作者: nakano

東京都美術館

東京都美術館將舉辦日本首個瑞典黃金時代繪畫作品展，近年來，瑞典繪畫作品在全球備受矚目。這次名為「瑞典繪畫：北歐之光，日常光輝」的展覽，為紀念東京都美術館開館100週年，將於2026年1月27日（星期二）至2026年4月12日（星期日）舉行。

*所有展出的作品均來自瑞典國家博物館的藏品。

海岸線遍佈礁石，森林雄偉壯麗，湖泊星羅棋布，冬季白雪皚皚，盛夏慶典和悠閒的生活方式是傳統文化的典範。我們今天所理解的“瑞典性”，是由瑞典畫家在19世紀80年代至1915年左右重新發現的，這段時期被稱為瑞典藝術的黃金時代。本次展覽在瑞典國家博物館的全力支持下，透過約80幅畫作，有系統地展現了瑞典藝術在這黃金時代的發展歷程，並探索了北歐人與自然和諧共處、享受充實生活的獨特理念。

展覽分為六個章節。第一章「瑞典現代繪畫的曙光」以尼爾斯·布洛馬爾為開篇，據說他是第一位以北歐神話和民間傳說為主題的畫家，旨在建立一種獨特的瑞典藝術形式。

瑞典是第一個在北歐國家建立皇家繪畫學院（後來更名為皇家美術學院）的國家，該學院成立於1735年。瑞典的傳統藝術教育以法國為藍本，並鼓勵瑞典的歷史和神話作為重要的研究主題。然而到了19世紀中期，瑞典深受當時在法國和德國興起的浪漫主義思潮的影響。尤其是在風景畫領域，德國杜塞爾多夫畫家的作品被視為典範。這些畫家以細緻入微的觀察為基礎，生動地描繪了自然界的雄偉壯麗和壯闊景象，許多北歐畫家，包括瑞典畫家，都慕名前往杜塞爾多夫，尋求藝術的熏陶。

這一趨勢與1850年在斯德哥爾摩舉辦的北歐藝術展密切相關。曾在杜塞爾多夫畫派學習的挪威畫家在展覽上展出了描繪挪威農民生活和峽灣壯麗景色的作品。在瑞典畫家看來，這些作品雖然披著創新的外來風格外衣，卻深深紮根於斯堪的納維亞的真實世界，這激發了他們在本國創造一種全新的本土藝術形式的渴望。

19世紀70年代末，一些年輕的瑞典畫家對學院陳舊的教學方法感到不滿，於是前往巴黎尋求新的表達方式、價值觀和藝術指導。當時，印象派等顛覆傳統藝術價值的新興藝術形式在巴黎蓬勃發展，但許多瑞典畫家選擇回歸寫實主義和自然主義，力求捕捉人物和自然最自然的狀態。

在第二章「走向巴黎：邂逅現代法國繪畫」中介紹的雨果·薩爾姆松（1843-1894）是最早赴法國學習的瑞典畫家之一。他深受巴比松畫派的影響，該畫派以描繪農民勞作的場景為主題，同時也深受朱爾斯·巴斯蒂安-勒帕熱和朱爾斯·布雷頓的寫實主義繪畫的影響。從《拾穗者》這幅畫中，我們可以看出他們的影響不僅體現在題材上，也體現在描繪自然時所採用的即興、粗獷的筆觸上。

另一位在巴黎期間接觸到戶外寫生運動並形成明亮清新色彩和光線風格的畫家是阿諾德·約瑟夫森（1851-1906）。 1885年，一群以約瑟夫森為首的年輕藝術家向過時的皇家美術學院遞交了一份聲明，呼籲改革。這些選擇脫離學院的藝術家被稱為「叛逆者」（Oponentena），並從19世紀90年代起引領了瑞典繪畫的發展方向。

第三章「格雷茲-蘇爾-盧萬的藝術家村」介紹了斯堪的納維亞藝術家在法國各地建立藝術聚落（社群）的情況，他們開始重視戶外藝術。 19世紀80年代，瑞典畫家們的創作基地之一是位於巴黎東南方70公里處的小村莊格雷茲-蘇爾-盧萬。他們在這裡度過夏天，描繪農民的日常生活和盧萬河沿岸的田園風光。

瑞典民族畫家卡爾·拉爾森（1853-1919）在默默無聞時也搬到了同一地區，在那裡他接觸到了水彩畫，並在充滿耀眼光芒的輕鬆愉快的風景畫中找到了新的表達方向。

19 世紀 80 年代末，許多曾在法國工作的瑞典畫家回到家鄉，致力於創作具有鮮明瑞典特色的藝術，以展現他們的民族認同感。

第 4 章“日常生活中的光輝——過著‘瑞典式’的生活”，收錄了藝術家們的作品，他們從嚴酷而豐富的自然、自己的家庭、親密的朋友或日常生活中隱藏的轉瞬即逝的快樂中找到了主題，並以親密和充滿情感的表達方式描繪了它們。

