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국립 서양 미술관

도쿄·우에노의 국립 서양 미술관에서 사상 최초가 되는 현대 아트의 전람회 “여기는 미래의 아티스트들이 자는 방이 될 수 있을까? ──국립 서양 미술관 65년째의 자문 | 현대 미술가들에게의 질문” 가 개막했습니다. 회기는 2024년 5월 12일까지.

■참가 작가
이이야마 유키, 우메즈 쇼이치, 엔도 마이, 오자와 고, 오다와라의 도카, 사카모토 나츠코, 스기도 요, 타카노 타카시대, 다케무라 교, 다나카 공기, 타츠노 토에코, 엘레나 투터치 코와, 나이토 레이, 나카바야시 타다라, 나가시마 유 사토에, 퍼프 룸(우메츠 쇼이치+안도 유미+오바시 히토코+호시카와 아사코+와키모토사키), 후시 코타로, 마츠우라 슈부, 미야 선물, 유아 사에보시, 궁지 히로지

주로 20세기 전반까지의 「서양 미술」만을 수장·전시하고 있는 국립 서양 미술관에서 현대 미술을 대대적으로 전시한다고 하는, 지금까지 없었던 시도. 사전에 개최된 기자 발표회에서는, 그 목적은 소장 작품과 현대 작품을 나란히 전시하는 것으로 컬렉션 이해의 지평을 넓히는 것도, 현대 미술에의 관심이 높은 층에 흥미를 얻는 것도 아니다고 말 되었습니다.

동관의 모체가 된 「마츠카타 컬렉션」이, 일본의 화가들에게 진짜 서양 미술을 보여, 창작 활동에 기여하고 싶은 마츠카타 코지로의 의지에 의해 쌓아 올린 것처럼, 그 과거를 되돌아보면, 동관이 미래의 아티스트들을 낳고 기르는 촉발의 장소로서 기대되고 있었던 것을 알 수 있습니다.

그러나 실제로 동관이 그러한 공간이나 얻어 왔는지 여부는 지금까지 본격적으로 묻지 않았습니다.

본전은 그 사실을 마주하고, 동관이나 그 컬렉션이 현대의 표현과 어떻게 관계를 맺고, 지금의 시대의 작품의 등장이나 의미 생성에 어떤 역할을 할 수 있을까 하는 질문을, 장르를 넘어 다 21조의 아티스트에게 던져 작품을 통한 응답을 보고 가자는 것. 아울러 동관이 소장하는 클로드 모네, 폴 세잔, 모리스 드니 등 서양 미술의 명품 약 70점도 소개하고 있는 볼거리가 많은 전시회입니다.

본 기획의 출품자 중, 적지 않은 아티스트가 평론 등의 분야에서도 활약하는 인물인 것은 그 때문에, 회장 내에 존재하는 텍스트도 일반적인 현대 미술전과 비교해 볼륨이 있어, 그 중에는 거의 텍스트 자체가 작품이 되고 있는 것까지 있었습니다.

질문에 대한 아티스트들의 접근과 문제 의식은 다양합니다.

예를 들면 제1장 「여기는 어떠한 기억의 자장이 되어 왔는가?」에서는, 나카바야시 타다요시, 나이토 레이, 마츠우라 슈부가 자신의 작품과, 마츠우라 슈부가 촉발된 세잔, 도니, 혹은 나카바야시 타다요시 자신의 표현의 역사적 혈맥을 따랐던 앞에 있는 오디론 돈과 로돌프 블레단 같은 동관 소장의 선인들의 작품을 병치. 미술관을 다양한 시대나 지역에 살았던/사는 아티스트들의 기억군이 동거해, 각각의 역학을 교착시키는 자기장과 같은 것으로 정의한 다음에, 동관의 컬렉션이 어떠한 자기장을 형성해 있는지를 작품군을 통해 검증하고 있습니다.

제2장 「일본에 「서양 미술관」이 있는 것을 어떻게 생각하는가?」에서는, 오다와라의 도카가 신작 인스톨레이션《근대를 조각/초극한다── 국립 서양 미술관편》중에서, 동관의 심볼에 되어 있는 오귀스트 로댕의 조각《생각하는 사람》을 새빨간 융단에 받침대에서 떼어낸 상태로 넘어뜨리고 있어, 매우 눈길을 끕니다.

오다와라는 일본이 근대화하는 과정에서는 어색할 수 없었던 동관의 역사적인 “왜곡”과 그것을 안고 서양 미술관군과 달리 지진이 다발하는 지반 위에 세워져 있다 라는 점에 강한 관심을 안았다는 것.

이번 신작 설치는, 1923년의 관동 대지진으로 쓰러진《생각하는 사람》이나, 1922년의 부락 해방 운동 가운데 수평사 선언을 기초해, 나중에 옥중에서 국가주의자에게 전향을 이룬 니시코미요시 의 일본화《훼석》, 지진 때마다 도괴해 재작성되는 오층탑을 본뜬 오브제, 동관이 독자적으로 개발한 면진대 등을 구성 요소로 하고 있습니다. 지진과 사상 전향이라고 하는 오다와라가 생각하는 일본의 사상적 과제를, 설치로 「전도」에 「전향」을 거듭하면서 전개하는 것으로 복잡한 문제 제기의 양상을 나타내고 있었습니다.

제4장 「여기는 다종의 생/성의 장소가 될 수 있을까?」에 있어서, 무미 무취의 중립적인 장소 타려고 하는 미술관의 전시실 안에, 인간의 「생」의 공간을 재작성한 것은 타카노 타카시 큰 입니다.

개인에서는 손이 닿지 않는 명품이 만약 현대의 평균적인 거실에 줄지어 있다면 어떻게 보일까. 그렇게 생각한 타카노는, 동관이 소장하는 규스타브 쿠르베나 핀센트 판 고흐, 루카스 클라나하(아버지)의 그림, 에미르·안토완·부르델의 조각과 자신의 사진 작품을, 무려 IKEA의 가구 로 구성된 공간에 전시한 것입니다.

IKEA의 제품은 권위를 나타내는 장식성을 배제하고 심플하고 풍부한 생활을 보낼 수 있도록 하는 모더니즘 디자인의 극지라고 타카노는 간주하고 있습니다. 그런 합리적인 세련된 가득한 우리의 일상 공간에 놓고 등장할 수 없는 권위 있는 미술관 속에 있어야 하는 쿠르베나 부르델이 놓여지는 상황은 누구나 곧 위화감을 기억하는 것은 없을까요? 「남자는 강하다」라고 하는 일종의 형태를 과잉으로 표현한 근골 융기의 헤라클레스 조각도, 동관의 앞뜰에 있으면 당당한 위용에 쏟아지는 곳입니다만, 이 스마트한 방에는 아무래도 미스매치로, 현대 적인 감각에 대립하는 것으로 비춰집니다.

심리적 거리가 가까워진 것으로 작품의 외관이 바뀌어 갑니다만, 동시에, 전시 공간에 좌우되지 않는, 작품 그 자체”만”을 감상하는/가치를 도모하는 것의 어려움도 실감했습니다.

미술관은 작품을 불사의 상태로 유지하고, 지속적으로 미래로 남겨 가기를 바라는 기관이면서, 물질로서의 작품은 시간이 지남에 따라 완만하면서 변화할 수밖에 없습니다. 제5장 「여기는 작품들이 사는 곳인가?」에서는, 다케무라쿄 가 2016년에 루브르 미술관에서 크게 파손된 상태에서 발견된 후, 동관 소장이 된 구 마츠가타 콜레션의 클로드 모네《수련 , 버드나무의 반영 >>에 주목.

최저한의 보존 처치만 베풀어져 있던 세로 199.3×가로 424.4 cm라고 하는 거대한 유채화의 결손 부분을, 반투명의 천에 비단 실로 상상적으로 보완해, 이중 구조로 해 보여주는 작품《수리된 CM의 1916년 수련을 발표했습니다.

다케무라는 과도한 수리로 인해 어느 시기에 만들어진 작품이 다양한 시대의 사람들이 생각한 ‘말씀’으로 덮어쓰게 되는 것에 부정적입니다. 본작에서는, 잃어버린 과거의 기억을 「서양 회화를 일본어로 변환하도록(듯이)」에, 가역적으로 풀 수 있는 실크로 섬세하게 번역 다시 하는 작업에 의해, 작품에 빛을 주면서 결손을 있는 그대로 에 긍정하면서 미래에 남기는 보존 방법이 실천되고 있습니다.

최종장의 제7장 「알 수 없는 포치를 갖추어」에서는, 스기토요, 우메츠 켄이치, 사카모토 나츠코 , 2014년에 죽은 타츠노 등혜자 의 작품을, 클로드·모네, 폴·시냑, 잭슨·폴록 등 과거의 고도로 실험적이었던 회화와 같은 공간에서 심플하게 대치시키는 것으로, 일본의 「현대 미술」이라고 불리는 것에 대해 생각해, 그 실험성의 사정을 걸려고 시도하고 있습니다.

본전 기획자인 국립서양미술관 주임연구원인 신토 준씨는 본전 준비 과정에서 “솔직하게 말씀드리고 국립서양미술관이라고 하는 것은 지금의 기예의 아티스트들을 촉발하는 장소가 될 수 있어 없었던 것이 아닐까 하는 마음이 강하게 남았습니다”라고 말합니다. 본전의 참가 아티스트 중에는, 국립 서양 미술관이라고 하는 장소나 그 컬렉션으로부터 착상을 얻은 사람도 있지만, 그것은 기회를 준비했기 때문이라고.

그래서 최종장에서는 국립서양미술관의 컬렉션이 지금을 살아가는 아티스트를 어떻게 영감해 왔는지 / 할 수 있는지를 묻는 것은 그만두고, “과거의 작품에 오늘의 페인터들의 그림이 어떻게 길항할 수 있는지를 묻고 싶다고 생각했습니다. 거기서 작가간의 시대를 넘은 상호의 문제 의식의 유사나 차이가 떠오르면(자) 생각하고 있습니다」라고 구성 의도를 설명했습니다.

신토씨가 「자신의 큐레이션의 손잡이라고 하는 것 자체에 비판도 많을 것이다」라고도 말하는 본전은, 다양한 목소리가 오르는 것이 짜넣어지기 보다는, 오히려 적극적으로 비판을 요구하고 있는 인상 받습니다. 국립 서양 미술관이나 그 컬렉션의 본연의 방법에, 참가 아티스트들이 어떤 메시지를 발한 것인가. 이것이 일본의 현대미술계에 어떻게 영향을 미치는가. 꼭 발길을 옮겨 주셔, 날카로운 눈빛으로 그 전모를 확인해 주셨으면 합니다.

「여기는 미래의 아티스트들이 자는 방이 될 수 있을까?──국립 서양 미술관 65년째의 자문 | 현대 미술가들에게의 질문」개요

※기사의 내용은 취재 시점의 것입니다. 최신 정보는 전람회 공식 페이지 등에서 확인해 주십시오.

기사 제공: 코코실 우에노

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도쿄도 미술관

파리에서 개최된 제1회 인상파전에서 150주년을 맞이한 2024년. 도쿄도 미술관에서는 미국의 우스터 미술관 컬렉션을 중심으로 서양 미술의 전통을 뒤집은 인상파가 구미에 가져온 충격과 영향을 따르는 전람회 인상파 모네에서 미국으로 우스터 미술관 소장이 개최 중입니다. 회기는 2024년 4월 7일까지.

1898년에 개관한 미국 보스턴 근교에 위치한 우스터 미술관은 고대 이집트, 고대 그리스 로마의 고전 미술에서 세계 각지의 현대 미술까지 약 4만점을 소장하고 있습니다. 그 중에서도 인상파는 당시의 컨템포러리 아트(동시대 미술)로서 적극적으로 수집. 1898년 개관 당초부터 컬렉션의 중요한 위치를 차지했습니다.

