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国立西洋美术馆

从 19 世纪末到 20 世纪，来自世界各地的画家来到法国西北部的布列塔尼地区创作他们的作品。展览“布列塔尼，敬仰之地——莫奈、高更、黑田清辉等人眼中的异国他乡”将在东京上野国立西洋美术馆举办，就在里面。
展览将于2023年3月18日星期六至2023年6月11日星期日举行。

由于我参加了新闻发布会，所以我将报告会场的情况。

*文章内容截至采访日期（2023年3月17日）。请查看官方网站以获取最新信息。

全世界艺术家都羡慕的法国腹地“布列塔尼”是什么？

多样而雄伟的自然风光、古老的巨石遗迹、中世纪和早期现代的基督教纪念碑，以及讲布列塔尼凯尔特语的人们简单而虔诚的生活方式。布列塔尼地区位于法国西北部，有一个半岛伸入大西洋，直到16世纪才作为布列塔尼王国独立。

法国境内的“外国”，即使在被法国吞并后也保留了其独特的风景和文化。随着19世纪浪漫主义的到来，许多寻求新题材的艺术家将目光投向了布列塔尼。

在本次展览“布列塔尼，倾慕之地——莫奈、高更、黑田精机等人的眼中”，我们聚焦于 19 世纪末至 20 世纪初令画家着迷的时期，包括绘画、素描、版画，将展出海报等约160件物品。我们正在探索每位画家在这片异域土地上寻找和发现的东西。展出的作品来自日本和两个海外博物馆的30多个藏品。

第 1 章“发现布列塔尼：异国之旅”

展览由四个章节组成。

第一章“发现布列塔尼：异国之旅”探讨了自19世纪初浪漫主义画家“发现”布列塔尼以来，流行了哪些布列塔尼形象。 ”（在乡村旅行寻找风景如画的风景），包括英国风景画家威廉特纳的水彩画。

当布列塔尼异国情调形象的理想化和程式化，以女性形象为代表，戴着 koif（头饰）和穿着民族服饰，到处都是面向大众的海报，Eugène Boudin 和 Claude Monet 从印象派旅行一代的作品中，我们可以看到他们以真诚的态度面对布列塔尼的朴实自然。

特别值得注意的是莫奈的 Paul-Domois 洞穴(1886) 和Beryl of the Storm (1886)。

1886年秋天，莫奈在布列塔尼半岛南部海岸以野外风光着称的贝里尔岛度过了两个半月，这是其中的两个。

它描绘了平静和惊涛骇浪的对称景观。 Paul-Domois的Grotto笔触柔和，比较有节奏感，而Beryl the Storm，笔触狂放，仿佛自己的身体感官在暴风雨中被附身，仿佛莫奈的经历被刻在了画中，这样的作为在那里。

从1890年代开始，莫奈开始呈现一系列画作，试图在画布上捕捉不断变化的光线和气氛中的瞬间。

第 2 章“气候培育的敏感性：高更、Pont-Aven 画派和土地精神”

第二章“气候滋养的敏感：高更、阿文桥画派与大地精神”，展示了保罗·高更等留在西南小村庄阿文桥的画家的作品。布列塔尼。

高更从1886年到1894年多次在布列塔尼逗留，以逃避巴黎生活的艰辛，似乎对他想要的“野性的东西，原始的东西”的思考加深了。

高更的12件作品（10幅油画和2幅版画）是本次展览的亮点之一。从Bois d’Amour的《Watermill Bathers》 （1886），按时间顺序排列，保留了Camille Pissarro的印象派风格，他用简化的形式和色彩来描绘现实世界和内心意象。我可以追踪到他风格的转变，如《站在海边的布列塔尼少女》 （1889），显示了上面综合的综合主义风格的成熟。

《站在海边的布列塔尼女孩》描绘了两个女孩手牵着手，凝视着画家。高更本人试图在这片土地上寻找的“野性与原始的东西”，体现在农家孩子们忍受劳动和贫困的形象中，比如他们强壮的大腿和朴素的衣服。它以一种假设的形式象征性地表现出来.

第三章“扎根大地：继续凝视布列塔尼的画家”

在第 3 章“在土地上扎根：继续观察布列塔尼的画家”中，布列塔尼从 19 世纪末到 20 世纪初成为旅游胜地和度假区。这是他的家乡。

受到浮世绘木版画的启发，亨利·里维埃 (Henri Riviere) 是世纪末日本主义的推动者，他自学制作了多色木版画。里维埃是否将另一个“外国”日本的形象投射到布列塔尼的田园风光中？有趣的是，他把布列塔尼翻译成日文，画得好像在日本一样。

1890 年至 1894 年间创作的 40 幅木刻版画《布列塔尼风景》 ，不仅以细腻的色彩层次引人注目，而且构图让人联想到葛饰北斋，总有一种似曾相识的感觉。

创立纳比斯学派的莫里斯·丹尼斯是一位专注于推广宗教艺术的画家，又因为他是虔诚的基督徒，据说与布列塔尼信仰根深蒂固的精神气候产生了共鸣。展览中， 《年轻的母亲》 （1919）等按照基督教肖像画传统描绘布列塔尼一家人的作品引起了我的注意。

此外，从现实与虚构交叠的人间天堂形象，如沐浴（1920）将古希腊的大海投射到布列塔尼海岸，受到古典主义的影响，他在毕业后爱上了古典主义。 1895年后多次去意大利旅行。你可以感受到

与丹尼斯明亮而幸福的风景形成鲜明对比的是，下一个展览展示了黑乐队（black group）大量使用黑色，该乐队以现实主义的方式描绘了布列塔尼的自然和风土人情。彩色作品紧随其后。

其中，查尔斯·科泰特的3.5米宽巨幅作品《悲叹，大海的受害者》（1908-09）堪称代表作。 Kotte 的代表作品，他曾创作过许多以大海的悲剧和忍受自然严酷的人们为主题的作品。在海难不断的布列塔尼圣岛码头，传统的基督哀悼画上叠加了岛民对溺水渔民的哀悼。

科特的另一件给我留下深刻印象的作品是《圣约翰的火焰》 （约 1900 年），描绘了为死者祈祷的场景。光影的表现让人联想到巴洛克式的绘画，很美，被篝火照亮的人们的表情有一种庄严而略带寒意的气氛。

第四章“从日本经巴黎到布列塔尼：日本艺术家的眼光”

最后一节第四章“从日本经巴黎到布列塔尼：日本艺术家的视角”，19世纪末20世纪初在艺术之都巴黎留学（从明治后期到大正时代），并专注于也前往“外国中的外国”布列塔尼的日本画家。

