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국립과학박물관

육상 척추동물 중에서 가장 많은 약 1만 1000종으로 나뉘어, 대공이나 대지, 수중, 그리고 극지까지, 지구상의 다양한 환경에서 번영하고 있는 조류. 가 출판하는 「일본 조류 목록」 에 준거하고 있습니다만, 최근, 급속하게 진전하는 게놈 해석에 의해 밝혀진 진화의 역사나 계통을 근거로, 올해의 9월, 12년만에 개정되었습니다.

현재, 도쿄·우에노의 국립 과학 박물관에서 개최 중의 특별전 “새~게놈 해석이 밝혀지는 새로운 조류의 계통~” (~2025년 2월 24일까지)에서는, 최신의 게놈 계통에 의한 분류에 근거하면서, 세계의 새의 놀라운 생태 등 다양한 매력을 해설. 전시되는 새의 표본은 600점을 넘는, 국립 과학 박물관 역사상 전례없는 규모감으로, 초보자부터 새 매니아, 열성적인 버드워처까지 폭넓게 즐길 수 있는 내용으로 되어 있습니다.

본전의 종합감수를 맡은 서해공씨(국립과학박물관 동물연구부 연구주간)는, 개막에 앞서 행해진 보도 내람회에서, 본전 개최의 의의에 대해 다음과 같이 이야기했습니다.

“새는 생태계 피라미드에서 다양한 역할을 하고 있습니다. 나 올빼미 등 스스로 둥지 구멍을 뚫을 수없는 다양한 생물에 서식 장소를 제공하고, 생물 다양성을 풍부하게 하고 있습니다.그런 새들 중에는, 최근 수를 줄이고 있는 것도 많아, 멸종에 처해 있는 것도 존재합니다. 알고, 새에 익숙해지는 것은, 지구 환경을 생각해 가는데 있어서 매우 중요한 일이라고 생각하고 있습니다」

서해씨에 의하면, 새는 동물 중에서도, 특히 환경의 영향을 받기 쉽다고 한다. 씨앗 멸한 것을 의미합니다.본전에서도 서장으로서, 우선 「멸종」을 테마로 한 코너가 설치되어 있어 「무엇을 두어도, 새를 둘러싼 현상을 알고 싶다」라고 하는 감수자들 의 강한 생각이 느껴집니다.

약 2600만년 전에 살았던 날개개장이 7m 에 달하는 사상 최대의 비상할 수 있는 새 '페라고르니스 샌델시'의 실물대생체 복원 모델의 전시는 본전의 볼거리 중 하나.

본 모델의 감수자인 밧비지 타카유키씨(국립과학박물관 지학연구부 연구주간)은 “현상 알고 있는 범위에서 사상 최대의 하늘을 날고 있던 새라고 하는 것으로. 날 수 있는지 등 화석에서 알려진 모양의 다양성, 형태의 한계 부분을 찾아보고 싶다는 것도 있고 복원에 도전했습니다 "라고 생각을 말하고 있습니다.

본전의 제일의 매력은 , 역시 그 표본의 볼륨이겠지요.

니시카이씨에 의하면, 국립과학박물관이 소장하는 약 3,000점의 표본으로부터, 특히 보기 좋게 좋은 것을 엄선했다고 한다. 협력도 얻어 전시되는, 600점 이상에 걸친 고금 동서의 새들의 표본군은 압권의 한마디. 「일생분의 새를 볼 수 있는⁉」 란 본전의 캐치 카피입니다만, 기준으로서, 400종 이상의 새를 관찰할 수 있으면 버드 워처로서 상당한 경험자라고 한다든가.

귀여운 새, 개성적인 새, 희귀한 새.

회장은 분류학상의 「눈」마다 레이아웃되어 있어, 그 중에서도 주목해 주었으면 하는 것은 펭귄 눈의 전시, 「펭귄 대 집합」 의 코너입니다.

펭귄 눈의 현생종 18종 중 11종, 15체의 표본을 전시. 향을 바라보는 케이프펭귄과 마젤란펭귄의 그룹 등, 배치에 이야기를 느끼는 것도 있습니다.하나의 광경으로서 정리가 있어, 마치 동물원과 같은 분위기가 감돌고 있습니다.

외형은 펭귄을 닮았지만 계통은 전혀 다른, 치도리 눈의 늑대 유리가 자연스럽게 섞여있는 것도, 실수 찾기 같고 재미있는 곳.펭귄의 분포는 남반구에 한정됩니다만, 북극에서도 늑대 유리와 같이 한 펭귄을 닮은 날 수 없는 새가 수렴 진화(※)해 갔다고 합니다.

