作的“複製品” 。

與普通的複製品不同，複製品並非簡單地再現其外觀，而是運用各種分析儀器和光學設備，探究當時的材料和技術，由人間國寶等工匠以嫻熟的技藝，力求重現寶物的原貌。本次展覽展出了11件複製品，其中包括世界上唯一現存的古代五弦琵琶、作為正倉院代表寶物的“螺麓紫檀五弦琵琶”和“螺釹盒” 。

正倉院的目標是「再造一件正倉院的寶物」。複製品就像是穿越時空來到現代的寶物，讓我們盡可能真實地看到奈良時代的人們所見到的寶物，沒有任何褪色或損壞。

此外，自2019年起，正倉院事務所一直與TOPPAN合作，充分利用最新的3D測量、高解析度攝影和紋理捕捉技術，創建寶物的詳細3D數位資料（數位檔案） 。

本次展覽將在該3D數位資料上加入特效的影像作品，以約12K的高清影像形式，投射在高約4公尺、寬約20公尺的巨型螢幕上。螢幕採用基於2023年榮獲諾貝爾化學獎的「量子點」研究成果開發的螢幕塗料，讓這些珍品以更鮮明的對比效果閃耀。

約17分鐘的放映影片，以華麗的音樂為背景，分為三個部分：講述正倉院秘聞的「故事影像」、展現寶物本身震撼人心「美」的「數位寶物影像」以及「寶物復刻及仿製影像」。其中，最令人印象深刻的是故事影像中的“正倉院之美世界”，駱駝、大象、神獸等在寶物上的花鳥紋飾和螺鈿裝飾中翩翩起舞，營造出一個奇幻的“美”世界。寶物所蘊含的美感濃縮於此，置身於螢幕前，更能獲得身臨其境的體驗。

數位珍寶影像以不同的角度投射珍寶，讓觀者得以一窺肉眼難以察覺的細節和紋理。例如，精美的裝飾鏡“螺鈿圓鏡11號”，其花卉和鳥類圖案點綴著青金石和綠松石碎片；以及精美的香爐座“漆金薄繪板B”，其上有32片色彩鮮豔的花瓣。即使不使用單筒望遠鏡，也能獲得真正身臨其境的觀賞體驗。 「漆金薄繪板B」的花瓣被拆開，展現出花朵綻放的圖案，以及香火升騰的景象，這才是只有數字數據才能帶來的真正愉悅的體驗。

亮點之一是再現傳說中的香木「蘭迦泰」的香氣。蘭迦泰（寶物名：黃樹光）是一種沉香木，由生長在東南亞的瑞香科沉香屬植物的樹樁上沉積樹脂和精油而成。它受到織田信長、足利義滿、足利義政等當時的統治者的青睞，被稱為「世界第一名香」。據說，如今還能聞到淡淡的蘭迦泰香氣，真是令人驚嘆。

為了記錄這逐漸消逝的香味，正倉院事務所與高砂國際株式會社合作，將從2024年開始分析從蘭迦泰散發出的空氣中的芳香成分。此外，透過調香師的「聞香」（一種將香木放在香爐中加熱並品嚐香氣的香味欣賞方法），他們發現這種香味與從岩薔薇植物樹脂中提取的天然香料勞丹脂相似，並以此為基礎製作出了首款複製香水。

高砂國際株式會社IR/PR部的鈴木隆志解釋說：「與其說是『亂世台』本身的香味，不如說是聆聽時聞到的香味，是織田信長等人聞到的香味。」活動現場將把香水的複製品放在玻璃容器中，讓參觀者能夠真正感受到香味。

筆者感覺它散發著一種優雅的香味，讓人聯想到肉桂和杏仁。這款聞名世界的香水在現代重新煥發活力，非常推薦大家在會場體驗一下。

「美麗大道」一直延伸到天花板，佈滿了各種色彩繽紛的珍寶圖案，大道的另一邊是展覽區，展示著當代藝術家受正倉院珍寶啟發而創作的新作品。

參與的藝術家有音樂製作人龜田誠二、攝影師瀧本幹也、陶瓷藝術家龜江道子、設計師篠原智惠。

龜田誠二 (Seiji Kameda) 發行了一首名為《光》的作品，將他珍藏的琵琶和尺八樂器的錄音與當代音樂結合在一起。
滝本幹也展出了一系列單色照片，照片中雄偉的正倉院在黑暗中被月光照亮，讓人想起1300年前人們所看到的夜世界，那時還沒有像今天這樣的光。
龜江美智子想像了當時人們被從未見過的色彩、材料和圖案所感動的故事，並在創作作品時將這些故事表演出來。展出的小盤子和花瓶上裝飾著巧妙結合數位技術和類比筆觸創作的圖案。

出席媒體預覽的 Shinohara Tomoe 講述了她的“LACQUERED EWER SHOSOIN DRESS ”的製作過程和細節，這件衣服融合了傳統與現代元素，以波斯風格的水壺“laquered gobin”為主題，靈感來自正倉院寶藏的“與當今相關的美感” 。

《漆壺》是運用東亞獨有的漆藝，用薄薄的銀板雕刻出精美的花鳥動物圖案的作品。篠原被這件作品壓倒性的存在感所吸引，說道：“我感受到了大陸的慷慨流動感和永恆的美感。”

這件作品從構思到完成耗時約一年，基於寶物的3D數據，手工描繪了400多個不同的圖案，同時也展現了歷代工匠的熱情。設計師們致力於展現1300年的歷史，將切割好的黃銅片反覆地貼在壓碎的天鵝絨面料上，浸泡在化學品中，並加熱，透過反覆的嘗試和錯誤，最終呈現出細微的差別。

這件衣服的重點在於其造型，她說：“我根據3D數據，盡可能地保留了漆器gobin的東方造型。這是我第一次嘗試用3D數據製作服裝，但我希望人們能感受到彷彿真的在窺視一件寶藏。”

在觀察漆器袈裟時，他發現不只鹿、鳥等動物，連小昆蟲也雌雄成雙地生活著。他講述了自己在漆器袈裟中發現「聖武天皇與光明皇后的愛情故事」時的感動。

「本次展覽的最大特色在於，它能讓人們感受到正倉院寶物的藝術感，也體現了宮內廳正倉院的嚴肅性。如果這次展覽能讓大家感受到正倉院寶物的魅力、手工的價值，以及祖先們傳承至今的熱情，我將不勝感激。希望大家前來參觀。」

「正倉院 THE SHOW ～感受現存於此的奇蹟～」展覽不僅能讓您感受到運用最新技術在現代復活的寶物的魅力，還能讓您感受到守護和傳承古代寶物歷史的人們的心聲。展覽將持續至11月9日（週日）。

「正倉院 THE SHOW～感受存在於此時此地的奇蹟～」概要

日期	2025年9月20日星期六 – 2025年11月9日星期日
場地	上野之森博物館
營業時間	10:00-17:00（閉館前30分鐘停止入場）
入場費	（當日票）成人2,300日圓、高中生、大學生1,700日圓、小學生、國中生1,100日元 *學齡前兒童免費入場 *門票詳情請見展覽官網。
主辦單位	上野之森美術館、「正倉院THE SHOW」執行委員會（讀賣電視台、讀賣新聞、凸版、角川媒體社）、日本電視台、BS日本電視台
監管	宮內廳正倉院
詢問	您好請撥打050-5541-8600（每天9:00-20:00開放）
展會官方網站	https://shosoin-the-show.jp/tokyo/

*本文內容截至報告時為止。最新資訊請以展會官方網站為準。

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《Berabou：蔦重英華之夢花》是一部描寫活躍於江戶時代中期的媒體大亨蔦屋重三郎（又名蔦重）動盪的人生的歷史劇。

這次我們去的「Berabou 江戶大河劇博物館」是在東京都台東區開設的設施，這裡是與《Berabou 蔦屋重三郎的夢話》主角蔦屋重三郎相關的地區。大河劇博物館充滿了各種內容，例如角色的服裝和道具，讓您可以更享受戲劇的樂趣。