黑田清辉是日本近代西洋画界的领军人物，也是最早造访布列塔尼的日本画家之一。1891年与久米庆一郎一同前往布雷亚岛，之后任东京美术学校教授. Kuroda 的Brecha 女孩(1891) 被描绘成头发垂下来，这对于布列塔尼女孩来说是不寻常的。伦勃朗风格内饰的明暗对比和生动的色彩对比引人注目。

为创意版画的普及做出贡献的山本佳苗是造访布列塔尼的人之一。 《布列塔尼》 （1920年）作为日本画家在布列塔尼研究的形象而广为人知，是他回国后根据留日期间的草图完成的木版画。强调地平线的画面构图和与素描相匹配的简单背景，沉稳的蓝黑色调营造出标志性布列塔尼女性的宁静氛围。

会场内还展出了旅游指南和行李箱等相关资料，通过这些资料和作品，我感觉就像去布列塔尼旅行一样有趣。

东西方不同的艺术家都在为同一个大主题——布列塔尼创作，但他们在这片异域的土地上所看到的、采取的方式却截然不同。一位凝视着布列塔尼美丽风光而憧憬天堂的画家，一位将贫困和海上事故等严酷现实升华到作品中的画家。这是一次雄心勃勃的展览，再次揭示了每位艺术家的个性。

活动将持续到 2023 年 6 月 11 日（周日）。

“布列塔尼，倾慕之地：莫奈、高更、黑田清辉等人眼中的国度”概要

 

文章提供者： kokosil Ueno

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东京艺术大学大学美术馆

介绍东京艺术大学从毕业作品和完成作品中精心挑选的优秀作品的“购买展-艺代收藏展2023-”将于3月31日在东京艺术大学大学美术馆举行, 2023.. （展览时间至5月7日）

*此处介绍的所有作品均归东京艺术大学所有。

东京艺术大学（以下简称艺大）自其前身东京美术学校于 1889 年（明治 22 年）开办以来，一直在广泛收集各种艺术作品和资料。大学艺术博物馆以广泛展示庞大的藏品为契机，每年举办有主题的“艺代收藏展”。

2023年的“艺代收藏展”是战后1953年开始的“采购制度”。

似乎有从东京艺术学校购买毕业作品并收集起来用作教材的传统，目前东京艺术大学收藏的“学生作品”数量超过10,000件。

本次展览“Kaijoten”收集了其中约100件作品，数量空前，回顾了艺术大学和日本现当代艺术史发源地的历史。这是一个独特的展览，将明治时代主要明星的日本绘画与令和时代崭露头角的艺术家的混合媒体装置联系起来。

展览由两部分组成。

Part 1“大师的学生作品”主要介绍明治时期至昭和初期东京美术学校的毕业作品。入选的艺术家毕业后在艺术界的各个领域都扮演着重要角色，将展出他们的毕业作品，可以称为他们的处女作，以及通常与他们同时创作的“自画像”。毕业作业，我来了

一进场，东京美术学校一年级学生横山泰观的《村堂观年王》 （1893年）和下村鉴山的《熊野御前赏樱》 （1894年）就映入眼帘。 .板谷羽山的“元禄美人” （1984）以令人印象深刻的阵容迎接我们。

Hazan Itaya 作为陶艺家取得了巨大的成功，但直到 20 多岁他才开始认真从事陶艺工作。在学校期间，他从提倡现代雕塑写实主义的高村光云那里学习了雕塑技术。小袖花卉蔓藤花纹以浮雕方式表现，与叶山后期的陶器作品有异曲同工之妙。从某种意义上说，可以说是陶艺家叶山的起源之一。

引起我注意的是菱田俊素（Shunso Hishida）的《寡妇与孤儿》（1895） ，这位天才画家创作了许多杰作，但年仅 36 岁就去世了。一个战死丈夫的女人的表情充满悲情，让我们预感到未来等待我们的命运。

东京美术学校成立时，似乎将以历史事件及其故事为主题的历史画定位为探索新日本画的课题。这部作品据说是根据军事纪事太平记而作，但其题材是描写被卷入战火中的人的悲剧，而不是战争的英雄画卷，这要追溯到中国-日本战争当时的制作背景并非无关紧要。

事实上，这部作品曾被一位教授严厉批评为“怪物图”，但却被当时担任学校校长的冈仓天心买下。这一集提供了东京美术学校的教育政策和理念的一瞥，它强调现在工作的绘画有什么意义，以及应该赋予它什么意义。

“毕业后在学校自拍”的习俗是在 1896 年成立的西洋画系教授黑田清辉的指导下诞生的。我得以证实万津哲五郎、青木茂、藤田嗣治等大师的学习成果，他们的毕业设计出人意料地落选，毕业后才华横溢。

当我想到这种在世界上几乎无与伦比的挖掘过去的传统，现在已经形成了一个对理解日本现当代艺术史极为有用的庞大收藏时，黑田东彦不禁感慨其巨大的意义。 Seiki 的成就。

今年是东京艺术大学采购制度实施70周年。

Part 2“各部门选出的采购作品” ，所有12个部门都有采购系统（日本画，油画，雕塑，工艺品，设计，建筑，先进艺术表现，艺术教育，文化财产保护研究，全球艺术实践，一共介绍了52件购买的作品以及他们的选择意向。突出各部门认定为特别优秀的作品的倾向性。

从各部门的展品来看，“日本画专业”挑选的是特别表现那个时代的氛围和特征的作品，而“雕塑部门”则是从那个时代挑选购买作品的女性艺术家。按年龄最大的顺序选择五个人的方法。作品的选择和评论都是各系教授从自己的角度来完成的，所以看到他们的个性很有趣。

东京艺术大学最新的专业——全球艺术实践专业（GAP）成立于2016年的展览特别有趣。 GAP 探索超越现有文化框架的跨学科当代艺术实践，吸引了来自世界各地具有不同语言、文化和性别背景的学生，也有来自艺术以外领域的学生。

从GAP购买的作品中，我能感受到东京艺术大学近年来研究领域和表现方式的多元化。例如， Sixte Parc Kakinda 的《Intimate Moments/Monologue》 （2019）是一件绘画和影像的装置作品。

面对艺术家根基所在的刚果民主共和国矿山开采的铀被带到美国并用于广岛和长崎原子弹轰炸的历史事实，他对受难者进行了细致的研究。广岛原子弹爆炸……它是一部鼓励考虑矿产资源开采的社会和经济原因及其使用对人类和自然的影响的作品。

