[월:] 2023년 04월

국립 서양 미술관

19세기 후반부터 20세기에 걸쳐 각국의 화가들이 방문 제작에 임한 프랑스 북서부의 브리트니 지방. 옛날보다 특이한 역사문화를 자랑해 온 이 땅을 소재로 한 작품 을 모은 전람회 「동경의 땅 브르타뉴 ─ 모네, 고건, 쿠로다 키요루 등이 본 이향」이 도쿄 우에노의 국립 서양 미술관에서 개최 내부입니다.
회기는 2023년 3월 18일(토)~6월 11일(일)까지.

보도 내람회에 참가해 왔으므로, 회장의 모습을 리포트합니다.

※기사의 내용은 취재일(2023/3/17) 시점의 것입니다. 최신 정보는 공식 사이트 등에서 확인하십시오.

전세계의 예술가가 동경한 프랑스의 내면인 이향 「브르타뉴」란?

변화가 풍부한 웅대한 자연, 고대의 거석유구와 중근세의 기독교 기념물, 켈트계 언어인 ‘브루톤어’를 말하는 사람들의 소박하고 신심스러운 생활양식. 프랑스 북서부, 대서양으로 돌출한 반도를 핵으로 하는 브리트니 지방은 16세기까지 브리트니 왕국으로서 독립하고 있었다.

프랑스에 병합된 후에도 독자적인 경관과 문화를 유지한 프랑스의 내면인 「이향」. 19세기에 로망주의 시대를 맞이하면 새로운 화제를 요구하는 많은 예술가들이 브리트니를 목표로 했습니다.

본전 「동경의 땅 브리트니 ─ 모네, 고건, 쿠로다 키요테 등이 본 이향」에서는, 화가들을 매료시킨 19세기 후반부터 20세기 초에 주목해, 브르타뉴를 모티브로 한 회화나 소묘, 판화, 포스터 등 약 160점을 전시. 각각의 화가들이 이 이향에 무엇을 요구하고 찾아낸 것인지를 찾고 있습니다. 전시 작품은 국내 30곳을 넘는 소장처와 해외 2관에서 모인 것.

제1장 “발견된 브리트니: 이향으로의 여행”

전시는 총 4장 구성입니다.

제1장 「발견된 브리트니: 이향으로의 여행」에서는, 19세기 초에 로망주의의 화가들이 브리트니를 “발견”한 이후, 화가들이 브리트니에 대해 어떤 이미지를 퍼뜨려갔다 의지, 영국의 풍경 화가 윌리엄 터너의 수채화를 비롯한 「픽처레스크 투어(그림이 되는 풍경을 지방으로 찾는 여행)」의 유행을 배경으로 태어난 작품으로부터 소개하고 있습니다.

코와후(머리장식)를 쓰고 민족 의상을 입은 여성상으로 대표되는, 브르타뉴의 이국적인 이미지의 이상화·정형화가 대중을 위한 포스터 등으로 가득한 한편, 우제느·부단이나 클로드·모네 등 여행하는 인상파 세대의 화가들의 작품으로부터는, 브리타뉴가 있는 그대로의 자연스럽게 진지한 태도로 마주하고 있던 것을 알 수 있습니다.

주목은 모네의 《폴·도모바의 동굴》 (1886)과 《아라시의 베릴》 (1886).

1886년 가을, 브리트니 반도 남쪽 해안의 해안에 떠오르는, 야취 넘치는 풍경으로 알려진 베릴섬에서 2개월 반을 보낸 모네는, 다른 시간이나 날씨 하에서의 해안의 전망을 40장 가까운 캔버스로 파악하고 있어, 이것은 그 중 두 작품입니다.

그려져 있는 것은 온화한 바다와 폭풍의 바다라는 대칭적인 풍경. 《폴·도모바의 동굴》은 터치가 온화하고 비교적 리드미컬하게 되어 있습니다만, 《아라시의 베릴》은 마치 폭풍 속, 스스로의 신체 감각이 옮겨진 것처럼, 거칠게 붓이 실려 있어 있는 등, 모네의 체험이 그림에 새겨져 있는 것 같다.