在本報告中，我們將介紹它的魅力和亮點。

體驗江戶時代的氛圍

大河劇博物館所在的台東區市民會館距離淺草站步行幾分鐘即可抵達。九樓是江戶時代的街道“江戶唐丸町”，步入其中，彷彿回到了過去。

從電梯通往大河劇博物館的走廊也充滿了各種娛樂遊客的噱頭，例如用閃光燈拍攝時人物會從剪影中顯現出來的面板，以及根據觀看角度而變化的浮世繪藝術牆壁。

一踏入“Berabou江戶對頭大雅劇場”，映入眼簾的便是橫濱流星飾演的蔦樹的主角。

蔦屋重三郎於1750年出生於江戶新吉原（現台東區洗足），二十多歲時在吉原大門前開設了書店「幸書堂」。他與東洲齋寫樂、喜多川歌麿等代表江戶文化的文人交往甚密，被譽為“江戶的媒體之王”，並取得了巨大的成功。

講述蔦壽一生的歷史劇《はラヴィ：蔦壽英華的夢坂はどど》將於 2025 年 1 月 5 日開播，截至 10 月初接受采訪時，該劇已吸引了眾多觀眾的關注。

《Berabou 介紹》介紹主要演員和工作人員

大河劇博物館分為九個區域。
「Berabou 介紹」部分將展示 Tsutaju 的服裝並介紹主要演員和工作人員。
最引人注目的是位於中央的蔦久的服裝，是蔦久在劇中穿著的黑綠色紬條紋和服。

負責服裝設計的伊藤幸子解釋了為什麼她選擇綠色作為主角蔦的和服，而不是更常見的靛藍色：

「他仍然只是個無名小卒，但他不受任何事物的束縛，他淘氣又富有想像力，他要創造一些新的東西。我選擇了不易複製的綠色，作為象徵這種原創生命的開始的顏色。”

他說：

展覽也展示了主演橫濱龍星、飾演黑助稻荷的旁白綾瀨遙等演員的評論，以及編劇森下芳子、作曲家約翰·格雷厄姆和標題書法家石川九陽等製作團隊的評論。

面向海外觀眾的英文標題為“UNBOUND”的拍照點似乎非常受歡迎，許多人都像 Tsutaju 一樣擺出雙臂交叉的姿勢拍照。

順便一提，「UNBOUND」的意思是「解放」或「不受約束」。這個詞似乎是用來形容蔦屋重三郎的，他的生活不受社會地位或出身的束縛，也不受習俗的束縛。

「Ijikkenmichi Zone」展示了與Tsutaju相關的道具和麵板。

接下來的「一簩道區」展出了與蔦（現代的出版社；原指擁有印刷版的業主）相關的道具以及相關角色的面板。此外，展覽中也展出了電影拍攝過程中實際使用的服裝和道具（部分為複製品），價值不斐。

特別是第34屆參賽作品《繪本蟲·埃拉米》，是一本精美絕倫的繪本，充分展現了歌麿敏銳的觀察力和寫實主義。其鮮豔的色彩和細膩的寫實感令人著迷。
這是一次近距離觀看電視劇中必不可少的物品的難得機會。

也展出了「蔦屋」的複製品。當然，尺寸會根據場地調整，但那確實是「蔦屋」的原型。其還原度令人驚嘆。

室內從五斗櫥到家中的供桌，都經過精心復原，屋簷上擺放著蔦重參與出版和出租書籍的書籍。館內還可以坐坐，記得拍張紀念照。

再現吉原的大街！ “中之町區域”

最引人注目的展品，莫過於小柴風花飾演的傳奇妓女瀨川在妓院遊行時所穿的服裝。您可以想像妓女們在街上輕快地行走，引人注目的場景。
背景中吉原主要街道中之町的視覺效果也給人留下了深刻的印象，但由於在實際拍攝電視劇時不可能搭建如此長的場景，因此小組成員解釋說，他們使用了 LED 圖像牆來營造深度。

此外，中野町區旁的4K影院播放深入探討節目主題和幕後花絮的影片內容，也介紹與蔦重相關的台東區著名景點和歷史遺跡。

另外，還有從大河劇博物館出發前往與蔦屋相關的景點（如蔦屋的菩提寺正法寺、與蔦屋有淵源的平賀源內的墓地等）的循環巴士，因此建議您實際參觀一下在劇場中看到的景點（乘坐循環巴士時需要出示大河劇博物館的紀念證）。

「台東區，蔦重的淵源地」官方網站介紹了前往大河劇博物館和蔦重淵源地的示範旅遊路線，以及蒬重生活的江戶時代文化相關的活動和傳統儀式。
有興趣的話請前往「台東區，與蔦重有緣的地方」的官方網站確認。

江戶城區主要展示幕府及其家臣

江戶城也是故事中的重要地點。
《はがどどどどどどど》的故事背景設定在江戶時代中期，那是一個長期和平、藝術文化繁榮的時代。然而，以鬆平定信的「寬政改革」為契機，蔦重等人的境遇也發生了巨大的變化。

江戶城區的展覽主要關注與江戶幕府有關的人物，例如將軍家族及其家臣，以及介紹該項目的藝術和幕後拍攝的展板。

大河劇博物館的盡頭，陳列著演員們親筆寫下的留言和簽名彩紙，傳達他們對這部劇的熱愛。在這裡，你可以找到自己喜歡的角色的簽名，或是紀念那些不幸已經離開劇場的角色。

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體驗江戶市集！ “台東江戶市場”

鄰近的台東江戶市場出售帶有歷史劇「Berabou」標誌的紀念品，以及與江戶相關的物品和台東區當地公司生產的產品。

台東江戶市場琳瑯滿目的紀念品，光是逛逛就能花上一個小時，精美的店內裝潢也令人讚嘆。店內還設有「猜謎」（江戶時代流行的一種謎語）的體驗區，趣味十足。帶孩子一起體驗一下，一定很有趣。

說到好玩，大廳裡的紀念章區也有特色。
在參觀證背面疊加五張彩色版畫，最終您將完成歌川廣重的《江戶百景：淺草金龍山》。這是一次體驗浮世繪多色印刷技術的有趣體驗。

大河劇博物館目前正在舉辦導覽活動，無論是初次來訪還是再次來訪，都會感到樂趣無窮，不妨嘗試一下。

雖然我沒有看過這部電視劇，但我對劇中塑造的「江戶媒體之王」蔦重這個角色以及他成長的地方台東區很感興趣。

大河劇博物館將開放至2026年1月12日星期一（國定假日）。
參觀完大河劇博物館後，不妨去遊覽與蔦重相關的地方，讓您的思緒回到江戶時代吧。

■「Berabou江戶時代大雅劇場」摘要

時期	2025年2月1日（週六）～2026年1月12日（週一、假日）
營業時間	9:00-17:00（最後入場時間 16:30）
休息日	每月第二個星期一（如遇假日則順延至隔日）、年末年初等
地方	東京都台東區花川戶 2-6-5 東市民會館 9 樓
主辦單位	台東區歷史劇「Berabou」推進協議會
詢問	03-4330-1409（大河劇博物館）
「台東區，與蔦重有關的地方」官方網站	https://taito-tsutaju.jp/features/exhibition

■ 台東江戶市場概況

時期	2025年2月1日（週六）～2026年1月12日（週一、假日）
營業時間	9:00-17:00（最後入場時間 16:30）
休息日	每月第二個星期一（如遇假日則順延至隔日）、年末年初等
地方	東京都台東區花川戶 2-6-5 東市民會館 9 樓
詢問	03-6802-8150（台東江戶市場）
「台東區，與蔦重有關的地方」官方網站	https://taito-tsutaju.jp/features/edomonoichi

※本文內容為報道時的最新資訊。最新資訊請確認官方網站。

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東京都美術館

 

東京都美術館目前正在舉辦「梵谷：一個家族傳承下來的畫家之夢」展覽，展覽追溯了梵谷家族的活動，包括深受全球喜愛的畫家文森特·梵高（1853-1890）、他的兄弟提奧、他的妻子喬和他的侄子文森特·威廉的鼎力支持，並展示了文森特的夢想和作品如何傳承至今的夢想和作品如何傳承至今的夢想和作品。
活動將於 2025 年 9 月 12 日星期五至 2025 年 12 月 21 日星期日舉行。

