作者： nakano

上野皇家博物馆

许多艺术作品使用来自加纳贫民窟 Agbogblothy 的废料。
现在，全世界的注意力都集中在以可持续资本主义为目标的艺术家长坂真吾的活动上。
长坂在博物馆的首次个展目前正在上野皇家博物馆举行。

游戏机、电脑键盘……画布上覆盖着我们非常熟悉的电子设备及其部件。
Shingo Nagasaka 是一位艺术家，他用发达国家丢弃的破损电子设备创作原创作品。
除了他的作品之外，以“可持续资本主义”二字为象征的哲学，以及将利润投资于贫民窟的方法引起了全世界的关注，还产生了一颗黑星。

“Shingo Nagasaka Exhibition Still A ‘BLACK’ STAR by Nanb​​oya”是他在美术馆的首次个展，展出了约200件作品。

我在加纳贫民窟遇到的世界的真相

“我们发达国家不能是唯一快乐的人。”

长坂先生以诚恳的表情向集会的媒体发出呼吁。然后，他有力地谈到了他筹集 100 亿日元在加纳贫民窟建造回收厂的愿景。

2017年6月，街头画家长坂先生参观了被称为“世界电子设备墓地”的加纳贫民区Agbogbloshie。在那里，他见到了焚烧发达国家丢弃的电子设备，每天靠微薄的 500 日元过活的年轻人，他感到很震惊。

从那时起，长坂先生继续用艺术的力量来传达“我们丰富的生活是由这个贫民窟的人们做出的牺牲才成为可能”的现实。

如果世界不美丽，我们也无法过上美丽的生活。

从煤渣的烟雾、年轻人和牛融为一体的“质量守恒定律”中可以看出，长坂先生严厉批评了忽视当地自然环境的消费社会。是
但是，与此同时，借用长坂先生的话说，我们生来就是“资本主义拖累者”，我们无法立即实现完全无视资本主义的社会形态。

因此，他提出了“可持续资本主义”，即“文化”、“经济”、“社会贡献”三个轮子不断转动的形式。
例如，他拥有的加纳作品越多，垃圾就越少，它对经济的贡献就越大，它就会变得越有文化。同时，这个问题的信息传遍了全世界。这是在利用好资本主义形式的同时，试图创造一个可持续的良性循环。

他的可持续资本主义活动之一是他的第一个 NFT *项目“MAGO Mint”。

在第一个项目“纽约的废旧街”中，他创作了一个由 300 幅限量摄影作品组成的独特系列，将纽约街头每天被丢弃的家用电器当作画布。
几天后将消失的东西将继续以艺术家的能量作为数字档案存在。可以说，这是 NFT 独有的一次尝试。

这座“纽约的废柴街”的日交易量已经达到了仅次于村上隆先生的第二大规模，据说销售额是投资在贫民窟建立回收工厂。

相对论中显示的爱的形式

本次展览展出的作品大约有200件，其中给我留下深刻印象的作品之一是展览结束时展出的《相对论》。
这形象地表达了理想的社会和爱情应该基于先进/落后轴和贫富轴的方式。
“如果你把手放在热炉上一分钟，感觉就像一个小时。如果你和一个漂亮的女孩坐在一起一个小时，感觉就像一分钟。”
受著名相对论启发的作品。

换句话说，当有爱时，时间感就消失了。反之，谈“发达国家”和“不发达国家”，谈不上爱。
画布中央显示的正是时间消失的状态。永恒的和平，充满爱。
为了实现这一点，我们需要观众的参与。画布侧面设有投币口，插入的硬币顺着管道到达“不发达国家”。
可以说，这是一部体现长坂先生可持续资本主义方法的作品。

此外，会场还播放了以面包超人为灵感的“Millie-chan”动画视频、用被访问过的橄榄种植的濑户内海倾倒垃圾制成的艺术作品，以及电晕灾难前的作品。尽管如此，还展出了各种作品，例如“Let’s Go Diversity”，这是一种未来预测，似乎暗示着2020年之后传染病蔓延导致的“新常态”。

在贫民窟建厂，世界和平。
长坂真吾试图通过艺术改变世界的尝试在这一刻仍在继续。
何不亲自到会场参加“MAGO Project”呢？

* NFT – “Non-Fungible Token” = 不可替代代币。不可替代性意味着不可替代。代币是使用区块链技术的加密资产。在互联网上流传的艺术、音乐等作品，此前因滥用版权而容易复制的作品，现在可以用唯一的数据识别签名进行标记，使所有权一目了然。