(※)…어류의 상어와 포유류의 돌고래, 조류의 날개와 포유류의 박쥐의 날개와 같이, 계통이 크게 다른 생물이 같은 환경에 놓였을 때, 비슷한 형질이나 기능을 획득하는 것 .

「펭귄 대집합」의 코너의 상공에 눈을 돌리면, 펭귄의 계란이나 히나를 노리는 포식자인 대나무 갈매기가 날개를 펼쳐, 바로 펭귄들을 노리고 있는 모습. 그럼 360도, 시선을 둘러보는 것을 추천합니다.

또, 게놈 해석에 의한 계통 연구가 본전의 골자가 되고 있습니다만, 전시에서는 그 상징적인 성과로서, 「눈」의 대분류에 하야부사 눈이 세워진 것을 소개.하야부사류는, 주로 형태의 차이를 지표로 한 종래의 분류에서는 타카메 하지만, 실은 타카보다, 계통적으로는 잉꼬 눈이나 참새 눈에 가까운 것이 판명된 것입니다.

덧붙여 타조 눈에서 참새 눈까지 44 있는 "눈"입니다만, 거의 전세계에 분포하고 있는 참새 눈은 6,700여종이 있는 한편, 아마존 유역에 고유의 츠메바케이 눈은, 무려 츠메바케이 1종만으로 , 종 수와 분포 범위에 큰 너비가 있습니다.

이 1눈 1종의 진조는 수상성으로 비상력이 낮고, 새에서는 유일하게, 나무의 잎을 주식으로 하는 독특한 생태를 하고 있습니다.파워풀에 하늘을 날아 먹이를 사냥하는 육식의 맹금류와는 정반대의 이미지입니다만, 계통적으로는, 이 츠메바케이 눈을 통해 맹금류의 타카눈이나 올빼미눈 등이 태어났을 가능성이 시사되고 있다고 한다.

기본적으로 새의 「눈」은, 분기한 연대가 거의 갖추어져 있고, 소행성의 충돌에 의한 공룡의 대멸멸이 있던 6600만년 전부터 5000만년 전 무렵까지 분기한 그룹이 「눈」이라고 나 츠메바케이 눈은 5000만년 이상도 분기하지 않고, 단지 1종으로 생존해 왔는지, 1종을 남겨 멸종해 버렸는지는 불명합니다만, 정말 신비한 존재입니다.

동물의 도해 일러스트에서 인기의 크리에이터· 누마가사 와타리씨가 기고하고 있는 “새의 비밀” 코너도 필견입니다.

동 코너는, 「뻐꾸기의 도란으로 숙주는 멸망하지 않는 것인가?」 「새에도 있는“방언”이나“언어”」 등 23개의 테마를 마련해, 최신 연구의 성과를 두지식적으로 소개하는 것. 누마가사 와타리 씨의 일러스트는 꾸준히 웃어 버리는 유머로 방문자의 이해를 지원합니다.

감수자 중 한 명인 하마오 쇼지(국립과학박물관 동물연구부 연구주간)는 “본전에서는 새와 사람과의 세계가 보이는 방식의 차이를 강조하고 싶었다”고 말했다. "비둘기가 가르쳐주는 새의 "마음""의 전시에 대해 언급했습니다.

거기서 소개되고 있던 것은, 일본화와 서양화를 구별하는 훈련을 받은 비둘기로, 원래의 그림을 1,024 분할해 바라바라에 배치를 바꾼 스크램블화를 보인다고 하는 실험 결과입니다. 일본화인가 서양화인가, 사람에게 있어서는 판단하는 것이 곤란합니다만, 비둘기는 처음 보는 그림에서도 용이하게 구별이 붙었다고 한다.

“인간은 전체를 보고 특징을 파악하는 것이 자랑스럽고, 비둘기는 세세한 곳을 바보 정직하게 하는지, 하나 하나 세세하게 보고 기억한다. 그러한 인지의 방법을 하고 있습니다. 라고 하는 것입니다. 이것은 비둘기가 현명하고, 현명하지 않다고 하는 것이 아니라, 호모 사피엔스와 새와는 인지의 방법이 다르다, 다른 세계를 보고 있다고 하는 것을 알 수 있는 이야기입니다」(하마오씨 )

또, 하마오씨는, 새의 수컷과 메스의 의외인 짝짓기 관계에 관한 전시에 대해서도 언급했습니다. 할 이미지가있는 사람도 있습니다. 쇼. 그러나, 예를 들면 꿩류의 수컷은 쌍둥이 관계의 암컷과의 사이에 아이가 생기면, 둥지 만들기나 포란, 육아, 그리고 잇몸의 유대도 포기해, 차례차례로 다른 암컷에 구애하는 것으로부터, 일부 다처제(혹은 난혼)라고 합니다.