这位艺术家在评论中表达了他的失望，尽管他认为自己是连接日本和刚果的桥梁，但他在广岛的绘画表演却没有被日本人注意到，他说：“我是一座看不见的桥。”稻田。这部作品作为 GAP 教育的结果而存在并被购买这一事实似乎具有重大意义，因为它是对日本人种族封闭性的认识。

在第二部展出的作品中，给我印象最深的是工艺部的丸山友美的《一千零一夜》 （1992）。

在由雕刻、锤打、铸造、漆艺、陶艺、染色、材料造型（木材和玻璃）7个领域组成的“工艺系”中，学生通过材料学习先进的传统技术，并获得进一步发展的能力. 旨在附加。

《一千零一夜》是一部使用出色的金属锤击技术将吹过山林的风描绘成风神，并以表现人体为母题的作品。我被身体的活力所吸引，它似乎在水中游泳，以及背后有故事的存在感。据考证，画师丸山友美目前是东京艺术大学工艺系金属锻造教授，正在制作。

根据评论，该作品似乎因“融合了金属锤击技术和焊接，扩展了作为金属作品的表现可能性”这一事实而受到高度评价。作为艺术家和教育家，他不断拓展金属锻造作品的表达可能性。

冈山市柳町 1-8-19 冈智美的动手装置作品（2017 年），跨媒体艺术部成员，也令人难忘。

跨媒体艺术系成立于1999年，追求超越特定媒体框架的各种方法的创造性表达。在以响应不断变化的信息和环境的活动为目标的同时，我们正在探索艺术在社会中的可能性。

被公认为跨媒体艺术系最优秀毕业生的冈友美是一位新锐艺术家，他利用视频和空间设计创作以个人记忆和陈旧习俗等为主题的装置作品。 《冈山市柳町1-8-19》是以我已故祖母的房子为主题的房间型装置，这所房子真实存在于冈山，以及与之相关的回忆。

在一个充满真实家具和小物件等物品的黑暗房间里，通过结合视频投影、反射、灯光和几块亚克力板，艺术家对其祖母的记忆图像在虚拟和真实图像之间分层展开。存在着既非过去也非现在的时间轴空间。影片时长约7分钟，却带给你观影的满足感。诡异闪烁的灯光和诡异漂浮的祖母画像，有点日式恐怖的感觉，凝视着，你的意识仿佛被吸入了另一个世界。

这是您参观本次展览时绝对应该看到的作品。

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会场里有各个时代的精彩作品，各种表现手法，但仔细想想，大多数艺术家在创作时都在20多岁，真是太神奇了。感觉
有的可能后来被称为大师，有的可能毕业后就离开了创作。然而，很明显，所有的作品都是当时一无所有的学生倾注了他们在一流艺术大学所学到的一切的结晶和一团激情。

肯定有很多作品不知道要等多少年才会下一次面世。希望大家能借此难得的机会，回顾东京艺术大学的教育历程，感受历经岁月，依然不失光彩的作品的力量。

 

“购买的展览-Geidai Collection Exhibition 2023-”概述

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东京国立博物馆

东福寺是代表京都的禅寺之一。

被称为新绿和红叶的景点，它是一座著名的寺庙，尽管它被战争摧毁，但仍保存着许多珍贵的东西，如古代文献、书法、经典和肖像画。

本次展览首次介绍东福寺的宝物，汇集了画家妙长的《五百罗汉图》等禅宗文化的优秀作品。

在这篇文章中，我们将报道活动前一天举行的新闻发布会。

东福寺是京都代表性的禅宗寺庙之一，也被称为新绿和红叶的景点。东福寺之名源于每个字都取自奈良的东大寺和兴福寺。

在中国学习禅宗的恩尼成为创始人。东福寺虽曾数度遭火烧毁，但仍保留着中世纪的气息，并以众多建筑流传至今，其庞大的寺院群俗称“东福寺的 Garandzura”。

特展“东福寺”追溯东福寺创建以来的历史，通过与大陆的交流，介绍禅宗文化的全貌。这是一个广泛传达展览意义和魅力的展览。

东福寺的众多宝物，是禅宗的精髓所在。

本届展会展厅分为第一会场和第二会场，

• 第一章 东福寺的创立与圆仁
• 第二章精一派的形成与发展
• 第3话佛画传奇画家妙长
• 第四章禅宗文化与国际交流
• 第 5 章 巨大的寺庙和佛像

它由5章组成。

东福寺在南北朝时期被列为京都五大寺院之第四，主寺东福寺及其分寺具有许多讲述禅宗文化故事的特色，例如作为从中国引进的文物，建筑、雕塑、绘画、书法等文化遗产得以传承。本山东福寺、分寺等国宝7件、重要文化财产98件共计105件。
特别是第一、二章中与恩尼及其后继者正一派相关的禅宗艺术精品，如被称为“南宋肖像画之极品”的《木君石寒像》 （国宝） , 排队. 增加.

给我留下个人印象的是恩尼的孙弟子，东福寺第十五代住持弘石士莲（1278-1346 ） 。是代表“虎”字的字迹还是坐着的老虎的图片？就好像你在问观看这个的人，“你认为你是什么？”

佛画传奇画家妙长的画功

本次展览的重头戏是被誉为“绘画大师”的佛像画家妙长的巨作《五百罗汉》。这幅修复后首次展出的作品，是年轻妙长的代表作，水墨与浓彩相得益彰，两幅幅现存于东京根津美术馆。本次展览将是首次展示全貌的宝贵机会（展期因宽度而异）。
旁边是用独特的方式解释内容的漫画，这也是表现东白特有的俏皮感的地方。

展出的还有《达摩与江户铁六图》，被称为明朝成熟期的杰作。对称的构图之美、错综复杂的光影描绘，以及江户画前所未见的明亮轻松的笔触……虽说是国画名作的临摹本，但却是可以领略到明张超群的绘画力和独创性的名作。

