月份: 2026 年 6 月

東京都美術館

東京都美術館正在舉辦大型回顧展“安德魯·懷斯展：慶祝東京都美術館百年館慶”，以“邊界”為主題，詮釋了代表20世紀美國具象繪畫的國民畫家安德魯·懷斯（1917-2009）的藝術生涯。展覽將持續至2026年7月5日（星期日）。

*本文所展示的所有作品均出自安德魯懷斯之手。

活躍於20世紀的安德魯懷斯與席捲那個時代的先鋒藝術運動，如抽象表現主義、新達達主義和普普藝術，保持著距離。他以家鄉賓州和緬因州為創作基地（他每年夏天都會在那裡度過），終其一生都一絲不苟地描繪著他周圍的人物和風景。

雖然他的畫風寫實，但並非只是對所見景象的簡單再現。他筆下展現的是一個獨特的、帶有自傳色彩的繪畫世界，既反映了內省的意象，也蘊含著能引起每個人共鳴的普世元素。此外，由於他反覆面對有限的土地和人際關係，即便沒有描繪清晰的敘事，時間的沉澱、生活在那裡的人們的存在和記憶，也自然而然地滲透到畫布之中。這種靜謐的戲劇性，也是懷斯作品獨有的魅力所在。

本次展覽是懷斯作品在日本17年來首次舉辦的大型回顧展，也是他過世後的首次展覽。與通常按時間順序呈現其作品（從早期到晚期）的回顧展不同，本次展覽著重展現懷斯作品中頻繁出現的“窗戶”和“門”等“邊界”意象，這些邊界象徵著通往更為私密世界的紐帶。展出的約100件作品中，有超過10件是首次在日本展出。

第一章「畫家懷斯」以他的自畫像（1945 年）開篇，畫中描繪了二十多歲的畫家本人，他手裡拿著素描本，臉上帶著嚴肅的表情，走過一片荒涼的田野。

懷斯於1917年出生於藝術世家，是家中最小的孩子。他自幼體弱多病，無法上學，只能獨自在街區遊蕩，素描繪畫，潛心培養自己的藝術才能。十幾歲時，他進入父親——著名插畫家N.C.懷斯的畫室接受正規的藝術指導，在那裡，他的才華開始綻放。在父親的影響下，他不斷探索和尋求屬於自己的藝術表達方式，這奠定了他內省式的藝術風格。

20歲時，他的藝術生涯似乎一帆風順，在紐約舉辦的首次個人水彩畫展上，所有作品全數售罄。然而，1945年，也就是他創作《自畫像》的那一年，28歲的他，父親和侄子——既是他需要克服的障礙，也是他精神的支柱——在一次鐵路事故中突然離世。從此，懷斯領悟到“萬物皆在變化”，並深化了他獨特的繪畫世界。他的繪畫世界根植於一種強調世間無常的生死觀。

本章重點在於懷斯熱情投入創作的精細蛋彩畫，包括他的自畫像。

蛋彩畫是一種古典技法，隨著油畫的興起而逐漸式微。這種技巧是將顏料溶解於蛋黃和水中，然後反覆塗抹薄層。懷斯最初的蛋彩畫技法師從他的姐夫兼父親的學生彼得·赫德。懷斯不喜歡油畫顏料的光澤，而蛋彩畫粗糙乾燥的質地以及能夠描繪極其精細的細節，使他成為理想的表現媒介。懷斯珍惜這種僅用天然材質調配而成的別緻色彩，認為它們是他家鄉的色彩。

在水彩畫中，他運用「乾筆」技法，即用極少量的顏料，加水至最少，然後透過摩擦在畫布上層層疊加。這種技術生動地描繪了植物和牆壁的粗糙質感，甚至連風吹拂的空氣也栩栩如生，彷彿在編織一幅掛毯。他畫作中那種憂鬱而詩意的特質，無疑也得益於這種技法。

《阿奇母親的教堂》 （1945年）是一幅蛋彩畫，描繪了一座曾經是非裔美國人社區精神家園的教堂。教堂已成廢墟，一隻白鴿從敞開的窗戶飛入。這幅畫的構圖也呼應了展覽「邊界」的主題，它不僅展現了失落的景象，更蘊含著一絲微弱的希望。

