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다이토 구립 이치바 기념관

 

다이토 구립 이치바 기념관에서는, 대표작 「타케쿠라베」의 무대가 되었던, 시모야 류센지마치(현·류센)에서의 히구치 이치바의 생활을 소개하는 특별전 “하치바가 살았던 시모야 류센지마치” 가 개최중입니다. 회기는 영화 7년 10월 25일(토)부터 12월 21일(일)까지.

■타이토 구립 이치바 기념관 메이지기의 걸출한 여류 작가·히구치 이치바의 문학 업적을 오랫동안 후세에 남기기 위해 모인 유시들의 진력에 의해, 쇼와 36년(1961)에 일본 최초가 되는 여성 작가의 단독 문학관으로서 개관. 이치바가 신 5천엔 지폐의 초상화로 선정된 것을 계기로, 2006년에 노후화한 구관을 리뉴얼. 건축가・야나기사와 타카히코 설계에 의한 디자인의 아름다움도 볼거리가 되고 있습니다. 관내에는 「타케쿠라베」의 미정고를 비롯해, 서한, 와카 스트립 등, 단풍의 창작 활동이나 생활만을 전하는 귀중한 자료가 다수 수장·전시되고 있습니다.

<기적의 14개월>의 양식이 된, 시모야 류센지마치의 생활 체험

히구치 이치바(본명: 나츠)는 메이지 5년(1872) 태생, 당시의 중류 가정의 출신입니다. 어린 시절부터 재기에 넘치고, 14세에 나카지마 카코의 가문 「하기의 건물」에 들어가고, 고전이나 와카, 책을 배웠습니다.

메이지 22년, 병몰한 아버지가 남긴 다액의 부채를 안고, 불과 17세에 호주로서 어머니와 여동생을 지지하는 괴로운 생활을 강요당합니다. 신문 기자 겸 작가의 한이 모모즈에 사사하고, 메이지 25년에 문예 잡지 「무사시노」에 게재한 「어둠 벚꽃」으로 소설가 데뷔. 원고료로 가족을 기르려고 합니다만, 궁핍으로부터 벗는 것은 실현되지 않고, 메이지 26년 7월, 한적한 혼고 키쿠사카초에서 요시하라 유곽 근처의 시모야 류센지마치 368번쵸에 전거해, 거물(※일용품) 과자점을 개업. 센다쿠이나리의 제례나 닭의 시 등 지역의 연중 행사의 열기에 접해, 유곽에 출입하는 사람들을 관찰하면서 나날을 보냅니다.

결국 장사는 궤도를 타지 않고 불과 9개월 남짓으로 혼고 마루야마 후쿠야마쵸에 옮겨 살게 되었습니다만, 거기에서 집필 활동에 전념해, 시모야 류센지마치에서의 생활 체험에 취재한 「타케쿠라베」나 「니고리에」, 「십삼야」 등 걸작 소설을 잇달아 발표. 나중에 <기적의 14개월>로 평가됩니다. 모리와 외와 사치다 노동들에게 극찬되고, 집필 의뢰도 잇따르지만, 메이지 29년(1896), 폐 결핵 때문에 24세의 젊음으로 이 세상을 떠납니다.

특별전 「하치바가 살았던 시모야 류센지마치」는, 이치바가 작가로서 재능을 개화시키는 토양이 된 시모야 류센지마치의 지역성을 소개해, 그녀가 여기서 어떻게 살고, 무엇을 보고, 무엇을 배운 것인지를 끈 풀기입니다.

단풍이 살았던 가난한 나가야 거리

전시실에 들어가면, 면밀한 시대 고증과 청취 조사에 근거해 재현된, 당시의 시모야 류센지마치의 모형이 방문자를 맞이합니다. 중앙에는 단풍이 살고 있던 2채 나가야가 있어, 거기에서 똑바로 뻗어 있는 오오네지 거리(현·챠야마치 거리)의 앞에 보이는 것은, 요시하라 유곽과의 경계를 나타내는 「치쿠로도부」의 이시가키와 비상문. 걸어서 몇 분 정도 가깝습니다.

■ 「칫솔 홈에 등불 우울한 3층의 소란도 손에 잡는 것처럼, 새벽 없는 차의 행래에는 알 수 없는 전성을 우라나히테(중략) 미시마 신사의 모퉁이를 둘러싸고 보다 이야말로 보이는 대하(이에)도 없고, 딱따구리 처마장의 십채 (「타케쿠라베」의 시작부터) 현대어 번역: 치아 검은 도부까지 등불이 비치는 3층짜리 유곽의 소란이 손에 들도록 들려온다. 아침 저녁의 구별이 없는 차의 왕래의 많음에, 헤아릴 수 없는 영화가 있는 것을 엿볼 수 있다. (중략) 그러나, 미시마 신사의 모퉁이를 구부러져 나아가면, 눈에 띄는 큰 저택은 보이지 않고, 기울어진 처마의 나가야가 10채, 20채 줄지어 있다.

■「이치하 시타야보다 요시하라가 요히노 타다시 근도에서 저녁 보다 와 로쿠 차의 소리 날아가가 등불의 빛과 헛사에 없음」(일기 「먼지 중」보다) 현대 어역 : 이 집은 시모야에서 요시하라로 통하는 단 하나의 길을 따라, 저녁이 되면 인력거의 소리가 울려 빛이 여기저기 흔들리고 있다. 그 모습은 말로 비유할 수 없을 정도다.

미시마 신사에서 요시하라 유카쿠로 이어지는 오오네지 거리는 요시하라 다리의 인력거가 오가는 주요 루트였습니다. 단풍이 남긴 말과 모형을 맞추어 바라보면, 요시하라의 화려한 등불과 3층짜리 요루의 활기차고, 끊임없는 차의 왕래와, 바로 근처의 거친 나가야 거리라는, 강한 대비가 선명하게 일어나 옵니다.

메이지 시대의 요시하라의 모습――니와가는 아이들도 열중

「타케쿠라베」는, 시모야 류센지마치계 쿠마와 요시하라 유카쿠를 무대로, 모두 승려가 되는 신여와, 유녀가 되는 미등리, 그리고 그 소꿉친구·정타로의 창백한 연심이나 어른에게 다가가는 갈등을, 계절의 행사를 배경으로 정서 풍부하게 그린 작품입니다.

이야기는 센다쿠이나리의 제례 2일 전인 8월 18일에 시작되어, 세의 닭 후, 11월 말부터 12월 초 무렵에 끝납니다만, 그것은 하치바가 시모야 류센지마치에서 보낸 기간과 겹칩니다. 이치바 자신의 생활 체험이 작품에 짙게 반영되고 있는 것은 분명하고, 등장 인물도 많다는 실재의 인물을 모델로 하고 있었다고 합니다.

지금도 번잡함이 전해져올 것 같은 니시키에 “신요시하라 가쿠치 이나모토 야요리 나카노카이 니와가 일람지도” 로 그려져 있는 것은, 작중에도 등장하는 가을의 니와가(니와카). 거리의 포장마차에서 게이샤중이 즉흥 연극을 피로하는 행사입니다. 요시하라에서는 봄의 나카노초 벚꽃(밤벚꽃), 여름의 타마키쿠 등등, 가을의 니와가가 요시하라 3경물로서 인기를 모으고 있어, 이치바는 이들을 작품에 도입하는 것으로 사계의 이동을 아름답게 표현했습니다.

또 작중에서는, 요시하라의 공기에 완전히 물들어 온 번역 얼굴의 아이들이, 니와가의 시기가 되면 게이샤의 모방을 하기 시작하는 모습이 그려져 있습니다만, 카즈하는 그 능숙의 빨리를 「묘자의 어머니도 놀랄 것이다」라고 중반 어리석게 하도록 기록하고 있습니다. 이러한 리얼한 소감이 담긴 것도 실제 생활자였던 단풍만이라 할 수 있습니다.

하치바는 요시하라를 밖에서 바라볼 뿐만 아니라 실제로 다리를 운반하기도 했다고 합니다. 일을 알선해 준 인수 찻집의 여중두로부터 廓内의 사정을 듣거나, 타마키쿠 등등을 구경하거나, 廓内를 흘리는 신내절의 여대부의 연령·복장·모습까지 세세하게 적어두거나… 그러한 하나 하나의 취재가, 나중의 「타케쿠라베」를 형성해 갔습니다.

황폐 과자 가게에서 시행 착오하는 날들 – 때로는 암캐를 흘리는 것도

한층 눈길을 끄는 단풍의 초상화는, 일기 「진노나카」에 있는 메이지 26년(1893) 8월 6일의 기술 「6일, 맑음.점을 여는, (약) 지금 전 처음 짐을 넣고, 몹시 무거운 것이 되어… 8월 6일은 가게의 개점일이었고, 당초는 박, 비누, 접어, 아사쿠사지 등의 잡화를 판매하고 있었습니다. 곧 그것만으로는 장사가 되지 않는다는 것을 알고, 과자 도매업을 영위하는 친구의 아버지를 의지해, 멘코, 풍선, 그림초지 등 완구나 과자의 취급도 개시. 모인 아이들과도 친하게 접하는 나날을 보냈습니다.

여름의 더위 속에, 전거처 찾기에 나막신이나 짚신으로 하루 20km를 돌아다닐 정도로 활기찬 잎이라도, 상업의 눈부신 느낌은 견딜 수 있었던 것 같고, 편지나 일기에는 다양한 암캐가 남아 있습니다. 예를 들면, 친구·노노미야 기쿠코에서 고향의 치바현 다코마치에 보양에 초대된 카즈하는,

■「최초로 3일이 정도를 먼지로 찢어질 정도로 바라면서(중략) 갑모의 얼마간 치수의 여유도 없이 화택의 야도에 괴롭힘 거후에 따라 웃음 가피하후」 현대어 번역: 적어도 3일이라도 좋기 때문에, 이 번거로운 속세 밖으로 도망치고 싶으면 합니다만, 사소한 문제사항이 끊임없이 일어나, 조금의 틈도 없고, 괴로운 생활 환경에서도 벗어나고 있는 여러분입니다. 제발 웃어주세요.

라고 대답의 편지 속에서 자신의 처지를 자조심으로 쓰고 있습니다.

분들에게 손을 다했지만, 다음 해 1월에는 챠야마치 거리에 동업자가 개업한 적도 있어 경영은 악화. 결국 불과 9개월 남짓으로 아라모노 과자 가게를 접어 전거한 혼고 마루야마 후쿠야마초에서 배고프고 집필 활동에 전념하게 되었습니다.

다시 소설가의 길로 돌아온 단풍

그런데, 거의 절필 상태였던 시모야 류센지마치에서의 생활의 도중에도, 「우모레기」에서 단풍의 재능을 높이 평가하고 있던 작가·호시노 텐지와 히라타 젠키는, 다망을 이유로 집필을 주저하는 한잎을 끈기있게 설득하고 있었습니다. 그 결과, 그들이 창간한 잡지 「문학계」에 「금의 소리」와 「꽃 고모리」의 2작을 발표하기에 이르고 있습니다. 본전에서는, 추억의 흔적이나 대폭적인 삭제가 보여져, 집필의 고심이 전해지는 「꽃 고모리」의 미정고나, 「금의 소리」 집필시의 소음의 모습을 기록한 일기 자료, 양작의 초출 게재지 등을 전시하고 있습니다.

회장의 마지막에는 「타케쿠라베」의 관련 자료가 늘어서, 미정고나 절화본 「타케쿠라베 그림책」, 나아가 「문예 클럽」 일괄 게재시의 원고를 게재한 서적 등을 감상할 수 있습니다. 미정고는 완성고와는 크게 내용이 다르기 때문에, 읽어 비교해 보면 새로운 발견이 있을 것입니다.

흔한 비애물을 비롯해 공상적인 작풍이었던 초기부터 시모야 류센지마치에서의 선명한 생활 체험을 바탕으로 때로는 빈곤이나 여성의 곤경 등 가혹한 현실을 포착한 리얼한 작풍으로 변화한 단풍. 메이지기를 대표하는 작가로서 높은 평가를 받게 된 그녀의, 중대한 창작의 전환점을 소개하는 본전에 꼭 발길을 옮겨 보세요.

또한, 이치바 기념관에서 2분 정도 걸어온 야야마치 거리에는 「히구치 이치바 구 거적비」 가 있습니다. 류센계 쿠마는, 관동 대지진 후의 제도 부흥 계획에 의한 토지구획 정리 사업의 영향으로, 하치바가 살고 있던 당시와는 크게 모습을 바꾸고 있습니다만, 「시모야보다 요시하라가 요히노 타다시 근도에서」의 모습은 남아 있습니다.

챠야마치 거리를 동쪽으로 가면 요시하라 히야쵸의 비상문의 장소를 나타내는 기둥도 세워져 있습니다. 특별전의 감상과 아울러, 단풍의 나가야에서 요시하라 유곽이 어떻게 보이고 있었는지, 현지에서 생각을 느끼게 하면 어떻습니까.

특별전 “이치바가 살았던 시모야 류센지마치” 개요

회기	령화 7년 10월 25일(토)～12월 21일(일)
회장	다이토 구립 이치바 기념관(도쿄도 다이토구 용천 3가 18번 4호)
개관 시간	오전 9시~오후 4시 30분(입관은 4시까지)
휴관일	매주 월요일
입장료	어른 300엔, 초중고생 100엔 ※신체장애인 수첩, 요육 수첩, 정신장애인 보건 복지 수첩, 특정 질환 의료 수급자증을 가지고 계신 분과 그 간병자는 무료. ※매주 토요일은 다이토구 거주·재학의 소, 중학생과 그 인솔자의 입관료가 무료.
문의	이치바 기념관 03-3873-0004
공식 사이트	https://www.taitogeibun.net/ichiyo/

※기사의 내용은 취재일 시점의 것입니다. 최신 정보는 공식 사이트 등에서 확인하십시오.

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기타 보고서 보기

국립과학박물관

 

지구 40억년의 역사상에서 일어난 5회의 「대량 멸종」사변, 통칭 빅 파이브를 테마로 한 특별전 「대 멸종전-생명사의 빅 파이브」 가, 국립 과학 박물관에서 개최중입니다. 회기는 2025년 11월 1일(토)부터 2026년 2월 23일(월·축)까지.

생명사에 있어서 「멸종」과 「진화」는 인접해 있습니다. 어떤 생물종이 자손을 남기지 않고 죽음을 끊는 것을 멸종이라고 부르며, 보통 100만년마다 10% 정도의 종이 멸종될 것으로 생각됩니다. 한편, 다른 분류군의 생물종이 지질학적으로 매우 단기간에 일제히 멸종하는 현상을 대량 멸종 이라고 합니다.

때때로 생물종의 약 90%가 죽고 생태계에 심각한 영향을 미쳤다. 이렇게 들으면 대량 멸종이라는 현상에 부정적인 인상을 느낄 수 있습니다. 그러나 약 6600만년 전의 소행성 충돌은 ‘공룡시대’에 종말을 가져온 반면 공백이 된 육상생태계의 주도권을 포유류가 이어받아 그 후의 다양한 진화 과정이 우리 인류의 탄생으로 이어졌습니다. 이와 같이 멸종된 분류군을 대신하여 새로운 분류군이 번영하는 것은 생명사를 통해 반복되어 왔다. 즉, 대량 멸종은 생명사에 있어서의 큰 전환점이며, 생명의 진화와 다양화를 촉진하는 원동력으로서도 파악할 수 있는 것입니다.