본전은, 서양 미술의 전통을 뒤집은 인상파의 혁신성과 그 세계적인 확산에 주목. 대부분이 첫 방문이 되는 동관의 인상파 컬렉션을 중심으로 모네나 르느와르 등 잘 알려진 프랑스의 인상파뿐만 아니라, 지금까지 일본에서 소개될 기회가 적었던 차일드 하삼 등 미국의 인상파를 대표하는 작가들도 포함한 40명 이상의 유채화 약 70점을 소개하는 것입니다.

전시는 전 5장 구성. 제1장 「전통에의 도전」 에서는, 조국 프랑스의 친밀한 풍경이나 자연스럽게 아름다움과 새로운 주제를 발견한 바르비종파나 레어리즘의 화가들이, 종교화와 역사화를 정점으로 하는 전통적인 회화 의 히에랄키를 뒤집는 19세기 전반에 일어난 인상파의 선구자가 되는 움직임을 소개.

동시기의 미국에서도 자국의 웅대한 자연에 대한 관심이 높아져, 미국적인 풍경이 인기를 얻었습니다. 동장에서는 그러한 대서양 양안의 풍경화의 대두를 비교할 수 있습니다.

19세기 후반의 미국을 대표하는 화가 윈슬로우 호머 는 프랑스 인상파의 등장 이전부터 야외 제작을 작품에 필수적인 요소로 도입했습니다. 《겨울의 해안》 (1892)은 화업 후반, 바다나 바다와 대치하는 사람들을 그리는 것에 주력하고 있던 시기의 작품으로, 메인주 해안의 몰아치는 거친 파도의 묘사에 직관적이고 대담한 붓 붙이지만 사용되며 호머의 인상파적 측면을 보여줍니다.

제2장 「파리와 인상파의 화가들」 에서는 아카데미의 전통에서 벗어나, 옥외로 향해 눈에 비치는 세계를 선명한 색채와 대담한 브러시로 그려낸 클로드 모네, 카미유 피사로, 피에르=오귀스트・르노와르라고 하는 제1회 인상파전의 멤버의 작품을 전시. 게다가, 그 후의 인상파전에 참가한 유일한 미국인인 여류 화가 메리 카사트나, “미국의 모네”라고도 평가되는 차일드 핫삼의 파리 유학 시대의 작품도 볼 수 있습니다.

동장에서 소개되는 모네의 《수련》 (1908)은 본전의 볼거리 중 하나. 연못에 녹아 가도록 윤곽을 잃고 있는 수련이나 수면에 비친 나무들, 환상적인 색채 등, 인상파의 풍경화이면서도, 만년의 작품에 현저하게 나타나는 추상 표현의 조짐이 보인다 작품입니다.

모네는 후반생을 보낸 파리 교외의 시베르니에서 스스로 만들어낸 “물의 정원”에 떠있는 수련을 250점 이상 그려 계속했습니다. 본작은 1909년 파리의 듀란 류엘 화랑에서 발표한 <수련> 연작 중 1점으로, 이듬해 우스터 미술관이 직접 화랑에서 구입한 것. 오늘 다양한 미술관의 중심으로 수장되고 있는《수련》입니다만, 세계에서 처음으로 모네의《수련》을 구입한 미술관은, 실은 우스터 미술관이었습니다.

회장에서는 본작 구입에 대해서 동관과 화상 사이에서 교제된 서간(복제)도 소개하고 있어 초대 관장에 의한 이사회의 설득이나 지불 기한의 연장 등, 편지와 전보를 구사한 생생한 교환도 알 수 있었습니다.

제3장 「국제적인 확산」 에서는 파리에서 얻은 인상파의 에센스를 모국으로 가져와 예술적 실천에 응용한 미국의 존 싱어 서전트나 스웨덴의 안데시 레오나드 손, 벨기에의 알프레드 스테반스 , 일본의 쿠로다 세이키와 쿠메 가쓰라 이치로 등 화가들의 작품을 전시.

그 대부분은 프랑스 인상파의 양식을 완전히 모방한 것이 아니고, 다양한 지역의 문화나 사회와 융합하면서 독자적으로 승화되어 인상파에 관계가 없는 화가나 프랑스를 방문한 적이 없는 화가에게도 파급하면서 다양한 형태로 전개되어 간 것을 전하고 있습니다.

인상파가 국제적으로 퍼져 나가는 가운데, 특히 미국에서 어떤 수용을 추적했는지를 소개하는 제4장 「미국의 인상파」 는 본전의 하이라이트.

1880년대 중반, 미국의 화상과 수집가 사이에 유럽의 인상파가 유행하고, 수요에 응하기 위해 많은 미국인 화가가 프랑스에 건너갑니다. 비평가가 젊은 화가들에게 요구한 것은 ‘유럽의 주제에서 떨어진 모국 미국의 아름다움’을 찾아내는 것이었기 때문에, 계속 뉴잉글랜드의 시골 풍경이나 근대화하는 도시 풍경 등 미국다움을 느끼는 화제가 선호된다 네.

현지에서 배운 인상파의 양식을 재빨리 제작에 도입해 서머 스쿨이나 예술가 콜로니를 통해 미국 각지에 펼친 입역자가 제2장에서도 등장한 차일드 핫삼 입니다.

보스턴에서 태어난 핫삼은 1883년 유럽 여행 중에 처음 방문한 파리에서 인상파의 작품을 접하고 1886년부터 1889년에 걸쳐 파리에 유학. 귀국 후에는 뉴욕에 정착해 성공을 거두었고, 미국에서의 인상파의 대표적 화가가 되었습니다. 동장에서는 주제가 다른 작품 3점이 제작 연순에 전시되어, 제2장의 「꽃 따기, 프랑스식 정원에서」(1888)와 아울러 화풍이나 관심의 변천을 쫓을 수 있습니다.

차분한 색조와 부드러운 붓으로 보스턴의 비의 대로를 그린《콜럼버스 대로, 비오는 날》 (1885)에서는, 원경의 희미한 거리의 대기와 매끈한 포도의 빛의 표현에 인상파의 영향이 느껴진다 됩니다.

파리 유학 후에 제작된 모네의 절벽의 풍경화를 연상시키는 《실프스 록, 애플 도어 섬》 (1907)은 갈라리와 터치가 바뀌어 가늘고 긴 촉감의 방향을 바꾸면서 바위 피부와 파도를 능숙하게 그려 나누었다 있습니다. 같은 장소에서도 경치는 끊임없이 바뀐다고 하는 생각 아래, 모네의 연작과 같은 어프로치로, 애플 도어 섬의 풍경을 다양한 시점이나 상황에서 갑자기 그린 가운데 1점입니다.

《조식실, 겨울 아침, 뉴욕》 (1911)에서는, 고층 빌딩의 건설이나 자동차의 보급 등 현대적인 대도시로 변모하는 뉴욕의 싸움을 피하도록 커튼으로 멀리 해, 세련된 중상류 계급의 도시 생활에 중점을 둡니다. 핫삼은 1909년부터 본작과 같은 방에 혼자 있는 여성을 그린 <창> 시리즈를 다루고 있었습니다. 커튼 너머로 그려진 마천루는 뉴욕의 근대 건축의 상징으로서 칭찬받은 맨해튼의 플랫 아이언 빌딩이라고 생각되고 있어 능숙하게 미국다움이 표현되고 있습니다.

에드먼드 찰스 터벨 은 “터벨라이트(터벨 신봉자)”라는 말이 태어날 정도로 많은 팔로워가 나타난 보스턴 미술계의 중요한 인물이며, 미술 교사로서 학생들에게 파리에서 배운 인상파를 바탕으로 했다 지역 특유의 표현 양식을 넓혔습니다.

《베니스 블라인드》 (1898)는 빛과 풍부한 색채에 인상파다움을 느낍니다만, 전통적인 조형과 세부의 묘사에 힘을 쓰고 있는 것은 보스턴파의 화가다운 특징입니다. 렘브란트로 대표되는 바로크 회화의 명암법과 같은, 블라인드로부터 꽂는 빛으로 정경을 비추는 것으로 태어나는 드라마틱한 빛과 그림자의 콘트라스트가 인상적이었습니다.

마지막 섹션이 되는 제5장 「아직 보지 않는 경치를 요구해」 에서는, 광학이나 색채 이론에 근거하는 점묘 기법을 채용한 폴·시냑이나, 포비즘에의 경도를 거쳐 큐비즘의 창시자가 된 조르주· 블랙과 같은 인상파의 충격 후에 새로운 회화의 탐구를 계속한 화가들의 작품을 전시.

조지 이네스 와 드와이트 윌리엄 트라이온은 19세기 말에 미국에서 유행한 회화 스타일 ‘토너리즘(색조주의)’의 대표적인 화가입니다. 인상파가 대담한 색채와 시각에 고집한 반면, 토너리즘은 회색과 파랑과 같은 차분한 색조를 사용해 조용함이나 정감적인 분위기, 눈에는 보이지 않는 것을 묘사하는 것을 중시했습니다.

스웨덴의 신비주의자 에마뉘엘 스웨덴 볼그의 신봉자였던 이네스의 만년 작품은 형이상학적인 경향이 강해졌다. 《숲의 연못》 (1892)에서 볼 수 있는 안개가 낀 대기의 표현은 현실과 신의 세계, 보이는 것과 보이지 않는 것을 동시에 나타내는 정신적 풍경을 그리고 있다고 합니다.

한편의 트라이온은 《가을의 입구》 (1908-09)로, 매사추세츠주 사우스 다트머스의 시골 풍경을, 페인트의 부드러운 취급 방법이나 섬세한 빛의 빛에 의해 신비로 가득한 절경의 이상향으로 변모 하겠습니다.

남북전쟁의 영향을 끌고 있던 미국 국민에게 있어서, 이러한 토너리즘의 눈에 보이지 않는 정서적인 정경이 정신적인 평화가 되었습니다.

파리에서 태어나 아름다움의 상식을 바꾸고 화가들을 엄격한 규칙에서 풀어낸 인상파를 글로벌한 시점에서 소개하는 ‘인상파 모네에서 미국으로 우스터 미술관 소장’ 개최는 2024년 4월 7일(일)까지 . 지금까지 일본에서 별로 소개되지 않았던, 미국을 중심으로 하는 프랑스 이외의 인상파의 매력을 즐길 수 있는 귀중한 기회입니다. 일본 최초 공개의 작품이 다수이므로, 꼭 이 기회를 놓치지 않게 발길을 옮겨 봐 주세요.

“인상파 모네에서 미국으로 우스터 미술관 소장”개요

※기사의 내용은 취재 시점의 것입니다. 최신 정보는 공식 사이트 등에서 확인하십시오.

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도쿄 국립 박물관

전란의 시대에 살아, 예술에 뛰어나고, 혁신적인 작품을 낳은 혼아미 미츠요시.

도쿄 국립박물관 헤이세이칸에서 개최되는 특별전 ‘혼아미 미츠요시의 대우주’는 그 주제대로 작품을 통해 그의 신앙과 내면 세계에 빛을 조사한다.

본 기사에서는 개최 전날에 행해진 보도 내람회의 모습을 리포트한다.

혼아미 미츠요시란?

에도시대 초기에 활약한 「혼아미코요시」 (혼아미코우에츠)는, 일본도 감정의 명문 가계에 태어나, 후세의 일본 문화에 큰 영향을 준 예술가입니다.
가직인 도검 분야에서 뛰어난 매력의 기량을 발휘해, 도쿠가와 장군가나 다이묘들에게 한눈에 놓여져 있었을 뿐만 아니라, 능서(서의 명인)로도 알려져, 한층 더 도예나 칠예, 출판 등 다양한 조형에 관여하여 뛰어난 작품을 후세에 남겼습니다.

「평생에 괴로운 후사 지극히 키라히노 사람」으로 「이풍자」 (『혼아미 행상기』)
라고 평가받은 光悦이 그 맹인 신앙과 반짝이는 정신에 의해 만들어낸 우품의 대부분이 국보와 중요문화재로 지정되는 등 지금도 높은 평가를 받고 있습니다.