拉爾森尤其塑造了「瑞典生活」的形象。他和妻子卡琳（也是一位畫家）以及他們的七個孩子住在達拉納省中部松德博恩鎮的鄉村小鎮利拉希特內斯，這是一棟兩層樓的房子。為了滿足家庭的需求，房子經過多次翻修。受當時在英國流行的工藝美術運動的影響，他巧妙地將不同時期和風格的家具融合在一起，並用卡琳親自設計的紡織品和刺繡裝飾室內。他滿懷熱情地打造了他理想中的家，一件完整的生活藝術品。

在當時的瑞典社會，一種理念正在傳播：一個簡約舒適、充滿匠人巧手打造的「真正美好的事物」的居住環境，能夠培養人們的審美情趣，並最終創造一個更美好的社會。正是在這種文化背景下，拉爾森於1899年出版了《居所》（Ett hem），這是一本水彩畫集，描繪了他自家住宅的室內裝飾、生機勃勃、無憂無慮的生活場景以及四季更迭的景象。這本畫集後來被廣泛認為是理想家園的象徵，代表了「瑞典性」。

儘管《家》展覽包含24幅水彩畫，但為了保護這些藝術品，東京、山口和名古屋的每個展館僅展出一幅原作。取而代之的是，另外九幅水彩畫將透過特別製作的影片內容進行展示，在大螢幕上傳遞「莉拉·希特尼斯」溫馨的氛圍。

安德斯·索恩（1860-1920）是拉爾森的朋友，也是瑞典最早享譽國際的畫家之一。他從巴黎返回瑞典後，定居在家鄉達拉納省的莫拉鎮。達拉納省歷史悠久，傳統深厚，索恩經常以達拉納的民間文化為創作主題，例如當地的傳統音樂和服飾，這些文化在現代化的浪潮中正逐漸消逝。他筆觸迅疾，生動地捕捉光影變幻的瞬間，其作品《科爾-瑪吉特編織》至今仍是瑞典最受喜愛、複製次數最多的畫作之一。

同時，第五章「超越現實：描繪不可見的世界」重點關注那些對超越現實的不可見世界感興趣的畫家，例如將北歐神話與他們自己的精神世界和民族主義聯繫起來，以及將民間傳說視覺化。

喬恩·鮑爾（1882-1918）以其為瑞典童話集《布蘭德·托姆塔爾和巨魔》（Bland tomtar och troll）所作的插圖而聞名，是一位深受喜愛的巨魔和森林插畫家，他以北歐民間故事為藍本，描繪了充滿奇幻色彩的世界，其中不乏巨魔和森林插畫家。他筆下光線昏暗、色彩柔和、彷彿擁有自己意志的森林，以及那些既詭異又略帶憂鬱和幽默的巨魔形象，都喚起了人們對自然的神秘感和敬畏之情。

奧古斯特·斯特林堡（1849-1912）是一位特別獨特的人物，他是瑞典19世紀最重要的劇作家和作家。斯特林堡自學成才，一生中只有很短一段時間專注於繪畫，而這段時期恰逢他精神狀態不穩定，包括劇作創作的低谷、家庭不和，以及對神秘學和化學實驗的興趣。他用畫刀創作的風景畫直接觸動觀者的心靈，甚至觸動了他自身的精神狀態。他獨特的風格充分利用了創作過程中潛意識湧現的偶然性和意象。

第六章「與大自然同行：瑞典新繪畫的誕生」是本次展覽的亮點。瑞典曾被認為是一個「無畫可畫」的國家，但從19世紀90年代起，畫家們開始「發現」瑞典獨特的自然美景，例如茂密的森林和湖泊、嶙峋的海岸線以及白雪皚皚的冬季景色，並開始探索描繪這些美景的合適方式。

例如，古斯塔夫·菲耶斯塔德（1868-1948）是一位定居於瑞典中西部韋姆蘭省拉肯湖畔的畫家，他一生都在創作冬季風景畫。他的作品《冬日月光》以其飽滿而富有裝飾性的筆觸描繪了覆蓋地面和針葉樹的蓬鬆圓潤的積雪。他獨特的點彩畫法，透過有節奏地疊加細小的點和線，營造出渾然一體的畫面效果，賦予了雪景一種神秘而寧靜的氛圍，這正是菲耶斯塔德的標誌性風格。

這時期的風景畫尤其註重探索主題和技法，更強調透過風景來表達情感和氛圍。柔和細膩的黃昏和黎明光線完美地詮釋了這一點，取代了19世紀80年代作品中常見的耀眼陽光。夏夜漫長的暮色和籠罩夜空的藍色光芒，賦予畫面一種詩意的氛圍，照亮了瑞典豐富的自然景觀。這種後來被稱為「民族浪漫主義」的藝術潮流，催生了其他國家藝術中鮮見的、獨具特色的瑞典繪畫。

