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東京都美術館

東京都美術館目前正在舉辦一場名為「創造的樂趣： DIY生活」的展覽，該展覽聚焦於人人皆有的創造力，鼓勵人們思考如何以自己的方式「生活得更好」。展覽以「DIY」（自己動手）為主題，將於2025年7月24日（週四）至2025年10月8日（週三）期間展出。

以下是參展藝術家進行演講的新聞預覽報告。

■參展藝術家（依展覽順序/省略標題）： Wakaki Kurumi、Seo Natsumi、Noguchi Kengo、Dunhill & O’Brien、Hisamura Taku、Ito Akihiro 設計與建築設計事務所、Studio Megane 建築設計事務所

 

DIY 是一種運用自身智慧解決眼前問題的方法。本次展覽將 DIY 視為一種改善生活的方式，也是一種克服不便和困難的手段，並著重展現“製作的樂趣”，例如創作過程中獲得的成就感和成就感。展覽將展出五位對 DIY 方法和理念感興趣的當代藝術家和兩位建築師的作品，鼓勵人們反思 DIY 的本質——它依賴於個人的方法和感受；以及藝術的存在——它與生活息息相關。

展廳分為四個章節。第一章節「從觀看開始的DIY」展出版畫家若木久美（1985-）的作品。若木久美從DIY的開端－「觀看」中汲取創作動力，將文具、廚房用具、空罐頭、家具等日常用品重新加工成版畫。

「開管」系列以生漆管塑造魚片造型，靈感源自於工匠將昂貴的生漆管打開，直到用盡最後一點。管子獨特的紋理展現了其凹凸不平和的光澤，賦予「魚紋」一種神秘的魅力。透過這種實驗性的行為，藝術家得以為平凡的日常物品注入新的圖像和意義，同時也以一種幽默、平易近人的方式展現了創造的樂趣。

這件觸及天花板的作品《高街宅邸》 （2025 年）是用若木自獨自生活以來使用了20多年的一台冰箱製作的。由於這台冰箱的使用壽命已接近尾聲，若木“決定親手製作一幅版畫來終結它”，於是將其用於此次展覽。

這件作品的靈感源自於一張貼在冰箱上的德國畫家保羅·克利（Paul Klee）展覽門票。門票本身融入作品之中，構成了一座立體主義風格的塔樓公寓，令人聯想到克利的作品，其音樂感和詩意繽紛的世界令人著迷。

 

第二章「DIY：失去後的重建」介紹了瀨尾夏美和野口健吾的作品，重點講述了那些因自然災害或經濟困難而遭受巨大損失的人們為重建生活所做的努力。

瀨尾夏美（1988-）出生於東京，在東日本大地震後移居東北，是一位在記錄災難中生活的人們的話語和景觀變化的同時創作出各種作品的藝術家。本次展覽的空間以素描和繪畫為中心。

開幕作品《環》 （2011 年）是在災難發生的當晚創作的，但他不明白為什麼「它變成了和昨天一樣的線條」。他說，從那時起，他便前往現場，在與當地人交流的同時，真誠地思考該畫什麼。

2015年，瀨尾目睹了岩手縣陸前高田市重建過程中地面抬升的過程，熟悉的山脈被砍伐，城鎮遺址被填埋，這讓他意識到故事的必要性。本章也收錄了多幅與「雙重城鎮」相關的圖畫。 「雙重城鎮」講述了2031年陸前高田市的故事，舊城鎮的居民與居住在地下的新城鎮的居民彼此相連。

每當他前往能登半島地震等受災地區等各地時，都會受到「雙重城鎮」的啟發，與人和地方建立意想不到的聯繫，創造出分享經驗和感想的對話機會。在不可逆轉的變化中，那些不再被提及的記憶和思緒被創造出來，並被他人拾起，支撐起他們的生活。他用感同身受的語言，向觀眾傳達了在小社區中連結人們的活動的潛力。

攝影師野口健吾（1984-）正在展出他的「隱居者」系列作品，這些作品是他走訪那些在河岸和公園裡建造了各自獨特居住空間的人們時拍攝的。這些「隱居者」用回收材料和藍色防水布拼湊而成，設計和外觀各異，有些人出於經濟原因而居住在那裡，而有些人則出於自己的選擇而繼續居住在那裡。然而，每一處都展現出不同的巧思和創造力，傳達出一種直率而真誠的「為了生存而DIY」精神，以及參與其中的人們堅韌不拔的精神。

野口勇在十年的研究過程中多次到訪同一個地方，展覽中的一個系列作品以相同的構圖聚焦於一個人和他的“隱居處”，記錄他們的變化。

有些人，或許在你下次造訪時，依然面容如初；而有些人，或許早已老去。又或許，即便是同一個小屋，人們也像寄居蟹一樣，輾轉輾轉。又或許，有人親手搭建了一棟房屋，卻被颱風瞬間吹倒。這些人，在城市的角落裡，過著日復一日的生活。小屋，終究只是暫時的棲身之所。我希望，欣賞這些作品的人們，也能思考生命的意義。 （野口勇）

 

第三章「DIY形式與關係」介紹了Dunhill & O’Brien和久村卓二人以雕塑手法為基礎從事各種表現活動，強調了他們所創造的「形式」與人、社會產生新的「關係」的過程。

駐倫敦的藝術家二人組 Dunhill & O’Brien 受合作的挑戰與可能性所啟發，創作原創裝置藝術，並將表演與合作作品融為一體。所有展出作品均為專為本次展覽所準備的全新作品。這次新項目的靈感源自於他們與最上俊之的邂逅。這件以《伊呂波》為原型的戶外雕塑作品現藏於東京都美術館，其形式與文字的關聯令他們印象深刻。 （該作品可免費參觀。）

從那時起，我們聚集了來自英國和日本的100多位來自不同背景的參與者，包括藝術家、科學家、音樂家和作家，並舉辦了工作坊，讓他們根據描述戶外雕塑的文字創作泥塑。所有透過遠端「對話」創作的泥塑作品都被數位化並3D列印，最終以「形狀庫」的形式在現場發布。

進一步，透過將這些資料集融合，他製作了整體的3D模型。之後，他安裝了19世紀用於放大雕塑的縮放儀，將3D模型放大到與室外雕塑大致相同的尺寸，完成了大型裝置作品《欣賞ABC的方法和裝置——又伊呂波》 （2025年）。

這個看似基座的東西，其實是 Dunhill & O’Brien 倫敦工作室的全尺寸複製品。兩人將其描述為一個“練習的木筏”，既是基座，也是創作的場所，更是一個如同家一般的空間。展覽中，一個縮放儀被放置在這個工作室風格的「木筏」之上，它的功能如同一件複雜的雕塑創作工具。

久村卓（1977-）畢業於多摩美術大學雕塑系，他是一位對藝術價值的變遷提出質疑的藝術家，遊走於各種體制框架之間。展覽中沒有一件雕塑作品堪稱典型的雕塑。久村卓試圖擺脫他所稱的「嚴謹而運動」的學院派雕塑，因此他選擇採用強調輕盈感、減輕身心壓力的材料，以及遊走於藝術邊緣的DIY和手工技法。

Hisamura 主要從事 parergon（使藝術作品成為可能的結構元素）的研究，例如基座、框架和展覽空間。

例如，這件「穿戴式雕塑」 ——PLUS_Ralph Lauren_黃色條紋襯衫（2025）——是由二手Ralph Lauren服裝製成的作品。底座繡在胸前的標誌上，形成了一個雕塑，但Hisamura認為僅憑這一點還不足以超越手工藝的範疇，於是他將刺繡框起來，營造出一種繪畫般的效果。此外，他還在旋轉平台上製作了一個心軸，將襯衫放置在上面，並安裝了一個由回收廢料製成的階梯式底座，透過四層結構凸顯其藝術性。

「單點結構」系列作品由一所已關閉學校捐贈的柵欄和建築工地使用的A型路障組成，其底座類似長凳，讓參觀者可以坐下，卻不會意識到它們是雕塑。這解決了藝術博物館面臨的困境：它們希望參觀者欣賞藝術，但往往很少有地方可以坐下來休息。

東京都美術館（2025）的吧台式空間－紡織品吧台，旨在促進交流，並鼓勵人們在美術館停留更久。每週五，這裡都會舉辦活動，參觀者可以像在酒吧點飲料一樣，訂購自己喜歡的紡織紗線和布料，並製作自己的原創紡織品。 （需提前預約）

使用的線種類繁多，既有手工線廠商提供的線，也有用舊衣服撕碎製成的線。據說其中一些線是東京都美術館以前展覽的窗簾。一邊用藝術家的雙手編織這些線，一邊回想它們賦予生命的記憶，這將是一次豐富的體驗，這也是本次展覽的特色。

 

第四章「DIY站－自己動手做！」為參觀者提供了一個平台，讓他們可以反思展品，並以第一章至第三章中看到的多樣化方法和獨創性為參考點，重新思考DIY。

該空間由伊藤彰弘設計事務所和眼鏡工作室建築設計事務所兩大建築團隊共同設計，以「觀察與沉思」為主題。作為其像徵，空間中央展示了“DIY時間軸”，從對抗工業革命而興起的工藝美術運動開始，以DIY精神為視角，概括了歷史活動。

展覽周圍設有多個角落，可以體驗藝術家的創作技巧和方法，並展示與DIY和藝術家相關的材料。例如，Dunhill & O’Brien設計了一個裝置，讓參觀者可以伸手進入盒子，用手觀察裡面的雕塑，以滿足他們「觸摸和感受」雕塑的渴望。

按照由公眾擔任的展覽主持人「Tsukurun」的指導，參與者輪流講解盒子裡雕塑的特徵，而另一位參加者則根據講解創作圖畫。看到同一個雕塑如何根據每個參與者關注的紋理、形狀和文字產生完全不同的圖畫，非常有趣。

還有許多其他展覽鼓勵製作、交流和思考，例如，在一個角落裡，Wakaki Kurumi 用廢棄的柱子木雕刻了一塊木塊，參觀者可以使用拓印法（將紙放在紋理表面上，然後用鉛筆或類似物摩擦以轉移圖案的技術）將其變成藝術品。透過這個展覽，參觀者可能會遇到各種衝動和情感，例如他們想要嘗試的事情、困擾他們的事情、他們想要解決的事情，這可能會導致原創 DIY 項目的誕生。

《創造的樂趣：DIY生活》概述

*本文內容截至報告時為止。最新資訊請以展會官方網站為準。

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國立西洋美術館

國立西洋美術館（東京上野公園）正在舉辦「國立西洋美術館素描收藏：從文藝復興到巴洛克」展覽，展出約80件來自國立西洋美術館的傑作。國立西洋美術館擁有世界頂級素描收藏，其中包括丟勒和魯本斯的作品。展覽將於2025年7月1日至9月28日舉行。