특별전 「대 멸종전-생명사의 빅 파이브」는, 생명사를 크게 방향을 둔, 특히 대규모의 5회의 대량 멸종 사변 , 통칭 빅 파이브를 테마로, 각각의 요인이나 멸종 전후의 생물 다양성을, 최신 연구에 근거하는 에비던스와 함께 견해하는 것입니다.

인트로덕션을 빠져나가면, 빅 파이브의 다이제스트 이미지를 흘리는 구상의 영상 전시 「대멸종 스피어」가 방문자를 맞이합니다.

이 대멸종 스피어를 중심으로, 빅 파이브를 에피소드별로 해설하는 에리어에, 그 뒤에 이어 신생대의 세계에 대해 접하는 에리어를 더한, 총 6 에리어를 방사상으로 배치. 하나의 에리어를 보고 끝날 때마다 대멸멸 스피어로 돌아가고 있다는, 과박의 특별전에서는 약간 드문 전시 구성이 되어 있어, 각 에리어의 왕래가 하기 쉬운 것이 포인트입니다.

전시 내용은 다음과 같다.

에피소드 1 「OS 경계 바다의 환경의 다양화」
에피소드 2 「FF 경계 육상 생태계의 발전」
에피소드 3 “PT 경계 사상 최대의 멸종”
에피소드 4 「TJ 경계 공룡의 시대에의 대변혁」
에피소드 5 「K-Pg 경계 중생대의 종말」
에피소드 6 “신생대에 일어난 생물의 다양성 빅 파이브 후의 세계”

〇-〇경계는 지질연대 구분의 용어이며, 예를 들어 ‘OS경계’는 제1대량 멸종이 일어난 약 4억 4400만년 전 올드비스기와 실루기의 경계를 나타냅니다.

덧붙여 본전 개최에 있어서는, 빅 파이브와 관련이 깊은 모로코에 있어서, 오르드비스 기말의 대량 멸종 전의 세계를 엿볼 수 있는 「페조우아타 화석군」이나, 삼엽충 등의 채집 표본, 삼조기말의 대량 멸종에 관련되는 화산 활동의 조사 등도 실시해, 조사 결과를 세계 최초 에피소드 2에서 등장하는 거대한 갑옷 물고기, 판피류의 덩클 오스테우스의 화석 표본 도 그 성과의 하나입니다.

약 3억 8000만년 전~약 3억 6000만년 전, FF 경계(데본기 후기에 상당)로 단계적으로 발생한 대량 멸종은, 화산 분화 등에 의한 급격한 한랭화와, 해양 무산성화의 이중 타격이 원인으로 되어 있습니다. 규모는 빅파이브 중에서 최소였지만, 주로 해역 생물이 심각한 피해를 받고, 속의 18~41%, 종의 42~69%가 멸종. 산호초의 대붕괴가 일어나 턱을 갖지 않는 어류는 거의 100%가 모습을 지웠습니다.

던클 오스테우스는 4m를 넘는 체장, 강력한 턱을 갖춘 두개골을 가진 대형 판피류. 데본기 후기의 바다의 지배자로서 군림하고 있었지만, 판피류도 석회기까지 살아남을 수 없었던 것 같습니다.

한편으로 육지역을 보면 뿌리도 잎도 없었던 식물은 데본기를 통해 몸의 구조의 급속한 진화를 완수하고, 데본기 중기 이후에는 굵은 줄기를 만들어 나무가 되는 복수의 분류군이 등장. 이 중 세계에서 가장 오래된 나무 로 알려진 것이 미국 뉴욕주에서 발견된 원시적인 고사리류, 와티에자 입니다. (본전에서는 레플리카를 전시) 초기의 전나자 식물이나 소엽류 등도 나타나, 데본기 후기에는 사상 최초의 숲이 형성되었습니다.

이러한 삼림의 등장에 의한 대규모 이산화탄소의 소비가 기후의 한랭화를 촉진하고 해양 생물의 대량 멸종을 조장했을 가능성도 지적되고 있습니다.

에피소드 5 「K-Pg 경계 중생대의 종말」에서는, 약 6600만년 전의 백악기말에 일어난 제5의 대량 멸종에 대해 해설하고 있습니다. 방아쇠가 된 것은, 멕시코의 유카탄 반도 부근에 낙하한, 직경 약 10km의 소행성의 충돌입니다.

낙하의 충격 에너지는 대량의 황을 포함한 증기를 발생시켜, 그것이 수증기와 반응해 황산염 에어로졸이 되어, 삼림 화재에 의해 발생한 그을음과 함께 수년~수십년간에 걸쳐 태양광을 차단. 식이 사슬의 기초가 되는 식물의 광합성을 정지시킨 뒤, 황산염 에어로졸이 황산의 산성비를 발생시킴으로써, 생물에게 큰 타격을 주었습니다.

회장에서는, 그 소행성과 같은 타입이라고 추정되는, 1969년에 호주·마치슨 지방에 낙하한 CM2형의 탄소질 콘드라이트 운석이나, 소행성 충돌시에 발생한 지진과 거대 해일이 형성한 지층의 표본을 전시하고 있습니다.

또, 제5의 대량 멸종을 살아남은 중생대의 포유류나 삼림의 회복을 거론하는 파트에서는, 세계 유수의 척추 동물과 식물의 화석 컬렉션을 자랑하는, 미국의 덴버 자연 과학 박물관으로부터 일본에 온 귀중한 화석 표본이 다수 등장하고 있습니다.

귀중한 표본이라고 하면, 계속되는 에피소드 6 「신생대에 일어난 생물의 다양성 빅 파이브 후의 세계」에서는, 도쿄·타마가와에서 발견된 스텔라 다이카이규의 전신 골격 화석을 세계 최초 공개하고 있습니다. 스텔라 다이카이규는 북태평양에 서식하고 있던 해초식의 대형 포유류로, 이번 전시하고 있는 전체 길이 약 6m의 화석은 세계에서 가장 오래된 것. 이 종은 1768년의 목격 정보를 마지막으로 모습을 지우고 있어 인간 활동이 멸종을 앞당긴 것이 아닐까 하는 설도 있는 것 같습니다.

최근, 인간 활동이 기인한 것으로 생각되는 환경 변화나 생물 다양성의 소실이 세계 각지에서 화제가 되어, 현대는 「제6의 대량 멸종기」라고도 표현되고 있습니다. 본전을 방문했다면, 통람해 온 것 같은 자연과학연구에서 얻은 지견으로, 지금 일어나고 있는 멸종이나 기후변화가 장래 무엇을 가져올 수 있을지를 예측해, 준비나 대책에 연결하는 것의 중요성을 이해할 수 있을 것입니다.

앞서 행해진 보도 발표회에서는, 본전의 스페셜 네비게이터를 근무하는 후쿠야마 마사하루씨가 등단했습니다.

후쿠야마씨는, NHK의 자연 다큐멘터리 프로그램 「핫스팟 마지막 낙원」에서 네비게이터를 맡아, 15년에 걸쳐 세계 각지를 둘러싸면서, 멸종의 위기에 있는 야생 동물들의 놀라움의 생태나 진화의 이상을 쫓아 왔습니다. 제2회장에서는, 후쿠야마씨가 촬영한 동물들의 사진 27장을, 스테이트먼트 「생명의 목소리, 지구의 노래」와 함께 특별 전시하고 있습니다.

창작 활동의 원점에는, 여자 손 하나로 4명의 아이를 키우면서, 농업에서 자연과 계속 마주한 할머니의 존재가 있었다고 말하는 후쿠야마씨. “자연은, 멀리 있는 매우 아름다운 것인 동시에, 살아가기에는 매우 힘든 장소, 라고 하는 생각이 어렸을 때부터 있었습니다.그래서, 자연 프로그램의 오퍼를 받았을 때에, 뭔가 아름다워 뭔가를 보러 가고 싶다고 하기보다는 우리 가족이 살아온, 살게 해준 자연이라는 것이 지금 어떻게 되어 있는지에 관한 흥미가 있었습니다”라고 프로그램에 대한 생각을 밝힙니다.

또 후쿠야마씨는 본전을 통해 지구를 하나의 생명체로 파악했을 때의 “대사”로서 지각 변동이나 화산 활동이 일어나고 있는 것처럼 느꼈다고 한다. 「대멸멸이 일어났을 때는 70%, 경우에 따라서는 90%의 생물이 멸종해 버린다고 하는 것으로. 그것은 지구라는 생명체가 성적·진화하기 위한 제물이었는가. 살아남은 생물은 지구에 있어서 필요한 생물이었을 것이라고 생각하면… …그렇다면, 현재를 “제6의 멸종기”라고 생각했을 때, 과연 우리는 지구라는 생명체에 대해 무엇이 생겼는지.

마지막으로, 본전을 방문하는 아이들을 향해 다음과 같은 메시지를 주었습니다.

“전시를 보고, (주위의 환경이나 운 등) 주어진 것과, 스스로 열심히 잡아 가는 것, 양쪽이 없으면 살아 남아 갈 수 없다고 느꼈습니다. 절이 있는 가운데, 의무 교육으로서 학교에 갈 수 있는, 배울 수 있다고 하는 환경이 있는 것은, 매우 축복받고 있다고 깨달아 주면 좋겠다고.

특별전 「대멸멸전-생명사의 빅 파이브」개요

회기	2025년 11월 1일(토)～2026년 2월 23일(월·축)
회장	국립과학박물관(도쿄·우에노 공원)
개관 시간	9:00~17:00( 입장 장은 16:30까지)
휴관일	월요일, 11월 4일(화), 11월 25일(화), 12월 28일(일)~2026년 1월 1일(목), 1월 13일(화) ※단, 11월 3일(월·축), 11월 24일(월·휴), 1월 12일(월·축), 2월 16일(월), 2월 23일(월·축)은 개관
관람료	일반·대학생 2,300엔 초·중·고교생 600엔 ※미취학아는 무료. ※장애인 수첩을 가지고 계신 분과 그 간병자 1명은 무료. ※그 외, 자세한 것은 전람회 공식 사이트에서 확인해 주세요.
주최	국립과학박물관, NHK, NHK 프로모션, 요미우리 신문사
문의	050-5541-8600(헬로 다이얼)
전시회 공식 HP	https://daizetsumetsu.jp/

※기사의 내용은 취재일 시점의 것입니다. 최신 정보는 전시회 공식 HP 등에서 확인하십시오.

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기타 보고서 보기

국립 서양 미술관

인상파 화가들의 실내를 둘러싼 표상에 초점을 맞춘 전시회 “오르세 미술관 소장 인상파-실내를 둘러싼 이야기” 가 국립 서양 미술관에서 개최되고 있습니다. 회기는 2025년 10월 25일(토)부터 2026년 2월 15일(일)까지.

우리가 ‘인상파’라고 듣고 우선 떠오르는 것은, 옥외의 빛, 혹은 옮길 대기를 포착한 풍경화가 아닐까요. 그들의 풍경화에 있어서의 제작 태도나 외광 표현은, 확실히 근대 미술에 하나의 혁신을 가져왔습니다. 한편, 자연광보다 인공적인 조명의 효과를 탐구해, 닦은 인간 관찰에 의한 실내화의 걸작을 많이 남긴 에드가 도가를 필두로, 실내 공간에의 관심도 또, 인상파가 빠뜨릴 수 없는 한 측면을 이루고 있습니다.

제1회 인상파전은, 대대적인 도시 정비 사업, 이른바 오스만의 대개조를 거쳐, 근대화가 급속히 진행되는 1874년의 파리에서 개최되었습니다. 이처럼 활기찬 대도시에서 사람들이 많은 시간을 보낸 실내 환경의 정경은 오히려 옥외보다 친밀한 관계에 있어 본질적으로 현대적인 주제 중 하나였다고 할 수 있습니다. 즉, 시대에 응한 새로운 회화를 만들어 내려고 하는 화가들에게 영감을 주는 모습의 화제가 되었습니다.

본전에서는 , 「인상파의 전당」이라고도 불리는 파리 오르세 미술관 소장의 걸작 약 70점을 중심으로, 국내외의 중요한 작품도 더한 약 100점의 회화, 묘묘, 장식 미술을 전시 . 도가, 마네, 모네, 르누아르 등, 인상파 혹은 동시대의 화가들의 실내를 둘러싼 관심의 어딘가나 표현상의 도전을, 전 4장으로 더듬는 내용이 되고 있습니다.

 

제1장 「실내의 초상」에서는, 19세기 후반의 살롱이나 미술 시장에서 매우 높은 인기를 자랑해, 인상파에게 있어서도 중요한 표현 수단이었던 초상화에 주목. 그들은 초상화에서 모델을 일상 환경 속에서 묘사함으로써 그 사람이 되고 직업, 사회계급, 미적 취미 등의 사회적 속성을 때때로 주연 연출을 섞어 표현하려고 시도했습니다.

본장의 하이라이트는, 수복을 거쳐 일본 최초 공개가 된, 젊었을 무렵의 도가에 의한 걸작 《가족의 초상화(베렐리가)》 (1858-69)입니다. 피렌체에 망명하고 있던 도가의 이모 일가를 그린 본작은, 푸른 색이 빛나는 부르주아인것 같은 향기의 아파르트만의 일실을 무대로 한, 보기 포멀한 가족의 초상화에 비친다. 그러나, 거기에서는 개개인의 성격이나 개성을 솔직하게 도입할 뿐만 아니라, 긴장 상태에 있었다고 하는 부부 관계나 서로의 심리적인 격차도, 표정이나 포즈, 배치 등의 숙련된 조작에 의해 심리극과 같이 시사하고 있습니다. 옛날의 표면적으로 이상화된 가족상을 벗어나는 접근법은 매우 현대적이며, 젊은 도가의 정직함과 매운 때까지 관찰된 눈의 날카로움이 느껴질 것이다.

파리 근교 알장트유의 모네의 거주지를 그린 시정 풍부한 《아파르트만의 한 구석》 (1875)은 몇 안되는 모네의 실내화. 빛의 효과에 대한 모네의 예민한 감각이 갑자기 발휘되고 있어, 화면 앞의 열린 커튼과 식물, 그 안쪽에 계속되는 희미한 실내가, 빛과 그늘, 따뜻한 색과 한색의 드라마틱한 콘트라스트를 이루고 있습니다. 아들 장과 아내 카미유라고 생각되는 여성의 모습은 극히 겸손하게, 거의 실루엣으로 파악하고 있습니다만, 커튼이나 쪽모이 무늬의 바닥에서 반복하는 사선이 시선을 유도해, 그 인상을 강조하고 있습니다.

또, 직장과 거주지에 명확한 경계가 끌려가고 있던 19세기 후반, 공공 공간을 활보하고 있던 남성과는 대조적으로, 자유로운 외출이 허용되지 않았던 부르주아 계급의 여성들은, 가정 실내를 주요 활동 영역으로 하고 있었습니다. 제2장 「일상의 정경」에서는, 그러한 여성들의 연락회, 독서, 바늘 일이라고 하는, 쉴 수 있는 가정에서 취미나 수공예에 흥미로운 아무렇지도 않은 정경을 그려낸 작품을 소개하고 있습니다.