*本文内容为预览版（2022年9月9日）。详情请查看展会网站，可能与最新信息有所不同。

活动概览

文章提供： kokosil Ueno

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东京艺术大学大学美术馆

东京艺术大学（前东京美术学校）作为艺术教育和研究机构发挥着重要作用。
内务厅三之丸正藏馆藏品与宝石藏品相结合的特别展览
“揭开日本艺术：皇室，美丽的宝箱”已经开始。

2022年8月6日（周六）至9月25日（周日），东京艺术大学大学美术馆正在举办“揭开日本艺术：皇室，美的宝箱”特别展览。

举办本次展览的东京艺术大学是1890年冈仓天心在其前身东京美术学校首次系统地讲授日本艺术史的地方，是日本重要的艺术教育和研究机构。日本，发挥了作用。

在本次展览中，将展出82件作品，包括与皇室有关的名作和优秀作品，这些作品收藏在宫内厅三之丸正藏馆和东京艺术大学的收藏中。以通俗易懂的方式介绍从奈良时代到昭和时代的日本艺术，以书法、和歌、人物和故事、花鸟、动物和风景等主题和主题进行介绍。

*文章内容截至2022年8月5日。请查看展会网站以获取最新信息。

每个时代的杰作概述！一本真正的教科书去体验

为创立东京美术学校做出贡献的冈仓天心将日本艺术史确立为创造未来艺术的基础，并将其发展为一门学科。可以说成就非常大。
然而，虽然不限于日本，但在欣赏艺术时，由于难以了解作者、历史背景、技术术语和概念，人们往往会避而远之。

特展“揭开日本艺术：皇室，美的宝箱”所展示的，就是尽可能地解开“日本艺术”的僵化形象，去接触和熟悉个别的作品。会场里排着大家都知道的国宝，“我在教科书上看到了！”之类的对话。

在会场内，根据“以文字开始的日本之美”、“人与故事的合作”、“令人兴奋的生物”和“风景令人振奋”等主题展出作品。你可以享受它。

展览从第一章“从文字开始的日本之美”开始，介绍了日本情感创造的假名字符如何与艺术联系在一起。在第二章“人与故事的交融”中，可以看到各种文字故事与四时风光、人情相联，升华成美的过程。

在这里，展出了去年在三之丸正藏馆藏品中首次被指定为国宝的《春日权现元气站绘》和《蒙古入侵江户》等珍贵画卷。此外，据说由鹿野英德创作的《源氏屏风物语》等作品告诉我们，平安时代的文学在此之后长期受到日本人的喜爱。

在以日本人对生物多样的目光和表情为重点的第三章“涌涌生衣”中，有很多值得关注的展品。
酒井法一的《花鸟十二月》，全部12幅作品同时展出，伊藤若冲的国宝《动植物》 （展1），谷文长的《虎》 （展1）。被称为日本艺术珍品的作品一字排开。

最值得一提的是国宝“空地组屏风” ，右边屏风是鹿野英德绘制的（桃山时代，16世纪），左边是鹿野恒信绘制的（江户时代，17世纪）。我想让你在会场看到右边屏幕上的强大狮子，这被认为是鹿野英德的杰作。

第四章“关注山水”，将展出以自然和山水为主题的作品，从传统的自然主题“滨松组”和西方绘画早期的山水画开始。您可以追溯古代日本山水表现的精髓如何在改变其形状的同时传承到现代绘画中。

Yoshimatsu Gosoda 的“尼亚加拉风景”是明治时期的一幅画，描绘了宏伟的尼亚加拉大瀑布。通过将前景中的观光船与瀑布进行对比，将宏伟的规模传达给观者。

通过宫内厅和东京美术学校的努力，许多杰作被传给了后代。
人人皆知的“那件作品”，如果你真的看到它，就会有耳目一新的印象。

无论如何，我希望你参观会场，看看真实的东西。

*所有未注明出处的作品均由宫内厅三之丸正藏馆收藏。

活动概览

文章提供： kokosil Ueno

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东京都美术馆

本次展览原计划于 2020 年，即波士顿美术馆成立 150 周年之际举行，但由于新型冠状病毒的传播而被迫推迟。
“波士顿美术馆展：艺术x力量”于7月23日开幕。

从 2022 年 7 月 23 日星期六到 2022 年 10 月 2 日星期日， “波士顿美术馆展览 Art x Power”正在东京都美术馆举行。
埃及、欧洲、印度、日本……本次展览从各地收集的约60件作品中贯穿的经线是“权威”和“权力”。