모네는 1890년대부터 시시각각 변화하는 빛과 대기의 순간을 캔버스로 포착하려고 연작을 발표하기 시작했지만, 베릴섬에서 천변 만화하는 날씨의 절벽을 상대로 한 경험이 회화 연작의 사색 를 깊게 하는 계기가 된 것이 아닐까, 라고 생각되고 있다는 것.

제2장 “풍토에 빠지는 감성: 고건, 폰-타벤파와 토지의 정신”

제2장 「풍토에 빠지는 감성: 고건, 폰타벤파와 토지의 정신」에서는, 폴 고건을 비롯한, 브리트니 지방 남서부의 고무라 폰타벤에 체류한 화가들의 작품을 전시.

고건은 1886년부터 1894년까지 브리타니 체류를 반복하여 파리에서의 생활고에서 벗어나도록 토지의 풍토와 풍습, 사람들의 두꺼운 기독교 신앙과 순박한 정신과의 교감 중에 자신이 예술에 요구하는 「야성적인 것, 원시적인 것」의 사색을 깊게 해 갔다고 한다.

고건의 전시 작품은 12점(회화 10점, 판화 2점) 있어 본전의 볼거리 중 하나가 되고 있습니다. 연대순으로 늘어서 있고, 카미유·피살로풍의 인상파 양식을 두는 《보아·다물르의 수차 오두막의 수욕》 (1886)으로부터, 단순화한 폼과 색채를 이용해 현실 세계와 내면적인 이미지를 화면 위에서 통합시키는 종합주의 양식이 성숙한 모습이 보이는 《해변에 서 있는 브리트니의 소녀들》 (1889) 등, 작풍의 변천을 따라갔습니다.

《해변에 서 있는 브르타뉴의 소녀들》은 손을 잡고 화가를 파악하는 것처럼 시선을 던지는 두 명의 소녀를 그린 작품. 고건 자신이 이 땅에서 찾아내려고 했던 ‘야성적인 것, 원시적인 것’이 매우 힘들고 큰 다리나 질소한 옷차림 등 노동과 가난함에 인종하는 농민 아이들의 모습에 가탁하는 형태로 상징적으로 표현됩니다.

제3장 “토지에 뿌리 내리기: 브리트니를 계속 응시한 화가들”

제3장 「토지에 뿌리 내리기: 브리트니를 계속 바라본 화가들」에서는, 19세기 말부터 20세기 초에 걸쳐 관광지화·보양지화가 진행된 브리트니로, 드디어 별장을 세울 때까지 이르고, 제2장 의 고향으로 한 화가에 주목.

우키요에 판화에 영감을 얻어 세기 말의 재포니즘을 견인한 앙리 리비에르는 독학으로 다색 인쇄 목 판화의 제작에 임했습니다. 브리트니의 목가적인 정경에 리비에르가 친밀한 또 다른 ‘이향’인 일본의 이미지를 투영했을까요? 그는 브리트니를 일본어로 번역해 마치 일본인 것처럼 그려내는 것이 재미있는 점.

1890년부터 1894년에 걸쳐 다룬 목판 40장으로 이루어진 집대성적인 연작 「브르타뉴의 풍경」 은, 섬세한 색의 조조가 눈을 끌 수 있을 뿐만 아니라, 호쿠사이를 상기시키는 구도가 일본인의 필자에게 있어서는 어딘가 친숙함을 기억하는 것이었습니다.

내비파를 결성한 모리스 도니는 종교 예술의 진흥에 힘을 쏟고 있던 화가이며 경건한 기독교인이었기 때문에 두꺼운 신앙에 뿌리를 내리는 브리타니의 정신 풍토에 공명하고 있었다고 합니다. 전시에서도 《젊은 어머니》 (1919)를 비롯해, 브리트니에서 보내는 가족의 표상을 기독교의 도상 전통에 준거하고 있는 작품이 눈을 끌었습니다.

또, 브리타니의 해안에 고대 그리스의 바다를 투영한 《수욕》 (1920) 등, 현실과 허구가 겹치는 지상의 낙원의 이미지로부터는, 1895년 이후, 여행 중복되는 이탈리아 여행을 거쳐 경도한 고전주의의 영향 느껴집니다.