笼罩在巨大大教堂的压倒性力量中

第5章是可以实际体验“东福寺伽蓝面具”的地方。与一座巨大的寺庙相适应的特大佛像的规模和威严会让您惊叹不已。

复原后首次公开的多闻天立像、重要文化财产嘉祥立像和阿难立像，以及全长2米的巨大佛手手。还要注意。它是一个有价值的遗迹，可以证明已经消失的前主像的巨大规模。

展览将持续至5月7日（周日）。在会场体验禅宗文化的鲜艳色彩和巨大寺庙的压倒性力量。

活动概况

展览期间	2023年3月7日（星期二）～5月7日（星期日） ※展览期间有可能变更展品
会场	东京国立博物馆平成馆（上野公园）
营业时间	9:30-17:00（入场截止至闭馆前30分钟）
关闭日	周一 *3月27日（周一）和5月1日（周一）开放
观看费	一般 2,100 日元 大学生 1,300 日元 高中生 ¥900 *本次展览不需要提前预订。如果它很拥挤，你可能需要等待才能进入。 *人多时可能需要等待入场。 ※中学生以下、残障人士和看护人1名免费。进馆请出示学生证、残疾证等。 *凭这张展览门票，您还可以在参观当天参观一般文化展览。 （注）详情请查看展会官网门票信息页面。
展会官网	https://tofukuji2023.jp/

*文章内容截至采访时。可能与最新信息有所出入，详情请查看展会官网。也有可能本文提到的作品已经展出过。

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下町风俗资料馆

台东区下町博物馆位于东京都上野的不忍池畔。

自1980年开馆以来，为了向子孙后代传递东京都市中心的美好旧文化，博物馆接待了很多游客，但从2023年4月1日起，该设施将进行大规模翻新。你知道吗，博物馆将闭馆由于建筑工程，直到 2024 年底（日期未定） ？

改造后，现在的一些展品将看不到了，我感到既希望又难过。

因此，这次，我采访了博物馆的内部，介绍了大约42年以来一直受到人们喜爱的下町博物馆的外观。

最后的特展“明治·大正·昭和的孩子们～用资料拼出的都市区的孩子们的世界～”也在文章的后半部分提到了，所以一定要在剩下的时间里参观一下一个月的生意。请给我。

下町民俗博物馆 诞生于居民的心声

1923年（1923年）关东大地震和1945年（昭和20年）第二次世界大战时被大火烧毁，1964年（昭和39年）为举办东京奥运会而重建。老城区的街道和文化区域迅速消失，老百姓的生活彻底改变。

昭和40年左右（1965年），热爱下町文化的人们开始表达对这种情况的担忧，并萌生了建立博物馆将下町的记忆传承给下一代的想法。 1980 年 10 月 1 日，下町博物馆终于开馆了。

在一楼的展览室中，商户住宅、唐屋、水井等几乎与真人大小一样再现了关东大地震前（约 100 年前）大正时代的街景。在2楼的展览室，我们介绍与以台东区为中心的都心区历史相关的资料和玩具。

展览的魅力在于它是一种体验型内容，您不仅可以欣赏它，还可以登上实际重建的榻榻米房间并触摸展品（*）。据博物馆研究员本田先生介绍，这种所谓的亲手展示的方式，现在各个博物馆都在使用，但下町博物馆其实是先行者。

（*由于电晕危机，禁止与展品接触，部分展品除外）

由于该博物馆是应民间要求开馆的，可以说馆藏的许多物品都是从台东区内外收集的捐赠物品。家具和生活用品就在您家中，您可以享受更真实的市中心氛围。

迄今已有超过300万人次到访，最近更成为追寻复古气息的年轻人和前来观光的外国人的热门景点。

穿越回100年前的大正时代

一楼首先映入眼帘的是鲜红色的六角形自动电话（后更名为公用电话）箱。
1900年，日本第一部自动电话出现在东京的上野站和新桥站。在博物馆中，展出了一部经过修复的盒式自动电话，该电话从 1910 年开始使用。

自动电话亭鲜红的颜色在闹市里一定很漂亮。

里面的手机机身居然是用过的。听筒是分体式的，不是拨号式，而是先呼叫运营商，再接通对方电话的那种。

现在按键式的公用电话已经很少见了，更不用说拨号式的了，但我觉得有一种历史感，因为它们是更早的古董。话筒的位置很低，高个子似乎很难弯下腰说话。这是一个让你想象当时日本人的平均身高是多少的展览。

这是再现面向主要街道的大型商户的场景，花尾（*）制造批发商的店面。您可以看到从江户时代流传下来的传统商人房屋建筑，例如“dashigeta-zukuri”和“agedo”。

（*根据下町博物馆展览解说的记法，是花丁字裤而不是丁字裤。）

在车间的后面，五颜六色的丁字裤垂下来。当时，人们通常认为鞋类就是木屐和草履，丁字裤是日常生活中的必需品。根据季节和和服，他们喜欢通过改变当时流行的材料、形状和图案来改变时尚。

稀有展品方面，工坊上方悬挂着“用神号” 。它就像一个现代的应急包。

“在旧江户地区，经常发生洪水，所以为了避免被淋湿，我们架起了一个篮子，把所有重要的东西都扔在里面。（本田先生）

所有的展示品都配发了说明纸，但对于生活在现代的我们来说，可能还有很多不熟悉的物品，例如警示篮。首先，在博物馆里走来走去，同时猜测“那个工具将用于什么？”可能会很有趣。

这是一个柜台和商务洽谈空间。据说商人总是有一个收银台（记帐和付账的地方），只有店主和店员等特定的人才能通过收银台的格子作为障碍进入。 。当然，您可以自由进入复制品展览。有算盘，有当时保险柜的“钱箱”，还有用来存放印章的“记号箱”。

“关于这些模拟展览，有资料告诉我们，开馆时，当时的馆长和工作人员通宵留宿，看什么样的东西有用，用在什么地方，然后根据情况决定布局。实际体验上。是右撇子（那时候左撇子被纠正很正常），所以在细节上有很多讲究，比如整理东西，让右手可以抓东西。 ”（本田先生）

本田先生的故事告诉我们，博物馆的作用是传达当时的真实生活，而不是展品的呈现。

商馆前还有在浅草发明的、汽车普及前的代表性交通工具的人力车和送货业务不可或缺的箱车，热闹非凡。营造出繁华的氛围.