尼爾斯·克魯格（1858-1930）自巴黎時期起便對馬匹在各種工作環境中的表現抱有濃厚的興趣。即使回到瑞典後，他仍然繼續描繪在家鄉卡爾馬附近的烏蘭島上，馬匹、牛群和其他牲畜悠閒吃草的場景。晚年深受梵谷影響的克魯格，其畫作《夜幕降臨》生動地捕捉了黃昏的氛圍和光線，畫面一半被藍色的光芒籠罩，筆觸短促有力，頗具梵高的風格。仔細觀察，你會發現這藍色的光芒不僅籠罩著天空，也傾瀉在吃草的馬匹和大地上，在原本平凡的風景中營造出一種宏偉而奇幻的氛圍。

此外，本次展覽的語音導覽（需付費）首次在博物館的特色導覽中加入了「慢賞」環節。這種觀賞方式也應用於國立博物館的教育計畫中，讓參觀者透過仔細觀察每一件作品並提出問題，更深入地欣賞藝術作品。參觀時，請務必體驗。

「東京都美術館百年紀念展：瑞典繪畫：北歐之光，日常光輝」概覽

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台東區一葉紀念館

 

台東市一葉紀念館目前正在舉辦名為「一葉居住的下谷龍泉寺町」的特別展覽，展現樋口一葉在下谷龍泉寺町（現龍泉）的生活，這裡也是她代表作《竹倉部》的背景地。展覽將於2025年10月25日（星期六）至12月21日（星期日）舉行。

■ 台東市一葉紀念館<br />為了保存明治時期傑出女作家樋口一葉的文學成就，眾多志工齊心協力，於1961年創建了這座日本首座專門紀念女性作家的文學博物館。 2006年，受一葉肖像被選為新版5000日元紙幣的啟發，這座破舊的建築進行了翻新。另一大亮點是建築師柳澤隆彥的精美設計。館內收藏並展出了大量珍貴資料，展現了一葉的創作活動和生活方式，其中包括《竹倉部》的未完成手稿、信件以及和歌條。

在下谷龍泉寺町的生活經歷，成就了「奇蹟般的14個月」。

樋口一葉（本名：夏）1872年（明治5年）出生於中產階級家庭。她從小就展現出人的天賦，14歲時進入中島歌子的詩歌學校萩野屋，學習古典詩歌、和歌和書法。

1889年，他的父親因病去世，給他留下了巨額債務。年僅17歲的他被迫承擔起養家的重任，過著艱辛的生活，供養母親瀧和妹妹國。他師從報社記者兼作家花井東水，並於1892年在文學雜誌《武藏野》上發表了小說《山櫻》，正式以小說家的身份出道。他試圖用作品的版稅來補貼家用，但始終無法擺脫貧困。 1893年7月，他從寧靜的本鄉菊坂町搬到了吉原紅燈區附近的下屋龍泉寺町368番地，在那裡開了一家雜貨店和糖果店。他體驗了當地一年一度的盛事，例如洗足稻荷祭和鳥之市，並終日觀察著紅燈區裡來來去去的人群。

最終，他的生意並未步入正軌，九個多月後，他搬到了福山町丸山本鄉。從此，他潛心寫作，根據在下谷龍泉寺町的生活經歷，創作了一系列傑作，包括《竹藏部》、《濁江》和《十三屋》。這十四個月後來被譽為「奇蹟般的十四個月」。他的作品受到森鷗外和幸田露伴的盛贊，並收到許多邀約，但他卻在1896年因肺結核去世，年僅24歲。

特別展覽「下谷龍泉寺町，一葉生活的地方」介紹了下谷龍泉寺町的地方特色，這裡是一葉作為作家茁壯成長的沃土，並揭示了她在那裡的生活、所見所聞以及所學到的東西。

一葉居住的貧民窟

進入展廳，首先映入眼簾的是根據嚴謹的歷史考證和訪談資料，還原了下谷龍泉寺町當時的景象。展廳中央是伊一葉居住的兩棟公寓大樓，沿著大園寺通（現茶屋町通）筆直向前延伸，便可看到大羽黑道府的石牆和緊急關卡，這裡是吉原紅燈區的分界線。從這裡步行幾分鐘即可到達。

■ 「大羽黑護城河中倒映的燈光彷彿讓他們就在那裡，馬車來來往往，象徵著無比的繁榮。（略）轉過三島神社的拐角，沒有看到什麼大型建築，只有一排十棟屋簷下陷的公寓樓，總共二十棟……」 （總共二十棟…」開頭）摘自《竹倉部》開頭）摘自《竹倉部》開頭） 現代譯文：三層樓高的紅燈區燈火通明，喧鬧聲清晰可聞，連漆黑的排水溝裡也倒映著燈光。早晚車水馬龍，可見此地無比繁榮。 （略）然而，一旦轉過三島神社的街角，映入眼簾的並非高大醒目的豪宅，而是一排十來棟屋簷傾斜的排屋。