이풍자, 혼아미 미츠요시의 미의식에 육박

본 전시회는

제1장 혼아야 가의 가직과 호화신앙-광열예술의 원천
제2장 요모토와 光悦蒔絵―작렬하는 말과 형태
제3장 광기의 필선과 글자 모습-2차원 공간의 묘기
제4장 光悦茶碗 – 흙의 도검

라는 장세서에 의해, 우품의 여러 가지를 통해서 혼아미 미츠요시의 미의식에 다가갑니다.

光悦 자신의 손에 의한 책이나 작도뿐만 아니라 같은 신앙 아래에 참가한 공장들이 참여한 도장이나 동시대의 사회 상황에 응답하여 만들어진 작품을 전시. 게다가 혼아야가의 신앙과 함께 당시의 호카마치중의 사회에도 주목하고 있어 종합적으로 광기의 존재를 전망할 수 있는 전시 구성이 되고 있습니다.

특히, 최종장이 되는 제4장 「광열차 경—토의 도검」에는 혼아미 광열작의 「흑락 차경 명시우」(중요 문화재) 등, 숨을 삼킬 정도의 우아한 명초가 다수 전시 되고, 바로 본전의 하얀 눈썹 같은 정취를 쏟고 있습니다.

이곳에서는 각 장에 전시된 작품 중에서 장르별로 픽업한 작품을 보실 수 있습니다.

옻칠

문학 세계와 책이 만들어내는 이미지의 연환

본전의 회장 입구에 진좌해, 그 빛과 조형으로 방문자를 놀라게 하는 국보 《후나바시 蒔絵硯箱》 .
혼아미 미츠요시(1558-1637)의 대표작으로서 유명한 작풍상자로, 뚜껑을 높이 야마가타에 북돋우고 있는 것이 특징적. 전체는 모퉁이를 둥글게 한 사각형으로, 뚜껑을 몸보다 크게 만든 피뚜껑(카부세부타)로 만들고 있습니다.

상자의 전면에 금가루를 조밀하게 뿌려 파도의 지문에 소주를 늘어놓고, 그 사이를 세세한 파문으로 메우고 있어 한층 더 은제의 노래 문자를 높이 끼워넣고 있습니다.

검

혼아야의 심미안에 의해 뽑힌 명도

광기의 지료(사시료)로서 전해지고 있는 유일한 도검이, 약 40년만에 공개되고 있습니다.

작자 겸 씨는 미노국(현기후현) 시즈에서 가마쿠라 시대 말기부터 남북조 시대 전반에 활약한 도공. 뒷면에는 光悦의 붓과 전해지는 “꽃가타미”의 금상감이 있어, 부속하는 도장에는 금마에에 의한 허벅지 풀이 칼집 전체를 감싸도록(듯이) 세세하게 드러나 매우 화려합니다.

꽃형견의 금상감과 뜯는 잔디의 금푸른 그림, 그 말과 디자인의 의미를 읽어 풀면 광기의 숨겨진 마음이 보일까요?

서

광기충실기의 대표작

뛰어넘는 학의 무리를 금은 진흙으로 그린 종이에 헤이안 시대까지의 36가선의 와카를 흩어져 쓴 한 권. 학의 상승과 하강, 무리의 밀도에 맞추어, 자형과 자배를 능숙하게 변화시키고 있어 그 역동감에 놀라게 됩니다.
다마야 종들 붓으로 여겨지는 밑그림과 협조하거나, 혹은 서로 경쟁하도록 전개하는 그 책은, 광준이 가장 충실한 작풍을 나타낸 시기의 대표작으로 평가되고 있습니다.

본 전시회에서는 전권이 일거에 공개되기 때문에 매우 귀중한 기회가 됩니다.

도자기

지금도 압도적인 존재감을 발하는 명경

라쿠다로는 손수 만든다. .
그러나 본 작품에서는 그것이 억제되어 전체에 조용한 인상을 주고있는 것이 특징. 나고야의 수기자 모리카와 여춘암이 16세의 젊음으로 손에 넣은 것으로도 알려져 있습니다.

개최 개요

※기사의 내용은 취재시의 것입니다. 최신의 정보와 다른 경우가 있으므로, 자세한 것은 전람회 공식 사이트등에서 확인해 주세요. 또한 본 기사에서 다룬 작품이 이미 전시 종료되었을 가능성도 있습니다.

기타 보고서 보기

국립과학박물관

2013년 유네스코 무형문화유산에 등록된 이래 세계적으로 점점 더 주목받고 있는 '일식'.

많은 일본인이 알고 있는 것 같아 의외로 모르는 그 매력을, 일본 열도의 자연이 자란 다양한 식재료, 사람들의 지혜나 궁리가 만들어낸 발효 등의 기술, 조리법, 역사적 변천이라고 하는 다각적 시점에서 소개하는 특별전 「일식~일본의 자연, 사람들의 지혜~」 가, 국립 과학 박물관(도쿄·우에노)에서 개최중입니다. 회기는 2024년 2월 25일(일)까지.

본전을 취재했으므로, 회장의 모습을 리포트합니다.

※본전은 2020년에 개최 예정이었습니다만, 신형 코로나 바이러스의 영향으로 중지가 되어, 다시 개최하는 것입니다.

산의 행운, 바다의 행운. 다양한 식재료가 자란 일식문화

전시는 전 6장 구성입니다.

제1장은 「원래 일식이란 무엇인가?」를 영상으로 묻는 인트로덕션. 계속해서, 회장의 약 절반의 스페이스를 사용한 제2장 「열도가 자라는 재료」의 전시가 퍼집니다.

음식의 기본인 물로 시작하여 버섯, 산채, 야채, 해초, 해산물… 남북 3,000km 이상으로 그리고 세계에서도 유수의 생물다양성을 가진 일본 열도가 가져오는 풍부한 식재료를 발효 기술, 국물 등의 화제를 섞으면서 250점 이상의 실물 표본과 모형을 활용하면서 과학적 에 해설하고 있습니다.

예를 들어 물의 전시 영역에서는 연수, 경수 등 물의 경도 해설에 공간을 나누고 있습니다.

물의 경도는, 생활용수의 기초인 빗물(그 자체의 경도는 거의 제로)이 「어떤 지질에」 「얼마 체류했는가」로 변화해, 칼슘이나 마그네슘이라고 하는 미네랄이 물 1리터중 얼마나 많은 mg을 포함하는지에 따라 결정됩니다.

WHO의 기준에서는 60ml/L 미만이 연수, 120ml/L 이상이 경수, 그 사이가 중경수. 급준한 지형으로 강수량이 많고 물의 체류 시간이 짧은 일본의 물은 기본적으로 연수입니다. 연수는 버릇이 없고 물속에 성분이 녹아 나오기 쉽기 때문에, 소재의 맛을 살려, 국물을 사용하는 일식에 적합하다든가.

한편, 유럽 대륙은 지형이 평탄하고 흐름이 느리기 때문에 경수가 많고, 경수는 성분이 녹기 어렵고 끓기 어렵기 때문에 스튜 등의 고기를 사용한 조림 요리가 가정 요리로 널리 뿌리를 내리게 되었습니다. 했다.

"일본은 연수의 나라이므로, 경수의 나라로 여행하면 물에 마시기 어려움을 느끼거나 배를 부수거나 하는 사람도 있다"라고 이야기는 잘 듣습니다만, 국물의 용이성, 조림 무너져 용이한 특징도 수질에 따라 다른 것은 알지 못하는 분도 있는 것은 아니다. 일본의 식문화 발달에는 연수가 크게 공헌한 것으로 나타났습니다.

덧붙여 한 입에 「일본은 연수의 나라」라고 하지만 지역차는 격렬해, 일부에는 경수가 흐르는 장소도 존재합니다. 전시에서는, 일본 각지에서 판매되고 있는 다양한 경도의 천연수의 페트병을 진열해, 그 물을 채취할 수 있는 지형·지질을 해설, 비교하고 있었습니다.

또한 저지, 고지, 아열대, 냉온대 등 일본의 변화가 풍부한 지형과 기후는 식생, 그 중에서도 버섯의 다양성으로 이어지고 있습니다. 전 세계에서 알려진 버섯 약 2만종 가운데 일본에는 이름이 붙어 있는 것만으로 약 10%의 2,500~3,000종 정도가 분포되어 있다고 한다.

그런 버섯의 전시 에리어에서는, 구미에 있어서 고급 식품재료로 되는 트뤼프나 포르치니라고 하는 야생 버섯의 동료가, 모두 일본에도 분포하고 있는 것에 주목하고 있었습니다. 이것들은 발생하는 양도 많아, 옛날 일본인이 존재를 몰랐다고는 생각하기 어렵지만, 일식의 재료로서는 이용되어 오지 않았습니다. 반대로, 일본인이 좋아하는 나메코나 에노키타케라고 하는 강한 버섯은, 구미에서는 싫어하는 경향에 있다고 합니다.

똑같이 발생하는 버섯이 한쪽에서는 희귀하고 다른 한편으로는 보이지 않는 극단적 인 차이는 흥미 롭습니다. 이처럼 전시에서는 세계까지 펼친 시점에서 ‘일식’의 모습을 떠올리려는 시도가 많이 보였습니다.

일식에서 자주 이용되는 단백질원이라고 하면 해산물. 일본에서 먹고 있는 어패류의 종류는 세계 굴지로 되어 유빙으로 덮여 있는 오호츠크해에서 맹그로브 숲과 산호초가 펼쳐지는 류큐 열도까지 다양한 물 환경에 둘러싸인 일본 열도에서는 어류만으로도 약 4,700 종류가 분포하고 있다든가.

종에 따라 다른 회유 루트나 서식 장소를 소개하기 위해, 어패류의 전시 에리어에서는 인터랙티브한 영상 전시를 준비. 일본 열도 근해에서 사계절마다 모습을 나타내는 다양한 해산물의 그림자에 손을 대면 그 해산물의 정보가 표시된다는 장치로 지식을 즐겁게 배울 수 있었습니다.

귀중한 전시품으로는, 국물로 대표되는 맛 = 「맛 맛」을 발견·명명한 것으로 알려진 도쿄 제국 대학의 이케다 국화 박사가 실제로 다시마로부터 추출한 맛 성분인 글루타민산(「제 1호 추출구류 다미산")을 들 수 있습니다.

오늘은 「UMAMI」로서 세계적으로 받아들여지고 있는 우마미. 우마미는 옛부터 알려진 단맛, 신맛, 짠맛, 쓴맛 중 어느 것과도 다른 5번째 맛으로 1908년 이케다 박사에 의해 발견되었습니다. 다만, 글루타민산, 이노신산, 구아닐산 등의 맛 성분을 다시마나 가다랭이 등의 식재료로부터 추출한 「출즙」 자체의 역사는 계속 낡고, 무로마치 시대의 문헌에는 이미 등장하고 있다고 한다. 국물의 맛은 동물성 유지에 의지하지 않고, 소재의 맛을 살려, 국물이나 야채 중심에서 담백해지기 쉬운 일식에 빠뜨릴 수 없는 존재였습니다.

또, 아미노산인 글루타민산과, 핵산계 우마미 성분인 이노신산이나 구아닐산을 동시에 맛보면, 단독보다도 우마미를 비약적으로 강하게 느끼는 「우마미의 시너지 효과」라고 불리는 현상이 있습니다. 이 현상이 발견된 것은 1960년, 메커니즘이 해명된 것은 2008년과 최근이었지만, 일본 요리에서 다시마(글루타민산)와 가다랭이(이노신산)를 곱한 합출국물이 일반적으로 퍼져 타노는 에도 시대의 일이라고.

국물의 전시는, 우마미의 존재를 모르고도 경험으로부터 그것을 요리에 살리고 있던 선인들의, 음식에 대한 질리지 않는 탐구심의 일단을 느끼게 해 주었습니다.