住在充满市中心待客之情的公寓楼里

商人屋对面，是古装剧中熟悉的唐楼复原，四周是窄巷子。

采访的时间是“初马”（二月初一）。每年在日本各地的稻荷神社举行初马祭，祈求五谷丰登。由于同一栋楼内还有一座小型稻荷神社，因此公寓内装饰着自江户时代以来在初马祭期间在城市中悬挂的地口灯笼。

Jiguchi 是一种基于江户时代流行的谚语和俗语的双关语游戏。 Jiguchi 灯笼是在 Jiguchi 灯笼上附上漫画而制成的，他们为初马节聚集的人们提供娱乐。

就这样，博物馆以迎合季节变化的精美作品迎接游客，如新年装饰品和七夕装饰品。在特殊场合装饰也很有趣，可以作为承载基因和祈福神佛的一种方式。是一款可以让您体验当时人的精神生活和闹市四时风光的智能设备。

顺带一提，在因电晕灾难而禁止触摸展品之前，他们似乎偷偷准备了只有注意的人才能享受的小东西，比如抽屉里的换衣服。

在关东大地震前很常见的一层长屋中，再现了糖果店和土库屋。

卖陀螺和弹珠等玩具的粗点心店是孩子们的社交聚会场所。厨房和榻榻米房间也是在住宅的一部分开放的环境中建造的。

就当时闹市区的基础设施而言，虽然有电，但电器并不普及，水气也不普遍。这种情况也是从厨房里有一个水瓶来储存居民共用的水井里的水这一事实传播的。

在水缸下可以看到一个木制的水槽，像这样在靠近地板的地方建造一个水槽并蹲下来做饭的作坊被称为“坐流”。令我惊讶的是，这在地震前的大正时代也很普遍。这种安排现在是不可想象的。

Dotsuboya 是一家制造和修理锅和水壶等铜制品以及水壶的商店。繁华地段居住着各种各样的工匠，但在这个人们一边修理一边小心使用的时代，道壶屋的工匠们对人们的生活来说是不可或缺的。

在作坊的墙上，制作了供奉火神的神坛，名为“火神坛” 。

“Dotsuboya 是一个使用火的职业，但当时不可能通过一个电话呼叫消防车，所以我认为对火的恐惧比现在更强烈。我想传达的是是一个有很多虔诚的人的时代。”（本田先生）

回头一看，在刚才说的糖果店里发现了一个神坛。相传过去，家家户户、商户都有神坛，拜神佛一定是日常生活中不可或缺的一部分。

建在排屋后面的稻荷神社也是一个展示虔诚深度的展览。

稻荷神在江户时代作为土地和宅邸的守护神供奉，据说每栋平房都建有它。因此，今天在市区仍然存在许多 Inari 神社。

一栋薄薄的墙隔开的房子。对于生活在现代的我们来说，唐楼是一个隐私概念比公寓和公寓弱得无以复加的生活空间。居民之间不可避免地会变得友好，我认为比以往任何时候都更有必要体谅不给他人带来麻烦。
闹市人的善良，可能就是从这样的生活方式中养成的。

一楼展厅的商户和排屋是1980年开馆时建的，已有40多年的历史。博物馆刚开馆时肯定是崭新的地板和柱子，多年来几乎每天都被进出的人弄坏了。

每个人都渴望吗？您还可以坐在钱汤的表台上拍一张纪念照。

二楼作为常设展览，再现了1950年代人们的生活。市中心公寓的厨房和客厅。从东芝的真空管黑白电视机，到日本第一台自动电饭煲，一应俱全的当时的高端家电，不禁让人联想到富家子弟。

短腿桌、抽屉柜等战前流传下来的家具，与最新的家电并存。对方便和舒适的渴望。这种生活方式在1960年代后逐渐消失，我们进入大众消费时代。在怀旧的背后，你也能体会到那些想要保留市中心文化的人的危机感，这也是博物馆成立的动力。

在它旁边，实际在1950年（1950年）至1986年（1986年）在台东区运营的公共浴室“Kingyoyu”实际使用的表架几乎原样放置。 。据说这是博物馆最受欢迎的拍照点，因为它是博物馆最大的捐赠，而且你真的可以坐在上面。

“尤其是从大正到昭和时代的男人们，可能早就向往了，他们似乎很享受万代的体验，也很想坐下来。他们中的很多人似乎并不知道什么是万代，但是当他们看到展览时，他们说，“这就是万代的样子”和“我喜欢它”。我看到了……似乎展览，而不仅仅是这个万代，是一种催化剂访客。”（本田先生）

不是解说员，也不是策展人，而是一个普通人流畅地讲解展品。博物馆的魅力之一就是可以遇到这样的场景。

正在举办特别展“明治、大正、昭和儿童”（至 2023 年 3 月 31 日）

在2楼的展览室，除了昭和公寓的再现展览和公共浴室的看台外，我们通常还展示以台东区为中心的市区相关项目和年度活动相关资料。但是，这一天，正在举行更新前的最后一次特别展览“明治，大正和昭和时代的孩子-用材料拼出的市区儿童世界-” 。 （参观费包含在入场费中）

本次展览以明治至昭和时代生活在闹市区的孩子们的日常生活为中心，主要从博物馆所持有的资料中介绍孩子们在成长过程中经历的游戏和仪式。 .

特别是与儿童游戏相关的资料非常丰富，展品大致分为贝果马、面子等“户外游戏”和弹珠、假装游戏等“家庭游戏”。

本田先生推荐的是从明治时代到大正时代销售的微型手工具。关键是它是由与真实物品相同的材料制成的，例如木头、竹子、马口铁和陶瓷。就连成年人也为它的精致而激动。

在与儿童成长仪式有关的材料展示中，如 Shichi-go-san 和 Okuizome，本田先生说他希望人们特别注意“Semoncho” 。

Semonjo是一本“Semamori”样书，用彩线缝制在0-2岁儿童穿的连体孕妇装背面。

典型的和服在背部中央有一条接缝，一直认为接缝被视为“眼睛”，具有保护身体免受来自背部的灾难的作用。不过，由于连体孕妇装的背面没有接缝，据说是用彩线绣上了被称为“semamori”的“眼睛”，以避邪。据说展出的是昭和时代的纹章，纹章上的每一个图案都有其含义。

本田先生说：“如果与孩子成长相关的祭典展览能传达出以各种方式保护孩子的父母的心声，我会很高兴。”

此外，作为与特别展览同时举办的计划，为了回顾博物馆 42 年的历史，迄今为止举办的计划展览和特别展览的海报和传单，还有现在买不到的博物馆商品。。

改建后的下町资料馆将何去何从？

我们向本多先生询问了翻修后的下町博物馆。

“我们还在制定细节，但不是修复或翻新现在的展览，我们计划彻底改变新时代的印象。它是计划中的（目前展览到2楼），所以我想知道我是否可以向你展示完全不同的景色。请不要担心。”（本田先生）

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下町美术馆所在的上野站周边，有许多可以欣赏到具有高学术价值的近现代艺术作品的设施。其中，博物馆的存在老老实实地延续了 42 年，其展品可以让您感受到曾经居住在市区的人们的迹象，不仅对当地居民而且对生活的人们来说都是一个特殊的地方在当今时代。我觉得我正在取代我的位置。

