作者: nakano

台東區博物館

下町風俗資料館於1980年開館，旨在將東京下町的美好舊時光的文化和傳統傳承給後代，接待了包括訪日外國遊客在內的眾多遊客。由於設施老化而進行大規模翻修，該博物館自 2023 年春季起關閉，但現在已以新名稱「下町博物館」重新開放。

※關於下町風俗資料館的過去情況，請點這裡⇒
https://www.culture.city.taito.lg.jp/ja/reports/29750

此次大規模改造，展覽面積由原侷限於一、二樓擴大至三樓。也增設了哺乳室、無障礙廁所等新設施，讓更多人能享受到便利。

一樓的展覽室重現了1950年代市中心的街景。故事的原型是位於台東區坂本市金杉通（現為根岸三丁目）的燈籠店的一角。坂本市在關東大地震和東京大空襲中倖免於難，直到最近幾年，這裡還保留著許多古老的街道和建築。您可以進入實體大小的公寓大樓，體驗當時的生活方式和氛圍。

改建前重建的展覽以大正時代為藍本，但根據博物館研究員近藤武史介紹，他們決定徹底改造內容，以紀念博物館開館 40 多年來的首次大規模改建。

「我們之所以決定將展覽時間設置在 20 世紀 50 年代，也就是 60 到 70 年前，是因為我們想鼓勵當時的人們帶著家人來參觀展覽，並進行這樣的對話，『哦，原來這個工具是這樣使用的』」，近藤說道。

此外，金杉通還保留著許多圖紙等研究資料，而作為展覽核心的五十嵐燈籠店的老闆五十嵐先生仍然健在，並能提供各種形式的合作，這也是該模型的決定性因素。
（雖然建築已經重建，但五十嵐燈籠店仍在營業。）

1960年代，由於關東大地震後地區和街道的再開發，以及戰後重建帶來的經濟快速成長，市中心的生活品質似乎有所提升。展覽區內設立的大螢幕播放著懷舊風格的動畫電影，讓人回想起當時的金杉通。

影片中，主幹道兩旁排列著“表手公寓”，這些公寓是商業和住宅建築，內設商店、餐廳、美容院等，有電車和汽車沿路行駛，還有賣蔬菜的手推車和拉麵攤。影片傳達了這樣的理念：在新時代的浪潮中，傳統的生活方式仍然蓬勃發展。影片刻意沒有使用背景音樂，而是透過強調電車運行聲、鳥兒鳴叫聲等環境聲音來增強真實感。

即使電力和燃氣等基礎設施已經發展起來，燈籠仍然是舉辦許多節日的市中心地區不可或缺的必需品。五十嵐燈籠店自江戶時代末期就開始營業，店內重建了組裝和刻字燈籠的工坊。那裡有一排排圓形的節日燈籠、用於固定燈籠頂部和底部的鐵砧和錘子，以及用於添加文字和顏色的畫筆。

館內收藏的家居用品、家具等基本上都是由當地居民捐贈的，因此有磨損的痕跡。這個博物館的吸引力之一是您可以觸摸物品並感受它們的質地和重量。 （搬運時請小心輕放。）

起居空間和廚房一直延伸到車間的後方，如果你從廚房的後門出去進入小巷，你會看到對面的「後巷」建築。除了從家到工作地點通勤的手工藝人和辦公室職員之外，後巷裡還居住著街頭紙芝居說書人等小販，展覽重現了紙芝居說書人的住所。

入口處的階梯上擺放著用來存放廉價糖果的玻璃罐和木盒。紙芝居說書人靠著向前來觀看說書的孩子們出售廉價糖果為生，但在無法講書的下雨天，孩子們有時會來到他們家裡討要廉價糖果。

如果仔細觀察展品，就會發現就像動畫中描繪的日常場景一樣，既有新舊元素的融合，例如「廚房裡有瓦斯爐，也有正在使用的炭火烤架」。據近藤說，他特別注重現這段過渡時期的氛圍。當小學生進行實地考察時，他們有時會以遊戲的方式讓他們學習，要求他們“想想在燃氣爐發明之前我們用什麼做飯，並嘗試找到具有相同功能的物體！”

二樓為常設展覽室，可以了解從明治時代到1950年代以台東區為中心的市中心的歷史與文化。

一進門，就看到一個介紹展覽，屏幕上播放著兩種視頻：一種是以西洋雙陸棋遊戲的形式追溯台東區歷史的視頻，另一種是介紹支持我們祖先生活的日常用品的視頻。此外，銀幕前的舞台上也展示電影中出現的日常生活實物，依照「衣」、「食」、「住」、「商」、「業」等類別排列。

「最初，我們的想法是挑選並展出代表下町博物館的藏品中的一件。然而，即使作為策展人，也很難明確定義‘下町’的概念，而且不可能僅用一種材料來表達。因此，為了更好地展現‘下町’，我們將作為家庭聚會中心的矮腳桌（傳統的餐桌）置於中心，並將物品以散佈的方式擺在我們周圍的方式，我們所決定的方式就擺在我們周圍。

展出的物品種類繁多，從今天孩子們熟悉的餐桌和招財貓，到令和時代已經完全消失的玻璃捕蠅器和商人會計辦公室用來存放銷售收入的存錢罐。觀察這些未知的工具並想像它們的各種用途也很有趣。

接下來，展覽分為「1.江戶時代以來的市中心文化與生活」、「2.關東大地震與復興」、「3.戰爭時期的生活」、「4.從廢墟中重新開始」、「5.邁向經濟的快速增長」和「6.與我們台東區息息相關的生活」。回顧隨著每個時代的重大變革，街道景觀、生活方式等發生了什麼樣的變化。