비야호와 노부나가는 무엇을 먹었습니까? 에도 시대의 레시피의 재현 전시도

회장의 후반은 볼거리가 많고, 특히 조몬 시대부터 현대까지 발전해 온 일식의 역사를 끈다 제3장 「일식의 성립」에서 볼 수 있는, 비야호나 오다 노부나가, 페리 제독, 메이지 천황이라고 하는 역사상 의 유명인들의 식탁을 재현한 전시 는 본전의 하이라이트 중 하나입니다.

육식을 섬기고 기피하고, 쌀과 생선을 중심으로 한 일식의 원형이 나라 시대에 정돈되어 이후, 정진 요리, 본선 요리, 가이세키 요리 등 다양한 형태를 발전시켜 온 일식입니다만, 그들은 한계 받은 장소나 입장의 사람들에게만 제공되는 것이었습니다. 일식문화가 현저한 발전을 이루고 지식과 기술이 서민에게까지 침투한 것은 에도시대에 들어온 이후. 그 배경에는 요리사의 발전, 발효 조미료의 공장 생산, 그리고 문지층의 확대에 의한 요리서의 보급이 큰 요인으로 꼽힌다고 합니다.

전시에서는, 두부 요리만 100종류 모은 장난기가 있는 베스트셀러 책 「두부 백진」(1782년)이나, 그 히트를 받고 출판된 「무양식 요리 비밀상자」, 새와 계란을 중심으로 한 「만보 「요리 비밀 상자」라고 하는 「백진 것」이라고 불리는 재료별의 요리서 등, 일식 문화의 확산에 공헌한 원조 레시피 책의 현물이나, 그 중에서 소개된 레시피로 만든 요리의 식품 샘플을 보는 것 할 수있었습니다. 전시 옆에는 현대판의 어레인지 레시피의 QR코드가 설치되어 있었기 때문에, 집에서 도전해 보는 것도 재미있을 것 같습니다.

이어지는 제4장 「일식의 진선미 」에서는, 선명한 요리사의 기술, 조리 도구의 세련된 조형, 선인들의 미의식 등 일식을 구성하는 것에 초점을 맞춘 영상 설치가 눈을 즐겁게 해 준다.

문명개화 이후 서양식과 중화요리가 들어온 것으로 일본인은 그들에 대해 스스로 쌓아 올린 식문화를 '일식'이라고 부르며 그 개념을 의식하게 되었습니다. 화양 절충한 조리법이나 카레라이스, 나폴리탄 스파게티, 돈까스, 라면 등 일본풍의 양식·중화도 탄생하는 등, 역사적으로 외래의 것을 잘 도입해 새로운 요리를 발전시켜 온 것도, 일식의 큰 특징이라고 할 수 있습니다.

제5장 「나의 일식」에서는, 지금까지의 전시에서 일식이 어떤 과정에서 태어나 왔는지를 이해한 다음에, 시대와 함께 정의의 변화해 가는 일식이란 무엇인가를 다시 생각하게 하는 내용이 되어 있다 네.

제6장 「일식의 앞으로」만 제2 회장에 있어, 일식은 앞으로 어떻게 변화해 나갈 것인가, 향토 요리나 전통 야채의 중요성도 지적하면서, 사회의 변화를 받아 변화하는 일식의 미래를 전망. 음식 문제 해결을 시도하고 발전하는 기술을 소개하는 지역에서는 귀중한 인공 부화 된 일본 장어의 렙토 세팔스 유생을 볼 수있었습니다.

지금은 계절을 불문하고, 어디에 있어도 전세계의 식재료를 들여올 수 있게 되고, 또한 모든 나라의 레시피도 인터넷을 통해 간편하게 손에 들어오는 시대입니다. 언제 어디서나 같은 요리, 같은 맛을 체험할 수 있다… … 음식에 관한 균질적인 서비스가 확대하는 것으로, 일식이라는 문화의 다양성·독자성은 희미해져 갈지도 모릅니다. 그러나 토지에 뿌리를 둔 식재료, 미각이라는 것이 빼어나게 존재하는 데다 서양식을 밥과 된장국이라고 하는 일식의 스타일, 문맥 속에 적합하도록 만들어 바꾸어 가는 지혜와 집착을 생각하면, 앞으로 의 발전에도 기대가 있는 것이라고 느꼈습니다.

본전에서 일본 열도의 다양한 자연 환경과 사람들의 영업에 대한 이해를 깊게 하면, 매일의 일식을 더욱 맛있게 느낄 수 있을지도 모릅니다.

회기는 2024년 2월 25일(일)까지. 꼭 발길을 옮겨보세요.

특별전 「일식 ～일본의 자연, 사람들의 지혜～」개요

※기사의 내용은 취재일(2023/10/27) 시점의 것입니다. 최신의 정보는 전람회 공식 사이트등에서 확인해 주세요.

기타 보고서 보기

우에노의 숲 미술관

인상파의 거장 크로드·모네의 생애를, <쌓아 짚>이나 <수련>의 연작을 비롯한 대표작 60점 이상으로 추적하는 전람회 “모네 연작의 정경”이 우에노의 숲 미술관에서 개최중입니다.
회기는 2024년 1월 28일까지.

개최에 앞서 행해진 보도 내람회에 참가해 왔으므로, 회장의 모습을 상세하게 리포트합니다.

전시 작품 모두가 모네. 국내외 40관 이상의 협력으로 실현된 귀중한 전시회

인상파를 대표하는 거장 클로드 모네 (1840-1926).

자연의 빛과 색채에 대한 뛰어난 감각을 가지고 있던 모네는, 같은 장소나 모티프를 다른 계절이나 날씨, 시각 속에서 관찰해, 시시각각 변화하는 인상이나 빛의 움직임의 순간성을 복수의 캔버스에 연속해 그려 그만두는, 지금까지 없었던 혁신적인 「연작」의 표현 수법을 확립한 화가로서 알려져 있습니다 .

본전은, 1874년의 인상파의 탄생(제1회 인상파전의 개최)로부터 150년의 고비를 맞이하는 것을 기념해 개최되는 것으로, <쌓아 짚>이나 <수련> 등 모네의 다채로운 모티프의 연작 회화에 초점을 맞추면서, 일본 최초 공개가 되는 인물화의 대작 《점심》 등 인상파로서 이름이 알려진 이전의 작품도 소개. 국내외 40관 이상에서 모인 대표작 60점 이상을 통해 시간과 빛과의 끊임없는 대화를 계속한 모네의 생애를 추적할 수 있습니다.

인상파로의 전환이 된 초기의 대작《점심》이 일본 최초 공개

전시는 시계열의 전 5장 구성으로 되어 있습니다.

모네는 1840년 파리에서 태어나 소년 시절을 노르망디 지방의 항구 마을에서 보냈습니다. 15세 무렵부터 칼리카츄어(풍자 그림)의 명수로서 이미 현지에서 두각을 나타내고, 17세 무렵, 풍경 화가 우젠느 부단으로부터의 조언에 의해 문외에서 풍경화를 그리기 시작합니다.

파리에서의 화가 수업을 거쳐, 1865년에는 당시 프랑스의 예술가에게는 유일한 등룡문이며, 최고의 시장이기도 한 전통적인 공모전 「살롱(관전)」으로 2점의 풍경화 하지만 첫 도전하면서 입선. 순조로운 데뷔를 완수했지만, 1867년부터 살롱의 심사 기준이 엄격히 보수적이 되어 이후는 평가를 얻지 못했다. 1870년, 주도에 준비한 높이 230cm를 넘는 혼신작 《점심》 (1868-69)도 낙선의 우울을 당합니다.

제1장 「인상파 이전의 모네」에서는, 그《점심》이 일본 최초 공개되는 것 외, 보불전쟁으로부터 피해, 1871년부터 체재한 네덜란드의 물가의 경치를 그린 풍경화나 초상화 등이 늘어서 있습니다 .

《점심》으로 그려져 있는 것은, 경제적인 이유로 별거가 계속되고 있던, 후에 결혼하는 카미유와 아들의 장과 함께 생활하기 시작했을 무렵의 아무렇지도 않은 식탁의 광경. 희귀한 「모네의 흑」을 맛볼 수 있는 초기의 대표작입니다만, 일설에는, 대담하게 거친 필치로 밝은 색을 배치하는 표현의 새로움이나, 이야기성의 희박한 일상의 광경을 마치 위대한 회화와 같이 큰 화면에 그린 것 등이 신고전주의를 중시하는 심사위원의 불흥을 샀다고 생각된다고 한다.

이 낙선을 계기로 모네는 목표로 하는 예술성이 다른 살롱과 거리를 두고 본격적인 인상주의로 향하게 됩니다.

모네는 1871년 말부터 파리 교외의 세느 강변 마을, 경치 좋은 알장투유로 이사하여 동지를 방문한 마네와 르느와르 등과 함께 제작에 힘썼습니다. 새로운 발표의 장을 찾아, 1874년에는 파리에서 동지들과 「제1회 인상파전」을 개최합니다. 주목은 모았지만, 매출은 좋지 않고 경제적으로 곤궁. 게다가 1879년에는 최상의 모델이자 이해자이기도 한 아내 카미유를 병으로 잃습니다.

제2장 「인상파의 화가, 모네」에서는, 1870~80년대, 그런 괴로운 환경에 있던 모네가 세느 강 유역을 거점으로 각지를 방문해 제작한, 인상파다운 다양한 풍경화를 전시. 모네가 사랑한 것은, 시시각각 근대화하는 도시의 가경보다 자연의 정경, 특히 물가의 경치였습니다.

요즘의 모네는 풍경 화가 샤를로 프랑소와 도비니 를 모방해, 「모네의 아틀리에 배」 (1874)로 그려져 있는, 보트 위에 오두막을 세운 독특한 아틀리에 배를 만들고 있습니다. 옥외 제작에 대해 악천후에도 견딜 수 있는 이 탈것으로 자유자재로 이동해, 수상 특유의 시점으로부터의 경치를 수많은 작품에 남겼습니다.

특히 모네를 끌어들인 것은 베투유라는 작은 마을의 교회를 포함한 일대를 세느강에서 임한 풍경으로 모네는 이 주제를 반복적으로 그렸습니다. 그 중에서도 사우샘프턴 시립 미술관 소장의 《베투유의 교회》 (1880)는 이 시기의 걸작과 유명하고, 끊임없이 흔들리는 수면의 비친다. 신속하게 싣고 있는 점이 볼거리입니다.

동장에서 또 다른 눈길을 끈 것은 베트유의 황량한 겨울 경치를 동시기의 다른 작품과 비교하면 약간 추상적으로 난폭하다고 생각되는 필치로 그린 《베트유 하류의 세느 강 >> (1879)입니다.

마찬가지로 베트유의 자연을 주제로 한 작품에, 동거하고 있던 오슈데가의 부인 앨리스라고 생각하는 여성이나 아이와 함께 그린 《베트유의 봄》 (1880)이 있습니다만, 그쪽은 봄의 초목의 생생한 모습을 , 짧고 굵은 터치나 가늘고 짧은 선, 파와 같이 이어지는 리드미컬한 선으로, 부드러운 핑크를 섞어 표정 풍부하게 그리고 있습니다.

2 작품을 비교해 보면, 분명히 후자가 그림으로서 안정되어 있는 인상을 받았습니다. 따뜻한 봄의 방문과 친한 자들의 존재가 아내 카미유를 잃은 모네의 깊은 슬픔을 조금씩 위로한 것일까, 등이라고 상상이 불어옵니다.

「연작」착상을 향해. 같은 주제로 완만하게 연결되는 작품군

19세기 후반에 있어서의 철도망의 발달에 의해 유럽 각지를 정력적으로 여행한 모네는, 사람으로 붐비는 행락지가 아니고 인영이 없는 해안 등 자연 풍경을 좋아해, 한 장소에서 수개월에 걸쳐 집중적으로, 또는 연 단위로 재방문하면서 제작을 실시했습니다.