드니의 밝고 행복감이 넘치는 풍경으로부터 일전, 다음의 전시에서는, 레어리즘의 계보 속에서 브리타뉴의 자연과 풍속을 그린 일파 「밴드 노아르(흑의 일단)」에 의한, 흑을 다용하는 중대한 색조의 작품이 계속됩니다.

그 중에서도 샤를 코테에 의한 가로폭 약 3.5m의 대작 《비탄, 바다의 희생자》 (1908-09)는 압권이었습니다. 바다의 비극과 자연의 어려움에 인종하는 사람들을 주제로 하는 작품을 많이 다룬 코테의 대표작. 해난사고가 끊이지 않는 브리트니의 산섬의 파지장에서, 익사한 어부를 섬민이 떠돌리는 모습을 전통적인 그리스도 애도도에 거듭하고 있습니다.

코테의 작품에서는 그 밖에도, 죽은 자에게 기도를 바치는 정경을 그린 《성요한의 제화》 (c.1900)가 인상적이었습니다. 바로크 회화를 방불케 하는 명암 표현이 아름답고, 모닥불에 비추어 떠오르는 사람들의 표정이 엄격하면서 조금 조용한 분위기가 있습니다.

제4장 “일본발, 파리 경유, 브리트니행: 일본 출신 화가들의 눈빛”

마지막 섹션인 제4장 「일본발, 파리 경유, 브리트니행：일본 출신 화가들의 눈빛」에서는, 19세기 말부터 20세기의 시작(메이지 후기부터 다이쇼기에 걸쳐), 예술 선진 도시 파리에 유학해 , 브리트니라고 하는 “이방 속의 이향”에도 발길을 옮겨 화제로 한 일본인 화가들에게 초점을 맞추고 있습니다.

일본 근대양 화계의 중진 구로다 키요테루는 브리타니를 방문한 최초의 일본인 화가로, 도쿄 미술학교 교수가 되기 이전, 1891년에 구메 가쓰라 이치로와 함께 블레어 섬에 건너고 있습니다. 쿠로다의 《브레하의 소녀》 (1891)는 브리트니의 소녀상으로서는 드물게 머리카락을 내린 모습으로 그려져 있습니다. 렘브란트풍의 실내의 명암 대비나 선명한 색채 대비가 눈을 끄는, 쿠로다다운 온화한 화풍과는 일선을 그리는 거친함이 매력적인 일작이었습니다.

창작 판화의 보급에 공헌한 야마모토 코도 브리타니에 발길을 옮긴 한 사람. 일본인 화가가 브리타니에 취재한 이미지로 잘 알려진 《부르톤느》 (1920)은 체재시의 스케치를 바탕으로 귀국 후 완성시킨 목판화입니다. 스케치에 있던 배경을 단순한 수평선을 강조한 화면 구성과 차분한 파란색과 검정으로 정리된 색조가 아이코닉에 그려진 브리트니 여성의 조용한 분위기를 자아내고 있습니다.

회장에는 가이드북이나 트렁크 등의 관련 자료도 전시되어 있어, 이들 자료나 작품을 통해 브리트니를 여행하는 것 같은 기분이 된 것도 즐거운 포인트였습니다.

서양 동양 불문하고 다양한 화가들이 브리트니라는 하나의 큰 주제로 제작에 임하고 있습니다만, 이향에 무엇을 보았는지, 어떠한 어프로치를 실시했는지는 전혀 달랐습니다. 브리트니의 풍경의 아름다움을 바라보며 낙원을 환시한 화가, 가난함과 해난사고 등 어려운 현실을 작품으로 승화한 화가. 각각의 개성에 다시 빛을 비추는 의욕적인 전람회였습니다.

개최는 2023년 6월 11일(일)까지.

「동경의 땅

 

기사 제공: 코코실 우에노

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도쿄 예술 대학 대학 미술관

도쿄 예술 대학이 졸업·수료 제작 중에서 구입한 우수 작품을 엄선하여 소개하는 “매상전-예대대 컬렉션전 2023-” 가, 도쿄 예술 대학 대학 미술관에서 2023년 3월 31일부터 개최중입니다 . (회기는 5월 7일까지)

※소개하는 작품은 모두 도쿄 예술 대학 소장입니다.

