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东京国立博物馆

「大和绘」创立于平安时代初期，历经各种变迁而流传下来。

东京国立博物馆即将举办的特别展览“大和绘——代代相传的朝代之美”，追溯了始终创新的大和绘的血统。

本文报道了活动前一天举行的新闻预览。

什么是大和绘？

特别展“大和绘——代代相传的王朝之美”以平安时代以来不断绘制的“大和绘”为中心。
然而，有趣的是“Yamato-e”的概念随着时间的推移发生了很大的变化。

从平安时代到镰仓时代，描绘日本风景和人物的作品被称为“大和绘”，与描绘中国题材的“唐绘”形成鲜明对比，但此后出现了诸如水墨画 基于某种风格的绘画被称为“中国画”，而基于前代传统风格的作品被称为“大和绘”。
换句话说，“大和绘”一直作为与外国绘画相反的概念而存在。

本次展览精选了《大和绘》画作，这些画作继承了王朝美的精髓，同时不断改变着形式，特别是从平安时代到室町时代。

满满的日本艺术“实战教科书”！

本次展览共分为6个章节。

序言：传统与创新——大和画的变迁——
第1章 大和绘的创立——平安时代——
第2章 大和绘的新面貌——镰仓时代——
第3章 大和绘的成熟——南北町和室町时代——
第四章 宫廷绘画谱系
最终章 大和绘与四个季节——代代相传的王朝之美——

通过作品，您可以体验到大和绘与唐绘、中国画等外国艺术的思想和技法反复交涉而独立发展起来的变化，以及各个时期的特点。

这就是日本艺术的王道！教科书般的作品、艺术收藏中熟悉的作品等等汇集在一起，真是一种景象。
总共约245件展品中，70%以上为国宝和重要文化财产，展览中不仅展示了绘画作品，还展示了许多支持大和绘审美的同期作品，例如书法和工艺作品。

其中，被认为“本次展览强烈推荐”的作品之一是重要文化财产“滨松屏风” （东京国立博物馆所有），被誉为最精美的屏风之一。室町时代的大和画。

这是一幅给人非常生动的印象的杰作，许多花草树木叠加在令人眼花缭乱的海滩景观上，从右到左代表季节的变化。据说它是汇集了古代和中世纪大和绘各种元素的“终极大和绘” 。

如果你仔细观察的话，整幅画似乎都散发着暗淡的光芒，但这显然是由于室町时代大和绘独有的技术，其中云母（一种层状硅酸盐矿物）被扫过基地。与后来强调黄金的安土桃山时代不同，它像月夜的暮光一样闪闪发光。不知怎的，你能感受到一部分日本人深厚的美感。

日本画卷史上最优秀的杰作“四大画卷”齐聚一堂。

此外，在众多画卷中，平安时代末期创作的“四大画卷”被誉为最伟大的杰作。
本次展览将展出现存最古老、最伟大的王朝故事绘卷《源氏绘卷物语》，以及《信贵山延吉绘卷》、《万大纳言绘卷》和著名的《长寿吉画》（均为国宝）。我们都会见面。

这是四大画卷之一，被称为“长寿图画” （京都高山寺藏）的国宝。我对2015年在东京国立博物馆举办的人头攒动的超大型展印象深刻，这部作品以其幽默可爱的性质受到了很多人的喜爱。
四时的更替、每月的事件、花鸟山水、各种故事……大和绘描绘了各种各样的主题，而这部《长兽千兆》中描绘的动态动物就是其中之一。它脱颖而出。

本次展览分四个展期（①10月11日（星期三）-10月22日（星期日）➁10月24日（星期二）-11月5日（星期日）③11月7日（星期二）-19日（星期日）④11月21日（星期二）-展览将根据12月3日（周日）进行调整，但四大画卷将于10月11日至22日30年来首次齐聚。
除了这个时期之外，还有被誉为大和绘肖像杰作的三大饰经（久无寺经、平家经、慈光寺经）和神护寺三尊像（传赖朝像、传平重森像、传藤原红像）有许多值得注意的作品，包括古代和中世纪的杰作，例如（都是国宝）相继出现。

负责本次展览的东京国立博物馆策展研究部绘画雕塑部部长土屋贵宏表示：“这是一次作品数量如此之多的展览，即使作品较少也能完成。”超过一半的作品。我想随着展品的变化，你会看到更多的作品。希望你能经常来参观。”
是对观众说的。

《大和绘》的世界在一千多年的历程中不断传承和改变。
请您随时到会场参观、参观。

*每件作品的展出时间请参见官网《展览图录》。

活动概览

*文章内容截至采访时。详细信息可能与最新信息有所差异，请以展会官方网站为准。此外，本文中介绍的作品可能已经展出过。

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东京都美术馆

介绍罗马从建国到近代的美丽历史的“永恒之城罗马”展览在东京都美术馆开幕，重点展示位于市中心的卡比托利欧博物馆的藏品。罗马。展览时间为2023年9月16日星期六至2023年12月10日星期日。

我参观了会场，并将报道展览情况。

卡比托利欧博物馆庆祝罗马辉煌和美丽的历史

卡比托利欧山长期以来一直是罗马人的宗教、政治和文化中心，古代曾有供奉至高神朱庇特和其他诸神的神庙，如今卡比托利欧山是罗马市政厅所在地。卡比托利欧博物馆建在一座小山上，是世界上最古老的博物馆之一。

1471年，文艺复兴时期的教皇西克斯图斯四世在卡比托利欧山向罗马公民捐赠了四尊古代雕塑，目的是激发他们的自尊心，并表明他是古罗马的合法继承人。博物馆成立的结果。它于 1734 年向公众开放，收藏了丰富的罗马出土的古代文物、源自梵蒂冈的雕塑以及罗马显赫家族拥有的艺术品。

本次展览重点展示卡比托利欧博物馆的藏品，涵盖从建国神话到古罗马时代的辉煌，再到艺术达到顶峰的文艺复兴和巴洛克时期，以及从17世纪开始的一切内容。本次展览通过约70件雕塑、绘画和版画介绍了被誉为“永恒之城”的罗马辉煌的历史和艺术。

除了按时间顺序排列的五个章节外，还设有介绍博物馆与日本交流的特别展览，以纪念岩仓使团访问该博物馆150周年。

第一章“罗马建国神话的创造”，解开了据说建城于公元前753年的古罗马的民间传说和神话。起点是著名的著作《卡比托利欧》 “母狼（繁殖）”，可以说是罗马的象征，就被放在那里。

原作是卡比托利欧博物馆的四大古代雕塑之一。据说创建于公元前5世纪。 （展出的作品是后来由罗马市政厅拥有的复制品）

这个故事根据战神马尔斯所生的罗马第一任国王罗慕路斯和女祭司瑞亚·西尔维娅抚养长大的母狼以及弟弟雷穆斯的故事改编而成。诗人维吉尔的史诗《埃涅阿斯纪》取材于罗马建国神话。

原本它只有一只母狼，但在文艺复兴时期，又增加了一尊喝牛奶的双胞胎雕像。母狼睁大的眼睛和皮毛以一种风格而精致的方式表现出来。

母狼哺乳双胞胎的雕像被供奉在罗马城内，随着它作为建国神话的化身与帝国历史一起不断前行，它已成为公共纪念碑和钱币等公共艺术，它影响了各种媒体的图像表达。 《卡比托利欧母狼》是除了后世添加的双胞胎雕像外，可以被认为是标志性作品的现存作品。

第一章中还有许多其他描绘母狼的作品，例如《银德拉克马》和《博尔塞纳之镜》 （公元前 4 世纪），这表明了其作为象征的巨大影响力。

公元前27年以后的帝制时期，肖像画随着帝国的繁荣而发展。罗马皇帝的肖像，表情庄重，写实，不仅起到了宣传手段的作用，还影响了普通公民的私人肖像，据说还普及了各种时尚的服装、姿势和发型。

第二章“古罗马帝国的辉煌”，通过“时代面孔”追溯辉煌时代，其中包括奠定古罗马帝国基础的尤利乌斯·凯撒和奥古斯都的头雕。它传达社会和政治变化。

在这里，卡比托利欧博物馆拥有的两座君士坦丁巨像的碎片以精致的全尺寸复制品展出，令人印象深刻。君士坦丁巨像是教皇西克斯图斯四世向罗马公民捐赠的另一座古代雕塑。

君士坦丁（在位 306-337 年）是罗马帝国最重要的皇帝之一。他被称为第一位重新统一分裂帝国、承认基督教为国教并自己成为信徒的罗马皇帝。

仅头部就有约1.8米高。它的规模让人想起它以前的辉煌。人们认为，凹陷的脸颊、眼下严重的泪袋和嘴角的皱纹是皇帝晚年的写照。虽然表情凝重，但那双微微仰起的眼睛，仿佛眺望远方，令人印象深刻。一种超然的气息，似乎体现了当时人们对皇帝的崇高理想。

