【訪談報道】「冰河時期展:4萬年前人類眼中的世界」正在國立科學博物館舉辦。踏上一段旅程,探索決定滅絕或生存命運的冰河時期的奧秘。

國立科學博物館

聽到「冰河時期」這個詞,有些人可能會想像一個冰雪覆蓋的嚴酷世界,與現在截然不同。然而,從學術角度來看,冰河時期指的是冰蓋(覆蓋陸地的厚厚冰塊)在大陸範圍內廣泛存在的時期。

冰河期(氣候寒冷,冰蓋不斷擴大)與間冰期(氣候相對溫暖,冰蓋不斷消退)交替出現,週期約為10萬年,因此冰河期並非總是寒冷的。即使我們生活在2025年,格陵蘭島和南極洲仍有冰蓋,但如果你明白我們正處於間冰期(或者說冰期)中期,每天都在遭受極端高溫的折磨,那麼這一年或許會有所不同。

目前正在國立科學博物館舉辦的特別展「冰河時期展~4萬年前人類眼中的世界」 (2025年7月12日至10月13日)重點介紹了約4萬年前,即上一次冰河時期的地球狀況。

展覽將利用最新的科學知識和強大的展品,展示生活在與現代完全不同的環境中的人類和動物的生活以及環境的變化,包括首次在日本展出的尼安德特人和克羅馬農人的實際頭骨,以及滅絕動物的骨骼標本、生態重建模型和考古材料。

「冰河時期展覽」入口

負責此次展覽的日本國立科學博物館館長篠田健一在媒體預覽會上表示:

世界上有80億人,但其實我們都是同一個物種:智人。歐洲和亞洲曾經存在過其他人類物種,但到了1.2萬年前,只剩下了智人。我們的祖先在6萬年前離開非洲後,遇到了什麼樣的人和動物?本次展覽的主要目的是讓參觀者體驗那些已經滅絕的動物曾經生活在哪裡,以及它們的外觀。我們希望這次展覽不僅能鼓勵參觀者反思我們迄今為止的旅程,還能讓他們思考在全球暖化導致的環境變化下,我們應該如何生活。

長毛象(活體復原模型,骨骼標本),Reiss Engelhorn博物館藏品

走進展廳,映入眼簾的是雄偉的猛獁象。據說,這尊猛獁像在數千年前就生活在西伯利亞和阿拉斯加的島嶼上,現藏於德國的賴斯-恩格爾霍恩博物館。猛獁像是本次展覽的亮點之一,其氣勢令人嘆為觀止。不過,也別忘了欣賞一下它面前那塊略帶槍傷的洞獅肋排。

帶有矛傷的洞獅肋骨[原件],西格斯多夫猛獁象博物館
這塊距今48,000年的肋骨化石出土於德國南部。洞獅是現代獅子的近親,經常出現在壁畫和雕塑中,並被認為是尼安德特人和智人(克羅馬農人)的常見獵物。這些矛痕表明,我們的人類祖先在冰河時期與四處遊蕩的動物對抗,過著艱苦的生活,這為充滿浪漫氣息的展覽提供了一個絕佳的開場。

在距今3萬至2萬年前的最冷時期,歐亞大陸高緯度地區經歷了降溫,形成了廣闊的草原苔原(寒冷草原和永久凍土區)。在這種環境下,草原棲息的猛獁象動物群,包括長毛象、洞獅、披毛犀和草原蟒蛇,繁衍。這些動物群,連同自間冰期以來在森林中倖存的鉅鹿和洞熊,以及許多其他現存物種,構成了末次冰期的巨型動物群

展覽現場。左側為一頭巨型麋鹿(生物復原模型,完整骨架),來自賴斯·恩格爾霍恩博物館收藏。

「第一章:冰河時期的歐洲動物」展出巨型動物的化石、全身骨骼標本和復原模型,探索它們興衰的奧秘,並講解滅絕物種和現存物種的生態。這些動物擁有令人震撼的身軀和抵禦嚴寒的長毛,展現了當時嚴酷的環境。

草原蟒蛇(化石頭骨[真實]),歸 Reiss Engelhorn 博物館所有
洞熊(生物重建模型,完整骨架),Reiss Engelhorn 博物館
披毛犀(生物重建模型,完整骨架),Reiss Engelhorn博物館

麝牛以其如同裹著布的長毛和巨大的蹄子為特徵,是猛獁象群中倖存的成員,也是山羊亞科的成員。兩萬年前,地球突然變暖導致草原苔原面積縮小,適應寒冷氣候的物種和草原物種逐漸消失。然而,麝牛和北極狐卻能夠將它們的棲息地遷入北極圈,並因此得以生存至今。

由左至右:麝牛(標本)、賽加羚羊(生態復原模型)、Reiss Engelhorn 博物館藏品

克羅馬農人的祖先大約在30萬年前起源於非洲,大約在6萬年前遍布歐亞大陸。當時,另一種名為尼安德特人的人類生活在歐洲,但他們在大約4萬年前消失了。

尼安德塔人的復原,巴黎國立自然史博物館 ©2019 雕塑家 ELISABETH DAYNES,法國
克羅馬農人復原圖,巴黎國立自然史博物館 @2025 雕塑 ELISABETH DAYNES,法國

尼安德特人體格強健,肌肉發達;克羅馬農人則體型相對纖細,四肢修長。乍一看,尼安德塔人似乎更適合在嚴酷的冰河時期生存,但究竟是什麼決定了他們兩人的命運呢? 「第二章:尼安德塔人與克羅馬農人」將透過石器、裝飾品等考古遺跡揭開這一謎團。而被稱為「世界最著名」的「拉費拉西1號」和「克羅馬農1號」這兩個生活在同一時代的人類物種的頭骨實物,也首次在日本展出。

展覽視圖,左起第二位:La Ferrassie 1(尼安德特人)© MNHN 巴黎國立自然史博物館。左起第三位:Cro-Magnon 1(克羅馬農人)© MNHN – JCDomenech 巴黎國立自然史博物館。

「拉費拉西1號」於1909年在法國拉費拉西岩洞中被發現,是一具近乎完整的尼安德塔人骨骼,生活在距今4.5萬至4.3萬年前。 「克羅馬農1號」也是在法國克羅馬農岩洞的公路建造過程中發現的,據信是生活在距今2.8萬至2.7萬年前的人類。即使只是快速瀏覽一下展出的頭骨,也能發現頭骨長度、顴骨寬度和眉骨突出程度的顯著差異,因此,這是一個近距離比較兩者的絕佳機會。

La Ferrassie 1(尼安德特人) © MNHN 巴黎國家自然歷史博物館
克羅馬農人 1(克羅馬農人)© MNHN – JCDomenech 巴黎國立自然史博物館

據稱,在地下發現的 La Ferrassie 1 號屍體提供了證據,證明尼安德特人有埋葬死者的習俗,而尼安德特人傳統上被認為是野蠻人,文化水平低於克羅馬農人。

展覽現場

連接第二章和第三章的走廊裡,有一段視訊展覽,講解了冰河時期的基本知識,對初學者來說一定很有吸引力。此外,還有一個角落可以觸摸動物毛髮和牙齒的化石。描摹猛獁象和野牛牙齒獨特的輪廓,想像它們吃什麼以及牙齒形狀的由來,也是一件很有趣的事情。

第三章「冰河時期的日本列島」介紹了據信在大約38,000年前就已經抵達日本的人類的生活,以及當時生活的動物的生活,包括日本滅絕最多的三種動物——瑙曼象、矢部鉅鹿和日本長耳虎牛。

展覽現場。前景為瑙曼象(完整骨架[複製品]),栃木縣立博物館藏品/(右門牙、左下顎第三臼齒、右股骨化石[原件]),野尻湖瑙曼象博物館藏品
湊川神[原作],東京大學博物館
在距今7萬至2萬年前的末次冰期,氣候顯著變冷,冰蓋和冰川的發育將地球上的大部分水都凝固了,導致日本列島的海平面下降了60多米。據說當時日本列島的面貌與今天大不相同,北海道與歐亞大陸相連,本州、四國和九州組成了一個巨大的島嶼,被稱為古本州島。在如此多樣化的日本列島南北延伸的環境中,現代人類形成了豐富的地域特徵。

這次比較展覽展示了古代本州島晚舊石器時代中期石器的地域特徵,展出了從岩手、大阪和鹿兒島遺址出土的石器,但其中一件特別引起我們注意的是從大阪水鳥園遺址出土的石刀。

羽曳野市教育委員會所擁有的實際材料展示了國府型刀形石器與瀨戶內技術之間的關聯。
在瀨戶內地區,一種名為「瀨戶內技法」的技術被開發出來,這種技術可以批量生產形狀奇特的石片,這些石片在破碎石頭時會像翅膀一樣從衝擊點向外展開,這與世界各地使用的石刃不同。用這種瀨戶內技法製作的矛尖,被製成了被稱為「國府式刀形石器」的獨特石器。它們的出現原因尚不清楚,但即使在世界範圍內,這似乎也是一種罕見的技術。

第二個會場繼續展出“冰期-間冰期循環和植被”,其中包括一個可愛的(?)心形花粉化石的放大模型,這是一個從頭到尾都值得一看的展覽。

展覽現場。左側是滋賀縣琵琶湖博物館收藏的冷季花粉(日本五松)的放大模式。
阿巴雷魯大使出席媒體預展活動

擔任此次展覽形像大使、熱愛歷史的藝人Abareru君也給予了高度評價,他說道:“如果從入口到出口仔細觀看,大概能學到相當於50個小時科學課的知識。”“一點也不浪費!一切都值得一看!”

「這對暑假期間的獨立研究或學習來說也非常棒。地球目前面臨著各種各樣的挑戰,但我認為在冰河時代倖存下來的動物與今天的我們有一些共同之處,」他熱情地說道,並推廣了他提供的語音導覽,「如果你配合我有趣的旁白和講解觀看,你會學到100倍的知識,也會更容易理解100倍。」

特別展「冰河時期:4萬年前人類眼中的世界」將展出至10月13日星期一(國定假日)。

特別展「冰河時期:4萬年前人類眼中的世界」概要

場地 國立科學博物館(東京上野公園)
日期 2025年7月12日(週六)~2025年10月13日(週一、假日)
營業時間 9:00 – 17:00(最後入場時間 16:30)
晚上營業 博物館將於 8 月 8 日(星期五)至 17 日(星期日)和 10 月 10 日(星期五)至 13 日(星期一,國定假日)晚上 7 點休館(最後入場時間為晚上 6 點 30 分)。
※8月9日(週六)至8月15日(週五)期間,常設展開放至下午6點。其他時間,常設展開放至下午5點(休館前30分鐘停止入場)。
休息日 9月1日(星期一)、8日(星期一)、16日(星期二)、22日(星期一)、29(星期一)
成人、大學生:2,300日圓、小學生、國中生、高中生:600日元

*學齡前兒童免費。
*持有殘障人證的人士及一名護理人員可免費入場。
*如果您有學生證或其他證件,請在入場時出示。
欲了解更多詳情,請查看官方網站

主辦單位 國立科學博物館、TBS、TBS Gloudia、東京新聞
詢問 050-5541-8600(您好撥號)
官方展覽網站 https://hyogakiten.jp/

*本文內容截至報道當日為止。最新資訊請以展會官方網站為準。

文章提供: Kokosil Ueno


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「五大浮世繪大師展——歌麿、寫樂、北齋、歌川廣重、國芳」(上野之森美術館)報導。許多達到浮世繪巔峰的巨匠鉅作悉數亮相。

上野之森博物館

「五大浮世繪大師-歌麿、寫樂、北齋、歌川廣重、國芳」展於上野之森美術館(東京上野)開幕,匯集了浮世繪黃金時代五位大師的傑作。展覽將持續至2025年7月6日(星期日)。

在媒體預展前的畫廊座談會上,川崎浮世繪畫廊策展人、展覽圖錄作者山本典子登台,講解了展覽的亮點,我們將在下文中與大家一同欣賞展覽。

展覽現場

浮世繪是日本最受歡迎的藝術形式,在天明、寬政時期達到黃金時代,五位藝術家以此藝術形式而聞名,他們是北川歌麿、東洲齋寫樂、葛飾北齋、歌川廣重和歌川國芳。本次展覽將展出約140件作品,重點介紹他們在各自領域達到巔峰的代表作,例如美人肖像、演員肖像和風景畫,旨在展現他們藝術表達的獨特之處和魅力。

第1章 北川歌麿:體貼的女人

展覽分為五個章節,每個章節聚焦一位藝術家,首先登場的是喜多川歌麿

北川歌麿,《兩國橋上及橋下乘涼的人像圖》(寬政末期(1795-1800)左右)

歌麿是被江戶最著名的製作人蔦屋忠三郎發掘的藝術家,蔦屋忠三郎也活躍於目前正在 NHK 播出的歷史劇《Berabou – 蔦屋忠三郎的夢話》。

他與蔦重合作,將當時用於描繪演員的「大首繪」(以人物上半身特寫為主)的風格引入仕女畫。他成為仕女畫的領導人物,以描繪女性優雅姿態和思緒的作品風靡全球。

喜多川歌麿,《五美爭艷,兵庫屋的新娘》,約 1795-96 年

展覽主要展出描繪日常生活場景的美女肖像,如《五美爭艷:兵庫屋的花妻》,畫中描繪的並不是身著華麗服飾的女子,而是一位頭髮蓬亂、正在讀信的妓女。

在探討女性道德的《父母教誨》系列中,出現了一位衣著邋遢、小酌著酒的「爆連」(無憂無慮的女性)。美人畫(描繪美女的畫像)往往描繪當時的美人,例如受民眾崇拜的聰慧美麗的妓女,或是街頭招牌女郎,但喜多川歌麿卻在某種程度上,毫無差別地以這些截然相反的女性為模特兒。

喜多川歌麿,《父母的教訓:大眾文化指南》,約 1802 年(協和 2)

山本評論道:“歌麿的美女畫像常常被描繪成理想的女性形象,但其實他也擅長描繪這些惡毒的女人。”

喜多川歌麿對各種女性的生活習慣和風俗習慣都很感興趣,並以此為題材,涵蓋了從微笑著看著在家玩耍的弟弟的姐姐、在海邊休息的海女、哺乳孩子的山魔女等各種女性。他表示,喜多川歌麿作品的一大特色就是能夠以豐富的表現力展現出各種女性的魅力,讓人不禁想像到她們背後的故事,甚至連指尖都難以想像。

北川歌麻呂,《風龍子寶藏聯合大機關》,約 1802 年

順便一提,在前面提到的《五美爭寵,兵庫屋花妻》插圖的信裡,有這樣一句話:“我討厭模仿,我不抄襲,我是自創藝術家”,由此可見歌麿作為美人畫家的堅定自尊。如果你能讀懂草書,請務必去看看。