当今很多人都有一种艺术是“反权威”、“反权威”的形象。但从历史上看，两者是密切相关的。
各个时代、各个国家的有权有势的人都用艺术的力量来维护他们的权力，装饰他们的法庭，展示他们的合法性。
因此，由当权者创作的时代顶级画家和工匠的优秀艺术作品即使在今天仍然让我们着迷。

本次展览聚焦“艺术与权力”的关系，呈现波士顿美术馆百科全书精选作品。关注自古以来艺术品所发挥的社会作用。

掌权者喜爱的壮丽美景

纵观历史，艺术作品扮演着各种各样的角色，不仅仅是为了观赏。
比如范戴克画的玛丽王妃肖像就很精彩，表现出礼服面料的质感、手感的优雅、天真无邪的眼睛闪闪发光，或者有一个重要的“角色”要晋级。

Natsuko Ohashi，负责策展人

“一个通过艺术突出每个时代强大力量的展览，并追踪每件作品如何被用来展示这种力量。我想要你

以及举办本次展览的意义。

本次展览由五个章节组成。每一章都从不同的角度关注权力与艺术的关系，但关注时代和地域特征的差异也很有趣。

例如，在展厅入口处展示的《身着加冕礼服的拿破仑一世肖像》中，拿破仑被描绘得简单而庄重，头戴金桂冠，头戴鹰尖权杖。

不过，在《平治物语绘卷三条传夜袭卷》中，天皇的存在隐藏在竹帘后面，按照日本艺术的传统，并没有公开展示。就像草薙剑和八田镜这样的王权从未被公众看到一样，“权威”在日本是一种隐藏的存在。

自古以来，就是“神”、“天”等超自然和宗教概念给予权威和权力“认可”。标题为“神圣世界”的一章展示了那些成为“上帝的代理人”的当权者创作的宗教艺术品。

除了圣母子和如来的雕像外，还创作了许多与精神世界有密切联系的僧侣、圣人和世俗人物的雕像，埃尔格列柯的《圣多米尼克祈祷》就是其中之一。圣多米尼克的一个非常私密的奉献时刻，他创立了传教士勋章，被称为多米尼加勋章，以有力的笔触描绘出来。

宫殿是权威和权力的直接和象征性代表之一。可以说，本次展览所展示的许多艺术作品都与这些宫殿和宫廷的正式仪式和社会风俗息息相关。
特别是，服装和配饰在传达穿着者的权力和地位方面具有决定性作用。

“Marjorie Meriweather Post 胸针”是 Marjorie Meriweather Post 在拜见英国国王乔治五世和玛丽王后时从曼哈顿的马库斯公司购买的。中央镶嵌的 60 克拉祖母绿饰有铂金和钻石，熠熠生辉。
虽然这枚胸针从未供过观众使用，但据说它一直作为珍宝在波斯特的珠宝收藏中被珍藏。

日本的国宝？ ！名宝归来

美国波士顿美术馆被称为“东方艺术名人堂”，100多年来收藏了10万多件日本艺术作品，从欧内斯特·费诺洛萨和冈仓天心开始。在庞大的收藏品中，脱颖而出的吉备大人iri Tang Emaki与之前推出的Heiji Monogatari Emaki Sanjoden Night Attack Scroll一起被认为是日本的国宝，是一件珍贵的作品。
两大画卷同时展出，堪称本次展览的亮点。

《吉备大金牛绘卷》讲述了作为使者渡海到唐朝的吉备牧尾，在化身魔物的阿部中麻罗的帮助下解决了诸多难题的故事。由于面积较大，房间呈U形展示。它一直受到寺庙和神社和权贵家族的保护和代代相传，但由于江户时代末期至明治时代的社会变化，它被泄露到市场上。很长一段时间都没有买家，但最终于 1932 年被波士顿美术馆买下。