除了头部之外，本次展览还重新复制了卢浮宫最近发现的左脚、左手，甚至左手食指。

不要错过隐藏的宝石“卡比托利欧的维纳斯”！

此外，第二章展出的《卡比托利欧的维纳斯》是本次展览最引人注目的作品。

这件 2 世纪的作品以阿佛洛狄忒（希腊爱神，等同于维纳斯）雕像为基础，由伟大的古希腊雕塑家普拉克西特莱斯于公元前 4 世纪创作。

她采取维纳斯雕像典型的羞涩姿势，优美的身体曲线和丰润的肌肤纹理表现得极其美丽迷人。如果仔细看的话，可以看到她的头发在头顶扎成一个蝴蝶结，在颈后扎成一个发髻，然后头发披散成两半，有点像有趣的发型。

该作品与《米洛的维纳斯》（卢浮宫博物馆）、《美第奇的维纳斯》（乌菲兹美术馆）并称为古代维纳斯雕像的杰作。事实上，这是自1752年获得以来，它第三次被带出卡比托利欧博物馆，其中包括被拿破仑领导的法国军队暂时没收的那一次，因此它确实可以说是一件珍品。永远不应该被排除在外。

这是一部必看的作品，不知道以后在日本还有没有机会再看到。

为了这次展览，我们准备了一个特殊的空间，其灵感来自于卡比托利欧博物馆的八角形展览室“维纳斯室”，作品通常在这里展出。同样，地板也是按照博物馆所在地文艺复兴大师米开朗基罗设计的坎皮多利奥广场的图案设计的。

有关米开朗基罗始于 1537 年的城市规划以及标志性博物馆综合体（包括体现罗马城辉煌的广场和建筑）的开发的更多信息，请参阅第 3 章“从博物馆的诞生到米开朗基罗广场” ”这个概念通过绘画和版画被详细介绍。

在第四章“画廊收藏”中，教皇本笃展示了画廊收藏的 13 件作品。

藏品包括活跃于 16 世纪至 18 世纪的画家的杰作，从意大利巴洛克大师 Pietro da Cortona 到不知名作者的作品。它告诉我们当时意大利主流的主题和表达方式，以及引起艺术赞助人兴趣的画作。

自 17 世纪以来，罗马城作为古代遗址和教会建筑的宝库，已成为意大利和国外艺术家（包括通过大巡演）艺术灵感的源泉。

第五章“对艺术之都罗马的向往——幻想与现实的相互作用”，以纪念图拉真皇帝在达契亚战争中胜利的纪念碑为特色，据说这场战争让艺术家和欧洲君主特别着迷。 30米高的古代纪念碑“图拉真柱”的模型正在展出。我们还展示以古罗马艺术为灵感来源创作的作品。

迈森的素釉陶器《爱与普赛克》是一件小作品，长约30厘米，但交织在一起的身体，尤其是让人想起圆圈的手臂排列，轻轻地抱着彼此的头，似乎象征着永恒的爱情。，一时间我被它那迷人的曲线迷住了。

该作品是卡比托利欧博物馆内著名的 2 世纪大理石雕塑“Amor and Psyche”的复制品。 18世纪，随着古代艺术爱好者数量的增加，出现了生产著名古代雕塑的微缩版的新产业和买卖它们的市场，据说市场上有很多这些作品的复制品。

最后一层有一个角落，有一个特别展览“卡比托利欧博物馆与日本”。

150年前的1873年，明治政府派往欧美的岩仓使团参观了卡比托利欧博物馆。他们参观欧美博物馆的经历影响了明治政府的博物馆政策和艺术教育。

展览将展出根据使团成员可能在当地获得的明信片制作的访问报告《美国和欧洲的流通记录》中的插图，以及日本人民的感受的插图19世纪初期，欧洲受到了影响。我们正在介绍一些传达异国情调的想象图画，例如阿兰达法国卡诺加兰图画。

此外，1876年日本第一所艺术教育机构“工学院美术学校”（后来的“工部美术学校”）成立时，邀请意大利教师教授西洋艺术，以著名的雕塑为教材，我引进了石膏像作为模型，其中包括来自日本的石膏像。卡比托利欧博物馆。

作为其历史的证据，学生们被认为复制了创作于公元 2 世纪、现藏于卡比托利欧博物馆的狄俄尼索斯头像，以及一尊基于同一作品并被带到日本的石膏雕像。欧洲女士阿丽安娜的半个身体并排展示。它象征着卡比托利欧与日本之间永恒的联系。

罗马永恒之城展览让您沉浸在罗马宏伟美丽的历史中，这座城市吸引了来自世界各地的艺术家。请来参观我们。

“永恒之城罗马展”概况

*文章内容截至报道时。请查看官方网站了解最新信息。

文章提供： Kokosil Ueno

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东京国立博物馆

“横尾忠则馆山百德”展览将于 2023 年 9 月 12 日在东京上野的东京国立博物馆表庆馆举办。 （活动截止至12月3日）

我们首次展出“观山圣德”系列的102件新作，其中当代艺术家横尾忠则以自己的诠释重构了中国风僧的传统绘画主题。

*关于作品图像…除非另有说明，所有作品均由横尾忠则创作，并属于艺术家的收藏。

地德观山，因逃避现实的行为而成为人们钦佩的对象。

观山和慈德是两位传说中的诗人僧侣，据说生活在中国唐朝。

尽管他是一位受过高等教育的文学家，但他却是一个自由而古怪的人，住在山洞里，用剩下的食物填饱肚子，并发表令人发指的言论。在中国禅宗中，他们的世俗相貌和行为被尊崇为一种觉悟的境界，观山被视为神圣的文殊菩萨的化身，而慈德则被视为普贤菩萨的化身。
在中国和日本，自镰仓时代以来，观山净德就被许多禅僧和文人墨客描绘成传统绘画题材，近代则在森鸥外、夏目漱石的小说中备受推崇。

2019年，日本当代著名艺术家横尾忠则（1936-）首次展出了以观山上德为主题的作品。其灵感源自江户时代奇幻画家曾我翔白的名作《观山长德图》。

此后，他一直潜心创作“关山贞德”系列，以多种方式改变其造型。在COVID-19大流行期间，他避免与外界接触，并在与世隔绝的工作室里全身心投入创作活动，就像关山慈德的隐居所一样。

展出的“观山上德”系列的102件作品，都是专门为本次展览创作的未发表的全新作品。

生产周期从2021年9月开始大约一年。正如横尾本人在本次展览的新闻发布会上所说，“我决定放弃艺术家的身份，成为一名运动员。”带着与年龄不符的强大和挑战精神，他有时一天工作三遍。速度惊人，有时甚至能把点画出来。

超越时空，从图像到图像

观山丈德据说是一位诗人僧侣，传统的表现是观山手持写有中国诗词的卷轴，丈德则手持扫帚清扫寺院花园，但横尾先生创造了自己的解释将卷轴用作卫生纸并将其用作扫帚。它具有幽默感，具有现代更新，例如让用户切换到真空吸尘器。此外，两人坐在马桶上，让人想起马塞尔·杜尚的喷泉，也许与卫生纸有关。

当我在会场走一圈时，我发现每件作品的标题都统一了制作日期，没有任何说明文字。

东京国立博物馆策展研究部研究部主任松岛正人表示，这些展览反映了横尾的愿望。

“横尾先生自己说，他无意在他的每幅作品中传达某种信息或试图传达某种东西。我把从我的身体中产生的东西放在画布上。我希望人们在自由想象和思考的同时观看它。”解释它。”

在许多情况下，一个特定的主题会形成一系列的阶段，例如“红布”。

《2022-03-24》描绘了关山千德和一名女子在红色床垫上休息的场景，这显然是对 19 世纪法国画家爱德华·马奈的名画《草地上的午餐》的戏仿。还有一幅类似的作品，名为《2022-05-01》，与江户时代画家久住森影的《Noryo Screen》一模一样，是博物馆收藏的国宝。

几天后创建的2022-05-05，他像天方夜谭一样，在红色魔毯上快乐地飞翔在天空中。而当我看《2022-05-28》时，就像是哈利波特的世界。也许他们每个人都想自己飞翔，所以他们从红地毯换成了扫帚。

就这样，横尾先生的观山千德雕像与一个又一个的图像联系在一起，像一百张面孔一样变化。

他看起来装扮成阿尔塞纳·卢平或堂吉诃德，但他的身体也变成了一座巨大的山体，看起来像一幅水墨山水画，或者是一种无机的几何形状，让人想起人工智能或机器人。实德观山为所欲为，打扮成女人，融入其中，融入到风景中，让人根本分不清他在哪里。