懷斯成長的鄉村查茲福特，是非裔美國人和德裔移民的聚落。即使在歧視和偏見根深蒂固的年代，懷斯也與這些人結下了友誼，並以他們中的許多人為模特兒進行創作。

第二章「光與影」著重介紹了懷斯的一個典型特徵：他巧妙地運用了光與影之間的對比。

懷斯的許多作品都呈現出明暗交錯的視覺效果。這並非17世紀巴洛克繪畫中常見的戲劇性聚光燈效果，而是對現實光線的自然呈現。然而，這種對比並非僅僅是一種強調對比的視覺技巧；它有時也巧妙地突出了分隔和連接這兩個區域的邊界，例如窗戶和門。

懷斯自身的經驗和情感融入了他對光影的運用，這是塑造其寧靜戲劇性作品的重要元素。例如，在《鈴鐺繩》 （1951）和《冷卻棚》 （1953 年）等作品中，穿透黑暗的光線傳達出對外在世界的期盼和對解放的預感。

在《洗衣》 （1961）這幅畫中，懷斯工作室花園裡晾曬的衣物隨風飄動，明亮的燈光映照著洗衣籃。與之形成鮮明對比的是，窗內昏暗陰沉，但仔細觀察，兩者並非割裂，而是透過一條晾衣繩連接在一起。懷斯的目光中流露出對妻子貝齊的溫暖，貝齊既是一位能幹的幕後經理，又是一位操持家務的家庭主婦。

此外，如前文所述，懷斯透過父親的意外過世以及五年後因肺病而經歷的瀕死體驗，持續直面「生與死」這一無法迴避的問題。在《小憩》 （1963）中，一隻白貓在穀倉門外深邃的黑暗背景下沐浴陽光。貓處於與死亡相關的「睡眠」狀態，但它睡眠的地方卻是光與影的交界處。這可以被視為懷斯哲學思想的表達，即「生與死」並非對立的力量，而是連續體，彼此交織。

本次展覽中佔地最大的部分是第三章「新英格蘭的房子－奧爾森住宅」。

每年夏天，懷斯都會在緬因州庫欣小鎮度過一段時間，那裡位於新英格蘭地區，至今仍保留著典型的美國鄉村風景。本章開頭展示的畫作《奧爾森故居》 （1939年）是他第一次拜訪奧爾森兄妹家後不久創作的水彩畫，當時陪伴他的是貝齊，她後來成為了他的妻子。這棟房子孤零零地矗立在山坡上，由於多次翻修和擴建，形狀並不規則，懷斯立刻被它深深吸引。在接下來的30年裡，他將房子的二樓當作工作室，創作了大量的作品。

對懷斯而言，鉛筆畫是“表達我對描繪對象強烈情感的一種方式”，他通常快速勾勒輪廓，彷彿要釋放內心的衝動。另一方面，就奧爾森住宅而言，或許他是在預見其不可避免的消亡。他一絲不苟地捕捉每一個細節，從窗戶到每一塊鑲板，如同完成一幅肖像畫，留下了生動記錄其特徵的素描作品。

吸引懷斯的不僅是那些建築。他也深深被克里斯蒂娜這個角色所吸引。克里斯蒂娜是家中的姐姐，儘管因疾病導致雙腿殘疾，卻擁有高貴的獨立精神；還有她耐心善良的弟弟阿爾瓦羅，為了養家糊口，放棄了自己摯愛的捕魚事業，來到農場工作。懷斯尤其敬佩克里斯蒂娜，她擁有他自己雖然出身優渥卻缺乏的精神力量。懷斯將她作為自己許多作品的靈感繆斯，其中包括傑作《克里斯蒂娜的世界》（現藏於紐約現代藝術博物館，本次展覽未展出）。

另一幅代表性肖像畫是《克里斯蒂娜·奧爾森》 （1947），畫中克里斯蒂娜在廚房忙碌後，沐浴著午後的陽光，坐在後門台階上。懷斯說，她的身形“讓他想起一隻受傷的海鷗”，這也構成了一種介於室內與室外之間的模糊地帶。

克里斯蒂娜因身體限制難以外出，或許會被認為更屬於黑暗的室內世界。然而，她透過敞開的門洞，將目光投向陽光普照的室外，從畫框外吹來的微風拂動著她的頭髮，賦予了這幅畫以生命力。在這裡，邊界並非被描繪成分隔的屏障，而是連結內外世界的通道。旁邊是一幅「頭髮不隨風飄動」的草圖，展現了風的描繪對懷斯的重要性。

