[东京都美术馆] “创造的乐趣：DIY生活”报告。这是一个培养DIY精神的机会。

东京都美术馆

东京都美术馆目前正在举办一场名为“创造的乐趣： DIY生活”的展览，该展览聚焦人人皆有的创造力，鼓励人们思考如何以自己的方式“生活得更好”。展览以“DIY”（自己动手）为主题，将于2025年7月24日（周四）至2025年10月8日（周三）期间展出。

以下是参展艺术家进行演讲的新闻预览报告。

■ 参展艺术家（按展览顺序/省略标题）：Wakaki Kurumi、Seo Natsumi、Noguchi Kengo、Dunhill & O’Brien、Hisamura Taku、Ito Akihiro 设计与建筑设计事务所、Studio Megane 建筑设计事务所

 

DIY 是一种运用自身智慧解决眼前问题的方法。本次展览将 DIY 视为一种改善生活的方式，也是一种克服不便和困难的手段，并着重展现“制作的乐趣”，例如创作过程中获得的成就感和成就感。展览将展出五位对 DIY 方法和理念感兴趣的当代艺术家和两位建筑师的作品，鼓励人们反思 DIY 的本质——它依赖于个人的方法和感受；以及艺术的存在——它与生活息息相关。

展厅分为四个章节。第一章节“从观看开始的DIY”展出版画家若木久美（1985-）的作品。若木久美从DIY的开端——“观看”中汲取创作动力，将文具、厨房用具、空罐头、家具等日常用品重新加工成版画。

“开管”系列以生漆管塑造鱼片造型，灵感源于工匠将昂贵的生漆管打开，直至用尽最后一点。管子独特的纹理展现了其凹凸不平和的光泽，赋予“鱼纹”一种神秘的魅力。通过这种实验性的行为，艺术家得以为平凡的日常物品注入新的图像和意义，同时也以一种幽默、平易近人的方式展现了创造的乐趣。

这件触及天花板的作品《高街宅邸》 （2025）是用若木自独自生活以来使用了20多年的一台冰箱制作的。由于这台冰箱的使用寿命已接近尾声，若木“决定亲手制作一幅版画来终结它”，于是将其用于此次展览。

这件作品的灵感源自一张贴在冰箱上的德国画家保罗·克利（Paul Klee）展览门票。门票本身融入作品之中，构成了一座立体主义风格的塔楼公寓，令人联想起克利的作品，其音乐感和诗意缤纷的世界令人着迷。

 

第二章“DIY：失去后的重建”介绍了濑尾夏美和野口健吾的作品，重点讲述了那些因自然灾害或经济困难而遭受巨大损失的人们为重建生活所做的努力。

濑尾夏美（1988-）出生于东京，在东日本大地震后移居东北，是一位在记录灾难中生活的人们的话语和景观变化的同时创作出各种作品的艺术家。本次展览的空间以素描和绘画为中心。

开幕作品《环》 （2011）是在灾难发生的当晚创作的，但他不明白为什么“它变成了和昨天一样的线条”。他说，从那时起，他便前往现场，在与当地人交流的同时，真诚地思考应该画什么。

2015年，濑尾目睹了岩手县陆前高田市重建过程中地面抬升的过程，熟悉的山脉被砍伐，城镇遗址被填埋，这让他意识到故事的必要性。本章还收录了多幅与“双重城镇”相关的图画。“双重城镇”讲述了2031年陆前高田市的故事，旧城镇的居民与居住在地下的新城镇的居民彼此相连。

每当他前往能登半岛地震等受灾地区等各地时，都会受到“双重城镇”的启发，与人和地方建立意想不到的联系，创造出分享经验和感想的对话机会。在不可逆转的变迁中，那些不再被提及的记忆和思绪被创造出来，并被他人拾起，支撑起他们的生活。他用感同身受的语言，向观众传达了在小社区中连接人们的活动的潜力。

摄影师野口健吾（1984-）正在展出他的“隐居者”系列作品，这些作品是他走访那些在河岸和公园里建造了各自独特居住空间的人们时拍摄的。这些“隐居者”用回收材料和蓝色防水布拼凑而成，设计和外观各异，有些人出于经济原因而居住在那里，而有些人则出于自己的选择而继续居住在那里。然而，每一处都展现出不同的巧思和创造力，传达出一种直率而真诚的“为了生存而DIY”精神，以及参与其中的人们坚韧不拔的精神。

野口勇在十年的研究过程中多次到访同一个地方，展览中的一个系列作品以相同的构图聚焦于一个人和他的“隐居处”，记录他们的变化。

有些人，或许在你下次造访时，依然面容如初；而有些人，或许早已老去。又或许，即便是同一个小屋，人们也像寄居蟹一样，辗转辗转。又或许，有人亲手搭建了一座房屋，却被台风瞬间吹倒。这些人，在城市的角落里，过着日复一日的生活。小屋，终究只是暂时的栖身之所。我希望，欣赏这些作品的人们，也能思考生命的意义。（野口勇）

 

第三章“DIY形式与关系”介绍了Dunhill & O’Brien和久村卓二人以雕塑手法为基础从事各种表现活动，强调了他们所创造的“形式”与人、社会产生新的“关系”的过程。