此外，正如传统绘画主题《四幅睡画》中，他的陪伴不仅有地得六观山，还有他的两位大师武观禅师和虎，以及爱因斯坦、爱伦·坡、大谷翔平等人展示了他的作品。脸。也能窥见东京奥运会、足球世界杯等反映社会状况的作品……

有一个关山地狱的故事，无论时间、地点、大小、现实还是虚构，都可以自由移动。

这些作品的多样性，就好像艺术家的多面性以《Jitoku Kanzan》的形式展现出来一样，是由于横尾自己所说的“物理大脑”。

这部作品的诞生是因为我让身体自由活动，不受风格或承诺的束缚。艺术家时不时的身体表现，比如昨天和今天的月经变化，或者那天映入眼帘的事物，感觉有点像日记。

用因身体不便而获得的“迟钝的身体”开辟自由的新领域

他的许多画作都以柔和的笔触绘制，横尾先生将这种绘画风格称为“Oborotai”。

“Oborotai”原本是指明治时期确立的日本绘画技法，但对于横尾先生来说，“Oborotai”意味着由于2015年患上听力损失的影响，他的视野甚至大脑内部都变得模糊不清。事物之间、梦境与现实之间的界限都变得模糊了。肌腱炎使得画出清晰、有力的线条变得困难。它是通过这些物理变化获得的。

反复的笔触变得模糊的轮廓，时而中和了时空的围墙，时而超越了艺术家的本意，脱离了过去和技术的束缚，给人一种开放的感觉，融化了观者的心。把它给你。

大部分作品都画在F100或F150尺寸的大画布上，令人印象深刻，而且由于没有亚克力盒等遮盖物，可以近距离欣赏笔触和色彩的层次感。
屏幕明亮，使用了红色、黄色等多种温暖的原色，给我一种平和、充满活力的感觉，仿佛卸下了一些肩上的担子。

据说，举办在世艺术家的展览在博物馆历史上是罕见的。为何不在本次展览中体验横尾忠则在 80 多岁开创了新天地的自由世界，这个展览在博物馆中占有特殊的地位？

此外，作为本次展览的相关项目，东京国立博物馆主楼1号特展室还将推出题为《东京国立博物馆的寒山：对传说中的狂风和尚的向往》的专题报道。 2023年9月12日（星期二）至2023年11月5日，持续至星期日。

*凭本次展览门票即可观看。第一期和第二期展览有变动，详情请查看官网。

包括国宝因达拉的《观山净德图》在内，博物馆收藏的经典《观山净德图》都集中在一处进行介绍。追踪《观山上德图》的演变并将其与横尾的最新作品进行比较可能会很有趣。

“横尾忠则观山百德”展

*文章内容截至报道之日。请查看官方网站了解最新信息。

文章提供： Kokosil Ueno

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东京都美术馆

荒木玉名是一位持续从事从版画到装置等广泛表现活动的纽约艺术家，他的首次回顾展将在东京上野的东京都美术馆举办。展览期限至2023年10月9日。

荒木玉名（1970-）1991年从武藏野美术大学短期大学毕业后留学墨西哥，对“光明与黑暗”、“生与死”共存的独特文化着迷。此后，他在墨西哥多次停留期间，通过多种表现形式创作出具有独特世界观的作品，其中包括在当地学习的铜版画、三维作品、装置、动画等技法。

2012年，她将活动基地迁至纽约，迈出了有意识地以移民身份生活的新一步，近年来她对“跨越国界”、“多样性”等主题感兴趣。 “包容。”

本次展览是荒木经惟的首次回顾展。从早期作品到新作品，从手掌大小的三维作品到占据整个楼层的大型装置，约120件品种多样，《记忆的那里》（2023年/首次展出）在这次展览中），受到“上野的回忆”的启发。正在开发丰富的作品集。

展览由四个章节组成。荒木经惟作品的魅力在于其主题和表现方式能够唤起人们的生活和故事，给人一种亲切和怀旧的感觉，同时在日常和非凡之间建立了界限，让你的心仿佛被带到了某个地方。观众被邀请踏上一段穿越世界的神秘之旅。

第一章“旅行的‘开始，开始！’”介绍了比较早期的作品，包括那些以旅行为主题的作品，以及那些以在墨西哥的经历为灵感的作品，我以此为起点进行介绍。

入口处有一件名为《无题》 （1995）的作品，它是由一个音乐盒组成的，观众可以自己转动螺丝。关于这部作品，荒木经惟在一次画廊演讲中评论道，“当一首歌正在播放时，我是抱着一边听着它一边进行想象的旅程的想法来创作它的。”众多空空的相框，预示着即将开始的旅程中的美好邂逅。

展览就像《开始，开始》 （2003）中的帷幕一样开始，一个故事开始了。 《白天》和《夜晚》 （1999）的创作理念是“如果有一个可以随身携带的作品，可以放在我旅行时住的房间的床边，或者火车窗边的小桌子上。” 创作的独特可折叠三维作品。全部采用铜版雕刻技术制成。

以骷髅为主题的《黄色骷髅》(La calavera amarilla) (2005) 和以色彩缤纷的装饰和彩灯迎接死者的《骷髅进行曲》(Una Marcha de los esqueletos) (2004)，您可以感受到墨西哥独特的生死观的影响，例如“太阳”。

《曹诗》 （2005）是一个充满温暖光线的梦幻场景，让人想起灯笼。这个设计的灵感来自于墨西哥穷人浓厚的生活方式，他们过去未经许可从电线杆上拉出电线，用它们来照亮自己的房屋和小吃摊，而用这些灯装饰的街道是如此美丽，看起来非常美丽。就像星空一样，这是一个受这个概念启发的装置。

天花板上悬挂着许多电源线，电源线的末端连接着看起来像房子的小盒子。不仅光的颜色不同，每个小盒子的图案也不同，使用的物品也多种多样，比如荒木经惟在墨西哥喝过的一盒茶、一张巴士票、一张墨西哥摔跤的传单等。 。

混乱国家的形象来自于荒木经惟从涂满色彩的房屋和居住在那里的墨西哥城人民中感受到的“混乱中生存的力量”，不是吗？

请注意，这项工作是一项参与性工作。在展览协调员（支持观看的志愿者，绰号“Kee-jin”）的指导下，观众可以将小盒子连接到他们选择的任何插座上，使它们成为城市景观的一部分。

第二章“柔光中潜伏的黑暗”中，两个装置对称排列，分别表达光明和黑暗。

荒木经惟以他小时候居住的住宅区为形象创作的《内》 （1999）中，大约100个由白色胶合板制成的盒子靠在白色的墙上，类似于住宅区中的房屋。

每个盒子都被随机编号，观众从主持人那里收到一把钥匙，打开与编号相匹配的盒子门。然后，光线从里面溢出，我们开始看到版画中描绘的每个家庭的温馨生活，这在统一的外表下很难想象。

在《家》墙的另一边， 《看不见》 （2011）有着强烈的存在感，一个黑色的、不祥的物体从上方蔓延开来，仿佛将日常生活中的小幸福填满在同一个空间里。工作..

该作品是在2011年东日本大地震之后创作的，视觉上捕捉了当时因核电站事故而感受到的焦虑和厌恶的感觉，其中被称为放射性物质的看不见的危险物质可能会飞来。制作。据说，这些黑色物体是用从墨西哥大量购买的黑色兰花纤维染色，然后将它们卷成饺子，然后粘贴在一起制成的。

第三章“故事的世界，跨越国界的蝴蝶”，全面介绍了荒木经惟的“故事的世界”，可爱而又令人不安，充满了荒木经惟的诗意。

荒木经惟画的人物大多只是剪影，看不到他们的表情。他独自一人在广阔的世界里，有时会面对一些令人恐惧的事情。你看到孤独、自由还是对某事的渴望吗？当我自己和我自己神秘地重叠时，我的记忆被动摇了，不知不觉间，我的思绪似乎被吸收到了作品的世界里。

《NeNe Sol – 最年轻的太阳》是一本以至今仍在墨西哥恰巴斯地区流传的玛雅太阳创造神话为基础的图画书，由荒木经惟先生和 Leñateros Studio 联合制作，版画工作室的成员主要是玛雅土著人。事情。会场内展示了原型版和原版插图。独特的装订看起来像石雕，是由一位墨西哥雕塑家创作的。