第二章:《東洲齋寫樂—演員畫的影響》

接下來是東洲齋寫樂。他和歌麿一樣,被蔦重發掘,成為浮世繪黃金時代的代表人物之一。在1794年5月至隔年1月的十個月裡,他創作了約145幅錦繪版畫,但隨後卻突然從公眾視野中消失,成為一個背景鮮為人知的神秘人物。

他創作了許多獨特而富有衝擊力的演員大頭像作品,其創作時期可根據其所涵蓋劇目的演出時間劃分為四個時期,風格和規格清晰。本次展出的寫樂作品中,超過一半是出自備受追捧的第一時期的大頭像作品,如此眾多的作品匯集於此,實屬難得。

前景是東洲齋寫樂的《第二代嵐龍造與放債人石部兼吉》(1794年)

山本以寫樂的早期作品之一《第二代嵐龍三的放債人石部兼吉》為例,明確證明了其作品的吸引力。

第二代嵐龍三是一位擅長演繹反派角色的演員,在這幅畫中他飾演的是放債人。畫師注意到這位演員憑藉著敏銳的觀察力,展現出獨特的寫實風格,例如他捲起袖子擺出誇張姿勢時的眼神、每根手指的緊張動作以及他緊繃的嘴角的皺紋。他說:“在沒有變焦相機或望遠鏡的時代,他能夠如此細緻地描繪,真是令人驚嘆。寫樂致力於精準捕捉演員表演的每一個瞬間。”

東週齋寫樂《尾上松助的松下啤酒廠》1794年

尾上松介的《松下酒造》中,落魄浪人凌亂的長髮和深陷的雙眼尤為突出。畫作通篇採用暗色,不僅展現了貧窮的孤獨,也刻畫了他即將死去的悲慘命運。

東週齋寫樂《中山富三郎的宮城野》1794年

當時其他藝術家都把演員理想化,但寫樂更注重寫實感和近距離觀看舞台的臨場感,而非美感,例如連女演員的骨骼結構都刻畫得像男性,他甚至不惜犧牲女性的形象。他的寫實主義繪畫展現出其他演員畫作所沒有的活力,但他對寫實的過度追求招致了當時演員本人及其粉絲的批評,據說這也是他職業生涯短暫的原因。

左起,東週齋寫樂的《道山入環:谷風、雷電、花町山、龍關、宮城野》和 1794 年(關西 6)的《道山入環:道山文五郎》

第3章“葛飾北齋-怒藍”

第三位是葛飾北齋(1760-1849)。他的名字在19世紀下半葉的日本主義運動中傳遍歐洲,在美國攝影雜誌《生活》最近進行的「過去1000年中世界上做出最重大成就的100位重要人物」調查中,他是唯一入選的日本人。毫不誇張地說,他是世界上最著名的日本畫家。

葛飾北齋《金出本忠臣藏》第10幕,文化3左右(1806年)

葛飾北齋在90年的人生中,不僅創作了木版畫,還涉獵了錦繪、摺紙版畫、手繪插畫等眾多領域,不僅描繪風景、花鳥、人物,更描繪了宇宙萬物。僅從葛飾北齋的代表作《北齋漫畫》中非凡的繪畫技巧來看,據說這部漫畫共收錄了4000幅畫作,足以讓人感受到這位70多年來一直致力於繪畫、最終自稱“瘋狂藝術家萬字”的藝術家輝煌的藝術生涯。

葛飾北齋的《北齋漫畫》第 1-14 卷,1828-1878 年

北齋創作其著名的《富嶽三十六景》系列作品時已年逾古稀,這一系列作品從各個角度描繪了富士山的景象。但若對比展出前後的作品,會發現色彩變得更加深邃濃鬱。這或許是由於顏料的變化,但這些變化也讓人感受到北齋無論年事已高,始終保持著永不放棄的探索精神和雄心壯志,也同樣令人矚目。

葛飾北齋,富嶽三十六景,山下白雨,約 1831 年(天保 2)

他的代表作之一是《富嶽三十六景:神奈川衝浪裡》 ,這幅畫大膽地捕捉了海浪高高躍起的瞬間,遠處可見富士山的形狀。

葛飾北齋,《富嶽三十六景》,《神奈川衝浪裡》,約 1831 年

山本以這幅畫為例指出,北齋作品的魅力之一就是「視覺技巧」。

有人指出,北齋有意在作品中加入一些設計,引導觀者的視線。我認為,當人們欣賞這幅畫時,他們的目光首先會被洶湧澎湃的海浪所吸引。前景中的波浪呈三角形,仔細觀察,便會發現它們與遠處的富士山遙相呼應。這幅畫的設計旨在自然地引導觀者的視線從前景的三角形移向遠處的三角形。

葛飾北齋,《富士山三十六景》,五百樂館寺的沙齋堂,約 1831 年(速度 2)

同樣,在《富嶽三十六景,五百館海齋堂》中,引導觀者視線的意圖也十分明顯。從殿堂的地板、屋頂、欄桿,到參拜者的指尖,各種線條都匯聚在背景中巍峨的富士山上。擅長西方透視畫法的葛飾北齋在這幅作品中也展現出非凡的技藝,展現了他精湛的幾何構圖技巧。

葛飾北齋,《各省名橋:三河八橋古地圖》1833-34 年
葛飾北齋,《一百個故事:嘲笑我》,約 Tempō 2-3 (1831-32)

第四章 歌川廣重-雨月雪江戶

下一位藝術家歌川廣重(1797-1858) 最初創作的是美女和演員的肖像,但他的突破性系列作品《東海道五十三次》確立了他作為風景畫家的地位。

歌川廣重,《東海道五十三次:日本橋晨景》,1833-34 年

該系列描繪了55處風景,包括連接江戶和上方的東海道沿線的53個驛站町,以及日本橋和京都的三條大橋。受十遍社一九的《東海道中膝栗毛》引發的旅遊熱潮的推動,該系列作品一炮走紅。值得注意的是,該系列的出版時間與葛飾北齋的《富嶽三十六景》系列大致相同,後者常被拿來與葛飾北齋的傑作山水畫作相提並論。

歌川廣重,《東海道五十三次:蒲原夜雪》,約天保 4-5 年(1833-34 年)

關於歌川廣重的風景畫,山本有以下評價:

「雖然是風景畫,但也描繪了當地人、旅行者、旅行的風土人情以及氛圍,營造出一種韻味。它們不僅僅是風景畫,也不僅僅是肖像,不僅僅是自然,也不僅僅是人們的生活。廣重作品的美妙之處在於,它們都融合在一起了。”

據說歌川廣重和北齋都是熱衷旅行的人。歌川廣重充分利用了當地的自然風光、氣候和生活習俗,而北齋則大膽地誇大了他所見事物的構成特質。比較他們視角和創作方向的差異頗具趣味。

歌川廣重,《弓張月,月亮二十八景之一》,約 1832 年(天保 3)
歌川廣重,《江戶百景圖:大橋陣雨》,1857 年

歌川廣重也擅長描繪日本各地的名勝,在他晚年的傑作《江戶百景》系列中,他甚至嘗試了不尋常的垂直風景畫佈局。

特別引人注目的是《江戶百景圖:龜戶梅屋》。畫中,前景中的梅枝被極度放大,梅屋的全景則被捕捉在枝葉間的空隙中,即使在垂直的畫框中也能營造出足夠的透視感。這種構圖稱為近景構圖,是歌川廣重晚年鍾愛的構圖手法。

歌川廣重,《江戶百景》,龜戶梅店,1857 年

廣重作品的一大特色在於其構圖風格多變,從與旅人相同的視角,到像鳥兒一樣從高處俯視,再到刻意將嶙峋的岩壁置於畫面中央,以表現懸崖峭壁的險峻。這種如同無人機般充滿想像力的自由空間表達,令人百看不厭。

第5章 歌川國芳 – 英雄與奇觀

第五章介紹歌川國芳(1797-1861),他與歌川廣重同齡,活躍於江戶末期和明治時代。展出作品的氛圍與以往展覽截然不同,呈現出一場氣勢恢宏、扣人心弦的戲劇。

歌川國芳憑藉《人氣水滸傳》系列作品一鳴驚人,該系列作品以大膽的筆觸營造出動感的場景,將生動的人物刻畫與絢麗的色彩完美融合。他塑造了許多日本英雄人物,並以奇幻刺激的武士畫作和叛逆幽默的漫畫風格開闢了新的領域。

歌川國芳《水滸傳一百零八英雄·白躍長俊》文政末期(1827-29)

人氣漫畫《水滸傳》一百零八勇者之一的《張順躍白浪》被譽為系列傑作,描繪了水軍將領張順落入敵陣,身中無數利箭,壯烈犧牲的場景。他怒目而視的表情和每一根豎起的頭髮,都傳達出一種隨時準備赴死的氣勢。

就像在本作品中一樣,國芳經常用華麗的紋身(irezumi)來裝飾他的角色,據說這些紋身令人印象深刻,引發了江戶的紋身熱潮。

歌川國芳,《閃電奪取的豐浦村》,1836-37(天保 7-8)

《相馬故宮》以橫跨紙張縫隙的巨大骷髏頭為主題,是一部以三都教傳的《讀本》(江戶時代流行的長篇連載小說)為原型的作品。獨特的寬螢幕三聯畫(將一系列作品視為一幅大畫面的構圖)正是歌川國芳擅長的技巧。

前景是歌川國芳創作的甲賀時代(1844-48 年)左右的《相馬舊皇居》。

這幅畫描繪了平將門皇居遺址中奇異生物的景象,但在書中的插圖中,無數個小頭骨被歌川國芳巧妙地改成了一個巨大的頭骨。此外,三聯畫的強烈效果也展現了歌川國芳獨特的創造力。

歌川國芳《坂田欣二、臼井貞光、源繼綱與怪獸們》,文急1(1861)

國芳雖然擅長描繪充滿戰鬥力的武士,但他的作品並非總是描繪驚險刺激的場面。例如, 《坂田金時、臼井貞光、源繼綱與怪獸》描繪的是源賴光的四大天王與謀劃惡行的怪獸下圍棋的場景。那些可憐的怪獸輕易被制服,而武士們卻面無表情地下棋,這種幽默的對比令人忍俊不禁。

《榮光:右無敵,左甚五郎》描繪了江戶著名雕塑家甚五郎及其周圍的雕塑。然而,作品中散落的地獄變身圖、寶刀印坐墊以及身旁的貓等國芳標誌性元素,顯示作品中出現的其實是國芳本人,與甚五郎頗為相似。

前景是歌川國芳的《榮譽:右無敵,左甚五郎》(1848年)

山本也指出,仁王、關羽等周圍雕塑的臉都是演員的漫畫。

天保維新時期,娛樂業受到打擊,浮世繪藝術家被禁止描繪演員或美女。但藝術家們仍然不擇手段地創作,尤其是國芳,他有著極強的反叛精神,即使在維新放寬之後,他仍然繼續畫形似演員的佛像,彷彿在嘲諷幕府,並以此來展現自己的才能。他是一位為平民畫畫的平民,卻以這種方式反抗權威。這就是藝術家國芳。


「五大浮世繪大師-歌麿、寫樂、北齋、歌川廣重、國芳」展將持續到2025年7月6日(星期日)。展覽的口號之一是「找到你最喜歡的!」即使你不熟悉浮世繪,我們也鼓勵你透過本次展覽來感受這五位達到浮世繪巔峰的巨匠的傑作,並找到你最喜歡的藝術家。

「浮世繪五大展——歌麻呂、寫樂、葛飾北齋、廣重、國芳」概況

日期 2025年5月27日(週二)~7月6日(週日) ※無休息日
營業時間 10:00-17:00(閉館前30分鐘停止入場)
場地 上野之森博物館(東京都台東區上野公園 1-2 號,郵編 110-0007)
詳情請瀏覽官方網站
主辦單位 上野之森博物館/富士電視台
詢問 050-5541-8600(Hello Dial 全天/9:00-20:00)
展會官方網站 https://www.5ukiyoeshi.jp/

※本文內容截至報導時為止。最新資訊請確認展會官方網站。

文章提供: Kokosil Ueno


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[上野之森博物館]「朝倉京子誕辰100週年展」訪談報道。介紹 12 件以精緻女性形象為中心的精選作品

上野之森博物館
Lisa,1994年,青銅

為紀念當代具象雕塑代表人物朝倉京子(1925-2016)誕辰100週年,於2025年5月11日(星期日)至2025年5月21日(星期三)在上野之森博物館畫廊舉辦了個人展“朝倉京子百年誕辰” 。免費入場。


朝倉京子是雕刻家朝倉文夫的次女,朝倉文夫引領了明治至昭和時期的日本雕刻界,以其出色的自然寫實表現力而聞名。

她在父親創辦的朝倉雕刻學校學習雕刻,並於1942年首次入選第五屆新文展。在日展上,她多次獲得特別入選。 1952年,年僅26歲的她成為日展最年輕、也是第一位女性評審。但她似乎為了擺脫父權社會和各種束縛,最後離開了日展。此後,她以更自由的姿態創作了許多成熟、優雅的女性形象,並確立了獨特的風格。她一直活躍在藝術界的最前沿,直至晚年,於2016年以90歲高齡逝世。

本次展覽將展出其家人在她過世後捐贈給台東區的12件精選作品,主要展出1970年後創作的青銅作品。這場展覽旨在她誕辰100週年之際,再次展現這位藝術家的魅力。上野之森美術館也是朝倉京子過世前最後一次舉辦個展的場所。

Alisa,2005 年,青銅,在入口處迎接遊客
展覽現場

根據負責本次展覽導覽的朝倉雕刻美術館(※)高級研究員戶張康子介紹,朝倉京子對作品的模特兒非常講究,有時甚至要花上幾年時間才能選出一位。適合她眼鏡的模特兒大多是年輕的外籍女性或混血女性,臉蛋小巧、四肢修長,身材勻稱。

(*) 這是朝倉文夫在台東區谷中的工作室兼住宅,朝倉京子在這裡向父親學習雕塑的基礎知識。現在作為博物館向公眾開放。

《Tsky》,1977年,青銅

「Tski」系列以大膽的造型吸引觀眾,共展出三件作品。其中一件全身像擺出奇特的姿勢,彷彿在跳舞,充分展現了雕像精妙的比例之美。雕塑家精湛的技巧體現在肌肉的對稱表現上,下半身繃緊,雙臂放鬆,展現出獨特的動態姿態,以及讓雕像踮起腳尖時所展現的平衡感。