인간의 상식으로는, 「육아도 하지 않고 여자를 건너 걷다니」라고 눈썹을 찌푸리고 싶어지는 생태입니다만, 실제로는 히나의 성숙이 빠르고, 육아는 1마리에서도 부족하다고 한다. 를 남기기 위해 각각의 개체가 진화한 결과라고 하마오씨는 말합니다.

"이렇게 우리가 가지고 있는 이미지, 인간이 이렇게 생각하기 때문에 새도 이렇게 생각하지 않을까 하는 것은 의외로 맞지 않습니다. 새는 엄격한 진화의 도태압 속에서 더 아이를 남기기위한 모든 성격을 습득하십시오. 그러니까, 이것은 사람에게 묶어 생각해 버리지 말라고. 을 가지고, 이러한 전시를 만들고 있습니다」(하마오씨)

게놈 해석에 의해, 종래, 우리가 안고 있던 이미지와는 다른 모습이 보여 온 새들.그들이 어떤 생태적 특징을 가지고, 어떤 생활을 하고, 생태계 속에서 어떤 역할을 연주 하고 있는 것인가. 그것을 알게 된 우리는, 다시 한번 그들에게 어떤 매력을 찾아내는 것인가.

특별전 「새~게놈 해석이 밝혀지는 새로운 조류의 계통~」개요

회기	2024년 11월 2일(토)～2025년 2월 24일(월·휴)
회장	국립과학박물관(도쿄·우에노 공원)
개관 시간	9:00~17:00(입장은 16:30까지)
휴관일	월요일, 11월 5일(화), 12월 28일(토)~1월 1일(수), 1월 14일(화) ※단, 11월 4일(월·휴), 12월 23일(월), 1월 13일(월·축), 2월 17일(월), 2월 24일(월·휴)는 개관 . ※회기 등은 변경되는 경우가 있습니다.
입장료(세금 포함)	일반·대학생 2,100엔, 초·중·고교생 600엔 ※미취학아는 무료. ※장애인 수첩을 가지고 계신 분과 그 개호자 1명은 무료. ※학생증, 각종 증명서를 가지고 계신 분은, 입장시에 제시해 주세요.
주최	국립과학박물관, 일본경제신문사, BSTV 도쿄
문의	050-5541-8600(헬로 다이얼)
전시회 공식 사이트	https://toriten.exhn.jp/

※기사의 내용은 취재일 시점의 것입니다.최신의 정보는 전람회 공식 사이트등에서 확인해 주세요.

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도쿄 국립 박물관

고분 시대에 만들어진 다종다양한 시바와 중에서도 최고 걸작이라고 불리는 국보《시바와 쇼코의 무인》 이 국보로 지정되어 50주년을 맞아 이를 기념한 특별전 ‘하니와’가 도쿄 국립박물관 (이하, 히가시히로)에서 개막했습니다. 회기는 2024년 12월 8일까지.

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고분 시대의 3세기부터 6세기에 걸쳐 활발하게 만들어진 시바와는, 왕 등의 권력자의 무덤인 고분에 나란히 놓인 초밥 구이의 조형물입니다. 초기는 간소한 통형이었지만, 시대가 내리면 인물 토륜을 비롯해, 말이나 새 등의 사랑스러운 동물 토륜, 정교한 무구나 집을 본뜬 상형 토륜 등 개성 풍부하게 발전. 고대인의 생활과 풍습을 현재에 전하는 귀중한 자료가 되고 있습니다.

본전에서는 시바와를 중심으로, 고분에서 출토한 부장품 등을 포함한 전국 엄선된 보물, 약 120건이 집결. 히가시히로에서는 약 반세기 만에 개최되는 대규모 시바나전이 됩니다.

제1회장의 입구에서 참석자를 맞이하는 것은, 지금 시바와의 아이콘으로서 인지되고 있는, 흐린 표정이 사랑스러운 《시바나 춤추는 사람들》 입니다. 일본 열도에서 독자적으로 출현, 발달한 시바나는 옷과 얼굴, 몸짓 등의 표현을 간략화하고 둥글림을 가진 특징이 있지만, 그 독특한 “유루사”가 담긴 대표적인 작품. 의례에 즈음해 춤추는 모습을 보인 것으로 여겨져, 히가시히로의 마스코트 캐릭터인 「토하쿠군」의 모델이기도 합니다.