본전의 메인 비주얼에도 채용되고 있는 르누아르의 《피아노를 연주하는 소녀들》 (1892)은, 때의 미술 국장관의 요청으로, 뤽상부르 미술관(당시의 국립 현대 미술관)의 영예 있는 매입을 전제로 제작된 것. 이 무렵, 피아노를 가지는 것은 부유함과 문화적인 생활을 의미해, 그 연주는 상류 계급의 자녀의 냄새로 되어, 화제로서도 인기를 모으고 있었습니다. 본작은, 따뜻한 색조와 부드러운 필치로 정리된 눈부신 화면에, 얼굴을 맞대고 악보를 들여다보는 소녀들을, 부르주아 가정의 이상적인 이미지로서 나타내고 있습니다.

인상파가 옥외의 빛이나 자연에 대한 관심을, 어떻게 실내에 도입해 갔는지를 전람하는 제3장 「실내의 외광과 자연」에서는, 발코니나 테라스, 19세기에 사교의 장소로서 유행한 온실 등, 실내와 옥외를 잇는 복합적 공간을 무대로 한 작품이 늘어서 있습니다.

알베르 발트로메의 《온실 안에서》 (c1881)은, 저택에 우뚝 솟은 유리 온실에서의 한막을 그린 작품입니다. 강한 햇볕을 뒤로 야자나 제라늄이 생생하게 잎을 늘리는 온실의 희미하게 발을 추진하는 것은 시원한 보라색 여름 드레스를 입은 발트로메의 아내 프로스페리. 얼굴과 드레스를 불규칙하게 어우러지는 부드러운 빛이 기분 좋은 여름 분위기를 풍깁니다.

프로스페리는 본작이 그려져 곧 병에 쓰러져 1887년에 사망했습니다. 슬픔에 가라앉은 바르트로메는, 본작으로 잡은 빛나는 하루의 추억을 소중히 해, 회화 뿐만이 아니라 드레스도 종생 놓을 수 없었다고 한다. 회장에서는 특별히, 드레스의 실물을 회화와 병치하고 있습니다.

또, 이 장에서는, 실내에 반입된 장식적인 자연으로서의 정물화나, 자연을 최대의 착상원으로 참신한 장식 미술을 낳은 자포니즘의 전개에 대해서도 소개하고 있습니다.

제4장 「인상파의 장식」에서는, 구래 저급으로 얕은 표현 형태로 간주되고 있던 「장식 미술」이 긍정적으로 파악되어 가는 가운데, 인상파에 의한 실내에의 자연의 흡수가 만들어낸, 다양한 실내 장식의 표상에 대해 다룹니다. 루마니아의 귀족 비베스코 공을 위해서, 젊은 르누아르와 건축가 샤를=쥬스탄 르 쿨이 협업한 저택의 설계안이나, 모리조가 스스로 설계한 응접간 겸 아틀리에를 재현한 모형에서는, 장식화가 생활 공간에 어떤 정채를 더하고 있었는지, 그 효과가 엿볼 수 있습니다.

마네와 모네는 지지자였던 사업가 엘네스트 오슈데가 소유한 성관을 장식하기 위한 회화를 제작했습니다. 정원에 번식하는 풀꽃에서 얼굴을 엿볼 수 있는 오슈데가의 장남 잭을 그린 머니의 《꽃 속의 아이(잭·오슈데)》 (1876)와, 성을 배경으로 초지를 가로질러 걷는 가금의 무리를 그린 모네의 《칠면조》 (1877). 모두 오슈데가에 익숙한 깊은 정경이나 모티브를 인상파다운 밝은 색조와 대담한 필치로 파악하고 있어 의뢰주의 취미와 함께 인상파의 미학을 만끽할 수 있습니다.

원예와 조경에 대한 열정을 모네와 공유하고 있던 규스터브 카유봇은 식물의 장식화에도 강한 관심을 보였습니다. 《데이지의 화단》 (1892-1893)은 자저의 벽면 장식으로서 구상되었다고 생각되는 미완성의 작품. 흰 데이지를 부감시점으로 화면 가득 흩어져 감상자를 감싸는 몰입감을 낳고 있습니다. 시작도 끝도 없는 무한히 펼쳐지는 이미지는 모네의 ‘대장식화’ 프로젝트에 결실한 ‘수련’ 연작과도 겹칩니다.

19세기 파리의 도시생활 속에서 자연과 실내의 경계를 넘는 혁신적인 예술에 걸친 인상파의 매력에 접할 수 있는 전시회 ‘오르세 미술관 소장 인상파-실내를 둘러싼 이야기’는 2026년 2월 15일(일)까지 개최되고 있습니다.

「오르세 미술관 소장 인상파—실내를 둘러싼 이야기」개요

※기사의 내용은 취재 시점의 것입니다. 최신 정보는 전람회 공식 사이트 등에서 확인해 주십시오.

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우에노의 숲 미술관

나라·도다이지 구 경내에 있어, 천평 문화의 멋을 전하는 9,000건의 보물을 1300년 가까이 지켜 전해 온 기적의 보고· 정창원 . 매년 가을에는 보물이 일반 공개되는 「쇼쿠라인전」이 열리고 있습니다만, 이번에 우에노의 숲 미술관에서는, 실물의 관람과는 다른 어프로치로 보물의 새로운 즐기는 방법을 제안하는 「쇼쿠라인 THE SHOW-느낌. 지금, 여기에 있는 기적-」이 개최되고 있습니다.

회기는 2025년 9월 20일(토)부터 11월 9일(일)까지.

고쿠분지의 건립과 도다이지의 대불조립으로 알려진 제45대 성무 천황 (701-756)을 세우고 불교정책과 빈민구제에 임한 광명황후 (701-760). 쇼쿠라인 보물의 역사는, 성무 천황의 명복을 기원한 광명황후가, 그 유애품을 도다이지 대불에 봉헌한 것으로부터 시작되었습니다. 약 9,000건에 달하는 보물 중에는, 제작 연대, 용도, 유래가 명확하게 기록된 것이 다수 포함되어 있어, 당시의 기술이나 미의식, 그리고 사람들의 생각을 지금에 전하고 있습니다.

본전 은 미야우치청 마사쿠라원 사무소 전면 감수하에, 「아이 미 방구」를 테마로, 봉봉 제도에 의해 소중히 보호되어 온 보물의 배경에 있는 다양한 스토리를 견해해, 그 매력을 전신으로 체감시키는 것.

회장의 서두에서는 마사쿠라인 보물의 기원을 나타내는 형태로, 봉납된 보물군을 기록한 전체 길이 14 m 이상에도 걸치는 목록 “국가 진보장” 의 원형 대 재현물이, 전지 펼친 상태로 소개되고 있습니다. 덧붙여 본전은 오사카 회장으로부터의 순회전입니다만, 「국가 진보장」은 도쿄 회장으로부터의 신작 전시가 되고 있습니다.

앞서 행해진 기자 설명회에서 미야우치청 마사쿠라원 사무소의 이이다 고히코 소장은 1300년을 거쳐 취약해지고 있는 보물을 엄중하게 관리하려고 하면 일반에의 공개가 남지 않게 되는 딜레마를 말해 타개책으로서 본전이 태어났다고 설명. 「보물 그 자체를 보는 것보다 참신한 체험을 할 수 있다고 생각해, 오감에 호소하는 전시도 실시해, 모든 각도로부터 보물의 매력을 맛볼 수 있는 전람회가 되고 있습니다」라고의 코멘트대로, 본전에는 보물의 실물 전시가 없습니다.

「뭐야, 진짜는 없는 것인가」라고 실망하는 분도 있을지도 모릅니다만, 대신에, 미야우치청 마사쿠라원 사무소가 오랜 연구·제작을 다루고 있는 「재현 모조」 가 출진되고 있습니다 .

재현 모조는 일반적인 복제와 달리 단순히 외형을 닮는 것이 아니라 각종 분석 장치와 광학 기기를 구사하여 당시의 소재와 기법을 찾아 인간 국보 등 명공이 숙련된 기술을 구사하고 보물 본래의 모습을 재현하는 것을 목표로 한 것. 본전에서는 그 중, 쇼쿠라인을 대표하는 보물로 유명한, 세계에서 유일하게 현존하는 고대의 고환 비와 “나전 자단 고후 비와” 나 “나전 상자” 등 11건의 재현 모조를 소개하고 있습니다.

「정창원 보물을 또 하나 만드는 것」 , 그것이 정창원 사무소의 목표라고 한다. 재현 모조는 이른바 현대에 타임 슬립 해 온 보물이며, 우리는 변색이나 결손이 없는, 나라 시대의 사람들이 실제로 보고 있던 보물에 한없이 가까운 모습을 알 수 있습니다.

또, 쇼쿠라인 사무소는 2019년부터 TOPPAN과 협업해, 최신의 3차원 계측이나 고화질 사진 촬영, 질감 취득 기술을 구사해 보물의 정밀한 3D 디지털 데이터(디지털 아카이브)를 작성해 왔습니다.

본전에서는 그러한 3D 디지털 데이터에 특별한 연출을 한 영상 작품을 높이 약 4미터, 폭 약 20미터라는 거대 스크린에 약 12K라는 고화질 영상으로 상영. 스크린에는 2023년 노벨화학상을 수상한 '양자점(Quantum Dot)'의 연구를 바탕으로 개발된 스크린 페인트가 도입되어 보물이 더욱 선명한 콘트라스트로 빛납니다.

상영 시간은 약 17분 있어, 장대한 음악 아래, 정창원에 숨겨진 이야기를 둘러싼 「스토리 영상」과, 보물의 압도적인 「미」 그 자체에 다가오는 「디지털 보물 영상」, 「재현 모조 대상 보물 영상」의 3편으로 전개해 갑니다. 특히 압권의 파트는 스토리 영상에 있는【정창원 “미”의 세계】로, 보물군에 베풀어진 꽃새 문양이나 나전 장식 속을 낙타나 코끼리, 환수들이 활보하는 환상적인 “미”의 우주를 재구축. 보물에 담긴 미의식을 응축하고 있어, 스크린의 눈앞에 세우면 몰입감도 일시오입니다.

디지털 보물 영상에서는, 꽃새 문양의 사이에 라피스 라즈리나 터키석의 조각이 흩어진 호화로운 장식 거울 「원경 평 나방 등 11호」 나, 32장의 극채색의 꽃잎이 아름다운 향로대 「칠금 박화반 을」 등, 육안으로는 파악하기 어려운 보물. 단안경을 사용하지 않고도 현장감 넘치는 감상 체험이 이루어집니다. 「옻나무 얇은 그림판 을」은 마치 꽃이 먼지처럼 꽃잎을 해체해 도안을 보여주거나, 향이 일어나는 모습을 재현하고 있거나, 확실히 디지털 데이터만이 가능한 즐기는 방법을 제공하고 있습니다.

전설의 향기 '란호대(란쟈타이)'의 향기의 재현 전시 도 볼거리 중 하나. 란호대(보물명은 황숙향)는 동남아시아에 분포하는 진조게과 아쿠이라리아속의 그루터기 등에 수지나 정유가 침착되어 생긴 향기로, 오다 노부나가나 아시카가 요시만・요시마사 등 때의 위정자가 절망했기 때문에 「천하 제일의 명향」이라고 불려 왔습니다. 무려, 지금도 약간 향기가 난다고 합니다.

그 사라져가는 향기를 기록하기 위해, 정창원 사무소는 2024년도부터 타카사 향료 공업의 협력의 아래, 난양대로부터 휘산하는 공기중의 향기 성분등의 분석 조사를 실시. 한층 더 조향사의 문향(향목을 향로로 데워, 향기를 맛보는 향도의 작법)에 의해, 시스타스라고 하는 식물의 수지로부터 추출되는 천연 향료 러브 다남을 닮은 것을 발견해, 그것을 베이스로 사상 최초가 되는 재현 향료를 제작했다고 합니다.

타카사 향료 공업의 IR/홍보실 스즈키 타카시씨는, 「란호대 그 자체를 맡았을 때의 향기라고 하기보다는, 들향했을 때의 향기, 오다 노부나가들이 냄새가 난 향기에 가까운 것은 아닐까」라고 해설. 회장에서는 유리 용기 안에 재현 향료를 넣어, 방문자가 실제로 향기를 즐길 수 있게 되어 있습니다.

필자는 계피와 안인을 상기시키는 품위있는 향기라고 느꼈습니다. 현대에 부활한 천하의 명향, 회장에서 체감해 보는 것을 특히 추천합니다.

다양한 보물의 문양을 화려하게 천장까지 깔아 놓은 '미의 애비뉴' 를 빠져나간 앞에는 현대 아티스트가 마사쿠라원에서 영감을 받아 제작한 신작의 전시 에리어가 펼쳐집니다.

참가 아티스트는, 음악 프로듀서·가메다 세이지씨, 사진가·타키모토 간야씨, 도예가·가메에 도코씨, 그리고 디자이너·시노하라 토모에씨 의 4명.

카메다 세이지씨는, 보물인 비와나 샤하치의 연주 음원에 현대의 음악을 융합한 악곡 「빛」을 발표하고 있습니다.
타키모토 간야씨는 어둠 속에서 달빛이 비추는 방각으로부터 빛을 받은 장엄한 마사쿠라인 마사쿠라를 잘라낸 모노크롬의 사진군을 전시. 현대와 같은 불빛이 없는 1300년 전 사람들이 보고 있던 밤의 세계를 생각하게 합니다.
카메에 미치코씨는, 본 적이 없는 색채나 소재, 문양에 마음 움직여졌을 당시의 사람들의 이야기를 상상해, 그것을 연기하면서 작품 제작에 해당했다고 한다. 디지털 기술과 아날로그 브러시를 능숙하게 조합하여 푸른 문양이 물들이는 작은 접시와 화기 등이 늘어서 있습니다.

보도 내람회에 달려온 시노하라 토모에씨는, 마사쿠라인 보물이 가지는 「지금으로 통하는 미」에 착상을 얻고, 페르시아풍의 물병 「옻나무 병(싯코헤이)」 을 모티브로 전통과 현대를 융합시킨 드레스 「LACQUERED EWER SHOSOIN DRESS」 에 대해 제작 과정과 조건을 말했습니다.

동아시아 독특한 칠예를 이용해 은의 박판으로 풀꽃과 조수의 문양을 섬세하게 표현한 「옻나무 병」. 시노하라 씨는 본작의 압도적인 존재감에 매료되어 "오라한 대륙의 흐름과 시간을 넘은 미의식을 느꼈다"고합니다.

구상으로부터 약 1년 걸렸다는 작품 제작에 있어서는, 보물의 3D데이터를 바탕으로 400종 이상에 이르는 문양의 파츠를, 과거의 장인들의 열정과 마주하면서 수작업으로 트레이스. 1300년의 월일을 구현하는 것을 고집해, 컷 한 놋쇠를 약제에 담그거나, 열을 더해 뉘앙스를 더하거나와 시행착오를 반복해, 크래쉬 벨벳의 천에 하나하나 베풀어 갔다고 한다.

드레스의 조건은 포름에 있어, 「3D데이터에 근거해, 「옻칠병」의 오리엔탈인 포름을 되도록 그대로 남기는 것을 소중히 했습니다.3D데이터로부터 의복 옷차림을 만드는 것은 처음의 챌린지였지만, 여러분이 보물을 실제로 들여다보고 있는 것 같은 기분이 되어 주었으면 기쁘구나, 라고 상상하면서 제작했습니다」라고 코멘트.