前景是“Tski”,1978年,青銅

優雅的《帽子》是朝倉京子最得意的作品之一,一頂大帽子垂落於藝術家的眼前。雖然正面看不到她的表情,但雙手張開放在胸前的優美姿態為作品增添了一抹迷人的韻味,而且隨著視線的高度和角度的變化,給人的印像也隨之變化。

《帽子》,1976年,青銅

據戶張說,從這部作品開始,這種手勢表達就成為朝倉京子作品的重點。

雕塑家佐藤忠義曾寫道:『手確實很引人注目,如果你稍有疏忽,它們就會開始喋喋不休,變成粗俗的雕塑。 』然而,京子的作品有效地運用了手的表達方式,就像在《帽子》中看到的那樣,感覺她正在創造一個時空,當我們面對作品時,似乎在與我們對話。

前景是“克里斯汀”,2000年,青銅

現場格外引人注目的作品是朝倉京子作品中罕見的男性形象“F” (後改名為“休息” ),其原型是歌手布施明。這件作品描繪了一位忙碌的年輕歌手在空閒時間在露台上休息的場景,並於1979年榮獲第七屆長野市戶外雕刻獎。作品中,部分腳從黑色底座伸出,是雕刻家想要展現放鬆心態的意圖。

F(休息)1978年,青銅

另外,朝倉京子的作品遍佈日本各地的公共場所,這幅作品也展出於長野縣長野市的城山公園。在這片綠意盎然、如詩如畫的土地上,「休息」這個標題與作品完美契合,人物將腳趾從石台上伸到地面,彷彿在野餐般放鬆舒展,這或許能給觀者帶來一種精神上的放鬆感。

Lisa,1994年,青銅

在會場的最深處,展出的是被選為本次展覽主視覺的「麗莎」 。這件雕塑將女性自然的站立姿勢昇華,戶巴里表示,它的獨特之處在於,無論從哪個角度看,360度都「完美無瑕」

「很多時候,一件藝術品都有正面,或者說,當你站在作品前時,它就是雕塑家想要展現的那一面。京子的作品,無論從哪個角度觀看,姿勢都是固定的。京子的作品沒有人類的弱點。這件作品讓你體會到了這一點。我認為這件作品解答了雕塑對京子的意義。」

Lisa,1994年,青銅

托巴里也呼籲人們關注這件作品的底部。

顯然,讓雕塑以雙腿站立需要高超的技藝。你經常會看到一些雕塑,腳下的地面與作品融為一體。這被稱為“腳墊”,起到調節作品重心的作用。

一位雕塑家曾說過,如果留出一些“餘地”,平衡性會更容易調整,但這件作品卻沒有。京子老師的神奇之處在於,她能如此輕鬆地完成如此高難度的創作。這件作品的創作過程,是用黏土原型製作石膏模型,然後澆注青銅完成的。為了讓它像人一樣站立,並用黏土塑造形狀和平衡感,研究人體至關重要。想像一下這個過程,你會發現,京子那些時尚的作品,正是源自於敏銳的觀察力和精湛的技藝。

縱觀整幅作品,令人驚訝的是,儘管創作年代久遠,但女性形象卻絲毫沒有過時之感。這件作品之所以能成為永恆的藝術作品,原因之一在於其簡潔的時尚風格,充分展現了身體的美感。她手指插在牛仔褲口袋裡,表情莊重,卻絲毫沒有刻意追求酷炫。自然自由的女性形象,似乎與朝倉京子在當時依然以男性為主導的藝術界中努力擺脫父親庇護的形象相呼應。

展出的還有幾件抽象雕塑。原名不詳,創作年份不詳,玻璃鋼材質

最後,戶張對於朝倉京子作品的吸引力提出瞭如下看法:

「朝倉文夫的作品往往被安置在高處,所以很多作品都是仰視觀看的。而京子的作品則相反,通常被安置在與觀者相同的高度。空間與作品融為一體,營造出一種輕鬆親近的感覺,彷彿我們融入了作品之中。我認為這是一大魅力,也是他的作品至今仍被安置在戶外空間並為人們所熟悉的原因。」

朝倉京子的雕塑如同清涼劑,為城市景觀帶來一絲清新氣息。即使您錯過了本次展覽,我們也鼓勵您去東京各地探尋朝倉京子的作品,感受它們充滿活力的氛圍和普遍的美感。

朝倉雕刻美術館將於2025年9月13日(週六)至12月14日(週日)舉辦特別展「朝倉京子:誕生100週年」。這將是美術館首次展出由朝倉文雄和京子父女共同創作的雕塑空間。更多詳情,請瀏覽朝倉雕刻美術館官方網站

[參考] 可查閱過去展覽會的相關文章。
紀念朝倉文雄逝世60週年特別展:“奇妙的貓生:朝倉文雄與貓,有時還有狗”
(活動時間:2024年9月14日(星期六)~2024年12月24日(星期二))

「朝倉京子誕辰100週年展」概要

場地 上野之森博物館畫廊
日期 2025年5月11日(週日)~2025年5月21日(週三)
營業時間 10:00-17:00
入場費 自由的
博物館官方網站 https://www.ueno-mori.org/

朝倉雕刻美術館(台東區谷中7-18-10)

營業時間 9:30-16:30(16:00前入場)
休息日 週一、週四(公眾假期開放)
入場費 成人:500日圓 / 小學生、國中生、高中生:250日圓
電話 03-3821-4549
朝倉雕塑博物館網站 https://www.taitogeibun.net/asakura/

*本文內容來自訪談時。


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[東京國立博物館平成館]特別展「內容產業的風雲人物蔦屋重三郎」通報

東京國立博物館

蔦屋重三郎(1750-97),又稱“蔦屋”,是江戶時代著名的出版商。目前,位於東京上野的東京國立博物館正在舉辦特別展「蔦屋十三郎:內容產業的風雲人物」 ,該展覽與2025年大河劇《Berabou – 蔦屋榮華的夢番》相結合,該劇將以蔦屋為主角。展覽將持續到2025年6月15日星期日。

*展覽期間,部分展出作品將會有所變更。
展覽前半段:4月22日(週二)~5月18日(週日)
延展時間:5月20日(週二)—6月15日(週日)

發現歌麻呂和寫樂的江戶媒體大亨蔦屋十三郎

蔦江於 1750 年出生在吉原,這是幕府正式承認的妓院。他最初是一家租賃書店,後來成為出版商,他將自己的網絡擴大到包括武士、富裕的市民、受歡迎的演員、劇作家和藝術家,開發了媒體組合併為江戶出版業引入了各種新理念。

他緊跟時代潮流,出版了《黃頁》、《寫本》、《鏡花緣》、《浮世繪》等多種刊物,創作出許多暢銷作品。它也因培養出喜多川歌麿、東洲齋寫樂等浮世繪藝術家而聞名,他們現在被認為是世界知名的日本藝術家。

本次展覽透過展出前半部和後半部的共約250件作品,追溯當時具有巨大影響力的人物蔦江的活動,讓參觀者感受到他所創造的價值觀和藝術性。

第一章:吉原細見、Sharebon 和黃皮書的創新

第一章:“吉原大門”

展覽分為三個章節和一個附錄。在第一章的入口處,迎接遊客的是吉原大門,這是吉原紅燈區的唯一入口。

這是拍攝歷史劇《パラヴィパネパ》時使用的實際場景,據說在製作場景時參考了歌川豐春、歌川國貞、歌川廣重等人的浮世繪。門後是模仿吉原主要街道中野町的空間,成排的櫻花和路燈營造出春天的氛圍。

第一章 展覽現場
歌川豐晴的《新吉原春景》屏風,天明晚期(1781-89) – 關西早期(1789-1801),私人收藏
重要文化財產:平賀源內的《Elekiteru》江戶時代,18世紀,東京郵政博物館
※展覽前半部(後半部將展出複製品)

第一章展示了吉原指南《吉原齋民》,這是蔦江出版生涯的起點。

《吉原裁民》最初由另一家出版商出版,但存在許多問題,導致其失去信譽,包括無法跟上吉原資訊的快速變化。
相較之下,蔦首次再版的吉原報紙《硬花》,不僅利用了在吉原長大的父母的信息網絡來更新最新信息,而且還改進了版面,將妓院排列在街道的兩側,使報紙的頂部和底部彼此相對,方便讀者在街上行走時將其拿在手中。他們還透過將兩頁資訊合併到一頁來降低成本,從而為正在衰落的吉原百貨吸引了大批顧客。

Tsutaju 在其出版活動中不斷追求人們所喜歡的東西,很明顯此時它已經完全以消費者為導向。

都電聖人《新吉原齋劍》序言,1790 年 1 月(關西 2),江戶東京博物館,東京 *展覽上半場

展覽讓參觀者可以比較《吉原撰文》新舊版本之間的變化,同時也展示了為提高出版物商業價值所做的各種嘗試,例如請當時最受歡迎的漫畫作家之一三輕傳撰寫序言。

《千書一覽》 古人坊人著、北尾重政繪 1774年(安永3年)7月 大阪大學圖書館 仁長寺文庫 ※展覽期間場景會有所變換。

蔦江獨立出版的第一本出版品是《人女千本》 (1774 年),這是一部記載妓女聲譽的紀實,其中將妓女比作插花。錦繪《青樓美人合照鏡》 (1776年)由蔦江策劃,由人氣畫家北尾重政和勝川春章共同繪製,描繪了各青樓妓女在一年四季忙碌地彈奏古箏、繪畫、書法、插花等藝術和娛樂活動。

據信,這兩幅作品的資金來源都是畫中的妓女、她們的贊助人以及妓院老闆,而這些「賺錢」的作品並沒有給蔦江自己的腰包帶來太大的壓力,因此成為了蔦江的主要商業模式之一。

北尾重政、勝川俊章,《青室美人鏡》,1776年新年,東京國立博物館 ※展覽期間場景會有所變動。
前景為磯田廣隆齋的《日方若奈初紋:四葉草室內的雛鶴》(1775年)東京國立博物館 ※展覽前半部展出

蔦江展現了他出色的出版技巧,並透過可靠、標準的產品積累了經濟實力,例如獨家出版在江戶流行的淨琉璃木偶劇原版《富本節》以及大量製作寺廟學校和其他機構使用的基礎教科書《往物》。

目前已知最古老的富本正本 (Tomimoto Masamoto) 所著的《蔦 (Tsuta)》一書的再版本。中村壽介的《夫婦與酒販中》,1777年
東京大學綜合藝術係日漢文系黑木圖書館 ※展覽期間場景會發生變化

同時,該公司聘請了受歡迎的作家和插畫家,開始出版《kibyōshi》和《sharebon》漫畫等人氣文學作品。例如,法正堂吉山次的《三德一目》 (1781 年)使蔦江的名字在漫畫界家喻戶曉,三教傳的戲仿作品《盒裝少女,假麵店的美人魚》 (1791 年)則描繪了《浦島太郎》的續集,是在寬政維新時期出版期間創作的。

第二章:鏡花的崛起-蔦丸與文化人物的關係

第二章則聚焦在蔦江與鏡歌(一種模仿和歌並將諷刺和反諷融入社會狀況的短詩)的關係,鏡歌在江戶風靡一時,尤其是在天明時期(1781-89 年)。

創作歌頌江戶的鏡歌文化最初是受過教育的武士階級的一種消遣。隨著寬政改革蔓延至市民、演員、畫家等各行各業,蔦重也以「蔦唐丸」之名進入了歌謠界。在從事文學活動的同時,他也找到了新的出路,成為一名出版商,將人們讀過並丟棄的狂歌詩彙編成名為狂歌書的出版物。他與太田南步、唐衣菊秋、修羅菅江等當時的文化先驅們交流,引領了時尚發源地吉原的繁榮。

此外,蔦重還開創了一種新的鏡歌繪本類型,在先前只有文字的鏡歌書上添加了圖畫,並獨家出版。在鏡歌繪本中,由富有的鏡歌詩人為了出名而出資製作的銀質插頁繪本,其印刷華麗,採用雲母印刷、空氣印刷等技術,堪稱藝術品。

旅館老闆飯盛挑選/喜多川歌麿所繪《畫本蟲線》,1788年新年,千葉市美術館藏
*早期展覽

本章的亮點是北川歌麿繪製的京歌詩集,北川歌麿的才華被蔦江發現,而他幾乎全部受僱於蔦江。歌麿的鏡花繪本三部曲《畫本蟲泉》 (1788年)、 《潮日的綱》 (1789年)、 《百鳥鏡花和》 (1790年)分別以昆蟲、貝類、鳥類為主題,展現了歌麿素描的高精細度和敏銳的觀察力。

《十萬鳥鏡花》,赤松近慶,北川歌麻呂插畫,約1790年,千葉市美術館
*早期展覽

這裡也展出了《歌枕》 (1788 年),這是一本枕畫(春宮),據信是歌麿生前創作的。負責此次展覽策劃的東京國立博物館策展企劃部長松島雅人表示,這是該博物館150年歷史上首次展出枕骨畫。

北川歌麻呂的《歌倉》(詳情),1788 年,東京浦上總急堂
*展覽前半部(後半部將展出不同的書籍)

作品由12幅大型橫向錦繪版畫組成,描繪了茶館中男女之間錯綜複雜、微妙的互動,包括混亂和談判的場景,其中《茶館二樓》這幅畫被認為特別美麗。 (圖片僅供參考)
畫中描繪的是一段暗戀,雖然女子是從背後看去,看不到表情,但從女子撫摸男子臉頰的動作可以看出她對男子的愛意,而男子的右眼從女子的髮髻下探出,顯得平靜而清醒;男人和女人之間交織在一起的意圖以及那一刻的真實感簡直令人驚嘆。

對於這幅畫,松島評論道:“雖然無法得知歌麿作畫時的想法,但觀者可以想像出兩人之間不同的情感,可見畫作的層次和深度。”

第 3 章:“探索浮世繪藝術家:歌麻呂、寫樂與永正齋朝喜”

第 3 章追溯了蔦江出版生涯後半段的活動,從寬政時期(1789-1801 年)他進軍浮世繪版畫開始。展覽將展出西村屋與八、若屋與一等其他出版社出版的作品,以及代表被稱為浮世繪黃金時代的 18 世紀後期浮世繪世界的傑作。

歌川豐國的《舞台上的演員肖像》(1794年)
平木浮世繪基金會,東京 *展覽前半部分
鳥居清長的《Kodakara Gosetsu-yu Jōshi》(分娩的四個季節:Jōshi),約 1794-1795 年(東京國立博物館)
*早期展覽