梵谷 (Vincent van Gogh) 的繪畫生涯開始得比較晚，1880 年，27 歲時才開始，但在短短的 10 年時間裡，他創作了約 2,000 幅作品，直到 1890 年 7 月 37 歲去世。在文森特的一生中，他的弟弟、密友兼藝術家同行西奧 (Theodorus van Gogh) 給予了他精神和經濟上的全力支持，但他在哥哥去世六個月後也去世了。

雖然文森特在世時並非默默無聞，但他的作品只售出幾幅卻是一個眾所周知的故事。那麼，他是如何獲得如今如此輝煌的聲譽，成為一位作品被世界各地藝術博物館珍藏的畫家的呢？

提奧的妻子約翰娜·梵高-邦格（Johanna van Gogh-Bonger）在他去世後繼承了龐大的藏品，並在其中發揮了關鍵作用。喬畢生致力於將她姐夫的作品推向世界，她孜孜不倦地努力，透過在展覽中展出他的作品、策略性地銷售作品以及整理和出版他的書信，確保他作為一名畫家得到應有的認可。

此外，西奧和喬的兒子文森特·威廉·梵高於 1960 年成立了文森特·梵高基金會，以防止藏品流失，並在開設國家文森特·梵高博物館（現為梵高博物館）方面發揮了重要作用，該博物館對藝術品的借出政策非常慷慨。

此次展覽是日本首次以梵谷家族珍藏為主題的展覽。展覽將展出梵谷博物館館藏的30餘幅文森油畫及素描作品。此外，展覽分為五個章節，展出了保羅·高更和愛德華·馬奈的油畫及素描作品、英法報紙插圖版畫、浮世繪版畫等，展現了梵高兄弟的興趣愛好和當時的藝術潮流。此外，展覽還展出了四封首次在日本展出的文森手寫信件。

文森立志成為一名畫家，自1881年起，他在海牙和荷蘭鄉村紐南磨練素描和油畫技巧。 1886年，他移居巴黎，確立了自己的現代風格。之後，他又在阿爾勒、聖雷米和法國南部瓦茲河畔奧韋（他最終在奧韋去世）創作了一系列富有創新精神的傑作。本次展覽展出的作品，讓觀眾得以追溯這位藝術家在這十年緊張的創作生涯。

《戴防水帽的漁夫臉》 （1883年）創作於他在海牙期間。當時，他正熱衷於學習鉛筆、粉筆和墨水等黑色媒介，並受到報紙插圖中寫實題材和黑白對比的影響。在紐南逗留期間，他對色彩理論的興趣日益濃厚，並開始積極創作靜物畫，以此練習色彩運用。 《插著月神花的花瓶》 （1884年）是他最早的植物靜物畫之一，創作於1884年深秋初冬。

抵達巴黎後，他驚訝地發現新先鋒派畫家的作品與他想像的截然不同，於是開始摒棄作品中常見的陰暗色調，尋求新的色彩和筆觸。他從自己敬仰的畫家那裡汲取靈感，例如德拉克洛瓦的色彩和蒙蒂切利的厚塗技法，僅在1886年夏天就創作了30多幅花卉靜物畫。其中一幅名為《插著唐菖蒲和翠菊花的花瓶》 （1886年），其背景獨特，形似重疊的十字架。

如果你將目光投向本次展覽的亮點——據說是他在巴黎期間創作的最後一幅傑作《畫家的自畫像》（1887-1888） ，你會驚嘆於，與他在荷蘭期間創作的油畫相比，短短兩年間，他已經蛻變為一位極具現代感的畫家。

他在巴黎研習色彩理論的成果——豐富而嫻熟的用色，源自於畫布上清晰可見的色彩，以及充滿堅定自信的筆觸，在畫布上生動地蔓延。他的姿態優美，目光雖略帶陰影，卻直視觀者，給人一種堅定意志的感覺，或許是他作為藝術家的驕傲，也或許是他決心的宣言。

 關於這幅作品，有一則軼事，講述的是1890年文森特和楊第一次見面的情景，當時文森特還沒有離開聖雷米精神病院，準備前往瓦茲河畔奧韋。楊聽過很多關於文森特疾病纏身、健康狀況不佳的故事，所以他想像文森特看起來是個虛弱的人，但在回憶錄中，他寫道，他發現文森特「身材魁梧，肩膀寬闊，膚色健康，臉上掛著微笑，舉止非常堅定」。他還補充說： “在他眾多的自畫像中，這幅畫在畫架前的自畫像，最能體現他當時的面容。”

文森本人似乎對這幅畫有負面印象，將其與死神聯繫在一起，但無論如何，這幅作品被認為是文森梵谷基金會以及梵谷博物館最重要的珍寶之一。

文森特從職業生涯早期就非常欣賞被稱為「鄉村畫家」的讓-弗朗索瓦·米勒，並留下了許多臨摹作品。他在阿爾勒時期創作的《播種者》 （1888年）便是以米勒的同名作品為藍本。為了創作出一幅色彩繽紛的《播種者》，文森特反覆製作原型，直到對這幅作品的構圖感到滿意為止。

浮世繪的影響在圖案的處理和變形描繪中顯而易見，例如大膽地將農民膝蓋以下的部分裁剪的創新構圖、以極端透視法在前景中近距離顯示的樹幹以及神聖地照耀在農民身上的巨大太陽，因此該作品與浮世繪版畫集一起展出。

同時，展覽也特設楊志偉售出作品部分，即梵谷博物館館藏以外的作品，以展現楊志偉在藝術領域無與倫比的創業精神與成就。

雖然Yo原本只是個藝術愛好者，但嫁給提奧後，她逐漸熟悉了現代和當代藝術，包括梵谷、私人收藏家和博物館的世界，以及藝術品交易的機制。提奧去世後，她定期出售文森特的作品，但維持父子生計的經濟原因並非她所願；她雄心勃勃的目標是樹立文森特的聲譽，因為她認為文森特是現代藝術的核心人物。

張氏夫婦保存的「帳簿」揭示了楊氏的辛勤付出。最初，這些帳簿僅記錄家庭收入和支出，但在張氏去世後，他的藝術品銷售記錄也被記錄下來，留下了楊氏出售作品的清晰記錄，包括何時、賣給誰以及售價。經過研究和調查，已確認楊氏的繪畫作品超過170幅，紙上作品44幅，其中三幅油畫在本次展覽中展出。

梵谷博物館擁有世界上最大的梵谷作品收藏，約有200幅油畫和500幅素描。據說，如果呂先生沒有販售這些作品，梵谷博物館還會有約250幅。然而，正是呂先生的策略性運作，使得梵谷的作品得以被世界各地的收藏機構收藏，讓居住在日本的我們也能相對輕鬆地看到原作並進行欣賞。梵谷「讓100年後的人們也能欣賞到他的畫作」的夢想，就此得以實現。

梵谷博物館的收藏自1980年代後期以來，得益於捐贈和資助，逐漸豐富。藏品不僅涵蓋了巴比松畫派、海牙畫派、象徵主義、印象派、後印象派的作品，還有版畫、海報等紙上作品，也收錄了梵谷本人的作品和書信。這次展覽是梵谷寫給安東·凡·拉帕德的四封信首次來到日本，這封信的下落長期不明，於2006年在私人收藏中被發現。

這是四封信中的四張紙片，取自文森特寫給範·拉帕德特（Van Rappaardt）的信。範·拉帕德特是文森在布魯塞爾認識的資深畫家。信中描繪了坐在長椅上的人們，以及他在濟貧院見到的老人。這些信件很容易腐爛，很少在展覽中展出，因此這次的展出機會極為難得。

展覽結束時，將設置一個“沉浸式體驗角”，帶來一個高逾4米、寬逾14米的空間體驗。巨型螢幕上將投射梵谷博物館珍藏的《杏樹盛開的枝頭》《麥田與烏鴉飛翔》等高清影像，以及《向日葵》（SOMPO美術館）的3D掃描CG影像。歡迎前來體驗這令人沉浸其中的體驗，從肉眼難以觸及的大膽視角，開啟全新的發現。