瑞典斯德哥爾摩國家博物館是歐洲最古老的藝術博物館之一，以瑞典王室的藝術收藏為基礎而建。博物館收藏了從中世紀至今的各種藝術品、工藝品和設計作品，但其素描收藏無論在質量或數量上都被認為是世界上最好的之一。

素描（繪畫、素描）是一種二維作品，主要使用鋼筆、木炭、粉筆等線條描繪，以表現物體的輪廓、紋理、光影。素描的用途多種多樣，例如快速捕捉靈感或磨練技巧。由於素描通常與繪畫或雕塑概念的形成過程息息相關，16 和 17 世紀的作家將其視為所有藝術形式的基礎，並對其給予高度評價。

速寫最大的魅力就在於它能讓觀者有身臨其境的感覺，直接感受到藝術家的思緒和手的痕跡，還能感受到在需要細心用筆的真實作品中無法體會到的氣勢。

本次展覽傳達了從文藝復興時期到巴洛克時期素描的獨特特徵和魅力，共展出了84件作品，其中包括從國立博物館素描收藏中藉出的81件傑作和從國立西洋美術館借出的3件相關作品。

素描是一種極易受溫度、濕度、光線和震動影響的藝術形式。如此大規模地將海外美術館的收藏匯集到日本尚屬首次。

展覽分為四個章節，依產地劃分展出作品：義大利、法國、德國和荷蘭。第一章節聚焦於義大利，它在文藝復興、風格主義和巴洛克時期一直是輝煌的藝術中心。

特別令人感興趣的是卡拉奇家族的作品，他們在 16 世紀末左右開始的後期巴洛克藝術中發揮了重要作用，當時，在風格主義時期畫家們對自然觀察的興趣有所下降，而此時，自然觀察又開始受到重視。

卡拉奇家族於1582年在家鄉博洛尼亞創辦了一所私立藝術學院，提供獨特的藝術教育，包括臨摹古典雕塑、描繪郊區風景和普通人像。他們尤其註重裸體繪畫，有時會運用解剖學來理解人體結構。安尼貝爾·卡拉奇用紅粉筆創作的《仰臥的年輕裸體男子，頭部傾斜，雙眼閉合》便是這類人物畫的典範。

此外，畫家盧多維科·卡爾迪（Ludovico Cardi，又名 Cigoli，約 1604-09 年）的肖像畫是一幅肖像素描，捕捉了一位正在創作素描的畫家的情景，也是本次展覽的標誌。

第二章以法國為主題，從受邀前往巴黎東南部楓丹白露宮廷的意大利畫家的獨特服裝設計開始，繼續介紹雅克·貝朗日和雅克·卡洛等來自洛林的獨特版畫大師以及引領法國巴洛克時期的畫家的作品。

卡羅也是一位技藝精湛的繪圖員，展覽展出了《聖安東尼的誘惑》的初步草圖，其中描繪了圍繞聖安東尼的傳說，同時還有一幅基於草圖的版畫（約 1635 年）。

透過細緻的調整賦予線條動感，同時又能展現自然透視感的版畫技巧、豐富多樣的妖異視覺效果、如同從驚恐電影中剪下來一般的動感，每一件作品都值得單獨欣賞。

然而，版畫中安東尼勇敢地揮舞著十字架與魔鬼搏鬥，而素描中他卻摔倒在地，被逼入不利境地。此外，兩幅作品在細節上也存在著許多差異，例如構圖左右兩側是否有岩石。透過比較這兩幅作品，我們可以想像藝術家創作作品時的關注點，以及他對元素的選擇所產生的效果。

本章還涉及了為國家博物館的繪畫收藏奠定基礎的建築師尼科德穆斯·泰辛 (Nikodemus Tessin) 委託繪製的用於自己家天花板裝飾的精美設計圖。

第 3 章重點介紹 16 世紀的德國（或更準確地說是德語地區，包括瑞士、奧地利等），重點包括德國文藝復興時期三位最偉大的大師馬蒂亞斯·格呂內瓦爾德、阿爾布雷希特·丟勒和漢斯·巴爾東·格里恩的頭部研究和肖像畫。

丟勒的《三辮年輕女子肖像》 （1515年）被譽為“沒有什麼不能用黑線描繪”，它雖然只是一幅草圖，卻最終成為一件獨立的鉅作。臉部各部位、輪廓和肌膚紋理都以細膩複雜的線條描繪，但值得注意的是，頭髮、絲帶和衣著則以更粗、更深的線條描繪，這種技法自然而然地將人們的注意力引向人物的身材。

第四章回顧了17世紀以來尼德蘭（今比利時和荷蘭）的發展歷程，開篇便展出了盧卡斯·範·萊頓的《青年男子肖像》 （1521年），畫中那雙淺色的眼睛反射著光芒，格外引人注目。 15世紀初，油畫技法在尼德蘭迅速發展，但紙張的傳播速度遠慢於義大利，16世紀初之前的素描作品存世甚少。從這個意義上講，這幅作品堪稱珍貴的代表作。

由於政治和宗教動盪，荷蘭在16世紀末分裂為南北弗蘭德斯地區。但動亂平息後，彼得·保羅·魯本斯便成為弗蘭德斯藝術復興的中心人物。為了處理工作室接到的大量訂單，魯本斯將工作分配給許多學徒和助手，據說，這種分工模式的背後，是精心準備的草圖。

在《羅賓，阿倫德爾勳爵的封臣》 （1620年）中，魯本斯本人在頁邊空白處寫下了關於模特兒所穿服裝的材料和顏色的詳細註釋，這讓我們了解到草圖是如何被使用的。

在經濟繁榮的尼德蘭，繪畫也迎來了前所未有的繁榮，由於尼德蘭是禁止宗教崇拜的新教國家，購買繪畫的國民更青睞於熟悉、易懂的題材，風景畫、風俗畫、靜物畫、動物畫等題材都得到了蓬勃發展。另一方面，也有畫家繼續專注於描繪基督教故事，其中最突出的就是倫勃朗。

《基督被捕》描繪了猶大背叛後基督在客西馬尼園被捕的場景，雖然畫面簡潔，卻巧妙運用了倫勃朗標誌性的光影效果。這幅畫不僅展現了緊張場景的莊嚴與神聖，也展現了基督接受命運時的高貴精神，是一幅雖小卻引人注目的作品。

展覽的最後，是科內利斯·維瑟的《睡狗》 ，一隻慵懶地睡著的可愛狗狗。這幅畫作基於對每個細節的細緻觀察，從微微睜開的眼瞼到狗狗腹部柔軟的毛髮，柔和的色彩傳達了藝術家對狗狗溫暖的目光。此外，展覽現場還出售基於這幅作品的原創週邊商品，如果您來參觀，一定不要錯過。

「國家博物館素描收藏：從文藝復興到巴洛克」展覽概覽

*本文內容截至報告時為止。最新資訊請確認展會官方網站。

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國立科學博物館

聽到「冰河時期」這個詞，有些人可能會想像一個冰雪覆蓋的嚴酷世界，與現在截然不同。然而，從學術角度來看，冰河時期指的是冰蓋（覆蓋陸地的厚厚冰塊）在大陸範圍內廣泛存在的時期。

冰河期（氣候寒冷，冰蓋不斷擴大）與間冰期（氣候相對溫暖，冰蓋不斷消退）交替出現，週期約為10萬年，因此冰河期並非總是寒冷的。即使我們生活在2025年，格陵蘭島和南極洲仍有冰蓋，但如果你明白我們正處於間冰期（或者說冰期）中期，每天都在遭受極端高溫的折磨，那麼這一年或許會有所不同。

目前正在國立科學博物館舉辦的特別展「冰河時期展～4萬年前人類眼中的世界」 （2025年7月12日至10月13日）重點介紹了約4萬年前，即上一次冰河時期的地球狀況。

展覽將利用最新的科學知識和強大的展品，展示生活在與現代完全不同的環境中的人類和動物的生活以及環境的變化，包括首次在日本展出的尼安德特人和克羅馬農人的實際頭骨，以及滅絕動物的骨骼標本、生態重建模型和考古材料。

負責此次展覽的日本國立科學博物館館長篠田健一在媒體預覽會上表示：

世界上有80億人，但其實我們都是同一個物種：智人。歐洲和亞洲曾經存在過其他人類物種，但到了1.2萬年前，只剩下了智人。我們的祖先在6萬年前離開非洲後，遇到了什麼樣的人和動物？本次展覽的主要目的是讓參觀者體驗那些已經滅絕的動物曾經生活在哪裡，以及它們的外觀。我們希望這次展覽不僅能鼓勵參觀者反思我們迄今為止的旅程，還能讓他們思考在全球暖化導致的環境變化下，我們應該如何生活。

走進展廳，映入眼簾的是雄偉的猛獁象。據說，這尊猛獁像在數千年前就生活在西伯利亞和阿拉斯加的島嶼上，現藏於德國的賴斯-恩格爾霍恩博物館。猛獁像是本次展覽的亮點之一，其氣勢令人嘆為觀止。不過，也別忘了欣賞一下它面前那塊略帶槍傷的洞獅肋排。

這塊距今48,000年的肋骨化石出土於德國南部。洞獅是現代獅子的近親，經常出現在壁畫和雕塑中，並被認為是尼安德特人和智人（克羅馬農人）的常見獵物。這些矛痕表明，我們的人類祖先在冰河時期與四處遊蕩的動物對抗，過著艱苦的生活，這為充滿浪漫氣息的展覽提供了一個絕佳的開場。

在距今3萬至2萬年前的最冷時期，歐亞大陸高緯度地區經歷了降溫，形成了廣闊的草原苔原（寒冷草原和永久凍土區）。在這種環境下，草原棲息的猛獁象動物群，包括長毛象、洞獅、披毛犀和草原蟒蛇，繁衍。這些動物群，連同自間冰期以來在森林中倖存的鉅鹿和洞熊，以及許多其他現存物種，構成了末次冰期的巨型動物群。

「第一章：冰河時期的歐洲動物」展出巨型動物的化石、全身骨骼標本和復原模型，探索它們興衰的奧秘，並講解滅絕物種和現存物種的生態。這些動物擁有令人震撼的身軀和抵禦嚴寒的長毛，展現了當時嚴酷的環境。

麝牛以其如同裹著布的長毛和巨大的蹄子為特徵，是猛獁象群中倖存的成員，也是山羊亞科的成員。兩萬年前，地球突然變暖導致草原苔原面積縮小，適應寒冷氣候的物種和草原物種逐漸消失。然而，麝牛和北極狐卻能夠將它們的棲息地遷入北極圈，並因此得以生存至今。