蔦穂發現了喜多川歌麿、東洲齋寫樂、永松齋鐘喜等著名藝術家,並策劃出版了充分發揮他們魅力的浮世繪。當時,各種出版商都在嘗試浮世繪的新方法,但蔦十番的作品的特點是,它們採用了“大頭像”的構圖,大膽地將人物的臉部特寫,這是演員畫中經常使用的一種風格,而美女畫則以全身像為美女。

左邊是喜多川歌麿的《現代舞者:鷺鴞少女》(1793-1794),東京國立博物館
*早期展覽

美人畫的代表人物歌麿與蔦重聯手,運用「大頭畫」技法,細緻刻畫人物的表情和動作,連感情都表現出來的表現手法廣受歡迎。此外,他先前的美女肖像畫主要以妓女為主,但現在也開始創作以普通女性為主題的作品。

喜多川歌麿,《十大女子肖像畫:彈奏流行樂器的少女》,約1792-1793年,東京國立博物館藏品 ※展覽上半場展出
北川歌麻呂的《三位美女》,約 1793 年,平木浮世繪基金會,東京
*早期展覽

例如, 《三美人》 (1793 年)描繪了寬政時期浪川家的流行海報女郎:沖田、高島大笠和富本豐奈。乍一看,這些臉似乎都一樣,但仔細觀察後,你會發現每幅肖像都捕捉到了眉毛、眼角、鼻子和輪廓的微妙個性。

由於美女肖像一般都描繪了各個時代理想的面容和體型,因此這種將現實主義帶入幻想世界的嘗試,在某種意義上是極具開創性的。

右邊是榮正齋長紀的畫作《井筒中館:藝子阿吹屋布施也》(1792-1793),東京國立博物館。 *展覽上半場展出。
永松齋長長《四季美人圖:雪中美人與侍女》約1792-1794年 東京國立博物館
*早期展覽

東洲齋寫樂在第三章的結尾被重點介紹。寫樂是日本最傑出的浮世繪藝術家之一,但實際上他的活躍期只有大約 10 個月。他是個神祕的人物,如彗星般出現在江戶,然後又消失得無影無蹤,留下了140多件藝術作品。

他是蔦江為了壟斷演員插畫事業而發掘的明星,其代表作全部由蔦江出版。繼歌麿的美女肖像畫和大頭演員畫作的成功之後,他首次以一本出版物的形式亮相,出版了 28 幅印在黑雲母上的華麗大版錦繪版畫,涵蓋了戲劇作品的劇目。

左起為“第三代大谷鬼次的江戶兵衛”和“第一代市川男三的彌子一平”
兩者都是重要文化財產。東洲齋寫樂的書法,1794 年。東京國立博物館收藏。 *展覽上半場展出。

其中之一就是大谷鬼次三世 (1794) 的江戶兵衛,大多數人可能都至少見過一次。這是《戀愛女友醒來手綱》中的一個場景,描繪了江戶兵衛準備攻擊一平以從他那裡偷走一些錢;他雙手的獨特姿勢捕捉到了他即將脫下夾克的瞬間。結合其對聯畫《初代市川男造藥光一平》 (1794年)的悲劇表現,作品散發出一種極其緊張的氣氛,與黑雲母版畫的深色背景相得益彰。

重要文化財產 東洲齋寫樂《第三代佐野川:市松祇園町白衣女子與市川富右衛門的蟹坂藤真》 1794年 東京國立博物館 ※展覽前半部展出
重要文化遺產:東週齋寫樂《四世松本耕四郎主演的三亞五郎兵衛酒屋》
1794年,東京國立博物館*早期展覽

寫樂的畫風一般被說成是變形,但實際上可以說是高度寫實主義的風格,他毫不留情地暴露面部特徵,不僅描繪出演員自己想要隱藏的皺紋和法令紋,甚至連女性角色的骨骼結構也一併表現出來。

當時,其他藝術家都以一種美化的方式描繪演員。不難想像,蔦江已經預料到這種寫實的表現方式會成為一種新趨勢,但許多熱愛歌舞伎的人都夢想著自己喜歡的演員能夠扮演這些角色。寫樂的畫作過於寫實,不僅不受粉絲歡迎,就連演員本人也不喜歡,始終沒有流行起來。

無論結果如何,這些反映現代人內心想法的錦繪版畫,代表了出版商蔦重在人物表達方面以及浮世繪方面的一個里程碑。

附錄:“天明·寬政時代的江戶城”

附錄:展覽現場

18 世紀下半葉的江戶,蔦重創立了他的書店和出版社“幸書堂”,當時的江戶正值經濟和文化蓬勃發展的時期,發展成為一個堪稱“大江戶”的迷人城市。

附錄中,歷史劇《Berabou》的藝術團隊重現了當時日本橋地區的街景。除了展示日本橋四季的CG影像外,館內還展出了劇中使用的道具、佈景素材,講解了江戶文化是如何融入故事的。

請注意,您只能拍攝徽章,但不能真正進入大樓。

附錄:展覽現場
附錄:展覽現場
附錄:展覽現場

本次展覽旨在盡可能地喚起江戶的氛圍。該劇每週都會展示蔦江製作的出版物,許多原版也將在會場展出,因此熱衷於該劇的觀眾可能會發現許多新發現。

特別展「蔦屋重三郎:內容產業的驅動力」概要

場地 東京國立博物館平成館
日期 2025年4月22日(二)~2025年6月15日(星期日)
*展覽期間,部分展出作品將會有所變更。
營業時間 上午 9:30 至下午 5:00 *每週五、週六開放至晚上 8:00 *休館前 30 分鐘停止入場
休息日 週一
入場費 請查看展會官方網站。
主辦單位 東京國立博物館、NHK、NHK宣傳
詢問 050-5541-8600(您好撥號)
展會官方網站 https://tsutaju2025.jp/

*本文內容為訪談時的最新內容。最新資訊請關注展會官方網站。


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關於重新開放的下町博物館的報告。可體驗東京都心文化與傳統的博物館更新展品

台東區博物館


下町風俗資料館於1980年開館,旨在將東京下町的美好舊時光的文化和傳統傳承給後代,接待了包括訪日外國遊客在內的眾多遊客。由於設施老化而進行大規模翻修,該博物館自 2023 年春季起關閉,但現在已以新名稱「下町博物館」重新開放。

※關於下町風俗資料館的過去情況,請點這裡⇒
https://www.culture.city.taito.lg.jp/ja/reports/29750

下町風俗資料館外觀

此次大規模改造,展覽面積由原侷限於一、二樓擴大至三樓。也增設了哺乳室、無障礙廁所等新設施,讓更多人能享受到便利。

一樓的展覽室重現了1950年代市中心的街景。故事的原型是位於台東區坂本市金杉通(現為根岸三丁目)的燈籠店的一角。坂本市在關東大地震和東京大空襲中倖免於難,直到最近幾年,這裡還保留著許多古老的街道和建築。您可以進入實體大小的公寓大樓,體驗當時的生活方式和氛圍。

1樓複製展覽室
1樓複製展覽室

改建前重建的展覽以大正時代為藍本,但根據博物館研究員近藤武史介紹,他們決定徹底改造內容,以紀念博物館開館 40 多年來的首次大規模改建。

「我們之所以決定將展覽時間設置在 20 世紀 50 年代,也就是 60 到 70 年前,是因為我們想鼓勵當時的人們帶著家人來參觀展覽,並進行這樣的對話,『哦,原來這個工具是這樣使用的』」,近藤說道。

此外,金杉通還保留著許多圖紙等研究資料,而作為展覽核心的五十嵐燈籠店的老闆五十嵐先生仍然健在,並能提供各種形式的合作,這也是該模型的決定性因素。
(雖然建築已經重建,但五十嵐燈籠店仍在營業。)

1960年代,由於關東大地震後地區和街道的再開發,以及戰後重建帶來的經濟快速成長,市中心的生活品質似乎有所提升。展覽區內設立的大螢幕播放著懷舊風格的動畫電影,讓人回想起當時的金杉通。

大螢幕

影片中,主幹道兩旁排列著“表手公寓”,這些公寓是商業和住宅建築,內設商店、餐廳、美容院等,有電車和汽車沿路行駛,還有賣蔬菜的手推車和拉麵攤。影片傳達了這樣的理念:在新時代的浪潮中,傳統的生活方式仍然蓬勃發展。影片刻意沒有使用背景音樂,而是透過強調電車運行聲、鳥兒鳴叫聲等環境聲音來增強真實感。

影片隨著時間變化,從早上到中午到晚上,
依季節不同,會交替推出「春夏版」和「秋冬版」。
五十嵐燈籠店

即使電力和燃氣等基礎設施已經發展起來,燈籠仍然是舉辦許多節日的市中心地區不可或缺的必需品。五十嵐燈籠店自江戶時代末期就開始營業,店內重建了組裝和刻字燈籠的工坊。那裡有一排排圓形的節日燈籠、用於固定燈籠頂部和底部的鐵砧和錘子,以及用於添加文字和顏色的畫筆。

工作坊

館內收藏的家居用品、家具等基本上都是由當地居民捐贈的,因此有磨損的痕跡。這個博物館的吸引力之一是您可以觸摸物品並感受它們的質地和重量。 (搬運時請小心輕放。)

在生活空間裡,你還可以看到一台黑色的電話,在當下復古時尚的熱潮中,它悄悄流行起來。
巷子既是通道,也是生活空間。
它也是孩子們的遊樂場和居民社交的場所。

起居空間和廚房一直延伸到車間的後方,如果你從廚房的後門出去進入小巷,你會看到對面的「後巷」建築。除了從家到工作地點通勤的手工藝人和辦公室職員之外,後巷裡還居住著街頭紙芝居說書人等小販,展覽重現了紙芝居說書人的住所。

後巷有一個入口和一個後門,相鄰。
載著紙芝居舞台的自行車
舞台上的抽屜裡有便宜的零食。

入口處的階梯上擺放著用來存放廉價糖果的玻璃罐和木盒。紙芝居說書人靠著向前來觀看說書的孩子們出售廉價糖果為生,但在無法講書的下雨天,孩子們有時會來到他們家裡討要廉價糖果。

一間四張半榻榻米的房間
廚房

如果仔細觀察展品,就會發現就像動畫中描繪的日常場景一樣,既有新舊元素的融合,例如「廚房裡有瓦斯爐,也有正在使用的炭火烤架」。據近藤說,他特別注重現這段過渡時期的氛圍。當小學生進行實地考察時,他們有時會以遊戲的方式讓他們學習,要求他們“想想在燃氣爐發明之前我們用什麼做飯,並嘗試找到具有相同功能的物體!”

二樓為常設展覽室,可以了解從明治時代到1950年代以台東區為中心的市中心的歷史與文化。

二樓:介紹展

一進門,就看到一個介紹展覽,屏幕上播放著兩種視頻:一種是以西洋雙陸棋遊戲的形式追溯台東區歷史的視頻,另一種是介紹支持我們祖先生活的日常用品的視頻。此外,銀幕前的舞台上也展示電影中出現的日常生活實物,依照「衣」、「食」、「住」、「商」、「業」等類別排列。

「最初,我們的想法是挑選並展出代表下町博物館的藏品中的一件。然而,即使作為策展人,也很難明確定義‘下町’的概念,而且不可能僅用一種材料來表達。因此,為了更好地展現‘下町’,我們將作為家庭聚會中心的矮腳桌(傳統的餐桌)置於中心,並將物品以散佈的方式擺在我們周圍的方式,我們所決定的方式就擺在我們周圍。

收集日常用品

展出的物品種類繁多,從今天孩子們熟悉的餐桌和招財貓,到令和時代已經完全消失的玻璃捕蠅器和商人會計辦公室用來存放銷售收入的存錢罐。觀察這些未知的工具並想像它們的各種用途也很有趣。

接下來,展覽分為「1.江戶時代以來的市中心文化與生活」、「2.關東大地震與復興」、「3.戰爭時期的生活」、「4.從廢墟中重新開始」、「5.邁向經濟的快速增長」和「6.與我們台東區息息相關的生活」。回顧隨著每個時代的重大變革,街道景觀、生活方式等發生了什麼樣的變化。

在展覽室中央的空間,每年的活動相關展覽會根據季節變化而改變。
訪談時的主題是「櫻花」。
改造後,打造了一個與牆體融為一體的展覽空間,
材料的呈現方式也比以前更引人注目。
每個時代的主題都透過照片和插圖介紹。這種結構甚至連小孩都很容易理解。

以前在設施入口處迎接遊客的「自動電話」(後來成為公用電話)也出現在該地區,成為市中心變化的象徵。日本第一部自動電話於1900年安裝在上野站和新橋站。

「自動電話」(明治時期)
《上野~淺草區間建設概要》(1927年/東京地下鐵株式會社)等

雖然很容易被忽視,但抽屜裡隱藏著各種文件,所以一定要檢查一下。例如,台東區是1927年日本第一條地鐵(現在的銀座線)經過的地區,《上野~淺草間建設概要》就是一本概括當時地鐵建設概要的小冊子。目前的銀座線是從淺草到上野,然後在新橋向西轉向澀谷,但有趣的是,文件指出,最初的計劃是從新橋到禦成門,然後再到品川。

「防空頭罩」(1930 年代)、「防毒面具」(1930 年代)等
淺草人氣「娛樂百貨」「新世界」相關資料

新開放的三樓區域設有特別展覽室和市中心資訊角落。

企劃展覽室的展品每年更換三次,大約每四個月一次,紀念首次企劃展覽的主題是「繁華的都心是怎樣的城鎮?」本書首先探討了下町是怎樣的一個城鎮,從它在東京下町的建立(最初建立時,台東區似乎不包含在下町內)到它的擴張,以及生活在那裡的人們的職業和性格。

3樓特別展覽室「下町是什麼樣的?」展覽(至2025年6月29日)

鄰近的下町資訊角落設有一個名為「下町資料搜尋」的觸控螢幕終端,可供遊客了解更多有關博物館收藏的資料。

如果你對一樓的複製展品或二樓的介紹展品感興趣或有什麼不明白的地方,那麼你可以放心來這裡。您還可以查看未展出材料的數據,這將有助於您的學習和研究。
(這取決於繁忙程度,但如果您對材料有任何疑問,策展人會很樂意為您解釋。)

「下町文件搜尋」畫面

還可以自由體驗劍玉、臉、松風陀螺、算盤、秤等舊玩具和日常用品,長椅還可以用作休息區。透過大窗戶可以一覽不忍池的全景,是欣賞櫻花、蓮花、秋葉等四季景色變化的絕佳地點。

市中心資訊角
從窗戶看到的不忍池

下町博物館一定會為從兒童到老人的各個年齡層的人們提供各種各樣的發現和樂趣。經過重大改造後,博物館煥然一新,但近藤說,博物館從下町博物館時代繼承下來的一件事是,遊客的真實生活故事總是出乎意料

