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국립 서양 미술관

도쿄·우에노의 국립 서양 미술관에서 “서양 회화, 어디에서 볼까?-르네상스에서 인상파까지 샌디에고 미술관 vs 국립 서양 미술관”전(통칭, 어디 보는 전)이 개막했습니다. 회기는 2025년 3월 11일부터 6월 8일까지.
앞서 행해진 보도 내람회에 참가해 왔으므로, 화상과 함께 회장의 모습을 소개합니다.

두 미술관의 컬렉션을 상호 작용시켜 다양한 각도에서 매력을 깊은 해자

동전은 미국의 샌디에고 미술관과 국립 서양 미술관의 소장품 합계 88점을 조합해, 르네상스에서 19세기 말까지의 600년에 걸친 서양 미술의 역사를 따라가면서, 「작품을 어떻게 보면 즐길 수 있을까」 라는 관점에서 감상의 힌트를 제안하는 것.

미국 서부에서 가장 빠른 시기에 충실한 서양 고전 회화의 컬렉션을 구축한 미술관의 하나인 샌디에고 미술관은, 샌디에고가 스페인인의 입식에 의해 쌓아 올린 지역이라는 문화적·역사적인 관계로부터, 스페인 미술을 수집의 축으로 왔습니다.

그 때문에, 동전에는 보데곤(스페인 정물화)의 조인 후안 산체스 코탄의 걸작《마르멜로, 양배추, 멜론과 오이가 있는 정물》을 비롯해, 엘 그레코, 술바란, 솔로야 등 스페인 미술의 명품도 다수 출품되고 있습니다. 덧붙여 이번 샌디에고 미술관에서 일본에 온 49점은 모두 일본 최초 공개가 된다고 한다.

한편, 국립 서양 미술관은 동아시아에서 유일한 체계적인 서양 회화의 컬렉션을 소장하고 있습니다. 동전의 개최 경위에 대해서, 감수자인 카와세 유스케씨(국립 서양 미술관 주임 연구원)는 다음과 같이 이야기합니다.

“하나의 미술관에서 빌려 온 작품만으로 구성하는 미술전에서는, 1점 1점의 작품을 맛볼 수는 있어도, 작가의 인물상이나 그 작가의 화업에 있어서의 위치설정 등, 컨텍스트(컨텍스트)는 좀처럼 이해하기 어려운 경우가 많습니다.그것은 국립 서양 미술관 의 상설전도 마찬가지, 이나 주제의 작품을 그룹별로 늘어놓고, 심파해 보려고 생각했습니다. 그러한 시도에 의해, 주제의 어려움이나 시대의 낡음으로부터 경원되기 십상인 서양 미술을 어디에서 보면 좋은 것인지, 그 세계의 재미를 알기 쉽게 전하려고 생각해 구성한 전람회입니다」

카와세 씨가 말했듯이, 실제로 전시는 36 개의 작은 주제로 나뉘어져 있습니다. 예를 들어, 조트에서 보스(공방)까지 이탈리아와 네델란드(현재 벨기에, 네덜란드)의 르네상스 회화의 전개를 탐구하는 제1장에서는, 「베네치아 르네상스의 초상화」로서 조르조네 (1477/78-1510)와 야코포 틴틀렛 (15).

조르죠네는 30대 초반에 조속히 일어나고 있어 자료가 거의 남아 있지 않고 아직도 많은 수수께끼에 싸여 있습니다만, 베니스 회화에 있어서의 성기 르네상스 양식의 창시자로서 자리매김하고 있는 화가입니다. 샌디에고 미술관 소장의 “남성의 초상화” (1506)는 소품이면서, 르네상스 초상화의 걸작의 하나. 신체적 특징의 엄밀한 묘사와 부드러운 음영 표현으로 혁신적인 리얼리즘을 실현했습니다.

한편의 틴트렛은, 조르조네 사망 후의 16세기 베네치아 회화에서 티치아노, 베로네제와 늘어선 3대 거장으로 꼽히는 인물. 샌디에이고 미술관 소장의 《노인 의 초상》 .

고야와 피카소에 영향을 미친 스페인 정물화의 가장 중요한 화가의 걸작이 일본에

지역별로 17세기 바로크 미술의 특색을 소개하는 제2장에서는, 동전의 하이라이트인 후안 산체스 코턴 (1560-1627)작의 《말멜로, 양배추, 멜론과 오이가 있는 정물》 (c.1602)을 전시.

16세기 말부터 17세기 초에 걸쳐, 유럽 각지에서 정물화가 독립적으로 그려지게 되어, 스페인에서는 특히 음식이나 식탁에 관련된 모티프를 주제로 한 정물화 「보데곤」이 발전합니다. 1600년 전후에 톨레도에서 활약한 화가 산체스 코턴은, 본작에서 볼 수 있는, 소수의 흔한 야채나 과일을 돌틀 위에 늘어놓고, 스포트라이트와 같은 빛으로 비추어 명암을 두드러지게 하는 독자적인 구도법을 고안. 오래 지속되는 스페인 정물화의 전형을 확립했습니다.

본작의 매력에 대해 감수자 마이클 브라운 씨(샌디에고 미술관 유럽 미술 담당 학예원)는 “보기에는 간결한 구도로 보이지만, 중앙에 있는 하나의 공백 같은 어둠에 무한한 요소, 또 수수께끼, 거기에 도달할 수 없는 분위기 있는 세계관을 자아내고 있다.

카와세 씨는 산체스 코턴의 6점 밖에 현존하지 않는 정물화 가운데 본작은 “가장 균형이 잡혀 있으며, 산체스 코턴 독특한 엄숙함, 평온함을 잘 아는 최고 걸작” 이며 , “이 작품이 일본에 오는 것 자체가 일대 이벤트”라고 어필했습니다.

스페인 정물화의 비교로서 산체스 코턴의 다음 세대를 대표하는 후안 반 델 아멘 (1596-1631)에 의한 화려하고 장식적인 《과일 바구니와 사냥새가 있는 정물》 (c.1621)과 성인상을 많이 다룬 것에서 ‘수도 -1664)에 의하여 조용한 명상과 기도를 불러일으키는 《하나님의 자양》 (c.1635-40)이 줄지어 있습니다. 모두 구도와 장치에 산체스 코턴에서 전통을 명확하게 계승하고있는 것을 볼 수 있습니다.

덧붙여 술바란에 대해서는 화가 단독으로도 테마를 세워, 그가 자랑으로 한 대형의 단신상 《성 도미닉스》 (1626-27)이나, 자애로 가득한 원숙기의 걸작 《성모자와 성 요한》 (1658) 등, 4점의 작품을 나란히 소개. 중후하고 조각적인 리얼리즘으로부터, 빛의 베일에 싸인 것처럼 감미로 이상화된 표현으로 옮기는 화업의 전개를 간결하게 나타내는 것입니다. 거기에는 항상 기품과 평온함이 존재하고 화가의 일관된 미의식도 느껴집니다.

현실의 베니스와 환상적인 로마, 이탈리아에서 다른 방향으로 발전한 도시 풍경

제3장은 18세기 미술을 선도한 이탈리아 회화와 프랑스 회화의 전개에 초점을 맞추어, 풍경화, 초상화, 풍속화 각각의 장르의 특징을 살펴보는 섹션. 이곳에서는 베니스와 로마의 도시 풍경의 비교 전시가 눈길을 끈다.

18세기는 영국과 알프스 이북의 나라로, 상류계급의 자제가 문화적 교양을 익히기 위해 유럽 문명의 근원인 이탈리아를 비롯해 유럽 각 도시를 주유하는 그랜드 투어가 유행. 그들이 귀국했을 때, 기념품으로서 요구한 것의 하나에 도시 경관화 「베도타」가 있어, 베니스와 로마라고 하는 그랜드 투어의 2대 중심지에서 융성했습니다.

베니스의 도시 경관화로는 카나렛에 늘어서 베도타의 3대 거장이라고 불리는 베르나르도 벨롯 (1721-1780)과 프란체스코 구아르디 (1712-1781)의 작품을 소개. 모두 장려한 물의 도시인 아이코닉한 경관을, 대개 현실로 보이는 형태로 찍고 있습니다. 반대로, 같은 이탈리아 국내이면서 로마측의 전시에서는, 특정의 장소의 재현으로부터 떨어져, 현실과 공상을 융합시킨 노스탤지어인 세계가 퍼집니다.

예를 들어 ‘폐허의 로베일’로 이름을 띄운 유베르 로베르 (1733-1808)가 그린 한 쌍의 경관화에서는 캄피도리오 광장에 있는 마르크스 아우렐리우스 제기마상이나 트라야누스 제 기념 기둥 등 실제로는 별도의 장소에 있는 고대의 유명. 사람들은 18세기 당시의 복장을 하고 있기 때문에, 본작은 고대의 건축물을 폐허로서 즐기려고 하는 당시의 사람들의 시선이 강하게 반영된 것으로 생각됩니다.

이들은 도시 경관화 중에서도 「카프리초」(기상화)라고 불리는 것. 무너지고 풍화하는 유적과 역사적인 건물이 많이 남아있는 로마의 거리는 화가들에게 중요한 영감원이었던 것 같고, 자유로운 발상으로 여행자들의 상상력을 자극했습니다. 베니스는 리얼로, 로마는 판타지로. 회화 장르의 융성에 있어서의 지역의 특색의 영향이 얼마나 큰가가 역연하게 나타나고 있습니다.

카페와 부노와, 두 여성 화가가 이해하는 로로코에서 신고전주의로의 전환

또 제3장에서는, 화려하고 귀족적인 로코코로부터, 질서나 이성을 중시하는 신고전주의로 옮겨지는, 18세기 프랑스의 미적 가치관의 변화를 단적으로 나타내는 것으로서, 마리·가브리엘·카페 (1761-1818)와 마리·기유미누·브노와(16화)의 16화

18세기 후반부터 프랑스에서는 여성 예술가가 대두하기 시작해, 카페와 부노와는 모두, 프랑스 혁명 후에 여성이 처음으로 출품을 허락된 1791년의 살롱(관전)으로 이름을 올린 대표적인 화가입니다.

카페의 《자화상》 (c.1783)로 그려져 있는, 화려한 블루의 드레스와 리본이나 곱슬머리 등의 패션이 아무래도 로코코 취미이며, 이쪽을 바라보는 젊은 화가의 표정은, 무심코 보아 버릴 정도로 빛으로 가득 맑은. 자신의 팔을 자랑하는 확실한 자신감을 느낄 수 있습니다. 반대로 부노와의 《부인의 초상화》 (c.1799)는 고대풍의 흰 슈미즈 드레스나 조각소적이고 안정감 있는 신체 묘사 등에 고전 고대의 미술에 규범을 요구하는 신고전주의적인 지향이 현저하게 나타나고 있습니다.

작품 자체의 질의 높이는 물론, 전술의 도시 경관화와 나란히 「어디를 보면 즐길 수 있을까?」를 알기 쉽다는 점에서도, 특히 초보자는 필견의 전시라고 할 수 있겠지요.

울타리를 그리는 방법으로 회화의 인상은 어떻게 바뀌는가?

19세기에 있어서의 인물 표현의 다양한 본연의 자세에 주목하는 제4장에서는, 인상파의 화가에 의한 「울타리의 표층」의 비교 전시가 있어, 약간 의표를 찔렀습니다.

파리를 떠나 폰트워즈 주변의 농민의 생활에 취재한 인상파 최연장 의 카미유 피사로 (1830-1903)와, 모네가 사는 실베니로 표현 수법을 배운 미국의 화가 세오도어·로빈슨 (1852-1896)의 작품에 그려진, 농 인물의 심리와 연결되는 것, 혹은 공간 구성의 장치로서 울타리가 어떻게 효과적으로 그려지고 있는지 등이 해설되고 있습니다.

이러한 조금 매니악이라고 할 수 있는 각도에서도 작품을 즐기는 방법이 제안되어 있기 때문에, 한층 더 서양 미술의 깊이를 걷고 싶은 중급자, 상급자의 팬도 신선한 발견을 기대할 수 있을 것 같습니다.

캐주얼하게, 사고에 제한이 없는 상태로 즐기는――딘·후지오카류의 감상법

보도 내람회에서는, 동전의 음성 가이드 네비게이터를 맡는 딘 후지오카씨도 등단했습니다.

음성 가이드의 수록을 되돌아보며, ““여기 보는 전”같이, 밀어붙이게 되어 버리면 의도가 바뀌어 버립니다.여러가지 시대의 배경이나 사회의 공기, 종교관, 무엇을 그릴까라고 하는 모티프의 선택 방법이나 터치, 화법 등, 판단의 기준이 되는 요점을 가르쳐 주었다 받으면 좋겠다고 생각하고 맡아 주셨습니다 “라고 말한 후지오카 씨.

또, 「스스로 이야기를 만들어 나가면, 자신 나름의 견해, 그 날 그 때의 즐기는 방법이라고 하는 것이 태어날 것인가라고 생각하고 있습니다.(사회자에게, 우선은 작품과 대치해 자신중의 감성과 이야기한다고 하는 것이군요, 라고 물어져) 멋지게 말하는 것 같아서.」 감상 방법도 제안.

「여러가지 종교적 모티프나 문맥이 있다고 생각합니다만, 꽤 돌진할 곳이 많은 작품도 있거나 하는군요. 그러한 것을 캐주얼하게, 무엇을 버리지 않는 것 같은 것이 없는 상태에서 즐기자」라고 계속해, 술바란의《성 도미니크스》를 보면서「하늘에 특의 시점에서 매력을 표현하는 등, 웃음을 초대하는 장면도 있었습니다.

덧붙여 회기중은 4일간(야간 개관일) 한정으로 이벤트 “어디 보는 de 야회” 를 개최. 매력적인 인물상이 다수 등장하는 동전의 일원이 될 생각으로, 자신 나름의 세련된을 하고 「야회에 초대되었습니다!」라고 신고하면, 오리지널 엽서가 선물된다고 하는 것으로, 회장에는 포토 스포트나, 가면이나 부채 등 「야회용 촬영 아이템」도 준비된다고 합니다.
※자세한 일정이나 주의사항은 전람회 공식 사이트 에서 확인해 주세요.

게다가 동전과는 별도로 샌디에고 미술관에서 차용한 고야의 《라 로카 공작 비센테 마리아 데 벨라 데 알라곤》(c.1795)을 비롯한 회화 5점이 상설 전시실에도 전시되어 있습니다. 상설전은 「어디 보는 전」의 당일 유효 관람권이 있으면 무료로 감상할 수 있기 때문에, 이쪽도 꼭 놓치지 마세요.