도쿄예술대학(이하, 예대)은 전신인 도쿄미술학교가 1889년(메이지 22년)에 개교한 이후 현재까지 다양한 미술 작품과 자료를 수집해 왔습니다. 그 방대한 컬렉션을 널리 공개하는 기회로서 대학 미술관에서는 매년 테마를 마련하여 「예대 컬렉션 전시회」를 개최하고 있습니다.

2023년의 「예대대 컬렉션전」은, 전후 1953년(쇼와 28년)부터 시작된, 예대가 졸업·수료 제작 중에서 각과마다 특히 우수한 작품을 선정해, 대학이 매입한다” 매상제도”에 빛을 비추고 있습니다.

도쿄 미술학교 시절에도 졸업 제작을 매입해 수장하고, 교육 자료로 하는 전통은 존재하고 있었다고 하고, 현재, 예대가 소장하는 「학생제 작품」은 1만건을 넘는다든가.

본전 「매상전」은 , 그 중에서 약 100건이라는 과거류를 보지 않는 건수를 창출해, 과대의 역사와 함께 일본의 근현대 미술사가 태어난 장을 되돌아 보는 것. 메이지의 대 스타의 일본화로부터, 영화의 기예 아티스트에 의한 믹스트 미디어의 인스톨레이션까지가 이어지는 이색의 전람회입니다.

전시는 2부 구성.

제1부 「거장들의 학생 제작」 에서는, 메이지부터 쇼와 전기까지의 도쿄 미술학교 졸업 제작에 주목. 졸업 후에 미술계의 각 분야에서 주도적인 역할을 완수한 작가들을 고르고 그들의 데뷔작이라고도 할 수 있는 졸업제작품이나, 관습적으로 졸업제작과 동시에 임하고 있던 「자화상」을 전시 있습니다.

회장에 들어가자마자 도쿄 미술학교 제1기생 인 요코야마 다이칸의 《무라도 관 원숭이》 (1893)와 시모무라 칸잔의 《구마노 고젠 하나미》 (1894), 제3기생인 근대 도예의 개척자 이타야 나미야마의 《모토로쿠 미인상》 (1984) 등, 그렇게 보이는 얼굴 흔들림이 마중.

이타야 하야마는 도예가로서 대성했지만, 본격적으로 도예에 임하게 된 것은 20대 중반경. 재학중은 근대 조각에 있어서의 사실주의를 내건 타카무라 미츠모리로부터 조각의 기술을 배워, 《원록 미인상》에서는 그 기량이 갑자기 발휘되고 있습니다. 작은 소매의 화당초문이 부조로 표현되고 있어, 이것은 나중의 하야마의 도예 작품에도 통하는 곳이 있는 등, 이미 대가의 한비늘을 볼 수 있습니다. 어떤 의미에서 도예가 하야마의 원점 중 하나라고 할 수 있습니다.

필자가 주목한 것은, 수많은 걸작을 낳으면서도 36세라는 젊음으로 평생을 닫은 천재 화가· 히다 춘초의《과부와 고아》 (1895). 남편을 싸우고 죽은 여성의 표정은 비장감으로 가득 차서 앞으로 기다리는 운명을 예감시킵니다.

도쿄 미술학교 개설 당시에는 새로운 일본화를 모색하는 데 있어서의 과제로서 역사상의 사건이나 그것을 그린 이야기를 주제로 한 역사화가 자리매김했다고 한다. 본작도 군기물 ‘태평기’를 바탕으로 그려졌다고 합니다만, 용장한 전화권이 아니라 굳이 전에 휘말린 자의 비극을 소재로 선택한 것은 닛신 전쟁 중 당시의 제작 배경이 무관하지 않을 것입니다.

실은, 본작은 어느 교수에게 「괴물 그림」이라고 혹평되었지만, 교장이었던 오카쿠라 텐신의 굉장히 주석이 되어, 매상되었다고 하는 뻔뻔한 작품. 그 작품을 지금 그리는 것에, 어떤 의미가 있는지, 어떤 의미를 갖게 할 것인가를 중시한, 도쿄 미술학교의 교육 방침이나 이념이 엿볼 수 있는 에피소드입니다.