常驻伦敦的艺术家二人组 Dunhill & O’Brien 受合作的挑战与可能性所启发，创作原创装置艺术，并将表演与合作作品融为一体。所有展出作品均为专为本次展览准备的全新作品。此次新项目的灵感源于他们与最上俊之的邂逅。这件以《伊吕波》为原型的户外雕塑作品现藏于东京都美术馆，其形式与文字之间的关联令他们印象深刻。（该作品可免费参观。）

从那时起，我们聚集了来自英国和日本的100多位来自不同背景的参与者，包括艺术家、科学家、音乐家和作家，并举办了工作坊，让他们根据描述户外雕塑的文字创作泥塑。所有通过远程“对话”创作的泥塑作品都被数字化并3D打印，最终以“形状库”的形式在现场发布。

进一步，通过将这些数据集融合，他制作了整体的3D模型。之后，他安装了19世纪用于放大雕塑的缩放仪，将3D模型放大到与室外雕塑大致相同的尺寸，完成了大型装置作品《欣赏ABC的方法和装置——又伊吕波》 （2025年）。

这个看似基座的东西，其实是 Dunhill & O’Brien 伦敦工作室的全尺寸复制品。两人将其描述为一个“练习的木筏”，既是基座，也是创作的场所，更是一个如同家一般的空间。展览中，一个缩放仪被放置在这个工作室风格的“木筏”之上，它的功能如同一件复杂的雕塑创作工具。

久村卓（1977-）毕业于多摩美术大学雕塑系，他是一位对艺术价值的变迁提出质疑的艺术家，游走于各种体制框架之间。展览中没有一件雕塑作品堪称典型的雕塑。久村卓试图摆脱他所称的“严谨而运动”的学院派雕塑，因此他选择采用强调轻盈感、减轻身心压力的材料，以及游走于艺术边缘的DIY和手工技法。

Hisamura 主要从事 parergon（使艺术作品成为可能的结构元素）的研究，例如基座、框架和展览空间。

例如，这件“可穿戴雕塑” ——PLUS_Ralph Lauren_黄色条纹衬衫（2025）——是由二手Ralph Lauren服装制成的作品。底座绣在胸前的标志上，形成了一个雕塑，但Hisamura认为仅凭这一点还不足以超越手工艺的范畴，于是他将刺绣框起来，营造出一种绘画般的效果。此外，他还在旋转平台上制作了一个心轴，将衬衫放置在上面，并安装了一个由回收废料制成的阶梯式底座，通过四层结构凸显其艺术性。

“单点结构”系列作品由一所已关闭学校捐赠的栅栏和建筑工地使用的A型路障组成，其底座类似长凳，让参观者可以坐下，却不会意识到它们是雕塑。这解决了艺术博物馆面临的困境：它们希望参观者欣赏艺术，但往往很少有地方可以坐下来休息。

东京都美术馆（2025）的吧台式空间——纺织品吧台，旨在促进交流，并鼓励人们在美术馆停留更长时间。每周五，这里都会举办活动，参观者可以像在酒吧点饮料一样，订购自己喜欢的纺织纱线和布料，并制作自己的原创纺织品。（需提前预约）

使用的线种类繁多，既有手工线厂家提供的线，也有用旧衣服撕碎制成的线。据说其中一些线是东京都美术馆以前展览的窗帘。一边用艺术家的双手编织这些线，一边回想它们赋予生命的记忆，这将是一次丰富的体验，这也是本次展览的特色。

 

第四章“DIY站——自己动手做！”为参观者提供了一个平台，让他们可以反思展品，并以第一章至第三章中看到的多样化方法和独创性为参考点，重新思考DIY。

该空间由伊藤彰弘设计事务所和眼镜工作室建筑设计事务所两大建筑团队共同设计，以“观察与沉思”为主题。作为其象征，空间中央展示了“DIY时间轴”，从对抗工业革命而兴起的工艺美术运动开始，以DIY精神为视角，概括了历史活动。

展览周围设有多个角落，可以体验艺术家的创作技巧和方法，并展示与DIY和艺术家相关的材料。例如，Dunhill & O’Brien设计了一个装置，让参观者可以伸手进入盒子，用手观察里面的雕塑，以满足他们“触摸和感受”雕塑的渴望。

按照由公众担任的展览主持人“Tsukurun”的指导，参加者轮流讲解盒子里雕塑的特征，而另一位参加者则根据讲解创作图画。看到同一个雕塑如何根据每个参加者关注的纹理、形状和文字产生完全不同的图画，非常有趣。

还有许多其他展览鼓励制作、交流和思考，例如，在一个角落里，Wakaki Kurumi 用废弃的柱子木雕刻了一块木块，参观者可以使用拓印法（将纸放在纹理表面上，然后用铅笔或类似物摩擦以转移图案的技术）将其变成艺术品。通过这个展览，参观者可能会遇到各种冲动和情感，例如他们想要尝试的事情、困扰他们的事情、他们想要解决的事情，这可能会导致原创 DIY 项目的诞生。

《创造的乐趣：DIY生活》概述

*本文内容截至报道时为止。最新信息请确认展会官方网站。

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