「這些展品就像催化劑一樣,讓參觀者回憶起當時的情景時感到興奮,並說『哦,發生了那件事!』或者祖父母將自己親身經歷的知識傳授給孫輩,其他來訪者聽到後也紛紛點頭附和……這樣的場景我們每天都能看到。自然而然地,你會聽到一些文獻中沒有記載、只有親身經歷過的人才能獲得寶貴的信息。

這裡非常適合在不忍池散步後快速遊覽,何不順便去看看呢?與整修前一樣,街頭紙芝居表演、傳統工藝展示等活動將繼續舉辦,因此請查看官方網站以了解時間表等詳細資訊。

下町風俗資料館概要

營業時間 9:30-16:30(16:00前入場)
休息日 每週一(如遇假日則改為下一個工作日)、年末年初、特殊分類期間等。
入場費 成人300日圓(200日圓)、小學生、國中生、高中生100日圓(50日圓)
*括號內的價格適用於 20 人或以上的團體。
地點 東京都台東區上野公園2-1 110-0007
使用權 從京成本線上野站步行3分鐘
從 JR、東京地鐵銀座線、日比谷線上野站步行 5 分鐘
電話 03-5846-8426
官方網站 https://www.taitogeibun.net/shitamachi/

*本文內容為訪談時的最新內容。請查看官方網站以獲取最新資訊。


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[訪談報告]「我們從哪裡看西方繪畫?」展覽在國立西洋美術館開幕。提出從各個角度欣賞作品的方法

國立西洋美術館
展覽場景

「我們從哪裡看西洋畫?——從文藝復興到印象派:聖地亞哥藝術博物館 vs. 國立西洋美術館」(俗稱「我們從哪裡看它?」展)在東京上野國立西洋美術館開幕活動將於 2025 年 3 月 11 日至 6 月 8 日舉行。
我參加了之前舉行的新聞發布會,所以我想分享一些會場的照片。

場館入口
展覽視圖,前景是彼得·保羅·魯本斯和他的工作室,聖家族與聖弗朗西斯、聖安妮和嬰兒施洗者約翰,約。 1625,聖地牙哥藝術博物館
展覽場景,由左至右:華金·索羅拉 (Joaquín Sorolla) 的《拉格蘭哈的瑪麗亞》,1907 年,聖地亞哥藝術博物館; 《瓦倫西亞海灘》1908 年,聖地亞哥藝術博物館; 《飲水壺》1904年,國立西洋美術館

兩家博物館的收藏互動,從不同角度探索其吸引力

展覽匯集了聖地牙哥藝術博物館和美國國立西洋美術館的藏品共88件,追溯了從文藝復興到19世紀末600年間的西洋美術歷史,並提供了欣賞作品的技巧。

聖地牙哥藝術博物館是美國西部最早全面收藏西方古典繪畫的藝術博物館之一,因與西班牙殖民者建立的聖地牙哥有著文化和歷史淵源,所以收藏以西班牙藝術為主。

展覽囊括了多幅西班牙藝術傑作,包括「bodegón」(西班牙靜物畫)之父胡安·桑切斯·科坦的《靜物與榅桲、捲心菜、甜瓜和黃瓜》以及埃爾·格列柯、蘇巴朗、索羅拉等人的作品。來自聖地牙哥藝術博物館的49件藏品均為首次在日本展出

另一方面,國立西洋美術館擁有東亞地區唯一的西洋畫綜合收藏館。策展人河瀨優介(國立西洋美術館首席研究員)這樣介紹此次展覽的背景:

「在僅由從一家博物館借來的作品組成的藝術展中,即使可以欣賞到每件作品,也往往很難了解藝術家的個性或藝術家在藝術家藝術生涯中的地位等背景。國立西洋美術館的常設展也是如此。因此,這次,我們決定合併兩家博物館的藏品,將同一藝術家或主題的作品分組排列,進行更深入的藝術。展覽的舉辦旨在以易於理解的方式傳達西方美術的有趣世界。

第一章展覽,由左至右:Luca Signorelli,聖母加冕,1508 年,聖地牙哥藝術博物館;喬托,《天父與天使》,c. 1328-35,聖地牙哥藝術博物館
第一章展覽,由左至右:安德烈亞·德爾·薩託的《聖母子》,約 1516 年,國立西方藝術博物館;卡洛·克里維利的《聖母子》,約 1468 年,聖地亞哥藝術博物館

正如川瀨所說,展覽實際上分為 36 個子主題。例如,第 1 章探討了從喬托到博斯(工作室)意大利和低地國家(今比利時和荷蘭)文藝復興時期繪畫的發展,將喬爾喬內(1477 / 78-1510)和雅格布丁托列托(1518-1594)的作品並列為“威尼斯文藝復興時期肖像”。

第一章展覽,由左至右:雅格布·丁托列托《偽裝成大衛的青年男子肖像》約 1555-60 年,國立西方藝術博物館 / 喬爾喬內《男子肖像》1506 年,聖地亞哥藝術博物館

喬爾喬內三十多歲就去世了,因此留存的文獻非常少,他的一生依然籠罩在神秘之中,但他被認為是威尼斯繪畫盛期文藝復興風格的創始人。他的《男子肖像》 (1506 年)現藏於聖地牙哥藝術博物館,雖然尺寸不大,但卻是文藝復興時期肖像畫的傑作之一。對身體特徵的精確描繪和柔和的陰影實現了革命性的真實感。

另一方面,丁托列託在喬爾喬內去世後與提香、委羅內塞並列為16世紀威尼斯繪畫三大大師。展覽將聖地牙哥藝術博物館藏喬爾喬內的《老人肖像》 (約1550年)和國立西洋美術館藏的《大衛像》 (約1555-1560年)與喬爾喬內的作品並列展示,並附有說明文字,展示了丁托列托如何發展喬爾喬內的透過色彩漸變來表達的技巧。

西班牙最重要的靜物畫家的傑作即將登陸日本,他曾對戈雅和畢卡索產生影響

第二章按地區介紹了17世紀巴洛克藝術的特點,並展示了展覽的亮點——胡安·桑切斯·科坦(Juan Sánchez Cotán ,1560-1627)的《靜物與榅桲,捲心菜,甜瓜和黃瓜》(約1602年)。

第 2 章,胡安·桑切斯·科坦 (Juan Sánchez Cotán),《靜物與榅桲、捲心菜、甜瓜和黃瓜》,約 1602 年,聖地亞哥藝術博物館

16 世紀末至 17 世紀初,靜物畫開始在整個歐洲獨立創作,在西班牙,一種被稱為“bodegón”的靜物畫風格得到了特別發展,這種風格以與食物和餐桌相關的主題為特色。桑切斯·科坦(Sánchez Cotán)是1600年前後活躍於托萊多的一位畫家,他設計了一種獨特的構圖技巧,將少量常見的蔬菜和水果(如這幅作品中所示)排列在石框上,並用類似聚光燈的燈光照射它們,以突出明暗對比。它為西班牙靜物畫樹立了持久的典範。

策展人邁克爾布朗(聖地亞哥藝術博物館歐洲藝術策展人)評論這幅作品的吸引力時說,“乍一看,這似乎是一個簡單的構圖,但中心的一處黑暗空白卻散發著無限的元素和一種神秘而不可觸及的氛圍。”

河瀨表示,在桑切斯·科坦現存的六幅靜物畫中,這幅畫“最為均衡,是他的傑作,清晰地表達了桑切斯·科坦獨有的莊嚴與寧靜”, “這幅作品來到日本,本身就是一件大事”。

第二章展覽,胡安范德阿門《靜物與水果籃與獵鳥》,約 1621 年,國立西洋美術館

比較西班牙的靜物畫,有繼桑切斯·科坦之後的代表人物胡安·范德阿芒特(Juan van der Ament ,1596-1631)的華麗而裝飾性的《水果與野禽靜物籃》 (c.1621),以及因畫了許多聖人肖像而被稱為“僧侶”的《巴蘭科·德·齊蘭科( Francisde (c.1635-40)喚起人們安靜的冥想和祈禱。無論從構圖還是手法上,他們都明顯地繼承了桑切斯·科坦的傳統。

第 2 章展覽,由左至右:弗朗西斯科·德·蘇巴朗《聖弗朗西斯在洞穴中祈禱》約 1658 年,聖地亞哥藝術博物館 / 《聖多米尼克》1626-27 年,國立西部藝術博物館 / 《聖傑羅姆》約 1640-45 年,聖地亞哥藝術博物館

此外,展覽還展出了藝術家本人的4件作品,包括其拿手好戲——大型單人畫《聖多米尼克》 (1626-27年)以及其成熟時期的慈悲傑作《聖母子與聖約翰》 (1658年)。它簡潔地闡述了他的藝術生涯的演變,從深刻的雕塑現實主義到甜美的理想化表達,彷彿被一層光的面紗籠罩著。他的作品總是瀰漫著一種優雅、寧靜的氣息,讓人感受到藝術家一貫的美學意識。

第二章展品,前景是埃爾·格列柯的《懺悔中的聖彼得》,約 1590-95 年,聖地亞哥藝術博物館
第二章展覽,由左至右:安東尼奧·德·貝利斯 (Antonio de Bellis),《手拿歌利亞頭顱的大衛》,約 1642-43 年,聖地亞哥藝術博物館;格爾奇諾,《手持歌利亞頭顱的大衛》,約 1650 年,國立西方藝術博物館藏

真實的威尼斯與想像中的羅馬:義大利城市風景畫朝不同方向發展

第 3 章重點介紹引領 18 世紀藝術的義大利和法國繪畫的發展,並研究每種流派的特徵:風景畫、肖像畫和風俗畫。這裡正在展出威尼斯和羅馬城市景觀的引人注目的對比展。

18世紀的英國及阿爾卑斯山以北的國家流行“壯遊”,上流社會的子弟為了獲取文化知識,遊歷歐洲各個城市,其中包括歐洲文明的發源地意大利。他們回國時尋找的紀念品之一是城市景觀畫,或稱為“vedota”,這種畫作在“大旅行”的兩個主要中心威尼斯和羅馬十分盛行。

第三章展覽,由左至右:貝爾納多·貝洛托 (Bernardo Bellotto),《從威尼斯聖馬可灣看到的莫洛牆》,約 1740 年,聖地亞哥藝術博物館;弗朗西斯科·瓜爾迪,《從南面看大運河和里亞托橋》,約 1775 年,聖地亞哥藝術博物館

威尼斯城市風景畫方面,展覽將展出貝爾納多·貝洛托(1721-1780)與弗朗西斯科·瓜爾迪(1712-1781)的作品,他們與加納萊托並稱為威尼斯風格三大大師。每件作品都以高度現實主義的方式捕捉了這座宏偉水城的標誌性風景。而羅馬的展覽,雖然同樣位於義大利,卻不再對特定地點的再現,而是呈現了一個現實與虛幻交織的懷舊世界。

第三章展覽,由左至右:Hubert Robert,《想像中的羅馬風景:蒙特卡瓦洛巨像和大教堂》、《想像中的羅馬風景:馬可·奧勒留的騎馬雕像、圖拉真柱和聖殿》,1786 年,國立西方藝術博物館

例如,被稱為“廢墟中的羅伯特”的於貝爾·羅伯特(Hubert Robert ,1733-1808)在其兩幅風景畫中,就將實際上位於不同地點的著名古代作品聚集到了一起,如卡比托利歐廣場上的馬可·奧勒騎馬雕像和圖拉真柱,其中還包括一座想出來可能是他憑空的神廟。由於人物身著 18 世紀的服裝,作品強烈反映了當時人們想要欣賞古老建築廢墟的視角。

這些畫作被稱為城市景觀畫中的“Capriccio”(奇幻畫作)。羅馬的城市景觀中有許多搖搖欲墜、風化的廢墟和歷史建築,似乎成為畫家的重要靈感來源,畫家自由奔放的思想激發了旅行者的想像。威尼斯變得真實,羅馬變得幻想。由此可見,地域特徵對於某一繪畫流派的興盛有多大的影響。

透過兩位女畫家卡佩和貝諾伊斯特了解從洛羅科到新古典主義的轉變

第三章中,有兩位女畫家瑪麗-加百列·卡佩(Marie-Gabrielle Capet ,1761-1818)和瑪麗-吉耶米娜·伯努瓦(Marie-Guillemine Benoît ,1768-1826)的肖像畫對比展,清晰地展現了18世紀秩序、新銳主義的純正、新鮮主義的經典風格。

第三章展覽,由左至右:瑪麗·加布里埃爾·卡佩《自畫像》,約 1783 年,國立西方藝術博物館 / 瑪麗·吉爾米納·貝諾伊斯特《女人肖像》,約 1799 年,聖地亞哥藝術博物館

從18世紀下半葉起,法國開始湧現女性藝術家,卡佩和伯努瓦都是代表性畫家,她們的名字均在1791年的沙龍(官方展覽)中展出,這是法國大革命後女性首次被允許參加展覽。

在卡佩的自畫像(約1783年)中,年輕的藝術家身著華麗的藍色連身裙,戴著典型的洛可可風格的絲帶和捲髮,而年輕藝術家注視著我們的表情是如此明亮和歡快,讓人難以停止凝視。你可以看到他的自信,就好像他對自己的技能感到自豪。相較之下,伯努瓦的《女子肖像》 (約 1799 年)則明顯展現出新古典主義傾向,其尋求從古典藝術中汲取的靈感,其古典風格的白色襯裙以及雕塑般、穩定的身體描繪。

不僅作品本身的品質很高,而且就像上面提到的城市景觀畫一樣,很容易知道應該看哪裡來欣賞展覽,因此對於初學者來說這是一個必看的展覽。

柵欄的繪畫方式如何改變繪畫的印象?