下町博物馆不仅将下町文化传给后代，还充当连接在现实生活中体验过这种文化的世代和不了解它的世代之间的桥梁，将于 2023 年 4 月 1 日开始准备新的生活.从那天起无论您是否去过博物馆，都请在翻修前参观一次，以留作纪念。

下町博物馆概要

地点	台东区上野公园2-1 从JR上野站不忍口步行5分钟
营业时间	上午 9:30 至下午 4:30（入场截止至下午 4:00）
关闭日	每周一（如遇节假日则顺延至次日）、12月29日至1月3日、特别安排期间等。
入场费	一般300日元（200日元）、中小学生100日元（50日元） *括号中的价格适用于 20 人或以上的团体。 *每周六，在台东区居住或上学的中小学生及其监护人可自由入场。
电话号码	03-3823-7451
官方网站	https://www.taitocity.net/zaidan/shitamachi/

*文章内容截至采访日期（2023年2月3日）。请查看官方网站以获取最新信息。

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台东区书法馆

约1700年前活跃于中国的传奇书法家，后被尊为“书圣”。王羲之扇岸（303-361，异端）和他最著名的作品， “咆哮顺序莲台城以“王羲之与兰亭章”为主题的展览正在台东区书法馆举办。

日期：2023年1月31日（周二）至4月23日（周日） *在此期间，展览将根据以下时间表进行更改。 第一期：1月31日（周二）～3月12日（周日） 第二期：3月14日（周二）～4月23日（周日） * 点击此处查看参展作品列表 *本次展览是与东京国立博物馆的联合项目。 *发布的图片是在获得特别许可的情况下拍摄的。

 

最著名的书法家，却无迹可寻？关于王羲之

在中国历史上，书法最兴盛的时期是公元4世纪的东晋，当时形成了优雅的贵族社会。王羲之出现的时候，正值贵族们在日常生活的方方面面都力求达到极致的优雅，开始对书法增加艺术性和批判性，而书法一直都是实用性强的。

王羲之将草书、草书、方书等当时过渡的书体进行了改良，在艺术上取得了长足的进步，同时将自己的情感融入到书法表现中。他获得的具有普遍美感的先进新体书法甚至在奈良时代引入王羲之书法的日本也成为书法规范的源泉，时至今日仍是能书的代名词。

《染亭丑》 （353年）就是这样一部王羲之的代表作，也是一部在历史上大放异彩的杰作。此为永和九年（353年）三月，王羲之在会稽兰亭（浙江省绍兴市）风景名胜区王羲之宴请41位名人时所写的诗集序草稿。 ）。

王羲之一边陶醉一边即兴创作了一幅乱亭草稿，优美的草书，充满了对宴乐与人生无常的感慨。有趣的是，无论他尝试过多少次，都没有比草稿更好的副本。即使是现在，它也被视为学习武术的人的必修课。

王羲之的书法，包括“乱亭上”，在生前备受推崇，是贵族们的收藏对象，但事实上，似乎没有一件真迹存世。

除了因战乱和自然灾害逐渐失传，王羲之死后300年，钟爱其书法的唐代太宗太糟了主要原因是天皇（598-649）在他去世时将它们彻底收集并与Ranteijo一起埋葬。但是，太宗皇帝委托优秀的书法家制作了《兰亭集》等作品的临本、拓本等“临本”赐予臣民，王羲之的高深书法流传于后世已成定论。

为纪念东京国立博物馆与书法博物馆合作项目20周年，计划举办“王羲之与兰亭章”特别展，展示这些作品影响的书画作品在两个博物馆展出。

“乱亭子”接连出现。王羲之的精髓是什么？

展览的最大特点是可以比较上半场和下半场的10种以上的“乱亭长”。

“Ranteijo”已被复制和复制。正因如此，人物的力道、速度、快慢都有细微差别，历代流传下来的“乱亭子”，反映了当时参与再现的人的功力和对王羲之的形象.

在展览的前半部分，我们能够欣赏到《Sadatake Honran-tei Chorus》韩剧船书勘十千本―》《新流本然亭介绍―山本角山山本京都旧集——》《唯英正本岚亭城王文治家旧集——》《森瓦奈夫千奈府旧佐然亭长》等顺便说一句，作品标题中的“XX书”等短语是用来区别于其他“Ranteijo”的，例如发现作为拓片基础的石头的土地以及独特的特征工作。

《Jingu Honran Teijo – Hanjusenbon》具有柔和的性格和整体凉爽的感觉。唐太宗命侍从抄《岚亭抄》时，写得最好的一位被列为“初唐三大家”之一。欧阳欧友君（557-641）。这幅作品据说是宋代的拓本，在众多的“西布盆”宗谱中尤为古老。

下一个引起我注意的是“新龙本乱定周 – 原为山本角山所有 -” 。 《神龙书》因正文首末半戳唐代年号“神龙”而得名。 “神龙盆”的特点是文字生动活泼，与其他文字相比，因其易于阅读和学习而经常被收录在教科书中。

不过，据博物馆首席研究员中村先生介绍，神龙版的字体风格体现了唐代精致的审美，如果是这样的话，应该更简单一些。当然，当我和其他人对比看同样的作品时，我觉得泼水和骚扰有点夸张了。

即使是同一个系统，人物外貌也大相径庭，值得一看。似乎有各种各样的背景，比如复制它的人是否不自觉地带出了自己的色彩，或者他是否有意改变它以迎合当时的人们。这也是因为没有“乱亭长”的真实踪迹，无法匹配答案而诞生的人格。

除了《岚亭阁》之外，同场展出的还有王羲之的其他几幅作品（虽然是复制品），所以即使是不懂书法的人也会疑惑，“岚亭阁哪部还留有王羲之的痕迹？ “你可以边考虑边享受它。

此外，虽然不言而喻，但通过单独观看 Ranteijo 可以学到一些东西。比如汉字“之”在《乱亭上》中出现频率很高，我惊奇地发现每一个字的写法和文风都别具一格。

我对书法了解不多，所以我隐约想象一个擅长书法的人，他自己完善的最好的字形，总是输出那个字形，不模糊。然而，在《乱亭上》中，“之”的写法因上下文而异。在展厅里一边阅读《乱亭上》的日译本一边欣赏作品，就会发现这幅作品的魅力不仅在于风景，还在于传达艺术家情感的丰富表现力。我觉得我能理解一部分开创了书法艺术基础的王羲之的伟大之处。