'칠호병'을 관찰하고 있는 가운데, 사슴이나 새 등의 동물 뿐만 아니라 작은 곤충까지도 수컷과 암컷의 차례로 존재하고 있는 것을 깨달았다고 합니다. 거기서 「성무천황과 광명황후의 사랑의 이야기」를 찾아, 마음이 떨렸다는 에피소드도 밝히면서, 다음과 같은 메시지를 전했습니다.

“본전은 마사쿠라인 보물을 예술로 체감할 수 있는 것이 큰 특징으로, 미야우치청 마사쿠라 사무소씨의 진심도를 느끼는 전람회가 되어 있습니다. 본전을 통해, 마사쿠라인 보물의 매력, 수공예의 가치, 그리고 지금까지 계승해 온 선인들의 열정을 느껴 주시면, 모두 기뻐하는 일은 있습니다.”

최신 기술에 의해 현대에 부활한 보물의 매력을 전신으로 체감할 수 있을 뿐만 아니라 유구의 역사를 지켜 전해 온 사람들의 생각에도 접할 수 있는 「정창원 THE SHOW-느낌. 지금, 여기에 있는 기적-」. 회기는 11월 9일(일)까지입니다.

「쇼쿠라인 THE SHOW-느낌. 지금, 여기에 있는 기적-」개요

회기	2025년 9월 20일(토)~11월 9일(일)
회장	우에노의 숲 미술관
개관 시간	10:00~17:00(※입관은 폐관 30분 전까지)
관람료	(당일권) 일반 2,300엔 고등학생・대학생 1,700엔 초등학생・중학생 1,100엔 ※미취학아 무료 ※티켓의 자세한 것은 전람회 공식 사이트를 봐 주세요.
주최	우에노의 숲 미술관, 「쇼쿠라인 THE SHOW」실행 위원회(요미우리 TV, 요미우리 신문사, TOPPAN, 카도카와 미디어 하우스), 일본 TV 방송망, BS일 텔레
감수	미야우치청 마사쿠라 사무소
문의	헬로 다이얼 050-5541-8600(9:00～20:00 무휴)
전시회 공식 사이트	https://shosoin-the-show.jp/tokyo/

※기사의 내용은 취재 시점의 것입니다. 최신 정보는 전람회 공식 사이트 등에서 확인해 주십시오.

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에도 시대 중기에 활약한 에도의 미디어 왕·아츠시게 츠시야 시게사부로의 파세 만장한 평생을 그리는 대하 드라마 『베라보~츠시시게 에이노노 유미~』.

이번 방문한 '베라보 에도 타이토 오가 드라마관'은 '베라보~아쓰시게 에이카노 유메지~'의 주인공 츠츠야 시게사부로 연고의 땅인 도쿄도 다이토구에 오픈한 시설입니다. 대하드라마관에는 등장인물의 의상이나 소품 등 드라마를 보다 즐길 수 있는 콘텐츠가 풍성하다.

이번 취재 리포트에서는 그 매력과 볼거리를 전해드립니다.

에도 정서 넘치는 공간을 피부로 느끼자

대하드라마관이 있는 다이토구 민회관은 아사쿠사역에서 도보로 몇 분. 9층 플로어는 에도의 거리에 돋보이는 「오에도에서 마루 마을」이 되어 있어, 다리를 밟으면 마치 타임 슬립한 것 같은 몰입감을 느낄 수 있습니다.

플래시 촬영으로 실루엣에서 인물이 떠오르는 패널, 보는 각도에 따라 변화하는 우키요에가 그려진 벽면 등 엘리베이터에서 대하 드라마관에 이어지는 통로에도 다양한 장치가있어 방문하는 사람들을 즐겁게 해줍니다.

그리고 「베라보 에도 타이토 타이가 드라마관」에 발을 디디면, 맞이해 주는 것은 요코하마 유세이씨가 연기하는 담중의 메인 비주얼.

가쓰야 시게사부로는, 관연 3년(1750)에, 에도·신요시하라(현재의 다이토구 센다쿠)에서 태어나, 20대에 요시하라 다이몬 앞에 서점 “경서당”을 개업. 히가시스사이 사라쿠, 키타가와 가면 등, 에도 문화를 대표하는 작가들을 교류해, 「에도의 미디어 왕」으로서 대성공을 거둔 인물입니다.

이 담중의 평생을 그리는 대하 드라마 『베라보~츠시시게 에이카노 유메토~』는, 2025년 1월 5일부터 방송 개시되어, 취재시의 10월 초순에도 많은 시청자를 즐겁게 하고 있습니다.

주요 캐스트·스탭을 소개하는 “베라보 입문편”

대하드라마 관내는 9개의 존으로 나뉘어져 있습니다.
「베라보 입문편」에서는, 쓰시게의 의상의 전시나, 주요 캐스트·스탭을 소개.
주목은 중앙에 디스플레이된 담중의 의상. 드라마 속에서 담중이 착용하고 있던 「흑녹색 지선 줄무늬 기모노」입니다.

의상 디자인을 담당한 이토 사토모 씨는 주인공의 쓰시게 기모노에 일반적인 남색이 아니라 녹색을 선택한 이유로,

"아직 누구도 아닌 그가 아무것도 묶이지 않고, 엉망으로 발상 풍부하게 새로운 것을 만들어 나간다. 그런 독창성 넘치는 인생의 시작을 상징하는 색으로 쉽게 재현할 수 없는 녹색이라는 색을 선택했습니다"

라고 말하고 있습니다.

주연의 요코하마 유세이씨와, 이야기 역이며, 구로 조이나리를 연기하는 아야세 하루카씨라고 하는 배우진을 비롯해, 각본가의 모리시타 카코씨나 음악을 다루는 존 그램씨, 제목을 쓴 이시카와 구양씨라고 하는 제작진의 코멘트도 전시.

또 해외 전용의 영어 타이틀인 「UNBOUND(언바운드)」의 문자를 밀어낸 포토 스포트는 대인기인 것 같고, 많은 사람이 담중과 같은 완조 포즈를 취해 사진을 촬영되어 가는 것.

덧붙여서 「UNBOUND(언바운드)」란 「해방되었다」 「잡히지 않는다」라고 하는 의미. 신분이나 출자에 얽매이지 않고, 관례에 묶이지 않는 어리석은 삶을 보인 츠츠야 시게사부로를 표현하는 말로서 선택된 것 같습니다.

쓰시시게 연고의 소품이나 패널 등을 전시하는 「이십간도 존」

이어지는 「오십마도 존」에서는, 판원(현재의 출판사. 원래 인쇄에 사용되는 「판」을 가지고 있는 사업주를 가리킨다)인 츠시시게 연고의 소도구나, 관련하는 등장 인물의 패널을 전시. 실제 촬영에 사용된 의상이나 소품(복제품의 경우도 있음) 등이 늘어서 있어 매우 귀중한 전시가 되고 있습니다.

특히 제34회에 등장한 『화본충 뿌리(에혼무시에라미)』는, 가면의 뛰어난 관찰 눈과 사실력이 유감없이 발휘된 호화로운 그림책. 그 발색의 선명함과 정교한 사실력에 대해 눈을 빼앗겨 버립니다.
드라마의 에피소드에 빠뜨릴 수 없는 아이템을 이렇게 가까이에서 볼 수 있는 기회는 매우 귀중하네요.

「츠바야」의 재현 세트도 전시되고 있습니다. 물론 축척은 회장에 맞추어져 있습니다만, 확실히 「츠바야」 그 자체. 재현도가 훌륭합니다.

내부는 箪笥에서 神棚까지 정교하게 재현되어 더욱 처마 끝에는 蔦重이 출판에 종사 한 책과 대본이 줄지어 있습니다. 안에 앉을 수도 있기 때문에, 꼭 기념 촬영을.

요시하라 제일의 거리를 재현! “나카노마치 존”

역시 가끔 눈길을 끄는 것은, 코시바 후미카씨가 연기하는 전설의 유녀, 세가와가 꽃꽁도중에서 착용한 의상의 전시. 주목을 받으면서 대로를 즐겁게 걷는, 꽃꽁들의 모습이 눈에 뜬다.
배경의 요시하라 이치의 거리 「나카노쵸」의 비주얼도 선명한 인상을 남깁니다만, 실제의 드라마 촬영에서는 거기까지 장대한 세트를 짜는 것은 할 수 없기 때문에, LED 월의 영상을 사용해 깊이를 보이고 있었다고 하는 것이 소개되고 있는 패널도 있었습니다.

또, 「나카노마치 존」의 옆의 「4K 극장」에서는 프로그램의 테마나 뒤편을 파헤치는 영상 컨텐츠를 상영. 담중에 관련된 타이토구의 명소 구적도 소개해 줍니다.

대하 드라마관에서 쓰시시게의 보리사인 정법사, 그와 교류가 있던 히라가원 내의 무덤 등, 츠시시게 연고의 땅을 둘러싼 순환 버스도 운행하고 있으므로, 극장에서 본 명소를 실제로 방문해 보는 것도 좋네요(순환 버스의 승차에는 대하 드라마관)

「쓰시시게 연고의 땅 다이토구」공식 사이트에서는, 대하 드라마관이나 쓰시시게 연고의 땅을 둘러싼 관광 모델 코스 외, 쓰시시게가 살았던 에도 시대의 문화에 관한 이벤트나 전통 행사에 대해서 소개하고 있습니다.
꼭 흥미가 있는 분은 「츠시시게 연고의 지 다이토구」공식 사이트 를 체크해 보세요.

장군가나 막신들에게 스포트를 맞추는 「에도성 존」

에도성도 이야기 속에서 중요한 장소 중 하나입니다.
'베라보~아시시게 에이노노 유미~'의 무대인 에도 시대 중기는 타이헤이의 세상이 오랫동안 이어지는 가운데 예술문화가 꽃이 열린 시대였지만, '마츠다이라 정신'의 '관정의 개혁'을 계기로 쓰시게를 둘러싼 상황도 크게 변화하고 있습니다.

「에도성 존」에서는, 장군가나 막신 등 에도 막부에 관련된 면면에 초점을 맞춘 전시나, 프로그램 미술이나 촬영의 무대 뒤 등에 대한 소개 패널이 있습니다.

「타이가 드라마관」의 엔딩에는 출연자의 친필 메시지나 사인 색종이가 장식되어 있어, 이 드라마에 베팅하는 뜨거운 생각이 전해져 옵니다. 자신의 「추천」의 사인을 찾아내거나, 유감스럽지만 이미 퇴장이 되어 버린 등장 인물을 다시 생각해 보는 것도 좋을 것입니다.

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에도의 「시」를 체감할 수 있다! 「타이토 에도 모노시」

병설하는 「타이토 에도 모노시」에서는, 대하 드라마 「베라보」의 로고가 들어간 기념품에 가세해, 에도에 연고가 있는 아이템, 현지인 다이토구의 기업이 다루는 상품을 전개.

이 「타이토 에도 모노시」만으로 1시간은 볼 수 있을까 하는 정도의 다채로운 기념품, 그리고 아름다운 관내 장식에도 주목입니다. 그 중에는 에도에 유행한 「수수께끼」인 「판지 그림」에 도전할 수 있는 코너도 있어, 장난기 넘치고 있습니다. 아이와 함께 도전하면 재미있을 것 같네요.

장난기라고 하면, 로비에 있는 기념 스탬프의 코너에도 독특한 장치가.
이것은 내관 기념증의 이면에 5색의 판을 거듭해 나가면, 최종적으로는 카와가와 히로시게의 「명소 에도 백경·아사쿠사 금 용산」이 완성된다고 하는 것. 우키요에의 「다색 인쇄」라고 하는 기법을 즐겁게 체험할 수 있습니다.

또, 현재 대하 드라마관에서는 가이드 투어를 개최중. 처음 쪽은 물론, 리피터 쪽에서도 즐길 수 있는 내용이 되고 있다고 하는 것이기 때문에, 꼭 참가해 보는 것은 어떻습니까.

필자는 드라마 미견이었지만, 드라마를 통해 그려지는 '에도의 미디어왕' 담중의 인물상, 그리고 그를 키운 다이토구라는 장소에 강하게 흥미를 끌리는 내용이었습니다.

「대하 드라마관」의 개관은 새해인 2026년 1월 12일(월·축)까지.
타이가 드라마관을 감상한 뒤, 쓰시시게 연고의 땅을 둘러싸고, 에도의 당시에 마음을 즐겨 보는 것은 어떻습니까?

■「베라보 에도 타이토 오가 드라마관」개요

기간	2025년 2월 1일(토)～2026년 1월 12일(월·축)
개관 시간	9시~17시(최종 입관 16시 30분)
휴관일	매월 제2월요일(제2월요일이 공휴일인 경우는 다음날), 연말연시 등
위치	도쿄도 다이토구 하나가와도 2-6-5 다이토구 민회관 9층
주최	다이토구 대하드라마 '베라보' 활용추진협의회
문의	03-4330-1409(대하 드라마관)
「쓰시시게 연고의 땅 다이토구」공식 사이트	https://taito-tsutaju.jp/features/exhibition

■「타이토 에도 모노시」개요

기간	2025년 2월 1일(토)～2026년 1월 12일(월·축)
개관 시간	9시~17시(최종 입관 16시 30분)
휴관일	매월 제2월요일(제2월요일이 공휴일인 경우는 다음날), 연말연시 등
위치	도쿄도 다이토구 하나가와도 2-6-5 다이토구 민회관 9층
문의	03-6802-8150(타이토 에도 모노시)
「쓰시시게 연고의 땅 다이토구」공식 사이트	https://taito-tsutaju.jp/features/edomonoichi

※기사의 내용은 취재 시점의 것입니다. 최신 정보는 공식 사이트 등에서 확인하십시오.

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도쿄도 미술관

 

전세계에서 사랑받는 화가, 핀센트 판 고흐 (1853~1890)를 헌신적으로 지지한 동생 테오, 그 아내 요, 그리고 조카 핀센트 윌렘 . 그들 팬 고흐가의 활동을 따라가면서, 핀센트의 꿈과 작품군이, 어떻게 오늘까지 계승되어 왔는지를 소개하는 전람회 「고흐전 가족이 연결한 화가의 꿈」이 , 도쿄도 미술관에서 개최되고 있습니다.
회기는 2025년 9월 12일(금)부터 12월 21일(일)까지.

핀센트 판 고흐가 화가를 지망한 것은 1880년, 27세가 되고 나서 약간 느린 스타트였지만, 1890년 7월에 37세로 죽을 때까지 불과 10년간에 약 2,000점의 작품을 남겼습니다. 생전의 핀센트를 정신·경제의 양면에서 헌신적으로 지지한 것은, 동생이자 친구이며, 예술에 열정을 태우는 동지이기도 한 테오(테오도르스·판·고흐)였습니다만, 형의 사후 반년으로 뒤를 쫓도록 타계해 버립니다.

생전의 핀센트는 무명이라고 하는 것은 아니었지만, 작품이 몇점 밖에 팔 수 없었다고 하는 것은 유명한 에피소드입니다. 그렇다면 어떤 경위로 오늘 전세계의 미술관에 애장되는 화가로서 빛나는 명성을 얻게 되었습니까?