「서양 회화, 어디에서 볼까?－르네상스에서 인상파까지 샌디에고 미술관 VS 국립 서양 미술관」개요

※기사의 내용은 취재 시점의 것입니다. 최신 정보는 전람회 공식 사이트 등에서 확인해 주십시오.

기사 제공: 코코실 우에노

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도쿄도 미술관

피카소, 달리와 함께, 스페인 3대 거장으로 꼽히는 화가 주안 미로의, 70년에 걸친 창작 활동을 되돌아 보는 대규모 전람회 「미로전」이 , 도쿄·우에노의 도쿄도 미술관에서 개막했습니다. 회기는 2025년 3월 1일부터 7월 6일까지.

※본고에 게재의 화상은, 보도 내람회에서 허가를 얻어 촬영한 것입니다.

스페인 카탈루냐주 출신인 주안 밀로(1893-1983)는 1920년대에 슐레어리즘을 대표하는 화가로 명성을 얻었다. 태양이나 별, 달 등 자연 속에 있는 모티프를 상징적인 기호로 그린 색채가 풍부하고 시정 넘치는 독특한 화풍이 유명하지만, 90세에 죽을 때까지 새로운 표현에 계속 도전해 순수하고 보편적인 예술을 추구. 20 세기에서 가장 영향력있는 예술가 중 한 명으로 간주되었습니다.

본전은 대표작인 <별자리> 시리즈를 비롯해 초기부터 만년까지의 각 시대를 물들이는 회화와 도예, 조각 등의 걸작 약 100점을 한자리에 모아 미로의 화업 전체를 포괄적으로 소개하는 것 . 몰후 40년을 거친 미로의 세계적인 재평가의 흐름을 받아 기획이며, 일본에서는 1966년에 존명 중인 미로가 협력한 전람회 이후 최대 규모의 회고전이 된다고 합니다.

전시는 전체 5장 구성입니다.

아버지에게 추천된 회계의 일이 맞지 않고, 병에 쓰러진 청년 미로는, 산간의 마을 몬로치의 별장에서 요양 생활을 보내는 가운데, 벌써부터의 꿈이었던 화가가 되는 결의를 굳힙니다. 1912년, 미로는 다시 미술학교에 다니면서 최첨단 예술의 동향을 연구.
제1장 「젊은 미로 예술에의 결의」 에서는, 큐비즘이나 포비즘, 당시의 전위 예술가들에게 아버지처럼 보여지고 있던 세잔느 등, 이 시기의 미로가 자신의 표현을 모색하는 가운데, 다양한 화풍을 도입하고 있었던 것을 전하는 작품이 늘어서 있습니다.

초기의 명작 《야자나무가 있는 집》 (1918)을 비롯해, 미로는 몬로치의 정서적인 풍경을 모티프로 한 작품을 많이 남기고 있습니다. 예술적 신념을 튼튼하게 한 몬로치는 평생 동안 밀로에게 모든 창작의 근원, 예술에 대한 생각을 깊게 하는 장소이며, 카탈루냐인으로서의 정체성을 재확인시키는 것이었습니다. 본작은, 그동안 큰 영향을 받고 있던 포비즘의 작풍을 버리고, 세부의 묘사를 고집하게 된, 이른바 미로의 「세밀주의 시대」를 대표하는 작례입니다.

1920년, 염원이었던 예술의 중심지 파리에 처음으로 방문해, 도시의 근대성과 전위 예술에 매료된 미로는, 다음 해부터 파리에 아틀리에를 짓고, 몬로치와 왕복하는 생활을 보내게 됩니다.

동지의 쉬르레아리스무 작가나 시인과의 교류로 자극을 받아, 구상성으로부터 떨어진 시적인 표현 수법에 경도. 1925~27년에는 공허를 보여주는 망막으로 한 배경에 부정형으로 움직임이 있는 묘선을 더해, 미로 자신의 「꿈의 진행을 나타내는 기호」로 한, 100점 이상에 달하는 「꿈의 그림」 을 낳았습니다. 그 중에는, 구체적인 사물과의 구별 없이, 실체를 가지지 않는 어구도 모티프인 것처럼 그려, 본래의 역할로부터 해방한 <그림=시> 시리즈가 있습니다.

제2장 「몬로치─파리 전원지대에서 전위의 도시로」 에서는, 이러한 1920년대의 활동을 소개. 「꿈의 그림」은 파리의 화단에서 화제가 되고, 미로는 명실 모두 쉬르레아리즘의 화가로서 인기를 얻게 됩니다.

《네덜란드의 실내Ⅰ》 (1928)은 17세기 네덜란드 회화에 강한 충격을 받은 미로가 화가 헨드릭 솔프의 《류트를 연주하는 사람》(1661)을 바탕으로 그린 작품. 전시에서는, 패널로 솔프의 원작과 본작의 준비 소묘도 소개되고 있어 비교해 보면, 솔프의 자연주의적인 일상의 일장면으로부터 입체감이나 원근감을 배제해, 평탄한 색채와 유기적인 포름에 의한 초현실인 세계로 변용시킨 것을 알 수 있습니다.

1936년에 발발한 스페인의 내전으로 망명해, 계속되는 제2차 세계 대전에 걸쳐 전쟁을 피하면서 외로워 제작을 계속한 미로.
제3장 「도피와 시정 전쟁의 시대를 배경으로」 에서는, 파리에서 노르망디 지방의 마을로 도망친 1940년부터 제작을 개시해, 마조르카 섬이나 몬로치를 전전하는 사이에 완성시킨 걸작 <별자리> 시리즈를 하이라이트로서 전시하고 있습니다.

<별자리> 시리즈는 캔버스가 아닌 종이를 이용한 소형의 구와시화. 굳이 처참한 현실에서 도피하고, 광대하고 아름다운 밤하늘과 모차르트, 바흐 같은 음악으로 마음을 위로하면서, 그들을 착상원에 현실을 넘은 앞의 희망을 나타내기 위해 그린 것으로 알려져 있습니다. 본전에서는 전 23점 중《새벽의 명성》《여자와 새》《달팽이의 인광의 흔적에 이끌린 밤의 인물들》 (1940)의 3점이 출전. 미로가 기호 체계를 확립했다는 점에서도 주목의 시리즈입니다만, 각 작품은 전세계에 흩어져 있기 때문에, 복수의 작품을 정리해 감상할 수 있는 귀중한 기회가 되고 있습니다.

한편, 미로는 1928년경부터 예술의 상품화나 아티스트에 대한 과도한 주목에 비판적인 시선을 겨냥해, 「회화를 암살하고 싶다」라는 충동에 몰리게 됩니다. 점차, 본장에 등장하는 알루미늄박에 화장지를 붙인 《무제(밤의 연인들)》 (1934)와 같은, 회화와는 무관한 소재나 요소를 공존시키는 콜라주나 오브제 등, 반예술·반회화라고 불리는 작풍에도 착수. 전통적인 회화 표현의 본연의 방법을 계속 물었습니다.

1947년, 미로는 벽화의 의뢰를 받아 처음으로 미국을 방문했지만, 이미 그 6년 전에는 뉴욕 근대 미술관에서 미로의 회고전이 개최되는 등, 동지에서의 평가가 높아지고 있는 상황이었습니다. 체류중인 미로도 잭슨 폴록을 필두로 하는 젊은 예술가들로부터 자극을 받아 귀국 후에 에칭이나 리토그래프, 장인과의 공동작업에 의한 도예, 조각 등 폭넓은 제작에 관심을 기울입니다.
제4장 「꿈의 아틀리에 내성을 거듭해 새로운 창조에」 에서는, 그러한 전후의 1950~60년대에 있어서의 전개를 따릅니다.

그런데, 미로의 작품은 단적인 타이틀도 많습니다만, 그 실, 타이틀과 작품과의 관계성에 장난과 시정을 주는 것을 좋아하고 있었다고 합니다. 《나선을 그려 혜성으로 기어가는 뱀을 쫓는 붉은 잠자리》 (1951)는 대표적인 예로 설명적인 타이틀로 이끌려 감상자는 혜성이나 뱀, 붉은 잠자리를 찾으려고 바로 나선을 그리는 뱀처럼 화면에서 시선을 당황하게 합니다. 그 호기심을 뒷받침하는 것이 선명한 배색이나 사행하는 선, 소름 끼치는 묘사이며, 그들 모두가 미로의 장치. 구성의 능숙함에 놀라게됩니다.

또, 본장에서는, 1956년에 염원이 넓은 아틀리에를 마조르카 섬에 완성시킨 이후의 작품이, 미국 추상 표현주의의 거대한 회화의 영향도 있어 거대화해 나가는 모습도 확인할 수 있습니다. 대형 회화《태양 앞의 인물》 (1968)은 밀로의 조형 언어의 집대성의 하나로, 「○△□」의 도형으로 우주를 표현한 일본의 화승・센케이 요시의 작품으로부터 착상을 얻은 것.

밀로는 초기부터 일본에 관심을 갖고 있으며, 1966년 방일 때에는 일본의 전통 예술과 예술가의 생각에 자신과의 친화성을 인정하고 있습니다. 확신적인 브러쉬가 서예를 상기시키는 본작은, 그러한 밀로의 동양적인 감성을 나타내는 중요한 작례이며, 바르셀로나 이외에서 전시되는 것은 약 40년만이다.

제5장 「회화의 본질을 향해」 에서는, 만년의 1970~80년대에 제작된 작품이 줄지어 있습니다. 벌써 세계적인 거장으로서의 지위를 확고한 것으로 하고 있던 미로입니다만, 만년 있어도 항상 자신의 활동을 검증해 계속하고 있어, 대담하고 형파의 시도도 주저하는 일은 없었습니다.

예를 들어, "구워진 캔버스 2" (1973)는 5점의 연작 회화의 하나로, 흰 캔버스에 기세 좋게 페인트를 일으켜, 짓밟고, 칼로 잘게 자르고, 마지막으로 휘발유를 스며들어 불을 붙인 작품. 충동적인 행위의 결과가 아니라, 태운 캔버스나 종이의 마티에르, 그 물질성에 숨어 있는 아름다움을 찾는 것이 제작 의도로서 있었던 것 같습니다만, 본작에서는 쇠약해지지 않는 에너지나, 하이컬쳐로서의 예술, 그저 재산이 되어 내리는 예술에 대한 강렬한 반골심이 전해져 옵니다.

또, 만년의 미로는, 보다 몸의 움직임을 반영하는 브러시를 채용하게 되어 있었습니다. 이미지로서는 수묵화에도 가까운 3연화 《불꽃I,Ⅱ,Ⅲ》 (1974)에서는, 페인트를 격렬하게 뿌려, 중력의 작용에 의해 하거나 떨어진 페인트의 흔적에 겹치도록 붓을 넣고 있습니다. 이것은 미국 추상 표현주의의 화가들의 영향을 받은 것으로, 우연성에 몸을 맡겨 태어난 새로운 구도에 의해 제작 프로세스를 이끌어내는 수법이 이용되고 있습니다. 본작은 일본 최초 전시라는 것.

또한 4장과 5장 사이에서는 밀로의 포스터 제작을 통한 적극적인 사회적, 정치적, 문화적 헌신에 대해서도 다룹니다.

밀로는 1960~70년대, 프랑코 독재 정권 말기 스페인 사회에서 의견을 공연하게 말하는 장소가 부족한 사람들의 희망과 요구를 대변하는 수단으로서 수많은 포스터를 제작. “예술가란 다른 사람들이 침묵하는 가운데 무언가를 전하기 위해 소리를 내는 자”라는 말도 남기고 있으며, 전시에서는 미로의 예술가로서의 스탠스, 즉 자신의 관심사에 대해서 말하기 위해서만 평생을 통해 연루를 거듭한 것은 아님을 강조하고 있습니다.

밀로라는 화가가 20세기를 통해 얼마나 최첨단 예술에 뛰어들어 끊임없이 창조적인 긴장감에 몸을 담그며 자신의 표현을 확립해 갔는가. 그 탐구의 과정, 유일무이의 예술의 매력을, 꼭 본전에서 체감해 보세요.

「미로전」개요

※기사의 내용은 취재 시점의 것입니다. 최신 정보는 전람회 공식 사이트 등에서 확인해 주십시오.

기사 제공: 코코실 우에노

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기타 보고서 보기

도쿄 국립 박물관

헤이안교 천도에서 얼마 되지 않은 시절부터 경치가 아름다운 유람지로서 왕조 귀족에게 사랑받아 온 교토 사가에 위치한 대각사 는 홍법대사 공해 (774-835)를 종조로 하는 진언종 대각사파의 본산입니다.
전신은 헤이안 시대 초기, 사가 천황(786-842)이 조영한 이궁 사가원이며, 정관 18년(876)에 황녀·정자우치 친왕의 소원에 의해 절로 바뀌어 대각사가 개창되었습니다. 이후 역대의 천황과 황족이 문적(주직)을 맡았기 때문에 사가고쇼의 호칭으로도 사랑받아 온, 격식 높은 문적 사원입니다.

그 대각사가 2026년에 개창 1150년을 맞이하기에 앞서, 뛰어난 사원의 여러 가지를 일거에 소개하는, 개창 1150년 기념 특별전 “구 사가 고소 대각사 -백화요란 고쇼 연고의 회화-” 가 도쿄 국립 박물관에서 개막했습니다. 회기는 2025년 3월 16일(일)까지.

※소장처의 기재가 없는 작품은 대각사장.
※일부 작품에 전시 교체가 있습니다. 전시 기간의 기재가 없는 작품은 통기 전시입니다.
전기 전시：2025년 1월 21일(화)～2월 16일(일)
후기 전시：2025년 2월 18일(화)～3월 16일(일)
※기사의 내용은 취재 시점의 것입니다. 최신 정보는 전람회 공식 사이트 등에서 확인해 주십시오.

회장은 4장으로 나누어 구성되어 있어, 제1장 「사가 천황과 공해-이궁 사가원에서 대각사로」에서는 초기의 대각사의 역사를 나타내는 작품을 전시. 한층 눈길을 끄는 것은, 대각사의 신앙의 요인 오대 명왕 신앙을 나타내는 「오대 명왕상」 입니다.