2022年，荒木经惟将在东京都美术馆与来自各国的孩子们一起举办名为“我听到民间故事”的工作坊。孩子们体验了用纸浆制作帐篷和蝴蝶形状的图画书，还介绍了来自祖国的民间故事。会场内陈列着当时实际制作的帐篷。

荒木先生对他在墨西哥遇到的帝王蝶很感兴趣，这种蝴蝶像候鸟一样从一个国家迁徙到另一个国家过冬。这件作品的灵感显然来自于帝王蝶将翅膀停在地面上的形象。

这部作品以特朗普执政期间作为移民生活在美国的荒木经惟，以及他对被围墙封锁而无法跨越国界的难民，以及无论怎样都能在世界各地自由迁徙的帝王蝶的思考为基础。的边界。它是叠加的。

此外，由于帐篷是人们暂时停留或避难的地方，荒木经惟透露，这件作品有“人们可以安心躲藏的地方”的意义。

在第四章“上野的地下冒险”中，我们使用了地下三层展览室的整个空间，可以称为博物馆的“那里”（底部），天花板高度为 10 米，为“上野的记忆”创造创意。由此产生的大型装置“记忆的那里” （2023）将装饰本次展览旅程的最后一部分。

在我的研究中，我了解到它成为许多历史事件的舞台，例如日本第一个公园、博物馆和动物园的诞生，关东大地震，东京大空袭，以及战后黑市的出现。战争，吸引了来自各个国家和地区的人们，而荒木先生却被他所居住的上野的混乱所吸引。

中央黑色鸟笼般的巨大物体周围，展示着上野过去和现在的碎片图像，包括荒木经惟本人拍摄的上野照片和描绘上野的浮世绘，一对悬挂着象征“眼睛”的镜子天花板上的光线在揭示埋藏在“下面”（底部）的上野形象方面发挥了作用。

该物体是“一个像笼子一样的空心篮子，吞噬并吐出过去、未来、美丽和琐碎。”该物体的上部看起来像是被一只大手抓着。有些柱子是弯曲的，好像它们是从内部强行推出或从外部撬开的。

对于这个形状，荒木经惟说，“鸟笼和笼子似乎是在保护鸟类，但同时也限制了它们，让它们无法自由飞走，而这个形状就是从这两个方面显现出来的。”他解释道。

对于这次展览，荒木先生说：“我希望很多孩子和年轻人都能够看到它。我希望他们能够走进地下，有一种有点神秘的体验，像在旅行一样享受它。”从地面到上野“那里”的旅程也激起了我对另一段旅程的向往。

一个让人想起荒木经惟感兴趣的跨越国界、多样性和包容性等现代社会跨国家和地区共同主题的展览，将持续至2023年10月9日。

上野《开始，开始》荒木玉名作品展

*文章内容截至报道时。请查看官方网站了解最新信息。

文章提供： Kokosil Ueno

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东京国立博物馆

介绍代表古代墨西哥的三大文明宝藏的特别展览“古代墨西哥 – 玛雅、阿兹特克、特奥蒂瓦坎”将于2023年6月16日星期五至2023年9月3日星期日在东京国立博物馆举办。在博物馆（东京上野）举行。

本次展览将以代表中美洲的三大文明（玛雅文明、阿兹特克文明和特奥蒂瓦坎文明，这些文明共享文化元素，并在墨西哥和中美洲部分地区繁荣发展，直至16世纪西班牙入侵）为重点。

介绍了从墨西哥各大博物馆精心挑选的铭文、浮雕、考古文物等约140件珍贵出土文物以及近期的发掘成果。我们将探索墨西哥古代文明的深度和魅力，例如多样化的自然环境所创造的独特的世界观和造型之美。

展览分为四个章节：“古代墨西哥的邀请”、“特奥蒂瓦坎：众神之城”、“玛雅：城邦的兴衰”、“阿兹特克：特诺奇蒂特兰神庙”。

第一章“古代墨西哥的邀请”

第一章“古代墨西哥的邀请”是基于三个文明共同主题的作品的横断面展览，例如“玉米”、“天体和日历”、“球类运动”和“活人祭祀” ，”以及各个文明遗迹的图片。是介绍性的部分，通过它传达了整个古墨西哥的世界观。

在这里，公元前1500年左右在墨西哥湾兴起的中美洲的根源是奥尔梅克文明，它继承了后来的中美洲文明的各种要素，例如主权概念和与仪式相关的许多神。作品《奥尔梅克风格》石像”表明存在

第2章“特奥蒂瓦坎众神之城”

第二章“特奥蒂瓦坎：众神之城”讲述了从公元前 100 年到公元 550 年繁荣的特奥蒂瓦坎文明。

基于当时人们所信仰的宇宙世界观，特奥蒂瓦坎是一座以“死亡大道”为中心，集金字塔、仪式大厅、宫殿式建筑和严谨的住宅群于一体的国家主导城市。是一座规划城市和一座大型宗教城市。最近的研究表明，那里居住着多达10万人，但所使用的语言和文字尚未弄清楚，它仍然是一个充满许多谜团的文明。

在这里，我们介绍代表特奥蒂瓦坎的三座金字塔：太阳金字塔、月亮金字塔和羽蛇金字塔，以及从它们周围出土的作品。

陈列室中央暴露的“死亡圆盘石雕”是1964年在特奥蒂瓦坎最大的金字塔——太阳金字塔前的广场上挖掘出来的。
这是一座直径超过1m的石雕，像光环一样放射状扩散的图案和从头骨口中伸出的舌头令人印象深刻。在中美洲，日落代表死亡，日出代表重生。

其中最具存在感的展品是羽蛇神石雕和西帕克特里头饰石雕。
这是覆盖羽蛇金字塔四壁的大型石雕的一部分，羽蛇金字塔是城堡的中央寺庙，是一座边长 400m 的大型仪式大厅。据说它代表了象征维纳斯和力量的羽蛇神的头饰，以及象征着时间（日历）开始的造物主湿婆赫特里（Shivakhtri）的头饰。

在会场，装置的设计是为了让您可以看到这些石雕如何从金字塔中突出。

羽蛇神的波浪形身体上反复雕刻着西帕克特里头饰的图案，因此整个羽蛇金字塔是中美洲第一座代表神圣王权和加冕的纪念碑。

羽蛇金字塔下深15m 、长103m的隧道中出土的文物中，以蜗牛壳尖端制成的乐器喇叭最为引人注目。该作品的图像风格和内容与玛雅宗教中心的图像相似，而特奥蒂瓦坎没有这种图像。

特奥蒂瓦坎居住地的墓体中埋藏着一件动物形状的陶器，上面有贝壳等华丽的装饰，挖掘者将其命名为“一只奇怪的鸭子”。由于它与许多贝类产品一起被发现，因此被认为是与墨西哥湾进行贸易的贝类商人有关的陪葬品。

“喇叭”、“鸟陶”等展品告诉我们，特奥蒂瓦坎是一个多民族的城市，贸易和市场经济活动蓬勃发展。

此外，让你想象特奥蒂瓦坎生活的壁画和陶器也很有趣。
在许多公寓大楼和仪式设施中都可以看到彩色壁画，例如“风暴神壁画” ，据说它代表了特奥蒂瓦坎的主要神灵之一，风暴神或雨神特拉洛克。

此外，从民居废墟中出土的许多香炉，都是根据用途重新排列各种装饰品而制成的。展出的“香炉”被认为是用于为死去的战士举行安魂仪式，其图案是箭头和盾牌等。

第三章“玛雅城邦的兴衰”

第三章“玛雅城邦的兴衰”介绍了玛雅文明的文化和朝代，玛雅文明从公元前1200年左右到16世纪在尤卡坦半岛周围蓬勃发展。该部分是本次展览中作品数量最多的部分。

据说，玛雅人在公元一世纪左右建立了一个具有独特文化和治理形式的王朝。但政治上却从未统一，通过无数城市之间的贸易和外交使团的进出等友好往来，有时还会发生争夺霸权的战争，形成了一个庞大的网络社会。出土的物品传达了玛雅地区的各种趋势。

帕伦克是玛雅森林城市之一，这是一座中等规模的城市，于公元 400 至 800 年间在西部地区繁荣发展。尤其是在日本首次展出的红皇后（Reina Roja）墓中出土的文物，是本次展览的亮点之一，被誉为王朝艺术杰作。

帕伦克是一座艺术之城，以其精致的建筑、雕塑和铭文而闻名，其黄金时代是国王 Kinichi Hanab Pakal（615-683 年）统治时期。
据说，帕卡尔国王在通过外交和战争加强帕伦克影响力的同时，也着力扩建王宫，使其成为玛雅地区最宏伟的建筑之一。他的遗体被安置在一座名为铭文神庙的陵墓中，据说是由巴卡尔国王亲自设计的。