거기에는, 테오의 사후, 방대한 컬렉션을 계승한 테오의 아내 요(요한나·판·고흐=봉겔)의 활약이 있었습니다. 요는 의형의 작품을 세상에 내는 것에 인생을 바치고, 전람회에의 출품, 전략적인 작품의 매각, 서한의 정리·출판 등을 통해, 화가로서 정당하게 평가되도록 분주한 것입니다.

게다가 테오와 요의 아들 핀센트 윌렘 판 고흐는 컬렉션의 소산을 막기 위해 1960년에 핀센트 팬 고흐 재단을 설립. 작품 대여에 관대한 방침을 노래하는 국립 핀센트·판·고흐 미술관(현·판·고흐 미술관)의 개관에도 노력했습니다.

본전은 그렇게 소중히 계승된 패밀리 컬렉션에 초점을 맞춘 일본 최초의 전람회입니다. 황 고흐 미술관의 컬렉션을 중심으로 핀센트의 유채화와 묘묘 30점 이상을 전시. 게다가 폴 고건이나 에두아르 마네 등의 유채화나 소묘, 영국이나 프랑스의 신문의 삽화 판화, 혹은 우키요에 판화라고 하는 팬 고흐 형제의 관심이나 동시대의 미술 동향을 나타내는 수집품, 일본 최초 공개가 되는 핀센트 직필의 편지 4통 등을, 전 5장 구성으로 소개하고 있다

화가를 뜻하고, 1881년부터 네덜란드 헤이그와 농촌 뉴넨에서 소묘와 유채화 기술을 연마한 후, 1886년에 옮겨 살았던 파리에서 현대적인 양식을 확립해, 남불의 아를르, 샌 레미, 종언의 땅 오베르 = 슐 = 오워즈로 혁신적인 걸 본전의 작품 전시에서는, 그러한 농밀한 10년의 화업을 추적할 수 있습니다.

《방수모를 입은 어부의 얼굴》 (1883)은, 헤이그 시대, 삽화들이 신문의 판화로부터 사실주의적인 소재나 흑백의 콘트라스트 등의 영향을 받아, 연필, 초크, 잉크 등의 검은 화재를 열심히 연구하고 있었을 무렵에 그려진 것. 뉴넨 체재 중에는 색채 이론에 대한 관심이 높아짐에 따라 색채를 다루는 훈련을 위해 정물화를 적극적으로 다루게 되었습니다. 《루나리아를 낳은 꽃병》 (1884)은, 1884년의 늦가을부터 초겨울에 걸쳐 식물의 정물화를 처음 제작했을 때의 1점입니다.

파리에 도착하면, 새로운 전위 화가들의 작품이 자신의 상상과는 전혀 다른 것에 놀라, 본작에서 볼 수 있는 어두운 색조로부터의 탈각, 새로운 색채나 필견의 습득도 도모하게 됩니다. 드라크로와의 색채나 몬티세리의 두꺼운 칠 기법 등, 존경하는 화가들을 모범으로 하고, 1886년의 여름만으로 30점 이상의 꽃의 정물화를 제작. 《그라디올러스와 에조기크를 낳은 꽃병》 (1886)은 그 중의 1점으로, 십자가를 거듭한 것 같은 배경도 특징적입니다.

그리고, 본전의 하이라이트이며, 파리 시대 마지막에 다루어졌다고 하는 걸작 《화가로서의 자화상》(1887-1888) 에 눈을 옮기면, 네덜란드 시대의 유채화와 비교해, 단 2년간에 지극히 현대적인 화가로 변모를 이룬 것에 놀랄 것입니다.

파리에서의 색채 이론 연구가 결실한 풍부하고 능숙한 색감은, 확실히 화면상에 보이는 팔레트의 색으로부터 만들어져 있어 느슨한 자신감을 띤 필촉이 생생하게 화면에 퍼지고 있습니다. 자세 좋게, 시선은 다소 늘어나면서 똑바로 감상자를 향해 화가로서의 자부, 혹은 결의 표명과 같은 강한 의지가 느껴집니다.

 본작에 대해서는 1890년에 산 레미의 요양원을 나와 오베르 쉬르 오워즈로 향하기 전에 핀센트와 요가 처음 만났을 때의 에피소드가 남아 있습니다. 요는, 핀센트의 병이나 건강 불량의 이야기를 흩어져 듣고 있었기 때문에, 약약한 풍모의 남자를 상상하고 있었습니다만, 「탄탄한 어깨 폭이 넓은 남자로, 건강한 안색을 하고, 얼굴에는 웃음을 띄워, 매우 확연한 모습」이었다고 회고록에 계속하고 있습니다. 게다가 “수많은 자화상 중에서도, 그가 이젤을 향하고 있는 작품(본작)이, 그 무렵의 그와 가장 비슷하다”고 덧붙였습니다.

핀센트 자신은 사신과 관련하는 등 부정적인 인상도 가지고 있었던 것 같습니다만, 어쨌든, 본작은 핀센트·판·고흐 재단, 나아가서는 판·고흐 미술관에 있어서, 가장 중요한 보물의 하나로서 취급되고 있습니다.

또, 핀센트는 화업 초기부터 「농촌 화가」라고 불린 장프란소와 밀레를 경애하고 있어 모사도 다수 남기고 있습니다. 아를 시대에 그려진 “씨 뿌리는 사람” (1888)는 밀레의 동명의 작품을 밑받침으로 제작된 것. 자신 나름의 색채 풍부한 「씨 뿌리는 사람」을 그리고 싶다고, 납득할 때까지 시작을 반복해 본작의 구도에 도착했다고 합니다.

농부를 대담하게 무릎 아래에서 트리밍하는 참신한 구도, 극단적인 원근법으로 앞에 클로즈업한 나무의 줄기, 농부를 신성하게 비추는 거대한 태양 등, 모티브의 취급이나 디포르메 묘사의 절절에 우키요에의 영향이 현저하게 인정된다고 하는 것으로, 전시에서는 우키요에의 컬렉션과 병치

한편 본전에는 요의 타의 추종을 불허하는 기업가 정신과 미술계에서의 공적을 소개하기 위해 요가 매각한, 즉 황 고흐 미술관의 컬렉션 이외의 작품을 특집한 섹션도 존재합니다.

요는 원래 미술 분야에서는 아마추어였지만, 테오와 결혼하고 나서 드디어 황 고흐를 비롯한 근현대 미술에 관한 지식과 개인 수집가와 미술관의 세계, 미술 거래의 구조에 대해서도 익숙해 갔습니다. 테오의 사후, 정기적으로 핀센트의 작품을 매각해 갔습니다만, 부모와 자식이 생계를 세우기 위한 경제적인 이유는 2개의 다음으로, 거기에는 근대 미술의 중심적 인물이라고 확신한 핀센트의 평가를 확립하는 야심적인 목적이 있었습니다.

이러한 요의 진력을 밝힌 것이 테오와 요의 「회계부」 입니다. 당초는 가계의 수지가 기록될 뿐이었지만, 테오의 사후에는 작품의 매각에 대해서도 기록되게 되었고, 요가 어느 작품을 언제, 누구에게, 얼마로 매각했는지, 생생한 기록이 남겨졌습니다. 조사·연구의 결과, 기재된 것 중 170점 이상의 회화와 44점의 종이 작품이 특정되고 있어 본전에는 그 중의 유채화 3점이 전시되고 있습니다.

황 고흐 미술관은 핀센트의 유채화 약 200점, 묘묘 약 500점이라는 세계 최대 규모의 컬렉션을 자랑하고 있습니다만, 요가 매각하지 않으면 더욱 250점 정도 많았다고 합니다. 그러나, 요가 전략적으로 돌았기 때문에, 전세계의 컬렉션에 작품이 담겨, 이렇게 일본에 사는 우리도 비교적 간단하게 실물을 보아, 올바르게 평가할 수 있게 되었습니다. “100년 후를 사는 사람들에게도 자신의 그림을 보고 싶다”고 바란 핀 센트의 꿈은 이렇게 실현된 것입니다.

또한 황고흐 미술관 컬렉션은 특히 1980년대 후반 이후 기부와 기증의 혜택을 받아 서서히 확충되어 갔다고 합니다. 바르비종파나 헤이그파, 상징주의, 인상파, 포스트 인상파들의 작품, 혹은 판화, 포스터 등 종이 작품 등 수집 대상이 확대되는 한편으로, 핀센트의 작품이나 서간이 편입되기도 했습니다. 본전에서는 오랫동안 소재 불명이었지만 2006년에 개인 컬렉션 중에서 발견되었다는 안톤 판 래팔트 앞의 편지 4통이 첫 일본 방문.

핀센트가 브뤼셀에서 만난 선배 화가인 팬 래팔트에게 보낸 4통의 편지 중 벤치에 앉아 있는 사람들과 노인들이 사는 구빈원에서 본 노인 등의 삽화가 들어간 4장의 종이 조각입니다. 이러한 편지는 열화하기 쉽고, 전람회에 출품되는 것은 매우 적기 때문에, 이번 출품은 매우 귀중한 기회라고 할 수 있습니다.

전시의 끝에는 높이 4m, 폭 14m를 넘는 공간에서 체감하는 “이머시브 코너”가 출현. 거대 모니터로 《꽃 피는 아몬드의 나무 가지》나 《까마귀가 날아가는 밀밭》 등 팬 고흐 미술관의 대표작을 고화질 이미지로 투영하는 것 외에 3D 스캔으로 CG로 한 《해바라기》(SOMPO 미술관 창고)의 영상도 상영하고 있습니다. 육안으로는 다가갈 수 없는 대담한 시점에서 새로운 발견을 기대할 수 있는 몰입 체험을 꼭 회장에서 즐겨보세요.

「고흐전 가족이 연결한 화가의 꿈」개요

※기사의 내용은 취재 시점의 것입니다. 최신 정보는 전람회 공식 사이트 등에서 확인해 주십시오.

기사 제공: 코코실 우에노

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도쿄도 미술관

모두가 가진 창의성에 눈을 돌리고, 나름대로의 방법으로 「더 나은 삶」을 생각하는, DIY(Do It Yourself / 스스로 해 본다) 를 테마로 한 전람회 「만들기 즐겁게 살기 위한 DIY」 가 도쿄도 미술관에서 개최중입니다. 회기는 2025년 7월 24일(목)부터 10월 8일(수)까지.

출품 작가들이 강의를 실시한 보도 내람회의 모습을 리포트합니다.

■출품 작가(전시 순서/경칭 약어)：와카기 호두, 세오 나츠미, 노구치 켄고, 던힐&오브라이언, 쿠무라 타쿠, 이토 사토히로 설계 고작소, 스튜디오 안경 건축 설계 사무소

 

DIY란, 눈앞의 문제를 자신의 창의 궁리로 해결해 가는 어프로치입니다. 본전에서는, DIY를 보다 잘 살기 위한 방법인 동시에, 불편이나 곤란을 극복하기 위한 수단이라고 파악하면서, 그 과정에 있는 깨달음이나 달성감이라고 하는 「만들기 즐거움」에 주목. DIY의 수법이나 사고방식에 관심을 보이는 5조의 현대 작가와 2조의 건축가의 작품을 소개해, 자신 나름의 방법과 감각을 의지에 만드는 DIY의 본연의 자세나, 생활과 밀접하게 연결되는 아트의 존재에 대해 생각을 촉구하는 내용이 되고 있습니다.

회장은 전 4장 구성입니다. 제1장 「보는 것으로부터 시작되는 DIY」 에서는, DIY의 시작인 「보는」 것에 창조의 계기를 찾아내, 문방구나 부엌 용품, 빈 캔, 가구라고 하는 몸의 물건을 조각으로서 재이용하는 판화가· 와카기 쿠루미 씨(1985-)의 작품을 전시.

생옻나무의 튜브로 생선의 반짝임을 코끼리한 「튜브의 반짝임」시리즈 는, 장인들이 고가의 생옻칠을 끝까지 다 사용하기 위해서 튜브를 여는 모습으로부터 착상을 얻은 것. 튜브 특유의 질감이 요철이나 데리어를 표현하고 있어, “생선”에는 이상한 정취가 있습니다. 이러한 실험적인 행위에 의해, 흔한 일용품에 새로운 이미지나 의미를 시작하는 것과 동시에, 창조의 재미를 누구나가 친숙한 유머러스한 형태로 제시하고 있습니다.

천장까지 닿는 《타와만》 (2025)은, 와카키씨가 처음으로 혼자 생활을 시작하고 나서 20년 이상 계속 사용해 온 냉장고를 판으로 한 작품. 드디어 냉장고가 수명을 맞이하려고 한 타이밍에, 「판화로 하는 것으로, 스스로 숨의 뿌리를 멈추려고 결심해」, 본전에 이용했다고 말합니다.

아이디어의 출발점이 된 것은, 냉장고에 붙인 독일인 화가 파울·클레이의 전람회의 티켓이라고 하는 것. 티켓 자체도 작품 안에 도입하면서, 음악적인 감성에 의한 시정 풍부한 색채의 세계가 매력의 클레이 작품에 통하는, 큐비즘적인 타워 맨션을 출현시키고 있습니다.

 

제2장 「잃어버려, 시작해 가는 DIY」 에서는, 자연 재해나 경제적 곤란에 의해 많은 것을 잃은 사람들이, 새롭게 생활을 시작해 가는 일에 눈빛을 향하는, 세오 나츠미 씨와 노구치 켄고 씨의 작품을 다루고 있습니다.

도쿄 출신의 세오 나츠미씨(1988-)는 동일본 대지진 후 도호쿠로 이주하여 재해와 함께 사는 사람들의 말과 풍경의 변화를 기록하면서 다채로운 작품 제작을 하는 아티스트로 본전에서는 드로잉과 회화를 중심으로 공간을 구성.

서두에 전시된 《바람둥이》 (2011)은 지진 재해 당일의 밤에 그려진 것입니다만, 「기노와 같은 선이 된 것」이 힘들게 떨어지지 않았다고 한다. 거기에서 「진짜 현장에 가서 절실하게 그려야 할 것은 무엇인가」를, 지역의 사람들과 관계 가운데서 생각해 왔다고 말했습니다.

2015년, 이와테현 리쿠젠 타카다의 부흥에 걸리는 부피 인상 공사에 의해 새로운 지면이 만들어져 가는 과정에서, 익숙한 산이 깎아져, 마을 터가 매립되어 가는 모습을 눈에 띄고, 이야기의 필요성을 느꼈다고 하는 세오씨. 본 장에서는, 땅 아래에 있는 옛 거리의 사람들과 새로운 거리의 사람들이 연결되는, 2031년의 리쿠젠 타카다를 쓴 이야기 「이중의 거리」 에 관련되는 드로잉의 여러가지도 소개되어 있습니다.

이러한 「이중의 거리」의 이미지는, 노토반도 지진의 재해지를 비롯해, 재해를 경험한 다양한 장소를 여행할 때마다, 사람이나 토지와 갑작스럽게 연결되어, 서로의 경험이나 사고를 토론하는 대화의 시간을 낳고 있다고 한다. 돌이킬 수 없는 변화 속에서, 말할 수 없게 되어 가는 기억이나 마음의 거처를 만들어, 그것을 다른 누군가가 받아들여, 생활의 지지로 한다. 작은 공동체의 사람들이 잇는 영업의 가능성을 녹슬기에 붙어 있는 말과 함께 감상자에게 전하고 있습니다.