오대 명왕은 밀교의 부처인 부동 명왕, 강삼세 명왕, 군사리 명왕, 대위덕 명왕, 금강 야차 명왕이라는 5명의 명왕으로 구성되는 것. 중국・당시대에 성립해 당에서 귀국한 공해에 의해 일본에서의 전개가 시작되었다고 생각되고 있습니다. 당나라 문화를 사랑한 사가 천황은 공해의 좋은 이해자이기도 하고, 공해로부터의 권유로 오대 명왕상을 이궁내의 지불당에 안치했습니다.

당시의 동상은 이미 잃어버렸지만, 그 신앙은 맥들로 전해지고, 대각사는 현대에서도 3조의 「5대 명왕상」을 소장하고 있습니다. 출전되고 있는 것은 그 중 2조. 한편은 대각사의 본존으로, 헤이안 시대 후기에 궁정과 상급 귀족의 불상을 많이 다룬 엔파의 일류 불사· 명엔이 , 고시라카와 상황의 고소에서 제작한 것. 분노의 형상을 찬 엄격한 풍모입니다만, 둥글림을 띤 단정한 몸매에 세련된 기품이 느껴지는, 힘과 우아함이 조화를 이룬 명품입니다. 현존하는 명원의 작례는 본작만이라는 점에서도 놓칠 수 없습니다.

다른 하나는 교토 청량사의 고다이도에서 전해진 것으로, 2m 전후의 상고를 가진 박력있는 동상입니다. 그 중 3명은 무로마치 시대의 불사・원신의 작품, 2명은 에도시대에 재흥되었다고 생각되고 있습니다.

제2장 “중흥의 조·고우타 법황—“사가 고소”의 시작”에서는, 가마쿠라 시대, 대각사에서 금당이나 승방 등의 광대한 가람을 정비한 것 외에, “사가 고소”라고 칭해지는 계기가 된 법원을 다치게 된 센토고쇼(상황이 거주 1267-1324)의 사적에 주목. 《대각사 대가람도》 로 나타나는 왕시의 광대한 가람의 모습으로부터는, 고우다 법황이 「대각사 중흥의 조」라고 칭해지는 곳 이후를 볼 수 있을 것입니다.

진언 밀교를 두껍게 믿고 있던 후 우타 호황은, 출가한 대각사에서 아교리(사승)가 되어, 제자를 기르면서 많은 성교와 서적을 남겼습니다.展示では、空海への尊崇の念を記した国宝《後宇多天皇宸翰 弘法大師伝》や、密教の授法儀式である灌頂（かんじょう）に関する諸説を記した《後宇多天皇宸翰 灌頂印明》など、貴重な宸翰（しんかん/天皇直筆の書）の数々も見ることができます。

대가람이 갖추어진 대각사입니다만, 후사가 천황으로부터 계속되는 천황의 황통(대각사통, 나중의 남조)의 본거가 된 것으로, 남북조 시대 이후는 많은 전란에 말려들어, 오닌의 난에서도 당우의 대부분을 소실하는 등 고난의 시대가 계속되었습니다. 제3장 「역대 천황과 궁정 문화」에서는, 그 무렵의 대각사를 지지한 역대 천황과 문적의 공적, 그것에 의해 초래된 궁정 문화를 소개하고 있습니다.

본 장의 볼거리 중 하나는 헤이안 시대 중기에 겐만 나카가 천하 수호를 위한 도검으로 만들어, 청화원씨의 역대 당주에게 계승된 「형제도」라고 전해지 는 「박록〈무릎마루〉」와「오키시마리〈수염〉」의 동시 전시입니다.

「박록<무릎환>」은 품이 굵은, 호장으로 허리 휨의 도신에, 낮게 구워 넣은 소란의 칼 문장이 특징. 요시미츠와 요시츠네, 요시나가 등 겐지 준류에서 중용된 뒤에 오토모가나 타와라가, 니시조지가, 야스이몬터를 거쳐 대각사로 전해졌습니다. 「오니키리마루〈수염〉」은 품이 약간 가늘고, 휘어진 곳의 우아한 도신에 난날의 칼 문장이 특징. 이쪽은 가마쿠라 막부 멸망에 즈음해 닛타 요시다시의 손에 걸쳐, 요시사다를 토벌한 고나미 고경, 그 후손의 최상가를 거쳐 기타노 텐만구에 봉납되었습니다.

「뛰어난 조형의 칼에는 인지를 넘은 영위가 머무른다」라는 신앙으로부터, 이 「형제도」에도 다양한 영이담이 갖추어져 있다는 것. 그 전승은 겐지의 흥망과 밀접하게 연관되어 있어, 2구가 겐지 시류의 정당성과 권위를 상징할 뿐만 아니라, 소유자를 승리로 이끄는 존재로서 믿어지고 있었다는 것을 깨닫게 합니다. 두 입 모여 전시되는 것은 도쿄에서는 처음이 될 것 같다. 전용 전시 케이스와 장식대가 설치되어 아름다운 도신이 보기 쉽도록 고안되어 있습니다.

제4장 「여고고쇼의 쥰에―정침전과 젓가락전」은 본전의 하이라이트입니다. 대각사 가람의 중심에 있는 「신전(신전)」 은, 후미오 천황보다 하사된 침전 구조의 건물로, 겐와 6년(1620)에 입내된 와코(도후쿠몬원)의 여고전을 이축한 것. 그 북서쪽에 있는 「정침전」은 , 안도 모모야마 시대에 지어진 서원조의 건물로, 역대 문적의 고자쇼(거실)로서 사용되고 있었습니다.

이러한 내부를 장식하는 스지나 장자 그림 등의 장벽화 약 240면의 대부분은, 도요토미가나 구조가의 어용을 맡은, 안도 모모야마~에도 시대를 대표하는 화가·카노야마라쿠(1559-1635)가 다루고 있어, 일괄해 중요 문화재로 지정되어 있습니다. 현재 14년에 걸친 대수리의 도중입니다만, 본전에서는 수리를 마친 것을 중심으로, 전후기 아울러 123면(전기 100면, 후기 102면)을 소개. 이 규모로 사원 밖으로 반출되는 것은 과거 예가 없으면 좋고, 장관적인 광경에 매료됩니다.

정침전의 “매의 사이”를 장식하는 《마츠타카도》 (13면)는, 장대한 화면내에 소나무의 거목과 용맹한 매의 모습을 나타낸, 산악의 수묵 꽃조도의 대표작. 크게 부풀어 오르는 굵은 줄기와 사행하는 가지에 의한 다이나믹한 역동감, 전체를 지배하는 밸런스에, 야마가쿠의 사・카노 에이토쿠(1543-90)가 다룬 히가시히로 소장의《히노시마 풍풍》을 상기하는 분도 있을 것입니다.

젓가락전의 「홍매의 사이」를 장식하는, 사실과 장식이 훌륭하게 조화를 이룬 산악의 최고 걸작의 하나 《홍백 매화도》 (8면)도, 다이키를 화면 전체에 전개하는 표현에 영덕의 영향이 느껴집니다. 한편, 모두 호방함이 두드러지는 영덕과는 다른 부드러움을 띤 온화한 묘사가 되어 있어, 야마가쿠가 사의 특징을 계승하면서, 양식적 개성을 세련시켜 가는 것을 알 수 있습니다.

정침전의 실내 가장자리 측을 장식하는 요장자의 판화 《노토도》 (12면)는, 카노파나 오가타 코토에 배운 에도시대 중기의 화가·와타나베 시흥(1683-1755)이 다룬 것. 어려서 근위가로부터 대각사에 들어간 우년생 태생의 아들을 위로하기 위해서 근위가구가 그려줬다고 전해지고 있어, 뻗은 야생화의 사이에, 뒷다리로 귀를 그리는, 다가와 쉴 수 있는 등, 다양한 포즈를 취하는 19마리의 토끼들이 활기차고.

대각사의 유구의 역사, 그 우아한 분위기에 잠길 수 있는 특별전 「구 사가고소 대각사 -백화요란 고쇼 연고의 회화-」의 개최는 2025년 3월 16일까지.

개창 1150년 기념 특별전 “구 사가고쇼 대각사 -백화요란 고쇼 연고의 회화-”개요

※기사의 내용은 취재 시점의 것입니다. 최신 정보는 전람회 공식 사이트 등에서 확인해 주십시오.

기사 제공: 코코실 우에노

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국립과학박물관

육상 척추동물 중에서 가장 많은 약 1만 1000종으로 나뉘어, 대공이나 대지, 수중, 그리고 극지까지, 지구상의 다양한 환경에서 번영하고 있는 조류. 가 출판하는 「일본 조류 목록」 에 준거하고 있습니다만, 최근, 급속하게 진전하는 게놈 해석에 의해 밝혀진 진화의 역사나 계통을 근거로, 올해의 9월, 12년만에 개정되었습니다.

현재, 도쿄·우에노의 국립 과학 박물관에서 개최 중의 특별전 “새~게놈 해석이 밝혀지는 새로운 조류의 계통~” (~2025년 2월 24일까지)에서는, 최신의 게놈 계통에 의한 분류에 근거하면서, 세계의 새의 놀라운 생태 등 다양한 매력을 해설. 전시되는 새의 표본은 600점을 넘는, 국립 과학 박물관 역사상 전례없는 규모감으로, 초보자부터 새 매니아, 열성적인 버드워처까지 폭넓게 즐길 수 있는 내용으로 되어 있습니다.

본전의 종합감수를 맡은 서해공씨(국립과학박물관 동물연구부 연구주간)는, 개막에 앞서 행해진 보도 내람회에서, 본전 개최의 의의에 대해 다음과 같이 이야기했습니다.

“새는 생태계 피라미드에서 다양한 역할을 하고 있습니다. 나 올빼미 등 스스로 둥지 구멍을 뚫을 수없는 다양한 생물에 서식 장소를 제공하고, 생물 다양성을 풍부하게 하고 있습니다.그런 새들 중에는, 최근 수를 줄이고 있는 것도 많아, 멸종에 처해 있는 것도 존재합니다. 알고, 새에 익숙해지는 것은, 지구 환경을 생각해 가는데 있어서 매우 중요한 일이라고 생각하고 있습니다」

서해씨에 의하면, 새는 동물 중에서도, 특히 환경의 영향을 받기 쉽다고 한다. 씨앗 멸한 것을 의미합니다.본전에서도 서장으로서, 우선 「멸종」을 테마로 한 코너가 설치되어 있어 「무엇을 두어도, 새를 둘러싼 현상을 알고 싶다」라고 하는 감수자들 의 강한 생각이 느껴집니다.

약 2600만년 전에 살았던 날개개장이 7m 에 달하는 사상 최대의 비상할 수 있는 새 '페라고르니스 샌델시'의 실물대생체 복원 모델의 전시는 본전의 볼거리 중 하나.

본 모델의 감수자인 밧비지 타카유키씨(국립과학박물관 지학연구부 연구주간)은 “현상 알고 있는 범위에서 사상 최대의 하늘을 날고 있던 새라고 하는 것으로. 날 수 있는지 등 화석에서 알려진 모양의 다양성, 형태의 한계 부분을 찾아보고 싶다는 것도 있고 복원에 도전했습니다 "라고 생각을 말하고 있습니다.

본전의 제일의 매력은 , 역시 그 표본의 볼륨이겠지요.

니시카이씨에 의하면, 국립과학박물관이 소장하는 약 3,000점의 표본으로부터, 특히 보기 좋게 좋은 것을 엄선했다고 한다. 협력도 얻어 전시되는, 600점 이상에 걸친 고금 동서의 새들의 표본군은 압권의 한마디. 「일생분의 새를 볼 수 있는⁉」 란 본전의 캐치 카피입니다만, 기준으로서, 400종 이상의 새를 관찰할 수 있으면 버드 워처로서 상당한 경험자라고 한다든가.

귀여운 새, 개성적인 새, 희귀한 새.

회장은 분류학상의 「눈」마다 레이아웃되어 있어, 그 중에서도 주목해 주었으면 하는 것은 펭귄 눈의 전시, 「펭귄 대 집합」 의 코너입니다.

펭귄 눈의 현생종 18종 중 11종, 15체의 표본을 전시. 향을 바라보는 케이프펭귄과 마젤란펭귄의 그룹 등, 배치에 이야기를 느끼는 것도 있습니다.하나의 광경으로서 정리가 있어, 마치 동물원과 같은 분위기가 감돌고 있습니다.

외형은 펭귄을 닮았지만 계통은 전혀 다른, 치도리 눈의 늑대 유리가 자연스럽게 섞여있는 것도, 실수 찾기 같고 재미있는 곳.펭귄의 분포는 남반구에 한정됩니다만, 북극에서도 늑대 유리와 같이 한 펭귄을 닮은 날 수 없는 새가 수렴 진화(※)해 갔다고 합니다.

(※)…어류의 상어와 포유류의 돌고래, 조류의 날개와 포유류의 박쥐의 날개와 같이, 계통이 크게 다른 생물이 같은 환경에 놓였을 때, 비슷한 형질이나 기능을 획득하는 것 .

「펭귄 대집합」의 코너의 상공에 눈을 돌리면, 펭귄의 계란이나 히나를 노리는 포식자인 대나무 갈매기가 날개를 펼쳐, 바로 펭귄들을 노리고 있는 모습. 그럼 360도, 시선을 둘러보는 것을 추천합니다.

또, 게놈 해석에 의한 계통 연구가 본전의 골자가 되고 있습니다만, 전시에서는 그 상징적인 성과로서, 「눈」의 대분류에 하야부사 눈이 세워진 것을 소개.하야부사류는, 주로 형태의 차이를 지표로 한 종래의 분류에서는 타카메 하지만, 실은 타카보다, 계통적으로는 잉꼬 눈이나 참새 눈에 가까운 것이 판명된 것입니다.

덧붙여 타조 눈에서 참새 눈까지 44 있는 "눈"입니다만, 거의 전세계에 분포하고 있는 참새 눈은 6,700여종이 있는 한편, 아마존 유역에 고유의 츠메바케이 눈은, 무려 츠메바케이 1종만으로 , 종 수와 분포 범위에 큰 너비가 있습니다.

이 1눈 1종의 진조는 수상성으로 비상력이 낮고, 새에서는 유일하게, 나무의 잎을 주식으로 하는 독특한 생태를 하고 있습니다.파워풀에 하늘을 날아 먹이를 사냥하는 육식의 맹금류와는 정반대의 이미지입니다만, 계통적으로는, 이 츠메바케이 눈을 통해 맹금류의 타카눈이나 올빼미눈 등이 태어났을 가능성이 시사되고 있다고 한다.