克羅馬農人的祖先大約在30萬年前起源於非洲，大約在6萬年前遍布歐亞大陸。當時，另一種名為尼安德特人的人類生活在歐洲，但他們在大約4萬年前消失了。

尼安德特人體格強健，肌肉發達；克羅馬農人則體型相對纖細，四肢修長。乍一看，尼安德塔人似乎更適合在嚴酷的冰河時期生存，但究竟是什麼決定了他們兩人的命運呢？ 「第二章：尼安德塔人與克羅馬農人」將透過石器、裝飾品等考古遺跡揭開這一謎團。而被稱為「世界最著名」的「拉費拉西1號」和「克羅馬農1號」這兩個生活在同一時代的人類物種的頭骨實物，也首次在日本展出。

「拉費拉西1號」於1909年在法國拉費拉西岩洞中被發現，是一具近乎完整的尼安德塔人骨骼，生活在距今4.5萬至4.3萬年前。 「克羅馬農1號」也是在法國克羅馬農岩洞的公路建造過程中發現的，據信是生活在距今2.8萬至2.7萬年前的人類。即使只是快速瀏覽一下展出的頭骨，也能發現頭骨長度、顴骨寬度和眉骨突出程度的顯著差異，因此，這是一個近距離比較兩者的絕佳機會。

據稱，在地下發現的 La Ferrassie 1 號屍體提供了證據，證明尼安德特人有埋葬死者的習俗，而尼安德特人傳統上被認為是野蠻人，文化水平低於克羅馬農人。

連接第二章和第三章的走廊裡，有一段視訊展覽，講解了冰河時期的基本知識，對初學者來說一定很有吸引力。此外，還有一個角落可以觸摸動物毛髮和牙齒的化石。描摹猛獁象和野牛牙齒獨特的輪廓，想像它們吃什麼以及牙齒形狀的由來，也是一件很有趣的事情。

第三章「冰河時期的日本列島」介紹了據信在大約38,000年前就已經抵達日本的人類的生活，以及當時生活的動物的生活，包括日本滅絕最多的三種動物——瑙曼象、矢部鉅鹿和日本長耳虎牛。

在距今7萬至2萬年前的末次冰期，氣候顯著變冷，冰蓋和冰川的發育將地球上的大部分水都凝固了，導致日本列島的海平面下降了60多米。據說當時日本列島的面貌與今天大不相同，北海道與歐亞大陸相連，本州、四國和九州組成了一個巨大的島嶼，被稱為古本州島。在如此多樣化的日本列島南北延伸的環境中，現代人類形成了豐富的地域特徵。

這次比較展覽展示了古代本州島晚舊石器時代中期石器的地域特徵，展出了從岩手、大阪和鹿兒島遺址出土的石器，但其中一件特別引起我們注意的是從大阪水鳥園遺址出土的石刀。

在瀨戶內地區，一種名為「瀨戶內技法」的技術被開發出來，這種技術可以批量生產形狀奇特的石片，這些石片在破碎石頭時會像翅膀一樣從衝擊點向外展開，這與世界各地使用的石刃不同。用這種瀨戶內技法製作的矛尖，被製成了被稱為「國府式刀形石器」的獨特石器。它們的出現原因尚不清楚，但即使在世界範圍內，這似乎也是一種罕見的技術。

第二個會場繼續展出“冰期-間冰期循環和植被”，其中包括一個可愛的（？）心形花粉化石的放大模型，這是一個從頭到尾都值得一看的展覽。

擔任此次展覽形像大使、熱愛歷史的藝人Abareru君也給予了高度評價，他說道：“如果從入口到出口仔細觀看，大概能學到相當於50個小時科學課的知識。”“一點也不浪費！一切都值得一看！”

「這對暑假期間的獨立研究或學習來說也非常棒。地球目前面臨著各種各樣的挑戰，但我認為在冰河時代倖存下來的動物與今天的我們有一些共同之處，」他熱情地說道，並推廣了他提供的語音導覽，「如果你配合我有趣的旁白和講解觀看，你會學到100倍的知識，也會更容易理解100倍。」

特別展「冰河時期：4萬年前人類眼中的世界」將展出至10月13日星期一（國定假日）。

特別展「冰河時期：4萬年前人類眼中的世界」概要

場地	國立科學博物館（東京上野公園）
日期	2025年7月12日（週六）～2025年10月13日（週一、假日）
營業時間	9:00 – 17:00（最後入場時間 16:30）
晚上營業	博物館將於 8 月 8 日（星期五）至 17 日（星期日）和 10 月 10 日（星期五）至 13 日（星期一，國定假日）晚上 7 點休館（最後入場時間為晚上 6 點 30 分）。 ※8月9日（週六）至8月15日（週五）期間，常設展開放至下午6點。其他時間，常設展開放至下午5點（休館前30分鐘停止入場）。
休息日	9月1日（星期一）、8日（星期一）、16日（星期二）、22日（星期一）、29（星期一）
票	成人、大學生：2,300日圓、小學生、國中生、高中生：600日元 *學齡前兒童免費。 *持有殘障人證的人士及一名護理人員可免費入場。 *如果您有學生證或其他證件，請在入場時出示。 欲了解更多詳情，請查看官方網站。
主辦單位	國立科學博物館、TBS、TBS Gloudia、東京新聞
詢問	050-5541-8600（您好撥號）
官方展覽網站	https://hyogakiten.jp/

*本文內容截至報道當日為止。最新資訊請以展會官方網站為準。

文章提供： Kokosil Ueno

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上野之森博物館

「五大浮世繪大師－歌麿、寫樂、北齋、歌川廣重、國芳」展於上野之森美術館（東京上野）開幕，匯集了浮世繪黃金時代五位大師的傑作。展覽將持續至2025年7月6日（星期日）。

在媒體預展前的畫廊座談會上，川崎浮世繪畫廊策展人、展覽圖錄作者山本典子登台，講解了展覽的亮點，我們將在下文中與大家一同欣賞展覽。

浮世繪是日本最受歡迎的藝術形式，在天明、寬政時期達到黃金時代，五位藝術家以此藝術形式而聞名，他們是北川歌麿、東洲齋寫樂、葛飾北齋、歌川廣重和歌川國芳。本次展覽將展出約140件作品，重點介紹他們在各自領域達到巔峰的代表作，例如美人肖像、演員肖像和風景畫，旨在展現他們藝術表達的獨特之處和魅力。

第1章 北川歌麿：體貼的女人

展覽分為五個章節，每個章節聚焦一位藝術家，首先登場的是喜多川歌麿。

歌麿是被江戶最著名的製作人蔦屋忠三郎發掘的藝術家，蔦屋忠三郎也活躍於目前正在 NHK 播出的歷史劇《Berabou – 蔦屋忠三郎的夢話》。

他與蔦重合作，將當時用於描繪演員的「大首繪」（以人物上半身特寫為主）的風格引入仕女畫。他成為仕女畫的領導人物，以描繪女性優雅姿態和思緒的作品風靡全球。

展覽主要展出描繪日常生活場景的美女肖像，如《五美爭艷：兵庫屋的花妻》，畫中描繪的並不是身著華麗服飾的女子，而是一位頭髮蓬亂、正在讀信的妓女。

在探討女性道德的《父母教誨》系列中，出現了一位衣著邋遢、小酌著酒的「爆連」（無憂無慮的女性）。美人畫（描繪美女的畫像）往往描繪當時的美人，例如受民眾崇拜的聰慧美麗的妓女，或是街頭招牌女郎，但喜多川歌麿卻在某種程度上，毫無差別地以這些截然相反的女性為模特兒。

山本評論道：“歌麿的美女畫像常常被描繪成理想的女性形象，但其實他也擅長描繪這些惡毒的女人。”

喜多川歌麿對各種女性的生活習慣和風俗習慣都很感興趣，並以此為題材，涵蓋了從微笑著看著在家玩耍的弟弟的姐姐、在海邊休息的海女、哺乳孩子的山魔女等各種女性。他表示，喜多川歌麿作品的一大特色就是能夠以豐富的表現力展現出各種女性的魅力，讓人不禁想像到她們背後的故事，甚至連指尖都難以想像。

順便一提，在前面提到的《五美爭寵，兵庫屋花妻》插圖的信裡，有這樣一句話：“我討厭模仿，我不抄襲，我是自創藝術家”，由此可見歌麿作為美人畫家的堅定自尊。如果你能讀懂草書，請務必去看看。

第二章：《東洲齋寫樂—演員畫的影響》

接下來是東洲齋寫樂。他和歌麿一樣，被蔦重發掘，成為浮世繪黃金時代的代表人物之一。在1794年5月至隔年1月的十個月裡，他創作了約145幅錦繪版畫，但隨後卻突然從公眾視野中消失，成為一個背景鮮為人知的神秘人物。

他創作了許多獨特而富有衝擊力的演員大頭像作品，其創作時期可根據其所涵蓋劇目的演出時間劃分為四個時期，風格和規格清晰。本次展出的寫樂作品中，超過一半是出自備受追捧的第一時期的大頭像作品，如此眾多的作品匯集於此，實屬難得。

山本以寫樂的早期作品之一《第二代嵐龍三的放債人石部兼吉》為例，明確證明了其作品的吸引力。

第二代嵐龍三是一位擅長演繹反派角色的演員，在這幅畫中他飾演的是放債人。畫師注意到這位演員憑藉著敏銳的觀察力，展現出獨特的寫實風格，例如他捲起袖子擺出誇張姿勢時的眼神、每根手指的緊張動作以及他緊繃的嘴角的皺紋。他說：“在沒有變焦相機或望遠鏡的時代，他能夠如此細緻地描繪，真是令人驚嘆。寫樂致力於精準捕捉演員表演的每一個瞬間。”

尾上松介的《松下酒造》中，落魄浪人凌亂的長髮和深陷的雙眼尤為突出。畫作通篇採用暗色，不僅展現了貧窮的孤獨，也刻畫了他即將死去的悲慘命運。

當時其他藝術家都把演員理想化，但寫樂更注重寫實感和近距離觀看舞台的臨場感，而非美感，例如連女演員的骨骼結構都刻畫得像男性，他甚至不惜犧牲女性的形象。他的寫實主義繪畫展現出其他演員畫作所沒有的活力，但他對寫實的過度追求招致了當時演員本人及其粉絲的批評，據說這也是他職業生涯短暫的原因。

第3章“葛飾北齋-怒藍”

第三位是葛飾北齋（1760-1849）。他的名字在19世紀下半葉的日本主義運動中傳遍歐洲，在美國攝影雜誌《生活》最近進行的「過去1000年中世界上做出最重大成就的100位重要人物」調查中，他是唯一入選的日本人。毫不誇張地說，他是世界上最著名的日本畫家。

葛飾北齋在90年的人生中，不僅創作了木版畫，還涉獵了錦繪、摺紙版畫、手繪插畫等眾多領域，不僅描繪風景、花鳥、人物，更描繪了宇宙萬物。僅從葛飾北齋的代表作《北齋漫畫》中非凡的繪畫技巧來看，據說這部漫畫共收錄了4000幅畫作，足以讓人感受到這位70多年來一直致力於繪畫、最終自稱“瘋狂藝術家萬字”的藝術家輝煌的藝術生涯。