「梵谷展：一個家庭延續的畫家之夢」概述

*本文內容截至報告時為止。最新資訊請以展會官方網站為準。

文章提供： Kokosil Ueno

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東京都美術館

東京都美術館目前正在舉辦一場名為「創造的樂趣： DIY生活」的展覽，該展覽聚焦於人人皆有的創造力，鼓勵人們思考如何以自己的方式「生活得更好」。展覽以「DIY」（自己動手）為主題，將於2025年7月24日（週四）至2025年10月8日（週三）期間展出。

以下是參展藝術家進行演講的新聞預覽報告。

■參展藝術家（依展覽順序/省略標題）： Wakaki Kurumi、Seo Natsumi、Noguchi Kengo、Dunhill & O’Brien、Hisamura Taku、Ito Akihiro 設計與建築設計事務所、Studio Megane 建築設計事務所

 

DIY 是一種運用自身智慧解決眼前問題的方法。本次展覽將 DIY 視為一種改善生活的方式，也是一種克服不便和困難的手段，並著重展現“製作的樂趣”，例如創作過程中獲得的成就感和成就感。展覽將展出五位對 DIY 方法和理念感興趣的當代藝術家和兩位建築師的作品，鼓勵人們反思 DIY 的本質——它依賴於個人的方法和感受；以及藝術的存在——它與生活息息相關。

展廳分為四個章節。第一章節「從觀看開始的DIY」展出版畫家若木久美（1985-）的作品。若木久美從DIY的開端－「觀看」中汲取創作動力，將文具、廚房用具、空罐頭、家具等日常用品重新加工成版畫。

「開管」系列以生漆管塑造魚片造型，靈感源自於工匠將昂貴的生漆管打開，直到用盡最後一點。管子獨特的紋理展現了其凹凸不平和的光澤，賦予「魚紋」一種神秘的魅力。透過這種實驗性的行為，藝術家得以為平凡的日常物品注入新的圖像和意義，同時也以一種幽默、平易近人的方式展現了創造的樂趣。

這件觸及天花板的作品《高街宅邸》 （2025 年）是用若木自獨自生活以來使用了20多年的一台冰箱製作的。由於這台冰箱的使用壽命已接近尾聲，若木“決定親手製作一幅版畫來終結它”，於是將其用於此次展覽。

這件作品的靈感源自於一張貼在冰箱上的德國畫家保羅·克利（Paul Klee）展覽門票。門票本身融入作品之中，構成了一座立體主義風格的塔樓公寓，令人聯想到克利的作品，其音樂感和詩意繽紛的世界令人著迷。

 

第二章「DIY：失去後的重建」介紹了瀨尾夏美和野口健吾的作品，重點講述了那些因自然災害或經濟困難而遭受巨大損失的人們為重建生活所做的努力。

瀨尾夏美（1988-）出生於東京，在東日本大地震後移居東北，是一位在記錄災難中生活的人們的話語和景觀變化的同時創作出各種作品的藝術家。本次展覽的空間以素描和繪畫為中心。

開幕作品《環》 （2011 年）是在災難發生的當晚創作的，但他不明白為什麼「它變成了和昨天一樣的線條」。他說，從那時起，他便前往現場，在與當地人交流的同時，真誠地思考該畫什麼。

2015年，瀨尾目睹了岩手縣陸前高田市重建過程中地面抬升的過程，熟悉的山脈被砍伐，城鎮遺址被填埋，這讓他意識到故事的必要性。本章也收錄了多幅與「雙重城鎮」相關的圖畫。 「雙重城鎮」講述了2031年陸前高田市的故事，舊城鎮的居民與居住在地下的新城鎮的居民彼此相連。

每當他前往能登半島地震等受災地區等各地時，都會受到「雙重城鎮」的啟發，與人和地方建立意想不到的聯繫，創造出分享經驗和感想的對話機會。在不可逆轉的變化中，那些不再被提及的記憶和思緒被創造出來，並被他人拾起，支撐起他們的生活。他用感同身受的語言，向觀眾傳達了在小社區中連結人們的活動的潛力。

攝影師野口健吾（1984-）正在展出他的「隱居者」系列作品，這些作品是他走訪那些在河岸和公園裡建造了各自獨特居住空間的人們時拍攝的。這些「隱居者」用回收材料和藍色防水布拼湊而成，設計和外觀各異，有些人出於經濟原因而居住在那裡，而有些人則出於自己的選擇而繼續居住在那裡。然而，每一處都展現出不同的巧思和創造力，傳達出一種直率而真誠的「為了生存而DIY」精神，以及參與其中的人們堅韌不拔的精神。

野口勇在十年的研究過程中多次到訪同一個地方，展覽中的一個系列作品以相同的構圖聚焦於一個人和他的“隱居處”，記錄他們的變化。

有些人，或許在你下次造訪時，依然面容如初；而有些人，或許早已老去。又或許，即便是同一個小屋，人們也像寄居蟹一樣，輾轉輾轉。又或許，有人親手搭建了一棟房屋，卻被颱風瞬間吹倒。這些人，在城市的角落裡，過著日復一日的生活。小屋，終究只是暫時的棲身之所。我希望，欣賞這些作品的人們，也能思考生命的意義。 （野口勇）

 

第三章「DIY形式與關係」介紹了Dunhill & O’Brien和久村卓二人以雕塑手法為基礎從事各種表現活動，強調了他們所創造的「形式」與人、社會產生新的「關係」的過程。

駐倫敦的藝術家二人組 Dunhill & O’Brien 受合作的挑戰與可能性所啟發，創作原創裝置藝術，並將表演與合作作品融為一體。所有展出作品均為專為本次展覽所準備的全新作品。這次新項目的靈感源自於他們與最上俊之的邂逅。這件以《伊呂波》為原型的戶外雕塑作品現藏於東京都美術館，其形式與文字的關聯令他們印象深刻。 （該作品可免費參觀。）

從那時起，我們聚集了來自英國和日本的100多位來自不同背景的參與者，包括藝術家、科學家、音樂家和作家，並舉辦了工作坊，讓他們根據描述戶外雕塑的文字創作泥塑。所有透過遠端「對話」創作的泥塑作品都被數位化並3D列印，最終以「形狀庫」的形式在現場發布。

進一步，透過將這些資料集融合，他製作了整體的3D模型。之後，他安裝了19世紀用於放大雕塑的縮放儀，將3D模型放大到與室外雕塑大致相同的尺寸，完成了大型裝置作品《欣賞ABC的方法和裝置——又伊呂波》 （2025年）。

這個看似基座的東西，其實是 Dunhill & O’Brien 倫敦工作室的全尺寸複製品。兩人將其描述為一個“練習的木筏”，既是基座，也是創作的場所，更是一個如同家一般的空間。展覽中，一個縮放儀被放置在這個工作室風格的「木筏」之上，它的功能如同一件複雜的雕塑創作工具。

久村卓（1977-）畢業於多摩美術大學雕塑系，他是一位對藝術價值的變遷提出質疑的藝術家，遊走於各種體制框架之間。展覽中沒有一件雕塑作品堪稱典型的雕塑。久村卓試圖擺脫他所稱的「嚴謹而運動」的學院派雕塑，因此他選擇採用強調輕盈感、減輕身心壓力的材料，以及遊走於藝術邊緣的DIY和手工技法。

Hisamura 主要從事 parergon（使藝術作品成為可能的結構元素）的研究，例如基座、框架和展覽空間。

例如，這件「穿戴式雕塑」 ——PLUS_Ralph Lauren_黃色條紋襯衫（2025）——是由二手Ralph Lauren服裝製成的作品。底座繡在胸前的標誌上，形成了一個雕塑，但Hisamura認為僅憑這一點還不足以超越手工藝的範疇，於是他將刺繡框起來，營造出一種繪畫般的效果。此外，他還在旋轉平台上製作了一個心軸，將襯衫放置在上面，並安裝了一個由回收廢料製成的階梯式底座，透過四層結構凸顯其藝術性。