기본적으로 새의 「눈」은, 분기한 연대가 거의 갖추어져 있고, 소행성의 충돌에 의한 공룡의 대멸멸이 있던 6600만년 전부터 5000만년 전 무렵까지 분기한 그룹이 「눈」이라고 나 츠메바케이 눈은 5000만년 이상도 분기하지 않고, 단지 1종으로 생존해 왔는지, 1종을 남겨 멸종해 버렸는지는 불명합니다만, 정말 신비한 존재입니다.

동물의 도해 일러스트에서 인기의 크리에이터· 누마가사 와타리씨가 기고하고 있는 “새의 비밀” 코너도 필견입니다.

동 코너는, 「뻐꾸기의 도란으로 숙주는 멸망하지 않는 것인가?」 「새에도 있는“방언”이나“언어”」 등 23개의 테마를 마련해, 최신 연구의 성과를 두지식적으로 소개하는 것. 누마가사 와타리 씨의 일러스트는 꾸준히 웃어 버리는 유머로 방문자의 이해를 지원합니다.

감수자 중 한 명인 하마오 쇼지(국립과학박물관 동물연구부 연구주간)는 “본전에서는 새와 사람과의 세계가 보이는 방식의 차이를 강조하고 싶었다”고 말했다. "비둘기가 가르쳐주는 새의 "마음""의 전시에 대해 언급했습니다.

거기서 소개되고 있던 것은, 일본화와 서양화를 구별하는 훈련을 받은 비둘기로, 원래의 그림을 1,024 분할해 바라바라에 배치를 바꾼 스크램블화를 보인다고 하는 실험 결과입니다. 일본화인가 서양화인가, 사람에게 있어서는 판단하는 것이 곤란합니다만, 비둘기는 처음 보는 그림에서도 용이하게 구별이 붙었다고 한다.

“인간은 전체를 보고 특징을 파악하는 것이 자랑스럽고, 비둘기는 세세한 곳을 바보 정직하게 하는지, 하나 하나 세세하게 보고 기억한다. 그러한 인지의 방법을 하고 있습니다. 라고 하는 것입니다. 이것은 비둘기가 현명하고, 현명하지 않다고 하는 것이 아니라, 호모 사피엔스와 새와는 인지의 방법이 다르다, 다른 세계를 보고 있다고 하는 것을 알 수 있는 이야기입니다」(하마오씨 )

또, 하마오씨는, 새의 수컷과 메스의 의외인 짝짓기 관계에 관한 전시에 대해서도 언급했습니다. 할 이미지가있는 사람도 있습니다. 쇼. 그러나, 예를 들면 꿩류의 수컷은 쌍둥이 관계의 암컷과의 사이에 아이가 생기면, 둥지 만들기나 포란, 육아, 그리고 잇몸의 유대도 포기해, 차례차례로 다른 암컷에 구애하는 것으로부터, 일부 다처제(혹은 난혼)라고 합니다.

인간의 상식으로는, 「육아도 하지 않고 여자를 건너 걷다니」라고 눈썹을 찌푸리고 싶어지는 생태입니다만, 실제로는 히나의 성숙이 빠르고, 육아는 1마리에서도 부족하다고 한다. 를 남기기 위해 각각의 개체가 진화한 결과라고 하마오씨는 말합니다.

"이렇게 우리가 가지고 있는 이미지, 인간이 이렇게 생각하기 때문에 새도 이렇게 생각하지 않을까 하는 것은 의외로 맞지 않습니다. 새는 엄격한 진화의 도태압 속에서 더 아이를 남기기위한 모든 성격을 습득하십시오. 그러니까, 이것은 사람에게 묶어 생각해 버리지 말라고. 을 가지고, 이러한 전시를 만들고 있습니다」(하마오씨)

게놈 해석에 의해, 종래, 우리가 안고 있던 이미지와는 다른 모습이 보여 온 새들.그들이 어떤 생태적 특징을 가지고, 어떤 생활을 하고, 생태계 속에서 어떤 역할을 연주 하고 있는 것인가. 그것을 알게 된 우리는, 다시 한번 그들에게 어떤 매력을 찾아내는 것인가.

특별전 「새~게놈 해석이 밝혀지는 새로운 조류의 계통~」개요

회기	2024년 11월 2일(토)～2025년 2월 24일(월·휴)
회장	국립과학박물관(도쿄·우에노 공원)
개관 시간	9:00~17:00(입장은 16:30까지)
휴관일	월요일, 11월 5일(화), 12월 28일(토)~1월 1일(수), 1월 14일(화) ※단, 11월 4일(월·휴), 12월 23일(월), 1월 13일(월·축), 2월 17일(월), 2월 24일(월·휴)는 개관 . ※회기 등은 변경되는 경우가 있습니다.
입장료(세금 포함)	일반·대학생 2,100엔, 초·중·고교생 600엔 ※미취학아는 무료. ※장애인 수첩을 가지고 계신 분과 그 개호자 1명은 무료. ※학생증, 각종 증명서를 가지고 계신 분은, 입장시에 제시해 주세요.
주최	국립과학박물관, 일본경제신문사, BSTV 도쿄
문의	050-5541-8600(헬로 다이얼)
전시회 공식 사이트	https://toriten.exhn.jp/

※기사의 내용은 취재일 시점의 것입니다.최신의 정보는 전람회 공식 사이트등에서 확인해 주세요.

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도쿄 국립 박물관

고분 시대에 만들어진 다종다양한 시바와 중에서도 최고 걸작이라고 불리는 국보《시바와 쇼코의 무인》 이 국보로 지정되어 50주년을 맞아 이를 기념한 특별전 ‘하니와’가 도쿄 국립박물관 (이하, 히가시히로)에서 개막했습니다. 회기는 2024년 12월 8일까지.

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고분 시대의 3세기부터 6세기에 걸쳐 활발하게 만들어진 시바와는, 왕 등의 권력자의 무덤인 고분에 나란히 놓인 초밥 구이의 조형물입니다. 초기는 간소한 통형이었지만, 시대가 내리면 인물 토륜을 비롯해, 말이나 새 등의 사랑스러운 동물 토륜, 정교한 무구나 집을 본뜬 상형 토륜 등 개성 풍부하게 발전. 고대인의 생활과 풍습을 현재에 전하는 귀중한 자료가 되고 있습니다.

본전에서는 시바와를 중심으로, 고분에서 출토한 부장품 등을 포함한 전국 엄선된 보물, 약 120건이 집결. 히가시히로에서는 약 반세기 만에 개최되는 대규모 시바나전이 됩니다.

제1회장의 입구에서 참석자를 맞이하는 것은, 지금 시바와의 아이콘으로서 인지되고 있는, 흐린 표정이 사랑스러운 《시바나 춤추는 사람들》 입니다. 일본 열도에서 독자적으로 출현, 발달한 시바나는 옷과 얼굴, 몸짓 등의 표현을 간략화하고 둥글림을 가진 특징이 있지만, 그 독특한 “유루사”가 담긴 대표적인 작품. 의례에 즈음해 춤추는 모습을 보인 것으로 여겨져, 히가시히로의 마스코트 캐릭터인 「토하쿠군」의 모델이기도 합니다.

1930년에 사이타마현 구마가야시의 노하라 고분으로부터 출토했을 때, 곧바로 수리 복원되었습니다만, 최근에는 열화가 현저하게 대출도 할 수 없는 상태가 되어 있었다고 한다. 그래서 히가시 히로시와 문화재 활용 센터가 클라우드 펀딩 등으로 기부를 하고, 2022년 10월부터 해체 수리를 실시. 2024년 3월에 수리를 마치고 본전이 수리 후 첫 피로의 기회가 됩니다.

수리를 거쳐 변한 점은 몇 가지 있습니다만, 가장 큰 변화는 그 붉은 힘일 것입니다. 클리닝시에 흙에 묻혀 있는 가운데 부착된 흙이나 오랜 전시에 의해 퇴적한 공기 중의 얼룩 등에 의해 본작이 실제보다 황색이 강한 색조로 되어 있는 것이 판명. 낡은 출토품은 내력을 나타내는 의미에서도, 더러움을 무리하게 떨어뜨리지 않는 케이스가 자주 있습니다만, 이번의 수복에서는 어디까지나 제작 당초의 모습을 이미지할 수 있도록, 최대한 더러움을 떨어뜨리기로 했다고 합니다. 이렇게 나타난 본래의 색은 바로 북관동에서 자주 볼 수 있는 화산성 광물을 포함한 철분이 많은 붉은 탄색이다.

그런《시바와 춤추는 사람들》입니다만, 히가시히로의 야마모토 료 연구원에 의하면, 최근에는 「춤추고 있는 것이 아니라, 실은 말을 예고하고 있는 모습에서는?」라고 하는 설도 유력시되고 있다든가.

한 손을 꼽는 포즈를 취한 시바와는 원래 말과 함께 발굴되는 경우가 많다. 또, 키가 낮은 쪽의 시바와의 허리에 제시한 비틀림 끈은 고삐를, 등에 짊어진 낫은 말의 먹이가 되는 목초를 깎기 위한 것을 나타내고 있다, 라고 하는 가능성이 근거에 있는 것 같습니다 . 만약 말 예뻤다고 하면, 오랫동안 「춤추는 사람들」로 친해지고 있었던 만큼, 조금 유감인 생각도 합니다만…

“그러나, 원래의 시바와에서 발전하여 의미가 바뀐다는 것도 자주 있는 것입니다. 이나 이노의 토네에서 사냥의 장면을 표현하는 등, 여러가지 스토리를 나타내는 것이 있습니다. “라고 말한 야마모토 연구원. 향후 연구가 기다릴 것입니다.

계속되는 「왕의 등장」 이라고 제목이 붙은 전시 코너는, 전시품이 모두 국보만으로 구성되어 있는 호화스러운 공간.

고분에서는 시바와와 함께 호화로운 부장품을 찾을 수 있습니다. 예를 들면, 고분 시대 전기(3~4세기)에서는 왕이 비야호처럼 사제자적인 역할을 하고 있었기 때문에, 청동제의 거울이나 귀중한 석재로 만든 완식형의 보기 등이 많이 출토해 있습니다.

전시에서는, 4세기 후반에 축조된 도다이지산 고분으로부터 출토한, 그 밖에 예를 보지 않는 장식의 무늬 머리를 가지는 국보 《금상감명 대도》 를 소개. 일본 출토의 명문도검으로서 가장 오래된 것으로 알려진 본작은 바로 비야호가 중국 왕조로부터 양도되었다고 하는 연구자도 있는 것 같습니다.

한반도의 동란기를 받고, 왕이 무인적인 성질을 강화한 고분 시대 중기(5세기)에서는 무구류가 눈에 띄도록. 야마토 왕권의 중앙 집권적인 성격이 강해지고, 승마의 풍습이 보다 퍼진 고분 시대 후기(6세기)가 되면, 황급하게 왕이나 그 말을 장식해, 권위의 높이를 나타내는 금동제의 장신구 등이 등장 합니다.

이와 같이, 부장품은 왕의 역할의 변화와 연동하도록 바뀌어 있었기 때문에, 그들을 개관하는 것으로, 시바와가 만들어진 시대의 문화나 풍습이 어떻게 변천했는지도 엿볼 수 있다 합니다.

고분에 시바와를 세우는 풍습은, 야마토 왕권과의 관계를 축으로, 고분 문화의 중심지였던 긴키 지방에서 북한은 이와테현, 남한은 가고시마현까지 일본 열도 각지에 보급. 그 토란은 지역마다의 습속의 차이, 기술자의 숙련도, 대왕과의 관계성의 강약에 의해, 대왕묘의 토륜과 비교해도 손색이 없는 정교한 것, 지역색 넘치는 독자성이 강한 것 등 , 발전 속에서 표현에 개성이 나왔습니다. 「시바나의 조형」의 전시 코너에서는, 그러한 다방면에 걸친 조형의 전개에 초점을 맞추고 있습니다.

예를 들어, 미에현 스즈카시의 석약사 동고분군으로부터 출토한 《마가타시바와》 는, 똑바로 뻗은 갈기나, 덮는 것인가, 독특한 머리의 표현은 전국적으로 봐도 유례가 없는 드문 것. 이바라키현 출토라고 전해지는 《시바나 수염의 남자》 는, 곱슬 머리와 같은 미두라나 볶음모자가 그림책에 나오는 요정과 같다. 이러한 긴 수염을 가진 토바는 6세기대의 매우 지역색이 강한 작례로 알려져 있습니다.

비밀리에 방문자의 주목을 모으고 있던 것은, 원통 토륜에 왠지 안면의 표현이 베풀어진 《얼굴 첨부 원통 토륜」 입니다.

원통 시바와의 뿌리는, 야요이 시대에 요시비 지역(현재의 오카야마현역)에서 제기로서 이용된, 항아리를 얹는 받침대로서 만들어진 특수기대라고 불리는 토기이며, 거기에 얼굴이 붙는 유래는 없습니다 . 토시와의 탄생부터 소멸까지 주류인 계속된 원통 토시와입니다만, 안면이 있는 원통 토시와의 출토예는, 군마현 타마무라마치의 시모고 텐진즈카 고분이나 도치기현 아시카가시의 행기 히라야마 정고분 등, 북관동을 중심에 불과 몇 예가 인정되는 정도라고. 「그냥 원통형이라서 시시하다」라고 생각한 시바와 장인의 장난이었을까요?

제2회장에 들어가면 드디어 본전의 하이라이트인 ‘국보안갑의 무인과 그 동료’의 전시 코너가 나타납니다.

히가시 히로시가 소장하는 《시바와 쇼코의 무인》 은 군마현 오타시에서 출토하여 시바와로 처음으로 국보로 지정된 것입니다. 본작과 같은 공방에서 제작되었다고 생각되는 유사한 무인 시바와 중, 완전한 형태로 복원된 것이 그 밖에 4장 존재합니다만, 본전에서는 그 “형제”들, 전 5장을 사상 처음으로 한자리에 전시 . 그 중 하나는 현재 미국의 시애틀 미술관이 소장하고 있기 때문에 비교해 즐길 수 있는 귀중한 기회가 되고 있습니다.

히가시 히로시 소장품은 세부까지 입체적이고 정교한 구조를하고 있으며, 머리에서 발끝까지 전신을 방어구로 덮고, 왼손에 활을, 오른손에 칼을 들고, 등에는 푸시 (유기 / 화살 입구)를 짊어진 모습. 덧붙여서 갑갑이란, 상반신에 표현되고 있는 작은 철판을 합친 방어구를 가리킵니다.