北齋創作其著名的《富嶽三十六景》系列作品時已年逾古稀，這一系列作品從各個角度描繪了富士山的景象。但若對比展出前後的作品，會發現色彩變得更加深邃濃鬱。這或許是由於顏料的變化，但這些變化也讓人感受到北齋無論年事已高，始終保持著永不放棄的探索精神和雄心壯志，也同樣令人矚目。

他的代表作之一是《富嶽三十六景：神奈川衝浪裡》 ，這幅畫大膽地捕捉了海浪高高躍起的瞬間，遠處可見富士山的形狀。

山本以這幅畫為例指出，北齋作品的魅力之一就是「視覺技巧」。

有人指出，北齋有意在作品中加入一些設計，引導觀者的視線。我認為，當人們欣賞這幅畫時，他們的目光首先會被洶湧澎湃的海浪所吸引。前景中的波浪呈三角形，仔細觀察，便會發現它們與遠處的富士山遙相呼應。這幅畫的設計旨在自然地引導觀者的視線從前景的三角形移向遠處的三角形。

同樣，在《富嶽三十六景，五百館海齋堂》中，引導觀者視線的意圖也十分明顯。從殿堂的地板、屋頂、欄桿，到參拜者的指尖，各種線條都匯聚在背景中巍峨的富士山上。擅長西方透視畫法的葛飾北齋在這幅作品中也展現出非凡的技藝，展現了他精湛的幾何構圖技巧。

第四章 歌川廣重－雨月雪江戶

下一位藝術家歌川廣重(1797-1858) 最初創作的是美女和演員的肖像，但他的突破性系列作品《東海道五十三次》確立了他作為風景畫家的地位。

該系列描繪了55處風景，包括連接江戶和上方的東海道沿線的53個驛站町，以及日本橋和京都的三條大橋。受十遍社一九的《東海道中膝栗毛》引發的旅遊熱潮的推動，該系列作品一炮走紅。值得注意的是，該系列的出版時間與葛飾北齋的《富嶽三十六景》系列大致相同，後者常被拿來與葛飾北齋的傑作山水畫作相提並論。

關於歌川廣重的風景畫，山本有以下評價：

「雖然是風景畫，但也描繪了當地人、旅行者、旅行的風土人情以及氛圍，營造出一種韻味。它們不僅僅是風景畫，也不僅僅是肖像，不僅僅是自然，也不僅僅是人們的生活。廣重作品的美妙之處在於，它們都融合在一起了。”

據說歌川廣重和北齋都是熱衷旅行的人。歌川廣重充分利用了當地的自然風光、氣候和生活習俗，而北齋則大膽地誇大了他所見事物的構成特質。比較他們視角和創作方向的差異頗具趣味。

歌川廣重也擅長描繪日本各地的名勝，在他晚年的傑作《江戶百景》系列中，他甚至嘗試了不尋常的垂直風景畫佈局。

特別引人注目的是《江戶百景圖：龜戶梅屋》。畫中，前景中的梅枝被極度放大，梅屋的全景則被捕捉在枝葉間的空隙中，即使在垂直的畫框中也能營造出足夠的透視感。這種構圖稱為近景構圖，是歌川廣重晚年鍾愛的構圖手法。

廣重作品的一大特色在於其構圖風格多變，從與旅人相同的視角，到像鳥兒一樣從高處俯視，再到刻意將嶙峋的岩壁置於畫面中央，以表現懸崖峭壁的險峻。這種如同無人機般充滿想像力的自由空間表達，令人百看不厭。

第5章 歌川國芳 – 英雄與奇觀

第五章介紹歌川國芳（1797-1861），他與歌川廣重同齡，活躍於江戶末期和明治時代。展出作品的氛圍與以往展覽截然不同，呈現出一場氣勢恢宏、扣人心弦的戲劇。

歌川國芳憑藉《人氣水滸傳》系列作品一鳴驚人，該系列作品以大膽的筆觸營造出動感的場景，將生動的人物刻畫與絢麗的色彩完美融合。他塑造了許多日本英雄人物，並以奇幻刺激的武士畫作和叛逆幽默的漫畫風格開闢了新的領域。

人氣漫畫《水滸傳》一百零八勇者之一的《張順躍白浪》被譽為系列傑作，描繪了水軍將領張順落入敵陣，身中無數利箭，壯烈犧牲的場景。他怒目而視的表情和每一根豎起的頭髮，都傳達出一種隨時準備赴死的氣勢。

就像在本作品中一樣，國芳經常用華麗的紋身（irezumi）來裝飾他的角色，據說這些紋身令人印象深刻，引發了江戶的紋身熱潮。

《相馬故宮》以橫跨紙張縫隙的巨大骷髏頭為主題，是一部以三都教傳的《讀本》（江戶時代流行的長篇連載小說）為原型的作品。獨特的寬螢幕三聯畫（將一系列作品視為一幅大畫面的構圖）正是歌川國芳擅長的技巧。

這幅畫描繪了平將門皇居遺址中奇異生物的景象，但在書中的插圖中，無數個小頭骨被歌川國芳巧妙地改成了一個巨大的頭骨。此外，三聯畫的強烈效果也展現了歌川國芳獨特的創造力。

國芳雖然擅長描繪充滿戰鬥力的武士，但他的作品並非總是描繪驚險刺激的場面。例如， 《坂田金時、臼井貞光、源繼綱與怪獸》描繪的是源賴光的四大天王與謀劃惡行的怪獸下圍棋的場景。那些可憐的怪獸輕易被制服，而武士們卻面無表情地下棋，這種幽默的對比令人忍俊不禁。

《榮光：右無敵，左甚五郎》描繪了江戶著名雕塑家甚五郎及其周圍的雕塑。然而，作品中散落的地獄變身圖、寶刀印坐墊以及身旁的貓等國芳標誌性元素，顯示作品中出現的其實是國芳本人，與甚五郎頗為相似。

山本也指出，仁王、關羽等周圍雕塑的臉都是演員的漫畫。

天保維新時期，娛樂業受到打擊，浮世繪藝術家被禁止描繪演員或美女。但藝術家們仍然不擇手段地創作，尤其是國芳，他有著極強的反叛精神，即使在維新放寬之後，他仍然繼續畫形似演員的佛像，彷彿在嘲諷幕府，並以此來展現自己的才能。他是一位為平民畫畫的平民，卻以這種方式反抗權威。這就是藝術家國芳。

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「五大浮世繪大師－歌麿、寫樂、北齋、歌川廣重、國芳」展將持續到2025年7月6日（星期日）。展覽的口號之一是「找到你最喜歡的！」即使你不熟悉浮世繪，我們也鼓勵你透過本次展覽來感受這五位達到浮世繪巔峰的巨匠的傑作，並找到你最喜歡的藝術家。

「浮世繪五大展——歌麻呂、寫樂、葛飾北齋、廣重、國芳」概況

日期	2025年5月27日（週二）～7月6日（週日） ※無休息日
營業時間	10:00-17:00（閉館前30分鐘停止入場）
場地	上野之森博物館（東京都台東區上野公園 1-2 號，郵編 110-0007）
票	詳情請瀏覽官方網站。
主辦單位	上野之森博物館/富士電視台
詢問	050-5541-8600（Hello Dial 全天/9:00-20:00）
展會官方網站	https://www.5ukiyoeshi.jp/

※本文內容截至報導時為止。最新資訊請確認展會官方網站。

文章提供： Kokosil Ueno

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上野之森博物館

為紀念當代具象雕塑代表人物朝倉京子（1925-2016）誕辰100週年，於2025年5月11日（星期日）至2025年5月21日（星期三）在上野之森博物館畫廊舉辦了個人展“朝倉京子百年誕辰” 。免費入場。

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朝倉京子是雕刻家朝倉文夫的次女，朝倉文夫引領了明治至昭和時期的日本雕刻界，以其出色的自然寫實表現力而聞名。

她在父親創辦的朝倉雕刻學校學習雕刻，並於1942年首次入選第五屆新文展。在日展上，她多次獲得特別入選。 1952年，年僅26歲的她成為日展最年輕、也是第一位女性評審。但她似乎為了擺脫父權社會和各種束縛，最後離開了日展。此後，她以更自由的姿態創作了許多成熟、優雅的女性形象，並確立了獨特的風格。她一直活躍在藝術界的最前沿，直至晚年，於2016年以90歲高齡逝世。

本次展覽將展出其家人在她過世後捐贈給台東區的12件精選作品，主要展出1970年後創作的青銅作品。這場展覽旨在她誕辰100週年之際，再次展現這位藝術家的魅力。上野之森美術館也是朝倉京子過世前最後一次舉辦個展的場所。

根據負責本次展覽導覽的朝倉雕刻美術館（※）高級研究員戶張康子介紹，朝倉京子對作品的模特兒非常講究，有時甚至要花上幾年時間才能選出一位。適合她眼鏡的模特兒大多是年輕的外籍女性或混血女性，臉蛋小巧、四肢修長，身材勻稱。

(*) 這是朝倉文夫在台東區谷中的工作室兼住宅，朝倉京子在這裡向父親學習雕塑的基礎知識。現在作為博物館向公眾開放。

「Tski」系列以大膽的造型吸引觀眾，共展出三件作品。其中一件全身像擺出奇特的姿勢，彷彿在跳舞，充分展現了雕像精妙的比例之美。雕塑家精湛的技巧體現在肌肉的對稱表現上，下半身繃緊，雙臂放鬆，展現出獨特的動態姿態，以及讓雕像踮起腳尖時所展現的平衡感。

優雅的《帽子》是朝倉京子最得意的作品之一，一頂大帽子垂落於藝術家的眼前。雖然正面看不到她的表情，但雙手張開放在胸前的優美姿態為作品增添了一抹迷人的韻味，而且隨著視線的高度和角度的變化，給人的印像也隨之變化。

據戶張說，從這部作品開始，這種手勢表達就成為朝倉京子作品的重點。

雕塑家佐藤忠義曾寫道：『手確實很引人注目，如果你稍有疏忽，它們就會開始喋喋不休，變成粗俗的雕塑。 』然而，京子的作品有效地運用了手的表達方式，就像在《帽子》中看到的那樣，感覺她正在創造一個時空，當我們面對作品時，似乎在與我們對話。

現場格外引人注目的作品是朝倉京子作品中罕見的男性形象“F” （後改名為“休息” ），其原型是歌手布施明。這件作品描繪了一位忙碌的年輕歌手在空閒時間在露台上休息的場景，並於1979年榮獲第七屆長野市戶外雕刻獎。作品中，部分腳從黑色底座伸出，是雕刻家想要展現放鬆心態的意圖。

另外，朝倉京子的作品遍佈日本各地的公共場所，這幅作品也展出於長野縣長野市的城山公園。在這片綠意盎然、如詩如畫的土地上，「休息」這個標題與作品完美契合，人物將腳趾從石台上伸到地面，彷彿在野餐般放鬆舒展，這或許能給觀者帶來一種精神上的放鬆感。