第四章聚焦在19世紀人物形象的多樣性,其中展出了印象派畫家的「樹籬表面」的比較展,這多少讓人有些驚訝。

第四章展覽,由左至右:卡米耶·畢沙羅《站立對話》約 1881 年,國立西洋美術館,松方收藏 / 西奧多·羅賓遜《入侵者》1891 年,聖地亞哥藝術博物館

展覽的重點是樹籬圖案,這是鄉村地區的常見特徵,曾在卡米耶·畢沙羅(1830-1903)的作品中出現。畢沙羅是最年長的印象派畫家,他離開巴黎去研究蓬圖瓦茲周圍農民的生活,而美國畫家西奧多·羅賓遜(1852-1896)則在莫奈居住的西爾維尼學習藝術技巧。書中闡述了柵欄如何與人物心理聯繫,以及如何有效地利用柵欄作為創造空間的裝置。

由於展覽提出了從這個有些小眾的視角欣賞藝術品的方式,即使是希望深入了解西方藝術的中級和高級愛好者也可以期待有一些新的發現。

第四章展覽,由左至右:威廉·阿道夫·布格羅《牧羊女》1885年,聖地牙哥藝術博物館 / 《溪邊》1875年,國立西洋美術館(由井內收藏館借出)

不拘泥於思維,隨心所欲欣賞-藤岡靛的電影欣賞方式

展覽的語音導遊藤岡靛 (Dean Fujioka) 也出席了新聞發布會。

藤岡靛

回顧語音導覽的錄製過程,藤岡說:「如果像『Koko Miru展』那樣過於強勢,意圖就會改變。在會議期間,我被告知了作為判斷標準的關鍵點,例如不同時代的背景、社會氛圍、宗教觀點、如何選擇要繪製的主題、觸感和繪畫方法,我用自己的方式進行解讀,希望將它們作為一種指導和導航來傳達。」

他也提出了自己的觀影方式,他說:「我覺得當你創作自己的故事時,它會產生你自己的視角,以及你在每一天、每一刻的享受方式。(當主持人問這是否意味著你先面對作品,然後再與自己的內心情感對話)說得更直白一點,是的。這就像在你的腦海裡不斷循環著笑話和回應。」

「宗教主題和背景多種多樣,有些作品具有相當多的諷刺潛力。我試著以一種隨意的方式欣賞它們,不受任何限制,」他繼續說道。看著蘇巴朗的《聖多明尼克》,他以獨特的視角描述了藝術家的魅力,“他仰望天空,雙手擺出可愛的心形姿勢”,引得在場觀眾大笑。

藤岡模仿聖多明尼克擺出同樣可愛的姿勢

另外,展覽期間還將舉辦為期四天(夜間開放日)的「夜見妖怪」活動。如果您穿著自己的風格並宣布您被邀請參加晚會,您將獲得一張原創明信片,因為展覽中有許多令人著迷的人物。會場內還設有拍照區,以及面具、扇子等「晚會拍照道具」。
*詳細行程及注意事項請查看展會官方網站

語音導遊的解說員日比·馬諾科(Hibi Manoko)假扮卡佩的自畫像來宣傳這次活動。 *這純粹是一場演出,遊客不得穿著不適合觀賞博物館藝術品的服裝。

除本次展覽外,從聖地牙哥藝術博物館借來的五幅畫作也在永久收藏中展出,其中包括戈雅的《維森特·瑪麗亞·德·維拉·德·阿拉貢,拉羅卡公爵》(約 1795 年)。如果您持有當天有效的「Dokomiru展」門票,則可以免費參觀常設展覽,所以千萬不要錯過。

「我們該從哪裡看西方繪畫?——從文藝復興到印象派:聖地亞哥藝術博物館 VS 國立西方藝術博物館」摘要

日期 2025 年 3 月 11 日星期二 – 2025 年 6 月 8 日星期日
場地 國立西洋美術館(東京上野公園)
營業時間 9:30~17:30(每週五、六至20:00)
*最後入場時間為休館前 30 分鐘。
休息日 5 月 7 日,星期一、星期三
*但是,博物館將於 3 月 24 日星期一、5 月 5 日星期一(國定假日)和 5 月 6 日星期二(假日)開放。
入場費(含稅) 成人:2,300日圓、大學生:1,400日圓、高中生:1,000日圓

※國中生以下、身體或精神殘障人士及陪同人員1人免費(需出示學生證或年齡證明、殘障證明)
*展覽門票還包含參觀當天的常設展覽的門票。
更多詳情,請留意官方票務頁面

主辦單位 國立西洋美術館、聖地牙哥美術館、日本經濟新聞、TBS、TBS Gloudia、東京電視台
詢問 050-5541-8600(你好撥號)
展會官方網站 https://art.nikkei.com/dokomiru/

*本文內容為訪談時的最新內容。最新資訊請關注展會官方網站。

文章提供者: Kokosil Ueno


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[上野之森博物館] 2024年度「森林展」頒獎典禮報告台東區長稱讚該作品「是一件展現出豐富表現力和個性的精彩作品」。

上野之森博物館

2024年「森林展」於2025年3月7日星期五至3月11日星期二在上野之森博物館舉行。


台東區正在進行“殘疾人藝術計畫”,支持殘疾人參與文化和藝術活動,並促進對殘疾人的理解。作為這項工作的一部分,由台東區和上野之森博物館聯合舉辦的「森林展」旨在透過為殘疾人提供展示作品的機會,幫助他們發現參與藝術的樂趣。

展覽場景
展覽場景

雖然有作品必須是平面的並且可以在牆上展示的限制,但作品的主題和形式通常是自由的。今年是該比賽第四次舉辦,參賽作品面向在台東區居住、學習或工作的殘疾人,或使用區內殘疾人設施或組織的殘疾人。

展覽場景
展覽場景
展覽場景

本次展覽也將頒發獎項給美術、書法專家評選為特別優秀的作品。比賽評審包括武藏野美術大學校長樺山由一、書法家高雄社會長吹野政信、上野之森美術館館長坂本章美,以及擔任兼職評審的藝術工作坊講師上久保京子和吉永晴彥。從投稿的274件作品中,最後選出「台東區長獎」1件、「上野之森博物館獎」1件、「優秀獎」3件、「優秀獎」6件,並於3月8日舉行了頒獎典禮。

台東區區長 服部幸雄

頒獎典禮在台東區區長服部正男的致詞中拉開序幕。 「你們的作品都非常精彩,真正展現了你們豐富的表現力和個性。我希望這個獎項能夠激勵你們繼續創作更多作品。」他鼓勵獲獎者,並呼籲參觀者“感受創作者的個性和才華,以及作品中傾注的想法,我希望這將成為你們進一步加深對殘疾理解的機會。”

上野之森美術館館長宮內正芳

接下來,上野之森博物館館長宮內正義上台。他在致詞後談到了對此次展覽的感想,他表示:“我們的博物館旨在讓更多的人體驗到創作的樂趣和展示的興奮,我們的目標是成為一個尊重每個人的個性和情感的藝術交流場所。我們打算繼續與台東區合作,將這次展覽發展成一個通過多種表達方式加深相互理解的場所。”

書法家、高雄社社長吹野政信

另外,書法家兼貴勇社理事長吹野政信也作為評審代表進行了點評。

「我們評審們對274件作品進行了逐一審閱,並與老師們進行了討論,最後通過投票選出獲獎作品。我想補充一點,有些作品雖然最終沒有獲獎,但我還是投了票,所以作品的內容並不一定有優劣之分。」談到評選過程,他這樣解釋自己選擇獲獎作品的理由:

「我們寫書法時會用到墨水。墨水是黑色的,但根據書寫方式的不同,可能會變成灰色,或者成品看起來是白色。我嘗試將這三種顏色混合在一起,即使是在黑色中,但除此之外,我還會思考應該如何寫這件作品。例如,我會在寫作時思考是否應該用有力還是溫和的方式表達某種東西,所以它們展出最後,他勉勵大家:“希望大家在家人的支持下,明年繼續努力。”

頒獎典禮

隨後,在獲獎者家屬和嘉賓的祝賀下,大會為獲獎者頒發了證書和獎品,頒獎典禮在和諧的氛圍中圓滿結束。

作家佐藤基在其作品《貓》旁高舉得獎證書,作品榮獲台東區區長獎。

以單色水彩畫《貓》榮獲台東區長獎的佐藤基表示,自己是經就讀的機構介紹才來參加這次展覽的。這是他第二次參賽,他笑著說:“作品能展出就很有趣,能獲獎也讓我很驚喜。”

他說他喜歡可愛的動物,這部影片捕捉到了一隻貓用一種眼神看著他的瞬間,那種眼神彷彿在說:「你要給我食物嗎?」雖然乍一看銳利的眼睛可能顯得很嚇人,但藝術家卻特別注重表現一種柔軟、蓬鬆的外觀。對於未來的計劃,她表示:“比起特殊的地方,我更想拍攝和畫下那些讓我感到‘哇’或覺得可愛或美麗的日常生活場景。”

上野之森美術館獎「收據」與藝術家關口宗榮

榮獲上野之森博物館獎的關口宗榮的《收據》是一幅以大小各異、色彩繽紛的收據為特色的傑作。關口原本喜歡收集收據,在他經常光顧的機構的工作人員建議將收據製作成藝術品後,他決定創作一件藝術品。這些物品都是關口最珍貴的回憶,例如他和家人外出時吃過的食物,以及他最喜歡的便利商店裡的熱小吃。顯然藝術家用他最喜歡的顏色塗上了多層顏料,色彩的厚度傳達了他感情的強度。

此外,為了籌備本次展覽,藝術指導員也造訪了該區17個殘障設施並舉辦了工作坊。在那裡創作的作品也進行了展出,包括水彩畫、蠟筆畫、色鉛筆畫和拼貼畫。

得獎作品《我在不忍池邊散步》的作者渡邊彰和美術老師吉永晴彥。這件作品是在一次研討會期間創作的。

藝術家兼藝術講師吉永晴彥在這次展覽上再次觀看了這些作品,感慨道:「親眼觀看作品,我被作品中散發出的能量所感動。」在研討會上,我們專注於創造一個讓參與者集中註意力並融入遊戲元素的環境。他說,他也注重場地的氛圍,以便緊張的氣氛不會扼殺藝術家的自由創作慾望或每個人所擁有的天賦。

「看到參加研討會的人們全神貫注,我感到非常鼓舞。相反,我總是感覺自己從他們身上獲得了能量。最讓我高興的是聽到『時間過得真快』或『我今天感覺很累』這樣的評論,」吉永說。

此外,即使人們對自己想要創作的作品沒有具體的要求,在許多情況下,可以透過在不讓他們被資訊淹沒的情況下提供潛在的起點,或者在創作過程中共同努力,來支持他們拓展想像。其目的是“始終發現新的樂趣”,因此即使在同一設施舉行研討會,也不會變得單調乏味。從他們的話語中,我們可以看到,在這場充滿多元藝術表現的展覽中,幕後人員的努力支撐著它的魅力。

(照片正面)優秀獎「幸福美滿」翼下課後俱樂部
榮譽獎:Ayumi Kunioka 的《鯨鯊》、榮譽獎:Katsuhiro Shimada 的《太空船》

部分獲獎作品將在台東區政府一樓的藝廊展出至4月18日星期五,所以一定要去看看。

2024年「森林展」概況

日期 2025 年 3 月 7 日(週五) – 2025 年 3 月 11 日(週二)
場地 上野之森博物館
入場費 自由的
得獎作品名單 https://www.culture.city.tatoto.lg.jp/ja/shogaisha_arts/morinonakanotenrankai/r06

*本文內容截至訪談時(2025年3月8日)。

 


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[採訪報道]「米洛展」在東京都美術館開幕。展覽將展出包括「星座」系列在內的約100件20世紀大師的傑作。

東京都美術館

一場回顧與畢卡索、達利並列西班牙三大大師的畫家胡安·米羅70年創作生涯的大型展覽,在東京上野的東京都美術館開幕。活動將於 2025 年 3 月 1 日至 7 月 6 日舉行。

*本文中的照片是在新聞預展時獲得許可拍攝的。

場館入口

胡安·米羅(1893-1983)是西班牙加泰隆尼亞畫家,20世紀20年代作為超現實主義的主要人物之一而聞名。他以豐富多彩且獨特的詩歌風格而聞名,其中他將自然界中的圖案(例如太陽、星星和月亮)描繪為象徵性符號,但直到 90 歲去世,他仍在追求純粹和普遍的藝術,以新的表現形式挑戰自己。他被認為是20世紀最具影響力的藝術家之一。

胡安·米羅(摘自展覽面板)

本次展覽匯集了米羅的代表作《星座》系列以及代表其早期至晚年各個時期的繪畫、陶瓷、雕塑等作品約百件,全方位地介紹了米羅的整個藝術生涯。該計畫是為了響應米羅逝世40年後重新評價米羅的全球潮流而開展的,據說是自1966年米羅在世時合作舉辦的展覽以來,日本最大規模的回顧展。

展覽共分為五個篇章。

年輕人米洛因未能獲得父親推薦的會計工作而病倒。 1912年,米羅重返藝術學校,研究最新的藝術趨勢。
在第一章「年輕的米羅:對藝術的決心」中,有作品展現了米羅在這一時期嘗試了立體主義、野獸派,以及被當時的前衛藝術家視為父親的塞尚等多種繪畫風格,探索著自己的表達方式。

裝置視圖:“Forêt de Vibre”,1910 年,胡安·米羅基金會,巴塞隆納(存款)
展覽場景:自畫像,1919 年,巴黎國立畢卡索博物館

米羅留下了許多以羅伊格山的動人風景為主題的作品,包括他的早期傑作《棕櫚樹的房子》 (1918 年)。蒙特羅伊格是米羅藝術信念得以堅定的地方,也是他一生創作的源泉,是他深化藝術思考的地方,也是他重新確認加泰隆尼亞人身分的地方。本作品是米羅所謂「細密畫派時期」的代表作品,他放棄了先前對其影響很大的野獸派風格,開始注重精細細節的描繪。

展覽現場:棕櫚樹屋,1918 年,馬德里索菲亞王后國家博物館

1920年,米羅終於如願來到了藝術世界的中心巴黎,這座城市的現代氣息和前衛藝術深深吸引了他。

受到與當地超現實主義作家和詩人的互動的啟發,他開始對一種遠離具體性的、更具詩意的表達風格感興趣。 1925 年至 1927 年間,米羅創作了 100 多幅“夢境畫”,他在代表空虛的廣闊背景中添加了無定形的動態線條,用它們作為象徵來展示夢境的進展。在其中《繪畫=詩》系列中,他將無形的詞語、短語當作主題來描繪,不與具體的物體區分開來,使其擺脫了原有的角色。

第 2 章「蒙特羅伊——巴黎:從鄉村到先鋒派之都」介紹了自 20 世紀 20 年代以來的這些活動。 「夢幻畫作」轟動了巴黎畫壇,米羅也成為了名副其實的著名超現實主義畫家。

展覽場景:從左到右:繪畫(吸煙男子的頭部)和繪畫(頭部和蜘蛛),均為 1925 年,馬德里索菲亞王后國家博物館
展覽現場:繪畫 = 詩歌(愛上我的栗色頭髮女孩的幸福)1925 年,胡安·米羅基金會,巴塞隆納(存款)

《荷蘭室內裝飾 I》 (1928 年)是米羅深受 17 世紀荷蘭繪畫影響的作品,以亨德里克·索爾夫的《琵琶演奏者》(1661 年)為基礎創作。展覽還設有展示索爾夫原創作品和本作準備草圖的面板,透過對比可以發現,索爾夫將日常生活中的自然場景變成了平面色彩和有機形態的超現實世界,消除了任何立體感和透視感。