“이렇게 엄중하게 갑옷을 착용하고 있는 시바와는 다른 예가 없다”고 말한 것은 히가시히로의 하노 마사토시 연구원입니다.

“이런 『안갑의 무인』은 6세기 후반에 만들어진 것입니다. 행해지고 있었습니다.불교가 들어간 것으로 가치관이 변화해, 점차 킨키에서는 전방 후원분 만들기, 시바링 만들기가 쇠퇴해 가는 것입니다만, 6세기 후반이 되어도 군마에는 아직 그 영향은 미치지 않고, 활발히 토륜이 만들어지고 있었습니다.

5마리의 「안갑의 무인」은 표정도 포함해 매우 비슷한 모습을 하고 있습니다만, 잘 관찰하면 짊어진 화살입구가 속이 아니라, 잔보다 뒤에 등장한 호롱(코로쿠)에서 있거나, 하반신에 몸에 붙이고 있는 것이 방어구가 아니라 하카마르고와 차이도 볼 수 있습니다. 가장 오래된 히가시히로 소장품, 군마의 아이카와 고고관 소장품에서, 가장 새로운 나라의 천리 대학 부속 천리 참고관 소장품으로, 섬세한 표현의 생략화가 진행되고 있는 점도 놓칠 수 없습니다.

또, 본전에 대해서 고노 연구원은 「그냥 명품전에는 하고 싶지 않은, 최신의 연구 성과를 알기 쉽게 여러분에게 전하고 싶다고 하는 생각이 강하고, 연구 성과에 비추어 구성도 생각했습니다」라고 이야기해, 그 가장 큰 사례로서 동관 소장의 「안갑의 무인」의 채색 복원 전시를 들었습니다. 과학 분석과 상세한 육안 관찰의 결과, 전면적으로 흰색, 빨강, 회색의 3색으로 칠해져 있는 것이 판명. 기존의 이미지가 크게 뒤집히게 되었습니다.

전람회의 종반, 「이야기를 잇는 시바와」의 코너에서는, 인물이나 동물 등 복수의 시바와를 조합해 다양한 이야기를 표현한, 전술의 「시바나 군상」에 주목. 죽은 왕의 도덕을 극복하고, 새로운 왕에 대한 충성을 맹세하는 공식적인 배례 장면을 나타내는 「무릎 꿇는 남자」나, 사타구니를 밟아 고분이 쌓이는 토지의 사기를 지불하는 스모의 역사 등, 이야기 속에서 각각의 시바나가 분담한 역할에 대해 소개하고 있습니다.

또, 여기에서는 사랑스러운 동물 시바와도 대집합. 동물 토륜 중에서 가장 많이 제작된 것은 권력의 상징이었던 말이지만, 그 밖에 새벽을 말하는 닭, 사냥 장면을 구성하는 사슴, 멧돼지, 개 등도 왕권 의례와 관련하여 만들어지고 있다 라는 것. 한편, 일부 물새나 물고기 등은 자연의 동물을 솔직하게 찍은 것으로 추측되고 있어, 고대인들의 자연적인 조형 의식의 발로를 느낄 수 있습니다.

각각의 소장처의 에이스급의 명품을 모으기 위해, 약 5년의 준비 기간을 걸쳐 기적적으로 실현했다는 대규모 시바나전. 꼭 이 기회에, 시바와의 세계의 깊이를 다시 체감해 보는 것은 어떻습니까.

 

※본전에서는 일부 작품을 제외하고 전시실 내에서 사진 촬영을 할 수 있습니다.

쇼코의 무인 국보 지정 50주년 기념 특별전 “하니와” 개요

※기사의 내용은 취재 시점의 것입니다. 최신 정보는 전람회 공식 사이트 등에서 확인해 주십시오.

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국립 서양 미술관

인상파를 대표하는 화가·클로드·모네의 만년의 작품과, 그 표현의 변화에 초점을 맞춘 전람회 “모네 수련의 때” 가, 도쿄·우에노의 국립 서양 미술관에서 개막했습니다. 회기는 2025년 2월 11일까지.

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같은 모티프를 다른 계절이나 날씨 속에서 관찰해, 시시각각 변화하는 인상이나 빛의 움직임을 복수의 캔버스로 그려내는 「연작」의 수법을 확립한 것으로도 알려진 클로드 모네(1840-1926) . 1890년, 50세가 된 모네는, 프랑스의 오무라 지베르니의 토지와 집을 매입해, 수년에 걸쳐 수련의 연못이 있는 「물의 정원」을 조성합니다. 이 수련 연못에 주위의 나무나 하늘, 빛이 일체가 되어 비추어지는 수면이, 만년의 모네에 있어서의 가장 큰 창조의 근원이 되었습니다.

본전은, 최초기의 귀중한 <수련>의 작례로부터, 모네의 마음을 최후까지 차지하고 있던 「대장식화」의 제작 과정에서 만들어진 대화면의 <수련> 등, <수련> 연작을 중심에 모네의 집대성이 되는 만년의 예술 표현을 소개하는 것.

회장 에는 세계 최대급의 모네 컬렉션을 자랑하는 파리의 말모탄 모네 미술관에서 일본 최초 공개 7점을 포함한 48점의 회화가 일본에 왔다. 국립 서양 미술관의 마쓰가타 컬렉션을 비롯해 일본 국내에 소장되는 명화도 더한 총 66점을 전시하고 있습니다.

회장 입구에 있는 크게 늘어난 사진은 모자를 쓴 모네의 머리가 수련 연못에 비치는 모습을 남긴 것. 본전의 보도 내람회에 참가한 말모탄·모네 미술관 컬렉션 부장·문화재 주임학 예원인 실비·칼리에씨는, “모네의 시점을 통해, 모네와 함께 완만하게 물의 풍경이나 물가에 서식하는 식물들의 안으로 나아가는 이 전시회 전체의 의도를 시각적으로 보여주는 것입니다.”라고 말합니다.

본 전시회는 4장과 에필로그로 구성되어 있습니다. 제1장 「세느 강에서 수련의 연못으로」 에서는, <수련>에 착수하기 이전, 1890년대 후반의 모네의 주요한 창조원이었던 런던이나 세느 강의 풍경을 그린 작품을 소개. 모네가 어떻게 물이라는 모티프, 그리고 수면에 비추어지는 빛과 반사상이 만들어내는 효과에 탐구심을 기울여 갔는지 보여줍니다.

또, 모네가 처음으로 <수련>을 그린 것은 1897년으로 되어 있습니다만, 제1장에는 그 최초기의 <수련>으로 추정되는 귀중한 작례 도 전시하고 있습니다.

후년의 연작과는 대조적으로, 수목이나 하늘이 반사하는 수면이 아니라 수련의 꽃 자체를 닫습니다. 섬세한 필치로 사실적인 요소를 남기면서 물체의 형태가 그려져 있어 추상화가 진행되는 그 후의 표현과의 비교도 즐길 수 있습니다.

19세기 말 프랑스에서는 장식 예술이 전례없는 융성을 보였고, 모네도 1870년대의 인상파 시대에 본격적인 장식화를 다루었습니다. 이윽고, 1890년대를 통해서 연작의 전시 효과를 추구하는 가운데, 수련이라고 하는 하나의 주제만으로 이루어지는 장식화로 전시 공간을 메우는 「대장식화(Grande Décoration)」 를 구상. 백내장을 앓고 있으면서도 1914년부터 정력적으로 대처하기 시작해, 최종적으로 파리에 있는 오랑쥬리 미술관의 전시실을 빙빙 덮는 8점의 거대한 장식 패널의 형태로 결실하게 됩니다.

최종적으로 물과 수련, 버드나무와 같은 모티프에 수렴했지만, 당초는 큰 원예 애호가였던 모네답게, 연못의 주위에 심어진 다종 다양한 꽃들도 도입할 계획이었습니다 . 제2장 「물과 꽃들의 장식」 에서는, 구상 속에서 중요한 일각을 이루고 있던, 연못에 걸리는 북교에 기어가는 등나무나 기슭에 피는 아가판서스 등을 다룬 작품을 전시하고 있습니다.

아이리스도 모네가 특히 좋아했던 꽃이며, 1914년 이후에 다루어진 꽃들의 습작 중 아이리스를 그린 작품은 수련에 이어 가장 많고 점수는 20을 센다. 《노란 아이리스》 는 보기, 벌레나 물고기의 시선으로 아이리스를 올려다 보는 구도에 느껴집니다만, 실제로는 바로 옆에서 파악한 아이리스와 하늘이 비추어진 연못의 수면을 내려다보는 두 개의 다른 시점이 조합 된 것. 모네는 이러한 감상자의 인식을 흔드는 회화 공간을 둘러싼 탐구에 여념이 없었습니다.

제3장 「대장식화에의 길」 은, 대장식화의 제작 과정에서 만들어진 <수련>의 많은 가운데, 특히 완성형과 관련이 깊은 대형 작품만을 9점 전시. 오란쥬리 미술관의 전시실에 이미지를 담은 타원형의 전시 공간에서 <수련>에 둘러싸여, 어디까지나 펼쳐지는 명상적인 색채의 세계와 일체화할 수 있는 본전의 하이라이트입니다. 덧붙여 이 지역에서는 특별히 사진 촬영도 가능합니다.

9점 중 2점은, 1914년 이후의 제작에 있어서 중요한 모티프가 된 구름의 반영이 존재감을 나타내고 있습니다. 한편은, 은은하게 오렌지에 물드는 흰 구름이 중심이 되어, 푸른 하늘과 명료한 콘트라스트를 이루는 모습이 특징적. 분방한 필치로 그려진 수련의 잎과 가지 버드나무 버드나무가 화면의 상하 좌우로 뻗어, 생생한 인상을 받습니다.

이렇게 모네가 구름의 반영을 중시하게 된 것은 포플러나 버드나무나무와 같은 대지에 연결되는 요소와 함께 연못의 수면 위에서 하늘과 땅이 일체가 되는 감각을 강화하려고 했기 때문이라고 한다. 견해도 있는 것 같습니다.

또한 거대한 장식 패널의 제작은 모네가 새롭게 건설한 광대한 아틀리에에서 야외에서 그린 습작을 바탕으로 임명되었습니다. 자연의 인상 기억을 내면화하고 캔버스 위에 재구성하는 과정을 거쳐 모네의 예술은 망막에 비치는 현실에서 벗어나 보다 내적인 이미지로 변용해 갑니다.

제4장 「교향하는 색채」 에서는, 죽음의 때까지 계속된 대장식화의 제작과 병행해 다룬 소형의 연작군을 소개. 수련 연못에 걸리는 일본풍의 북교와, 「물의 정원」에 인접하는 「꽃의 정원」의 장미의 아치가 있는 길 등이 모티프가 되고 있습니다.

진행하는 백내장에 의해 시력이 저하했기 때문에, 작품에서는 점차 원근감이 없어져 평면적인 확산을 보이게 됩니다. 색각도 변조를 했고, 어느 때에는 노랑과 초록이 그의 세계를 지배하고, 어떤 때에는 그 이외의 색이 모두 푸르스름하고, 특히 빨강이 흐려 보였다고 한다. 1923년부터 3도에 걸친 수술을 거쳐 시력은 어느 정도 회복했습니다만, 그 속에 그려진 <일본의 다리> 연작은, 모티프의 판별이 붙지 않을 만큼 색조가 얽혀, 윤곽은 녹아, 필촉도 농밀하게 얽혀 있습니다.

제1장에서 본 섬세한 표현을 되돌아보면, 역연한 차이에 놀랄 것이다. 붓을 두드리듯 집요하게 색을 바르고 있는 모습은, 모티프의 실재를 새기는 것도 되고, 시력의 저하, 색채의 결핍이라고 하는 화가로서 치명적으로 될 수 있는 장해에 대한 공포심의 표현처럼 또한 느껴집니다.

그러나, 사실 모네는, 이러한 언뜻 보면 미주기의 산물이라고 볼 수 있을 것 같은 최저년의 연작을, 마지막까지 수중에 남기고 있었습니다. 마음에 들지 않는 것은 용서 없이 파기하는 완벽주의자였던 것을 생각하면, 오히려 모네의 경험으로부터 길러진 색채 감각에 기초한, 풍부한 실험 정신의 성과라고 판단할 수도 있을 것입니다.

에필로그 「사카사마의 세계」 에서는 본전의 마무리로서, 대장식화의 습작으로서 제작된, 늘어진 버드나무를 그린 작품 2점을 전시. 사랑하는 가족의 죽음과 제1차 세계대전과 같은 많은 어려움에 직면한 모네의 만년에 있어서, 이들의 늘어진 버드나무는, 눈물을 흘리는 것 같은 모습으로부터 슬픔이나 복상을 상징하는 모티프로서도 해석 됩니다.

모네는 큰 장식화의 구상에 있어서, 시작도 끝도 없는 무한한 물의 퍼짐에 감상자가 싸여, 편안하게 명상할 수 있는 공간을 목표로 하고 있었습니다. 이 《수련》 도 화면의 왼쪽 절반을 차지하는 가지 버드나무 버드나무의 실상과 허상의 경계가 극히 모호해져 있는 것으로, 평온함이 가득한 영원한 세계라는 것을 느끼게 합니다.

새로운 공간을 파악하는 방법에 따라, 서양 회화의 전통적인 원근법에 근거하는 세계관을 뒤집은 만년의 모네. 쇠약해지지 않는 제작 충동에 의해 인상파를 넘은, 그 화업의 풍부한 전개를 체감할 수 있는 전람회 「모네 수련의 때」를 꼭 놓치지 마세요.

모네 수련 때 개최 개요

※기사의 내용은 취재 시점의 것입니다. 최신 정보는 전람회 공식 사이트 등에서 확인해 주십시오.

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다이토 구립 아사쿠라 조소관

일본 근대 조각계를 견인한 조각가이며, 애 고양이 집으로도 알려진 아사쿠라 후미오. 그의 고양이를 모티브로 한 조각 작품을 한자리에 모은 아사쿠라 후미 부몰 후 60 년 특별전 “원더풀 고양이 라이프 아사쿠라 후미오와 고양이, 가끔 개” 가 다이토 구립 아사쿠라 조소관에서 개최 중입니다. 회기는 2024년 12월 24일(화)까지.

※소개하고 있는 작품은 모두 아사쿠라 조소관 소장입니다.