这具尸体被称为“红皇后（Reina Roja）”，于 1994 年在铭文神庙旁边的第 13 号神庙中被发现。它的俗名来自于它被埋葬时覆盖着鲜红色的朱砂（水银红色）。调查结果显示，此人极有可能是巴卡尔国王的妻子伊什·查库布·阿豪(Ish Tsakub Ahau)。

会场内，“红皇后”的12件陪葬品被贴在人体模型上，在受13号神庙石室启发的空间中再现了埋葬状态。 “红皇后面具”是用小块孔雀石制成的，眼睛用黑曜石做，眼白用白翡翠做。

虽然照片中没有出现，但在项链、王冠等精美随葬品中，有一根不起眼的小“针”静静地陈列在人体模型旁边，引起了我的注意。看起来可能很奇怪，纺纱和编织是所有社会阶层的妇女都会做的活动之一，而针也是“红皇后”每天使用的，并且被认为是来世所必需的。是
他们不仅根据自己的身份来打扮，而且还同情自己或周围人的真实愿望，他们说：“我想要没有麻烦的生活。”

复制品展览旁边还播放了“红皇后”发掘调查的视频资料。

此外，在帕伦克王宫遗址发现的96字石版画展览上，我们得以彻底领略到如诗如画、造型优美的玛雅文字。

玛雅文字是一种由语标和音节文字组成的神秘语言，目前大约有700个字符和据说有数万个组织的各种组合正在被阐明。人们认为人的行为再现了神灵和祖先的行为，因此文字主要用来记录国王和国家的历史以及宫廷仪式。
这部作品还记录了帕伦克国王的即位日期和准确日期。

与日本一样，书法不仅用于传达信息，而且在玛雅人中也被视为艺术品。

在帕伦克等许多城市衰落之后，900年前后成为尤卡坦半岛北部玛雅地区最大城市的车臣伊察出土的文物也值得一看。
其中《木炭雕像》是我看完解说后觉得本次展览最恐怖的作品。雕像的腹部有一个类似盘子的东西，里面可能放着祭品，有时是从活人祭品上取下的心脏……

在这次展览中，出现了许多“牺牲”、“人祭”等令人恐惧的关键词。这些奇特的做法在中美洲已经持续了 3000 多年，现代人可能会对它们的残忍行为感到惊讶。

然而，这不仅仅是一种不人道的仪式行为，所有生命形式的诞生和运转都是通过神的工作和牺牲而实现的，这源于原住民的道德观念，他们认为必须坚持原则。人们普遍向上帝和自然祈祷。

第四章“阿兹特克特诺奇蒂特兰大神庙”

第四章“阿兹特克特诺奇蒂特兰神庙”是阿兹特克特诺奇蒂特兰王国（今墨西哥）的一座大城市，于 1325 年由母语为纳瓦特尔语的人们在墨西哥中部高地特斯科科湖的一个岛上建立，例如墨西加城）出土的物品。鼎盛时期人口超过20万，一直繁荣到1521年落入西班牙手中。

顺便说一句，在墨西哥中部高地，文明按照特奥蒂瓦坎⇒托尔特克⇒阿兹特克的顺序兴衰。 “特奥蒂瓦坎”这个名字在纳瓦特尔语中意为“众神之城”，是由发现该遗迹的阿兹特克王国的墨西加人命名的。

阿兹特克人通过军事力量和朝贡制度增强了国家实力，在建筑和绘画尤其是雕塑方面带来了惊人的发展。特诺奇蒂特兰是阿兹特克人集中财富的地方，据说创造了历史上独一无二的创意环境，国内外艺术家分享技术、品味和传统。

勇敢的“雄鹰战士雕像”传达了特诺奇蒂特兰的一部分创意之美。

特诺奇蒂特兰的中心矗立着大神庙，这是两座雄伟的金字塔形神庙，供奉着太阳神和战争之神维齐洛波奇特利以及雨神和大地之神特拉洛克。这件作品是在大神庙北侧的“鹰屋”中发现的。真人大小且功能强大。

许多专家认为他们是国王直接控制下的“雄鹰军团”的战士，在战争和宗教中发挥了重要作用，似乎仍然有各种理论认为它代表了洛波奇托里的出现。

展出的许多雕塑代表了阿兹特克人崇拜的神灵。

“特拉洛克神的花瓶”以其凸出的眼睛和明亮的蓝色令人印象深刻。
中美洲是一个农业社会，据说几个世纪以来一直痴迷于控制降雨。因此，祈祷、祭品和儿童祭祀都献给特拉洛克，雨神和“给予者”，他提供了植物发芽所需的一切。

据信，这件作品包含了祈雨和丰收的愿望，因为储水的罐子上装饰着神灵特拉洛克（Tralok）。

其中一件展品是一个由绿色蛇纹岩制成的“面具” ，它与第二章特奥蒂瓦坎展览中介绍的“马赛克雕像”有着相似的氛围。事实上，这是从特奥蒂瓦坎废墟中出土的面具，经过墨西哥人的打磨，并沾上了眼睛和耳环。

据说，包括梅西卡在内的后古典时期晚期（1250-1521）的人们挖出了过去的文明，并将它们作为具有神奇力量的神圣物质奉献给他们的寺庙。这个展览的有趣之处之一就是你可以感受到这些联系。

展览最后，中美洲罕见的黄金制成的吊坠、耳环、权杖状饰品一次性展出，展示了大神庙的最新发掘成果。

会场上，我们对展览空间的制作很讲究，比如传达古城遗址魅力的视频素材和写实的再现展览，光是走动就能感受到古墨西哥的氛围。展品之间的距离较宽，易于欣赏也是一个优点。

顺便说一句，目前场馆内所有展品都允许拍照，仅供个人使用。 （今后有可能取消或变更，详情请参阅馆内信息及官方网站。）

特展“古墨西哥”探索了古墨西哥文化传统的深度和魅力，这些文化传统仍然被生活在这片土地上的人们所传承。活动将持续至2023年9月3日（周日）。

“古墨西哥：玛雅、阿兹特克和特奥蒂瓦坎”特展概览

*文章内容截至采访日期（2023年6月15日）。请查看官方网站了解最新信息。

文章提供： kokosil Ueno

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上野之森美术馆

一个独特的恐龙展览，只收集以绘画为中心的恐龙艺术，而不是化石和骨骼标本，特别展览“恐龙图画书-想象/创造失落的世界”将于2023年5月31日（星期三）-7在上野皇家博物馆 3 月 22 日星期六。

此次展览因展出20世纪最伟大的两位恐龙画作查尔斯·R·奈特（Charles R. Knight）和兹德内克·布里安德（Zdenek Briand）的大量作品而备受关注。报告场地状况。

当我们想到恐龙展览时，我们通常会想到以化石和骨骼标本为中心的展品，但在这次展览中，我们根据化石等科学证据来绘制恐龙等古生物，这些材料通常放在这些材料旁边。生态重建图=“Paleoart” 。

恐龙在大约250至6600万年前的中生代统治着地球，19世纪上半叶随着化石的发掘，通过生态重建图被公众所认识。此后，众多学者与艺术家携手努力，试图再现远古时期充满浪漫色彩的远古生物的面貌。

场馆内将展出约150件从世界各地收藏的古艺术作品，从早期绘制的奇特重建图画到当代艺术家根据最新研究成果创作的杰作。

从“发现”恐龙到今天的200年里，我们将随着每次新发现的科学基础的变化，追踪恐龙（古生物学）的表达方式是如何变化的。

第一章《恐龙的诞生——黎明的怪怪》

展览由四个章节组成。第一章“恐龙的诞生——黎明的怪怪”介绍了19世纪“发现”恐龙后不久，用有限的知识创作的一组作品。您可以欣赏到与我们想象中的恐龙相差甚远的独特外观。

首先是石版画《Douria Antiquiol（古代多塞特）》 （1830年），根据地质学家亨利·德拉·比奇的原画创作，据说是历史上第一批还原古生物生态的画作之一。 。

该作品是一位女性化石收藏家，因在英格兰南部多塞特郡发现恐龙之前的鱼龙和蛇颈龙等海洋爬行动物，为19世纪古生物学的发展做出了贡献，为纪念玛丽的成就而制作安宁.