以前在設施入口處迎接遊客的「自動電話」（後來成為公用電話）也出現在該地區，成為市中心變化的象徵。日本第一部自動電話於1900年安裝在上野站和新橋站。

雖然很容易被忽視，但抽屜裡隱藏著各種文件，所以一定要檢查一下。例如，台東區是1927年日本第一條地鐵（現在的銀座線）經過的地區，《上野～淺草間建設概要》就是一本概括當時地鐵建設概要的小冊子。目前的銀座線是從淺草到上野，然後在新橋向西轉向澀谷，但有趣的是，文件指出，最初的計劃是從新橋到禦成門，然後再到品川。

新開放的三樓區域設有特別展覽室和市中心資訊角落。

企劃展覽室的展品每年更換三次，大約每四個月一次，紀念首次企劃展覽的主題是「繁華的都心是怎樣的城鎮？」本書首先探討了下町是怎樣的一個城鎮，從它在東京下町的建立（最初建立時，台東區似乎不包含在下町內）到它的擴張，以及生活在那裡的人們的職業和性格。

鄰近的下町資訊角落設有一個名為「下町資料搜尋」的觸控螢幕終端，可供遊客了解更多有關博物館收藏的資料。

如果你對一樓的複製展品或二樓的介紹展品感興趣或有什麼不明白的地方，那麼你可以放心來這裡。您還可以查看未展出材料的數據，這將有助於您的學習和研究。
（這取決於繁忙程度，但如果您對材料有任何疑問，策展人會很樂意為您解釋。）

還可以自由體驗劍玉、臉、松風陀螺、算盤、秤等舊玩具和日常用品，長椅還可以用作休息區。透過大窗戶可以一覽不忍池的全景，是欣賞櫻花、蓮花、秋葉等四季景色變化的絕佳地點。

下町博物館一定會為從兒童到老人的各個年齡層的人們提供各種各樣的發現和樂趣。經過重大改造後，博物館煥然一新，但近藤說，博物館從下町博物館時代繼承下來的一件事是，遊客的真實生活故事總是出乎意料。

「這些展品就像催化劑一樣，讓參觀者回憶起當時的情景時感到興奮，並說『哦，發生了那件事！』或者祖父母將自己親身經歷的知識傳授給孫輩，其他來訪者聽到後也紛紛點頭附和……這樣的場景我們每天都能看到。自然而然地，你會聽到一些文獻中沒有記載、只有親身經歷過的人才能獲得寶貴的信息。

這裡非常適合在不忍池散步後快速遊覽，何不順便去看看呢？與整修前一樣，街頭紙芝居表演、傳統工藝展示等活動將繼續舉辦，因此請查看官方網站以了解時間表等詳細資訊。

下町風俗資料館概要

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國立西洋美術館

「我們從哪裡看西洋畫？——從文藝復興到印象派：聖地亞哥藝術博物館 vs. 國立西洋美術館」（俗稱「我們從哪裡看它？」展）在東京上野國立西洋美術館開幕。活動將於 2025 年 3 月 11 日至 6 月 8 日舉行。
我參加了之前舉行的新聞發布會，所以我想分享一些會場的照片。

兩家博物館的收藏互動，從不同角度探索其吸引力

展覽匯集了聖地牙哥藝術博物館和美國國立西洋美術館的藏品共88件，追溯了從文藝復興到19世紀末600年間的西洋美術歷史，並提供了欣賞作品的技巧。

聖地牙哥藝術博物館是美國西部最早全面收藏西方古典繪畫的藝術博物館之一，因與西班牙殖民者建立的聖地牙哥有著文化和歷史淵源，所以收藏以西班牙藝術為主。

展覽囊括了多幅西班牙藝術傑作，包括「bodegón」（西班牙靜物畫）之父胡安·桑切斯·科坦的《靜物與榅桲、捲心菜、甜瓜和黃瓜》以及埃爾·格列柯、蘇巴朗、索羅拉等人的作品。來自聖地牙哥藝術博物館的49件藏品均為首次在日本展出。

另一方面，國立西洋美術館擁有東亞地區唯一的西洋畫綜合收藏館。策展人河瀨優介（國立西洋美術館首席研究員）這樣介紹此次展覽的背景：

「在僅由從一家博物館借來的作品組成的藝術展中，即使可以欣賞到每件作品，也往往很難了解藝術家的個性或藝術家在藝術家藝術生涯中的地位等背景。國立西洋美術館的常設展也是如此。因此，這次，我們決定合併兩家博物館的藏品，將同一藝術家或主題的作品分組排列，進行更深入的藝術。展覽的舉辦旨在以易於理解的方式傳達西方美術的有趣世界。

正如川瀨所說，展覽實際上分為 36 個子主題。例如，第 1 章探討了從喬托到博斯（工作室）意大利和低地國家（今比利時和荷蘭）文藝復興時期繪畫的發展，將喬爾喬內（1477 / 78-1510）和雅格布丁托列托（1518-1594）的作品並列為“威尼斯文藝復興時期肖像”。

喬爾喬內三十多歲就去世了，因此留存的文獻非常少，他的一生依然籠罩在神秘之中，但他被認為是威尼斯繪畫盛期文藝復興風格的創始人。他的《男子肖像》 （1506 年）現藏於聖地牙哥藝術博物館，雖然尺寸不大，但卻是文藝復興時期肖像畫的傑作之一。對身體特徵的精確描繪和柔和的陰影實現了革命性的真實感。