在會場的最深處，展出的是被選為本次展覽主視覺的「麗莎」 。這件雕塑將女性自然的站立姿勢昇華，戶巴里表示，它的獨特之處在於，無論從哪個角度看，360度都「完美無瑕」 。

「很多時候，一件藝術品都有正面，或者說，當你站在作品前時，它就是雕塑家想要展現的那一面。京子的作品，無論從哪個角度觀看，姿勢都是固定的。京子的作品沒有人類的弱點。這件作品讓你體會到了這一點。我認為這件作品解答了雕塑對京子的意義。」

托巴里也呼籲人們關注這件作品的底部。

顯然，讓雕塑以雙腿站立需要高超的技藝。你經常會看到一些雕塑，腳下的地面與作品融為一體。這被稱為“腳墊”，起到調節作品重心的作用。

一位雕塑家曾說過，如果留出一些“餘地”，平衡性會更容易調整，但這件作品卻沒有。京子老師的神奇之處在於，她能如此輕鬆地完成如此高難度的創作。這件作品的創作過程，是用黏土原型製作石膏模型，然後澆注青銅完成的。為了讓它像人一樣站立，並用黏土塑造形狀和平衡感，研究人體至關重要。想像一下這個過程，你會發現，京子那些時尚的作品，正是源自於敏銳的觀察力和精湛的技藝。

縱觀整幅作品，令人驚訝的是，儘管創作年代久遠，但女性形象卻絲毫沒有過時之感。這件作品之所以能成為永恆的藝術作品，原因之一在於其簡潔的時尚風格，充分展現了身體的美感。她手指插在牛仔褲口袋裡，表情莊重，卻絲毫沒有刻意追求酷炫。自然自由的女性形象，似乎與朝倉京子在當時依然以男性為主導的藝術界中努力擺脫父親庇護的形象相呼應。

最後，戶張對於朝倉京子作品的吸引力提出瞭如下看法：

「朝倉文夫的作品往往被安置在高處，所以很多作品都是仰視觀看的。而京子的作品則相反，通常被安置在與觀者相同的高度。空間與作品融為一體，營造出一種輕鬆親近的感覺，彷彿我們融入了作品之中。我認為這是一大魅力，也是他的作品至今仍被安置在戶外空間並為人們所熟悉的原因。」

朝倉京子的雕塑如同清涼劑，為城市景觀帶來一絲清新氣息。即使您錯過了本次展覽，我們也鼓勵您去東京各地探尋朝倉京子的作品，感受它們充滿活力的氛圍和普遍的美感。

朝倉雕刻美術館將於2025年9月13日（週六）至12月14日（週日）舉辦特別展「朝倉京子：誕生100週年」。這將是美術館首次展出由朝倉文雄和京子父女共同創作的雕塑空間。更多詳情，請瀏覽朝倉雕刻美術館官方網站。

[參考] 可查閱過去展覽會的相關文章。
紀念朝倉文雄逝世60週年特別展：“奇妙的貓生：朝倉文雄與貓，有時還有狗”
（活動時間：2024年9月14日（星期六）～2024年12月24日（星期二））

「朝倉京子誕辰100週年展」概要

朝倉雕刻美術館（台東區谷中7-18-10）

*本文內容來自訪談時。

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東京國立博物館

蔦屋重三郎(1750-97)，又稱“蔦屋”，是江戶時代著名的出版商。目前，位於東京上野的東京國立博物館正在舉辦特別展「蔦屋十三郎：內容產業的風雲人物」 ，該展覽與2025年大河劇《Berabou – 蔦屋榮華的夢番》相結合，該劇將以蔦屋為主角。展覽將持續到2025年6月15日星期日。

*展覽期間，部分展出作品將會有所變更。
展覽前半段：4月22日（週二）～5月18日（週日）
延展時間：5月20日（週二）—6月15日（週日）

發現歌麻呂和寫樂的江戶媒體大亨蔦屋十三郎

蔦江於 1750 年出生在吉原，這是幕府正式承認的妓院。他最初是一家租賃書店，後來成為出版商，他將自己的網絡擴大到包括武士、富裕的市民、受歡迎的演員、劇作家和藝術家，開發了媒體組合併為江戶出版業引入了各種新理念。

他緊跟時代潮流，出版了《黃頁》、《寫本》、《鏡花緣》、《浮世繪》等多種刊物，創作出許多暢銷作品。它也因培養出喜多川歌麿、東洲齋寫樂等浮世繪藝術家而聞名，他們現在被認為是世界知名的日本藝術家。

本次展覽透過展出前半部和後半部的共約250件作品，追溯當時具有巨大影響力的人物蔦江的活動，讓參觀者感受到他所創造的價值觀和藝術性。

第一章：吉原細見、Sharebon 和黃皮書的創新

展覽分為三個章節和一個附錄。在第一章的入口處，迎接遊客的是吉原大門，這是吉原紅燈區的唯一入口。

這是拍攝歷史劇《パラヴィパネパ》時使用的實際場景，據說在製作場景時參考了歌川豐春、歌川國貞、歌川廣重等人的浮世繪。門後是模仿吉原主要街道中野町的空間，成排的櫻花和路燈營造出春天的氛圍。

第一章展示了吉原指南《吉原齋民》，這是蔦江出版生涯的起點。

《吉原裁民》最初由另一家出版商出版，但存在許多問題，導致其失去信譽，包括無法跟上吉原資訊的快速變化。
相較之下，蔦首次再版的吉原報紙《硬花》，不僅利用了在吉原長大的父母的信息網絡來更新最新信息，而且還改進了版面，將妓院排列在街道的兩側，使報紙的頂部和底部彼此相對，方便讀者在街上行走時將其拿在手中。他們還透過將兩頁資訊合併到一頁來降低成本，從而為正在衰落的吉原百貨吸引了大批顧客。

Tsutaju 在其出版活動中不斷追求人們所喜歡的東西，很明顯此時它已經完全以消費者為導向。

展覽讓參觀者可以比較《吉原撰文》新舊版本之間的變化，同時也展示了為提高出版物商業價值所做的各種嘗試，例如請當時最受歡迎的漫畫作家之一三輕傳撰寫序言。

蔦江獨立出版的第一本出版品是《人女千本》 （1774 年），這是一部記載妓女聲譽的紀實，其中將妓女比作插花。錦繪《青樓美人合照鏡》 （1776年）由蔦江策劃，由人氣畫家北尾重政和勝川春章共同繪製，描繪了各青樓妓女在一年四季忙碌地彈奏古箏、繪畫、書法、插花等藝術和娛樂活動。

據信，這兩幅作品的資金來源都是畫中的妓女、她們的贊助人以及妓院老闆，而這些「賺錢」的作品並沒有給蔦江自己的腰包帶來太大的壓力，因此成為了蔦江的主要商業模式之一。

蔦江展現了他出色的出版技巧，並透過可靠、標準的產品積累了經濟實力，例如獨家出版在江戶流行的淨琉璃木偶劇原版《富本節》以及大量製作寺廟學校和其他機構使用的基礎教科書《往物》。

同時，該公司聘請了受歡迎的作家和插畫家，開始出版《kibyōshi》和《sharebon》漫畫等人氣文學作品。例如，法正堂吉山次的《三德一目》 （1781 年）使蔦江的名字在漫畫界家喻戶曉，三教傳的戲仿作品《盒裝少女，假麵店的美人魚》 （1791 年）則描繪了《浦島太郎》的續集，是在寬政維新時期出版期間創作的。

第二章：鏡花的崛起－蔦丸與文化人物的關係

第二章則聚焦在蔦江與鏡歌（一種模仿和歌並將諷刺和反諷融入社會狀況的短詩）的關係，鏡歌在江戶風靡一時，尤其是在天明時期（1781-89 年）。

創作歌頌江戶的鏡歌文化最初是受過教育的武士階級的一種消遣。隨著寬政改革蔓延至市民、演員、畫家等各行各業，蔦重也以「蔦唐丸」之名進入了歌謠界。在從事文學活動的同時，他也找到了新的出路，成為一名出版商，將人們讀過並丟棄的狂歌詩彙編成名為狂歌書的出版物。他與太田南步、唐衣菊秋、修羅菅江等當時的文化先驅們交流，引領了時尚發源地吉原的繁榮。

此外，蔦重還開創了一種新的鏡歌繪本類型，在先前只有文字的鏡歌書上添加了圖畫，並獨家出版。在鏡歌繪本中，由富有的鏡歌詩人為了出名而出資製作的銀質插頁繪本，其印刷華麗，採用雲母印刷、空氣印刷等技術，堪稱藝術品。

本章的亮點是北川歌麿繪製的京歌詩集，北川歌麿的才華被蔦江發現，而他幾乎全部受僱於蔦江。歌麿的鏡花繪本三部曲《畫本蟲泉》 （1788年）、 《潮日的綱》 （1789年）、 《百鳥鏡花和》 （1790年）分別以昆蟲、貝類、鳥類為主題，展現了歌麿素描的高精細度和敏銳的觀察力。

這裡也展出了《歌枕》 （1788 年），這是一本枕畫（春宮），據信是歌麿生前創作的。負責此次展覽策劃的東京國立博物館策展企劃部長松島雅人表示，這是該博物館150年歷史上首次展出枕骨畫。

作品由12幅大型橫向錦繪版畫組成，描繪了茶館中男女之間錯綜複雜、微妙的互動，包括混亂和談判的場景，其中《茶館二樓》這幅畫被認為特別美麗。 （圖片僅供參考）
畫中描繪的是一段暗戀，雖然女子是從背後看去，看不到表情，但從女子撫摸男子臉頰的動作可以看出她對男子的愛意，而男子的右眼從女子的髮髻下探出，顯得平靜而清醒；男人和女人之間交織在一起的意圖以及那一刻的真實感簡直令人驚嘆。

對於這幅畫，松島評論道：“雖然無法得知歌麿作畫時的想法，但觀者可以想像出兩人之間不同的情感，可見畫作的層次和深度。”

第 3 章：“探索浮世繪藝術家：歌麻呂、寫樂與永正齋朝喜”

第 3 章追溯了蔦江出版生涯後半段的活動，從寬政時期（1789-1801 年）他進軍浮世繪版畫開始。展覽將展出西村屋與八、若屋與一等其他出版社出版的作品，以及代表被稱為浮世繪黃金時代的 18 世紀後期浮世繪世界的傑作。

蔦穂發現了喜多川歌麿、東洲齋寫樂、永松齋鐘喜等著名藝術家，並策劃出版了充分發揮他們魅力的浮世繪。當時，各種出版商都在嘗試浮世繪的新方法，但蔦十番的作品的特點是，它們採用了“大頭像”的構圖，大膽地將人物的臉部特寫，這是演員畫中經常使用的一種風格，而美女畫則以全身像為美女。