这部作品已成为“幻影国宝”。想一想这个卷衣人在观看它时所遵循的奇怪命运会很有趣。

本次展览的最后一件作品是孔雀，它在左右两侧描绘了一只迷人的孔雀。
画家增山正孝是江户时代中期统治伊势长岛藩（今三重县桑名市长岛町）的藩主。他保护了许多画家和知识分子，甚至自己创作了许多书画。
为本次展览复原并首次回国的《孔雀》，是世斋多次创作的主题，质量上乘，可以说是代表作。

不同地方、不同时代的力量与艺术编织出的平衡与渐变。
掌权者利用艺术的力量来展示自己，并为他们所依赖的故事赋予神话般的合法性。然而，本次展览所展示的不仅仅是艺术从属于权威的表象。

艺术在其中隐藏着一种超越世界“力量”的“力量”，不仅感动人心，有时甚至感动世界。看着收集到的众多宝物，心中萌生这样的念头。

推迟了一段时间，期待已久的展会开幕终于来了。我们希望您能够直接在会场看到它。

“波士顿美术馆：艺术 x 力量”大纲

*文章内容截至采访日期（2022/7/22）。请查看官方网站以获取最新信息。

文章提供： kokosil Ueno

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东京都美术馆

东京都美术馆将举办特别展“Finn Juhl 与丹麦椅” ，介绍丹麦家具设计的历史与变迁，重点展示被称为“家具雕塑家”的丹麦设计师 Finn Juhl 的作品。它于 2022 年 7 月 23 日开始。

由于我参加了早些时候举行的新闻发布会，我将报告会场的情况。

以支撑日常生活的“椅子”为主题的展览

在被誉为设计强国的斯堪的纳维亚国家丹麦，hygge（意为“舒适愉快的时光”）的价值观已经扎根于生活方式，在家具设计中追求简约舒适。

尤其是从1940年代到1960年代，丹麦进入了黄金时代，历史上出现了许多优秀的家具。 Finn Juhl（1912-1989）是这个黄金时代的代表设计师之一。

他创造的家具不仅舒适地贴合身体，而且以其优美的曲线和细节之美的现代设计脱颖而出，宛如一件艺术品。

展览“Finn Juhl 与丹麦椅子”以丰富多样的例子追溯了以丹麦椅子为中心的家具设计的历史和变迁，同时又接近了 Finn Juhl 设计的魅力。

在展览的最后，还有一个特别的角落，您可以在那里实际体验丹麦设计的椅子。

许多展品来自北海道东川町拥有的世界著名的“织田收藏”。本次展览的学术合作者之一、首席研究员小田健二（东海大学名誉教授）多年来一直收集20世纪的家具和日用品作为研究资料，这是您的第一次机会吗？

第一章“丹麦椅——设计背景”

本次展览由第一章至第三章三个章节组成。

第 1 章“丹麦椅子”首先介绍了 1930 年斯德哥尔摩博览会，这让年轻的丹麦建筑师和设计师有机会接触到现代主义运动，该运动倡导席卷欧洲的理性主义和功能主义。

他领导了丹麦现代主义运动，在继承传统家具制作技术的同时，力求向大众开放设计，Koa Klint（1888-1954）被誉为现代丹麦家具设计之父。

创立丹麦皇家美术学院家具系，担任首位教授，据说对丹麦家具设计的发展影响最大。

家具工匠协会的存在，有效地培养了家具工匠，并经常举办展览以呼吁高水平的技术。

连同照片、海报、出版物和视频等各种资料，我们仔细回顾了全世界喜爱的丹麦杰作家具的创作背景。

当然还有 Koa Clint，还有成为皇家美术学院第二任家具教授的Ole Wanscher、为大众设计没有多余装饰的功能性家具的Børge Mogensen ，以及他对木材的深厚造诣。看看Hans J. Wegner等著名设计师设计的各式各样的椅子，他用自己的知识和精湛的工艺创造了一个又一个的杰作。

椅子由座椅、靠背和腿组成的简单基本结构组成，但其中一些包括 Helge Vestgaard Jensen 的球拍椅，它使用了网球拍上的绳子，以及 Werner 的冰淇淋锥形椅子。各种略显古怪的设计，如潘通的“锥形椅”和格雷特·贾克的“胶合板椅”，看起来像是用折纸制成的。

然而，即使是古怪的，也没有华丽的印象，具有丹麦设计共有的沉稳大气。

在同一章中，您会发现丹麦家具设计黄金时代的各种惊人的想法和想法。

第二章“芬·尤尔的世界”