另一方面，丁托列託在喬爾喬內去世後與提香、委羅內塞並列為16世紀威尼斯繪畫三大大師。展覽將聖地牙哥藝術博物館藏喬爾喬內的《老人肖像》 （約1550年）和國立西洋美術館藏的《大衛像》 （約1555-1560年）與喬爾喬內的作品並列展示，並附有說明文字，展示了丁托列托如何發展喬爾喬內的透過色彩漸變來表達的技巧。

西班牙最重要的靜物畫家的傑作即將登陸日本，他曾對戈雅和畢卡索產生影響

第二章按地區介紹了17世紀巴洛克藝術的特點，並展示了展覽的亮點——胡安·桑切斯·科坦（Juan Sánchez Cotán ，1560-1627）的《靜物與榅桲，捲心菜，甜瓜和黃瓜》（約1602年）。

16 世紀末至 17 世紀初，靜物畫開始在整個歐洲獨立創作，在西班牙，一種被稱為“bodegón”的靜物畫風格得到了特別發展，這種風格以與食物和餐桌相關的主題為特色。桑切斯·科坦（Sánchez Cotán）是1600年前後活躍於托萊多的一位畫家，他設計了一種獨特的構圖技巧，將少量常見的蔬菜和水果（如這幅作品中所示）排列在石框上，並用類似聚光燈的燈光照射它們，以突出明暗對比。它為西班牙靜物畫樹立了持久的典範。

策展人邁克爾布朗（聖地亞哥藝術博物館歐洲藝術策展人）評論這幅作品的吸引力時說，“乍一看，這似乎是一個簡單的構圖，但中心的一處黑暗空白卻散發著無限的元素和一種神秘而不可觸及的氛圍。”

河瀨表示，在桑切斯·科坦現存的六幅靜物畫中，這幅畫“最為均衡，是他的傑作，清晰地表達了桑切斯·科坦獨有的莊嚴與寧靜”， “這幅作品來到日本，本身就是一件大事”。

比較西班牙的靜物畫，有繼桑切斯·科坦之後的代表人物胡安·范德阿芒特（Juan van der Ament ，1596-1631）的華麗而裝飾性的《水果與野禽靜物籃》 （c.1621），以及因畫了許多聖人肖像而被稱為“僧侶”的《巴蘭科·德·齊蘭科( Francisde （c.1635-40）喚起人們安靜的冥想和祈禱。無論從構圖還是手法上，他們都明顯地繼承了桑切斯·科坦的傳統。

此外，展覽還展出了藝術家本人的4件作品，包括其拿手好戲——大型單人畫《聖多米尼克》 （1626-27年）以及其成熟時期的慈悲傑作《聖母子與聖約翰》 （1658年）。它簡潔地闡述了他的藝術生涯的演變，從深刻的雕塑現實主義到甜美的理想化表達，彷彿被一層光的面紗籠罩著。他的作品總是瀰漫著一種優雅、寧靜的氣息，讓人感受到藝術家一貫的美學意識。

真實的威尼斯與想像中的羅馬：義大利城市風景畫朝不同方向發展

第 3 章重點介紹引領 18 世紀藝術的義大利和法國繪畫的發展，並研究每種流派的特徵：風景畫、肖像畫和風俗畫。這裡正在展出威尼斯和羅馬城市景觀的引人注目的對比展。

18世紀的英國及阿爾卑斯山以北的國家流行“壯遊”，上流社會的子弟為了獲取文化知識，遊歷歐洲各個城市，其中包括歐洲文明的發源地意大利。他們回國時尋找的紀念品之一是城市景觀畫，或稱為“vedota”，這種畫作在“大旅行”的兩個主要中心威尼斯和羅馬十分盛行。

威尼斯城市風景畫方面，展覽將展出貝爾納多·貝洛托（1721-1780）與弗朗西斯科·瓜爾迪（1712-1781）的作品，他們與加納萊托並稱為威尼斯風格三大大師。每件作品都以高度現實主義的方式捕捉了這座宏偉水城的標誌性風景。而羅馬的展覽，雖然同樣位於義大利，卻不再對特定地點的再現，而是呈現了一個現實與虛幻交織的懷舊世界。

例如，被稱為“廢墟中的羅伯特”的於貝爾·羅伯特（Hubert Robert ，1733-1808）在其兩幅風景畫中，就將實際上位於不同地點的著名古代作品聚集到了一起，如卡比托利歐廣場上的馬可·奧勒騎馬雕像和圖拉真柱，其中還包括一座想出來可能是他憑空的神廟。由於人物身著 18 世紀的服裝，作品強烈反映了當時人們想要欣賞古老建築廢墟的視角。

這些畫作被稱為城市景觀畫中的“Capriccio”（奇幻畫作）。羅馬的城市景觀中有許多搖搖欲墜、風化的廢墟和歷史建築，似乎成為畫家的重要靈感來源，畫家自由奔放的思想激發了旅行者的想像。威尼斯變得真實，羅馬變得幻想。由此可見，地域特徵對於某一繪畫流派的興盛有多大的影響。

透過兩位女畫家卡佩和貝諾伊斯特了解從洛羅科到新古典主義的轉變

第三章中，有兩位女畫家瑪麗-加百列·卡佩（Marie-Gabrielle Capet ，1761-1818）和瑪麗-吉耶米娜·伯努瓦（Marie-Guillemine Benoît ，1768-1826）的肖像畫對比展，清晰地展現了18世紀秩序、新銳主義的純正、新鮮主義的經典風格。

從18世紀下半葉起，法國開始湧現女性藝術家，卡佩和伯努瓦都是代表性畫家，她們的名字均在1791年的沙龍（官方展覽）中展出，這是法國大革命後女性首次被允許參加展覽。