조각가 아사쿠라 후미오(1883-1964)는, 대상이 있는 그대로의 모습을 찍는 「자연주의적 사실」의 표현을 철저히 탐구하는 자세로부터, 「묘수」나 「오쿠마 시게노부 신상」이라고 하는 초상화 조각 의 걸작을 낳고, 1948년에는 조각가로서 처음으로 문화 훈장을 수장. 제작과 함께 수석에서 졸업한 도쿄 미술학교(현 도쿄 예술대학 미술학부)에서 교편을 취한 것 외에 아틀리에 겸 주거였던 아사쿠라 조소관에서 「아사쿠라 조소학」을 주재하는 등, 후진의 육성도 열심히 노력했습니다.

그런 아사쿠라는 무수한 사랑 고양이 집으로도 알려져 있으며 한때는 19 마리의 고양이를 저택에서 기르고 있었다고합니다. 때로 키우고 고양이들을 모델로 하면서, 고양이의 조각도 거의 평생에 걸쳐 제작. 1964년에는 자신의 조각가 인생 60년과 도쿄 올림픽의 개최를 기념해, 고양이의 다양한 모습을 포착한 「고양이 백태전」을 기획합니다.

그러나 올림픽을 눈앞에 둔 4월에, 병에 의해 향년 81세로 사망해, 「고양이 백태전」의 개최는 실현되지 않고 몹시. 그 꿈은 관계자들에게 계승되어 종의 거처였던 아사쿠라 조소관에서 1994년과 2017년에 특별전으로서 실현되었습니다.

이번 특별전 「원더풀 고양이 라이프 아사쿠라 후미오와 고양이, 가끔 개」도, 「고양이 백태전」과 같이, 고양이 작품에 초점을 맞춘 것입니다만, 과거의 전람회와 다른 것은 그 전시 방법입니다.

“고양이의 작품을 단지 늘어놓을 뿐만 아니라, 여기(아사쿠라 조소관)에서 아사쿠라가 고양이들과 어떻게 보냈는지, 고양이들의 생활은 어떤 것이었는지를 의식하면서 전시했습니다”라고 말하는 것 는, 아사쿠라 조소관의 주임 연구원·토하라 야스코씨.

별로 알려지지 않았지만 아사쿠라는 고양이뿐만 아니라 개도 기르고있었습니다. 애견을 모델로 한 작품은 확인할 수 없습니다만, 소수이면서 개의 작품도 제작하고 있어, 그들도 더해 보다 활기차게, 과거의 생활을 이미지하기 쉬운 전시를 유의했다.

출전 작품은, 고양이의 청동상을 중심으로, 고양이의 스케치나 고양이에 관한 직필의 하이쿠 등을 더한 53점. 아사쿠라에게 있어서 중요한 제작의 수단이었던 사진도 아울러 소개되고 있습니다.

메인의 전시 공간인 아틀리에에 들어가 우선 방문자를 맞이하는 것은, 출품 기록에 남는 것으로는 가장 초기의 고양이 작품, 《매달린 고양이》 (1909)입니다.

제3회 문전에 출품된, 당시로서는 참신한 구도의 작품으로, 고양이의 목을 잡아 올리는 힘이 들어간 팔과, 고양이의 흔들림과 이완한 몸의 대비가 볼거리입니다. 무언가 말한 고양이의 표정에는 무심코 웃음이 떠올랐습니다. 잘 보면 고양이의 뒷발이 약간 긴장하고 있는 모습으로, 도쿄 미술학교를 졸업하고 얼마 안되는 젊은 아사쿠라가 이미 가져온, 대상을 포착하는 날카로운 관찰 눈, 그리고 탁월한 표현력을 느끼는 것 수 있습니다.

도하리 씨에 의하면, 본작과 같은 타 사랑이 없는 일상을 담은 소품을 문전에 출품했다는 사실을, 아사쿠라와 친교가 있던 조각가이며, 기쁨이 없는 미술 평론가이기도 했다 타카무라 코타로가 평가한 에피소드가 있다고 한다.

“지금까지의 문전이라고 하면, 인체의 아름다움을 추구한 것이나, 추상 테마를 표현한 구상 인체 등이, 보다 등신의 큰 작품으로서 많이 출품되고 있었습니다.그런 상황에 있어서 , 고양이를 단순한 고양이로 취급한 것을 다카무라는 평가했습니다. 아사쿠라는 고양이의 작품을 평생 계속 만들었을지도 모릅니다.」 (도하리 씨)

한편 타카무라는 본작에서의 팔의 표현의 경도를 지적했다고 합니다. 같은 해 제작되었다고 생각해 《팔》 (1909년경)은, 어느 전람회에도 출품의 기록이 남아 있지 않은 점에서도, 아사쿠라가 타카무라의 비평을 진지하게 받아들여, 연습으로서 제작한 것으로 생각되어 있다든가.

회장에서는《팔》외, 그 10년 후에 다카무라 코타로에 의해 제작된 《손》 (1918)도 병치. 유학 자금을 모으는 다카무라에 대해 아사쿠라가 「손 하나도 다리 한 개라도」라고 과거의 비평에도 통하는 말로, 소성을 밝히지 않고 자유로운 제작을 의뢰한 것입니다. 그것만으로도 타카무라에는 핀과 오는 것이 있었는지, 결국은 아사쿠라로부터의 의뢰라고 들었다고 한다. 두 사람의 조각가로서의 교류의 모습이 보이는 전시가 되고 있습니다.

《매달린 고양이》로부터 약 40년 후에 제작된 후기의 작품 《잘 잡거나》 (1946)에 시선을 옮기면, 그 기교의 세련미에 놀라게 됩니다. 쥐를 둘러싼 한순간의, 목 주위의 근육의 경직, 어떻게 맹인 얼굴 붙어, 저항하는 쥐의 움직임에 대비하고 있는 앞발의 밸런스감. 이 후에 뛰어 내리는 모습까지 쉽게 상상할 수 있는 리얼함은 마치 실제로 그 순간의 고양이를 형으로 취한 것 같습니다.

고양이의 변덕스러운 움직임과 기질, 그 모든 것을 좋아하고 있었다는 아사쿠라는 고양이 독특한 유연한 움직임을 낳는 골격에도 강한 관심을 지불하고 있었다고. 골격 표본에서 공부하고 있던 것은 물론, “(아사쿠라의) 아가씨가 말씀하셨다면, 아사쿠라는 항상 고양이를 무릎에 얹어 쓰다듬고 있었지만, 그것은 귀여워하기 때문에 뿐만 아니라 골격이나 근육의 첨부 쪽을 찾아, 확인하기 위해였던 것이 아닐까 하는 것입니다」 라고 토하리씨. 엄격한 사실주의를 추구한 아사쿠라다움이 넘치는 에피소드입니다.

같은 잠자는 모습이라도 앞발에 머리를 끄덕이고 있는지, 귀와 꼬리 모양이 다른 모습 등도 충실하게 표현. 그 외, 성장을 하고, 새끼 고양이에게 우유를 주거나, 새끼 고양이끼리 함께 끌어들이거나, 고양이들의 포즈의 바리에이션은 실로 풍부합니다.

보기, 그냥 앉아있는 것처럼 보이는 “산후의 고양이” (1911)는 남양에서의 시찰을 마치고 집에 돌아온 아사쿠라를 이틀 전에 아이를 낳은지 얼마 안되는 고양이가 마중했을 때의 모습 을 작품으로 한 것. 움푹 패인 것 같은 우울증 가감입니다.

아사쿠라는 출산의 피로를 호소함과 동시에 새끼 고양이의 태어난 기쁨을 보고하듯 무릎에 응석해 오는 사랑 고양이의 모습에 제작 의욕을 불러일으켰다고 한다. 다른 고양이 작품에 비해 세부 표현의 디포르메가 많은 이유에 대해, 토하리 씨는 “고양이의 모습이라기보다는 고양이의 감정, 피로와 기쁨 그 자체를 포착하려고 했을지도” 라는 견해를 보였습니다 .

한편, 마른 피부가 느슨해져, 모염도 없어진 애고양이가 엉덩이를 올려 통증을 견디고 있는 모습을 포착한 만년의 《애고양이 병들기》 (1958)는, 다른 작품에 봐 어떤 종류의 부드러움이 쏟아져 눈을 돌리고 싶어지는 병이나 죽음에도 정면에서 마주하는 예술가로서의 각오와 비애를 느끼게 하는 것이었습니다.

아사쿠라에게 있어서 고양이 작품은, 의뢰를 받아 제약 속에서 만드는 초상화 조각 등과는 달리, 어깨의 힘을 빼고 자유롭게, 자신의 창작 의욕에 맡겨 만드는 것이었던 것 같습니다. 소재로서 취급하기 쉽다고는 좋지 않은 모습을 굳이 조형화하고 있는 것도, 사랑스러운 기억마다 사진이나 일기와 같이 남기고 싶다는, 애고양이가로서의 솔직한 마음에 의한 것일까요. 그러한 자세는 아사쿠라의 고양이 작품이 가지는 매력의 근원이기도 합니다.

그 외 회장에서는, 아사쿠라의 브론즈 작품에 관련되는, 가스형 주조라고 불리는 제작 공정을 소개한 17분 정도의 동영상도 상영중. 우선 점토로 작품을 만들고, 석고로 형취하여 원형을 만들고, 한층 더 그것을 바탕으로 브론즈에… 마음이 멀어질수록 섬세한 프로세스를 거쳐 전시 작품이 완성되고 있는 것을 알기 때문에, 주조의 공정을 이미지하기 어려운 분은 필견입니다.

본전 개최의 계기에 대해, 토하리씨는 “점점 아사쿠라를 모르는 사람도 늘어 온 것으로부터, 아사쿠라와 아사쿠라의 작품에 친밀을 가져오려고 기획했습니다”라고 말합니다.

아사쿠라의 뛰어난 조형력과 관찰 눈, 그리고 고양이에 대한 깊은 애정을 듬뿍 느낄 수 있는 본전은 바로 아사쿠라의 매력을 아는 입문편에 딱. 고양이를 좋아하게는 견딜 수 없는 생생하고 미소 짓는 포즈를 취하는 고양이들의 모습을 꼭 한번 감상해 보는 것은 어떻습니까.

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덧붙여 회장인 아사쿠라 조소관도 매우 매력적인 건물이므로, 몇가지 볼거리를 소개합니다.

아사쿠라는 도쿄 미술학교를 졸업한 1907년, 24세 때 야나카에 스스로가 설계한 아틀리에와 주거를 짓습니다. 일류의 장인들의 손을 빌리면서, 부지의 확장이나 증개축을 반복해, 현재의 아사쿠라 조소관의 건물이 완성된 것은 1935년의 일. 2001년에 건물이 나라의 유형문화재에 등록되어 2008년에는 부지 전체가 「구아사쿠라 후미오씨 정원」으로서 나라의 명승으로 지정되었습니다. 아틀리에 동은 철근 콘크리트조, 주거동은 목조의 스기야조라는 개성적인 구성입니다만, 아사쿠라의 뛰어난 미적 감각으로 다른 소재를 위화감 없이 조화시키고 있습니다.

평상시부터 작품을 전시하고 있는 아틀리에는 천장고가 8.5m도 있어, 발을 디디면 우선 그 개방감에 놀랄 것이다. 플로어의 서쪽에는 3.78m에 달하는 《코무라 슈타로상》(1938)이 놓여져 있습니다만, 전혀 압박감이 없습니다.

예술가의 아틀리에라고 하면 창은 북측이 세올리입니다만, 아사쿠라 조소관의 아틀리에는 북・동・남의 3방에 창이 있어, 매우 밝은 것이 특징입니다. 모든 각도에서 자연광을 맞추고, 옥외에 놓이는 것이 많은 조각의 보이는 방법을 연구하는 것이 목적으로, 제작시에는 커튼으로 광량을 조절하고 있었다는 것. 또, 북측 상부의 큰 창에 완만한 아르(곡선)가 붙어 있는 것은, 그림자를 강하게 하지 않고, 전체에 빛을 돌려주게 하기 위해. 벽의 소재에는 따뜻한 진면이 사용되고 있는 등, 조각가로서의 고집이 곳곳에 흘러넘치고 있습니다.

아틀리에에 인접한 서재도 또한 뿜어져 있어 마치 영화 세트와 같습니다. 천장에까지 닿는, 3면에 걸친 유리문의 책장에 들어간 서적 가운데, 양서의 대부분은 미술 평론가이며, 도쿄 미술 학교 시대의 아사쿠라의 은사이기도 한 이와무라 토오리의 장서였습니다. 이와무라의 몰후, 고서점 등에 소산되고 있던 귀중한 이러한 자료를, 아사쿠라가 자택을 저당에 넣어 자금을 조달해, 재구입한 것이라고 합니다.

손님을 대접하고 있던 3층의 술집 「아사히의 사이」는, 그 이름대로 동쪽에 구비된 창문으로부터 아사히가 꽂는, 아사쿠라 조소관 중에서 가장 격식이 높은 일실입니다. 호화로운 일본식 설비로 품위있게 빛나는 붉은 벽은 고가의 붉은 마노(메노우)를 인력으로 부수고 칠한 마노 벽. 약간 섞인 흑요석이 무이의 그늘을 만들어 내고 있습니다.

천장판은, 이즈 아마기의 지중에서 파내었다고 하는 신대 삼나무에 삼나무 껍질의 안감을 베푼 것. 바닥 사이에는 소나무의 한 장판, 란간에는 오동나무의 한 장판과 당시에도 귀중했던 소재가 사용되고 있습니다. 굳이 통일감을 가지지 않는 곳에 장난기도 있어, 아사쿠라의 미학이 느껴지는 공간입니다.

안뜰 「고전의 연못」은 물과 거석, 수목으로 구성되어 있습니다. 사방을 건물로 둘러싼 회랑식이며, 어느 방에서도 아름다운 풍경을 즐길 수 있는, 조각가의 시점이 살린 구조입니다. 아사쿠라는 이곳을 자기반성의 장으로 하고, 생활방식에 망설임이 생겼을 때, 물건의 본질을 판별하기 어려워졌을 때, 깨끗한 물을 바라보고 심신을 정화해, 새로운 제작에 매진하고 있었다고 한다.

아틀리에 빌딩의 옥상에는 올리브 나무가있는 정원이 펼쳐져 있습니다. 옥상 녹화의 빠른 예라고.