제3장 「테마에의 집중」에서는, 모네를 매료한 노르망디 지방 풀빌의 해안이나 에트르타의 기암 등, 하나의 풍경의 다양한 표정을 담은 작품을 소개하고 있습니다.

그 중에서도 흥미로운 것은 풀빌의 해안을 다룬 4점. 1882년작의 2점의 《풀빌의 절벽》 과, 그 15년 후, 1897년작의 《풀빌의 절벽, 아침》《물결 풀빌의 바다》는 모두 해안 일대에 보이는 절벽, 모래 해변, 바다, 하늘을 닮은 구도로 그려져 있습니다.

그러나, 1882년의 작품에서는 눈에 띄는 절벽이나 암초에 분명히 모티프로서의 역점을 느끼는 것에 비해, 1897년의 작품은 모티프의 주장이 약해지고, 오히려 변화하는 날씨나 바다의 상태, 전체의 분위기에 의식을 향하는 것처럼 느낍니다.

이 4점은, 모네의 스타일의 변천, 같은 장소에서 10년 이상의 세월을 넘어 그려진 작품이기 때문에 알 수 있는 시선을 여실하게 전하고 있었습니다.

그 외에도 《라만누포르트(에트르타)》 (1883)와 《에틀타의 라만누포르트》 (1886) 등은 완만한 연결을 느끼게 하는, 어떤 종류의 질서를 가진 작품군, 같은 테마에 근거한 바리에이션 와 같은 것으로 표현할 수 있습니다. 이러한 과정을 거쳐 모네는 하나의 주제에 대해 몇 점의 그림을 ‘연작’으로 그리는 것을 착상했습니다.

제4장 「연작의 화가, 모네」에서는, 드디어 본전의 메인인 「연작」의 대표작이 줄지어 있습니다.

1883년, 42세의 모네는 종의 서거가로서 세느 강 유역의 지베르니로 옮겨 살았습니다. 이 땅에서 가을이 되면 눈에 띄는 풍물시였던 쌓아 짚을 모티프로 하는데 있어서, 모네는 당초 있는 그대로 그렸습니다만, 1890년 전후에는 복수의 캔버스를 늘어놓고, 날씨나 시간에 의한 빛의 효과로 시시각각 변화하는 묘사를 동시 진행으로 제작. 1891년 파리의 듀란 류엘 화랑에서 개인전을 개최하고, 이들을 ‘연작’으로 전시하면 극적인 대성공을 거두고 프랑스를 대표하는 화가로서 국내외에서 명성을 쌓았습니다.

이 <쌓아 짚>이 모네가 체계적인 “연작”수법을 본격적으로 실천한 최초의 시리즈라고 생각됩니다.

본전에 출품된 《쌓아 짚, 눈의 효과》 (1891)는 1891년 듀란 류엘 화랑에서 전시된 15점 중 1점. 쌓아 짚을 화면 앞에 크게 배치하고 거의 그림자가 된 쌓아 짚과 빛만의 눈의 드라마틱한 콘트라스트가 아름다운 작품입니다.

이후, 「연작」은 몇 가지 모티프로 다루어졌으며, 1899년부터는 런던에서 <워털루 다리> 나 <챠링 크로스 다리> 등을 몇 년에 걸쳐 그려 왔습니다.

<워털루 다리>는 런던의 연작 가운데 최다 41점을 세고, 회장에는 그 중 흐림, 황혼, 일몰을 그린 3점이 출품.

화면은 습기가 있는 대기가 충만한 것 같고, 모두 모티프가 된 다리의 세부 사항은 생략되어 부드러운 실루엣이 템즈 강의 안개 속에서 희미하게 떠 있습니다. 빛의 프리즘이 만들어내는 색채의 미묘한 하모니야말로 볼거리이며, 미끄럼색을 바꾸는 목판화와 같이, 구도가 동일하기 때문에 색채의 표정의 개성이 두드러지고 있습니다.

하나의 주제를 다양한 색과 빛의 시각 효과 속에서 반복적으로 감상시킴으로써, 감상자를 작품에 받아들여, 화면상에는 존재할 수 없는, 모네 자신이 체험했을 것이다 「시간」을 추구 체험시킨다. 이러한 몰입감을 체험시키는 것도, 모네의 「연작」의 목적이었던 것이 아닐까요.

단순한 빛과 색채의 탐구라고 할 뿐만 아니라 ‘연작’은 서로 어떻게 작동하는지, 또 감상자에게 어떤 효과를 낳는지, ‘연작’에서만 할 수 있는 새로운 예술을 창조 하려고 하는 모네의 확고한 의지를 느꼈습니다.

모네를 ‘추상 회화의 조’로 만든 <수련>

지베르니의 집은 모네의 이상이 담긴 가장 큰 착상원이었습니다. 등나무와 작약 등 사계절의 꽃이 피는 ‘꽃의 정원’과 일본 정원에서 착상을 얻은 ‘모네의 최고 걸작’이라고도 불리는 ‘물의 정원’을 그림 소재로 할 목적으로 수년에 걸쳐 정비. 이 「물의 정원」의 연못에서 정원사의 손을 넣어 기르고 있던 것이, 만년 최대의 연작의 모티프가 된 수련 입니다. 후부의 앨리스와 가족에게 지지를 받고, 모네는 시각장애에 고민하면서도 86세에 죽을 때까지 제작을 계속했습니다.

마지막 제5장 「『수련』과 지베르니의 정원」에서는 지베르니의 광경과, 수련을 비롯한 모네가 사랑한 정원의 다양한 정경을 소개하고 있습니다.

모네가 수련의 꽃을 집중적으로 그리기 시작한 것은 연못의 조성을 시작한 지 4년 후인 1897년 여름의 것으로, 《수련》 (1897-98경)은 그 최초기에 제작된 8점 중 하나. 연못의 수면에 접근해, 수련의 꽃과 잎을 클로즈 업 한 구도로 파악해, 선명한 형태로 그려 있습니다. 꽃의 대담한 필치가 먼 눈에는 요염한 입체감으로 일어나는 점에 눈이 끌렸습니다.

이 시점에서 어두운 수면에 연못 주위의 나무와 하늘의 반영은 없고, 모네의 시선은 수련만을 주시하고 있는 것을 알 수 있습니다. 나이가 들면서 시선은 수면에 집중. 시력의 쇠퇴와 함께 깊이는 없어져, 필치는 보다 거칠고, 거울처럼 주위를 비추는 수면에서 형태와 색과 빛은 녹아 마치 추상 회화와 같이 변화해 갔습니다.

그러한 만년 작품은 20세기 중반의 추상 미술가를 자극했고, 모네 예술은 새로운 주목과 재평가를 받게 되었다.

「100% 모네」, 그것도 소묘나 밑그림이 없는, 1점 1점이 모네의 대표적인 유채화인 귀중한 전람회. 모네의 인상파 이전부터 만년까지의 스타일의 변천을 알 수 있는, 모네 초보자에게도 추천하고 싶은 내용이 되고 있습니다. 꼭 발길을 옮겨보세요.

모네 연작의 정경 개요

※※기사의 내용은 취재일(2023/10/19) 시점의 것입니다. 최신 정보는 공식 사이트 등에서 확인하십시오.

기타 보고서 보기

도쿄 국립 박물관

헤이안 시대 전기에 성립해, 다양한 변화를 이루면서 그려져 온 「야마토 그림」.

도쿄 국립박물관에서 개최되는 특별전 ‘야마토 그림-계속되는 왕조의 미-’는 항상 혁신적이고 계속해 온 야마토 그림의 계보를 따라가는 전람회다.

본 기사에서는 개최 전날에 행해진 보도 내람회의 모습을 리포트한다.

야마토 그림이란?

특별전 「야마토 그림-계속되는 왕조의 미-」는, 헤이안 시대 이후, 연면과 그려져 온 「야마토 그림」에 초점을 맞춘 전람회.
그러나 흥미로운 것은 ‘야마토 그림’의 개념은 시대에 따라 크게 변화해 왔다는 점입니다.

헤이안 시대부터 가마쿠라 시대 무렵에 걸쳐서는, 중국적인 주제를 그리는 「당화」에 대해, 일본의 풍경이나 인물을 그리는 작품을 「야마토 그림」이라고 부르고 있었습니다만, 그 이후는, 수묵화 등 중국의 새로운 양식에 의한 회화를 「한화」라고 부르는 것에 대해, 전대까지의 전통적인 스타일에 근거하는 작품을 「야마토 그림」이라고 불렀습니다.
즉, 항상 「야마토 그림」은 이국 유래의 회화에 대한 대 개념으로서 존재하고 있었던 것입니다.

본전에서는, 왕조미의 정화를 계승하면서도 항상 그 본연의 방식을 변화시켜 온 “야마토 그림”을, 특히 헤이안 시대부터 무로마치 시대의 우품을 정선해 소개하고 있습니다.

일본 미술의 「실물 교과서」가 눈에 띄게!

본전은 전 6장 구성.

서장 전통과 혁신—야마토 그림의 변천—
제1장 야마토 그림의 성립—헤이안 시대—
제2장 야마토 그림의 신님—가마쿠라 시대—
제3장 야마토 그림의 성숙—남북조·무로마치 시대—
제4장 궁정 그림소의 계보
종장 야마토 그림과 사계—계속되는 왕조의 아름다움—

당나라와 한화 등 외래 미술의 이념과 기법과의 협상을 반복하면서 독자적인 발전을 이루어 온 야마토 그림의 변천을 각 시대의 특색과 함께 작품을 통해 체감할 수 있는 구성으로 되어 있습니다.

이거야 일본 미술의 왕도! 라고도 할 수 있는 교과서적인 작품, 미술 전집 등에서 친숙한 작품이 한자리에 모이는 여러분은 장관 그 자체.
총 건수 약 245건의 7할 초과가 국보, 중요문화재로, 회장에는 회화뿐만 아니라, 서적이나 공예 작품 등, 야마토 그림의 미의식을 지지한 동시대의 작품도 많이 출품되고 있습니다.

그 중에서도 “본전 일류”의 작품으로 여겨지는 것이 무로마치 시대 야마토 그림 굴지의 우품으로 유명한 중요 문화재 “하마마츠 도병풍” (도쿄 국립 박물관 창고).

눈부시게 빛나는 해변의 풍경에 많은 꽃나무와 풀꽃, 새의 모습을 거듭해, 화면 오른쪽에서 왼쪽으로 옮겨가는 계절이 드러나 있어, 매우 활기찬 인상을 받는 대작입니다. 고대·중세 야마토 그림의 다양한 요소를 집약한 「궁극의 야마토 그림」 이라고 하는 것.

실제로 가까이서 보면 화면 전체가 둔하게 빛을 발하고 있는 것처럼 보이지만, 이것은 기초에 운모(키라. 층상의 규산염 광물)를 쓸어 쓰는 무로마치 시대 야마토 그림 특유의 기법에 의한 것이라고 입니다. 후세의 안토 모모야마 시대와 같은 금을 전면에 밀어낸 화려함과는 다른, 마치 월밤의 밝은 빛과 같은 빛・・・. 어딘가 일본인의 깊은 미적식의 일단이 느껴집니다.

일본 그림 권 역사상의 최고 걸작, 「4대 그림 권」이 모인다

또, 수많은 그림 두루마리 중에서도 최고 걸작으로서 유명한 것이 헤이안 시대 말기에 제작된 「4대 그림 권」.
본전에서는 현존 가장 오래되어 최고봉의 왕조 이야기 그림책인 《겐지 이야기 그림책》을 비롯해 《신키산 연기 그림 권》 《반대 납언 그림 권》 그리고 유명한 《조수희화》 일단 만나요.