在卡佩的自畫像（約1783年）中，年輕的藝術家身著華麗的藍色連身裙，戴著典型的洛可可風格的絲帶和捲髮，而年輕藝術家注視著我們的表情是如此明亮和歡快，讓人難以停止凝視。你可以看到他的自信，就好像他對自己的技能感到自豪。相較之下，伯努瓦的《女子肖像》 （約 1799 年）則明顯展現出新古典主義傾向，其尋求從古典藝術中汲取的靈感，其古典風格的白色襯裙以及雕塑般、穩定的身體描繪。

不僅作品本身的品質很高，而且就像上面提到的城市景觀畫一樣，很容易知道應該看哪裡來欣賞展覽，因此對於初學者來說這是一個必看的展覽。

柵欄的繪畫方式如何改變繪畫的印象？

第四章聚焦在19世紀人物形象的多樣性，其中展出了印象派畫家的「樹籬表面」的比較展，這多少讓人有些驚訝。

展覽的重點是樹籬圖案，這是鄉村地區的常見特徵，曾在卡米耶·畢沙羅（1830-1903）的作品中出現。畢沙羅是最年長的印象派畫家，他離開巴黎去研究蓬圖瓦茲周圍農民的生活，而美國畫家西奧多·羅賓遜（1852-1896）則在莫奈居住的西爾維尼學習藝術技巧。書中闡述了柵欄如何與人物心理聯繫，以及如何有效地利用柵欄作為創造空間的裝置。

由於展覽提出了從這個有些小眾的視角欣賞藝術品的方式，即使是希望深入了解西方藝術的中級和高級愛好者也可以期待有一些新的發現。

不拘泥於思維，隨心所欲欣賞－藤岡靛的電影欣賞方式

展覽的語音導遊藤岡靛 (Dean Fujioka) 也出席了新聞發布會。

回顧語音導覽的錄製過程，藤岡說：「如果像『Koko Miru展』那樣過於強勢，意圖就會改變。在會議期間，我被告知了作為判斷標準的關鍵點，例如不同時代的背景、社會氛圍、宗教觀點、如何選擇要繪製的主題、觸感和繪畫方法，我用自己的方式進行解讀，希望將它們作為一種指導和導航來傳達。」

他也提出了自己的觀影方式，他說：「我覺得當你創作自己的故事時，它會產生你自己的視角，以及你在每一天、每一刻的享受方式。（當主持人問這是否意味著你先面對作品，然後再與自己的內心情感對話）說得更直白一點，是的。這就像在你的腦海裡不斷循環著笑話和回應。」

「宗教主題和背景多種多樣，有些作品具有相當多的諷刺潛力。我試著以一種隨意的方式欣賞它們，不受任何限制，」他繼續說道。看著蘇巴朗的《聖多明尼克》，他以獨特的視角描述了藝術家的魅力，“他仰望天空，雙手擺出可愛的心形姿勢”，引得在場觀眾大笑。

另外，展覽期間還將舉辦為期四天（夜間開放日）的「夜見妖怪」活動。如果您穿著自己的風格並宣布您被邀請參加晚會，您將獲得一張原創明信片，因為展覽中有許多令人著迷的人物。會場內還設有拍照區，以及面具、扇子等「晚會拍照道具」。
*詳細行程及注意事項請查看展會官方網站。

除本次展覽外，從聖地牙哥藝術博物館借來的五幅畫作也在永久收藏中展出，其中包括戈雅的《維森特·瑪麗亞·德·維拉·德·阿拉貢，拉羅卡公爵》（約 1795 年）。如果您持有當天有效的「Dokomiru展」門票，則可以免費參觀常設展覽，所以千萬不要錯過。

「我們該從哪裡看西方繪畫？——從文藝復興到印象派：聖地亞哥藝術博物館 VS 國立西方藝術博物館」摘要

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文章提供者： Kokosil Ueno

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東京都美術館

一場回顧與畢卡索、達利並列西班牙三大大師的畫家胡安·米羅70年創作生涯的大型展覽，在東京上野的東京都美術館開幕。活動將於 2025 年 3 月 1 日至 7 月 6 日舉行。

*本文中的照片是在新聞預展時獲得許可拍攝的。

胡安·米羅（1893-1983）是西班牙加泰隆尼亞畫家，20世紀20年代作為超現實主義的主要人物之一而聞名。他以豐富多彩且獨特的詩歌風格而聞名，其中他將自然界中的圖案（例如太陽、星星和月亮）描繪為象徵性符號，但直到 90 歲去世，他仍在追求純粹和普遍的藝術，以新的表現形式挑戰自己。他被認為是20世紀最具影響力的藝術家之一。

本次展覽匯集了米羅的代表作《星座》系列以及代表其早期至晚年各個時期的繪畫、陶瓷、雕塑等作品約百件，全方位地介紹了米羅的整個藝術生涯。該計畫是為了響應米羅逝世40年後重新評價米羅的全球潮流而開展的，據說是自1966年米羅在世時合作舉辦的展覽以來，日本最大規模的回顧展。

展覽共分為五個篇章。

年輕人米洛因未能獲得父親推薦的會計工作而病倒。 1912年，米羅重返藝術學校，研究最新的藝術趨勢。
在第一章「年輕的米羅：對藝術的決心」中，有作品展現了米羅在這一時期嘗試了立體主義、野獸派，以及被當時的前衛藝術家視為父親的塞尚等多種繪畫風格，探索著自己的表達方式。