除《兰亭序》外，上半场和下半场还展出王羲之手书29封《十七回》 。

”乍看是一部平淡无奇的作品，文字内容给人一种身体不好的感觉，但写得漂亮的字，虽然说是身体不好，却给人王羲之的印象。好看，但是字间距和大小也是一个亮点。就像戏剧中有主角和配角一样，也有书法好看的字，也有看起来很华丽的字，比如那些左右各有 harai。请注意已完成的整个书法的和谐。”（中村先生）

用王羲之字体创作作品？王羲之的人气也在日本…

展览还将展出王羲之出现前、出现时和出现后的书法作品。在后来的作品中，可见王羲之的影响有多大。

活跃于后汉末至三魏的楷书名家，相传为王羲之所仰慕。颂展示( 151-230 )推荐千吉町冰雹(新商西条新年-Higobon-)”是“书法在很长一段时间内从隶书到楷书发展的第一步，”中村先生说。有隶书残迹，可见略短略宽的原始文字。

王羲之的<<黄庭经光帝京》和<<孝女曹娥碑小城草薙》 （原址：东晋修平二年（358）/全期展出）。比起翔的书法，明显更精巧，感觉他长高了，字风自然，笔法紧跟人用毛笔写字的动作。我希望你实际比较它们。

大约同时期的王羲之著作有《道行般若经卷》 。唐代以前的手迹非常珍贵。可见王羲之所处时代书法的真面目。

唐太宗行书王羲之神话中的核心人物金庙铭文新石美》也在。像帝王一样凝重凝重的风格，写起来很舒服。

“外行人往往认为，如果用连行的方式书写草书或草书，以产生速度感，那么唐太宗的书法是故意被砍掉的。如果增加太多的余地，字会显得草率，但例如，“月”这个字，第一笔和第二笔之间相对的线条被收紧了。我希望你能享受这种平衡感。”（中村先生）

作为唐朝以后王羲之声名远播的标志，国王的神圣秩序周王创作场》和《兴福寺刻碑》 （王羲之/唐，开元九年（721））很有意思。相传是石碑拓本，一字一字取自王羲之书法，造句如王羲之所书。 《修王圣教条》的线条粗细有拼贴画般的气氛，而《兴福寺》整体协调得相当巧妙。

宋代流行书法全集。润阁阁町纯觉城―暴雪协雪书——”当然还有王羲之的书法。据传，全书10卷，6-8卷介绍王羲之，9-10卷介绍王羲之的儿子。当我走到这一步时，我嘲笑影响力的大小。

展览的最后，我们介绍了王羲之在日本是如何受到欢迎的。平安时代，空海和小野道夫从唐使带回的王羲之抄本中学习而崭露头角，并在他们成功之后创立了日式书法，即国府文家和和阳。江户时代，由于唐体书法的流行，崇敬王羲之的风潮愈演愈烈，江户末期出现了大量的王羲之书法小册子（以书法形式排列的拓本） )开始传到日本。似乎它不仅在中国，而且在日本书法史上一直有着压倒性的存在。

在日本作品中，明治时期的大家中林刚竹（1827-1913）的《乱亭序》引起了我的注意。是用自己的风格完成了《乱亭上》的句子的作品，人物台词变化的丰富程度并不常见。

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直到现在，我看王羲之的书法，也不知道应该注意什么，说：“固然是美，就是一般。”然而，参观展览后，我重新考虑，我觉得“正常”的事实可能证明即使在 1700 年之后，人们仍然是王羲之的追随者。。

限时展览将展出三部与“清雪新书”相关的作品，这是一部王羲之在世时的八卦集，写于唐朝，当时书写了中国最美的楷书。在都是手写的国宝。

从 1 月 31 日到 3 月 12 日，Sesetsu Shinsho Vol.
2月28日至3月26日，《清雪新书Vol.
从 3 月 28 日到 4 月 23 日，Sesetsu Shinsho Vol.
不要错过这个难得的机会。

举办联合展览的东京国立博物馆就在步行距离之内，所以请参观这两个博物馆。

 

■ “王羲之与兰亭”特展概览

展览期间	2023年1月31日（周二）～4月23日（周日） *在此期间，展览将根据以下时间表进行更改。 第一期：1月31日（周二）～3月12日（周日） 第二期：3月14日（周二）～4月23日（周日）
会场	台东区书法馆
营业时间	上午 9:30 至下午 4:30（入场截止至下午 4:00）
关闭日	每周一（如遇节假日则顺延至次日）、特殊组织期等。
入场费	一般 500 日元中小学生 250 日元 ※持有残疾证、康复证、精神障碍证、特定疾病医疗接受证者及其监护人可免费入场。 *每周六，在台东区居住或上学的中小学生及其监护人免费。 其他详情请查看官方网站。
台东区书法馆官方网站	https://www.taitocity.net/zaidan/shodou/
参展作品一览	https://www.taitocity.net/zaidan/shodou/wp-content/uploads/sites/7/2023/02/kikakuten_20230131.pdf

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东京都美术馆

 

2023年1月26日，代表维也纳世纪末最重要的画家之一埃贡席勒（1890-1918）的大型展览将于2023年1月26日在东京都上野举行，展览在东京都美术馆开幕。

英年早逝的天才埃贡·席勒回顾展，约30年来首次在东京举办

19世纪末20世纪初，埃贡·席勒是辉煌活跃于维也纳的画家，维也纳正经历一段难得的艺术成熟期。

1906年，从小就表现出一丝绘画感觉的席勒，以全校最小的16岁，以特录取的身份进入了维也纳美术学院。次年被世纪末维也纳艺术的另一位代表画家古斯塔夫·克里姆特（1862-1918）发掘，深受其影响。

1909年主动退出书院保守体制，与友人组成“新画派”。他的作品不断创新，1918年在第49届维也纳分离派展览会上获得成功，但同年因西班牙流感去世，年仅28岁。

他不受当时常识约束的可耻创作活动受到批评，并被捕。席勒生动地描绘了世界的灵性、生死和性的作品，直到今天仍然让人们着迷。

“利奥波德博物馆埃贡·席勒展：诞生于维也纳的年轻天才”拥有世界级的席勒作品收藏，通过共计50幅画作回顾席勒的生平和作品的回顾展。

还介绍了克里姆特、莫塞尔、科柯施卡等当代画家的65幅作品。

持续探索人类内心世界的席勒代表作《与穗月果的自画像》即将登陆日本！

我想介绍一些展出的作品。

本次展览的核心作品是席勒 22 岁时创作的《与保月的自画像》 （1912 年）。席勒最著名的自画像就是同义词。

樱花藤蔓的构图和人物倾斜的姿势营造出紧张的气氛。白色的背景、衣服、头发、黑色的眼睛和樱花的红色形成了一种端庄的美感，而苍白的脸被大胆地用红色和绿色等颜色布置，给人一种奇异的活泼感。反映。