이곳은 4대 그림 두루마리의 하나 국보 《조수희화》 (교토·다카야마 절 창고). 2015년 도쿄 국립박물관에서 개최된 ‘조수희화전’의 힘든 혼잡이 기억에 강하게 남아 있습니다만, 그 유머러스함과 사랑스러움으로부터 많은 사람들에게 사랑받아 온 작품입니다.
사계절의 이동, 달마다의 행사, 꽃새·산수나 다양한 이야기・・・야마토 그림에는 모든 테마가 그려져 왔습니다만, 역시 이《조수희화》에 그려진 생동감 넘치는 동물들은, 그 그 중에서도 일시적으로 이채를 내고 있습니다.

본전은 4개의 전시 기간(①10/11(수)~22(일) ➁10/24(화)~11/5(일) ③11/7(화)~19(일) ④11/21(화)~ 12/3(일))에 따라 전시 교체를 실시합니다만, 10/11~22에는 무려 30년만에 4대 그림권이 집결.
이 밖의 기간에도, 3대 장식경(구노지케이, 히라가 납경, 자광사경)이나, 야마토 그림 초상화의 대작으로서 알려진 신호지 삼상(전뢰 조상, 전평 중성상, 덴도하라 광능상) (모두 모두 국보)라는 고대 중세의 명품이 속속 등장하는 등 주목 작품이 눈에 띄고 있습니다.

본전을 담당한 도쿄 국립박물관 전시 교체에 의해, 보다 많은 작품과 만날 수 있다고 생각한다.꼭 몇번이나 회장에 발길을 옮겨 주었으면 한다」
라고, 방문자를 향해 이야기되고 있었습니다.

천년을 넘는 세월 중, 맥들과 계승되어 변화를 이루어 온 「야마토 그림」의 세계.
꼭, 직접 회장에 발길을 옮겨 봐 주세요.

※각각의 작품의 전시 기간은 공식 사이트 의 「출품목록」에서 봐 주세요.

개최 개요

※기사의 내용은 취재시의 것입니다. 최신의 정보와 다른 경우가 있으므로, 자세한 것은 전람회 공식 사이트등에서 확인해 주세요. 또한 본 기사에서 다룬 작품이 이미 전시 종료되었을 가능성도 있습니다.

기타 보고서 보기

도쿄도 미술관

로마의 중심에 있는 카피토리노 미술관의 소장품을 중심으로, 건국에서 근대까지의 로마의 아름다움의 역사를 소개하는 전람회 「영원의 도시 로마전」 이 도쿄도 미술관에서 개막했습니다. 회기는 2023년 9월 16일(토)~12월 10일(일)까지.

회장을 취재했으므로, 전시의 모습을 리포트합니다.

로마의 영광과 아름다움의 역사를 제공하는 카피토리노 미술관

고대에는 최고신 유피텔 등 신들을 모시는 신전이 우뚝 솟는 등 오랫동안 로마인들의 종교적·정치적·문화적인 중심지이며, 현재는 로마 시청사가 놓여 있는 카피토리노의 언덕. 거기 언덕에 세워진 카피토리노 미술관은 세계적으로 가장 역사가 오래된 미술관 중 하나로 꼽힙니다.

1471년 르네상스기 교황 식스투스 4세가 로마 시민의 자존심을 고무함과 동시에 자신이 고대 로마의 정통한 계승자임을 나타내는 목적으로 4점의 고대 조각을 로마 시민에게 기증 카피토리노의 언덕 에 설치한 것을 계기로 동관이 설립. 1734년부터는 일반을 향해 공개가 시작되어, 로마에서 발굴된 고대 유물이나 바티칸에 유래하는 조각, 또 로마의 명가가 소유하는 미술품 등, 충실한 컬렉션을 구축해 갔습니다.

본전은 카피토리노 미술관의 소장품을 중심으로 건국 신화에서 시작되어 고대 로마 시대의 영광, 예술의 최성기를 맞이한 르네상스에서 바로크, 예술가들의 동경의 땅이 된 17세기 이후까지 「영원한 도시」라고 불리는 로마의 장대한 역사와 예술을 약 70점의 조각, 회화, 판화 등을 통해 소개하는 것입니다.

연대순으로 이어지는 전 5장의 섹션 외에, 이와쿠라 사절단이 동관을 방문해 정확히 150년째의 절목이 되는 것에 연관되어, 동관과 일본의 교류를 소개하는 특집 전시도 설치되어 있습니다.

전 753년에 건국했다고 하는 고대 로마 의 전승이나 신화를 끈다 제1장 「로마 건국 신화의 창조」 에서는, 출발점으로서 로마의 상징이라고도 할 수 있는 유명한 작품 《카피토리노의 늑대(복제)》 가 놓여 있었습니다.

본작의 오리지널은 카피토리노 미술관의 시작인 4점의 고대 조각 중 하나. 기원전 5세기에 만들어진 것으로 되어 있습니다. (출전되고 있는 것은 로마 시청사가 소장하는 후세의 복제 작품)

로마 건국 신화를 소재로 한 시인 웰기리우스의 서사시 ‘아에네이스’의 에피소드 중, 군신 마르스와 무녀 레어 실위아 사이에 태어난 초대 로마왕 로물루스와 그 동생 렘스를 키운 늑대의 이야기에 근거하고 있습니다 .

본래는 암랑만이었던 것이, 르네상스기에 우유를 마시는 쌍둥이의 동상이 덧붙여졌다고 한다. 늑대가 돋보이는 눈과 털이 등이 양식적이면서도 섬세하게 표현되고 있습니다.

쌍둥이에 우유를 주는 늑대의 상은 로마 시내에 모셔져 건국신화의 체현으로서 제국의 역사와 함께 계속 걸음으로써 공공기념비나 화폐와 같은 공적미술, 시적인 장신구, 제례미술에 이른다 까지 다양한 매체의 그림 표현에 영향을 주었습니다. 《카피토리노의 늑대》는 후세에서 더해진 쌍둥이상을 제외하고, 그 아이콘이라고도 할 수 있는 현존 작품입니다.

심볼로서의 절대적인 영향력을 나타내듯이, 제1장에서는 그 밖에도 《드라쿠마 은화》 나 《보르세나의 거울》 (전 4세기) 등, 늑대의 모습이 그려진 작품이 여러 개있었습니다 .

전 27년 이후의 제정기에는 제국의 번영과 함께 초상이 발전. 위엄 있는 표정이나 사실성이 있는 역대 로마 황제의 초상은, 프로파간다의 수단으로서 기능한 것 외, 일반 시민의 사적 초상화에도 영향을 미치고, 다양한 유행의 옷차림이나 포즈, 헤어스타일 등을 보급시켰다고 좋다 합니다.

제2장 「고대 로마 제국의 영광」 에서는, 고대 로마 제국의 초석을 세운 율리우스 카이사르나 아우구스투스의 머리 조각을 비롯해, 각각의 「시대의 얼굴」을 통해 영광의 시대를 따라가면서, 당시의 문화적, 사회적, 정치적 변화를 전하고 있습니다.

여기에서는 카피토리노 미술관이 소장하는 2체의 《콘스탄티누스 제의 거상》 의 단편을 정교한 원치수 복제로 전시하고 있어 박력이 있었습니다. 《콘스탄티누스 제의 거상》도 교황 식스투스 4세가 로마 시민에게 기증한 고대 조각의 하나입니다.

콘스탄틴 (재위 306-337)은 로마 제국에서 가장 중요한 황제 중 하나. 분열하고 있던 제국을 재통일해, 기독교를 국교라고 인정 스스로도 신도가 된 최초의 로마 황제로 알려져 있습니다.

머리만으로 높이 약 1.8 미터. 그 스케일 감은 한때의 영화를 연상시킵니다. 낀 뺨, 엄격한 눈 아래의 눈물 주머니, 입가의 주름으로부터, 만년의 황제의 모습을 포착한 것으로 생각되고 있다든가. 착한 표정 속에서도, 멀리를 전망할 수 있도록 약간 상방을 향한 눈동자가 인상적. 당시 사람들이 황제에 안은 높은 이상을 반영한 것처럼 초연한 분위기입니다.

머리 외에, 왼발, 왼손, 더욱 최근에 루브르 미술관에서 발견된 왼손의 검지도 본전을 위해 새롭게 복제된 것이 함께 소개되고 있었습니다.

문외 불출의 지보《카피토리노의 비너스》를 놓치지 마세요!

또, 제2장에 전시된 《카피토리노의 비너스》 는 본전의 제일의 주목 작품입니다.

고대 그리스의 위대한 조각가 프락시텔레스가 전 4세기에 제작한 아프로디테(비너스와 동일시되는 그리스 신화의 사랑의 여신)의 상을 바탕으로 한 2세기 작품입니다.

비너스 동상의 전형적인 수치스러운 포즈를 취해, 우아한 몸의 곡선과 통통한 피부의 질감의 표현이 매우 아름답고 매력적. 잘 보면 머리의 천변에서 나비 매듭처럼 머리카락을 정리하고, 목덜미 근처에서도 신영을 만들고 한층 더 가랑이에 머리카락을 내린다는 조금 재미있는 헤어스타일을 하고 있습니다.

미로의 비너스(루브르 미술관), 메디치의 비너스(우피치 미술관)에 늘어선 고대 비너스상의 걸작으로 알려져 있는 동작. 실은, 카피토리노 미술관 이외에 반출되는 것은 1752년의 수장 이래, 일시적으로 나폴레옹이 이끄는 프랑스군에 접수된 건을 포함해 이번에 3번째라는 것으로, 바로 문외 불출의 지보라고 할 수 있을 것입니다 .

앞으로 또 일본에서 볼 수 있는 기회가 있는지 모르는 필견의 작품입니다.

전시에서는, 보통 동작이 놓여져 있는 카피토리노 미술관의 「비너스의 사이」라고 불리는 팔각형의 전시실을 이미지 한 특별 공간을 준비. 마찬가지 마루도, 동관이 위치하는 르네상스의 거장 미켈란젤로에 의해 설계된 캄피드리오 광장의 모양으로 연출되고 있었습니다.

덧붙여 1537년부터 구상이 스타트한 미켈란젤로의 도시계획, 도시 로마의 장려함을 구현하는 광장과 건물군에 의한 아이코닉한 미술관 복합체의 전개에 대해서는, 계속되는 제3장 「미술관의 탄생으로부터 미켈란젤로에 의한 광장 구상」 에서 회화나 판화 등을 통해 자세히 소개하고 있습니다.

제4장 「회화관 컬렉션」 에서는, 예술 비호와 학문의 진흥에 힘을 쏟은 교황 베네딕투스 14세가, 1748년부터 1750년에 걸쳐 수집한 이탈리아 명가 구장의 회화 컬렉션을 기초로 설립했다 회화관의 컬렉션 13점을 전시.

이탈리아 바로크의 거장 피에트로 다 코르토나부터 작자 불명의 것까지, 모두 16세기부터 18세기에 활약한 화가들의 명품뿐. 당시의 이탈리아에서 주류였던 화제나 표현, 또 예술의 패트론들의 관심을 포착한 회화와 어떤 것이었는지를 전하고 있습니다.

17세기 이후 고대 유적과 교회 건축의 보고인 도시 로마는 그랜드 투어 등을 통해 이탈리아 내외의 예술가들의 예술적 영감원이 되었습니다.

제5장 「예술의 도시 로마에 대한 동경―공상과 현실의 모습―」에서는 , 그런 로마에서 특히 예술가나 유럽 군주들을 매료했다고 하는, 트라야누스제가 다키아 전쟁에서 승리한 것을 기념한 약 30미터의 고대 기념비 「트라야누스 제 기념 기둥」 에 관한 판화나 모형을 전시. 또한 고대 로마 미술을 발상원으로 제작한 작품에 대해 다루고 있습니다.