美人畫的代表人物歌麿與蔦重聯手，運用「大頭畫」技法，細緻刻畫人物的表情和動作，連感情都表現出來的表現手法廣受歡迎。此外，他先前的美女肖像畫主要以妓女為主，但現在也開始創作以普通女性為主題的作品。

例如， 《三美人》 （1793 年）描繪了寬政時期浪川家的流行海報女郎：沖田、高島大笠和富本豐奈。乍一看，這些臉似乎都一樣，但仔細觀察後，你會發現每幅肖像都捕捉到了眉毛、眼角、鼻子和輪廓的微妙個性。

由於美女肖像一般都描繪了各個時代理想的面容和體型，因此這種將現實主義帶入幻想世界的嘗試，在某種意義上是極具開創性的。

東洲齋寫樂在第三章的結尾被重點介紹。寫樂是日本最傑出的浮世繪藝術家之一，但實際上他的活躍期只有大約 10 個月。他是個神祕的人物，如彗星般出現在江戶，然後又消失得無影無蹤，留下了140多件藝術作品。

他是蔦江為了壟斷演員插畫事業而發掘的明星，其代表作全部由蔦江出版。繼歌麿的美女肖像畫和大頭演員畫作的成功之後，他首次以一本出版物的形式亮相，出版了 28 幅印在黑雲母上的華麗大版錦繪版畫，涵蓋了戲劇作品的劇目。

其中之一就是大谷鬼次三世 (1794) 的江戶兵衛，大多數人可能都至少見過一次。這是《戀愛女友醒來手綱》中的一個場景，描繪了江戶兵衛準備攻擊一平以從他那裡偷走一些錢；他雙手的獨特姿勢捕捉到了他即將脫下夾克的瞬間。結合其對聯畫《初代市川男造藥光一平》 （1794年）的悲劇表現，作品散發出一種極其緊張的氣氛，與黑雲母版畫的深色背景相得益彰。

寫樂的畫風一般被說成是變形，但實際上可以說是高度寫實主義的風格，他毫不留情地暴露面部特徵，不僅描繪出演員自己想要隱藏的皺紋和法令紋，甚至連女性角色的骨骼結構也一併表現出來。

當時，其他藝術家都以一種美化的方式描繪演員。不難想像，蔦江已經預料到這種寫實的表現方式會成為一種新趨勢，但許多熱愛歌舞伎的人都夢想著自己喜歡的演員能夠扮演這些角色。寫樂的畫作過於寫實，不僅不受粉絲歡迎，就連演員本人也不喜歡，始終沒有流行起來。

無論結果如何，這些反映現代人內心想法的錦繪版畫，代表了出版商蔦重在人物表達方面以及浮世繪方面的一個里程碑。

附錄：“天明·寬政時代的江戶城”

18 世紀下半葉的江戶，蔦重創立了他的書店和出版社“幸書堂”，當時的江戶正值經濟和文化蓬勃發展的時期，發展成為一個堪稱“大江戶”的迷人城市。

附錄中，歷史劇《Berabou》的藝術團隊重現了當時日本橋地區的街景。除了展示日本橋四季的CG影像外，館內還展出了劇中使用的道具、佈景素材，講解了江戶文化是如何融入故事的。

請注意，您只能拍攝徽章，但不能真正進入大樓。

本次展覽旨在盡可能地喚起江戶的氛圍。該劇每週都會展示蔦江製作的出版物，許多原版也將在會場展出，因此熱衷於該劇的觀眾可能會發現許多新發現。

特別展「蔦屋重三郎：內容產業的驅動力」概要

*本文內容為訪談時的最新內容。最新資訊請關注展會官方網站。

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台東區博物館

下町風俗資料館於1980年開館，旨在將東京下町的美好舊時光的文化和傳統傳承給後代，接待了包括訪日外國遊客在內的眾多遊客。由於設施老化而進行大規模翻修，該博物館自 2023 年春季起關閉，但現在已以新名稱「下町博物館」重新開放。

※關於下町風俗資料館的過去情況，請點這裡⇒
https://www.culture.city.taito.lg.jp/ja/reports/29750

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此次大規模改造，展覽面積由原侷限於一、二樓擴大至三樓。也增設了哺乳室、無障礙廁所等新設施，讓更多人能享受到便利。

一樓的展覽室重現了1950年代市中心的街景。故事的原型是位於台東區坂本市金杉通（現為根岸三丁目）的燈籠店的一角。坂本市在關東大地震和東京大空襲中倖免於難，直到最近幾年，這裡還保留著許多古老的街道和建築。您可以進入實體大小的公寓大樓，體驗當時的生活方式和氛圍。

改建前重建的展覽以大正時代為藍本，但根據博物館研究員近藤武史介紹，他們決定徹底改造內容，以紀念博物館開館 40 多年來的首次大規模改建。

「我們之所以決定將展覽時間設置在 20 世紀 50 年代，也就是 60 到 70 年前，是因為我們想鼓勵當時的人們帶著家人來參觀展覽，並進行這樣的對話，『哦，原來這個工具是這樣使用的』」，近藤說道。

此外，金杉通還保留著許多圖紙等研究資料，而作為展覽核心的五十嵐燈籠店的老闆五十嵐先生仍然健在，並能提供各種形式的合作，這也是該模型的決定性因素。
（雖然建築已經重建，但五十嵐燈籠店仍在營業。）

1960年代，由於關東大地震後地區和街道的再開發，以及戰後重建帶來的經濟快速成長，市中心的生活品質似乎有所提升。展覽區內設立的大螢幕播放著懷舊風格的動畫電影，讓人回想起當時的金杉通。

影片中，主幹道兩旁排列著“表手公寓”，這些公寓是商業和住宅建築，內設商店、餐廳、美容院等，有電車和汽車沿路行駛，還有賣蔬菜的手推車和拉麵攤。影片傳達了這樣的理念：在新時代的浪潮中，傳統的生活方式仍然蓬勃發展。影片刻意沒有使用背景音樂，而是透過強調電車運行聲、鳥兒鳴叫聲等環境聲音來增強真實感。

即使電力和燃氣等基礎設施已經發展起來，燈籠仍然是舉辦許多節日的市中心地區不可或缺的必需品。五十嵐燈籠店自江戶時代末期就開始營業，店內重建了組裝和刻字燈籠的工坊。那裡有一排排圓形的節日燈籠、用於固定燈籠頂部和底部的鐵砧和錘子，以及用於添加文字和顏色的畫筆。

館內收藏的家居用品、家具等基本上都是由當地居民捐贈的，因此有磨損的痕跡。這個博物館的吸引力之一是您可以觸摸物品並感受它們的質地和重量。 （搬運時請小心輕放。）

起居空間和廚房一直延伸到車間的後方，如果你從廚房的後門出去進入小巷，你會看到對面的「後巷」建築。除了從家到工作地點通勤的手工藝人和辦公室職員之外，後巷裡還居住著街頭紙芝居說書人等小販，展覽重現了紙芝居說書人的住所。

入口處的階梯上擺放著用來存放廉價糖果的玻璃罐和木盒。紙芝居說書人靠著向前來觀看說書的孩子們出售廉價糖果為生，但在無法講書的下雨天，孩子們有時會來到他們家裡討要廉價糖果。

如果仔細觀察展品，就會發現就像動畫中描繪的日常場景一樣，既有新舊元素的融合，例如「廚房裡有瓦斯爐，也有正在使用的炭火烤架」。據近藤說，他特別注重現這段過渡時期的氛圍。當小學生進行實地考察時，他們有時會以遊戲的方式讓他們學習，要求他們“想想在燃氣爐發明之前我們用什麼做飯，並嘗試找到具有相同功能的物體！”

二樓為常設展覽室，可以了解從明治時代到1950年代以台東區為中心的市中心的歷史與文化。

一進門，就看到一個介紹展覽，屏幕上播放著兩種視頻：一種是以西洋雙陸棋遊戲的形式追溯台東區歷史的視頻，另一種是介紹支持我們祖先生活的日常用品的視頻。此外，銀幕前的舞台上也展示電影中出現的日常生活實物，依照「衣」、「食」、「住」、「商」、「業」等類別排列。

「最初，我們的想法是挑選並展出代表下町博物館的藏品中的一件。然而，即使作為策展人，也很難明確定義‘下町’的概念，而且不可能僅用一種材料來表達。因此，為了更好地展現‘下町’，我們將作為家庭聚會中心的矮腳桌（傳統的餐桌）置於中心，並將物品以散佈的方式擺在我們周圍的方式，我們所決定的方式就擺在我們周圍。

展出的物品種類繁多，從今天孩子們熟悉的餐桌和招財貓，到令和時代已經完全消失的玻璃捕蠅器和商人會計辦公室用來存放銷售收入的存錢罐。觀察這些未知的工具並想像它們的各種用途也很有趣。

接下來，展覽分為「1.江戶時代以來的市中心文化與生活」、「2.關東大地震與復興」、「3.戰爭時期的生活」、「4.從廢墟中重新開始」、「5.邁向經濟的快速增長」和「6.與我們台東區息息相關的生活」。回顧隨著每個時代的重大變革，街道景觀、生活方式等發生了什麼樣的變化。

以前在設施入口處迎接遊客的「自動電話」（後來成為公用電話）也出現在該地區，成為市中心變化的象徵。日本第一部自動電話於1900年安裝在上野站和新橋站。

雖然很容易被忽視，但抽屜裡隱藏著各種文件，所以一定要檢查一下。例如，台東區是1927年日本第一條地鐵（現在的銀座線）經過的地區，《上野～淺草間建設概要》就是一本概括當時地鐵建設概要的小冊子。目前的銀座線是從淺草到上野，然後在新橋向西轉向澀谷，但有趣的是，文件指出，最初的計劃是從新橋到禦成門，然後再到品川。

新開放的三樓區域設有特別展覽室和市中心資訊角落。

企劃展覽室的展品每年更換三次，大約每四個月一次，紀念首次企劃展覽的主題是「繁華的都心是怎樣的城鎮？」本書首先探討了下町是怎樣的一個城鎮，從它在東京下町的建立（最初建立時，台東區似乎不包含在下町內）到它的擴張，以及生活在那裡的人們的職業和性格。

鄰近的下町資訊角落設有一個名為「下町資料搜尋」的觸控螢幕終端，可供遊客了解更多有關博物館收藏的資料。

如果你對一樓的複製展品或二樓的介紹展品感興趣或有什麼不明白的地方，那麼你可以放心來這裡。您還可以查看未展出材料的數據，這將有助於您的學習和研究。
（這取決於繁忙程度，但如果您對材料有任何疑問，策展人會很樂意為您解釋。）

還可以自由體驗劍玉、臉、松風陀螺、算盤、秤等舊玩具和日常用品，長椅還可以用作休息區。透過大窗戶可以一覽不忍池的全景，是欣賞櫻花、蓮花、秋葉等四季景色變化的絕佳地點。