여기에서는 한때, 아사쿠라 조소학의 필수 과목으로서 원예 실습이 행해지고 있었습니다. 원예도 소조도 흙으로 생명을 키우는 작업이기 때문에, 원예를 통해 학생들을 흙에 친하게 하고, 대상을 보는 눈을 기르게 하는 목적이 있었다고 한다. 현재는 일부에 채소밭이 재현되어 사계절의 꽃을 즐길 수 있는 휴식의 장소가 되고 있습니다.

정원의 서쪽에 놓인 남성 동상 《포마루》(1924)는, 넓은 하늘 아래에서 야나카의 거리를 바라보고 있습니다. 건물에 들어가기 전의 문에서 올려다보면 작품의 정면을 확인할 수 있으므로, 방문했을 때는 꼭 옥상을 올려다 봐 주세요.

아사쿠라 후미오 부몰 후 60년 특별전 “원더풀 고양이 라이프 아사쿠라 후미오와 고양이, 가끔 개” 개요

※기사의 내용은 취재시의 것입니다. 최신 정보와 다를 수 있으므로 자세한 내용은 공식 HP에서 확인하십시오.

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도쿄도 미술관

‘신동’이라 불리는 어린 시절을 거쳐 만년에는 아마미의 자연을 주제로 한 회화에 몰두한 다나카 이치무라.

「다나카 이치무라전 아마미의 빛 영혼의 회화」에서는, 전신 전령을 걸어 「그리는 것」에 임한 이치무라의 생애를 그 작품을 함께 회고한다.

본 기사에서는 개최 전날에 행해진 보도 내람회의 모습을 리포트한다.

다나카 이치무라, 불굴의 열정의 궤적

메이지 41년(1908)에 도치기초(현·도치기시)에서 태어난 다나카 이치무라는, 유년기부터 탁월한 화재를 나타내, 신동이라고 칭했습니다.
조각사의 아버지로부터 미나리(베이슨)의 화호를 주어져 도쿄 미술학교(현·도쿄예술대학) 일본 화과에 입학하는 것도, 2개월에 퇴학.
쇼와 22년(1947)에 야나기 이치무라와 화호를 개정해, 「흰 꽃」이 청룡전에 입선하는 것도, 그 후에는 약간의 지원자를 의지하는 제작이 계속되었습니다. 만년은 단신 아마미오시마로 이주해, 아마미의 자연을 주제로 한 그림에 전념하는 나날을 보냈습니다만, 69세로 사망합니다.

몰후의 1979년(1979), 유지에 의해 아마미에서 유작전이 개최되어, 이례가 되는 3천명의 동원을 기록. 미디어가 그 모양을 소개함으로써 열광과 함께 그 생애나 작품이 전국에 알려지게 되었습니다.

「다나카 이치무라전 아마미의 빛 영혼의 그림-Tanaka Isson: Light and Soulー」에서는 아마미로 그린 대표작《불식감과 소소》 《아단의 해변》 시작해, 미완의 대작도 전시 . 회화 작품을 중심으로, 스케치·공예품·자료를 포함한 250건을 넘는 작품으로, 이치무라의 화업의 전모에 다가갑니다.

최대 규모의 대회 고전

본전은 제1장 “젊은 남화가 “다나카 쌀邨” 도쿄 시대” , 제2 장 “치바 시대 “이치무라” 탄생” , 제3장 “자신의 길 아마미에” 의 전 3장 구성. 다나카 이치무라의 작품군을 시계열로 전시하는 것으로, 거의 끊임없이 변천해 가는 화업을 중얼거리게 추적할 수 있게 되어 있습니다.

6,7세라는 소년 시절부터 많은 작품을 그린 이치무라의 작품은 각지에 상당수가 남아 있어, 본 전람회에서 전시되는 작품의 대부분도 최근 신출한 것으로, 최초 공개의 작품도 적지 않습니다. 출품 점수는 250점 이상. 바로 최대 규모의 회고전이라고 할 수 있습니다.

다나카 이치무라의 화업은 결코 평탄한 것이 아니었습니다. 어린 시절부터 「신동」이라고 불리며, 신진의 남화가로서 활약하면서도, 평생에 한 번도 개인전을 열지 않고, 무명인 채 혼자 아마미의 땅에서 평생을 마쳤습니다.
제3장에서는, 그런 이치무라가 불퇴전의 결의로 아마미의 땅에 걸쳐, 생활비를 공면하면서 전신 전령을 베팅해 그린 작품의 여러가 전시되고 있어, 이치무라가 「종료의 땅」으로 도착했다 화업의 경지를 작품과 함께 체감할 수 있습니다.

전시 작품 소개

이곳에서는 전시 작품의 일부를 픽업하여 소개합니다.

「공백기」의 이치무라의 이미지를 일변시킨 대작

이치무라는 “23세 무렵, 자신이 본도라고 믿은 신화풍이 지원자의 찬동을 얻지 못하고 의절했다”라고 후년 편지에 쓰고 있어, 종래 이 시기는 과작으로 “공백의 시기”로 있다고 여겨졌습니다. 그러나 최근 이 시기에 그린 역작이 발견되어 그 견해는 바뀌고 있습니다.
본 작품은 그런 이치무라 쇼와 초기의 활동의 이미지를 일변시킨 호화로운 금병풍.
당시 이치무라는 24세. 새로운 경지를 찾아 모색하는 열정과 에너지가 느껴지는 것 같습니다.

다나카 이치무라, 유일한 입선작.

쇼와 22년(1947), 가와바타 류류코 주재의 제19회 청룡전에 첫 입선한 출품작으로, 결과적으로 공모전에 입선한 유일한 작이 된 것입니다.
출품목록에 「흰꽃 야나이이치무라」라고 있어, 화호를 「미나리」에서 새롭게 「야나이이치무라」로서 임한 것을 알 수 있는, 심기 일전의 전후의 의욕작.
어딘가 누락감이 있는 세련된 화풍이 인상적입니다.

영화에 등을 돌려도, 관철한 신념.

첫 입선을 완수한 이듬해인 쇼와 23년(1948), 제20회 청룡전에 2개의 작품을 출품한 이치무라. 이치무라는 이《아키하루》를 자신작으로 인정하고 있었지만, 참고 출품의《파》만이 입선을 완수한다는 결과에 낙담해, 입선을 사퇴해 버립니다.

금병풍에 검은 실루엣으로 나무들이 대담하게 표현된 본작. 역광과 같은 효과로 부풀어 오르는 나무, 세부에 이르기까지 표현된 가지와 나무 껍질의 질감은 바로 입혼의 완성입니다.
영화에 등을 돌려까지 이치무라가 지키고 싶은 것은 무엇이었는가. 꼭 본작에 직접 마주하고 그것을 느껴보세요.

아마미의 빛이 이치무라에게 가져온 것

쇼와 49년(1974) 1월(66세)의 서한에 「엔마 대왕 에의 기념품」이라고 기록한 이치무라 입혼의 작품이 《아단의 해변》 과 《불장고구와 소소》 . 바로 본전의 하얀 눈썹이라고 할 수 있는 작품입니다.

이제는 아무런 회개도 없는 제작을 이룰 수 있다는 자부의 표현인 본작은, 내도 당초부터 구상을 거듭해 온 아단이라는 식물을 소재로 하고 있습니다. 녹색에서 파란색까지 다양한 안료를 사용하여 그려진 아단의 농채. 중경에는 섬세한 선으로 잔물결이 그려져 구름의 그쪽의 금빛빛은 화면 전체에 숭고함을 주고 있습니다.
전시회장에는 이치무라가 그린 관음과 나한의 그림들도 전시되어 있습니다만, 본작에는 그런 그가 인생의 마지막에 뒤따른 종교적인 감정이 표현되고 있다고 해도 과언이 아닐 것입니다.

이치무라 아츠시의 대작, 꼭 회장에서 봐 주세요.

전람회 앰배서더·고이즈미 타카타로씨도 등단!

보도 내람회와 개회식에서는, 본전의 앰배서더와 음성 가이드 네비게이터를 맡는 배우 고이즈미 타카타로씨가, 《불식 고구마와 소철》을 모티브로 한 세계에 일착 밖에 없는 오오시마 신의 기모노를 착용해 등장 했습니다.

“매우 신기한 타나카 이치무라 씨와의 인연과 교제를 느끼면서, 기분을 담아 음성 가이드를 맡았습니다.” 아버지 고이즈미 준이치로 전 총리의 할아버지)가 다나카 이치무라의 후원 회장을 맡고 있었다는 인연도 있어, 어릴 적부터 다나카 이치무라라는 화가를 듣고 있었다고 합니다.

거기에서 약 1 세기 가까운 시간을 거쳐 고이즈미 가문에서 태어난 자신이 다나카 이치무라 전시회에 관여하는 것에 대해, “정말 놀랐고, 영광스러운 일을 받았다고 생각하고, 기분을 담아 목소리를 불어 넣었습니다. “라고 본전을 통해 태어난 신기한 邂逅에 대해 생각을 하게 했습니다.

「어린 시절부터 다나카 이치무라 씨의 만년의 그림은 보았습니다만, 이 전람회에서는 초기 시절의 작품으로부터 보았습니다.개인적으로는 자신의 친가에 소테츠의 나무가 심어져 있었기 때문에, 아마미의 대자연의 바다나 파파야, 소테츠가 그려져 있는 그림에 전망해 버렸습니다」

그리고이 전시회를 감상 한 소감을 되돌아보고 마지막으로

「회화뿐만 아니라, 타나카 이치무라씨가 남겨진 귀중한 사진이나 친필의 엽서, 드문 영수증등도 남아 있기 때문에, 타나카 이치무라씨가 어떤 활약을 하고, 어떤 사람이었는지가 마음껏 느껴지는 멋진 그림전이라고 생각합니다.초기의 무렵은 지바현에서 이런 식으로 살고 있었구나, 굉장히 괴로운 노력을 한 분이라든지···많은 분에게 다나카 이치무라씨 의 매력을 느껴 주셨으면 합니다」

라고, 미소로 청중에게 호소하고 있었습니다.

“마지막은 도쿄에서 개인전을 열고 그림의 결착을 하고 싶다”고 말했던 다나카 이치무라. 본전 「다나카 이치무라전 아마미의 빛 영혼의 그림-Tanaka Isson: Light and Soulー」는, 확실히 기대하지 않고 이루어진 이치무라 마지막 소원이라고 할 수 있을지도 모릅니다 .

개최 기간은 2024년 12월 1일(일)까지.
세상의 영들로부터 몸을 두고, 전신 전령을 걸어 「그리는 것」에 임한 이치무라의 작품의 여러 가지를 꼭 회장에서 봐 주세요.

개최 개요

※기사의 내용은 취재시의 것입니다. 최신의 정보와 다른 경우가 있으므로, 자세한 것은 전람회 공식 사이트등에서 확인해 주세요. 또한 이 기사에서 다룬 작품이 이미 전시 종료되었을 가능성도 있습니다.

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도쿄도 미술관

도쿄도 미술관으로부터, 2024년 7월 20일(토)에 개막한 기획전 “대지에 귀를 기울입니다 기색과 직물”의 리포트가 도착했으므로 소개합니다.

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도쿄도 미술관의 기획전, 「대지에 귀를 기울입니다 기색과 직물」이 7월 20일(토)에 개막했다. 자연과 깊이 연관되어 제작을 이어가는 5명의 현대작가가 인간 중심의 생활 속에서는 들리기 어려워지고 있는 대지의 숨결을 전해주는 전시회다. 7월 19일(금)에는 프레스 내람회가 열리고 보도진에 공개됐다. 본전을 담당한 오하시 나토코 학예원과 참가 작가에 의한 전시 해설을 리포트한다.

■대지에 귀를 점점 기색과 직물
■2024년 7월 20일(토)～10월 9일(수)

본전을 담당한 오하시 나토코 학예원은, 기획의 배경으로서, 「동일본 대지진이나 신형 코로나의 감염증 확대 등, 대도시에서 사는 편리함과 함께 그 취약성을 느끼는 것이 최근 10년간 에 많이 있었다”고 한다. “도시의 어려움을 실감한 것에 비해, 자연이 약간 멀리 느껴, 계절의 옮겨갈 뿐만 아니라, 자연의 모습이나 변화를 느끼는 힘이 조금씩 약해져 가고 있는 감각을 깨달은 것이 큰 계기가 되어, 그런 개인적인 생각에서 조사를 진행해 ‘대도시에서 벗어나 자연 속에서 감각을 날카롭게 작품을 제작하고 있는 작가들이 참여하는 전람회가 됐다.

참가 작가는, 자연과 깊게 관계 제작을 잇는 카와무라 키이치, 고향 하루카, 미로코 마치코, 쿠라시나 미츠코, 에노모토 유이치의 5명.

입구의 에스컬레이터를 내려 바로 전시장(갤러리 C)에 들어가면 천장이 높고 개방감 있는 공간에 카와무라 키이치의 사진 작품이 늘어선 설치가 있다. 도쿄에서 태어나 자란 카와무라(1990년생)는 2017년 홋카이도 시레토코 반도로 이주해 작가 활동을 계속하고 있다.

“세계 자연 유산으로도 알려진 장소. 곰이나 범고래, 때로는 고래도 온다는 자연이 풍부한 동시에 매우 어려운 환경에서 생활하고 있습니다. 보다는 거기에 살고 있는 생활자로서 피부감각으로 풍토라는 것을 느끼면서 표현을 해 나가고 싶다는 생각으로 제작하고 있습니다.”라고 말한다. 옮겨 살고, 2년째의 가을에 사냥의 면허를 취해, 산에 들어가 사냥도 실시한다. 자연, 동물을 더 깊이 알고 싶다는 생각으로 시작했지만, 처음에는 자신이 숲에 받아들여지지 않은 것 같은 감각이 있거나 동물을 만나기도 어려웠다고 한다. 지형이나 그 땅에 사는 생물의 생태를 모르면 그 자리를 걷거나 먹이에 도착할 수 없다.