마이센의 도자기 도자기 《아몰과 푸슈케》 는 30cm 정도의 작은 작품입니다만, 서로 얽히게 하는 육체, 특히 서로의 머리를 상냥하게 안는, 원환을 연상시키는 팔의 배치는 영원한 사랑을 상징하고 있는 것 같아 , 그 감미로운 곡선에 자주 볼 수있었습니다.

이 작품은 카피토리노 미술관 소장의 유명한 2세기 대리석 조각《아몰과 푸슈케》에 근거한 복제. 18세기에는 고대 미술 애호가의 증가에 따라 유명한 고대 조각의 축소판을 제작하는 신산업이나 그것을 매매하는 시장이 성장해 동작과 같은 복제가 많이 나왔다고 합니다.

마지막 플로어에는 특집 전시 「카피토리노 미술관과 일본」 의 코너가 있습니다.

정확히 150년 전인 1873년, 메이지 정부가 구미에 파견한 이와쿠라 사절단이 카피토리노 미술관을 방문. 구미의 미술관·박물관을 시찰한 그들의 경험은, 메이지 정부의 박물관 정책이나 미술 교육에도 영향을 주었습니다.

전시에서는, 사절단의 사람들이 현지에서 입수했다고 생각되는 그림엽서 등을 기초로 제작 된 시찰 보고서 「미유럽 회람 실기」의 삽화나, 19세기 초의 일본의 사람들이 유럽에 안고 있었다 이국적인 이미지가 전해지는 상상도 《아란다 프랑스 카노가람지 그림》 등을 소개하고 있습니다.

또, 1876년에 일본 최초의 미술교육기관으로서 공학 기숙사 미술교(나중의 공부 미술학교)가 탄생했을 때, 서양 미술 교육을 위해 초빙된 이탈리아인 교사들은 교재로서 유명한 조각을 모델로 하는 석고상을 반입했는데, 그 중에는 카피토리노 미술관의 석고상도 포함되어 있었습니다.

그 역사를 나타내는 것으로서, 2세기에 제작된 카피토리노 미술관 소장의 《디오뉴소스의 머리》 와, 동작을 원작으로서 복제·일본에 반입된 석고상을 한층 더 학생이 과제로 모사한 것으로 보인다 《유럽부인 아리안 반신》을 나란히 전시. 시간을 넘은 카피토리노와 일본의 연결을 상징하고 있습니다.

전세계의 예술가들을 매료시킨 도시 로마의 장엄한 아름다움의 역사에 잠길 수 있는 「영원한 도시 로마전」. 꼭 발길을 옮겨보세요.

「영원한 도시 로마전」개요

※기사의 내용은 취재 시점의 것입니다. 최신 정보는 공식 사이트 등에서 확인하십시오.

기사 제공: 코코실 우에노

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도쿄 국립 박물관

도쿄·우에노의 도쿄 국립 박물관 오모테칸에서는, 2023년 9월 12일부터 「요코오 타다노리 한산 백득」전이 개최중입니다. (회기는 12월 3일까지)

전통적인 화제로 알려진 중국의 풍광의 승려를 현대 미술가 요코오 타다노리씨가 독자적인 해석으로 재구축한 「한산 습득」시리즈 중 신작 102점을 일거 첫 공개 하고 있습니다.

※작품 화상에 대해서… … 특별한 기재가 없는 것은 모두 요코오 타다노리작, 작가 창고입니다.

탈속의 행동으로 동경의 대상이 된 한산 습득

한산(칸잔)과 습득(가만히) 은, 중국·당시대에 살았다고 여겨지는 전설적인 두 사람의 시승입니다.

높은 교양을 가진 문인에도 불구하고 동굴 속에 살고, 잔반으로 배를 채우고, 상궤를 벗어난 발언을 하는 등, 기행이 눈에 띄는 자유롭고 엑센트릭한 존재로 알려져 있습니다. 중국 선종에서는 그 탈속의 모습과 행동이 깨달음의 경지라고 해도 되고, 한산은 문수보살, 습득은 보현보살의 화신이라고 신성시하게 됩니다.
중국이나 가마쿠라 시대 이후의 일본에서, 한산 습득은 전통적인 화제로서 많은 선승부와 문인들에 의해 그려져, 근대에서는 모리오카 외나 나츠메 소세키의 소설에서도 동경으로 다루어져 왔습니다.

그런 한산 습득을 테마한 작품을 일본을 대표하는 현대 미술가 요코오 타다노리씨(1936-)가 처음 발표한 것이 2019년의 일. 에도시대의 기상의 화가·연가 육백의 대표작《한산 습득도》에 인스파이어 된 것이었습니다.

이후 형태를 다양하게 변화시키면서 「한산 습득」시리즈를 집중적으로 제작. 신형 코로나바이러스 감염증의 유행시기에는 외계와의 접촉을 피하면서 마치 한산 습득의 탈속의 경지와 같이 속세로부터 떨어진 아틀리에에서 창작 활동에 근무했다고 합니다.

이번 전시되고 있는 「한산 습득」시리즈의 102점은, 모두 본전을 위해서 그려진 미발표의 신작입니다.

제작 기간은 2021년 9월부터 약 1년. 요코오씨 자신이 본전의 보도 발표회에서 「아티스트를 그만두고 선수가 되자」라고 말한 대로, 87세라고는 생각되지 않는 파워풀하고 도전적인 정신 아래, 때로는 하루 3 점을 그려낸 적도 있는 등 경이의 스피드로 제작되었습니다.

시공간을 넘어 이미지에서 이미지로

한산 습득은 시승이라고 하는 것으로, 한산은 한시를 기록한 두루마리, 습득은 절의 정원을 쓸어 빗자루를 가지는 모습이 전통적인 표현입니다만, 요코오씨는 독자적인 해석으로 두루마리를 화장지에, 빗자루 는 진공 청소기로 교체하는 등 현대적인 업데이트를 추가 유머러스. 게다가 화장지로부터의 연상인지, 두 사람은 마르셀 듀샨의 《샘》을 연상시키는 변기에 앉아 있는 것도.

회장을 둘러보면, 각 작품의 타이틀이 제작의 연월일만으로 통일되어 해설의 캡션등이 일절 없는 것을 깨닫습니다.

도쿄국립박물관 학예연구부 조사연구과장인 마츠시마 마사토씨는 이러한 전시는 요코오씨의 의향을 반영한 형태라고 말합니다.

「요코오씨 자신은, 작품 1장 1장에 무언가 메시지를 담을 수 있다든가, 무언가를 전하려든가, 그러한 의도는 전혀 없다고 말씀하셨습니다. 머리로 생각하고 그린다는 형태가 아니고, 근육, 육체로부터 솟아오른 것을 캔버스에 넣어 왔다. 그것을 자유롭게 상상·해석하면서 보시고 싶다고 하는 생각입니다」

특정 모티프가 일련의 위상을 형성하는 경우가 많습니다. 예를 들어 “붉은 천”입니다.

《2022-03-24》는 붉은 깔개 위에 쉴 수 있는 한산 습득과 여성이 그려져 있습니다만, 이것은 분명히 19세기 프랑스의 화가 에듀아르·마네의 명화《초상의 점심》의 패러디일 것입니다. 비슷한 구도로《2022-05-01》가 있습니다만, 이쪽은 동관이 소장하는 국보인 에도시대의 그림사・쿠스미 모리카게의《납량도병풍》에 똑같이.

그 며칠 후에 제작된 《2022-05-05》에서는 아라비안 나이트처럼 빨간 마법의 카펫을 타고 즐겁게 하늘을 날아다니고 있습니다. 그리고《2022-05-28》을 보면, 이번은 마치 해리 포터의 세계. 각각에서 마음대로 날고 싶어졌는지, 붉은 카펫에서 빗자루로 갈아타고 있었습니다.

이와 같이, 요코오씨의 한산 습득상은 잇달아 이미지로부터 이미지가 연상되어 백면상과 같이 변용해 갑니다.

아르세느 루팡이나 돈키호테로 분장했을까 생각하면, 수묵산 수화로 그려지는 거대한 산 같은 몸이나, AI나 로봇을 이미지한 무기질로 기하학적 형태로도 변모. 여장하거나, 둘이서 하나에 융합하거나, 더 이상 어디에 있는지 판별할 수 없을 정도로 풍경에 녹아들거나, 하고 싶은 마음껏하고 있는 한산 습득.

또, 전통적인 화제인 「4수도」와 같이, 한산 습득뿐만 아니라 2명의 스승인 풍간 선사나 호랑이와 함께 있거나, 아인슈타인이나 에드가·앨런·포, 오타니 쇼헤이가 얼굴을 내밀거나. 도쿄 올림픽, 축구 월드컵 등 세상을 반영한 작품도 치라호라…

시간도 장소도 크기도 실재도 가상도 상관없이 달려가는, 자유자재한 한산 습득의 이야기가 거기에는 있었습니다.

작가가 가진 다면성이 한산 습득의 모습을 빌려 날아온 것 같은, 이러한 작품의 다양성은, 요코오씨 본인이 표현하는 곳의 「육체 뇌」에 의한 것.

양식이나 구애에 사로잡히지 않고, 육체의 개방에 맡기는 채 붓을 옮긴 결과로서 태어난 것입니다. 어제와 오늘로 변화하는 생리라든지, 그 날에 시야에 들어간 것이라든지, 그 때때로 작가의 육체적 발로는 어딘가 일기적으로도 느껴졌습니다.

육체적 불편함에서 획득한 ‘권력체’로 자유로운 신경지를 펼친다.

부드럽고 부드러운 터치의 묘사가 많습니다만, 요코오씨는 이 묘화 스타일을 「원한 몸」이라고 부르고 있습니다.

최호체는 본래 메이지 시대에 확립시킨 일본화의 기법을 가리킵니다만, 요코오씨에게 있어서의 최호체는, 2015년에 발병한 난청의 증상의 영향으로 시야나 머리 속까지 불명료해져, 사물의 경계와 꿈과 현실의 구별까지도 모호해진 것. 건초염에 의해 명확한 강한 선을 끌기 어려워진 것. 이러한 육체의 변화에 의해 획득한 것입니다.

붓을 겹쳐서 모호해진 윤곽은 때로는 시공의 벽을 무력화하고 때로는 작자의 의도를 넘어 과거와 기술이라는 속박에서 벗어나 보는 사람의 마음을 녹이는 개방적인 인상을 주어 준다.

작품의 대부분은 F100호나 F150호 사이즈의 대형 캔버스에 그려져 박력이 있는 데다, 아크릴 케이스 등의 커버가 없기 때문에, 가까이에서 필치나 색의 겹침을 감상하는 것이 가능합니다.
화면이 밝고, 빨강이나 황색 등의 온색계의 원색이 많이 사용되고 있는 일도 있어, 어딘가 어깨의 힘이 빠지는 것 같은 평화나 건강을 받을 수 있었습니다.

현존 작가의 전람회를 개최하는 것은, 동관의 역사상 드물다는 것. 동관에 있어서도 특별한 자리매김이 된 본전에서, 80대로 하여 신경지를 개척한 요코오 타다노리씨의 자유로운 세계를 접해 보는 것은 어떻습니까.

덧붙여 본전의 관련 기획으로서, 도쿄 국립 박물관 본관 특별 1실에서는 특집 「도쿄 국립 박물관의 한산 습득도─전설의 풍광승에의 동경─」를 2023년 9월 12일(화)부터 11월 5일 일(일) 까지 개최중.

※본전의 티켓으로 감상 가능합니다. 전기·후기로 전시 교체가 있으므로 자세한 것은 공식 사이트를 확인해 주세요.

국보의 인다라필《한산 습득도(선기도 단간)》를 비롯해, 동관이 소장하는 고전적인 「한산 습득도」를 한자리에 모아 소개하고 있습니다. 한산 습득도의 변천을 쫓으면서 최신 요코오 작품과 비교해 보는 것도 재미있을지도 모릅니다.

「요코오 타다노리 한산 백득」전

※기사의 내용은 취재일 시점의 것입니다. 최신 정보는 공식 사이트 등에서 확인하십시오.