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下町博物館一定會為從兒童到老人的各個年齡層的人們提供各種各樣的發現和樂趣。經過重大改造後，博物館煥然一新，但近藤說，博物館從下町博物館時代繼承下來的一件事是，遊客的真實生活故事總是出乎意料。

「這些展品就像催化劑一樣，讓參觀者回憶起當時的情景時感到興奮，並說『哦，發生了那件事！』或者祖父母將自己親身經歷的知識傳授給孫輩，其他來訪者聽到後也紛紛點頭附和……這樣的場景我們每天都能看到。自然而然地，你會聽到一些文獻中沒有記載、只有親身經歷過的人才能獲得寶貴的信息。

這裡非常適合在不忍池散步後快速遊覽，何不順便去看看呢？與整修前一樣，街頭紙芝居表演、傳統工藝展示等活動將繼續舉辦，因此請查看官方網站以了解時間表等詳細資訊。

下町風俗資料館概要

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國立西洋美術館

「我們從哪裡看西洋畫？——從文藝復興到印象派：聖地亞哥藝術博物館 vs. 國立西洋美術館」（俗稱「我們從哪裡看它？」展）在東京上野國立西洋美術館開幕。活動將於 2025 年 3 月 11 日至 6 月 8 日舉行。
我參加了之前舉行的新聞發布會，所以我想分享一些會場的照片。

兩家博物館的收藏互動，從不同角度探索其吸引力

展覽匯集了聖地牙哥藝術博物館和美國國立西洋美術館的藏品共88件，追溯了從文藝復興到19世紀末600年間的西洋美術歷史，並提供了欣賞作品的技巧。

聖地牙哥藝術博物館是美國西部最早全面收藏西方古典繪畫的藝術博物館之一，因與西班牙殖民者建立的聖地牙哥有著文化和歷史淵源，所以收藏以西班牙藝術為主。

展覽囊括了多幅西班牙藝術傑作，包括「bodegón」（西班牙靜物畫）之父胡安·桑切斯·科坦的《靜物與榅桲、捲心菜、甜瓜和黃瓜》以及埃爾·格列柯、蘇巴朗、索羅拉等人的作品。來自聖地牙哥藝術博物館的49件藏品均為首次在日本展出。

另一方面，國立西洋美術館擁有東亞地區唯一的西洋畫綜合收藏館。策展人河瀨優介（國立西洋美術館首席研究員）這樣介紹此次展覽的背景：

「在僅由從一家博物館借來的作品組成的藝術展中，即使可以欣賞到每件作品，也往往很難了解藝術家的個性或藝術家在藝術家藝術生涯中的地位等背景。國立西洋美術館的常設展也是如此。因此，這次，我們決定合併兩家博物館的藏品，將同一藝術家或主題的作品分組排列，進行更深入的藝術。展覽的舉辦旨在以易於理解的方式傳達西方美術的有趣世界。

正如川瀨所說，展覽實際上分為 36 個子主題。例如，第 1 章探討了從喬托到博斯（工作室）意大利和低地國家（今比利時和荷蘭）文藝復興時期繪畫的發展，將喬爾喬內（1477 / 78-1510）和雅格布丁托列托（1518-1594）的作品並列為“威尼斯文藝復興時期肖像”。

喬爾喬內三十多歲就去世了，因此留存的文獻非常少，他的一生依然籠罩在神秘之中，但他被認為是威尼斯繪畫盛期文藝復興風格的創始人。他的《男子肖像》 （1506 年）現藏於聖地牙哥藝術博物館，雖然尺寸不大，但卻是文藝復興時期肖像畫的傑作之一。對身體特徵的精確描繪和柔和的陰影實現了革命性的真實感。

另一方面，丁托列託在喬爾喬內去世後與提香、委羅內塞並列為16世紀威尼斯繪畫三大大師。展覽將聖地牙哥藝術博物館藏喬爾喬內的《老人肖像》 （約1550年）和國立西洋美術館藏的《大衛像》 （約1555-1560年）與喬爾喬內的作品並列展示，並附有說明文字，展示了丁托列托如何發展喬爾喬內的透過色彩漸變來表達的技巧。

西班牙最重要的靜物畫家的傑作即將登陸日本，他曾對戈雅和畢卡索產生影響

第二章按地區介紹了17世紀巴洛克藝術的特點，並展示了展覽的亮點——胡安·桑切斯·科坦（Juan Sánchez Cotán ，1560-1627）的《靜物與榅桲，捲心菜，甜瓜和黃瓜》（約1602年）。

16 世紀末至 17 世紀初，靜物畫開始在整個歐洲獨立創作，在西班牙，一種被稱為“bodegón”的靜物畫風格得到了特別發展，這種風格以與食物和餐桌相關的主題為特色。桑切斯·科坦（Sánchez Cotán）是1600年前後活躍於托萊多的一位畫家，他設計了一種獨特的構圖技巧，將少量常見的蔬菜和水果（如這幅作品中所示）排列在石框上，並用類似聚光燈的燈光照射它們，以突出明暗對比。它為西班牙靜物畫樹立了持久的典範。

策展人邁克爾布朗（聖地亞哥藝術博物館歐洲藝術策展人）評論這幅作品的吸引力時說，“乍一看，這似乎是一個簡單的構圖，但中心的一處黑暗空白卻散發著無限的元素和一種神秘而不可觸及的氛圍。”

河瀨表示，在桑切斯·科坦現存的六幅靜物畫中，這幅畫“最為均衡，是他的傑作，清晰地表達了桑切斯·科坦獨有的莊嚴與寧靜”， “這幅作品來到日本，本身就是一件大事”。

比較西班牙的靜物畫，有繼桑切斯·科坦之後的代表人物胡安·范德阿芒特（Juan van der Ament ，1596-1631）的華麗而裝飾性的《水果與野禽靜物籃》 （c.1621），以及因畫了許多聖人肖像而被稱為“僧侶”的《巴蘭科·德·齊蘭科( Francisde （c.1635-40）喚起人們安靜的冥想和祈禱。無論從構圖還是手法上，他們都明顯地繼承了桑切斯·科坦的傳統。

此外，展覽還展出了藝術家本人的4件作品，包括其拿手好戲——大型單人畫《聖多米尼克》 （1626-27年）以及其成熟時期的慈悲傑作《聖母子與聖約翰》 （1658年）。它簡潔地闡述了他的藝術生涯的演變，從深刻的雕塑現實主義到甜美的理想化表達，彷彿被一層光的面紗籠罩著。他的作品總是瀰漫著一種優雅、寧靜的氣息，讓人感受到藝術家一貫的美學意識。

真實的威尼斯與想像中的羅馬：義大利城市風景畫朝不同方向發展

第 3 章重點介紹引領 18 世紀藝術的義大利和法國繪畫的發展，並研究每種流派的特徵：風景畫、肖像畫和風俗畫。這裡正在展出威尼斯和羅馬城市景觀的引人注目的對比展。

18世紀的英國及阿爾卑斯山以北的國家流行“壯遊”，上流社會的子弟為了獲取文化知識，遊歷歐洲各個城市，其中包括歐洲文明的發源地意大利。他們回國時尋找的紀念品之一是城市景觀畫，或稱為“vedota”，這種畫作在“大旅行”的兩個主要中心威尼斯和羅馬十分盛行。

威尼斯城市風景畫方面，展覽將展出貝爾納多·貝洛托（1721-1780）與弗朗西斯科·瓜爾迪（1712-1781）的作品，他們與加納萊托並稱為威尼斯風格三大大師。每件作品都以高度現實主義的方式捕捉了這座宏偉水城的標誌性風景。而羅馬的展覽，雖然同樣位於義大利，卻不再對特定地點的再現，而是呈現了一個現實與虛幻交織的懷舊世界。

例如，被稱為“廢墟中的羅伯特”的於貝爾·羅伯特（Hubert Robert ，1733-1808）在其兩幅風景畫中，就將實際上位於不同地點的著名古代作品聚集到了一起，如卡比托利歐廣場上的馬可·奧勒騎馬雕像和圖拉真柱，其中還包括一座想出來可能是他憑空的神廟。由於人物身著 18 世紀的服裝，作品強烈反映了當時人們想要欣賞古老建築廢墟的視角。

這些畫作被稱為城市景觀畫中的“Capriccio”（奇幻畫作）。羅馬的城市景觀中有許多搖搖欲墜、風化的廢墟和歷史建築，似乎成為畫家的重要靈感來源，畫家自由奔放的思想激發了旅行者的想像。威尼斯變得真實，羅馬變得幻想。由此可見，地域特徵對於某一繪畫流派的興盛有多大的影響。

透過兩位女畫家卡佩和貝諾伊斯特了解從洛羅科到新古典主義的轉變

第三章中，有兩位女畫家瑪麗-加百列·卡佩（Marie-Gabrielle Capet ，1761-1818）和瑪麗-吉耶米娜·伯努瓦（Marie-Guillemine Benoît ，1768-1826）的肖像畫對比展，清晰地展現了18世紀秩序、新銳主義的純正、新鮮主義的經典風格。

從18世紀下半葉起，法國開始湧現女性藝術家，卡佩和伯努瓦都是代表性畫家，她們的名字均在1791年的沙龍（官方展覽）中展出，這是法國大革命後女性首次被允許參加展覽。

在卡佩的自畫像（約1783年）中，年輕的藝術家身著華麗的藍色連身裙，戴著典型的洛可可風格的絲帶和捲髮，而年輕藝術家注視著我們的表情是如此明亮和歡快，讓人難以停止凝視。你可以看到他的自信，就好像他對自己的技能感到自豪。相較之下，伯努瓦的《女子肖像》 （約 1799 年）則明顯展現出新古典主義傾向，其尋求從古典藝術中汲取的靈感，其古典風格的白色襯裙以及雕塑般、穩定的身體描繪。

不僅作品本身的品質很高，而且就像上面提到的城市景觀畫一樣，很容易知道應該看哪裡來欣賞展覽，因此對於初學者來說這是一個必看的展覽。

柵欄的繪畫方式如何改變繪畫的印象？

第四章聚焦在19世紀人物形象的多樣性，其中展出了印象派畫家的「樹籬表面」的比較展，這多少讓人有些驚訝。

展覽的重點是樹籬圖案，這是鄉村地區的常見特徵，曾在卡米耶·畢沙羅（1830-1903）的作品中出現。畢沙羅是最年長的印象派畫家，他離開巴黎去研究蓬圖瓦茲周圍農民的生活，而美國畫家西奧多·羅賓遜（1852-1896）則在莫奈居住的西爾維尼學習藝術技巧。書中闡述了柵欄如何與人物心理聯繫，以及如何有效地利用柵欄作為創造空間的裝置。