它位于多塞特郡的史前海岸，充满了安宁发现的古代生物。人们的注意力被吸引到屏幕右侧，鱼龙似乎正在咬住蛇颈龙细细的脖子。

本次展览的组织者冈本博树（神户设计大学教授、兵库县立美术馆前馆长）表示：“从现代研究来看，很难想象鱼龙会攻击蛇颈龙。它传达了一种图像一个更加强大的掠食者。”

此外，本次展览重点介绍与斑龙一起“发现”的第一个恐龙——禽龙的形象演变。

被称为“恐龙发现者”的英国医生兼业余地质学家吉迪恩·曼特尔（Gideon Mantell）于1825年将其命名为“Iguanodon”（鬣蜥牙），因为它的牙齿与现代爬行动物鬣蜥相似。看来这种生物最初是想象成一只巨大的鬣蜥。

禽龙的早期例子是乔治·沙夫的《重建爬行动物》 （1833），描绘了一只异常巨大的禽龙，它巨大的身体在地面上爬行，长长的蛇状尾巴起伏着。

然而，如果你看看1853年左右制作的水晶宫禽龙雕塑，形象发生了微小的变化。禽龙的四条腿像大象和犀牛等哺乳动物一样，从身体直接下降到地面。

它是在当时最有影响力的英国古生物学家、 “恐龙”一词的创造者理查德·欧文的指导下创建的。冈本表示，这种物理特征是目前对恐龙的定义之一。

此外，1878-80年在比利时煤矿发现近乎完美的禽龙化石，极大地修正了自曼特尔发现以来传播了近50年的禽龙重建形象。原来，它正在竖起上半身，之前被认为是鼻角的骨头实际上是前肢上的拇指尖刺。

近 100 年来，禽龙在古艺术中被描绘成一种前肢长有锋利尖刺的双足生物。在接下来的第2章和第4章中，您可以看到描绘禽龙在这种方式下“进化”的外观的作品。

此外，在第一章中，那些外表和行为都像人类的怪异恐龙，对受到攻击的朋友感到厌恶并撤退，或者像怪物电影一样在居民区里走来走去。有趣的是，还有更多描绘恐龙的作品，比如故事画比修复画更重要。可见当时人们对恐龙的蓬松认知和丰富的想象力。

第二章“经典恐龙形象的确立与普及”

第二章“古典恐龙雕像的建立与普及”介绍了19世纪末至20世纪中叶古艺术黄金时代的作品， Charles R.和Zdeněk Briand用了大量篇幅。

恐龙发掘和研究的舞台逐渐从欧洲转向北美大陆，从1870年代到1890年代，两位古生物学家围绕恐龙化石的发现展开了一场被称为“骨战”的激烈较量。结果，发现了剑龙和三角龙等多种恐龙，揭示了生活在中生代的动物的多样性。

查尔斯·R·奈特（Charles R. Knight ，1874-1953）是一位美国古生物学画家，他对新恐龙的现实可视化做出了最大贡献，揭开了未知的面纱并使之普及。

奈特同时也是一名野生动物画家，留下了近1000幅活体动物的画作，人们相信通过这种活动培养的观察眼睛和生物知识对古艺术的创作很有用。

奈特的写实风景画，以及其中放置的恐龙和灭绝生物的生动形象，在解剖学和自然环境描绘方面都在当时非常出色，很快就受到了大众和专家的关注。他的作品对电影文化产生了影响，如电影《失落的世界》（1925年）和《金刚》（1933年）。

在奈特的作品展览中，不能忽视他最伟大的杰作之一《白垩纪-蒙大拿》（Cretaceous-Montana ，1928），这是菲尔德自然历史博物馆壁画的草图之一。

《白垩纪-蒙大拿》是一部定格了恐龙世界明星之间的竞争形象“霸王龙与三角龙”的不朽作品，并作为恐龙画本身的象征作品而广为人知。这种紧张的构图被后来的很多艺术家模仿和改编，而且经常出现在电影、漫画等娱乐界，所以很多人应该都至少看过一次。我被深深地感动了，这就是原作。

另一方面，来自捷克斯洛伐克（现捷克共和国）的画家兹德内克·布赖恩（ Zdenek Brian ，1905-1981）在奈特之后的一代人中受到欢迎。

尽管奈特的作品与前一个时代不切实际的古艺术背道而驰，但布莱恩德也是一位出色的画家。他的作品基于欧洲艺术现实主义的传统，具有很强的说服力，如果你告诉你他亲眼所见并画了它，你可能会相信。

看看布莱恩画的古生物，它们天生就有体温，一看就知道它们是活物。

布里安德的作品以代表作《上个世纪的断裂》（1956年）等书籍在世界各地广受欢迎，并在20世纪60年代和1970年代在日本的儿童百科全书和儿童读物中被大量转载和复制。对一个时代恐龙形象的树立起了决定性的作用。正因如此，这一时期沉迷于恐龙百科全书的那一代人可能会发现很多让他们感觉在哪里见过的作品。

过去，无法从化石中确定恐龙的颜色，因此艺术家们用自己的猜测给它们上色，这种对比给人留下了强烈的印象。 《Antrodemus Valens and Stegosaurus Stenopus》 （1950）中的剑龙可能是该图像的来源之一。我能够意识到布莱恩的影响力有多大。

本次展览汇集了18件布莱恩德的珍贵作品。这是最大的吸引力。

此外，在同一章中，我们还可以欣赏到作为“爬树恐龙”而受欢迎的剑齿龙过去的雄伟身姿，但后来发现，作为研究基础的修复本身，错了。

第3章“日本接待恐龙的历史”

在欧美确立的恐龙形象于19世纪末进入日本。第三章“日本接受恐龙的历史”改变方向，介绍了植根于明治至昭和时代日本文化历史中的恐龙。除了科普杂志、儿童漫画以及柯南道尔的《失落的世界》（1912）等经典科幻小说译本外，还展出了软胶娃娃和模仿恐龙的石膏雕像等玩具。

此外，他还解释了恐龙在一般艺术领域（即所谓的美术）中的象征意义，其目的不是真实地再现恐龙。 （还收录了从平成到令和的部分作品）

福泽一郎将超现实主义带到了日本，创作了许多讽刺社会和文明批评的作品，福泽一郎的《爬行动物受感染与爬行动物灭亡》 （1974）以其大胆的恐龙四肢构图而有趣。蔚蓝的天空和夕阳的强烈色彩对比、曾经繁荣昌盛的巨型生物的短暂出现、以及蜂拥而至的小型哺乳动物的出现，据说都是在讽刺日本的派系政治。

筱原爱的《从摇篮到坟场》 （2010-2011），让我们想起西方绘画中“死亡与少女”的传统形象，无论女孩多么美丽，都无法逃脱衰老和死亡；浩富士《侏罗纪塑料》（2023） ，提醒我们塑料的原料石油，原本是恐龙等生物的化石，同时考虑到大量生产和大量消费的问题）等，都是规模宏大、值得一看的。

第4章“基于科学知识的图像重建”

第四章“基于科学知识的图像重建”，话题又回到了恐龙图像的变化。 20世纪60年代到1970年代的恐龙研究掀起了一场被称为“恐龙文艺复兴”的革命，提出了恐龙是“活跃的温血动物”而不是之前认为的缓慢的变温动物的观点，恐龙雕像也被大幅重新设计。一件又一件表现新恐龙出现的作品诞生了。

展览中，即使在奇幻艺术领域也拥有邪教般人气的插画家威廉·斯托特（ William Stout ）和曾参与电影《侏罗纪公园》三维模型制作的迈克尔·图西克（Michael Tursic），以及准确而有力的笔触，基于艺术解剖学的恐龙。自 1960 年以来出现的才华横溢的古艺术家的各种作品将参加比赛，例如现代日本古生物修复绘画的领军艺术家小田隆 ( Takashi Oda )。

当代艺术家正在让恐龙敏捷地移动。约翰·宾登 (John Bindon) 的《风暴前线》 (1996) 中，暴龙以极快的速度奔跑，同时溅起水花；格雷戈里·保罗 (Gregory Paul ) 的《七七八和索罗》似乎捕捉到了恐龙开始移动的瞬间。与第二章中看到的恐龙相比， Lunithoides (1989) 和其他人具有不同的活力感。

我的感觉是作品的个性也很强。道格拉斯·亨德森（Douglas Henderson）的作品美得令人惊叹，抒情的粉彩，精确地表达了古代世界的光线和空气，就像在看一本高品质的写真集。

虽然许多画家关注的是恐龙本身，但亨德森却有强烈的倾向将恐龙与它们当时生活的环境一起描绘。我画画时要让它融入风景而不需聚焦。

我完全被这个巧妙的构图所吸引，它与常见的记忆重叠，比如当我试图拍摄日落时，不小心捕捉到一只鸟，或者当我在森林里散步时，在树的深处发现了一只松鼠。

随着学术知识的增加，“恐龙百科全书-想象/失落世界的创造”特展将持续至2023年7月22日星期六。当然，内容会激起古代世界的浪漫，这是一个难得的机会来看到跨越时代的古艺术，所以请看看。