展覽現場:荷蘭室內裝潢 I,1928 年,紐約現代藝術博物館

1936年西班牙內戰爆發,米羅流亡海外,並在隨後的第二次世界大戰期間繼續孤獨地創作,躲避戰爭的蹂躪。
第三章「逃離與詩學:以戰爭時代為背景」重點介紹了傑作「星座」系列,該系列是他於 1940 年從巴黎逃到諾曼底的一個村莊時開始創作的,並在從馬略卡島到蒙特羅伊格的途中完成。

展覽現場:晨星,1940 年,胡安‧米羅基金會,巴塞隆納

星座系列是紙上而非畫布上的一系列小幅水粉畫。據說他刻意逃避殘酷的現實,從廣闊美麗的星空和莫札特、巴赫的音樂中尋求慰藉,並以此為靈感畫出超越現實的希望之畫。此次展覽展出的作品總計 23 幅,其中三幅為《晨星》、《女人與鳥》以及《蝸牛磷光蹤跡指引下的夜景》 (1940 年)。該系列以建立米羅的象徵體係而著稱,但由於每件作品都分散在世界各地,因此這是一個難得的機會將多件作品放在一起觀看。

展覽現場:《蝸牛磷光蹤跡指引的夜景》,1940 年,費城藝術博物館

另一方面,自1928年前後,米羅開始對藝術的商品化和對藝術家的過度關注進行批判,並產生了「謀殺繪畫」的衝動。漸漸地,他開始發展出一種可以稱為反藝術或反繪畫的風格,例如拼貼畫和與繪畫無關的材料和元素共存的物品,例如本章中介紹的《無題(夜之戀人) 》(1934 年),其中衛生紙被粘貼在鋁箔上。他繼續質疑傳統繪畫表達的本質。

展覽場景:從左到右,繪畫(蝸牛、女人、花朵、星星)和無題(夜晚的戀人),均為 1934 年,馬德里索菲亞王后國家博物館

1947年,米羅首次訪問美國,受委託繪製壁畫,但早在六年前,他在美國就已聲名鵲起,紐約現代藝術博物館還舉辦了他的作品回顧展。在此期間,米羅受到了傑克遜·波洛克等年輕藝術家的啟發,回到日本後,他開始對各種創作活動產生興趣,包括蝕刻畫、石版畫、與工匠合作製作的陶瓷以及雕塑。
第四章「夢想工坊:內省與新創作」追溯了 1950 年代和 1960 年代戰後的發展。

第四章 展覽現場
第四章 展覽現場

順便說一句,雖然米羅的許多作品都有簡潔的標題,但他實際上喜歡賦予標題和作品之間的關係一種俏皮和詩意的感覺。 《一隻紅蜻蜓追逐一條向彗星盤旋的蛇》 (1951 年)就是一個典型的例子;它的描述性標題引導觀眾的目光沿著屏幕移動,誤導觀眾試圖找到彗星、蛇和紅蜻蜓,就像那條盤旋的蛇一樣。激發這種好奇心的是鮮豔的配色,蜿蜒的線條和怪誕的描繪,所有這些都是米羅的手段。我對其構思的巧妙程度感到驚訝。

展覽場景:紅蜻蜓追逐盤旋彗星的蛇,1951 年,馬德里索菲亞王后國家博物館

本章也展示了他在 1956 年完成期待已久的馬略卡島大型工作室之後,受到美國抽象表現主義巨幅畫作的影響,他的作品如何變得越來越大。大型繪畫《太陽前的人物》 (1968 年)是米羅視覺語言的巔峰之作之一,其靈感來自日本畫家僧侶仙井義本的作品,他使用圓形、三角形和正方形的形狀來表達宇宙。

米羅很早就對日本產生了興趣,在 1966 年訪問日本期間,他意識到自己與日本傳統藝術以及日本藝術家的理念有著密切的聯繫。這幅作品以其自信的筆觸讓人聯想到書法,是米羅東方情懷的重要體現,這也是約 40 年來它首次在巴塞隆納以外的地區展出。

展覽場景:由左至右:《月光下飛翔的鳥兒》,1967 年,納哈邁德收藏;《太陽前的人物》,1968 年,胡安·米羅基金會,巴塞隆納

第五章「走向繪畫的本質」展示的是他晚年(20 世紀 70 年代至 80 年代)創作的作品。儘管米羅已牢固確立了自己世界知名大師的地位,但即使到了晚年,他仍然繼續審視自己的作品,並毫不猶豫地進行大膽和非傳統的實驗。

例如, 《燒焦的畫布 2》(Burnt Canvas 2,1973 年)是一系列五幅畫作中的一幅,在這些畫作中,白色畫布被大力澆上油漆,踩踏,用刀劃破,最後澆上汽油並點燃。這幅作品並非一時衝動的創作,而是旨在探索隱藏在燒焦的畫布和紙張的物質性中的美感,同時也傳達出一種永不消退的能量和強烈的反叛精神,反對將藝術視為高雅文化,反對將藝術貶低為單純的財產。

展覽現場:《燒焦的畫布 2》,1973 年,巴塞隆納胡安·米羅基金會(存放)

晚年的米羅也開始運用更貼近身體動作的筆觸。在他的三聯畫《煙火I、II、III》 (1974年)中,其形象與水墨畫相似,他猛烈地潑灑顏料,然後用畫筆在因重力作用而滴落的顏料痕跡上塗抹。受美國抽象表現主義畫家的影響,他的技巧是讓新的作品透過偶然的機會出現,從而指導他的創作過程。這是作品首次在日本展出。

展覽場景/前景為《煙火 I、II、III》,1974 年,巴塞隆納胡安·米羅基金會

第 4 章和第 5 章也探討了米羅透過海報創作所做出的積極的社會、政治和文化承諾。

1960、70年代,也就是西班牙佛朗哥獨裁統治的最後時期,米羅創作了大量海報,表達那些幾乎沒有機會公開表達自己意見的社會大眾的希望和要求。他還表示,“藝術家是在別人沉默時,大聲說出來的人”,而此次展覽也強調了米羅作為藝術家的立場,即他從事研究事業並不只是為了表達自己的興趣。

展覽場景/前景:“巴薩足球俱樂部成立 75 週年”,1974 年,胡安·米羅基金會,巴塞隆納

畫家米羅是如何在整個20世紀投身於前衛藝術並且確立自己的風格的同時又不斷使自己處於創作張力之中的?歡迎您來本次展覽親身體驗這一探索過程以及這種獨特的藝術的魅力。

「米洛展」概況

場地 東京都美術館特別展覽室
日期 2025 年 3 月 1 日(週六)至 2025 年 7 月 6 日(週日)
營業時間 9:30-17:30,週五至 20:00(最後入場時間為閉館前 30 分鐘)
休息日 5 月 7 日,星期一、星期三
*但是,該設施將於4月28日星期一和5月5日星期一(國定假日)開放。
入場費(含稅) 成人2,300日圓、大學生、專科學生1,300日元、65歲以上1,600日元

※3月1日(週六)~16日(週日)僅限大學生、專修生免費。
※持有身體障礙者證、戀愛證、康復證、精神障礙者保健福利證、原爆受害者健康證的人員及其陪同人員(最多一人)免費。
*18 歲以下及高中生以下免費。

詳情請查看官方網站售票頁面

主辦單位 東京都美術館(東京都歷史文化基金會)、胡安·米羅基金會、朝日新聞社、朝日電視台
詢問 050-5541-8600(你好撥號)
展會官方網站 https://miro2025.exhibit.jp/

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文章提供者: Kokosil Ueno


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[報道] 特別展「舊佐賀皇居、大覺寺」在東京國立博物館開幕。欣賞 100 多幅屏風畫作的壯麗景色

東京國立博物館

位於京都佐賀的大覺寺,自平安京遷都後,作為觀光勝地受到朝廷和貴族的喜愛。
其前身是平安初期嵯峨天皇(786-842)所建的離宮嵯峨院,876年在其女雅子妃的請求下改建為寺廟,創建了大覺寺。從那時起,歷代天皇和皇室成員都曾在這座享有盛譽的寺廟中擔任門跡(住持),這座寺廟後來被親切地稱為「佐賀御所」。

2026年是大覺寺創建1150週年,東京國立博物館為迎接這一天,舉辦了「舊佐賀皇居大覺寺~皇居相關繪畫大全~」紀念展,展出了大覺寺的所有珍寶。展覽將持續到 2025 年 3 月 16 日星期日。

※未註明地點的作品均為大覺寺作品。
*部分作品將被替換。未列出展覽時間的作品將在整個展覽期間展出。
第一期:2025年1月21日(二)至2025年2月16日(星期日)
第二展期:2025年2月18日(二)至2025年3月16日(星期日)
*本文內容為訪談時的最新內容。最新資訊請關注展會官方網站。

入口

會場分為四個部分,第一部分「嵯峨天皇與空海~從嵯峨院離宮到大覺寺」展出了描繪大覺寺早期歷史的藝術品。其中特別引人注目的是“五大明王像”,象徵著大覺寺信仰的核心-五大明王信仰

五大明王是密宗中的五位佛明王,即不動明王、禦三世、群陀利、大義德、金剛夜叉。相傳其起源於中國唐代,而傳入日本則是從唐代歸來的空海開始。喜愛唐文化的嵯峨天皇與空海也是好友,在空海的敦促下,嵯峨天皇在別墅內的手佛堂中供奉了五大明王的像。

重要文化遺產 明庵《五王像》 平安時代 安元 3 年(1177 年)
重要文化遺產 明庵製作的「五大王軍都明王像」 平安時代安元 3 年(1177 年)

雖然當時的佛像已失傳,但信仰卻代代傳承下來,大覺寺至今仍保有三座「五大明王」佛像。其中兩件正在展出。其中之一就是大覺寺的本尊,是由緣派佛教雕刻家明圓在後白河天皇的宮殿中創作的,明圓在平安時代後期為皇室和高級貴族創作了許多佛像。雖然外表嚴肅、憤怒,但其豐滿的體格卻散發著精緻的優雅,是一件融合了力量和優雅的傑作。另外值得注意的是,這是唯一現存的明庵。

五大天王像:不動明王像、軍刀像、大義像為重要文化財產,由尹真於文紀元年(1501 年)室町時代製作;禦三瀨像和金剛夜社像為江戶時代(17-18 世紀)製作

另一尊是從京都清涼寺五大堂搬來,高約 2 米,十分氣勢磅礴。其中三尊雕像據信是由室町時代佛教雕塑家印心製作的,兩尊雕像是在江戶時代修復的。

第 2 章「明治維新的開創者後宇多天皇 – 佐賀皇居的起源」主要講述後宇多天皇 (1267-1324) 的功績。 「大覺寺大殿群」中所展示的當時龐大寺院群的面貌,正是後宇多天皇被稱為「大覺寺復興的開山祖師」的原因。

「大覺寺建築群」 江戶時代,18-19 世紀

後宇多天皇是真言宗的虔誠信徒,出家後在大覺寺擔任阿闍梨(上師),在培養弟子的同時留下了許多聖訓和書法。展覽中也展出了多件珍貴的御書法(天皇親筆書寫),包括記錄對空海崇敬的國寶《豪田天皇禦書 弘法大師生平》和記錄有關佛教密教迴向儀式的各種理論的《豪田天皇禦書 迴向印明》

國寶「後田天皇手跡 紅法大師生平」 鎌倉時代 1315 年(昭和 4 年) 展覽前半部分

大覺寺作為從後佐賀天皇開始的皇室(大覺寺系,後來的南朝)的根據地,寺院規模龐大,設施完善,但是從南北朝時期開始就陷入戰亂,在應仁之亂等一系列災難中,寺院的大部分建築被燒毀。第3章「天皇與宮廷文化」介紹了當時支持大覺寺的歷代天皇和住持的功績以及他們所帶來的宮廷文化。

源氏物語(大覺寺版),室町時代,16 世紀
《十種香盒配嫩松漆畫》(細節)江戶時代,19 世紀

本篇的看點之一是同時展示「臼杵(冰丸)」與「鬼切丸(鎧切)」兩把刀。

由左至右:重要文化遺產“太刀 □多田款(以淺綠色(Kneemaru)而聞名)”,鎌倉時代,13 世紀 / 重要文化遺產“太刀 康綱款(以鬼切丸(Higekiri)而聞名)”,平安至鎌倉時代,12 至 14 世紀,京都北野天滿宮
重要文化遺產 「署名 □Tada 的太刀(著名的淡綠色「Kneemaru」)」 鎌倉時代、13 世紀

「Usu Midori (Kneemaru)」 的刀刃寬大、大膽、彎曲,並具有小而不規則的刀刃圖案,這些圖案以低角度硬化。受到源氏家本係賴光、義經、賴朝等人的高度重視,並傳給了大友、田原、西園寺等家族以及安井門跡,最後傳到了大覺寺。鬼切丸(Higekiri)的刀身略窄,刀刃優雅,中間呈曲線,刀紋粗獷。鎌倉幕府滅亡後,此神社落入新田義貞之手,經過殺死義貞的司馬高經及其子孫最上家,最終捐贈給北野天滿宮。

基於「精心打造的寶劍擁有超越人類理解的精神力量」這一信念,這些「兄弟劍」也與各種超自然傳說有關。它的傳說與源氏家族的興衰息息相關,二口寶珠不僅象徵著源氏家族本脈的正統性和權威性,而且人們還相信它能引領其主人走向勝利。這將是兩者首次在東京共同展出。配備了專門的展示櫃和展示架,方便您欣賞美麗的刀片。

《光之綠劍傳說》江戶時代,17-18 世紀
第四章 展覽現場

第四篇章「皇后宮觀門畫-主臥與皇帝宮殿」是本次展覽的亮點。位於大覺寺中心的親殿是後水尾天皇賜予的親殿式建築,由1620年入主宮廷的和光(東福門院)的宮殿移建而成。西北面的「清心殿」是安土桃山時代建造的書院式建築,作為歷代住持的住所。

室內裝飾的約240幅推拉門和障子畫,大部分都是安土桃山時代至江戶時代的代表畫家剋野山樂(1559-1635)所作所為,他曾為豐臣氏和九條氏效力。目前,該畫正在進行歷時14年的大規模修復,本次展覽將以修復部分為重點,共展出兩個時期的畫作123幅(早期100幅,晚期102幅)。據說,如此規模的物品被帶出寺廟尚屬首次,其壯觀景象必將令人著迷。