由於展覽提出了從這個有些小眾的視角欣賞藝術品的方式，即使是希望深入了解西方藝術的中級和高級愛好者也可以期待有一些新的發現。

不拘泥於思維，隨心所欲欣賞－藤岡靛的電影欣賞方式

展覽的語音導遊藤岡靛 (Dean Fujioka) 也出席了新聞發布會。

回顧語音導覽的錄製過程，藤岡說：「如果像『Koko Miru展』那樣過於強勢，意圖就會改變。在會議期間，我被告知了作為判斷標準的關鍵點，例如不同時代的背景、社會氛圍、宗教觀點、如何選擇要繪製的主題、觸感和繪畫方法，我用自己的方式進行解讀，希望將它們作為一種指導和導航來傳達。」

他也提出了自己的觀影方式，他說：「我覺得當你創作自己的故事時，它會產生你自己的視角，以及你在每一天、每一刻的享受方式。（當主持人問這是否意味著你先面對作品，然後再與自己的內心情感對話）說得更直白一點，是的。這就像在你的腦海裡不斷循環著笑話和回應。」

「宗教主題和背景多種多樣，有些作品具有相當多的諷刺潛力。我試著以一種隨意的方式欣賞它們，不受任何限制，」他繼續說道。看著蘇巴朗的《聖多明尼克》，他以獨特的視角描述了藝術家的魅力，“他仰望天空，雙手擺出可愛的心形姿勢”，引得在場觀眾大笑。

另外，展覽期間還將舉辦為期四天（夜間開放日）的「夜見妖怪」活動。如果您穿著自己的風格並宣布您被邀請參加晚會，您將獲得一張原創明信片，因為展覽中有許多令人著迷的人物。會場內還設有拍照區，以及面具、扇子等「晚會拍照道具」。
*詳細行程及注意事項請查看展會官方網站。

除本次展覽外，從聖地牙哥藝術博物館借來的五幅畫作也在永久收藏中展出，其中包括戈雅的《維森特·瑪麗亞·德·維拉·德·阿拉貢，拉羅卡公爵》（約 1795 年）。如果您持有當天有效的「Dokomiru展」門票，則可以免費參觀常設展覽，所以千萬不要錯過。

「我們該從哪裡看西方繪畫？——從文藝復興到印象派：聖地亞哥藝術博物館 VS 國立西方藝術博物館」摘要

*本文內容為訪談時的最新內容。最新資訊請關注展會官方網站。

文章提供者： Kokosil Ueno

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東京都美術館

一場回顧與畢卡索、達利並列西班牙三大大師的畫家胡安·米羅70年創作生涯的大型展覽，在東京上野的東京都美術館開幕。活動將於 2025 年 3 月 1 日至 7 月 6 日舉行。

*本文中的照片是在新聞預展時獲得許可拍攝的。

胡安·米羅（1893-1983）是西班牙加泰隆尼亞畫家，20世紀20年代作為超現實主義的主要人物之一而聞名。他以豐富多彩且獨特的詩歌風格而聞名，其中他將自然界中的圖案（例如太陽、星星和月亮）描繪為象徵性符號，但直到 90 歲去世，他仍在追求純粹和普遍的藝術，以新的表現形式挑戰自己。他被認為是20世紀最具影響力的藝術家之一。

本次展覽匯集了米羅的代表作《星座》系列以及代表其早期至晚年各個時期的繪畫、陶瓷、雕塑等作品約百件，全方位地介紹了米羅的整個藝術生涯。該計畫是為了響應米羅逝世40年後重新評價米羅的全球潮流而開展的，據說是自1966年米羅在世時合作舉辦的展覽以來，日本最大規模的回顧展。

展覽共分為五個篇章。

年輕人米洛因未能獲得父親推薦的會計工作而病倒。 1912年，米羅重返藝術學校，研究最新的藝術趨勢。
在第一章「年輕的米羅：對藝術的決心」中，有作品展現了米羅在這一時期嘗試了立體主義、野獸派，以及被當時的前衛藝術家視為父親的塞尚等多種繪畫風格，探索著自己的表達方式。

米羅留下了許多以羅伊格山的動人風景為主題的作品，包括他的早期傑作《棕櫚樹的房子》 （1918 年）。蒙特羅伊格是米羅藝術信念得以堅定的地方，也是他一生創作的源泉，是他深化藝術思考的地方，也是他重新確認加泰隆尼亞人身分的地方。本作品是米羅所謂「細密畫派時期」的代表作品，他放棄了先前對其影響很大的野獸派風格，開始注重精細細節的描繪。

1920年，米羅終於如願來到了藝術世界的中心巴黎，這座城市的現代氣息和前衛藝術深深吸引了他。

受到與當地超現實主義作家和詩人的互動的啟發，他開始對一種遠離具體性的、更具詩意的表達風格感興趣。 1925 年至 1927 年間，米羅創作了 100 多幅“夢境畫”，他在代表空虛的廣闊背景中添加了無定形的動態線條，用它們作為象徵來展示夢境的進展。在其中《繪畫=詩》系列中，他將無形的詞語、短語當作主題來描繪，不與具體的物體區分開來，使其擺脫了原有的角色。

第 2 章「蒙特羅伊——巴黎：從鄉村到先鋒派之都」介紹了自 20 世紀 20 年代以來的這些活動。 「夢幻畫作」轟動了巴黎畫壇，米羅也成為了名副其實的著名超現實主義畫家。

《荷蘭室內裝飾 I》 （1928 年）是米羅深受 17 世紀荷蘭繪畫影響的作品，以亨德里克·索爾夫的《琵琶演奏者》（1661 年）為基礎創作。展覽還設有展示索爾夫原創作品和本作準備草圖的面板，透過對比可以發現，索爾夫將日常生活中的自然場景變成了平面色彩和有機形態的超現實世界，消除了任何立體感和透視感。

1936年西班牙內戰爆發，米羅流亡海外，並在隨後的第二次世界大戰期間繼續孤獨地創作，躲避戰爭的蹂躪。
第三章「逃離與詩學：以戰爭時代為背景」重點介紹了傑作「星座」系列，該系列是他於 1940 年從巴黎逃到諾曼底的一個村莊時開始創作的，並在從馬略卡島到蒙特羅伊格的途中完成。

星座系列是紙上而非畫布上的一系列小幅水粉畫。據說他刻意逃避殘酷的現實，從廣闊美麗的星空和莫札特、巴赫的音樂中尋求慰藉，並以此為靈感畫出超越現實的希望之畫。此次展覽展出的作品總計 23 幅，其中三幅為《晨星》、《女人與鳥》以及《蝸牛磷光蹤跡指引下的夜景》 （1940 年）。該系列以建立米羅的象徵體係而著稱，但由於每件作品都分散在世界各地，因此這是一個難得的機會將多件作品放在一起觀看。

另一方面，自1928年前後，米羅開始對藝術的商品化和對藝術家的過度關注進行批判，並產生了「謀殺繪畫」的衝動。漸漸地，他開始發展出一種可以稱為反藝術或反繪畫的風格，例如拼貼畫和與繪畫無關的材料和元素共存的物品，例如本章中介紹的《無題（夜之戀人） 》（1934 年），其中衛生紙被粘貼在鋁箔上。他繼續質疑傳統繪畫表達的本質。

1947年，米羅首次訪問美國，受委託繪製壁畫，但早在六年前，他在美國就已聲名鵲起，紐約現代藝術博物館還舉辦了他的作品回顧展。在此期間，米羅受到了傑克遜·波洛克等年輕藝術家的啟發，回到日本後，他開始對各種創作活動產生興趣，包括蝕刻畫、石版畫、與工匠合作製作的陶瓷以及雕塑。
第四章「夢想工坊：內省與新創作」追溯了 1950 年代和 1960 年代戰後的發展。

順便說一句，雖然米羅的許多作品都有簡潔的標題，但他實際上喜歡賦予標題和作品之間的關係一種俏皮和詩意的感覺。 《一隻紅蜻蜓追逐一條向彗星盤旋的蛇》 （1951 年）就是一個典型的例子；它的描述性標題引導觀眾的目光沿著屏幕移動，誤導觀眾試圖找到彗星、蛇和紅蜻蜓，就像那條盤旋的蛇一樣。激發這種好奇心的是鮮豔的配色，蜿蜒的線條和怪誕的描繪，所有這些都是米羅的手段。我對其構思的巧妙程度感到驚訝。

本章也展示了他在 1956 年完成期待已久的馬略卡島大型工作室之後，受到美國抽象表現主義巨幅畫作的影響，他的作品如何變得越來越大。大型繪畫《太陽前的人物》 （1968 年）是米羅視覺語言的巔峰之作之一，其靈感來自日本畫家僧侶仙井義本的作品，他使用圓形、三角形和正方形的形狀來表達宇宙。

米羅很早就對日本產生了興趣，在 1966 年訪問日本期間，他意識到自己與日本傳統藝術以及日本藝術家的理念有著密切的聯繫。這幅作品以其自信的筆觸讓人聯想到書法，是米羅東方情懷的重要體現，這也是約 40 年來它首次在巴塞隆納以外的地區展出。

第五章「走向繪畫的本質」展示的是他晚年（20 世紀 70 年代至 80 年代）創作的作品。儘管米羅已牢固確立了自己世界知名大師的地位，但即使到了晚年，他仍然繼續審視自己的作品，並毫不猶豫地進行大膽和非傳統的實驗。

例如， 《燒焦的畫布 2》（Burnt Canvas 2，1973 年）是一系列五幅畫作中的一幅，在這些畫作中，白色畫布被大力澆上油漆，踩踏，用刀劃破，最後澆上汽油並點燃。這幅作品並非一時衝動的創作，而是旨在探索隱藏在燒焦的畫布和紙張的物質性中的美感，同時也傳達出一種永不消退的能量和強烈的反叛精神，反對將藝術視為高雅文化，反對將藝術貶低為單純的財產。

晚年的米羅也開始運用更貼近身體動作的筆觸。在他的三聯畫《煙火I、II、III》 （1974年）中，其形象與水墨畫相似，他猛烈地潑灑顏料，然後用畫筆在因重力作用而滴落的顏料痕跡上塗抹。受美國抽象表現主義畫家的影響，他的技巧是讓新的作品透過偶然的機會出現，從而指導他的創作過程。這是作品首次在日本展出。

第 4 章和第 5 章也探討了米羅透過海報創作所做出的積極的社會、政治和文化承諾。

1960、70年代，也就是西班牙佛朗哥獨裁統治的最後時期，米羅創作了大量海報，表達那些幾乎沒有機會公開表達自己意見的社會大眾的希望和要求。他還表示，“藝術家是在別人沉默時，大聲說出來的人”，而此次展覽也強調了米羅作為藝術家的立場，即他從事研究事業並不只是為了表達自己的興趣。

畫家米羅是如何在整個20世紀投身於前衛藝術並且確立自己的風格的同時又不斷使自己處於創作張力之中的？歡迎您來本次展覽親身體驗這一探索過程以及這種獨特的藝術的魅力。

「米洛展」概況

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文章提供者： Kokosil Ueno

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