米羅留下了許多以羅伊格山的動人風景為主題的作品，包括他的早期傑作《棕櫚樹的房子》 （1918 年）。蒙特羅伊格是米羅藝術信念得以堅定的地方，也是他一生創作的源泉，是他深化藝術思考的地方，也是他重新確認加泰隆尼亞人身分的地方。本作品是米羅所謂「細密畫派時期」的代表作品，他放棄了先前對其影響很大的野獸派風格，開始注重精細細節的描繪。

1920年，米羅終於如願來到了藝術世界的中心巴黎，這座城市的現代氣息和前衛藝術深深吸引了他。

受到與當地超現實主義作家和詩人的互動的啟發，他開始對一種遠離具體性的、更具詩意的表達風格感興趣。 1925 年至 1927 年間，米羅創作了 100 多幅“夢境畫”，他在代表空虛的廣闊背景中添加了無定形的動態線條，用它們作為象徵來展示夢境的進展。在其中《繪畫=詩》系列中，他將無形的詞語、短語當作主題來描繪，不與具體的物體區分開來，使其擺脫了原有的角色。

第 2 章「蒙特羅伊——巴黎：從鄉村到先鋒派之都」介紹了自 20 世紀 20 年代以來的這些活動。 「夢幻畫作」轟動了巴黎畫壇，米羅也成為了名副其實的著名超現實主義畫家。

《荷蘭室內裝飾 I》 （1928 年）是米羅深受 17 世紀荷蘭繪畫影響的作品，以亨德里克·索爾夫的《琵琶演奏者》（1661 年）為基礎創作。展覽還設有展示索爾夫原創作品和本作準備草圖的面板，透過對比可以發現，索爾夫將日常生活中的自然場景變成了平面色彩和有機形態的超現實世界，消除了任何立體感和透視感。

1936年西班牙內戰爆發，米羅流亡海外，並在隨後的第二次世界大戰期間繼續孤獨地創作，躲避戰爭的蹂躪。
第三章「逃離與詩學：以戰爭時代為背景」重點介紹了傑作「星座」系列，該系列是他於 1940 年從巴黎逃到諾曼底的一個村莊時開始創作的，並在從馬略卡島到蒙特羅伊格的途中完成。

星座系列是紙上而非畫布上的一系列小幅水粉畫。據說他刻意逃避殘酷的現實，從廣闊美麗的星空和莫札特、巴赫的音樂中尋求慰藉，並以此為靈感畫出超越現實的希望之畫。此次展覽展出的作品總計 23 幅，其中三幅為《晨星》、《女人與鳥》以及《蝸牛磷光蹤跡指引下的夜景》 （1940 年）。該系列以建立米羅的象徵體係而著稱，但由於每件作品都分散在世界各地，因此這是一個難得的機會將多件作品放在一起觀看。

另一方面，自1928年前後，米羅開始對藝術的商品化和對藝術家的過度關注進行批判，並產生了「謀殺繪畫」的衝動。漸漸地，他開始發展出一種可以稱為反藝術或反繪畫的風格，例如拼貼畫和與繪畫無關的材料和元素共存的物品，例如本章中介紹的《無題（夜之戀人） 》（1934 年），其中衛生紙被粘貼在鋁箔上。他繼續質疑傳統繪畫表達的本質。

1947年，米羅首次訪問美國，受委託繪製壁畫，但早在六年前，他在美國就已聲名鵲起，紐約現代藝術博物館還舉辦了他的作品回顧展。在此期間，米羅受到了傑克遜·波洛克等年輕藝術家的啟發，回到日本後，他開始對各種創作活動產生興趣，包括蝕刻畫、石版畫、與工匠合作製作的陶瓷以及雕塑。
第四章「夢想工坊：內省與新創作」追溯了 1950 年代和 1960 年代戰後的發展。

順便說一句，雖然米羅的許多作品都有簡潔的標題，但他實際上喜歡賦予標題和作品之間的關係一種俏皮和詩意的感覺。 《一隻紅蜻蜓追逐一條向彗星盤旋的蛇》 （1951 年）就是一個典型的例子；它的描述性標題引導觀眾的目光沿著屏幕移動，誤導觀眾試圖找到彗星、蛇和紅蜻蜓，就像那條盤旋的蛇一樣。激發這種好奇心的是鮮豔的配色，蜿蜒的線條和怪誕的描繪，所有這些都是米羅的手段。我對其構思的巧妙程度感到驚訝。

本章也展示了他在 1956 年完成期待已久的馬略卡島大型工作室之後，受到美國抽象表現主義巨幅畫作的影響，他的作品如何變得越來越大。大型繪畫《太陽前的人物》 （1968 年）是米羅視覺語言的巔峰之作之一，其靈感來自日本畫家僧侶仙井義本的作品，他使用圓形、三角形和正方形的形狀來表達宇宙。

米羅很早就對日本產生了興趣，在 1966 年訪問日本期間，他意識到自己與日本傳統藝術以及日本藝術家的理念有著密切的聯繫。這幅作品以其自信的筆觸讓人聯想到書法，是米羅東方情懷的重要體現，這也是約 40 年來它首次在巴塞隆納以外的地區展出。

第五章「走向繪畫的本質」展示的是他晚年（20 世紀 70 年代至 80 年代）創作的作品。儘管米羅已牢固確立了自己世界知名大師的地位，但即使到了晚年，他仍然繼續審視自己的作品，並毫不猶豫地進行大膽和非傳統的實驗。