当时的许多家具设计师都是 Koor Klint 的学生或家具工作室的学生。

另一方面，Finn Juhl 在父亲的推荐下于 1930 年进入皇家艺术学院学习建筑，尽管他渴望成为一名艺术史学家。在一家建筑公司从事建筑和室内设计工作时，他自学了家具设计。

第 2 章“Finn Juhl 的世界”从建筑师、室内设计师和家具设计师 Finn Juhl 的早期建筑图纸开始。

1930年代后半期，他与优秀的木匠Niels Votter合作，探索独特的形式。

1942年在哥本哈根北部建造的自己的房子（Finn Juhl House）的设计，成为他一生的工作场所。

自 1950 年以来，Finn Juhl 的广泛工作为他赢得了国际赞誉，包括纽约联合国总部的室内设计、瑞典-斯堪的纳维亚航空公司的办公室设计以及客机的客舱设计。

Finn Juhl 的作品被描述为“雕塑般的”，深受雕塑家 Hans (Jean) Arp 的抽象雕塑形式和潜在美学的影响。

雕塑手法在他早期的作品中尤为突出，顺着肘部的手臂流畅的曲线和修长锐利的腿是抽象的，就像阿尔普的人体雕塑。让我想起我的身体。

正如 Finn Juhl 所说，“椅子不仅仅是日常用品，它本身就是一种形式和空间。”它在创造空间和谐的同时又与日常用品产生了密切的共鸣，这是一个巨大的吸引力。

与Finn Juhl House相关的展览清楚地展示了它的魅力。作为一个您可以在没有任何人干预的情况下体现自己的想法的地方，它是一座独具慧眼的豪宅，不仅设计了建筑，还设计了家具和日常用品。

Wilhelm Runnström的画作等艺术品也布置得很精美，从介绍宅邸空间的视频资料中，可以感受到Finn Juhl设计美学的一部分。

第三章“体验丹麦设计”

Finn Juhl 认为，如果没有人坐在椅子上，椅子只不过是一件物品。

作为此次 Finn Juhl 展览的独特一角，第 3 章“体验丹麦设计”展示了椅子作为日常工具的原始作用，并在设计时考虑到了用户的生活方式。我回到了您实际上可以坐在 30 多张丹麦椅子上！

不仅是 Finn Juhl，还有支持我们在第 1 章中看到的丹麦家具设计黄金时代的设计师设计的椅子。有总统座椅这样的实心皮椅，还有非常适合户外制作的折叠凳。

您可以直接触摸椅子，以检查坐起来的舒适程度以及触摸的感觉，并观察坐在椅子上的人的样子。设计师是如何处理围绕椅子的问题以及他们是如何解决的？您可以用身体享受丰富的创意。

这里介绍的椅子和照明设备仍然由丹麦制造商生产。

丹麦被誉为“世界上最幸福的国家”。
在一个价值观和生活方式不断变化的世界里，丹麦设计以其简约的设计、功能性和可与任何空间融为一体的普遍友好性在世界各地扎根，这让我感到非常自豪或许是对我们生活舒适的暗示。

直到 2022 年 10 月 9 日，“Finn Juhl 和丹麦椅子”展览将揭示熟悉的家具，例如支撑日常的椅子。

顺便说一下，关于本次展览的举办，由于2012年东京都美术馆的整修，在东京都一楼的“佐藤庆太郎纪念艺术休息室”设置了Finn Juhl等丹麦桌椅。中央大楼，还设置了休息区，据说是新成立的时候触发的。

似乎是为了营造一个舒适的空间，让游客可以度过轻松的时光，不仅东京都美术馆的建筑与斯堪的纳维亚家具之间的高亲和力，而且家具的力量彻底改变了印象的空间。也很惊讶。

如果您参观这个展览，请看看“佐藤庆太郎纪念艺术休息室”。

“Finn Juhl 和丹麦椅子”展览概览

*文章内容截至采访日期（2022/7/22）。请查看官方网站以获取最新信息。

文章提供： kokosil Ueno

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国立西洋美术馆

国立西洋美术馆在关闭约一年半后，于今年 4 月重新开放。

本次展览是为了纪念重新开放，将与正在庆祝其成立 100 周年的德国 Volkwang 博物馆的联合项目。

它试图通过两个博物馆引以为豪的100多件杰作来追溯自然与人之间对话所产生的艺术发展。

这一次，我将告诉您活动前一天举行的新闻发布会的情况。

本次展览“国家西方艺术博物馆重开纪念自然与人民对话弗里德里希、莫奈、梵高、里希特”将与德国Volkwang博物馆合作举办。

Volkwang博物馆以出生于德国哈根的银行家的Karl Ernst Osthaus（1874-1921）从19世纪收集的艺术品为中心，而国立西洋美术馆也是Kojiro Matsukata（1874- 1921). 1866-1950) 是一个以欧洲收藏的西方艺术为基础的博物馆。