「單點結構」系列作品由一所已關閉學校捐贈的柵欄和建築工地使用的A型路障組成，其底座類似長凳，讓參觀者可以坐下，卻不會意識到它們是雕塑。這解決了藝術博物館面臨的困境：它們希望參觀者欣賞藝術，但往往很少有地方可以坐下來休息。

東京都美術館（2025）的吧台式空間－紡織品吧台，旨在促進交流，並鼓勵人們在美術館停留更久。每週五，這裡都會舉辦活動，參觀者可以像在酒吧點飲料一樣，訂購自己喜歡的紡織紗線和布料，並製作自己的原創紡織品。 （需提前預約）

使用的線種類繁多，既有手工線廠商提供的線，也有用舊衣服撕碎製成的線。據說其中一些線是東京都美術館以前展覽的窗簾。一邊用藝術家的雙手編織這些線，一邊回想它們賦予生命的記憶，這將是一次豐富的體驗，這也是本次展覽的特色。

 

第四章「DIY站－自己動手做！」為參觀者提供了一個平台，讓他們可以反思展品，並以第一章至第三章中看到的多樣化方法和獨創性為參考點，重新思考DIY。

該空間由伊藤彰弘設計事務所和眼鏡工作室建築設計事務所兩大建築團隊共同設計，以「觀察與沉思」為主題。作為其像徵，空間中央展示了“DIY時間軸”，從對抗工業革命而興起的工藝美術運動開始，以DIY精神為視角，概括了歷史活動。

展覽周圍設有多個角落，可以體驗藝術家的創作技巧和方法，並展示與DIY和藝術家相關的材料。例如，Dunhill & O’Brien設計了一個裝置，讓參觀者可以伸手進入盒子，用手觀察裡面的雕塑，以滿足他們「觸摸和感受」雕塑的渴望。

按照由公眾擔任的展覽主持人「Tsukurun」的指導，參與者輪流講解盒子裡雕塑的特徵，而另一位參加者則根據講解創作圖畫。看到同一個雕塑如何根據每個參與者關注的紋理、形狀和文字產生完全不同的圖畫，非常有趣。

還有許多其他展覽鼓勵製作、交流和思考，例如，在一個角落裡，Wakaki Kurumi 用廢棄的柱子木雕刻了一塊木塊，參觀者可以使用拓印法（將紙放在紋理表面上，然後用鉛筆或類似物摩擦以轉移圖案的技術）將其變成藝術品。透過這個展覽，參觀者可能會遇到各種衝動和情感，例如他們想要嘗試的事情、困擾他們的事情、他們想要解決的事情，這可能會導致原創 DIY 項目的誕生。

《創造的樂趣：DIY生活》概述

*本文內容截至報告時為止。最新資訊請以展會官方網站為準。

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國立西洋美術館

國立西洋美術館（東京上野公園）正在舉辦「國立西洋美術館素描收藏：從文藝復興到巴洛克」展覽，展出約80件來自國立西洋美術館的傑作。國立西洋美術館擁有世界頂級素描收藏，其中包括丟勒和魯本斯的作品。展覽將於2025年7月1日至9月28日舉行。

瑞典斯德哥爾摩國家博物館是歐洲最古老的藝術博物館之一，以瑞典王室的藝術收藏為基礎而建。博物館收藏了從中世紀至今的各種藝術品、工藝品和設計作品，但其素描收藏無論在質量或數量上都被認為是世界上最好的之一。

素描（繪畫、素描）是一種二維作品，主要使用鋼筆、木炭、粉筆等線條描繪，以表現物體的輪廓、紋理、光影。素描的用途多種多樣，例如快速捕捉靈感或磨練技巧。由於素描通常與繪畫或雕塑概念的形成過程息息相關，16 和 17 世紀的作家將其視為所有藝術形式的基礎，並對其給予高度評價。

速寫最大的魅力就在於它能讓觀者有身臨其境的感覺，直接感受到藝術家的思緒和手的痕跡，還能感受到在需要細心用筆的真實作品中無法體會到的氣勢。

本次展覽傳達了從文藝復興時期到巴洛克時期素描的獨特特徵和魅力，共展出了84件作品，其中包括從國立博物館素描收藏中藉出的81件傑作和從國立西洋美術館借出的3件相關作品。

素描是一種極易受溫度、濕度、光線和震動影響的藝術形式。如此大規模地將海外美術館的收藏匯集到日本尚屬首次。

展覽分為四個章節，依產地劃分展出作品：義大利、法國、德國和荷蘭。第一章節聚焦於義大利，它在文藝復興、風格主義和巴洛克時期一直是輝煌的藝術中心。

特別令人感興趣的是卡拉奇家族的作品，他們在 16 世紀末左右開始的後期巴洛克藝術中發揮了重要作用，當時，在風格主義時期畫家們對自然觀察的興趣有所下降，而此時，自然觀察又開始受到重視。

卡拉奇家族於1582年在家鄉博洛尼亞創辦了一所私立藝術學院，提供獨特的藝術教育，包括臨摹古典雕塑、描繪郊區風景和普通人像。他們尤其註重裸體繪畫，有時會運用解剖學來理解人體結構。安尼貝爾·卡拉奇用紅粉筆創作的《仰臥的年輕裸體男子，頭部傾斜，雙眼閉合》便是這類人物畫的典範。

此外，畫家盧多維科·卡爾迪（Ludovico Cardi，又名 Cigoli，約 1604-09 年）的肖像畫是一幅肖像素描，捕捉了一位正在創作素描的畫家的情景，也是本次展覽的標誌。

第二章以法國為主題，從受邀前往巴黎東南部楓丹白露宮廷的意大利畫家的獨特服裝設計開始，繼續介紹雅克·貝朗日和雅克·卡洛等來自洛林的獨特版畫大師以及引領法國巴洛克時期的畫家的作品。

卡羅也是一位技藝精湛的繪圖員，展覽展出了《聖安東尼的誘惑》的初步草圖，其中描繪了圍繞聖安東尼的傳說，同時還有一幅基於草圖的版畫（約 1635 年）。

透過細緻的調整賦予線條動感，同時又能展現自然透視感的版畫技巧、豐富多樣的妖異視覺效果、如同從驚恐電影中剪下來一般的動感，每一件作品都值得單獨欣賞。

然而，版畫中安東尼勇敢地揮舞著十字架與魔鬼搏鬥，而素描中他卻摔倒在地，被逼入不利境地。此外，兩幅作品在細節上也存在著許多差異，例如構圖左右兩側是否有岩石。透過比較這兩幅作品，我們可以想像藝術家創作作品時的關注點，以及他對元素的選擇所產生的效果。

本章還涉及了為國家博物館的繪畫收藏奠定基礎的建築師尼科德穆斯·泰辛 (Nikodemus Tessin) 委託繪製的用於自己家天花板裝飾的精美設計圖。

第 3 章重點介紹 16 世紀的德國（或更準確地說是德語地區，包括瑞士、奧地利等），重點包括德國文藝復興時期三位最偉大的大師馬蒂亞斯·格呂內瓦爾德、阿爾布雷希特·丟勒和漢斯·巴爾東·格里恩的頭部研究和肖像畫。

丟勒的《三辮年輕女子肖像》 （1515年）被譽為“沒有什麼不能用黑線描繪”，它雖然只是一幅草圖，卻最終成為一件獨立的鉅作。臉部各部位、輪廓和肌膚紋理都以細膩複雜的線條描繪，但值得注意的是，頭髮、絲帶和衣著則以更粗、更深的線條描繪，這種技法自然而然地將人們的注意力引向人物的身材。

第四章回顧了17世紀以來尼德蘭（今比利時和荷蘭）的發展歷程，開篇便展出了盧卡斯·範·萊頓的《青年男子肖像》 （1521年），畫中那雙淺色的眼睛反射著光芒，格外引人注目。 15世紀初，油畫技法在尼德蘭迅速發展，但紙張的傳播速度遠慢於義大利，16世紀初之前的素描作品存世甚少。從這個意義上講，這幅作品堪稱珍貴的代表作。