展覽中展示了正式的「禦貫之間」房間的複製品,據說後宇多天皇曾在這裡以隱居天皇的身份統治國家。
重要文化遺產《牡丹》(共 18 幅),作者:徠野山樂,江戶時代,17 世紀
重要文化遺產《松與鷹》(共 13 幅),作者:徠野山樂,安土桃山至江戶時代,16 至 17 世紀,展覽前半部分

裝飾主臥室鷹室的 13 幅松鷹畫是山樂的花鳥水墨畫傑作,在一塊長長的畫布上描繪了一棵巨大的松樹和一隻勇敢的鷹。粗壯起伏的樹幹和蜿蜒曲折的樹枝所營造出的動態感以及整體的平衡感,可能會讓人想起東京國立博物館所藏的檜木屏風,它是由山樂的老師得野永德 (1543-90) 創作的。

重要文化遺產《紅白梅圖》(八幅之一),作者:徠野山樂,江戶時代,17 世紀

《紅白梅圖》(8 幅)是山樂最偉大的作品之一,裝飾著新田殿的紅梅室,是現實主義和裝飾主義的完美結合,大樹在整個銀幕上的顯示方式也顯示出永德的影響。另一方面,這兩幅作品的描繪風格都比永德的粗獷豪放風格更為柔和、溫和,這表明山樂在繼承了大師的特色的同時,也提煉出了自己獨特的風格個性。

重要文化遺產 渡邊子規《野兔》 江戶時代 18 世紀
重要文化遺產《野兔》(共 12 幅),作者渡邊子規,江戶時代,18 世紀

正殿內廊下部障子屏風上的 12 幅畫作名為“野兔”,是由江戶時代中期畫家渡邊子規 (1683-1755) 創作的,他師從徠野派和尾形光琳。據說這幅畫是近衛家廣為了安慰他的兒子而委託創作的。

會場內的特設商店出售以「野兔畫」中的兔子為主題的可愛鑰匙圈。 (目前已售完)

特別展「舊佐賀皇居大覺寺~皇居相關繪畫的豐富多彩~」將舉辦至2025年3月16日,讓遊客能夠沉浸在大覺寺的悠久歷史和優雅氛圍中。

紀念創作1150週年特別展「舊佐賀皇居大覺寺~皇居相關繪畫大全~」概要

日期 2025 年 1 月 21 日(星期二)至 2025 年 3 月 16 日(星期日)

*展覽期間,部分展出作品將會有所改變。
展覽前半部:1月21日(星期二)~2月16日(星期日)
展覽下半場:2月18日星期二至3月16日星期日

場地 東京國立博物館平成館(上野公園)
營業時間 9:30-17:00
*最後入場時間為休館前 30 分鐘。
休息日 週一(2月10日、24日開館)、2月25日(週二)
主辦單位 東京國立博物館、大覺寺、讀賣新聞、日本電視放送網、BS日本電視台
詢問 050-5541-8600(你好撥號)
展會官方網站 https://tsumugu.yomiuri.co.jp/daikakuji2025/

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文章提供者: Kokosil Ueno


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【國立科學博物館】特別展覽「鳥」報道報道。 600餘件標本大館藏,基因組分析最新研究揭示鳥類魅力

國立科學博物館
展會風光

鳥類大約分為11,000個物種,是陸地脊椎動物中數量最多的物種,並且在世界各地的各種環境中繁衍生息,包括天空、地球、水,甚至極地。日本的鳥類分類以日本鳥類學會出版的《日本鳥類目錄》為基礎,時隔12年進行了首次修訂。

目前正在東京上野國立科學博物館舉辦的特別展覽“鳥類:基因組分析揭示的新鳥類譜系” (持續至2025年2月24日)根據基因組譜系的最新分類解釋了多樣性。魅力,包括它們令人驚嘆的生態。展出了 600 多件鳥類標本,是國立科學博物館歷史上規模最大的展覽,適合從初學者到鳥類愛好者再到狂熱的觀鳥者的廣泛人群。

在會場入口處,迎接您的是兩隻象徵鳥類美麗和可愛的小鳥。左起:國立科學博物館的印度孔雀(Phaseriformes)標本剝製標本 / 國立科學博物館長尾山雀(長尾山雀亞種,雀形目)標本剝製標本
展會風光

擔任本次展覽總監督的西海功先生(國立科學博物館動物研究部研究主任)在開幕前的新聞發布會上談到了舉辦本次展覽的意義。

「鳥類在生態係金字塔中發揮著多種作用,例如,食花蜜的鳥類參與授粉,食種子的鳥類參與種子傳播,它為各種無法自己打洞的生物提供了棲息地。如鳥和貓頭鷹。近年來,許多鳥類的數量有所減少,有些瀕臨滅絕,我相信在考慮全球環境時,了解鳥類並適應它們是極其重要的。

西凱認為,在所有動物中,鳥類特別容易受到環境的影響。保守估計,由於人類活動,已有1430個物種滅絕,這意味著12%的物種已經滅絕。作為本次展覽的前奏,設置了一個以“滅絕”為主題的專區,可以感受到策展人“最重要的是,我們希望人們了解鳥類的現狀”的強烈願望。

鳥類滅絕專區展示有1920年在對馬收集的大型啄木鳥、紅耳啄木鳥等,其雄性和雌性是最後滅絕的。
以多種方式進化的鳥類翅膀的比較展覽。翅膀適合快速逃離掠食者,而翅膀適合長距離移動。
也根據化石骨骼標本和其他材料解釋了導致現代鳥類的進化過程。 /恐爪龍化石骨架(複製品),國立科學博物館

本次展覽的一大亮點是展示了真人大小的桑德斯佩拉戈爾尼斯模型,這是歷史上最大的飛鳥,生活在約2600萬年前,翼展長達7公尺。

Pelagornis sandersi 真人大小的活體模型,國立科學博物館
與上面相同。它的骨架讓人想起鵜鶘和信天翁等海鳥,但最新的理論是它屬於鹿角鴨家族。

該模型的監督者Takanobu Hiji先生(國立科學博物館) 「據我們目前所知,這是歷史上最大的飛鳥。」考慮到這隻鳥的潛力,根據它的身體結構,我們不知道它能有多大。 「我接受了挑戰。恢復它是因為我想我想探索化石中已知形狀的多樣性,例如它們是否可以飛行,以及形狀的限制。

犀鳥展覽。許多鳥類,例如紅頭犀鳥和大尾犀鳥,喙上都有獨特的突起,稱為木桶。

本次展覽最吸引人的特點就是標本數量之多。

根據西貝介紹,他們從國立科學博物館收藏的約3000件標本中精心挑選了最美麗的標本。與日本唯一專門研究鳥類的博物館-我孫子市鳥類博物館和姬路博物館合作展出了來自世界各地的600多件鳥類標本。這個展覽的口號是“你可以看到值得一生珍藏的鳥類!” ,但作為指導,如果你能觀察到超過400種鳥類,就可以說你是一個相當有經驗的觀鳥者了。

近年來,獼猴桃因其可愛而越來越受歡迎。 / 小斑點奇異鳥(幾維形目)標本剝製標本,國立科學博物館
世界上最大的鴿子-大鴿子,重約2.5公斤,分佈於新幾內亞島,其冠羽狀似孔雀,似花邊。 / 鴿子標本,國立科學博物館
達爾文雀的高品質鳥雕作品集,達爾文雀生活在加拉巴哥群島,根據所吃的食物進化出不同的喙形狀和身體大小。

可愛的鳥、獨特的鳥、稀有的鳥。有這麼多樣的物種,無論您要尋找哪種鳥類,您都一定會從中獲得樂趣。

「企鵝聚會」區

場館依照分類序排列,其中亮點是企鵝序展和「企鵝聚集」專區。

展出的是現存 18 種企鵝目中 11 種的 15 件標本。雖然有些標本具有獨特的姿勢,例如帝企鵝正在註視著它的雛鳥,但也有一些標本在其排列中講述了一個故事,例如一群海角企鵝和麥哲倫企鵝凝視著同一個方向,彷彿它們對企鵝感興趣。風景連貫,有動物園的氣氛。

海雀(Ploveriformes)標本,國立科學博物館

它看起來像企鵝,但它是一個完全不同的家族,有趣的是它隨意地與海雀混在一起,海雀是鴴科的成員。雖然企鵝的分佈僅限於南半球,但據說海雀等與企鵝類似的不會飛的鳥類即使在北極也經歷了趨同進化(*)。

(*) 當來自不同譜系的生物體放置在同一環境中時,它們會獲得相似的特徵和功能,例如鯊魚(魚類)、海豚(哺乳動物)、鳥類的翅膀和蝙蝠(哺乳動物)的翅膀。

大賊鷗(Ploveriformes)的標本剝製標本,國立自然科學博物館。

當你看向「企鵝聚集」角的上空時,你會看到捕食企鵝蛋和雛鳥的掠食者大賊鷗正在張開翅膀,顯然是在瞄準企鵝。很容易錯過懸掛的展品,所以我們建議360度環顧會場。

這個角落極為莊嚴,有禿鷹、虎頭海雕等鷹目標本。

此外,透過基因組分析進行系統發育研究是本次展覽的支柱,展覽也介紹了遊隼目作為主要分類的建立,作為這項研究的標誌性成果。根據主要基於形態差異的遊隼常規分類,它們被歸類為鷹科成員,這一點很少受到質疑。目的關係更密切。

遊隼(隼科)標本剝製標本,國立科學博物館
鸚鵡眼睛展示

雀形目有 44 個目,雀形目有 6,700 多種,幾乎分佈於世界各地,但雀形目只有一種,是亞馬遜河流域特有的,但分佈範圍很廣。 。

這種一目一種的稀有鳥類是樹棲的,飛行能力較差,是唯一具有獨特生態、主要以樹葉為食的鳥類。這個形象與猛禽猛禽的形象完全相反,猛禽會猛烈地飛行來捕食獵物,但從系統發育角度來看,鷹和貓頭鷹等猛禽可能起源於此目。

蝸牛(Tsumebaciformes)的標本剝製標本,國立自然科學博物館。

基本上,鳥類的「眼睛」在幾乎相同的年齡發生了分化,而「眼睛」是從6600萬年前恐龍因小行星撞擊而滅絕到大約5000萬年前分化的群體。目前尚不清楚蛹目是否已經超過 5000 萬年沒有分化,僅作為一個物種倖存下來,或者是否除了一個物種之外的所有物種都已滅絕,但它是一個神秘的存在。

國鳥雉雞先前被認為是生活在歐亞大陸的日本雉雞的亞種,但基因組分析結果顯示,它是日本的國鳥。它已成為名副其實的「日本鳥」。 / 雉雞(石馬雉亞種,雉科)標本,國立科學博物館

不要錯過「鳥類的秘密」專區,該專區由人氣動物插畫家沼笠渡(Watari Numagasa)創作。

這個角有「杜鵑蛋會毀掉它的宿主嗎?」以及鳥類也有的「方言」和「單字」等23個主題,並以知識問答形式介紹最新的研究成果。沼笠渡的插圖以幽默的方式幫助參觀者理解,讓人發笑。

「鳥類的秘密」角落、「建立領地的得與失」展覽
「鳥的秘密」角落、「飛越喜馬拉雅山的鳥」展覽

其中一位監督者浜尾正司(國立科學博物館動物研究部研究主任)說:「透過這次展覽,我們想強調鳥類和人類看待世界的差異。」我提到展覽「鴿子教會我們鳥類的心臟。

「鳥的秘密」角落、「鴿子教鳥心」展覽

那裡介紹的是一項實驗的結果,在該實驗中,向受過訓練以區分日本和西方繪畫的鴿子展示了一幅打亂的繪畫,其中原始繪畫被分為 1,024 個部分並重新排列。人們很難分辨原畫是日本畫還是西洋畫,但鴿子即使第一次看到這幅畫,也能輕易分辨出來。

「人類善於從大局出發,找出特徵,而鴿子則很誠實,或者更確切地說,它們會一一觀察細節並記住它們。這就是它們感知事物的方式。換句話說,它們有感知世界的方式不同。

濱尾先生也提到了一個關於雄性和雌性鳥類之間意想不到的配對關係的展覽。有些人可能會有這樣的印象:鳥類結成一夫一妻制,和諧地撫養孩子,就像「押鳥夫婦」這句話所暗示的那樣。然而,例如,當一隻雄性雉雞與處於交配關係的雌性雉雞生下孩子時,它就會放棄築巢、孵化、撫養孩子和配對關係,並開始陸續向其他雌性求愛,從而導致一夫多妻制。

雉雞(雉科)雌性(正面),雄性(背面),標本剝製標本,國立科學博物館

人類的常識會讓我們皺起眉頭,想:「一隻小雞怎麼能從一隻雌性轉移到另一隻而不養育自己的孩子呢?」然而,實際上,小雞成熟得很快,似乎只需要一隻小雞就足以撫養他們自己的小雞。 Hamao說,這是每個個體在惡劣的自然環境中進化以產生更多後代的結果。

據說,分佈於澳洲的紅背澳洲鶯,50%的雛鳥是透過異對交配出生的。 / 澳洲紅鶯(雀形目),動物標本,國立科學博物館

「這樣一來,我們所認為的「因為人類這樣想,鳥類也會這樣想」的想法,令人驚訝地是不正確的。鳥類承受著嚴峻的進化選擇壓力,我已經獲得了留下後代所需的所有特質。因此,我覺得我們不應該把它和人類聯繫起來。

基因組分析顯示,鳥類看起來與我們過去的影像有所不同。它們具有什麼樣的生態特徵,過著什麼樣的生活方式,在生態系中扮演什麼樣的角色?了解了這一點,我們又發現它們有怎樣的魅力呢?此次展覽將是更新基因組時代鳥類形象的絕佳機會。

「鳥類:基因組分析揭示的新鳥類譜系」特別展覽概述

時期 2024年11月2日(星期六)~2025年2月24日(星期一/休館)
場地 國立科學博物館(東京上野公園)
開放時間 9:00-17:00(入場截止時間為16:30)
休息日 週一、11月5日(週二)、12月28日(週六)~1月1日(週三)、1月14日(週二)
*但是,博物館將於11月4日(星期一、假日)、12月23日(星期一)、1月13日(星期一、假日)、2月17日(星期一)、2月24日(星期一、假日)開放。
*演出日期可能會有所變動。
入場費(含稅) 一般民眾、大學生2,100日圓、小學生、國中生、高中生600日元
*學齡前兒童免費。
*持有殘障人證的人士和一名護理人員可免費入場。
*如果您有學生證或其他證件,請在入學時出示。
贊助商 國立科學博物館、日本經濟新聞、BS 東京電視台
詢問 050-5541-8600(您好撥號)
展會官方網站 https://toriten.exhn.jp/

*文章內容截至報導日。最新資訊請關注展會官方網站。


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