换句话说，这两座建筑的共同点是它们都是基于生活在同一时间的个人的集合。
Osthouse 向当地以煤矿区闻名的鲁尔地区的人们开放了藏品，松方小次郎还构想了“京乐博物馆”，为普通民众提供享受西方文化的机会。

可以说，两位商人的野心是时隔许久，在这次展会上相遇的。

自然与人通过对话产生共鸣

本次展览的主题是“自然与人”。
在两个博物馆的藏品框架中剪下的各种风景和自然主题在所有四个章节的构成中相互呼应。梵高、西涅克、库尔贝……这些作品的画家无疑是西方艺术的“大师”。

关于展览的内容，本次展览的负责研究员（国立西洋美术馆高级研究员）神冈惠说： “本次展览不是按时间顺序排列的，而是一个不断增加自然变化的结构。 .. ” ..

例如，第一章“天上流淌的时间”展示了自然不断变化的一面，第二章“<超越>之旅”展示了与艺术家自身五种感官相连的无形的心理景观。在接下来的第三章“光的建筑”中，我们提取了自然界中的秩序和规律等永恒的元素，在最后一章“天地之间的时间循环”中，我们将自然的永恒循环与人类生命联系起来。你可以找到一件似乎成就了你的作品。

对自然的凝视，从“天空”的表达开始，随着我们在会场前行的过程中下降到我们自己的精神深处，最终变成光和宇宙的表达。这就像一场围绕大自然本身的壮丽旅程。

以 100 多幅作品介绍欧洲的自然表达方式

本次展览以100多件作品介绍欧洲自然表现形式，从德国浪漫主义到印象派、后印象派、20世纪绘画。
除了能够通过梵高、马奈、莫奈、塞尚、高更、西涅克、诺尔德、霍德勒、恩斯特等西方绘画大师的比拼，欣赏大自然的各种表现形式外这两座建筑。这也是你可以比较它们的一点。

在这些作品中，可以说是白眼的一幅是梵高晚年创作的山水画《修剪（圣保罗医院后面的麦田，那里有割草的人）》 。这是晚年患有精神疾病的梵高描绘“大自然巨著所讲述的死亡形象”的代表性山水画之一，也是他首次访日。

第 2 章中展示的古斯塔夫·库尔贝的波浪也向我们展示了大自然的严酷本性，它超越了单纯的客观事件。
对于在法国山区长大的库尔贝来说，大海早已是一个陌生的世界。据说自 1860 年代后期以来，他一直在认真地研究这个宏伟的主题。黑色绿松石色的大海与灰白色的茜草色天空的色彩对比，画笔和画刀的质感区分……这是一部以简单的构图显示作家精湛技巧的作品。

在最后一章，同时展出了克劳德·莫奈的《睡莲，柳树倒影》和《睡莲》 ，以及德国女摄影师恩内·比亚曼拍摄的照片。

莫奈的《睡莲与柳树倒影》（1916），近年在法国被发现，修复后于2019年首次上映，与著名的《睡莲》在同一空间产生共鸣，给我们的印象是一种神秘的感觉。心。唤起。这里所呈现的自然是从一个非常接近的、微观的角度来看，给人的印象是，这个以一场壮丽的“天空”展览开始的旅程即将结束。

在这个切诺卡先生所说的“作品是起点”的展览中，每件作品都必须是主角，但墙上却挂满了生活在同一时代的诗人和艺术家的话语。据说展览空间的各个部分也很冒险。
展览开幕式上，切诺卡先生

“我试图创造一个每件作品都相互影响的结构。作品、文字和空间。我希望你能在整体的共鸣中享受展览。”

我总结了本次展览的亮点。
希望大家来到会场，感受天籁之音和人声。

活动概要

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