由於政治和宗教動盪，荷蘭在16世紀末分裂為南北弗蘭德斯地區。但動亂平息後，彼得·保羅·魯本斯便成為弗蘭德斯藝術復興的中心人物。為了處理工作室接到的大量訂單，魯本斯將工作分配給許多學徒和助手，據說，這種分工模式的背後，是精心準備的草圖。

在《羅賓，阿倫德爾勳爵的封臣》 （1620年）中，魯本斯本人在頁邊空白處寫下了關於模特兒所穿服裝的材料和顏色的詳細註釋，這讓我們了解到草圖是如何被使用的。

在經濟繁榮的尼德蘭，繪畫也迎來了前所未有的繁榮，由於尼德蘭是禁止宗教崇拜的新教國家，購買繪畫的國民更青睞於熟悉、易懂的題材，風景畫、風俗畫、靜物畫、動物畫等題材都得到了蓬勃發展。另一方面，也有畫家繼續專注於描繪基督教故事，其中最突出的就是倫勃朗。

《基督被捕》描繪了猶大背叛後基督在客西馬尼園被捕的場景，雖然畫面簡潔，卻巧妙運用了倫勃朗標誌性的光影效果。這幅畫不僅展現了緊張場景的莊嚴與神聖，也展現了基督接受命運時的高貴精神，是一幅雖小卻引人注目的作品。

展覽的最後，是科內利斯·維瑟的《睡狗》 ，一隻慵懶地睡著的可愛狗狗。這幅畫作基於對每個細節的細緻觀察，從微微睜開的眼瞼到狗狗腹部柔軟的毛髮，柔和的色彩傳達了藝術家對狗狗溫暖的目光。此外，展覽現場還出售基於這幅作品的原創週邊商品，如果您來參觀，一定不要錯過。

「國家博物館素描收藏：從文藝復興到巴洛克」展覽概覽

*本文內容截至報告時為止。最新資訊請確認展會官方網站。

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國立科學博物館

聽到「冰河時期」這個詞，有些人可能會想像一個冰雪覆蓋的嚴酷世界，與現在截然不同。然而，從學術角度來看，冰河時期指的是冰蓋（覆蓋陸地的厚厚冰塊）在大陸範圍內廣泛存在的時期。

冰河期（氣候寒冷，冰蓋不斷擴大）與間冰期（氣候相對溫暖，冰蓋不斷消退）交替出現，週期約為10萬年，因此冰河期並非總是寒冷的。即使我們生活在2025年，格陵蘭島和南極洲仍有冰蓋，但如果你明白我們正處於間冰期（或者說冰期）中期，每天都在遭受極端高溫的折磨，那麼這一年或許會有所不同。

目前正在國立科學博物館舉辦的特別展「冰河時期展～4萬年前人類眼中的世界」 （2025年7月12日至10月13日）重點介紹了約4萬年前，即上一次冰河時期的地球狀況。

展覽將利用最新的科學知識和強大的展品，展示生活在與現代完全不同的環境中的人類和動物的生活以及環境的變化，包括首次在日本展出的尼安德特人和克羅馬農人的實際頭骨，以及滅絕動物的骨骼標本、生態重建模型和考古材料。

負責此次展覽的日本國立科學博物館館長篠田健一在媒體預覽會上表示：

世界上有80億人，但其實我們都是同一個物種：智人。歐洲和亞洲曾經存在過其他人類物種，但到了1.2萬年前，只剩下了智人。我們的祖先在6萬年前離開非洲後，遇到了什麼樣的人和動物？本次展覽的主要目的是讓參觀者體驗那些已經滅絕的動物曾經生活在哪裡，以及它們的外觀。我們希望這次展覽不僅能鼓勵參觀者反思我們迄今為止的旅程，還能讓他們思考在全球暖化導致的環境變化下，我們應該如何生活。

走進展廳，映入眼簾的是雄偉的猛獁象。據說，這尊猛獁像在數千年前就生活在西伯利亞和阿拉斯加的島嶼上，現藏於德國的賴斯-恩格爾霍恩博物館。猛獁像是本次展覽的亮點之一，其氣勢令人嘆為觀止。不過，也別忘了欣賞一下它面前那塊略帶槍傷的洞獅肋排。

這塊距今48,000年的肋骨化石出土於德國南部。洞獅是現代獅子的近親，經常出現在壁畫和雕塑中，並被認為是尼安德特人和智人（克羅馬農人）的常見獵物。這些矛痕表明，我們的人類祖先在冰河時期與四處遊蕩的動物對抗，過著艱苦的生活，這為充滿浪漫氣息的展覽提供了一個絕佳的開場。

在距今3萬至2萬年前的最冷時期，歐亞大陸高緯度地區經歷了降溫，形成了廣闊的草原苔原（寒冷草原和永久凍土區）。在這種環境下，草原棲息的猛獁象動物群，包括長毛象、洞獅、披毛犀和草原蟒蛇，繁衍。這些動物群，連同自間冰期以來在森林中倖存的鉅鹿和洞熊，以及許多其他現存物種，構成了末次冰期的巨型動物群。

「第一章：冰河時期的歐洲動物」展出巨型動物的化石、全身骨骼標本和復原模型，探索它們興衰的奧秘，並講解滅絕物種和現存物種的生態。這些動物擁有令人震撼的身軀和抵禦嚴寒的長毛，展現了當時嚴酷的環境。

麝牛以其如同裹著布的長毛和巨大的蹄子為特徵，是猛獁象群中倖存的成員，也是山羊亞科的成員。兩萬年前，地球突然變暖導致草原苔原面積縮小，適應寒冷氣候的物種和草原物種逐漸消失。然而，麝牛和北極狐卻能夠將它們的棲息地遷入北極圈，並因此得以生存至今。

克羅馬農人的祖先大約在30萬年前起源於非洲，大約在6萬年前遍布歐亞大陸。當時，另一種名為尼安德特人的人類生活在歐洲，但他們在大約4萬年前消失了。

尼安德特人體格強健，肌肉發達；克羅馬農人則體型相對纖細，四肢修長。乍一看，尼安德塔人似乎更適合在嚴酷的冰河時期生存，但究竟是什麼決定了他們兩人的命運呢？ 「第二章：尼安德塔人與克羅馬農人」將透過石器、裝飾品等考古遺跡揭開這一謎團。而被稱為「世界最著名」的「拉費拉西1號」和「克羅馬農1號」這兩個生活在同一時代的人類物種的頭骨實物，也首次在日本展出。

「拉費拉西1號」於1909年在法國拉費拉西岩洞中被發現，是一具近乎完整的尼安德塔人骨骼，生活在距今4.5萬至4.3萬年前。 「克羅馬農1號」也是在法國克羅馬農岩洞的公路建造過程中發現的，據信是生活在距今2.8萬至2.7萬年前的人類。即使只是快速瀏覽一下展出的頭骨，也能發現頭骨長度、顴骨寬度和眉骨突出程度的顯著差異，因此，這是一個近距離比較兩者的絕佳機會。

據稱，在地下發現的 La Ferrassie 1 號屍體提供了證據，證明尼安德特人有埋葬死者的習俗，而尼安德特人傳統上被認為是野蠻人，文化水平低於克羅馬農人。

連接第二章和第三章的走廊裡，有一段視訊展覽，講解了冰河時期的基本知識，對初學者來說一定很有吸引力。此外，還有一個角落可以觸摸動物毛髮和牙齒的化石。描摹猛獁象和野牛牙齒獨特的輪廓，想像它們吃什麼以及牙齒形狀的由來，也是一件很有趣的事情。

第三章「冰河時期的日本列島」介紹了據信在大約38,000年前就已經抵達日本的人類的生活，以及當時生活的動物的生活，包括日本滅絕最多的三種動物——瑙曼象、矢部鉅鹿和日本長耳虎牛。

在距今7萬至2萬年前的末次冰期，氣候顯著變冷，冰蓋和冰川的發育將地球上的大部分水都凝固了，導致日本列島的海平面下降了60多米。據說當時日本列島的面貌與今天大不相同，北海道與歐亞大陸相連，本州、四國和九州組成了一個巨大的島嶼，被稱為古本州島。在如此多樣化的日本列島南北延伸的環境中，現代人類形成了豐富的地域特徵。