■ 「這棟房子位於從下谷到吉原的一條主幹道上。從傍晚開始，就能聽到馬車呼嘯而過的聲音和燈光。那景象，真是美得無法用語言形容。」（摘自日記《塵埃》） 這棟房子位於從下屋到吉原的唯一一條路上，到了晚上，人力車的吆喝聲此起彼伏，燈光忽明忽暗。那景象難以用言語形容。

連接三島神社和吉原娛樂區的大園寺通，曾是前往吉原的人力車的主要路線。結合模型和一葉的描述，吉原燈火輝煌、熙熙攘攘的三層妓院和川流不息的車流，與附近破敗的廉租房區形成了鮮明的對比。

明治時代的吉原－孩子也對庭園著迷

《竹倉部》的故事發生在下屋龍泉寺町和吉原紅燈區，講述了一個情感豐富的故事，描繪了將來會成為和尚的信之、將來會成為妓女的綠以及他們的青梅竹馬翔太郎之間淡淡的愛情，以及他們在走向成年的過程中所面臨的衝突，所有這一切都發生在季節性事件的背景下。

故事始於8月18日，即洗足稻荷祭的前兩天，結束於第三鳥祭之後，大約在11月底或12月初，這與一葉在下屋龍泉寺町居住的時期重合。顯然，一葉的親身經歷深深融入了她的作品之中，據說許多角色都是以真人為原型創作的。

在錦繪版畫《新吉原稻本郎街角中町庭若即興圖》中，我們可以感受到熙熙攘攘的景象。這幅畫描繪了秋季的庭若，而庭若這一活動也出現在作品中。庭若是指藝伎在街邊攤位進行即興表演的活動。在吉原，春季的中町櫻花（夜櫻）、夏季的玉菊燈籠和秋季的庭若都是吉原的三大景緻，深受人們喜愛。一葉巧妙地將這些景緻融入她的作品中，生動地展現了四季的更迭。

故事也描繪了孩子們完全沉浸在吉原的氛圍中，開始模仿仁和時代的藝伎，一葉對他們進步如此之快感到驚嘆，寫道：「孟子的母親也會驚嘆的。」可以說，只有真正生活在那個地區的一葉才能寫出如此真實的印象。

一葉不僅從外部觀察吉原，也親自前往探訪。她從為她安排工作的「引手茶屋」的女管家那裡了解到了花街的情況，欣賞了玉菊燈籠，並詳細記錄了在花街表演新奈伏舞的藝妓的年齡、衣著和舉止……每一次訪談都對日後竹倉部產生了深遠的影響。

在糖果店裡反覆嘗試數日——有時還會抱怨

據說，一葉這幅引人注目的肖像畫的靈感來自她1893年8月6日日記《塵埃之內》中的一段文字：「第六天，晴空萬裡。我開店了。（省略）今晚我裝了第一批貨，……」8月6日是店裡開張的日子，起初，店裡出售各種雜物，例如刷子、草紙。一葉很快意識到，單靠這些不足以盈利，於是她求助於一位朋友的父親，他經營著一家糖果批發店，開始出售玩具和廉價糖果，例如面子、氣球和繪本。她每天都和來店裡的孩子交朋友。

儘管一葉精力充沛，為了尋找新的住處，她甚至在盛夏酷暑中每天穿著木屐或草履步行20公里，但她卻難以承受忙碌的生意節奏，她的信件和日記中充滿了抱怨。例如，當她的朋友野宮菊子邀請她到千葉縣多古町的家鄉靜修時，一葉寫道：

■ “我希望至少能逃離塵埃三天……但我被困在一棟著火的房子裡，焦躁不安，一刻也不得安寧，還要與鄰居們的憤怒作鬥爭，而你們卻會嘲笑我。” 現代翻譯：我真希望能夠逃離這個煩心的世界，即使只有三天也好，但瑣事不斷湧現，我根本沒有時間做任何事，而且生活條件艱苦。請讓我笑一笑吧。

他在回信中帶著一絲自嘲的語氣描述了自己的處境。

儘管他嘗試了各種方法尋求幫助，但生意還是每況愈下，因為第二年一月，競爭對手在茶屋町大街開了一家店。最終，僅僅九個多月後，他就關掉了店鋪，搬到了本鄉丸山福山町的新家，決定專心寫作。

一葉重拾小說家之路

順便一提，即使在一葉住在下屋龍泉寺町，幾乎完全停止寫作期間，曾因《哀號》而讚賞她才華的作家星野天智和平田時，也一直耐心地勸說她繼續寫作，儘管她因繁忙的日程而猶豫不決。最終，她得以在他們創辦的雜誌《文學會》上發表了《琴之音》和《花籠》兩部作品。本次展覽展出了《花籠》的未完成手稿，上面留有修改和大量刪減的痕跡，反映了作者的創作歷程；同時展出了她記錄創作《琴之音》時痛苦掙扎的日記，以及這兩部作品最初發表的雜誌。