緬因州是美國最早有人定居的州之一，奧爾森兄妹住在一棟可以追溯到19世紀初的老房子裡，他們的父親也是一位來自瑞典的移民。懷斯或許從兄妹倆樸素而堅韌的生活中看到了美國建國基石的創造者。因此，懷斯並沒有將目光聚焦於星條旗或紐約摩天大樓等廣為人知的象徵，而是深深地擁抱了與歷史相連的原始景觀以及生活在那裡的人們的尊嚴。正是這一點，使他成為一位描繪美國並贏得公眾支持的畫家。

阿爾瓦羅於1967年12月去世，不久後克里斯蒂娜也於1968年1月離世。隔年夏天，懷斯來到空蕩蕩的房子，創作了《奧森家族的終點》 （1969 年）。這幅畫描繪了一個讓人聯想到克里斯蒂娜廚房工作的煙囪、阿爾瓦羅曾經釣魚的小海灣，以及一隻在空中自由飛翔的小燕子。與並置的習作相比，這幅作品中「窗框」（即分隔畫面前景和背景的邊界）被移除，揭示了懷斯內心深處渴望與已故的兄妹們延續聯繫的強烈願望。

懷斯以多年來持續描繪同一主題而聞名，其中包括奧爾森兄妹、他在賓夕法尼亞州的鄰居卡爾·克納（一位前軍官）以及照顧克納的海爾加·特斯托夫。第四章「凝視的廣度」著重探討了這位畫家不斷在熟悉的風景中尋找「靈感迸發的那一刻」的創作方法，以及他超越人物題材的廣泛創作主題。

本章中，以椅子為主題的作品特別引人注目，例如《船上的乘客》 （1982 年）、 《高腳凳》 （1985 年）和《島嶼門廊》 （1999 年）。 《模特兒的椅子》 （1982 年）描繪了一張白色椅子和一些衣物，一位名叫安妮·科爾的女子正倚靠其上。畫中沒有模特，是因為藝術家認為這樣更能體現安妮的個性。可以說，椅子在這裡扮演著存在與缺席交織的角色。懷斯經常運用這種技巧，刻意將人物從畫布中移除，從而以一種悖論的方式凸顯人物的存在感和內心感受。

《燈塔》 （1983）描繪了緬因州南島燈塔的一幕。貝茜的狗格諾姆乖乖地坐在敞開的門前，彷彿在暗示樓梯外的世界。燈塔的光芒維繫著水手們的航行。格諾姆似乎扮演著燈塔守護者的角色，代替主人守護著這條生命線。

在最後一章「邊界或窗戶」中，我們回到邊界，特別是窗戶的主題，並深入探討貫穿懷斯繪畫的潛在主題。

《天竺葵》 （1960 年）透過窗戶捕捉了克里斯蒂娜在奧森家中的身影。然而，克里斯蒂娜的身影如此模糊，若非刻意指出，幾乎難以察覺。她的存在僅由一株據說她生前摯愛的紅色天竺葵暗示。陽光從背景中的窗戶傾瀉而入，如同《克里斯蒂娜·奧爾森》一樣，這幅畫也傳達出她的世界並非封閉，而是與明亮的外部世界相連。

乍看之下， 《薄冰》 （1969 年）似乎是一幅抽象畫，但它描繪的是懷斯家附近一條水道中漂浮的落葉，透過一層薄冰清晰可見。這幅作品創作於懷斯經歷妻子克里斯蒂娜去世後，他深感悲痛的時期。懷斯本人曾表示，畫中無數漂浮的落葉象徵著他的經歷和他遇到的人。由此看來，薄冰之外的景像或許可以解讀為「死亡的世界」。

然而，仔細觀察，我們會發現細小的氣泡顯示水在流動，這並非一片完全靜止的死亡之地。此外，一片樹葉從冰層中伸出，在冰面上投下陰影，這生動地詮釋了懷斯對生死的看法，暗示著生與死並非對立，而是一個連續的過程。

懷斯的畫作雖然總是瀰漫著一種失落感，但透過窗戶灑進來的光線和飛鳥越過邊界的畫面中，也透著一絲微弱的希望。他「轉瞬即逝的美學」與日本的美學情趣產生了深刻的共鳴。本次展覽是懷斯過世後的首次大型回顧展，將為人們提供一個重新審視他作品中寧靜而又充滿戲劇性意味的視角。

「紀念東京都美術館成立100週年安德魯懷斯展覽」概述

*本文資訊截至發稿時有效。請造訪展覽官方網站以獲取最新資訊。

---

查看其他報告