例如， 《燒焦的畫布 2》（Burnt Canvas 2，1973 年）是一系列五幅畫作中的一幅，在這些畫作中，白色畫布被大力澆上油漆，踩踏，用刀劃破，最後澆上汽油並點燃。這幅作品並非一時衝動的創作，而是旨在探索隱藏在燒焦的畫布和紙張的物質性中的美感，同時也傳達出一種永不消退的能量和強烈的反叛精神，反對將藝術視為高雅文化，反對將藝術貶低為單純的財產。

晚年的米羅也開始運用更貼近身體動作的筆觸。在他的三聯畫《煙火I、II、III》 （1974年）中，其形象與水墨畫相似，他猛烈地潑灑顏料，然後用畫筆在因重力作用而滴落的顏料痕跡上塗抹。受美國抽象表現主義畫家的影響，他的技巧是讓新的作品透過偶然的機會出現，從而指導他的創作過程。這是作品首次在日本展出。

第 4 章和第 5 章也探討了米羅透過海報創作所做出的積極的社會、政治和文化承諾。

1960、70年代，也就是西班牙佛朗哥獨裁統治的最後時期，米羅創作了大量海報，表達那些幾乎沒有機會公開表達自己意見的社會大眾的希望和要求。他還表示，“藝術家是在別人沉默時，大聲說出來的人”，而此次展覽也強調了米羅作為藝術家的立場，即他從事研究事業並不只是為了表達自己的興趣。

畫家米羅是如何在整個20世紀投身於前衛藝術並且確立自己的風格的同時又不斷使自己處於創作張力之中的？歡迎您來本次展覽親身體驗這一探索過程以及這種獨特的藝術的魅力。

「米洛展」概況

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文章提供者： Kokosil Ueno

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東京國立博物館

位於京都佐賀的大覺寺，自平安京遷都後，作為觀光勝地受到朝廷和貴族的喜愛。
其前身是平安初期嵯峨天皇（786-842）所建的離宮嵯峨院，876年在其女雅子妃的請求下改建為寺廟，創建了大覺寺。從那時起，歷代天皇和皇室成員都曾在這座享有盛譽的寺廟中擔任門跡（住持），這座寺廟後來被親切地稱為「佐賀御所」。

2026年是大覺寺創建1150週年，東京國立博物館為迎接這一天，舉辦了「舊佐賀皇居大覺寺～皇居相關繪畫大全～」紀念展，展出了大覺寺的所有珍寶。展覽將持續到 2025 年 3 月 16 日星期日。

※未註明地點的作品均為大覺寺作品。
*部分作品將被替換。未列出展覽時間的作品將在整個展覽期間展出。
第一期：2025年1月21日（二）至2025年2月16日（星期日）
第二展期：2025年2月18日（二）至2025年3月16日（星期日）
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會場分為四個部分，第一部分「嵯峨天皇與空海～從嵯峨院離宮到大覺寺」展出了描繪大覺寺早期歷史的藝術品。其中特別引人注目的是“五大明王像”，象徵著大覺寺信仰的核心－五大明王信仰。

五大明王是密宗中的五位佛明王，即不動明王、禦三世、群陀利、大義德、金剛夜叉。相傳其起源於中國唐代，而傳入日本則是從唐代歸來的空海開始。喜愛唐文化的嵯峨天皇與空海也是好友，在空海的敦促下，嵯峨天皇在別墅內的手佛堂中供奉了五大明王的像。

雖然當時的佛像已失傳，但信仰卻代代傳承下來，大覺寺至今仍保有三座「五大明王」佛像。其中兩件正在展出。其中之一就是大覺寺的本尊，是由緣派佛教雕刻家明圓在後白河天皇的宮殿中創作的，明圓在平安時代後期為皇室和高級貴族創作了許多佛像。雖然外表嚴肅、憤怒，但其豐滿的體格卻散發著精緻的優雅，是一件融合了力量和優雅的傑作。另外值得注意的是，這是唯一現存的明庵。

另一尊是從京都清涼寺五大堂搬來，高約 2 米，十分氣勢磅礴。其中三尊雕像據信是由室町時代佛教雕塑家印心製作的，兩尊雕像是在江戶時代修復的。

第 2 章「明治維新的開創者後宇多天皇 – 佐賀皇居的起源」主要講述後宇多天皇 (1267-1324) 的功績。 「大覺寺大殿群」中所展示的當時龐大寺院群的面貌，正是後宇多天皇被稱為「大覺寺復興的開山祖師」的原因。

後宇多天皇是真言宗的虔誠信徒，出家後在大覺寺擔任阿闍梨（上師），在培養弟子的同時留下了許多聖訓和書法。展覽中也展出了多件珍貴的御書法（天皇親筆書寫），包括記錄對空海崇敬的國寶《豪田天皇禦書 弘法大師生平》和記錄有關佛教密教迴向儀式的各種理論的《豪田天皇禦書 迴向印明》 。

大覺寺作為從後佐賀天皇開始的皇室（大覺寺系，後來的南朝）的根據地，寺院規模龐大，設施完善，但是從南北朝時期開始就陷入戰亂，在應仁之亂等一系列災難中，寺院的大部分建築被燒毀。第3章「天皇與宮廷文化」介紹了當時支持大覺寺的歷代天皇和住持的功績以及他們所帶來的宮廷文化。

本篇的看點之一是同時展示「臼杵（冰丸）」與「鬼切丸（鎧切）」兩把刀。

「Usu Midori (Kneemaru)」 的刀刃寬大、大膽、彎曲，並具有小而不規則的刀刃圖案，這些圖案以低角度硬化。受到源氏家本係賴光、義經、賴朝等人的高度重視，並傳給了大友、田原、西園寺等家族以及安井門跡，最後傳到了大覺寺。鬼切丸（Higekiri）的刀身略窄，刀刃優雅，中間呈曲線，刀紋粗獷。鎌倉幕府滅亡後，此神社落入新田義貞之手，經過殺死義貞的司馬高經及其子孫最上家，最終捐贈給北野天滿宮。