这种注视观者的目光是挑衅还是拒绝？文静的嘴巴给人既势利又吞口水的印象，将自恋和不稳定的情绪波动表达得淋漓尽致，天真敏感。

1910年前后，席勒摆脱了他的老师克里姆特的影响，建立了一种独特的表现主义风格，其特点是不稳定的形式、富有表现力的线条和鲜艳的色彩。此幅作品是其画风成熟时期的杰作。

如果仔细观察，您会发现这幅作品中的剪裁和姿势在现代“自拍”文化中很常见。

据利奥波德博物馆馆长介绍，越来越多的年轻人来到利奥波德博物馆欣赏席勒的作品。对于那些通过自画像来表达自我的人来说，席勒的自画像在视觉上将他对“自我”的思考付诸实践，例如人类身份、性欲和灵性，同时暴露了身体和心灵，这是一个引人注目的作品灵感的来源。它可能是某种东西。从这个意义上说，席勒可以说是一位极其现代的画家。

Self-Portrait with Cherry Blossoms 与 Portrait of Valli (1912) 配对，这幅画没有出现在本次展览中，而是以席勒当时的情人和缪斯女神为原型。它是被造的，所以如果你不不知道，请检查一下。

席勒从小就对死亡耳熟能详，比如兄弟姐妹的反复死产和早夭，还有14岁时深爱的父亲去世，我对生死有一种看法。 “死亡”是席勒绘画中的一个重要主题，很多作品都融入了死亡的令人不安的迹象。

The Person Contemplating Oneself II (Death and Man) (1911)是席勒直接表达“死亡”的作品。席勒的自画像经常被描绘成两个人，而在这幅作品中，画家本人也像沉思一样闭着眼睛，周围环绕着一个看起来像死神或幽灵的存在。感觉像是对即将到来的死神不耐烦，又像是已经认命了，而下方伸出的第三人称的手，更加强了这种阴森森的印象。

根据展览解说，这件作品试图用分裂的意象来进行自我反省。从《与穗月莓的自画像》中可以看出，席勒的大部分自画像都没有背景。与克里姆特的装饰画风格相反，这表明席勒的兴趣在于彻底的自我探索和自我反省，一心一意地向内。

席勒也多次使用母亲和孩子的主题。一般来说，母亲和孩子的形象与爱与和平有关，但席勒的《母亲与孩子》 （1912）和《母亲与两个孩子 II》 （1915）都描绘了死亡，而不是爱与和平。强调恐惧、悲伤和绝望等不安.不仅是娴熟的表现，还有那浓烈的笔触和阴郁的色彩，让我感到一种惊心动魄的可怕，让我后退了一步。可以说，打破传统母子形象的是席勒式的发展。

另一个必看的是裸体女人的绘画，在这里您可以欣赏到席勒非凡的绘画能力和线条表达。

对于力图描绘“从所有身体发出的光”、描绘激进的、没有美学升华的“性”的席勒来说，女性裸体也是一个极其重要的母题。传统上，裸体都是以站立或躺着的姿势绘制的，但席勒的许多裸体都以各种各样的姿势为特征，例如抱膝、蹲伏和极端扭曲。

他们的身体有时处于极度痛苦的状态，但奇怪的是它看起来多么美丽和生动。毫无疑问，席勒线条的确定性是基于他对物质性的不懈探索，比如将自己的身体弯曲到极限。

通过消除地板和背景并在角色周围留下空白来否定空间性的屏幕构图也很有趣。

尤其是晚年的图画引起了我的注意。富有表现力的轮廓线和黑色粉笔的轻微渐变用于探索模型，坚定不移的线条和轮廓真正美丽。尽管他以最低限度的笔触勾勒出复杂的姿势，如《系缎带的斜倚少女》 （1918），但其完美程度之高，足以称得上是一件艺术品。 .

席勒是全校年龄最小的学生，能够以特别录取的方式进入学院。

装饰背景前的程式化花朵（1908 年）和更早的学院 还介绍了席勒建立自己的绘画风格之前的几个早期作品，例如时期。您可以密切关注这位艺术家的崛起之旅，以及他如何在确立自己的风格后，以一种强迫性的好奇心继续改变自己的风格。

为世纪末的维也纳艺术涂上色彩的克里姆特和莫泽等画家

如上所述，本次展览以席勒的作品为主，还有席勒的老师克里姆特，以及与克里姆特共同创立维也纳分离派并专攻风景画和版画艺术的科洛曼·莫塞尔（ Koloman Moser ，1868-1918），理查德·格斯特尔(1883-1908)，被定位为奥地利表现主义第一画家，近年被重新评价的，与席勒一样的维也纳表现主义大师奥斯卡·科科施卡(1886-1980)。维也纳画家作品集与席勒有关。可见席勒在维也纳艺术黄金时代的洪流中脱颖而出的背景。

即使在 100 年后，席勒作品的现代性仍然完好无损。

再次，本次展览是一次非常宝贵的机会，汇集了英年早逝的天才画家埃贡席勒的50幅作品。请来感受一下席勒颤抖、挑衅和细腻的情感，以及世纪之交充满维也纳的创造力。

“Leopold Museum Egon Schiele Exhibition Young Genius Born in Vienna”概要

展览期间	2023 年 1 月 26 日星期四 – 2023 年 4 月 9 日星期日 *日期可能会发生变化。
会场	东京都美术馆（东京都上野公园）
营业时间	9:30-17:30，周五至20:00（闭馆前30分钟最后入场）
休息日	周一
观看费	[日期和时间预订系统] 一般2,200日元、大学·专门学校学生1,300日元、65岁以上1,500日元、平日双人优惠3,600日元*详情请确认官网购票页面⇒ https://www.egonschiele2023.jp/ticket.html
组织者	东京都历史文化财团、东京都美术馆、朝日新闻、富士电视台
光顾	奥地利大使馆，东京奥地利文化论坛
询问	Hello Dial 050-5541-8600 (全天/9:00-20:00)
展会官网	https://www.egonschiele2023.jp

*文章内容截至采访日（2023年1月25日）。最新信息请查看展会官网。

 

文章提供者： kokosil Ueno

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