1930년에 사이타마현 구마가야시의 노하라 고분으로부터 출토했을 때, 곧바로 수리 복원되었습니다만, 최근에는 열화가 현저하게 대출도 할 수 없는 상태가 되어 있었다고 한다. 그래서 히가시 히로시와 문화재 활용 센터가 클라우드 펀딩 등으로 기부를 하고, 2022년 10월부터 해체 수리를 실시. 2024년 3월에 수리를 마치고 본전이 수리 후 첫 피로의 기회가 됩니다.

수리를 거쳐 변한 점은 몇 가지 있습니다만, 가장 큰 변화는 그 붉은 힘일 것입니다. 클리닝시에 흙에 묻혀 있는 가운데 부착된 흙이나 오랜 전시에 의해 퇴적한 공기 중의 얼룩 등에 의해 본작이 실제보다 황색이 강한 색조로 되어 있는 것이 판명. 낡은 출토품은 내력을 나타내는 의미에서도, 더러움을 무리하게 떨어뜨리지 않는 케이스가 자주 있습니다만, 이번의 수복에서는 어디까지나 제작 당초의 모습을 이미지할 수 있도록, 최대한 더러움을 떨어뜨리기로 했다고 합니다. 이렇게 나타난 본래의 색은 바로 북관동에서 자주 볼 수 있는 화산성 광물을 포함한 철분이 많은 붉은 탄색이다.

그런《시바와 춤추는 사람들》입니다만, 히가시히로의 야마모토 료 연구원에 의하면, 최근에는 「춤추고 있는 것이 아니라, 실은 말을 예고하고 있는 모습에서는?」라고 하는 설도 유력시되고 있다든가.

한 손을 꼽는 포즈를 취한 시바와는 원래 말과 함께 발굴되는 경우가 많다. 또, 키가 낮은 쪽의 시바와의 허리에 제시한 비틀림 끈은 고삐를, 등에 짊어진 낫은 말의 먹이가 되는 목초를 깎기 위한 것을 나타내고 있다, 라고 하는 가능성이 근거에 있는 것 같습니다 . 만약 말 예뻤다고 하면, 오랫동안 「춤추는 사람들」로 친해지고 있었던 만큼, 조금 유감인 생각도 합니다만…

“그러나, 원래의 시바와에서 발전하여 의미가 바뀐다는 것도 자주 있는 것입니다. 이나 이노의 토네에서 사냥의 장면을 표현하는 등, 여러가지 스토리를 나타내는 것이 있습니다. “라고 말한 야마모토 연구원. 향후 연구가 기다릴 것입니다.

계속되는 「왕의 등장」 이라고 제목이 붙은 전시 코너는, 전시품이 모두 국보만으로 구성되어 있는 호화스러운 공간.

고분에서는 시바와와 함께 호화로운 부장품을 찾을 수 있습니다. 예를 들면, 고분 시대 전기(3~4세기)에서는 왕이 비야호처럼 사제자적인 역할을 하고 있었기 때문에, 청동제의 거울이나 귀중한 석재로 만든 완식형의 보기 등이 많이 출토해 있습니다.

전시에서는, 4세기 후반에 축조된 도다이지산 고분으로부터 출토한, 그 밖에 예를 보지 않는 장식의 무늬 머리를 가지는 국보 《금상감명 대도》 를 소개. 일본 출토의 명문도검으로서 가장 오래된 것으로 알려진 본작은 바로 비야호가 중국 왕조로부터 양도되었다고 하는 연구자도 있는 것 같습니다.

한반도의 동란기를 받고, 왕이 무인적인 성질을 강화한 고분 시대 중기(5세기)에서는 무구류가 눈에 띄도록. 야마토 왕권의 중앙 집권적인 성격이 강해지고, 승마의 풍습이 보다 퍼진 고분 시대 후기(6세기)가 되면, 황급하게 왕이나 그 말을 장식해, 권위의 높이를 나타내는 금동제의 장신구 등이 등장 합니다.

이와 같이, 부장품은 왕의 역할의 변화와 연동하도록 바뀌어 있었기 때문에, 그들을 개관하는 것으로, 시바와가 만들어진 시대의 문화나 풍습이 어떻게 변천했는지도 엿볼 수 있다 합니다.