基於「精心打造的寶劍擁有超越人類理解的精神力量」這一信念，這些「兄弟劍」也與各種超自然傳說有關。它的傳說與源氏家族的興衰息息相關，二口寶珠不僅象徵著源氏家族本脈的正統性和權威性，而且人們還相信它能引領其主人走向勝利。這將是兩者首次在東京共同展出。配備了專門的展示櫃和展示架，方便您欣賞美麗的刀片。

第四篇章「皇后宮觀門畫－主臥與皇帝宮殿」是本次展覽的亮點。位於大覺寺中心的親殿是後水尾天皇賜予的親殿式建築，由1620年入主宮廷的和光（東福門院）的宮殿移建而成。西北面的「清心殿」是安土桃山時代建造的書院式建築，作為歷代住持的住所。

室內裝飾的約240幅推拉門和障子畫，大部分都是安土桃山時代至江戶時代的代表畫家剋野山樂（1559-1635）所作所為，他曾為豐臣氏和九條氏效力。目前，該畫正在進行歷時14年的大規模修復，本次展覽將以修復部分為重點，共展出兩個時期的畫作123幅（早期100幅，晚期102幅）。據說，如此規模的物品被帶出寺廟尚屬首次，其壯觀景象必將令人著迷。

裝飾主臥室鷹室的 13 幅松鷹畫是山樂的花鳥水墨畫傑作，在一塊長長的畫布上描繪了一棵巨大的松樹和一隻勇敢的鷹。粗壯起伏的樹幹和蜿蜒曲折的樹枝所營造出的動態感以及整體的平衡感，可能會讓人想起東京國立博物館所藏的檜木屏風，它是由山樂的老師得野永德 (1543-90) 創作的。

《紅白梅圖》（8 幅）是山樂最偉大的作品之一，裝飾著新田殿的紅梅室，是現實主義和裝飾主義的完美結合，大樹在整個銀幕上的顯示方式也顯示出永德的影響。另一方面，這兩幅作品的描繪風格都比永德的粗獷豪放風格更為柔和、溫和，這表明山樂在繼承了大師的特色的同時，也提煉出了自己獨特的風格個性。

正殿內廊下部障子屏風上的 12 幅畫作名為“野兔”，是由江戶時代中期畫家渡邊子規 (1683-1755) 創作的，他師從徠野派和尾形光琳。據說這幅畫是近衛家廣為了安慰他的兒子而委託創作的。

特別展「舊佐賀皇居大覺寺～皇居相關繪畫的豐富多彩～」將舉辦至2025年3月16日，讓遊客能夠沉浸在大覺寺的悠久歷史和優雅氛圍中。

紀念創作1150週年特別展「舊佐賀皇居大覺寺～皇居相關繪畫大全～」概要

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文章提供者： Kokosil Ueno

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國立科學博物館

鳥類大約分為11,000個物種，是陸地脊椎動物中數量最多的物種，並且在世界各地的各種環境中繁衍生息，包括天空、地球、水，甚至極地。日本的鳥類分類以日本鳥類學會出版的《日本鳥類目錄》為基礎，時隔12年進行了首次修訂。

目前正在東京上野國立科學博物館舉辦的特別展覽“鳥類：基因組分析揭示的新鳥類譜系” （持續至2025年2月24日）根據基因組譜系的最新分類解釋了多樣性。魅力，包括它們令人驚嘆的生態。展出了 600 多件鳥類標本，是國立科學博物館歷史上規模最大的展覽，適合從初學者到鳥類愛好者再到狂熱的觀鳥者的廣泛人群。

擔任本次展覽總監督的西海功先生（國立科學博物館動物研究部研究主任）在開幕前的新聞發布會上談到了舉辦本次展覽的意義。

「鳥類在生態係金字塔中發揮著多種作用，例如，食花蜜的鳥類參與授粉，食種子的鳥類參與種子傳播，它為各種無法自己打洞的生物提供了棲息地。如鳥和貓頭鷹。近年來，許多鳥類的數量有所減少，有些瀕臨滅絕，我相信在考慮全球環境時，了解鳥類並適應它們是極其重要的。

西凱認為，在所有動物中，鳥類特別容易受到環境的影響。保守估計，由於人類活動，已有1430個物種滅絕，這意味著12%的物種已經滅絕。作為本次展覽的前奏，設置了一個以“滅絕”為主題的專區，可以感受到策展人“最重要的是，我們希望人們了解鳥類的現狀”的強烈願望。

本次展覽的一大亮點是展示了真人大小的桑德斯佩拉戈爾尼斯模型，這是歷史上最大的飛鳥，生活在約2600萬年前，翼展長達7公尺。

該模型的監督者Takanobu Hiji先生（國立科學博物館） 「據我們目前所知，這是歷史上最大的飛鳥。」考慮到這隻鳥的潛力，根據它的身體結構，我們不知道它能有多大。 「我接受了挑戰。恢復它是因為我想我想探索化石中已知形狀的多樣性，例如它們是否可以飛行，以及形狀的限制。

本次展覽最吸引人的特點就是標本數量之多。

根據西貝介紹，他們從國立科學博物館收藏的約3000件標本中精心挑選了最美麗的標本。與日本唯一專門研究鳥類的博物館－我孫子市鳥類博物館和姬路博物館合作展出了來自世界各地的600多件鳥類標本。這個展覽的口號是“你可以看到值得一生珍藏的鳥類！” ，但作為指導，如果你能觀察到超過400種鳥類，就可以說你是一個相當有經驗的觀鳥者了。