展廳盡頭陳列著與《竹倉部》相關的資料，包括未完成的草稿、摺紙書《竹倉部繪卷》，甚至還有收錄了刊登在《文藝俱樂部》雜誌上的手稿的書籍。未完成的草稿與最終版本的內容差異顯著，因此，將它們並排閱讀，定能發現新的內容。

一葉早期的作品風格奇幻，也包括一些平凡的愛情悲劇故事。但她在下谷龍泉寺町的親身經歷，使她的風格轉向更為寫實，有時會描繪貧困和女性困境等殘酷的現實。本次展覽展現了她創作生涯中一個重要的轉捩點，正是這一轉折使她成為明治時期最傑出的作家之一。

此外，在距離一葉紀念館步行約兩分鐘的茶屋町通上，有一座紀念樋口一葉故居的紀念碑。自從一葉居住於此以來，由於關東大地震後為重建首都而進行的土地調整工程，龍泉地區已發生了顯著變化，但「從下屋到吉原的單一筆直道路」的痕跡仍然保留了下來。

沿著茶屋町通往東走，你會看到一根柱子，上面標示著吉原上屋町的緊急出口位置。除了參觀特展之外，不妨花點時間想像一下，從一葉的公寓裡看到的吉原花街是什麼樣子？

「下谷龍泉寺町，一葉居住的地方」特展概覽

日期	2020年10月25日（星期六）至12月21日（星期日）
場地	台東區一葉紀念館（東京都台東區龍泉3-18-4）
營業時間	上午 9:00 – 下午 4:30（下午 4:00 停止入場）
休息日	每週一
入場費	成人：300日元；小學生、國中生和高中生：100日元 * 持有身體殘疾證明、復健證明、精神健康和福利證明或特定疾病醫療照護接受者證明的人士及其照護者可免費入場。 *每週六，居住在台東區或在台東區就讀的小學生和初中生及其陪同監護人可免費入場。
詢問	一葉紀念館 03-3873-0004
官方網站	https://www.taitogeibun.net/ichiyo/

*本文內容截至訪談當天有效。請以官方網站為準獲取最新資訊。

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國立自然科學博物館

 

國立科學博物館目前正在舉辦名為“大滅絕：生命史上的五大滅絕”的特展，該展覽聚焦於地球40億年曆史上發生的五次“物種大滅絕”，通常被稱為“五大滅絕” 。展覽將於2025年11月1日（星期六）至2026年2月23日（星期一，國定假日）舉行。

在生命史上，「滅絕」與「進化」密不可分。滅絕是指一個物種在沒有留下任何後代的情況下消亡，通常認為每百萬年約有10%的物種滅絕。另一方面，大規模滅絕是指不同分類群的物種在地質時間尺度上極短的時間內同時滅絕。

歷史上曾經有大約90%的物種滅絕，對生態系統造成了巨大衝擊。這或許會讓人對物種大滅絕現象產生負面印象。然而，儘管大約6600萬年前的小行星撞擊終結了“恐龍時代”，但哺乳動物迅速佔據了陸地生態系統，留下了物種空缺，隨後的多樣化進化過程最終孕育了人類。如此一來，新物種取代滅絕物種的現像在生命史上不斷重演。換言之，物種大滅絕是生命史上的重大轉捩點，也可以被視為推動生命演化和多樣化的重要動力。

「大滅絕－生命史上的五大滅絕」特展聚焦於對生命史產生重大影響的五次重大物種滅絕事件，通常被稱為「五大滅絕」。展覽運用最新研究成果，探討了每次滅絕事件的成因以及滅絕前後生物多樣性的變化。

介紹結束後，參觀者將看到球形視頻展覽“大滅絕球”，其中展示了五大物種的精彩影像。

以「大滅絕球體」為中心，呈放射狀分佈著六個區域，其中包括一個逐一講解「五大滅絕」事件的區域，以及一個介紹新生代之後世界的區域。參觀完一個區域後，遊客會回到「大滅絕球體」中心。這種展館結構在國立科學博物館的特展中較為少見，其關鍵在於各區域之間可以輕鬆穿梭。

展覽內容如下：

第一集：“OS邊界：海洋環境的多樣化”
第二集“FF邊界：陸地生態系的發展”
第三集：“PT 邊界：歷史上最大規模的物種滅絕”
第四集：“TJ Boundary：向恐龍時代的巨大轉變”
第五集：白堊紀-古近紀界線：中生代的終結
第六集：“新生代生物多樣性：後五大洲時代”