“恐龙百科全书——失落世界的想象/创造”特展概览

※※文章内容截至采访日（2023年5月30日）。请查看官方网站了解最新信息。

文章提供： kokosil Ueno

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东京艺术大学大学美术馆

自1981年设立“台东区长奖”以来，台东区与东京艺术大学多年来不断深化交流与合作。许多艺术家都是通过台东区长奖走向世界的，可以说该奖项为年轻艺术家的发展做出了巨大的贡献。

本次展览将展出学生创作的40件台东区长奖获奖作品。

在“台东区收藏展 – 离开文化艺术之都上野的艺术家”中展出的，是表彰东京艺术大学优秀学生、台东区收藏的毕业作品的“台东区收藏” . 荣获市长奖的作品集。也就是说，都是学生作品。

1981年开始的台东区长奖制度，授予美术学院绘画系的日本画、油画/版画各1人。许多获奖者后来都活跃在行业的第一线，我们可以看到他们起到了年轻艺术家成功的桥梁作用。

追踪昭和、平成、令和的表情“变迁”

本次展览的主题是“转型”和“多样性”。
本次展览将展出昭和、平成、令和三个时代40多年来荣获的台东区长奖的40件作品。此后，活跃在一线的艺术家和有望在未来大踏步前进的新近获奖者，将他们在学生时代创作的巅峰作品聚集在一处。
当然，每件作品都很吸引人，但我们也关注随着时间的推移趋势的变化以及不受“日本画”或“油画”框架束缚的思想多样性。

本次展览由两部分组成，上半部分介绍自上次展览（2016年）以来台东区收藏的获奖日本画、油画和版画。原本，第六届“台东收藏展”原定与2020年东京奥运会同期举办，但因新型冠状病毒感染而推迟，为七年来首次举办。
上半年，集中展示了近七年来青年艺术家的作品。

另一方面，下半场展出从历届台东区长奖作品中精心挑选的作品。从获得一等奖的手冢雄二（东京艺术大学名誉教授）的作品开始，将有一系列在过去 42 年来获得同一奖项的宝石。

在现场你能感受到的是年轻艺术家们即将腾飞的“胎动”能量。在小说中，人们常说“处女作包含了作家的全部作品”，但也许可以在这些作品中找到支撑其后续作品的主题和风格。
可以说，无论是已经熟悉他们活动的粉丝，还是第一次接触他们作品的粉丝，本次展览都会给他们带来生动的发现和印象。

参展作品介绍

以下是展出的部分作品。

《迷宫》手冢雄二1981

这就是真正的“会面”吗？动物会说话的神秘空间

一次会议，每个人都发表自己的意见。会长的女人身后，迷宫无限延伸。这是一部通过将周围的人比作动物来表现混乱而神秘的世界的作品。 （来自创作者）

<手冢雄二>
1953年出生于神奈川县。日本艺术学会会员、常务理事、东京艺术大学名誉教授、福井县立美术馆特别馆长。作为引领当代日本画坛的日本画家，他继续充满活力地创作。

《带着枕头在田野里跳舞》菊地雅文 1992

将他导演的舞台重构为“山水画”的作品

1992年，南麻布三桥。每周六日上映约两个月每周一剧《大侦探真的在吗？》很多看过整个故事的人都没有看过这张图。 （来自创作者）

<菊地正文>
1968年出生于神户。毕业于东京艺术大学绘画系油画系。从事绘画、戏剧制作和音乐制作，在日本和海外举办过多次个展和群展。 《Nobe ni Makura de Odori Makure》于1992年制作，旨在通过山水画体验舞台剧《湿羽夺天》。

《与树的邂逅》井出康人 1989

光明与黑暗交汇的屋久岛之谜

进入研究生院后，我独自去屋久岛旅行。这是一座海岸线上有榕树、森林中有原始森林、山顶有大雪的岛屿。我在山间小屋里写生，营造出一种在森林里漫步的感觉。长满青苔的树枝四通八达，黑暗与光明交错的世界，是一个神秘而庄严的空间。 （来自创作者）

<井出康仁>
1962年出生于福冈县。东京艺术大学研究生院毕业。目前，受到日本艺术学院特殊待遇。仓敷科学艺术大学艺术学部教授。它的特点是女性和花朵所创造的温柔而梦幻的风格。

活动概况

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东京都美术馆

亨利·马蒂斯（Henri Matisse，1869-1954）是 20 世纪法国著名画家，被誉为野兽派运动的中心人物，其鲜艳的色彩在艺术史上产生了重大影响。东京都美术馆正在举办大型回顾展“马蒂斯展” 。展览期至2023年8月20日。

这是关于会场情况的报道，因为我报道了展览，这是他早期杰作之一“奢侈，寂静，怪癖”在日本首次公开展览的热门话题。

通过约 150 幅杰作探索马蒂斯的旅程

亨利马蒂斯被称为“色彩魔术师”。他的绘画表达从可见的现实中自由释放色彩，彻底改变了艺术史，并在现代艺术史上留下了难以忘怀的印记。

目前正在举办的“马蒂斯展”是日本时隔约20年首次举办的大型回顾展。巴黎蓬皮杜艺术中心汇集了约 150 件杰作，该中心拥有世界上最大的马蒂斯收藏。专注于法国南部旺斯的玫瑰经教堂相关的绘画、雕塑、素描、剪纸和材料，这是他晚年最伟大的杰作。它概述了 84 年来致力于探索直接吸引感官的鲜艳色彩和光线的生活。

展览由8个章节组成。
・第 1 章野兽派 1895-1909
・第 2 章激进探究的时代 1914-1918
・第三章平行探索——雕塑与绘画1913-1930
・第 4 章人物与室内设计 1918-1929
・第 5 章传播和实验 1930-1937
・第 6 章从尼斯到旺斯 1938-1948
・第七章1931-1954年剪纸画及近年作品
・第 8 章万斯念珠教堂 1948-1951

新印象派、野兽派、立体派……马蒂斯对多种绘画表现形式的实验

如果你按时间顺序看这些作品，你会发现马蒂斯在很短的时间内一个接一个地改变了他的绘画风格。这里有些例子。

马蒂斯 1869 年出生于法国北部的一个富裕家庭，20 岁后立志成为一名画家，并于 1891 年移居巴黎。他试图确立自己画家身份的最早作品之一是《读书的女人》 （1895 年），这是他在巴黎国立美术学院任教的象征主义画家古斯塔夫·莫罗手下学习时创作的。赞赏。

受卡米尔·柯罗人物画的影响，其写实内敛的画风让人不禁怀疑，“这就是马蒂斯吗？”这是国家收购后的第一个商业成功，但似乎这种传统的绘画方式很快就被抛弃了。

逐渐地，他创造了炽热、生动的配色方案，例如Pont Saint-Michel (c1900) 和Still Life with Hot Chocolate Pot (1900-1902)，预示着几年后野兽派的到来。

1904 年，应新印象派中心人物保罗·西涅克的邀请在圣特罗佩度过一个夏天后，他创作了早期的杰作《奢侈、寂静、优雅》(1904) ，使用的“拆分笔触”技术他从他那里学到了。）完成了。

这部将首次在日本展出的作品，用纯色代替了被摄体原本的颜色，描绘了一个充满光亮的堪称乌托邦的场景。总的来说，他忠实地遵循新印象派绘画的指导方针，但如果仔细观察，你会发现指导方针中没有的实验痕迹，比如抽象人物被轮廓包围以保持其形式。尽管马蒂斯终生困扰的“色彩与线条的碰撞”问题仍未解决，但这幅作品标志着马蒂斯绘画生涯迈出了重要的一步。

早在次年，他就摒弃了这种笔触划分，在法国南部的科利乌尔直面色彩与线条冲突的问题。因此，他以自由大胆的色彩表现和粗犷的笔触创造了野兽派，强调感官而不是肉眼可见的色彩。

然而，尽管马蒂斯作为野兽派的领军人物在艺术界引起了轩然大波，但当我们再看《奢华》、《寂静》、《古怪》三年后创作的《奢华 I》 （1907）时，我们可以看到色彩和谐，笔法和谐，平淡。有些人可能对马蒂斯有着强烈的野兽派画家形象，但实际上，马蒂斯的野兽派倾向并没有持续数年，而到了1907年，作品就已经开始探索绘画空间。说明你已经进步到这个阶段了的

1914年发生的第一次世界大战改变了继续稳步创作的马蒂斯的一生。在两个儿子和朋友的调动下，孤立无援的马蒂斯仿佛要抗拒这种情况一样，全身心地投入到创作中，并着手进行创新的塑料实验。