사진가 노구치 켄고씨(1984-)는, 강변이나 공원에서 독자적인 생활 공간을 구축하는 사람들을 찾아 걸어 촬영한 「암의 사람들」시리즈를 전시. 폐재나 블루시트 등의 브리콜라주 로 형성된 “암”에는, 경제적인 이유로 사는 사람도 있으면, 스스로 좋아하고 그 생활을 계속하는 사람도 있어, 그 의장이나 양상도 다종 다양합니다. 그러나 둘 다 다양한 창의력과 창조의 조각이 발견되어 똑바르고 절실한 ‘살기위한 DIY’의 정신과 그들의 참을성을 느끼게합니다.

10년에 걸친 취재 중, 몇번이나 같은 장소를 방문하고 있다고 하는 노구치씨. 전시 중에도 같은 구도로 한 남자와 “암”에 포커스하고, 그 변화를 기록한 시리즈가 존재합니다.

“다음에 방문하면 전혀 변하지 않았던 분, 반대로 늙어 왔다고 하는 분도 있으면, 같은 안에서도 소라게처럼 사람이 살아 바뀌고 있다는 일도 있습니다.혹은, DIY로 자신의 생활을 만들어 냈지만, 태풍으로 한순간에 날아가는 버려져 버리는 일도 있습니다.도시의 한 구석에서 그러한 사람의 영업이 행해지고 있습니다.

 

제3장 「DIY로 만드는, 형태와 관계」 에서는, 조각적인 어프로치를 베이스로, 시작한 「형태」로부터 사람이나 사회와의 새로운 「관계」가 태어나는 프로세스를 중시한 다양한 표현 활동을 전개하는, 던힐＆오브라이언 과 쿠무라 타쿠 씨를 소개.

런던을 거점으로 하는 던힐 & 오브라이언은 협동의 어려움과 가능성을 창조의 양식에 독자적인 장치를 만들거나 퍼포먼스나 타인과의 공동 작업을 도입하면서 작품을 만들어내는 아티스트 유닛입니다. 출전 작품은 모두 본전을 위해 준비된 신작. 도쿄도 미술관 소장의 야외 조각인, 「이로하 노래」를 소재로 한 모가미 유키의 《이로하니호헤토칠리누루와카요타 레소츠네······································································································································· 만남을 만나, 형태와 말의 관계성에 감명을 받은 것이 신작 프로젝트의 출발점이 되었다고 한다. (※동작은 무료로 감상 가능합니다)

거기에서 영국과 일본에서 예술가, 과학자, 음악가, 작가 등 다양한 배경을 가진 참가자를 모두 100명 이상 모아 야외 조각에 대해 묘사한 텍스트를 바탕으로 점토를 조형하는 워크숍을 실시. 원격적인 「대화」를 통한 점토 작품은 모두 데이터화되어 3D 프린트를 거쳐 회장에서 「모양의 도서관」 으로서 시작하고 있습니다.

또한 이러한 데이터를 매쉬업하여 집합체로서의 3D마켓(모형)을 작성. 19세기에 조각의 확대 복제에 이용된 판타그래프를 설치해, 3D마켓을 야외 조각과 거의 같은 크기까지 확대한 대형 인스톨레이션 《「이로하」를 감상하기 위한 수단과 장치──또 이로하》 (2025)가 완성되었습니다.

덧붙여 받침대에 보이는 부분은, 런던에 있는 던힐&오브라이언의 스튜디오를 원래 크기로 본뜬 것입니다. 이것을 두 사람은 받침대이고, 제작의 장소이며, 홈과 같은 공간으로서의 「실천을 위한 뗏목」이라고 표현. 전시에서는, 스튜디오형 「뗏목」 위에 판타그래프를 두고, 조각을 만들기 위한 복잡한 툴로서 기능시키고 있습니다.

다마미술대학 조각학과 출신인 쿠무라 타쿠씨(1977-)는 제도적인 틀을 오가며 옮기기 쉬운 미술의 가치를 묻는 아티스트입니다. 전시에는 이른바 조각 같은 조각이라는 것이 없습니다. 본인이 형용하는 곳의 「엄격한 체육회계인 곳이 있다」아카데믹한 조각으로부터, 어떻게 해서 거리를 취하는지를 모색한 결과, 심신에 부하를 가하지 않는 가벼움을 중시한 소재나, 미술의 주연에 위치하는 DIY적, 혹은 수예적인 기법을 채용하게 되었다고 합니다.

쿠무라씨가 주로 다루고 있는 것은, 받침대나 액자, 전시 공간이라고 하는 팔레르곤(작품을 성립시키기 위한 구조적인 요소)입니다.

예를 들어, 「입는 조각」 인《PLUS_Ralph Lauren_yellow striped shirts》(2025)는 랄프 로렌의 헌옷 을 소재로 한 작품. 가슴 팍의 로고 마크에 받침대를 자수해 조각으로 완성한 것입니다만, 그것만으로는 수예적인 영역을 나오지 않는다고 생각한 쿠무라씨는, 자수를 액장하는 것으로 회화적으로 연출. 게다가 회전대 위에 심봉을 만들어 셔츠를 태우는 것으로 토르소처럼 보이고, 폐재를 재이용한 계단 모양의 받침대를 설치한다는 4중의 레이어를 이용하는 것으로 아트성을 강조하고 있습니다.

폐교로부터 양도받은 허들이나 공사 현장에서 이용된 A형 바리케이드를 소재로 한 「One Point Structure」시리즈 는, 받침대 부분을 벤치풍으로 하는 것으로, 입장자가 조각과는 눈치채지 않고 앉아 버리는 듯한 구조가 되어 있습니다. 차분히 감상을 즐기고 싶은 반면, 앉아서 쉬는 장소가 적은 경향에 있는 미술관의 딜레마를 해소하는 수단이다.

바 카운터와 같은 스페이스 《직물 Bar at 도쿄도 미술관》 (2025)은, 미술관에 오랫동안 체류하기 위한 커뮤니케이션을 생성하는 장소로서 제작된 것. 여기에서는 매주 금요일, 바에서 술을 선택하도록 좋아하는 직사나 천을 주문해, 오리지날의 직물을 만드는 이벤트가 개최됩니다. (※요사전 예약)

직사는 수예사 메이커의 제공품이나 헌옷을 나눈 것 등 다양한. 그 중에는 도쿄도 미술관에서 과거에 개최된 전시회의 커튼이었던 것도 포함된다는 이야기가 있어, 그들이 경험해 온 기억에 생각을 느끼면서 자신의 손으로 짜는, 본전다운 풍부한 경험을 기대할 수 있을 것 같습니다.

 

제4장 「DIY 스테이션──스스로 해보자!」 는, 제3장까지에서 봐 온 DIY에 통하는 다양한 어프로치나 창의 궁리를 참조점으로 하면서, 방문자가 전시 내용을 반추해, 다시 DIY에 대해 생각하기 위한 플랫폼이 되고 있습니다.

공간 설계는 이토 사토히로 설계 고작소 와 스튜디오 안경 건축 설계 사무소 의 2조의 건축가 팀이 다룬 것으로, 테마는 「관찰과 고찰」. 그 상징으로서 공간 중앙에서는, DIY 정신의 시점으로부터, 산업 혁명의 카운터로서 나타난 아츠 앤 크래프트 운동을 기점으로 하는 역사적인 활동을 건축가 팀으로 정리한 「DIY 연표」를 게시하고 있습니다.

그 주위에서는, 출품 작가의 제작 수법이나 어프로치를 체험할 수 있는 코너나, DIY나 작가에 관한 자료 전시를 전개. 예를 들어, 던힐 & 오브라이언은 “조각 작품을 만져보고 싶다”라는 방문자의 생각에 부응하는 형태로 상자 안에 손을 넣고 안에있는 조각을 손으로 관찰 할 수있는 장치를 제작하고 있습니다.

일반 시민으로 이루어진 전시회 퍼시리테이터 「만들기」의 안내에 따라, 한 사람이 상자 안에 있는 조각의 특징을 설명해, 다른 사람이 설명을 바탕으로 그림을 일으킨다고 하는 작업을 교대로 실시했습니다만, 각각이 주목하는 질감이나 형상의 포인트, 표현하는 말에 의해, 같은 조각에서도 완전히 다른 그림이 태어나는 정도.

그 밖에도, 폐재였던 기둥재에 와카키 호두씨가 판을 조각해, 방문자가 프로타주(요철이 있는 물건에 종이를 태우고, 연필 등으로 문지르고 모양을 찍는 기법)로 작품으로 하는 코너 등, 만드는 것·말하는 것·생각을 촉구하는 전시의 여러가지가 준비되어 있습니다. 본전을 통해, 방문자가 자신 속에서 하고 싶은 것, 뭔가 마음에 걸려 있는 것, 해결하고 싶은 것, 다양한 충동과 감정을 만나는 것이, 오리지날의 DIY의 싹트림으로 이어질지도 모릅니다.

“만드는 즐거움 살기위한 DIY”개요

※기사의 내용은 취재 시점의 것입니다. 최신 정보는 전람회 공식 사이트 등에서 확인해 주십시오.

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국립 서양 미술관

세계 최고봉의 소묘 컬렉션을 자랑하는 스웨덴 국립 미술관에서, 듀러나 루벤스 등 약 80점의 명품을 골라 소개하는 전람회 「스웨덴 국립 미술관 소묘 컬렉션 전-르네상스에서 바로크까지」 가, 국립 서양 미술관[도쿄·우에노 공원]에서 개최되고 있습니다. 회기는 2025년 7월 1일부터 9월 28일까지.

스웨덴의 수도 스톡홀름에 있는 스웨덴 국립 미술관은 이 나라 왕가가 수집한 미술품을 기반으로 하는 유럽에서 가장 오래된 미술관 중 하나입니다. 중세부터 현재에 이르는 미술, 공예, 디자인 등 폭넓은 컬렉션을 소장하고 있습니다만, 그 중에서도 소묘 컬렉션은 질, 양 모두 세계 굴지의 것으로 평가되고 있습니다.

소묘(그림, 드로잉)는 펜이나 목탄, 초크 등을 이용하여 대상의 윤곽, 질감, 명암 등을 표현한 선묘 중심의 평면 작품을 가리킵니다. 아이디어를 신속하게 그려내기 위해, 기술을 닦기 위해서와, 묘묘의 제작 목적은 다양합니다만, 특히 회화나 조각 등의 구상을 반죽하는 프로세스와 연결되는 경우가 많기 때문에, 16-17세기의 문필가들은 묘묘를 모든 조형의 기본 으로 파악해, 높이 평가하고 있었습니다.

작가의 사고나 손의 흔적이 직접적으로 느껴지는 것 외에, 신중한 붓 운반이 요구되는 본 제작에서는 소리를 숨기고 버리는 기세라고 하는 것도 볼 수 있는 등, 마치 창조의 장소를 만나고 있는 것 같은 친밀한 거리감을 맛볼 수 있는 것이 , 소묘 작품의 큰 매력이 되고 있습니다.

본전은 르네상스에서 바로크까지의 소묘 작품의 특색과 매력을 전하는 것. 스웨덴 국립 미술관의 소묘 컬렉션에서 차용한 81점의 명품, 및 국립 서양 미술관의 관련 작품 3점, 총 84점을 소개하고 있습니다.

또한, 소묘는 온습도의 변화나 빛, 진동의 영향을 매우 받기 쉬운 미디어입니다. 해외 미술관 소장 작품이 이 정도 규모로 정리해 일본 전시회에서 선보이는 것은 본전이 처음이다.

회장은 4장 구성으로, 이탈리아, 프랑스, 독일, 네델란트라고 하는 제작 지역별로 소개하고 있습니다. 제1장은, 르네상스, 마니에리즘, 바로크와 찬연하게 빛나는 미술의 중심지인 계속된 이탈리아가 테마.

주목하고 싶은 것은, 마니에리즘기에 화가들의 관심의 저하를 입은 자연 관찰이 다시 중시되기 시작한 16세기 말경부터, 후의 바로크 미술에 이어지는 중요한 역할을 한 카라치 일족의 작품입니다.

카라치 일족은 1582년 고향 볼로냐에 설립한 사적인 미술 아카데미로, 고전 조각의 모사나 교외에서의 풍경이나 서민의 스케치 등, 독자적인 미술 교육을 실시하고 있었습니다. 특히 힘을 넣고 있던 것이 알몸체소묘로, 때로는 해부학에 기초하여 인체구조의 이해에 노력했다고 합니다. 붉은 초크로 그려진 앤니발레 카라치의 《머리를 뒤집어 눈을 감은 고개를 향한 젊은 남자의 누드 체습작》 은 그러한 인물 묘묘의 좋은 예입니다.

또, 《화가 루드비코 칼디, 통칭 치고리의 초상》 (c.1604-09)는, 바로 묘묘를 제작중의 동료의 화가를 그려낸 초초소묘이며, 본전의 아이콘으로도 되어 있습니다.

프랑스를 테마로 한 제2장에서는, 파리 남동방 폰테인 블로우의 궁정에 초빙된 이탈리아 화가들에 의한 기발한 무대 의상의 디자인을 시작으로, 잭 베란주나 잭 카로 등 로렌 지방이 배출한 개성적인 판화가들, 프랑스 바로크기를 견인한

뛰어난 소묘가이기도 한 카로의 전시에서는, 성인 안토니우스에 얽힌 전설을 그린 《성 안토니우스의 유혹》 의 밑그림소묘와, 그것에 근거하는 판화(c.1635)를 병치하고 있습니다.

세밀한 조정으로 선묘에 동세를 갖게 하면서 자연스러운 원근감을 표현하는 판화의 기술, 버라이어티 풍부한 악마의 비주얼, 패닉·무비를 잘라낸 것 같은 약동감 등, 각각 단체로 감상해도 보기에는 충분합니다.

그러나, 판화에서는 악마와 싸우는 안토니우스가 용감하게 십자가를 휘두르고 있는 한편으로, 묘묘에서는 엉덩이 떡을 붙여 열세에 몰려 있는 것 외에, 구도의 좌우를 연주하는 바위의 유무 등, 양작에서는 세부에 다양한 차이가 있는 것을 알 수 있습니다. 비교함으로써, 화가가 무엇을 고집해 작품을 발전시켜 갔는지, 구성 요소의 폐기 선택의 효과 등에도 생각이 돌아올 것입니다.

또, 이 장에서는 스웨덴 국립 미술관의 소묘 컬렉션의 기초를 세운 건축가 니코데무스·테신이, 자택의 천장 장식으로서 제작시킨 우아한 디자인 소묘에 대해서도 접하고 있습니다.

제3장은 16세기를 중심으로 한 독일(엄밀하게는 스위스, 오스트리아 등을 포함한 독일어권 지역)에 초점을 맞추고 있으며, 하이라이트는 마티아스 그뤼네발트, 알브레흐트 듀러, 한스 바르둥 그린 등, 독일 르네상스를 대표하는 3명의 거장의 머리작

「흑선으로 그릴 수 없는 것은 없다」라고 평가된 듀러 의《삼편의 젊은 여성의 초상》 (1515)은, 소묘이면서, 그 자체가 독립한 모뉴멘탈인 예술 작품으로서 완성되고 있습니다. 얼굴의 각부나 요철, 피부의 질감이 세밀한 선으로 섬세하게 그려지고 있는 한편, 머리카락이나 리본, 의복이 보다 굵고 진한 선의 무리로 그려지고 있는 점이 흥미롭고, 자연과 상주의 조예에 의식이 향하는 테크닉이라고도 볼 수 있을 것입니다.