「XX界線」是用來劃分地質時期的術語；例如，「OS界線」代表奧陶紀和志留紀之間的界線，大約在4.44億年前，第一次生物大滅絕發生於此。

為了籌備此次展覽，博物館也在與「五大生物」有著密切聯繫的摩洛哥進行了研究，其中包括費祖阿塔化石遺址。該遺址讓我們得以一窺奧陶紀末期生物大滅絕之前的世界，此外，博物館還收集了三葉蟲和其他生物的標本，並調查了與三疊紀末期生物大滅絕相關的火山活動。這些調查結果將首次向世人展示。其中一項研究成果就是巨型甲胄魚－鄧氏魚（一種盾皮魚）的化石標本，它將在第二集中亮相。

大約在3.8億到3.6億年前的FF界線（對應於晚泥盆世）附近，發生了一次分階段的大滅絕事件。據信，該事件是由火山爆發導致的驟冷和海洋酸化共同作用造成的。儘管它是五大滅絕事件中規模最小的一次，但海洋生物受到的破壞卻最為嚴重，18%至41%的屬和42%至69%的物種滅絕。此外，珊瑚礁也遭到大規模破壞，幾乎所有無頜魚都消失了。

鄧氏魚是一種體型巨大的盾皮魚，體長超過4米，頭骨上長有強而有力的顎骨。它曾主宰著晚泥盆世的海洋，但盾皮魚似乎沒有存活到鈣質紀。

另一方面，在陸地上，沒有根和葉的植物在整個泥盆紀經歷了快速的身體結構演化。從泥盆紀中期開始，出現了幾個具有粗壯樹幹並最終成為樹木的分類群。其中，世界上已知最古老的樹木是原始蕨類植物瓦氏蕨（ Wattiersa ），發現於美國紐約州（本次展覽展出了其複製品）。早期裸子植物和小葉植物也相繼出現，歷史上最早的森林形成於泥盆紀晚期。

也有人指出，這些森林的出現導致大量二氧化碳的消耗，這可能加劇了氣候變冷，並導致了海洋生物的大規模滅絕。

第 5 集「K-Pg 界線：中生代的終結」解釋了發生在白堊紀末期（大約 6,600 萬年前）的第五次生物大滅絕，這次滅絕是由一顆直徑約 10 公里的小行星撞擊墨西哥尤卡坦半島附近引發的。

火災的衝擊能量產生了大量的含硫蒸汽，這些蒸汽與水蒸氣反應生成硫酸鹽氣溶膠。這些氣溶膠與森林火災產生的煙塵共同作用，阻擋了陽光長達數年甚至數十年。這不僅阻礙了作為食物鏈基礎的植物的光合作用，也導致了酸雨的形成，對生物體造成了嚴重破壞。

該場館展出了一塊 CM2 型碳質球粒隕石，據信與 1969 年墜落在澳洲默奇森地區的隕石屬於同一類型，此外還展出了小行星撞擊時引發的地震和巨大海嘯所形成的地質層標本。

此外，重點介紹在第五次大滅絕中倖存下來的中生代哺乳動物和森林恢復的章節，展出了許多從美國丹佛自然科學博物館運送到日本的珍貴化石標本。博物館擁有世界領先的脊椎動物和植物化石收藏之一。

說到稀有標本，第六集「新生代生物多樣性：五大生物之後的世界」首次公開展示了在東京多摩川發現的一具完整的斯特勒海牛骨骼化石。斯特勒海牛是生活在北太平洋的大型食藻哺乳動物，展出的這具化石長約6米，是目前已知最古老的斯特勒海牛化石。該物種最後一次被發現是在1768年，有些人認為人類活動可能加速了它們的滅絕。

近年來，環境變遷和生物多樣性喪失被認為是人類活動造成的，這已成為全球熱議的話題，有些人甚至將當前情況描述為「第六次物種大滅絕」。參觀本次展覽的觀眾將了解到，運用自然科學研究（例如本文所介紹的研究）所獲得的知識來預測當前物種滅絕和氣候變遷在未來可能造成的後果，並利用這些知識制定應對措施和對策，是多麼重要。

在活動開始前的記者會上，本次展覽的特邀導航員福山雅治登台亮相。

福山曾擔任NHK自然紀錄片節目《熱點：最後的樂園》的主持人，並在之後的15年中走遍世界各地，探索瀕危野生動物令人驚嘆的生態和進化之謎。在第二個展館，正在舉辦福山拍攝的27幅動物攝影作品的特別展覽，並附有題為“生命之聲，大地之歌”的說明文字。

福山表示，她的創作靈感源自於她的祖母。祖母獨自撫養四個孩子，同時堅持務農，與大自然保持緊密的聯繫。 「從小我就覺得大自然既美麗又遙遠，但同時也是一個難以生存的地方。所以，當我接到自然節目的邀請時，我並非只是想去欣賞美景，而是更關心我們家族賴以生存的自然環境正在發生怎樣的變化。」她這樣解釋自己對這個節目的想法。