1896년 개설의 서양화과에서 교수를 맡은 구로다 키요테루의 지도로 태어난 「졸업시에 자화상을 학교에 담는다」라는 관습은, 오늘날의 대대까지 간헐적으로 계속되는 전통이 되고 있습니다. 의외로 졸업 제작이 매상이 되지 않았던 만철 고로, 아오키 시게루, 후지타 츠키지 등, 졸업 후에 재능을 개화한 거장들의 학습 성과에 대해서도 자화상으로 확인할 수 있었습니다.

과거를 발굴할 수 있는, 이 세계적으로 봐도 거의 유례없는 전통이, 지금 일본의 근현대 미술사를 통람하는데 있어서 매우 도움이 되는 일대 컬렉션을 형성하고 있다고 생각하면, 다시 한번 쿠로다 청휘의 공적의 크기를 느낄 수밖에 없습니다.

그런데, 올해로 창설 70년을 맞이하는 예대의 매상 제도입니다만, 현재는 많은 과에서 수석 졸업이라고 위치 붙어 있다고 합니다.

제2부 「각과가 선택하는 매상 작품」 에서는, 매상 제도가 있는 전 12과(일본화, 유화, 조각, 공예, 디자인, 건축, 첨단 예술 표현, 미술 교육, 문화재 보존학, 글로벌 아트 프랙티스, 작곡, 미디어 영상)에서 각각 몇 건씩, 전 52건의 매상 작품에 대해서 선정 의도 등을 더해 소개. 각과가 특히 우수하다고 인정해 온 작품의 경향을 띄우고 있습니다.

각과마다의 전시를 보고 있으면, 「일본화 전공」은 그 시대의 공기감이나 특징을 특히 나타내는 작품을 픽업하고 있습니다만, 「조각과」는 매상 작품으로 선택된 여성 작가를 시대 하지만 낡은 순서로 5명 선택한다고 하는 과감한 선정 방법을 취하고 있었습니다. 작품의 선정이나 해설은 각과의 교수가 독자적인 관점에서 실시하고 있기 때문에, 개성이 나오고 있어 재미있습니다.

2016년에 신설된 藝대에서 가장 새로운 전공인 ‘글로벌 아트 프랙티스 전공'(GAP)의 전시는 특히 흥미로웠습니다. 문화의 기존 테두리를 넘어서는 영역 횡단적인 현대아트의 실천을 탐구하고 있는 GAP에는 다른 언어, 문화, 성별을 배경으로 하는 학생들이 전세계에서 모여, 그 중에는 예대대하면서 아트 분야 이외의 입학자도 있다든가.

GAP의 매상작품으로부터는 최근의 연대에 있어서의 연구 영역이나 표현 방법의 다양화를 느낄 수 있었습니다. 예를 들어, 시크스테 파크 카킨다에 의한《Intimate Moments/Monologue》 (2019) 드로잉과 영상에 의한 설치 작품을 들 수 있습니다.

작가의 뿌리인 콩고민주공화국의 광산에서 채굴된 우라늄이 미국으로 건너 히로시마·나가사키에 투하된 원자폭탄에 사용되었다는 역사적 사실을 마주하고 히로시마의 피폭자에게 정중한 리서치를 실시 . 광산 자원의 채굴을 둘러싼 사회·경제적 이유와, 그 사용에 의한 인류·자연에의 영향에 대한 고찰을 촉구하는 내용의 작품으로서 완성하고 있습니다.

작가는 코멘트에서, 자신을 일본과 콩고를 연결하는 가교와 같이 의식하고 있었지만, 히로시마에서 실시한 드로잉 퍼포먼스는 일본인들에게 눈치채지 못하고, 「나는 보이지 않는 다리였다」라고 실망을 엿보게 했습니다 했다. 일본인의 인종적 폐쇄성에 대한 주의가 있다는 점에서도, 이 작품이 GAP의 교육의 성과로서 존재해, 또 매입된 의미는 크다고 합니다.

제2부의 출전 작품 중, 필자가 가장 인상에 남은 것은 「공예과」의 마루야마 토모토미《천일밤》 (1992)이었습니다.