17세기를 중심으로 한 네델란트(현재 벨기에, 네덜란드에 해당하는 지역)의 전개를 쫓는 제4장 서두에서는, 빛이 비치는 옅은 눈동자가 인상적인 뤼카스 팬 레이덴의 《젊은 남성의 초상화》 (1521)를 감상할 수 있습니다. 네델란트에서는 15세기 초에 유채 기법이 급속히 발전했지만, 이탈리아와 비교하면 종이의 보급이 늦어진 경우도 있고, 묘묘에 관해서는 16세기 초 이전의 작품이 그다지 남아 있지 않습니다. 그런 의미에서 본작은 귀중한 작례라고 할 수 있습니다.

정치적, 종교적 동란으로부터 16세기 말에 네덜란드와 플랑드르로 남북 분단된 네델란트입니다만, 동란이 차분한 플랑드르 측에서 예술 부흥의 중심에 있던 것이 페텔 파울 루벤스였습니다. 루벤스는 공방에 전해진 대량의 주문을 심사하기 위해 많은 제자와 조수들에게도 작업을 분담시켜 회화 제작에 해당했지만, 그 체제를 지지한 것이 주도에 준비된 준비 묘사였다고 합니다.

《아란델 백작의 가신, 로빈》 (1620)을 보면, 여백에 모델이 된 인물이 입고 있는 옷의 소재나 색에 대한 상세한 메모가 루벤스 자신의 손으로 그려져 있어, 소묘가 어떻게 활용되고 있었는지를 상상시킵니다.

경제적 번영에 힘입어 회화 제작이 미소유의 활황을 나타낸 네덜란드 측에서는 종교 이미지의 예배를 금지하는 개신교 국가였던 것과 그림의 구매층인 시민들이 친근하고 친근한 화제를 선호했기 때문에 풍경, 풍속, 정물, 동물 등의 장르. 한편, 기독교의 이야기를 그리는 것을 고집한 화가들도 존재하고, 그 필두가 렘브란트 팬 레인이었습니다.

겟세마네 동산에서 유다의 배신에 의해 체포되는 그리스도를 그린 《그리스도 포박》은 간소한 인상입니다만, 렘브란트의 대명사인 빛과 어둠의 효과가 살아 있습니다. 긴박한 장면에 장엄함과 신성함, 혹은 자신의 운명을 받아들이는 그리스도의 정신의 고상함이 표현되어 소품이면서 눈길을 끄는 것이 있었습니다.

전시의 끝에는 경계심을 풀고 자는 모습이 사랑스러운 코르넬리스 피셀의 《자는 개》 가 있습니다. 희미하게 열린 눈꺼풀, 복부의 부드러운 털이 등 세세한 부분까지 철저한 관찰을 바탕으로 그려져 있으며, 부드러운 색조는 작가의 개에 빛나는 따뜻한 시선을 느끼게합니다. 본작을 모티브로 한 오리지널 상품도 판매되고 있었으므로, 회장에 다리를 옮겼을 때는 꼭 놓치지 마세요.

「스웨덴 국립 미술관 소묘 컬렉션전-르네상스에서 바로크까지」개요

※기사의 내용은 취재 시점의 것입니다. 최신 정보는 전람회 공식 사이트 등에서 확인해 주십시오.

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국립과학박물관

「빙하기」 라고 들으면, 현대와는 완전히 다른, 얼음이나 눈이나 덮인 가혹한 세계를 이미지하는 사람도 있을 것입니다. 그러나 학문적으로 빙하기는 육지를 덮는 두꺼운 얼음 덩어리인 빙상이 대륙 규모에서 널리 존재하는 시대를 말합니다.

한랭으로 빙상이 크게 성장하는 시대인 '빙기'와 비교적 온난하고 빙상이 후퇴하는 '간빙기'를 약 10만년 주기로 번갈아 돌려주기 때문에 빙하기가 항상 추운 시대라는 것은 아닙니다. 연일 혹서에 시달리고 있는 우리가 사는 2025년도 그린란드나 남극에 빙상이 존재하는 ‘간빙기’ 속에서, 즉 빙하기에 속하고 있다는 것을 알면 조금만 보이는 방식이 바뀌는 것은 아닐까요.

현재, 국립과학박물관에서 개최되고 있는 특별전 「빙하기전 ~인류가 본 4만년 전의 세계~」 (회기:2025년 7월 12일~10월 13일)는, 최종 빙기에 해당하는 4만년 전후의 지구의 모습에 초점을 맞춘 전람회.

일본 최초 공개가 되는 네안델탈인과 크로마뇽인의 실물의 두개골을 비롯해 멸종 동물의 골격 표본이나 생태 복원 모형, 고고 자료의 전시 등을 통해 현대와는 전혀 다른 환경에서 살아온 인류와 동물의 생활과 환경의 변화를 최신 과학적 지식과 박력 있는 전시로 소개하는 내용

본전의 감수를 맡은 나라‴과학박물관‑・시노코 겸 씨는, 보도 내람회에서 다음과 같이 말하고 있습니다.

“세계에는 80억의 인류가 살고 있습니다만, 실은 모두 호모 사피엔스라고 하는 1종류의 생물입니다.한때 유럽이나 아시아에는 다른 종류가 있었습니다만, 1만 2000년전에는 호모 사피엔스만이 되었습니다. 우리의 조상이 6만년 전에 아프리카를 나온 후, 어떤 버린 동물들은 어디에 살고 어떤 모습을 하고 있었는지를 체험해 주시는 것이 본전의 큰 취지가 됩니다.

회장에서는, 독일의 라이스·엔겔호른 박물관이 소장하는, 수천년전까지 시베리아나 알래스카의 섬에서 살아 남아 있었다고 하는 케나가맘모스의 위용이 방문자를 마중. 본전의 주목의 하나이며, 박력에 눈을 빼앗기는 곳입니다만, 그 앞에서 자연스럽게 전시되고 있는 “창의 찔림이 붙은 호라아나라이온의 갈비뼈”도 잊지 않고 체크하고 싶은 일품입니다.

본 제품은 독일 남부에서 발굴된 4만8000년 전의 갈비뼈 화석. 현생의 라이온의 근연인 호라아나라이온은 벽화나 조각에서도 많이 등장하고 있으며, 네안델탈인이나 호모 사피엔스(크로마뇽인)의 친밀한 사냥 대상이었던 것을 알고 있습니다. 창의 찔린 자국이 극한의 빙기로 활보하는 동물과 우리 인류의 조상이 대치하고, 잘 살아있었던 것을 나타내는, 본전의 개막에 어울리는 로망 넘치는 전시라고 할 수 있습니다.

3~2만년 전의 최한냉기를 피크로 유라시아 대륙의 고위도 지역에서는 한랭화와 함께 광대한 스텝 툰드라(한랭한 초원과 영구동토지대)가 형성됩니다. 이 환경에서 번영한 것이 케나가맘모스, 호라아나라이온, 케사이, 스텝파이슨 등의 초원거의 맘모스 동물군이며, 한층 더 간빙기부터 삼림에서 생긴 기간테우스 대머리나 호라나나그마, 그 외 많은 현생종이 섞여, 최종 빙기 의 거대 동물군

「제1장 빙하기 유럽의 동물」은, 그러한 메가파우나의 화석이나 전신 골격 표본, 생체 복원 모형을 전시해, 멸종종과 현생종, 그 생태를 해설하면서 성쇠의 수수께끼에 대해 다가오는 구성입니다. 추위를 견디기 위한 훌륭한 체구와 긴 체모를 가진 동물들의 모습에서는 당시의 환경의 엄격함이 상상됩니다.

마치 천을 쓰고 있는 것 같은 긴 모피와 큰 발굽이 특징인 잉어는 맘모스 동물군의 생존으로 염소아과의 일종. 2만년 전 이후, 갑자기 시작된 온난화에 의해 스텝 툰드라가 축소해, 한랭지 적응한 씨와 초원거의 씨가 차례차례로 모습을 지워 가는 가운데, 황소나 북극 여우 등은 북극권에 서식지역을 옮길 수 있는 것으로, 지금도 가늘게 생존하고 있습니다.

크로마뇽인의 조상은 약 30만년 전에 아프리카에서 탄생해, 약 6만년 전에 유라시아 대륙에 퍼져 갔습니다. 당시 유럽에는 네안데르탈인이라는 다른 인류가 살고 있었습니다만, 약 4만년 전이 되면 모습을 지워 버립니다.

탄탄한 체격과 강인한 근육을 가지고 있던 네안데르탈인. 비교적 날씬한 체격에 긴 손발을 갖고 있던 크로마뇽인. 언뜻 보면, 가혹한 빙기의 생존에 적합한 것은 전자처럼 보이지만, 양자의 명운을 나눈 것은 무엇이었는가. 그 수수께끼를 석기나 장식품 등의 고고 유물과 함께 끈 풀리는 '제2장 네안델탈인과 크로마뇽인'에서는 동시대를 살았던 두 인류의 '세계 제일 유명한 두개골' 이라고도 불리는 '라 페라시 1호' '크로마뇽 1호' 의 실물을 일본 최초 공개.

'라 페라시 1호'는 1909년 프랑스 라 페라시 암음 유적에서 발견된 4만5000년 전~4만3000년 전 무렵의 네안데르탈인의 거의 완전한 전신 골격으로 출토. '크로마뇽 1호'는 마찬가지로 프랑스의 크로마뇽 암음에서 도로 공사 때 발견된 것으로, 2만8000년 전~2만7000년 전 무렵의 아마 남성이라고 생각되고 있습니다. 전시된 두개골을 보기만 해도 두개 길이, 광대뼈의 넓이, 눈썹의 융기 상태에 큰 차이가 발견되는 등, 양자의 모습을 실물로 비교할 수 있는 호화스러운 기회라고 할 수 있습니다.

덧붙여 지면에 몸을 구부린 상태에서 발견된, 「라・페라시 1호」를 계기로, 크로마뇽인과 비교해, 종래 야만으로 문화적으로 열등하다고 보여지고 있던 네안델탈인에게, 사자를 매장하는 습관이 있었던 것이 증명되어 갔다고 합니다.

제2장과 제3장을 연결하는 통로에서는, 아마추어에게는 기쁜 빙하기의 기초 지식을 해설하는 영상 전시나, 동물의 털이나 치아의 화석에 접하는 코너가 놓여져 있습니다. 케나가 맘모스나 오록스의 치아의 개성적인 윤곽을 따라가면서, 어떤 것을 먹고 있었는지, 왜 그 형상이 되었는지를 상상해 보는 것도 즐거울 것입니다.

「제3장 빙하기의 일본 열도」에서는, 약 3만 8000년전까지는 일본에 걸쳐 왔다고 생각되는 인류의 생활이나, 당시를 살았던 일본 3대 절감 동물인 나우만 코끼리, 야베오오츠노지카, 하나이즈 미모리우시 등의 동물들의 모습에 대해 소개하고 있습니다.

최종 빙기, 특히 한랭화가 현저했던 7만년~2만년전에 있어서는, 빙상·빙하의 발달로 지구상의 대부분의 수분이 고정되었기 때문에, 해 수준이 60m 이상 저하하고 있던 일본 열도. 홋카이도는 유라시아 대륙과 연결되어 혼슈, 시코쿠, 규슈는 고혼슈 섬으로 불리는 거대한 섬을 형성하는 등 지금과는 크게 양상이 다르다고 합니다. 그러한 일본 열도의 남북으로 퍼진 다양한 환경을 배경으로, 현생 인류는 풍부한 지역성을 획득해 갔습니다.

후기 구석기 시대 중엽에 있어서의 고혼슈섬의 석기의 지역성을 소개하는 비교 전시에서는, 이와테, 오사카, 가고시마에 있는 유적으로부터 발굴된 물건들이 줄지어 있습니다만, 특히 눈길을 끈 것은 오사카의 도리조엔 유적으로부터 출토한 돌날입니다.

세토우치 지방에서는, 전세계에서 사용되는 돌날과는 달리, 돌을 깨는 때의 타격점으로부터 말 퍼짐에 날개와 같이 퍼지는, 신기한 형상의 박편을 양산하는 기술 「세토우치 기법」이 발달. 이 세토우치 기법으로 제작된 창처로부터, 「국부형 나이프형 석기」라고 불리는 특징적인 석기가 만들어졌습니다. 그 발생 이유에 대해서는 밝혀지지 않았지만, 세계적으로도 드문 기술이었던 것 같습니다.

제2회장에서는 「빙기·간빙기 사이클과 식생」의 전시가 계속되어, 하트형을 하고 있는 귀여운(?) 꽃가루 화석의 확대 모형이 있는 등, 끝까지 볼 만한 곳이 많은 전람회였습니다.

본전의 앰배서더를 맡는 역사를 좋아하는 탤런트·아바레 군도, “입구에서 출구까지 정중하게 봐 가면, 이과의 수업 50시간분 정도의 농후한 배움이 있잖아요” “버리는 곳 일절 없음! 모두가 볼거리!”라고 대절찬.

“여름방학의 자유연구나 배움에도 좋네요. 지구는 지금 여러가지 과제를 안고 있습니다만, 어려운 시대를 살아남은 빙하기의 동물들의 모습은, 우리, 현대에도 통하는 것이 있는 것이 아닐까 생각 에요」라고 열변하면서, 「나의 매우 즐거운 나레이션·해설 첨부로 봐 주시면, 배움・알기 쉬움도 100배입니다」라고 자신이 담당한 음성 가이드를 어필했습니다.

특별전 「빙하기전 ~인류가 본 4만년 전의 세계~」의 개최는, 10월 13일(월·축)까지가 되어 있습니다.

특별전 「빙하기전 ~인류가 본 4만년 전의 세계~」개요

회장	국립과학박물관(도쿄·우에노 공원)
회기	2025년 7월 12일(토)～10월 13일(월·축)
개관 시간	9:00~17:00(입장은 16:30까지)
야간 개관	8월 8일(금)~17일(일) 및 10월 10일(금)~13일(월·축)은 19시 폐관(입장은 18시 30분까지). ※상설 전시는 8월 9일(토)~15일(금)은 18시까지. 그 이외의 기간, 상설 전시는 17시까지(입장은 각 폐관 시간의 30분 전까지).
휴관일	9월 1일(월), 8일(월), 16일(화), 22일(월), 29일(월)
티켓	일반 / 학교 2,300 엔, 중간 600 엔 ※미취학아는 무료. ※장애인 일장을 가지고 계신 그 간병자 1명은 무료. ※학증증, 각종 증명서를 가지고 계신 경우는, 입장시에 제시해 주십시오. 기타 자세한 내용은 공식 HP 에서 확인하십시오.
주최	국립과학박물관, TBS, TBS 글로디아, 도쿄신문
문의	050-5541-8600(헬로 다이얼)
전시회 공식 HP	https://hyogakiten.jp/

※기사의 내용은 취재일 시점의 것입니다. 최신 정보는 전시회 공식 HP 등에서 확인하십시오.