「도시의 생활에서는 느껴지지 않는, 모르는 것에 문제 의식이 있어 시레토코에서 살고 있습니다만, 사냥을 통해 생태계를 바깥에서 보는 것보다, 그 안에 들어가, 이키모노의 일원으로서 정신성 , 행위로서의 프로세스와 사진의 표현을 연결할 수 있으면 좋겠다고 생각해 제작을 하고 있습니다」(카와무라)

직물에 인쇄된 사진에는 가족의 일원인 아이누 개 우파시와의 생활, 시레토코의 풍경 등 카와무라의 일상이 파악되고 있다. 홋카이도산 목제 프레임에 액자를 찍은 사진은 아웃도어 캠프용 로프로 매달려 전시공간을 구성하고 있다. 환경을 배려해, 미술관의 건축에 경의를 기울여, 작품 전시를 위해서 새롭게 벽을 세우는 것은 하지 않았다. 작품끼리가 공간에 기분 좋게 배치되어 있는 모습은 감상자의 눈에도 신선할 것이다. 이 목제 액자는 접을 수 있습니다. 모두 작가 자신이 차에 담아 회장까지 옮겨 전시되고 있다. 전람회 종료 후에는 다시 접어 시레토코까지 돌아온다고 한다. 이것도 생활과 제작, 전시의 연속성을 소중히 여기는 카와무라의 행위로서의 프로세스일 것이다.

목판 화가의 고향 하루카는 오사카부 출생. 핀란드, 노르웨이 등 북유럽에서의 체류 제작을 거쳐 2017년부터는 아오모리에서 자연과 함께 사는 사람들에게 취재를 거듭하면서 제작하고 있다. 본전에서는 3개의 테마로 작품을 전시하고 있다. 북유럽 유목민 서미의 수공예에 걸려 만들어진 판화 시리즈 <순록산 두두지>, 아오모리, 미나미쓰가루의 산간지역에 취재를 거듭해 만들어진 <소마의 배>, <토즈테의 목소리>다.

고향은 목판화의 나무를 자신이 자연과 관련된 수단으로 파악하고 있다. 그렇게 생각하게 된 것은 2003년 처음으로 서미 마을에서 체재 제작을 한 것이 크게 영향을 받고 있다고 한다. 그 이후, 그들과 메일 등으로 커뮤니케이션을 하면서, 어려운 자연과 함께 있는 생활이 어떤 것인지 서서히 알게 되었다.

《순록의 모피》는, 마이너스 40℃에도 되는 지역에서 예로부터 순록의 모피를 몸에 걸치는 것으로 생존해 온 서미의 사람들에게 상을 얻어 그린 것. 그들은 순록을 잡으면 모피 외에 뼈와 힘줄도 그 모든 것을 자신들이 살기 위해 사용한다. 후루사카에게 있어서 목판화는, 서미에 있어서의 순록과 같다. 목판화를 만드는 것으로, 그들과 순록과 같은 삶을 살고 싶어지게 되었고, 순수한 나무의 모습과 나뭇결을 살려 주워 온 흙을 페인트로 만들게 되었다. 거기서 시작된 것이 <순록산 두두지> 시리즈다.

《직물》은, 숲 속의 나무에 날실을 붙이고, 장력을 조정하면서, 자연 속에서 수작업을 해 버리는 가벼움, 또 그 안에 있는 것의 기분 좋음도 느끼고 있는 사람들. “자연 속에서 어떻게 행동하는지, 그들의 말을 기록해 작품을 제작해 왔습니다”라고 말한다.

2017년부터는 일본에 눈을 돌리고 어려운 겨울과 함께 살아온 사람들에게 취재하려고 아오모리에 발길을 옮기게 되었다. 본전에서는, 회장의 천장고에 맞춘 대형의 목판화를 제작했다. 칠림으로 판목이 되는 목재의 벌채로부터 접해, 아오모리의 옻나무의 수액과 스스로 기른 쪽으로 쇄신한 신작이다. 회장에는, 목판화 뿐만이 아니라 이 판목도 전시되고 있어, 아오모리의 목립과 같은 전시 공간이 만들어지고 있다. 또, 페인트로서 고향이 이용하는, 옻나무의 수액, 남쪽, 흙 등 자연의 소재도 전시되고 있다. 《선을 만드는 그릇》에서는, 아오모리의 히바에, 아오모리에서 채집된 진흙이 얇게 들어가 있다. 마르면, 조금씩 금이 들어가는 것으로 선이 만들어지는 설치로, 회기가 진행됨에 따라 변화하는 모습도 관찰할 수 있을 것이다.

또한 고향의 자연과 호응하면서 제작하는 모습을 기록한 영상을 상영하고 있다. 여름의 쪽의 깎기, 겨울의 목재의 벌채, 흙의 채집, 조각과 인쇄의 장면까지, 목판화를 할 수 있을 때까지, 고향이 어떻게 자연과 관련되어 있는가 하는 것과 함께, 그 소재를 기르는 것으로부터 시작하는 제작에 엄청난 수고와 시간이 걸리고 있다는 것을 알 수 있다. 이 영상의 촬영은 본전의 참가 작가인 카와무라 키이치가 실시하고 있다.

하나 아래 층(갤러리 A)의 뚫고 전시실에는 미로코 마치코의 기세가 있는 작품 세계가 펼쳐진다. 오사카부 출생의 미로코마치코는 11년에 걸친 도쿄에서의 활동을 거쳐 2019년 아마미오시마로 이주했다. 전시공간의 중앙에는《섬》이 만들어져, 그 주위에는 아마미오시마에서 제작된 작품이 많이 전시되고 있다.

아마미오시마의 사람들은 자연에 맞춰 살고 있기 때문에, 자연을 느끼는 힘이 강하다고 말하는 미로코 마치코.

「자연을 느끼는 힘이, 나에게는 전혀 없다는 것을 깨달았습니다. 그것을 착용해 나가는데 있어서, 매우 소중한 것이 아닐까 생각하고, 날마다, 어떤 움직임이 있는지, 변화가 있을까를 괴롭히고 있는데, 섬의 자연은 매우 거칠어져 격렬해서.

《섬》을 형성하는 벽 안쪽의 그림은 이 자리에서 4일간 걸쳐 그려졌다. 외측은 2023년에 간행된 그림책 ‘보이지 않는 류’의 원화가 둘러싸인다.

“꼭, 이 『보이지 않는 류』의 이야기를 느끼고 나서, 안에는 말해 주었으면 합니다. 모든 것은 영향을 받고 있어, 바람이 불면 파도가 와서, 작은 파도가, 스플래시가 되어 몰아넣는다 그렇게 그 연결 같은 것을 의식하면서 처음부터 이렇게 하는 것이 있었던 것이 아니라 즉흥적으로 제작해 갔습니다. 의 자연이 거칠어지고 있는 기색을 느껴 주면 기쁘다고 생각하고 있습니다」(미로코)

《섬》의 바닥은 진흙 염색이 이루어져 있다. 아마미오시마에 이주해 약 5년, 대지의 에너지를 받을 수 있는 섬의 자연 소재는, 미로코가 표현하고 싶은 것에 맞는 것을 알았다고 한다.
아마미오시마의 숲에서 《빛의 잔물결》을 그린 라이브 페인팅의 영상《우미마토》도 회장의 일각에 마련된 오두막 속에서 볼 수 있다.

“옥외에서 그리면 바람의 움직임이나 빛의 변화, 많은 에너지 등을 받고 순발적으로 내려갑니다. 갑자기 형태로 만들어져 가는 것입니다만, 주위의 환경으로부터 받는 것을 자신의 몸에 새기도록 그리는, 그것이 나에게 있어서 대지인구나라고 느끼고 있습니다」(미로코).

아마미오시마의 사람들에게 산과 숲은 하나님이 있는 신성한 장소. 함부로 들어가는 것이 아니라, 「입구에 방해 했습니다. 숲은 뿌리나 돌이 엉망이 되어 있어, 움직임이 어렵고, 그리고 싶은 것이 넘쳐 오는데, 그릴 수 없는 갈등 같은 그림이 등장했잖아.

영상 오두막 밖의 벽면도 아마미에 많이 자생하는 히카게헤고라는 식물의 염료가 그려져 있다.

갤러리 B에서 작품을 전시하고 있는 쿠라시나 미츠코는, 아오모리현 태생으로 현재는 도쿄도 거주. 2001년부터 식물화를 시작했다.

동일본 대지진(2011년)의 쓰나미에 의해 변화가 있던 식물의 생육 환경을 관찰해, 2013년부터 정기적으로 현지에 발길을 옮겨, 식생을 수채화로 계속 그려내고 있다. 본전에서는, 재해지에 갈 수 없었던 시기에 그린 관동권의 식물화 2점과, 이와테현, 후쿠시마현, 미야기현에서 취재해 그린 15점이 전시되고 있다.

작품의 타이틀이 되고 있는 숫자는, 모두 그린 식물이 있던 위도와 경도. 「그 장소가 실제로 있다는 것을 시사하는 것과 동시에, 그 때만 보인 광경을 그려내고 싶다」(쿠라시나)라는 생각에 의한 것으로, 매우 중요한 일이라고 한다. 「tsunami plants(참치 플랜트)」라고 명명한 이들 식물의 하나 하나를 정중하게 관찰해 상세하게 그리는 것으로, 「그 식물의 씨는 해일에 의해 옮겨졌는지, 흙의 교반에 의해 싹트었는지, 혹은 부흥 공사 그 중에서 중기에 의해 옮겨졌는지, 그 장소에 일어난 것, 식물이 거기에 뿌리 내린 이유를 찾는다”라고 쿠라시나.

제작중인 작품도 전시되고 있다. 본전에서의 전시에 있어서, 쿠라시나가 제작에 힘을 쏟은 백도다. 일반적으로 알려진 등나무는, 덩굴이 위를 향해 뻗어, 등나무 선반에 얽혀, 꽃은 늘어진다. 그런데 이것은 덩굴이 땅을 기어 다니고 잎을 붙이고 흰 꽃을 피우고 있다. 2016년에 이 땅을 포복하는 백도의 사진을 볼 기회를 얻은 쿠라시나는, 아무래도 이것을 그리고 싶어, 현지를 취재해, 작년부터 그리기 시작했다. 땅에서 하얀 꽃을 피우는 것은 드물다고 한다. 피우고 싶다는 정도의 에너지가 있을 것이라고 쿠라시나. 작품의 도중 경과를 볼 수 있는 것도 귀중한 기회이다.

에노모토 유이치(1974년생)는 도쿄에서 태어나 자라, 2018년부터 홋카이도 네무로, 올해부터 니가타현 이토우가와에도 아틀리에를 두고, 3거점에서 제작을 실시하고 있다.
본전에서는 네무로의 풍경을 모티브로 한 유채와 알루미늄 패널을 얼음에 담은 신작의 《결빙》을 전시하고 있다.

《늪과 목립》은 멀리서 보면 흑백의 추상화인 것 같지만, 근처에서 눈을 응시해 보면 검은 화면 속에 목립이 보인다.

“아무도 없는, 아무도 오지 않는 깊은 숲 속에서 갑자기 나타난 풍경에 놀라, 기쁨과 공포도 느낀 것을 기억합니다”라는 에노모토의 말을 오하시 학예원이 전해 쌓은 하얀 눈– -에노모토가 만난 자연을 신선한 감성으로 파악한 작품이라고 소개했다. 흑백으로 심플하게 깎인 작품이기 때문에, 보는 사람이 자신의 기억과 연결 자유롭게 상상을 펼칠 여백을 가지고 있다.

한편, 알루미늄 패널에 표현하고 있는 10점의 신작, 《결빙》에는, 바다로부터의 강한 바람에 의해 눈이 낳는 표정이 파악되고 있다.

“얼음 위를 걷는 경험은 (일반적으로는) 없어도, 이 작품이 많이 늘어서 얼음에 둘러싸인 공간이 되어 있다”고 오하시 학예원. 10점이 늘어서는 것으로, 겨울의 근실에서 이러한 자연의 짜내는 아름다운 조형이 무수하게 만들어지고 있는 것을 상상시켜 준다. 덧붙여서, 마지막에 전시되고 있는 작은 작품에는, 눈 위에 동물의 발자국이 보인다. 언뜻 보면, 조용하고 모노크롬의 세계이지만, 에노모토가 네무로에서 느끼고 싶은 것의 기색이나 생명의 반짝임이 나타나고 있다.

 

회장의 마지막에는 봄을 나타내는 작품이 전시되어 있다. 홋카이도에 분포하는 다년초로 4월부터 5월에 꽃을 피우는 에조엔고삭을 모티브로 한 기형 작품이다. 전시 끝에 에노모토가 제작한 신작이다.

그 옆에서는 에노모토가 작품 제작의 자료로 촬영한 사진의 슬라이드쇼가 흘러 네무로의 봄부터 사계절의 이동을 볼 수 있다. 에노모토가 도쿄와 전혀 다른 경치를 보이는 네무로에 매료된 잔잔한 감각을 마음껏 전할 뿐만 아니라, 얼음이 한 호수의 풍경이나 에조엔고삭의 꽃 등, 전시되고 있는 작품과 관련이 강한 사진도 포함되어있는 것도 흥미 롭습니다.

5명의 현대 작가에 의한 사진, 목판화, 유채화, 수채화, 설치 등 다양한 작품이 전시되는 공간을 오거나 하면서, 평소 잊기 쉬운 본래 인간이 가지고 있는 자연과 관련된 감각을 부르는 계기가 될 것이다.

덧붙여 본전의 도록에는 아마미오시마에서 염색된 진흙 염색의 천이 붙어 있다.
참가 작가의 한사람, 미로코 마치코가 작품 제작에 사용하고 있는 진흙 염색과 같은 공방에 의한 것이다.

촬영·스즈키 섭

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전시회 개최 개요 ● 전시회 명 대지에 귀를 기울입니다 기색과 직물
The Whispering Land: Artists in Correspondence with Nature
●회기 2024년 7월 20일(토)～10월 9일(수)
●회장 도쿄도 미술관 갤러리 A・B・C
●휴무일 월요일, 9월 17일(화), 9월 24일(화)※8월 12일(월·휴), 9월 16일(월·축), 9월 23일(월·휴 )는 개실 ●개실 시간 9:30~17:30, 금요일은 9:30~20:00 *입실은 폐실 30분 전까지 ●관람료 일반 1,100엔, 대학생・전문학교생 700엔, 65 세 이상 800엔, 고교생 이하 무료
●주최 공익재단법인 도쿄도역사문화재단 도쿄도미술관 ●특별협력 주식회사 츠가와 ●협력 합동회사 북력, 주식회사 미시마사, Gallery Camellia, 아오모리 공립대학 국제예술센터 아오모리 ●문의처 도쿄도미술관 03-3823 -6921
이벤트 등의 최신 정보는 전람회 공식 사이트를 봐 주세요
https://www.tobikan.jp/daichinimimi

 

기사 제공: 코코실 우에노

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