福山也表示，透過這次展覽，他感受到地殼運動和火山活動是地球作為一個整體生命體進行「新陳代謝」的一部分。 「當發生大規模滅絕時，70%甚至90%的生物都會滅絕。這是否是地球為了生長和進化而做出的犧牲？如果我們認為倖存的生物對地球至關重要……如果是這樣，那麼如果我們把現在視為‘第六次大滅絕’，我們作為地球這個生命體，究竟在為地球做些什麼？或許我們最終也會成為地球生長和變化的腦海中。

最後，他向即將參觀展覽的孩子們傳達了以下訊息：

看完展覽後，我深感我們無法生存，既離不開與生俱來的東西（例如環境和運氣），也離不開我們努力奮鬥取來的東西。有些人可能會疑惑，為什麼要學習，為什麼要上學。但我希望大家能夠意識到，在這個貧窮、歧視、分裂和疏離並存的世界裡，我們能夠接受義務教育，擁有一個可以學習的環境，是多麼幸運。即使「大滅絕」展覽讓你感到恐懼，我也希望它能讓你思考如何與你摯愛的家人和朋友一起生存下去，並讓你明白你需要竭盡全力。

「大滅絕：生命史上的五大物種」特展概述

日期	2025年11月1日（星期六）至2026年2月23日（星期一/假日）
場地	國立科學博物館（東京上野公園）
營業時間	9:00-17:00（16:30前停止入場）
休息日	2026年1月1日（星期四）、11月25日（星期二）、12月28日（星期日）至2026年1月1日（星期四）、1月13日（星期二） *但是，博物館將於11月3日（星期一，國慶日）、11月24日（星期一，休館）、1月12日（星期一，國慶日）、2月16日（星期一）及2月23日（星期一，國慶日）開放。
入場費	成人及大學生：2,300日圓；小學生、國中生及高中生：600日圓 *學齡前兒童免費。 *持有殘障證明者及其一名陪護人員可免費入場。 *更多詳情請查看展覽官方網站。
主辦單位	國立科學博物館、NHK、NHK推廣公司、讀賣新聞
詢問	050-5541-8600（Hello Dial）
官方展覽網站	https://daizetsumetsu.jp/

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國家西方藝術博物館

國立西方藝術博物館正在舉辦名為「奧賽博物館印象派：室內故事」的展覽，聚焦於印象派畫家筆下的室內場景。展覽將於2025年10月25日（星期六）至2026年2月15日（星期日）舉行。

提到“印象派”，我們首先想到的或許是捕捉戶外光線或變幻氛圍的風景畫。他們創作風景畫的方式以及對戶外寫生的運用，無疑地為現代藝術帶來了一場革命。同時，對室內空間的關注也是印象派的重要組成部分，埃德加·德加便是其中的典範。他探索了人造光而非自然光的效果，並留下了許多基於敏銳觀察的室內繪畫傑作。

首屆印象派畫展於1874年在巴黎舉行。當時，巴黎正經歷大規模的城市改造工程——奧斯曼改革，城市面貌迅速現代化。在這座熙熙攘攘、充滿活力的都市中，人們大部分時間都待在室內，室內場景比室外場景更顯私密，可以說是現代藝術的典型主題。換句話說，室內場景為藝術家們提供了完美的創作靈感，激發他們創作出與時代相契合的新畫作。

本次展覽將展出約100件繪畫、素描和裝飾藝術品，其中包括約70件來自巴黎奧賽博物館（被譽為「印象派聖殿」）的傑作，以及來自日本和海外的重要作品。展覽將分為四個章節，探討印象派畫家及同時代畫家（如德加、馬奈、莫內和雷諾瓦）在室內空間創作中的興趣和表現挑戰。

 

第一章「室內肖像畫」著重探討了肖像畫。肖像畫在19世紀末的沙龍和藝術市場中極為流行，也是印象派畫家重要的表達方式。在他們的肖像畫中，他們描繪模特兒在日常生活中的場景，試圖展現人物的性格、職業、社會階層和美學趣味等社會屬性，有時還會透過精心的指導將這些屬性巧妙地融合在一起。

本部分的亮點是德加年輕時的傑作《家庭肖像（貝雷利一家）》 （1858-1869），這幅畫作經過修復後首次在日本展出。畫中描繪了流亡佛羅倫薩的德加的姑姑一家，乍看之下，這似乎是一幅正式的家庭肖像，場景設定在一間典型的資產階級定制公寓的房間裡，房間以醒目的藍色調裝飾。然而，這幅作品不僅坦率地捕捉了每個人的個性和特點，還透過對人物面部表情、姿態和位置的巧妙處理，暗示了這對夫婦之間緊張的關係和心理上的疏離，如同心理劇一般。這種手法突破了傳統、膚淺的理想化家庭形象，顯得格外具有現代感，也充分展現了年輕的德加的真誠和敏銳的觀察力。