기사 제공: 코코실 우에노

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도쿄도 미술관

뉴욕을 거점으로 판화부터 설치까지 폭넓은 표현 활동을 이어가고 있는 아티스트 아라키 쥬나씨의 첫 회고전 「우에노 거기에서 「시작, 시작」아라키 쥬나전」이 도쿄 우에노의 도쿄도 미술관 에서 개최 중입니다. 회기는 2023년 10월 9일까지.

아라키 쥬나씨 (1970-)는, 1991년에 무사시노 미술 대학 단기 대학부를 졸업 후에 멕시코에 유학해, 「밝기와 어둠」이나 「생과 죽음」이 공존하는 독특한 문화에 매료되었다고 한다 합니다. 그 후도 멕시코 체재를 반복하면서 현지에서 기법을 배운 구리 판화를 비롯해 입체 작품, 설치, 애니메이션 등 다채로운 표현으로 독자적인 세계관을 가진 작품을 제작해 왔습니다.

2012년에는 뉴욕에 활동 거점을 옮겨, 의식적으로 이민으로서 사는 것으로 새로운 한 걸음을 내디뎌, 최근에는 「월경」 「다양성」 「포섭」이라고 하는 테마에 관심을 갖고 있다는 것.

본전은, 그런 아라키씨에게 있어서 최초의 회고전. 손바닥 사이즈의 입체 작품으로부터, 원 플로어 전체를 사용한 「우에노의 기억」에 착상을 얻은 대형 설치 《기억의 거기》(2023/본전에서 첫 공개) 등, 초기 작품으로부터 신작까지 약 120점 의 버라이어티 풍부한 작품군이 전개되고 있습니다.

전시는 전 4장 구성. 아라키 씨의 작품의 매력인 사람의 영감과 이야기를 상기시키는 모티프나 표현이, 어딘가 친밀함이나 그리움을 느끼게 하는 것과 동시에, 어처구니 마음이 어딘가에 물려지는, 일상과 비일상의 경계 왕래하는 이상한 여행에 감상자를 초대합니다.

제1장 「여행의 『 시작, 시작! 시작으로 소개하고 있습니다.

입구에는, 오르골 장치의 작품 《무제》 (1995)가 전시되어 있어, 나사는 감상자가 스스로 돌릴 수 있습니다. 본작에 대해 아라키 씨는 갤러리 토크에서 "1곡이 흐르고 있는 사이, 그것을 들으면서 상상의 여행을 한다는 이미지로 제작했다"고 코멘트. 여러 빈 액자는 앞으로 시작되는 여행에서의 훌륭한 만남을 예감하게 합니다.

"시작, 시작" (2003)에서 커튼이 열리도록, 이야기가 시작되도록 전시가 스타트. 《낮》과《밤》 (1999)은, 「여행처에서 묵은 방의 침대 옆에 놓거나, 전철의 창가에 있는 작은 테이블에 놓거나 할 수 있는, 휴대할 수 있는 작품이 있으면 멋지다」라고 하는 생각 로 제작했다는 접이식의 독특한 입체 작품. 모두 구리 판화 기술로 만들어집니다.

가이코츠를 모티브로 한 《La calavera amarilla(노란 가이코츠)》 (2005)나 《Una marcha de los esqueletos(가이코츠의 행진)》 (2004)에서는 화려한 장식과 일루미네이션으로 죽은 자를 쾌활하게 맞이하는 '죽은 자의 「일」로 대표되는, 멕시코 독자적인 사생관의 영향이 느껴질 것입니다.

"Caos poetico (시적 혼돈)" (2005)는 랜턴을 연상시키는 따뜻한 빛이 흩어져있는 환상적인 광경이 펼쳐집니다. 이곳은 전주에서 무단으로 전선을 당겨 집이나 포장마차 등불에 사용하고 있던 멕시코 빈곤층의 사람들의 잔잔한 생활과 그 등불로 물들인 거리가 밤하늘처럼 매우 아름다웠기 때문에 영감 레이션을 얻었다는 설치.

천장에서 전원 코드가 무수히 매달려, 그 앞에는 집에 내려다 본 작은 상자가 장착되어 있습니다. 빛의 색뿐만 아니라 각각 작은 상자의 무늬도 달라, 아라키씨가 멕시코에서 마신 차의 상자나, 버스의 티켓, 루차리브레(멕시코 레슬링)의 전단지 등 다양한 아이템이 사용되고 있습니다.

그 잡연한 모습은, 화려한 페인트로 좋아하는 마음대로 칠해진 집들과, 거기에 사는 멕시코 시티의 사람들로부터 아라키씨가 느꼈다고 하는 「혼돈과 사는 힘」이 이미지의 근원이 되고 있는 것 그렇죠?

덧붙여 본작은 참가형의 작품이 되고 있습니다. 감상자는 전람회 퍼시리테이터(감상을 서포트하는 자원봉사의 분들, 애칭:케에진)의 안내에 따라, 임의의 소켓에 작은 상자를 연결해 거리 풍경의 하나로 하는 체험을 할 수 있었습니다.

제2장 “부드러운 등불에 숨어 있는 어둠” 에서는 빛과 어둠을 각각 표현하는 2개의 설치가 대칭적으로 배치되어 있습니다.

아라키 씨가 어린 시절에 살았던 단지를 이미지하여 제작했다고 하는 《우리》 (1999)는, 흰 베니어로 만들어진 100개 정도의 상자를 흰 벽에 설치해, 단지의 집들에게 돋보였다 물건.

각 상자에는 무작위로 번호가 흔들리고, 감상자는 퍼시리테이터에서 열쇠를 받고 번호와 일치하는 상자의 문을 열 수 있습니다. 그러자 내부에서 빛이 흘러나와 획일적인 외관에서는 상상할 수 없었던 판화로 그려진 각각의 가정의 따뜻한 생활이 보여 왔습니다.

《우리》의 벽을 사이에 둔 반대측에서는, 동작의 작은 행복이 모인 일상의 세계를 채우는 것 같은, 검고 굉장한 물체가 머리 위로부터 퍼지는 《보이지 않는》 (2011)이 존재감을 나타내고 있습니다 .

2011년 동일본 대지진 이후 제작된 작품으로 원자력발전소의 사고를 계기로 방사성 물질이라는 눈에 보이지 않는 위험한 것이 날아올지도 모른다는 당시의 불안감과 혐오감을 시각 화하려고 시도한 것. 검은 물체는 멕시코에서 대량으로 구입했다는 용설란의 섬유를 검게 물들여 경단 모양으로 둥글게 붙여 제작했다고 합니다.

제3장 「이야기의 세계, 국경을 넘는 나비」 에서는, 예쁘게도 어딘가 불안을 기억하는, 아라키씨다운 시정 넘치는 「이야기의 세계」를 충분히 소개하고 있습니다.

아라키씨가 그리는 인물은, 대부분이 실루엣만으로 표정은 모릅니다. 혼자서 광대한 세계에, 때로는 무서운 “무언가”에 대치하고 있습니다. 거기에 외로움을 보는지 자유를 보는지, 아니면 뭔가에 대한 동경을 느끼는가. 신기함과 자기가 거듭되어 기억을 흔들면서 눈치채면 작품의 세계에 마음이 담겨 가는 것 같았습니다.

멕시코, 치아버스 지방에 지금도 전해지는 마야의 태양 창조 신화를 바탕으로 한 그림책 《NeNe Sol ―막내의 태양―》 은, 마야계 원주민을 중심 멤버로 하는 판화 공방 「레냐테로스 공방」과 아라키씨가 공동 제작했다 물건. 회장에는 시작판과 삽화의 원본이 전시되어 있습니다. 마치 석조 조각과 같은 독특한 장정은 멕시코 조각가가 원형을 담당했다고.

아라키씨는 2022년에 도쿄도 미술관에서, 다양한 나라에 뿌리를 가진 아이들과 함께 워크숍 「옛날 바나시가 들려」를 개최. 아이들은 종이의 원소(펄프)를 사용해 나비의 모양을 본뜬 텐트나 그림책 만들기를 체험해, 자신의 뿌리가 있는 나라의 옛날 날씨도 소개했다고 하는 것입니다. 회장에는 실제로 그 때 제작했다는 텐트가 전시되어 있습니다.

멕시코에서 만난 월동을 위해 철새처럼 나라들을 이동하는 모나르카 나비에 관심을 갖고 있다는 아라키 씨. 본작도 모나르카 나비가 지면에서 날개를 쉬고 있는 이미지에 착상을 얻어 제작되었다고 합니다.

트럼프 정권 하에서 이민이라는 입장에서 미국에 살고 있던 아라키씨가 본, 벽에 막혀 국경을 넘을 수 없는 난민들과, 국경에 관계없이 세계를 자유롭게 이동할 수 있는 모나르카 나비에 대한 생각이 본작 에 겹쳐져 있습니다.

또, 텐트는 일시적으로 사람이 묵거나 피난하기 위한 존재이기 때문에, 아라키씨는 본작에 「안심하고 숨어 있는 장소라고 하는 의미를 담았다」라고 밝혔습니다.

제4장 「우에노노 거기(바닥)를 둘러싼 모험」 에서는, 미술관의 「거기(바닥)」라고도 할 수 있는 천장 높이 10m의 지하 3층 전시실의 공간 전체를 사용해, 「우에노의 기억」에 착상을 얻은 대형 설치 《기억의 거기》 (2023)가 본전의 여행의 라스트를 장식하고 있습니다.

리서치를 하는 가운데, 일본 최초의 공원·박물관·동물원의 탄생, 관동 대지진이나 도쿄 대공습, 전후의 암시의 출현 등 많은 역사적 사건의 무대가 되어, 다양한 나라나 지역의 사람들을 끌어들여, 받아들여온 우에노라는 토지의 혼돈에 매력을 느꼈다는 아라키 씨.

중앙에있는 검은 새장과 같은 거대한 오브제 주변에서는 아라키 씨가 직접 촬영 한 우에노의 사진과 우에노를 다룬 우키요에 등 과거와 현재의 우에노의 모습이 단편적으로 영상으로 흘러 나옵니다. 천장에서 매달린 "눈"을 상징하는 한 쌍의 거울이 "거기"에 묻혀 있던 우에노의 이미지를 떠오르게하는 역할을 담당하고 있습니다.

오브제는 "과거와 미래, 아름다운 것, 하세화한 것을 크게 삼켜, 내뿜는, 중공의 바구니, 새장 같은 것"이며, 그 상부는 마치 큰 손으로 잡은 것 같다. 기둥의 일부는 내부에서 밀려나거나 외부에서 벌어진 것처럼 구부러져 있습니다.

이 조형에 대해서 아라키 씨는, 「새장이나 새장이라고 하는 것은, 새를 지키고 있는 것 같고, 자유롭게 날아 가지 않도록 가두고 있는 것도 있어, 그러한 이면성으로부터 나온 형태입니다 "라고 해설했습니다.

본전에 대해, 「아이들이나 젊은 사람들에게도 많이 봐 주셨으면 합니다. 지하에 숨어 조금 이상한 체험을, 여행하도록(듯이) 즐겨 주시면」라고 말하는 아라키씨. 지상에서 우에노의 「거기」로 향하는 여행은, 또 다른 여행에의 동경도 환기해 주었습니다.

아라키 씨가 관심을 보이는, 국경, 다양성, 포섭 등의 나라나 지역을 넘어 현대 사회가 공통적으로 안고 있는 테마에 대해서도 생각이 이어지는 전람회 “우에노노 거기로부터 “시작, 시작” 아라키 쥬나전 '개최는 2023년 10월 9일까지입니다.

우에노 거기에서 "시작, 시작"아라키 쥬나 전시회

※기사의 내용은 취재 시점의 것입니다. 최신 정보는 공식 사이트 등에서 확인하십시오.

기사 제공: 코코실 우에노

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