這次比較展覽展示了古代本州島晚舊石器時代中期石器的地域特徵，展出了從岩手、大阪和鹿兒島遺址出土的石器，但其中一件特別引起我們注意的是從大阪水鳥園遺址出土的石刀。

在瀨戶內地區，一種名為「瀨戶內技法」的技術被開發出來，這種技術可以批量生產形狀奇特的石片，這些石片在破碎石頭時會像翅膀一樣從衝擊點向外展開，這與世界各地使用的石刃不同。用這種瀨戶內技法製作的矛尖，被製成了被稱為「國府式刀形石器」的獨特石器。它們的出現原因尚不清楚，但即使在世界範圍內，這似乎也是一種罕見的技術。

第二個會場繼續展出“冰期-間冰期循環和植被”，其中包括一個可愛的（？）心形花粉化石的放大模型，這是一個從頭到尾都值得一看的展覽。

擔任此次展覽形像大使、熱愛歷史的藝人Abareru君也給予了高度評價，他說道：“如果從入口到出口仔細觀看，大概能學到相當於50個小時科學課的知識。”“一點也不浪費！一切都值得一看！”

「這對暑假期間的獨立研究或學習來說也非常棒。地球目前面臨著各種各樣的挑戰，但我認為在冰河時代倖存下來的動物與今天的我們有一些共同之處，」他熱情地說道，並推廣了他提供的語音導覽，「如果你配合我有趣的旁白和講解觀看，你會學到100倍的知識，也會更容易理解100倍。」

特別展「冰河時期：4萬年前人類眼中的世界」將展出至10月13日星期一（國定假日）。

特別展「冰河時期：4萬年前人類眼中的世界」概要

場地	國立科學博物館（東京上野公園）
日期	2025年7月12日（週六）～2025年10月13日（週一、假日）
營業時間	9:00 – 17:00（最後入場時間 16:30）
晚上營業	博物館將於 8 月 8 日（星期五）至 17 日（星期日）和 10 月 10 日（星期五）至 13 日（星期一，國定假日）晚上 7 點休館（最後入場時間為晚上 6 點 30 分）。 ※8月9日（週六）至8月15日（週五）期間，常設展開放至下午6點。其他時間，常設展開放至下午5點（休館前30分鐘停止入場）。
休息日	9月1日（星期一）、8日（星期一）、16日（星期二）、22日（星期一）、29（星期一）
票	成人、大學生：2,300日圓、小學生、國中生、高中生：600日元 *學齡前兒童免費。 *持有殘障人證的人士及一名護理人員可免費入場。 *如果您有學生證或其他證件，請在入場時出示。 欲了解更多詳情，請查看官方網站。
主辦單位	國立科學博物館、TBS、TBS Gloudia、東京新聞
詢問	050-5541-8600（您好撥號）
官方展覽網站	https://hyogakiten.jp/

*本文內容截至報道當日為止。最新資訊請以展會官方網站為準。

文章提供： Kokosil Ueno

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上野之森博物館

「五大浮世繪大師－歌麿、寫樂、北齋、歌川廣重、國芳」展於上野之森美術館（東京上野）開幕，匯集了浮世繪黃金時代五位大師的傑作。展覽將持續至2025年7月6日（星期日）。

在媒體預展前的畫廊座談會上，川崎浮世繪畫廊策展人、展覽圖錄作者山本典子登台，講解了展覽的亮點，我們將在下文中與大家一同欣賞展覽。

浮世繪是日本最受歡迎的藝術形式，在天明、寬政時期達到黃金時代，五位藝術家以此藝術形式而聞名，他們是北川歌麿、東洲齋寫樂、葛飾北齋、歌川廣重和歌川國芳。本次展覽將展出約140件作品，重點介紹他們在各自領域達到巔峰的代表作，例如美人肖像、演員肖像和風景畫，旨在展現他們藝術表達的獨特之處和魅力。

第1章 北川歌麿：體貼的女人

展覽分為五個章節，每個章節聚焦一位藝術家，首先登場的是喜多川歌麿。

歌麿是被江戶最著名的製作人蔦屋忠三郎發掘的藝術家，蔦屋忠三郎也活躍於目前正在 NHK 播出的歷史劇《Berabou – 蔦屋忠三郎的夢話》。

他與蔦重合作，將當時用於描繪演員的「大首繪」（以人物上半身特寫為主）的風格引入仕女畫。他成為仕女畫的領導人物，以描繪女性優雅姿態和思緒的作品風靡全球。

展覽主要展出描繪日常生活場景的美女肖像，如《五美爭艷：兵庫屋的花妻》，畫中描繪的並不是身著華麗服飾的女子，而是一位頭髮蓬亂、正在讀信的妓女。

在探討女性道德的《父母教誨》系列中，出現了一位衣著邋遢、小酌著酒的「爆連」（無憂無慮的女性）。美人畫（描繪美女的畫像）往往描繪當時的美人，例如受民眾崇拜的聰慧美麗的妓女，或是街頭招牌女郎，但喜多川歌麿卻在某種程度上，毫無差別地以這些截然相反的女性為模特兒。

山本評論道：“歌麿的美女畫像常常被描繪成理想的女性形象，但其實他也擅長描繪這些惡毒的女人。”

喜多川歌麿對各種女性的生活習慣和風俗習慣都很感興趣，並以此為題材，涵蓋了從微笑著看著在家玩耍的弟弟的姐姐、在海邊休息的海女、哺乳孩子的山魔女等各種女性。他表示，喜多川歌麿作品的一大特色就是能夠以豐富的表現力展現出各種女性的魅力，讓人不禁想像到她們背後的故事，甚至連指尖都難以想像。

順便一提，在前面提到的《五美爭寵，兵庫屋花妻》插圖的信裡，有這樣一句話：“我討厭模仿，我不抄襲，我是自創藝術家”，由此可見歌麿作為美人畫家的堅定自尊。如果你能讀懂草書，請務必去看看。

第二章：《東洲齋寫樂—演員畫的影響》

接下來是東洲齋寫樂。他和歌麿一樣，被蔦重發掘，成為浮世繪黃金時代的代表人物之一。在1794年5月至隔年1月的十個月裡，他創作了約145幅錦繪版畫，但隨後卻突然從公眾視野中消失，成為一個背景鮮為人知的神秘人物。

他創作了許多獨特而富有衝擊力的演員大頭像作品，其創作時期可根據其所涵蓋劇目的演出時間劃分為四個時期，風格和規格清晰。本次展出的寫樂作品中，超過一半是出自備受追捧的第一時期的大頭像作品，如此眾多的作品匯集於此，實屬難得。

山本以寫樂的早期作品之一《第二代嵐龍三的放債人石部兼吉》為例，明確證明了其作品的吸引力。

第二代嵐龍三是一位擅長演繹反派角色的演員，在這幅畫中他飾演的是放債人。畫師注意到這位演員憑藉著敏銳的觀察力，展現出獨特的寫實風格，例如他捲起袖子擺出誇張姿勢時的眼神、每根手指的緊張動作以及他緊繃的嘴角的皺紋。他說：“在沒有變焦相機或望遠鏡的時代，他能夠如此細緻地描繪，真是令人驚嘆。寫樂致力於精準捕捉演員表演的每一個瞬間。”

尾上松介的《松下酒造》中，落魄浪人凌亂的長髮和深陷的雙眼尤為突出。畫作通篇採用暗色，不僅展現了貧窮的孤獨，也刻畫了他即將死去的悲慘命運。

當時其他藝術家都把演員理想化，但寫樂更注重寫實感和近距離觀看舞台的臨場感，而非美感，例如連女演員的骨骼結構都刻畫得像男性，他甚至不惜犧牲女性的形象。他的寫實主義繪畫展現出其他演員畫作所沒有的活力，但他對寫實的過度追求招致了當時演員本人及其粉絲的批評，據說這也是他職業生涯短暫的原因。

第3章“葛飾北齋-怒藍”