可愛的鳥、獨特的鳥、稀有的鳥。有這麼多樣的物種，無論您要尋找哪種鳥類，您都一定會從中獲得樂趣。

場館依照分類序排列，其中亮點是企鵝序展和「企鵝聚集」專區。

展出的是現存 18 種企鵝目中 11 種的 15 件標本。雖然有些標本具有獨特的姿勢，例如帝企鵝正在註視著它的雛鳥，但也有一些標本在其排列中講述了一個故事，例如一群海角企鵝和麥哲倫企鵝凝視著同一個方向，彷彿它們對企鵝感興趣。風景連貫，有動物園的氣氛。

它看起來像企鵝，但它是一個完全不同的家族，有趣的是它隨意地與海雀混在一起，海雀是鴴科的成員。雖然企鵝的分佈僅限於南半球，但據說海雀等與企鵝類似的不會飛的鳥類即使在北極也經歷了趨同進化（*）。

(*) 當來自不同譜系的生物體放置在同一環境中時，它們會獲得相似的特徵和功能，例如鯊魚（魚類）、海豚（哺乳動物）、鳥類的翅膀和蝙蝠（哺乳動物）的翅膀。

當你看向「企鵝聚集」角的上空時，你會看到捕食企鵝蛋和雛鳥的掠食者大賊鷗正在張開翅膀，顯然是在瞄準企鵝。很容易錯過懸掛的展品，所以我們建議360度環顧會場。

此外，透過基因組分析進行系統發育研究是本次展覽的支柱，展覽也介紹了遊隼目作為主要分類的建立，作為這項研究的標誌性成果。根據主要基於形態差異的遊隼常規分類，它們被歸類為鷹科成員，這一點很少受到質疑。目的關係更密切。

雀形目有 44 個目，雀形目有 6,700 多種，幾乎分佈於世界各地，但雀形目只有一種，是亞馬遜河流域特有的，但分佈範圍很廣。 。

這種一目一種的稀有鳥類是樹棲的，飛行能力較差，是唯一具有獨特生態、主要以樹葉為食的鳥類。這個形象與猛禽猛禽的形象完全相反，猛禽會猛烈地飛行來捕食獵物，但從系統發育角度來看，鷹和貓頭鷹等猛禽可能起源於此目。

基本上，鳥類的「眼睛」在幾乎相同的年齡發生了分化，而「眼睛」是從6600萬年前恐龍因小行星撞擊而滅絕到大約5000萬年前分化的群體。目前尚不清楚蛹目是否已經超過 5000 萬年沒有分化，僅作為一個物種倖存下來，或者是否除了一個物種之外的所有物種都已滅絕，但它是一個神秘的存在。

不要錯過「鳥類的秘密」專區，該專區由人氣動物插畫家沼笠渡(Watari Numagasa)創作。

這個角有「杜鵑蛋會毀掉它的宿主嗎？」以及鳥類也有的「方言」和「單字」等23個主題，並以知識問答形式介紹最新的研究成果。沼笠渡的插圖以幽默的方式幫助參觀者理解，讓人發笑。

其中一位監督者浜尾正司（國立科學博物館動物研究部研究主任）說：「透過這次展覽，我們想強調鳥類和人類看待世界的差異。」我提到展覽「鴿子教會我們鳥類的心臟。

那裡介紹的是一項實驗的結果，在該實驗中，向受過訓練以區分日本和西方繪畫的鴿子展示了一幅打亂的繪畫，其中原始繪畫被分為 1,024 個部分並重新排列。人們很難分辨原畫是日本畫還是西洋畫，但鴿子即使第一次看到這幅畫，也能輕易分辨出來。

「人類善於從大局出發，找出特徵，而鴿子則很誠實，或者更確切地說，它們會一一觀察細節並記住它們。這就是它們感知事物的方式。換句話說，它們有感知世界的方式不同。

濱尾先生也提到了一個關於雄性和雌性鳥類之間意想不到的配對關係的展覽。有些人可能會有這樣的印象：鳥類結成一夫一妻制，和諧地撫養孩子，就像「押鳥夫婦」這句話所暗示的那樣。然而，例如，當一隻雄性雉雞與處於交配關係的雌性雉雞生下孩子時，它就會放棄築巢、孵化、撫養孩子和配對關係，並開始陸續向其他雌性求愛，從而導致一夫多妻制。

人類的常識會讓我們皺起眉頭，想：「一隻小雞怎麼能從一隻雌性轉移到另一隻而不養育自己的孩子呢？」然而，實際上，小雞成熟得很快，似乎只需要一隻小雞就足以撫養他們自己的小雞。 Hamao說，這是每個個體在惡劣的自然環境中進化以產生更多後代的結果。

「這樣一來，我們所認為的「因為人類這樣想，鳥類也會這樣想」的想法，令人驚訝地是不正確的。鳥類承受著嚴峻的進化選擇壓力，我已經獲得了留下後代所需的所有特質。因此，我覺得我們不應該把它和人類聯繫起來。

基因組分析顯示，鳥類看起來與我們過去的影像有所不同。它們具有什麼樣的生態特徵，過著什麼樣的生活方式，在生態系中扮演什麼樣的角色？了解了這一點，我們又發現它們有怎樣的魅力呢？此次展覽將是更新基因組時代鳥類形象的絕佳機會。

「鳥類：基因組分析揭示的新鳥類譜系」特別展覽概述

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