这一时期最引人注目的作品是科利乌尔的落地窗（1914 年），它是二战爆发后立即创作的。对于一生都在自己的工作室（室内）反复实验的马蒂斯来说，“窗”是一个重要的母题，而在马蒂斯的作品中，“窗”并没有将内部和外部分开，而是明确了内部和外部。外面的空间也是统一的，好像是要做的事情。

窗户在西方传统中也被用作视觉隐喻。在同一幅作品中，阳台原本是画在窗户上的，但最后都被涂成了黑色，让人联想到。这个窗口是关闭的还是打开的？如果标题中没有指出它，您会认出这是一个窗口吗？这幅被认为是经过深思熟虑而未完成的作品是马蒂斯的创作之一，展现了“必须去除多少元素才能使图像无法保持？”的极端构图。标志着一个临界点的作品。

在 Collioure 研究法式窗时，马蒂斯还研究肖像画。在科利乌尔逗留期间，他与立体派画家胡安·格里斯 (Juan Gris) 进行了一系列对话，之后他以自己的女儿玛格丽特为蓝本制作了《怀特与玫瑰头》 (White and Rose Head, 1914)。在马蒂斯的作品中，它被认为是受立体主义影响最大的作品之一。

平面和简化的屏幕组成，几何人体。它展示了一项类似于科利尤尔落地窗实验的激进实验的结果，该实验探索了如何最大限度地去除细节，同时仍保留模型的本质。

迄今为止推出的作品传达了马蒂斯通过反复实验和思考对新表现形式的贪婪追求。然而展览的内容还停留在第二章的中间，马蒂斯的职业生涯甚至还没有走到一半。看到第八章的时候，因为风格多变，忘记了这是一个单一画家的回顾展。但是，不管他的画风怎么变，我觉得他对色彩和形状的高度觉悟，重情轻物的态度是一贯的。

从他绘画风格的广度来看，我对《梦》 （1935）和《坐着的玫瑰色裸女》（1935-36）特别感兴趣，这可以在第五章“扩展与实验1930-1937”中看到。

将大本营迁至法国南部的尼斯后，马蒂斯在1930年代游历美洲和大洋洲，遇到新的光线和空间，作品也变得更加开阔和广阔。也是20年代回归传统绘画观的表现手法再次开始简化的时期。同一时期创作的《梦》和《坐着的玫瑰裸体》是同一年开始创作的，描绘的是马蒂斯生前最喜欢的模特、他的秘书莉迪亚·德莱克托斯卡娅的裸体。虽然有很多共同点，比如蓝色背景，作品给人的印象就大不相同。

《梦》中闭目躺卧的女性上半身横跨画面，充满舒适的开放感，表达心理和雕塑的满足感。《彩色裸体》揭示了擦除和简化的反复操作痕迹，将一个优雅的女人变成了一个幽灵般的示意图。请关注这两幅作品，它们清楚地表达了我这段时间的沉思状态，我追求的是将人的形式插入背景的方法，伴随着无数的变化。

马蒂斯对色彩与线条和谐的追求，以及他生命中的最后一幅油画《大红屋》

第 6 章“从尼斯到旺斯，1938-1948”展示了他晚年的几幅杰作。

据说，马蒂斯无数次颠覆世界的实验，都是在他五光十色的工作室里进行的。因此，工作室本身成为贯穿马蒂斯一生的重要主题。 1939年，二战爆发，年近70岁的马蒂斯将自己收藏的花瓶、布料、家具等物品精心布置在自己的工作室。 “渗入我的身体。

Still Life with Magnolia （1941）是马蒂斯代名词的美丽红色代表作，强调平面性和装饰性，经过数十幅预备图完成。通过仅提取主题的本质，我表达了围绕着星形木兰花的多种事物，就像它们漂浮一样。这是画家最喜欢的作品之一，马蒂斯说他“竭尽全力”完成了这幅作品。

1943年，马蒂斯为躲避空袭的威胁，从尼斯搬到郊区的旺斯，并在这里创作了他最后的油画系列“旺斯的内部”系列。在同一展览中，展出了该系列的第一幅作品《黄色和蓝色内饰》 （1946 年），以及艺术家的第 13 幅也是最后一幅油画《大红色内饰》（1948 年）。

尤其是《红色的大室内》被定位为凝聚马蒂斯在色彩上的作品的杰作，在一个平面的空间里，将马蒂斯绘画中的红色、工作室、绘画等重要主题巧妙地组合在一起。在挂在墙上的两幅画都是引用马蒂斯现有的作品。左边的黑白素描不仅像窗户一样向空间展开，还与右边的彩色油画平起平坐，继续挑战色彩冲突的挑战和线描。我觉得我正在向那些再次看到它的人展示马蒂斯的作品。

东京都美术馆策展人 Tomoko Yabumae 评价她的作品的魅力时说：“对于马蒂斯来说，世界充满了和谐。因此，将不同世界联系在一起的各种元素在一幅画中和谐存在（我的目标是工作）。

黑色的轮廓在活泼的红色背景下轻盈地舞动。线条与色彩既和谐又相互张开，营造出无尽的幸福感。这是一部象征着马蒂斯直到 79 岁高龄的最后几年才停止创作的作品。

还将放映充满色彩和光线的马蒂斯杰作“Vence Rosario Chapel”的精美特别视频。

到目前为止，我们已经挑选了展览中的画作并进行了介绍，但在第 3 章中，我们介绍了主要的雕塑，在第 7 章中，我们介绍了剪纸作品，在第 8 章中，我们介绍了 Vence 在念珠教堂上的作品。稻田。

在第三章“平行调查：雕塑与绘画，1913-1930”中，一系列<back>作品，一个历时20年探索的母题，排列在墙上，令人印象深刻。马蒂斯是一位具有强烈的二维表现意象的画家，但他说他从事雕塑工作的原因是“作为补充优秀作品来整理我的思想”。但是它的重要性不小，它帮助我探索了二维和三维之间的关系，而泥塑是我最喜欢的媒介，因为它把绘画中无法表达的想法具象化了。

逐渐复杂化肖像的表达，他试图证明即使身体结构被错误地描绘，隐藏在人身上的本质真相并没有被隐藏，而是被揭示了。里莱特系列（1925-29）充满了不强调可见物再现的类似马蒂斯的作品。

《背》系列（1909-30）由四个真人大小的女性形象组成，看似表达了从I到IV逐渐简化女性背影的过程，但实际上是一个从头开始的系列。相反，它被设想为一个单一的不断变化的泥塑。有人指出，该系列的创作时期与《舞蹈》等巨幅画作的创作时期重叠。这表明马蒂斯试图通过联系绘画和雕塑来解决时代的形成问题。对马蒂斯来说，雕塑是他整个艺术实践的节奏。

在第七章“剪纸绘画及其晚期作品 1931-1954”中，马蒂斯在 20 世纪 40 年代后开始专注于他的工作，当时他因病卧床在轮椅上，用剪刀作画。

1943 年至 1946 年间，马蒂斯制作了 20 幅剪纸，并以此为基础出版了开创性的艺术集《爵士乐》 。标题强调剪纸的即兴性质。著名的剪纸作品《伊卡洛斯》也收录在同一本书中。水粉色彩鲜艳的剪纸图片给人一种在会场黑色墙壁上翩翩起舞的感觉。

Kirigami-e 的优点是可以轻松地尝试画面构图并专注于色彩而不用担心轮廓，这也是马蒂斯系列绘画中不可分割的表达方式。素描、绘画和雕塑在单一的剪裁动作中融为一体，并作为统一色彩和线条两种构成元素的手段。

在高潮部分第 8 章“旺斯念珠教堂 1948-1951”中，展出了与马蒂斯在旺斯念珠教堂的作品相关的大量资料，马蒂斯在 1948 年至 1951 年间创作了他的作品，作为他作品的高潮。

马蒂斯将教堂视为一件综合性的艺术作品，他运用了他探索过的所有技术，例如设计、雕塑和剪纸，来设计建筑、壁画、装饰品、法衣和礼仪用品。我致力于到那时为止的一切。从“岁月”二字的意象中，你会惊讶于无法想象的生命力。

在本章中，播放了为展览拍摄的旺斯念珠教堂的特别视频。一段精美的 4K 视频介绍了在阳光明媚的日子里小教堂内从早到晚不断变化的灯光。游览结束时，请欣赏色彩、线条和光线交织在一起的空间，这完美体现了马蒂斯的信念，即这座小教堂应该是一个“点亮参观者心灵”的空间。我想让你

“马蒂斯展”将举办至2023年8月20日（周日）。

“马蒂斯展”概要

*文章内容截至采访日（2023年4月26日）。请查看官方网站以获取最新信息。

文章提供者： kokosil Ueno

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