기사 제공: 코코실 우에노

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우에노의 숲 미술관

우키요에 황금기를 물들인 5대 스타의 걸작이 한자리에 모이는 「5대 우키요에사전-가면 사라쿠 호쿠사이 히로시게 쿠니요시」 가 우에노의 숲 미술관(도쿄 우에노)에서 개막했습니다.

앞서 행해진 보도 내람회의 갤러리 토크에서는, 본전의 도록 집필자인 가와사키 우키요에 갤러리 학예원의 야마모토 노리코씨가 등단. 볼거리를 해설해 주셨으므로, 전시의 모습과 함께 소개합니다.

천명·관정기에 황금기를 맞이한 일본이 자랑하는 대중미술인 “우키요에”로 이름을 친 5명의 그림사, 키타가와 가면, 히가시스사이 사악, 카츠시카 호쿠사이, 가가와 히로시게, 가가와 쿠니요시 본전은, 미인화, 배우 그림, 풍경화 등, 각 분야에서 정점을 다한 그들의 대표작을 중심으로 약 140점의 작품을 전시해, 그 표현의 특색과 매력을 전하는 것입니다.

제1장 “키타가와 가캿-상상하는 여성들”

전시는 그림사 한 사람씩에 초점을 맞춘 5장 구성이 되어 있어, 우선 등장하는 것은 키타가와 가면입니다.

노래는 현재 NHK에서 방송 중인 대하 드라마 '베라보~아시시게 에이카노 유메지~'에서도 활약하고 있는 에도 키테로의 명물 프로듀서 츠시시게(츠시야 시게사부로)가 발견한 화가로 알려져 있습니다.

담중과 짜, 당시 배우 그림에서 이용되고 있던 인물의 상반신에 클로즈 업 하는 “대수 그림”의 스타일을 미인화에도 도입.

전시에서는 옷을 입은 광택보다 낚아채 머리카락으로 편지를 읽는 유녀의 오프 샷을 잡은 《5인 미인 애경경 효고야 꽃 아내》 등 일상적인 모습을 그린 미인화가 눈에 띕니다.

여성에 대한 교훈을 기록한 「교훈 부모의 눈감」 시리즈에서는, 어리석은 모습으로 술을 삼키는 「바쿠렌」(헛소리의 여성)이 등장. 한 재색 겸비의 유녀나 마을에서 평판의 간판 딸이라고 하는 당세의 미인이 그려지기 십상입니다만, 노래쪽은 이렇게, 어떤 의미로 정반대의 속성의 여성도 구별없이 모델로 했습니다.

야마모토씨는 「가면의 미인화는, 잘 이상적인 여성상이라고 표현되는 것이 많습니다만, 실은 이러한 악녀풍의 여성도 자랑입니다」라고 코멘트.

가정에서 노는 동생을 미소 짓는 것처럼 지켜 보는 언니, 해안에서 휴식하는 해녀, 아이에게 젖을 얹는 산간 등 노래는 모든 여성의 생태와 풍속에 관심을 돌려 그것을 망라하는 것처럼 소재로 해 그런 다양한 여성의 매력을, 손가락 끝 하나에 이르기까지 배경의 스토리를 상상시키는 풍부한 표현력으로 제시하고 있는 점이, 가면 작품의 큰 특징이 되고 있다고 말했습니다.

덧붙여서, 앞서 언급한 《5인 미인 애경경 효고야 꽃 아내》에 그려진 편지에는, 「히토마네키라이, 시우우시시, 자력 화사 철면」으로 시작되는, 가면의 미인 화 그림사로서의 확고한 자부를 읽는 편지도 볼 수 있습니다.

제2장 “도스사이 사악-배우 그림의 충격”

계속되는 히가시스사이 사라쿠도 또한 노래처럼 담중하게 발견되어 우키요에의 황금기를 물들인 그림사의 한사람. 월간에 약 145점의 금화를 남겼지만, 그 후 굉장히 표 무대에서 모습을 끄었기 때문에, 경력이 거의 밝혀지지 않은 신비한 인물입니다.

개성적이고 임팩트가 강한 배우 대수 그림을 많이 다루고 있어, 그 작화기는 취재한 연극의 상연 시기에 따라 4기로 나누어져 작풍이나 사양을 예쁘게 분류할 수 있다 라고가 특징입니다.본전에 전시되는 사악 작품의 절반 이상은, 특히 인기가 높은 제1기의 대수 그림으로, 이만큼의 점수가 일동에 모이는 것은 매우 희소한 기회라고.

야마모토 씨가 샤라쿠 작품의 매력을 알기 쉬운 작례로 꼽은 것은, 제1기작의 《2대째 아라시류조의 김대석부 가네요시》 입니다.

2대째 아라시 류조는 악역을 자랑으로 한 배우로, 본 그림으로 그려져 있는 것은 돈 빌려주는 역할. 있어 관찰 눈에 의한 독특한 사실 표현에 주목해, 「줌할 수 있는 카메라도 망원경도 없는 시대에, 자주 여기까지라는 정도까지 그린다. 배우의 연기의 한순간을 정확하게 파악하려고 한 것이 사악입니다」라고 말했습니다.

《오가미 마쓰스케의 마츠시타 조주지진》 에서는, 떨어진 낭인이 늘어난 월대에 흐트러진 머리카락, 우울증으로 떨어지는 눈의 묘사가 두드러져 있습니다. 정리하는 것으로, 빈궁에 빠진 외로움감을 표현하고 있을 뿐만 아니라, 마치 곧 죽어 버리는 비장한 운명도 그려내려고 한 것 같습니다.

당시, 다른 화가들은 배우를 미화하고 있었지만, 사라쿠는 비록 여자형이라도 남자다운 골격을 그대로 그리는 등, 아름다움보다 리얼리티나 가까이에서 무대를 바라는 듯한 현장감을 중시하고 있었습니다. 진정한 화면에서는 다른 배우 그림에는 없는 에너지가 전해져 옵니다만, 너무 진정을 다하려 하는 자세는, 당시의 배우 본인이나 팬으로부터의 불평을 사, 활동기가 단명에 끝난 원인이라고 말해지고 있습니다.

제3장 “카츠시카 호쿠사이-노도의 블루”

3명째는 카츠시카 호쿠사이 (호력 10~가나가 2년・1760~1849)입니다. 모인 '이 1000년에서 가장 중요한 공적을 남긴 세계의 유명인 100명'의 앙케이트에서도 일본인에서 유일하게 선출되는 등 세계에서 가장 유명한 일본인 화가로 평가해도 과언이 아닐 것입니다.

호쿠사이는 90년에 이르는 평생으로, 판본 삽화는 물론, 금 그림, 활물, 육필화 등 모든 분야의 일에 착수해, 풍경·꽃새·인물에 머무르지 않는 모리라 만상을 계속 그렸습니다. 되는 호쿠사이의 대표적인 그림책 '호쿠사이 만화' 의 심상이 아닌 그림 힘을 보는 것만으로도, 70년 이상을 화업 삼매에 힘쓰고, 드디어 '화광 노인 卍'을 자칭에 이른 그 화력의 굉장함이 전해질 것입니다.

모두가 아는, 후지를 다양한 시점으로 파악한 「후가 36경」 시리즈를 발표한 것은 70세대의 노경에 들어가고 나서입니다만, 그 전후를 전시 작품으로 개관하면, 색채가 깊은 , 풍부하게 변화하고 있는 것을 알 수 있습니다. 페인트의 변화도 이유이겠지만, 몇 살이 되려고 노력하지 않는, 호쿠사이의 탐구심과 향상심을 느끼게 하는 이러한 변화도 볼거리입니다.

그 중에서도 걸작으로 여겨지는 《도야삼십육경 가나가와 오키나미리》 는, 원경에 후지의 산용을 짓는 해원으로, 미친 듯이 높아 오르는 물결의 날아가 날아가는 순간의 모습을, 대담한 구도로 파악하고 있습니다.

야마모토씨는 본 그림을 예로 들고 호쿠사이 작품의 매력의 하나로서 「시각의 트릭」을 들었습니다.

“호쿠사이는 시선을 유도하는 효과를 굳이 작품에 넣고 있다고 지적되고 있습니다. 사람들은 이 그림을 보았을 때, 우선은 거칠게 떠오른 파도에 시선이 향한다고 생각합니다. 앞의 파도는 삼각 모양을 하고 있고, 잘 보면 먼 후지산과 쌍이 되고 있다는 호응 관계에 있습니다.

마찬가지로, 시선 유도의 의도를 알기 쉬운 것은 《도야 36경 고쿠라칸지 사자즈 도로, 당상의 마루판, 지붕, 난간, 그리고 참배객의 손가락끝까지, 다양한 묘선이 안쪽에 우뚝 솟은 후지에 모여 있습니다.서양의 투시도법(원근법)을 자랑하고 있던 호쿠사이의, 기하학적 구성력의 능숙함이 책.

제4장 “가가와 히로시게-비·월·유키노에도”

계속되는 가가와 히로시게 (히로마사 9~안정 5년・1797~1858)는, 데뷔 당초야말로 미인화나 배우 그림을 중심으로 제작하고 있었습니다만, 출세작의 「도카이도 고교 3차 노우치」 시리즈로 풍경화의 그림사로서의 지위를 확고한 것으로 했습니다.

이 시리즈는, 에도와 상방을 잇는 도카이도에 설치된 53의 숙소에, 니혼바시와 교토 산조 오하시를 더한 55의 풍경을 그린 것. 붐의 거리를 받고 폭발적으로 히트했습니다. 풍경화의 명수로서 대비되는 것이 많은 호쿠사이의 「후야삼십육경」시리즈와 거의 같은 시기에 발표되고 있는 점에도 주목입니다.

히로시게의 풍경화에 대해서, 야마모토씨는 다음과 같이 이야기합니다.

「풍경화이지만, 토착의 사람들이나 여행자, 여행의 풍속, 풍정이라고 하는 것도 그려져 있고, 그것이 정취감 같은 것을 만들어 내고 있습니다. 단순한 풍경화도 아니고, 단지 인물화도 아니고, 단순한 자연도 아니고, 단순한 사람들의 생활도 아니고.

히로시게와 호쿠사이는 모두 타의 추종을 불허하는 여행을 좋아했다고 합니다.

또, 히로시게는 각지의 명소를 그린 「명소 그림」도 자랑하고 있어, 만년의 걸작과 유명한 「명소 에도 백경」 시리즈에서는, 풍경화로서 이질적인 세로 화면에도 도전하고 있습니다.

특히 눈을 바라보는 것은 《명소에도백경 가메이도우메야포》 로, 근경에 극단적으로 확대해 그려진 매화나무의 가지, 그 틈새에 우메야시키의 전체적인 경치를 파악하는 것으로, 세로 화면에서도 충분한 원근감을 내고 있습니다.

이와 같이 히로시게 작품은, 여행자와 같은 시선을 잡거나, 새처럼 하루카 높이에서 내려다보고, 절벽의 험함을 표현하기 위해 끈적거린 바위 피부를 굳이 화면 중앙에 배치하거나 작품마다 구도에 완급을 붙이고 있는 것도 큰 특징입니다.

제5장 “가가와 쿠니요시-히어로와 스펙터클”

제5장은, 가가와 히로시게와 같은 해로 막부 말기·메이지기에 활약한 가가와 쿠니요시 (관정 9~분쿠 원년·1797~1861)를 특집.지금까지 전시 작품의 분위기가 갈라리로 바뀌어, 스펙터클한 대활극의 양상을 나타내고 있습니다.

쿠니요시는 호쾌한 브러쉬로 인한 역동적인 화면에, 다이나믹한 인물 묘사와 아름다운 색채를 섞은 「통속 수파전」 시리즈로 브레이크.일본의 영웅이나 히어로를 많이 다루고, 기상 천외에서 마음 뛰는 발상의 무자 그림과, 반역·감모 정신

《통속 수파전 호걸 88명 노단인 나미 백 도장순은 시리즈 중에서도 걸작이라고 유명하며, 수군의 두령인 장순이 적의 함정에 걸려 무수한 화살을 받고 장절한 최후를 맞이하는 장면을 그린 것.

덧붙여 본작과 같이, 쿠니요시는 작품 중에서 인물에 종종 화려한 조각(문신)을 베풀고 있습니다만, 그들이 너무 훌륭했기 때문에, 에도에서는 조각 붐이 일어났다든가.

종이의 이음새를 넘은 거대한 해골이 인상적인 《소마의 고내리》 는, 야마토쿄전의 독본(에도에서 유행한 삽화 첨부의 장편 소설)에 취재한 작품.특징적인 와이드스크린(계속물을 하나의 대화면으로서 취급하는 구도)의 3장속은 국향이 자랑으로 한 수법입니다.

폐허가 된 평장문의 내리의 흔적에 이류 이형의 것이 출현하고 있는 모습을 그리고 있습니다만, 독본의 삽화에서는 작은 해골이 무수히 나오는 그림이었던 것을, 독자적인 해석으로 하나의 거대한 해골로 변경.

활극적인 무자 그림을 자랑하는 쿠니요시라고 해도, 장대 한 장면 뿐이 아닙니다. 겐지강과 요괴는 겐요츠미츠 시텐노 등이 악사를 기획하는 요괴들과 바둑에 흥미를 느끼는 장면을 그린 것.

《명예 오른쪽에 무적 왼쪽 진고로는 에도에 유명한 조각사·진고로와 그를 둘러싼 조각 작품을 그린 것. 옆에 사무라이하고 있는 고양이등의 트레이드 마크가 흩어져 있는 것으로부터, 실은 치고로에 본 쿠니요시 본인이 등장하고 있는 것을 알 수 있습니다.

게다가, 주위의 인왕이나 관우 등의 조각도, 얼굴은 배우의 풍자 그림풍으로 되어 있다고 야마모토씨는 지적합니다.

“텐포의 개혁으로 오락산업의 단속이 있었고, 우키요 에이샤들은 배우 그림이나 미인화를 그리는 것을 금지되었습니다. 하지만, 화가들은 그 손을 다하여 작품을 제작하고, 특히 쿠니요시는 매우 반골 정신이 강한 사람이었기 때문에, 개혁이 완화 난 후에도 이렇게 막부를 쑤시는 것처럼 배우를 닮은 불상을 그리며, 자신들은 이런 일도 할 수 있을 거라고 보여주었습니다.

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“오다이 우키요에사전-가면 사라쿠 호쿠사이 히로시게 쿠니요시」의 개최는, 2025년 7월 6일(일)까지.본전의 캐치 카피의 하나는 「당신의 추격을 찾아라!」가 되고 있습니다.

「5대 우키요에사전-가면 사라쿠 호쿠사이 히로시게 쿠니요시」개요

회기	2025년 5월 27일(화)～ 7월 6일(일) ※휴관일 없음
개관 시간	10:00~17:00(입관은 폐관 30분 전까지)
회장	우에노의 숲 미술관(우 110-0007 도쿄도 다이토구 우에노 공원 1-2)
티켓	자세한 내용은 공식 페이지 를 참조하십시오.
주최	우에노의 숲 미술관 / 후지 텔레비전
문의	050-5541-8600(헬로 다이얼, 전일/9:00~20:00)
전시회 공식 사이트	https://www.5ukiyoeshi.jp/

※기사의 내용은 취재 시점의 것입니다.최신 정보는 전람회 공식 사이트등에서 확인해 주세요.

기사 제공: 코코실 우에노

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