莫內的詩意之作《公寓一角》（1875年）描繪了他在巴黎附近阿爾讓特伊的家，是他為數不多的室內畫作之一。莫內對光影效果的敏銳感知在這幅畫中展現得淋漓盡致：前景中敞開的窗簾和綠植，與遠處昏暗的房間形成鮮明的明暗對比，冷暖色調交相輝映。畫中，他的兒子讓和一位被認為是他妻子的女子卡米爾的身影被描繪得十分含蓄，幾乎如同剪影一般，但窗簾和鑲木地板上反復出現的斜線引導著視線，強化了人物形象的衝擊力。

19世紀下半葉，隨著工作場所與家庭界限的日益清晰，與可以自由出入公共場所的男性形成鮮明對比的是，資產階級女性由於不被允許自由外出，她們的活動主要局限於家庭內部。第二章「日常生活場景」介紹了一系列作品，這些作品捕捉了女性在家中享受愛好和手工活動的輕鬆場景，例如音樂演奏、閱讀和針線活。

雷諾瓦的《彈鋼琴的女孩們》（1892年）也是本次展覽的主視覺作品。這幅畫是應當時美術局局長的要求而創作的，其目的是為了吸引盧森堡博物館（當時的國立現代藝術博物館）收藏。在那個年代，擁有一架鋼琴象徵著財富和優雅的生活方式，而彈鋼琴則是上流社會女兒們的愛好，因此也成為了繪畫的熱門題材。這幅作品以溫暖的色彩和柔和的筆觸，描繪了幾個女孩臉貼著臉，專注地看著樂譜，展現了一幅理想的資產階級家庭景象。

第三章「室內室外光線與自然」展示了印象派畫家如何將他們對室外光線和自然的興趣融入他們的作品中，其中的作品以連接室內和室外空間的複雜空間為背景，例如陽台、露台和溫室，這些都是 19 世紀流行的社交場所。

阿爾伯特·巴托洛梅的《溫室裡的景象》（約1881年）描繪了他家特製的玻璃溫室中的一幕。巴托洛梅的妻子普洛斯佩里身著清涼的紫色夏裝，告別了刺眼的陽光，步入燈光昏暗的溫室。那裡棕櫚樹和天竺葵正蓬勃生長，枝繁葉茂。柔和的光線在她臉上和裙子上投下斑駁的光影，營造出舒適的夏日氛圍。

這幅畫作完成後不久，普洛斯佩里便病逝於1887年。巴塞洛繆悲痛欲絕，將畫中描繪的輝煌時刻珍藏於心，似乎從未捨棄過這幅畫作和那件禮服。為了紀念這一特殊時刻，這件禮服也與畫作一同在展覽中展出。

本章也介紹了靜物畫，將自然作為裝飾元素帶入室內，以及日本主義的發展，日本主義以自然為主要靈感來源，創造了創新的裝飾藝術。

第四章「印象派裝飾」探討了印象派畫家將大自然融入室內裝飾後出現的各種室內裝飾表現形式。當時，裝飾藝術——先前曾被視為低俗膚淺的表達方式——正逐漸受到人們的正面評價。本章分析的案例包括為羅馬尼亞貴族比貝斯科王子設計的宅邸、年輕的雷諾阿與建築師查爾斯-賈斯汀·勒庫爾的合作作品，以及莫里索的客廳兼工作室模型，從中我們可以一窺裝飾畫對居住空間的影響。

馬奈和莫內為他們的贊助人、商人歐內斯特·霍舍德的城堡創作了裝飾畫。馬奈的《花叢中的孩子（雅克·霍舍德）》 （1876年）描繪了霍舍德家的長子雅克從花園的花叢中探出頭來；莫內的《火雞》 （1877年）則描繪了一群火雞在草地上漫步，城堡則作為背景。這兩幅畫都以印象派特有的明亮色彩和大膽筆觸，捕捉了霍舍德家族熟悉的場景和主題，讓我們既能欣賞印象派的美學，又能了解其客戶的品味。

與莫內一樣熱愛園藝和景觀設計的古斯塔夫·卡耶博特，也對裝飾性植物繪畫有著濃厚的興趣。 《雛菊花叢》 （1892-1893）是一幅未完成的作品，據信是他最初為自家創作的牆面裝飾畫。這幅畫以鳥瞰視角，將白色雛菊散佈在畫布上，營造出一種沉浸感，彷彿將觀者包裹其中。畫面無限延伸，沒有起點也沒有終點，與莫內的「大型裝飾畫」系列作品——《睡蓮》系列——有著異曲同工之妙。

「奧賽博物館印象派畫展—室內世界的故事」讓參觀者體驗印象派的魅力。印象派藝術在19世紀巴黎的都市生活中，突破了自然與室內空間的界限，創造出獨特的藝術作品。展覽將持續至2026年2月15日（星期日）。

《奧賽博物館印象派：室內畫作賞析》概述

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