第三位是葛飾北齋（1760-1849）。他的名字在19世紀下半葉的日本主義運動中傳遍歐洲，在美國攝影雜誌《生活》最近進行的「過去1000年中世界上做出最重大成就的100位重要人物」調查中，他是唯一入選的日本人。毫不誇張地說，他是世界上最著名的日本畫家。

葛飾北齋在90年的人生中，不僅創作了木版畫，還涉獵了錦繪、摺紙版畫、手繪插畫等眾多領域，不僅描繪風景、花鳥、人物，更描繪了宇宙萬物。僅從葛飾北齋的代表作《北齋漫畫》中非凡的繪畫技巧來看，據說這部漫畫共收錄了4000幅畫作，足以讓人感受到這位70多年來一直致力於繪畫、最終自稱“瘋狂藝術家萬字”的藝術家輝煌的藝術生涯。

北齋創作其著名的《富嶽三十六景》系列作品時已年逾古稀，這一系列作品從各個角度描繪了富士山的景象。但若對比展出前後的作品，會發現色彩變得更加深邃濃鬱。這或許是由於顏料的變化，但這些變化也讓人感受到北齋無論年事已高，始終保持著永不放棄的探索精神和雄心壯志，也同樣令人矚目。

他的代表作之一是《富嶽三十六景：神奈川衝浪裡》 ，這幅畫大膽地捕捉了海浪高高躍起的瞬間，遠處可見富士山的形狀。

山本以這幅畫為例指出，北齋作品的魅力之一就是「視覺技巧」。

有人指出，北齋有意在作品中加入一些設計，引導觀者的視線。我認為，當人們欣賞這幅畫時，他們的目光首先會被洶湧澎湃的海浪所吸引。前景中的波浪呈三角形，仔細觀察，便會發現它們與遠處的富士山遙相呼應。這幅畫的設計旨在自然地引導觀者的視線從前景的三角形移向遠處的三角形。

同樣，在《富嶽三十六景，五百館海齋堂》中，引導觀者視線的意圖也十分明顯。從殿堂的地板、屋頂、欄桿，到參拜者的指尖，各種線條都匯聚在背景中巍峨的富士山上。擅長西方透視畫法的葛飾北齋在這幅作品中也展現出非凡的技藝，展現了他精湛的幾何構圖技巧。

第四章 歌川廣重－雨月雪江戶

下一位藝術家歌川廣重(1797-1858) 最初創作的是美女和演員的肖像，但他的突破性系列作品《東海道五十三次》確立了他作為風景畫家的地位。

該系列描繪了55處風景，包括連接江戶和上方的東海道沿線的53個驛站町，以及日本橋和京都的三條大橋。受十遍社一九的《東海道中膝栗毛》引發的旅遊熱潮的推動，該系列作品一炮走紅。值得注意的是，該系列的出版時間與葛飾北齋的《富嶽三十六景》系列大致相同，後者常被拿來與葛飾北齋的傑作山水畫作相提並論。

關於歌川廣重的風景畫，山本有以下評價：

「雖然是風景畫，但也描繪了當地人、旅行者、旅行的風土人情以及氛圍，營造出一種韻味。它們不僅僅是風景畫，也不僅僅是肖像，不僅僅是自然，也不僅僅是人們的生活。廣重作品的美妙之處在於，它們都融合在一起了。”

據說歌川廣重和北齋都是熱衷旅行的人。歌川廣重充分利用了當地的自然風光、氣候和生活習俗，而北齋則大膽地誇大了他所見事物的構成特質。比較他們視角和創作方向的差異頗具趣味。

歌川廣重也擅長描繪日本各地的名勝，在他晚年的傑作《江戶百景》系列中，他甚至嘗試了不尋常的垂直風景畫佈局。

特別引人注目的是《江戶百景圖：龜戶梅屋》。畫中，前景中的梅枝被極度放大，梅屋的全景則被捕捉在枝葉間的空隙中，即使在垂直的畫框中也能營造出足夠的透視感。這種構圖稱為近景構圖，是歌川廣重晚年鍾愛的構圖手法。

廣重作品的一大特色在於其構圖風格多變，從與旅人相同的視角，到像鳥兒一樣從高處俯視，再到刻意將嶙峋的岩壁置於畫面中央，以表現懸崖峭壁的險峻。這種如同無人機般充滿想像力的自由空間表達，令人百看不厭。

第5章 歌川國芳 – 英雄與奇觀

第五章介紹歌川國芳（1797-1861），他與歌川廣重同齡，活躍於江戶末期和明治時代。展出作品的氛圍與以往展覽截然不同，呈現出一場氣勢恢宏、扣人心弦的戲劇。

歌川國芳憑藉《人氣水滸傳》系列作品一鳴驚人，該系列作品以大膽的筆觸營造出動感的場景，將生動的人物刻畫與絢麗的色彩完美融合。他塑造了許多日本英雄人物，並以奇幻刺激的武士畫作和叛逆幽默的漫畫風格開闢了新的領域。

人氣漫畫《水滸傳》一百零八勇者之一的《張順躍白浪》被譽為系列傑作，描繪了水軍將領張順落入敵陣，身中無數利箭，壯烈犧牲的場景。他怒目而視的表情和每一根豎起的頭髮，都傳達出一種隨時準備赴死的氣勢。

就像在本作品中一樣，國芳經常用華麗的紋身（irezumi）來裝飾他的角色，據說這些紋身令人印象深刻，引發了江戶的紋身熱潮。

《相馬故宮》以橫跨紙張縫隙的巨大骷髏頭為主題，是一部以三都教傳的《讀本》（江戶時代流行的長篇連載小說）為原型的作品。獨特的寬螢幕三聯畫（將一系列作品視為一幅大畫面的構圖）正是歌川國芳擅長的技巧。

這幅畫描繪了平將門皇居遺址中奇異生物的景象，但在書中的插圖中，無數個小頭骨被歌川國芳巧妙地改成了一個巨大的頭骨。此外，三聯畫的強烈效果也展現了歌川國芳獨特的創造力。

國芳雖然擅長描繪充滿戰鬥力的武士，但他的作品並非總是描繪驚險刺激的場面。例如， 《坂田金時、臼井貞光、源繼綱與怪獸》描繪的是源賴光的四大天王與謀劃惡行的怪獸下圍棋的場景。那些可憐的怪獸輕易被制服，而武士們卻面無表情地下棋，這種幽默的對比令人忍俊不禁。

《榮光：右無敵，左甚五郎》描繪了江戶著名雕塑家甚五郎及其周圍的雕塑。然而，作品中散落的地獄變身圖、寶刀印坐墊以及身旁的貓等國芳標誌性元素，顯示作品中出現的其實是國芳本人，與甚五郎頗為相似。

山本也指出，仁王、關羽等周圍雕塑的臉都是演員的漫畫。

天保維新時期，娛樂業受到打擊，浮世繪藝術家被禁止描繪演員或美女。但藝術家們仍然不擇手段地創作，尤其是國芳，他有著極強的反叛精神，即使在維新放寬之後，他仍然繼續畫形似演員的佛像，彷彿在嘲諷幕府，並以此來展現自己的才能。他是一位為平民畫畫的平民，卻以這種方式反抗權威。這就是藝術家國芳。

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「五大浮世繪大師－歌麿、寫樂、北齋、歌川廣重、國芳」展將持續到2025年7月6日（星期日）。展覽的口號之一是「找到你最喜歡的！」即使你不熟悉浮世繪，我們也鼓勵你透過本次展覽來感受這五位達到浮世繪巔峰的巨匠的傑作，並找到你最喜歡的藝術家。

「浮世繪五大展——歌麻呂、寫樂、葛飾北齋、廣重、國芳」概況

日期	2025年5月27日（週二）～7月6日（週日） ※無休息日
營業時間	10:00-17:00（閉館前30分鐘停止入場）
場地	上野之森博物館（東京都台東區上野公園 1-2 號，郵編 110-0007）
票	詳情請瀏覽官方網站。
主辦單位	上野之森博物館/富士電視台
詢問	050-5541-8600（Hello Dial 全天/9:00-20:00）
展會官方網站	https://www.5ukiyoeshi.jp/

※本文內容截至報導時為止。最新資訊請確認展會官方網站。

文章提供： Kokosil Ueno

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