조금·단금·주금·칠예·도예·염직·소재 조형(목재·유리)의 7 분야로 이루어지는 「공예과」에서는, 소재를 통해 고도의 전통 기술의 습득해, 한층 더 발전을 할 수 있는 능력을 몸에 붙이는 것이 목표입니다.

《천일밤》은 산이나 숲을 뿜어내는 바람을 풍신으로 파악해, 인체를 모티브로 표현한 뛰어난 단금 기법에 의한 작품. 마치 물 속을 헤엄치고 있는 것처럼 보이는, 탄력 있는 신축적인 신체의 역동감이나, 이야기성을 숨긴 존재감에 매료되었습니다. 조사해 보면, 작가의 마루야마 토모토미는 현재, 예대의 공예과에서 단금의 교수를 맡고 있다고 하고, 최근에도 본작과 유사점이 많은, 복서나 레슬러를 이미지 한 멋지고 아름다운 인물상을 제작하고 있습니다.

해설에 의하면 본작은 「단금 기법과 용접의 융합에 의해 단금 작품으로서 표현의 가능성을 넓혔다」점이 평가의 큰 이유가 된 것 같습니다. 아티스트로서도 교육자로서도 단금 작품의 표현 가능성을 계속 넓혀가고 있는 씨의 제작 자세가 학생 시절부터 일관되고 있었던 것이 전해지는 1작이었습니다.

또, 「첨단 예술 표현과」의 오카 토모미《오카야마시 야나기마치 1-8-19》 (2017)의 체험형 설치도 마음에 남는 것이었습니다.

1999년에 신설된 「첨단 예술 표현과」에서는, 특정의 미디어의 틀을 넘어 다양한 수법을 이용해 조형 표현을 추구. 변화하는 정보와 환경에 대응하는 활동을 목표로 함과 동시에 사회에서의 예술 가능성을 탐구하고 있습니다.

그런 「첨단 예술 표현과」에서 수석 졸업이 인정된 오카 토모미는, 영상과 공간 설계에 의해, 개인의 추억이나 폐해지고 있는 풍습 등을 테마로 설치 작품을 제작하고 있는 기예 작가. 《오카야마시 야나기마치 1-8-19》는, 오카야마에 실재하는 지금은 죽은 할머니의 집이나 거기에 관련된 기억을 테마로 한 방형 설치입니다.

실재의 가구나 소품 등의 오브젝트를 흩어진 어두운 방에서, 영상의 프로젝션, 반영, 조명, 몇 장의 아크릴판을 조합하는 것으로, 허상과 실상 사이에 레이어를 거듭해, 작가의 할머니에 대한 기억의 이미지 을 시작하고 있습니다. 거기에는 과거와 현재, 어느 쪽도 붙지 않는 시간축의 공간이 존재하고 있었습니다. 영상은 약 7분입니다만, 마치 1개의 영화를 본 것 같은 만족감. 섬뜩하게 깜박이는 조명이나 요염하게 떠오르는 할머니의 사진 등, 약간 연출에 일본식 공포의 정취가 있어, 가만히 보고 있으면 마치 의식이 이계에 받아들여져 가는 것 같은 몰입 체험을 할 수 있었습니다.

본전에 발길을 옮겼을 때는 꼭 한번 보시고 싶은 작품입니다.

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회장에는 다양한 시대·다양한 표현 방법의 훌륭한 작품이 늘어서 있습니다만, 모두 제작된 당시는, 작자의 대부분이 20대였다는 사실은, 잘 생각하면 꽤 대단한 것처럼 느껴집니다.
나중에 거장이라고 불린 사람도 있지만, 졸업하고 창작에서 벗어난 사람도 있을지도 모릅니다. 그래도 모든 작품이 이 시점에서는 누구도 아니었던 학생들이 미대의 최고봉인 藝대에서 배운 모든 것을 쏟은 집대성, 열정의 덩어리임은 분명합니다.

다음에 겉(표)에 나오는 것이 몇년 후가 될지 모르는 작품도 많을 것. 꼭 이 귀중한 기회에, 예대에 의한 교육의 행보를 본전에서 되돌아 보면서, 연월을 거쳐도 빛을 잃지 않는 작품의 파워를 느껴 보는 것은 어떨까요.

 

「매상전 -예대 컬렉션전 2023-」개최 개요

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