고분에 시바와를 세우는 풍습은, 야마토 왕권과의 관계를 축으로, 고분 문화의 중심지였던 긴키 지방에서 북한은 이와테현, 남한은 가고시마현까지 일본 열도 각지에 보급. 그 토란은 지역마다의 습속의 차이, 기술자의 숙련도, 대왕과의 관계성의 강약에 의해, 대왕묘의 토륜과 비교해도 손색이 없는 정교한 것, 지역색 넘치는 독자성이 강한 것 등 , 발전 속에서 표현에 개성이 나왔습니다. 「시바나의 조형」의 전시 코너에서는, 그러한 다방면에 걸친 조형의 전개에 초점을 맞추고 있습니다.

예를 들어, 미에현 스즈카시의 석약사 동고분군으로부터 출토한 《마가타시바와》 는, 똑바로 뻗은 갈기나, 덮는 것인가, 독특한 머리의 표현은 전국적으로 봐도 유례가 없는 드문 것. 이바라키현 출토라고 전해지는 《시바나 수염의 남자》 는, 곱슬 머리와 같은 미두라나 볶음모자가 그림책에 나오는 요정과 같다. 이러한 긴 수염을 가진 토바는 6세기대의 매우 지역색이 강한 작례로 알려져 있습니다.

비밀리에 방문자의 주목을 모으고 있던 것은, 원통 토륜에 왠지 안면의 표현이 베풀어진 《얼굴 첨부 원통 토륜」 입니다.

원통 시바와의 뿌리는, 야요이 시대에 요시비 지역(현재의 오카야마현역)에서 제기로서 이용된, 항아리를 얹는 받침대로서 만들어진 특수기대라고 불리는 토기이며, 거기에 얼굴이 붙는 유래는 없습니다 . 토시와의 탄생부터 소멸까지 주류인 계속된 원통 토시와입니다만, 안면이 있는 원통 토시와의 출토예는, 군마현 타마무라마치의 시모고 텐진즈카 고분이나 도치기현 아시카가시의 행기 히라야마 정고분 등, 북관동을 중심에 불과 몇 예가 인정되는 정도라고. 「그냥 원통형이라서 시시하다」라고 생각한 시바와 장인의 장난이었을까요?

제2회장에 들어가면 드디어 본전의 하이라이트인 ‘국보안갑의 무인과 그 동료’의 전시 코너가 나타납니다.

히가시 히로시가 소장하는 《시바와 쇼코의 무인》 은 군마현 오타시에서 출토하여 시바와로 처음으로 국보로 지정된 것입니다. 본작과 같은 공방에서 제작되었다고 생각되는 유사한 무인 시바와 중, 완전한 형태로 복원된 것이 그 밖에 4장 존재합니다만, 본전에서는 그 “형제”들, 전 5장을 사상 처음으로 한자리에 전시 . 그 중 하나는 현재 미국의 시애틀 미술관이 소장하고 있기 때문에 비교해 즐길 수 있는 귀중한 기회가 되고 있습니다.

히가시 히로시 소장품은 세부까지 입체적이고 정교한 구조를하고 있으며, 머리에서 발끝까지 전신을 방어구로 덮고, 왼손에 활을, 오른손에 칼을 들고, 등에는 푸시 (유기 / 화살 입구)를 짊어진 모습. 덧붙여서 갑갑이란, 상반신에 표현되고 있는 작은 철판을 합친 방어구를 가리킵니다.

“이렇게 엄중하게 갑옷을 착용하고 있는 시바와는 다른 예가 없다”고 말한 것은 히가시히로의 하노 마사토시 연구원입니다.

“이런 『안갑의 무인』은 6세기 후반에 만들어진 것입니다. 행해지고 있었습니다.불교가 들어간 것으로 가치관이 변화해, 점차 킨키에서는 전방 후원분 만들기, 시바링 만들기가 쇠퇴해 가는 것입니다만, 6세기 후반이 되어도 군마에는 아직 그 영향은 미치지 않고, 활발히 토륜이 만들어지고 있었습니다.

5마리의 「안갑의 무인」은 표정도 포함해 매우 비슷한 모습을 하고 있습니다만, 잘 관찰하면 짊어진 화살입구가 속이 아니라, 잔보다 뒤에 등장한 호롱(코로쿠)에서 있거나, 하반신에 몸에 붙이고 있는 것이 방어구가 아니라 하카마르고와 차이도 볼 수 있습니다. 가장 오래된 히가시히로 소장품, 군마의 아이카와 고고관 소장품에서, 가장 새로운 나라의 천리 대학 부속 천리 참고관 소장품으로, 섬세한 표현의 생략화가 진행되고 있는 점도 놓칠 수 없습니다.

또, 본전에 대해서 고노 연구원은 「그냥 명품전에는 하고 싶지 않은, 최신의 연구 성과를 알기 쉽게 여러분에게 전하고 싶다고 하는 생각이 강하고, 연구 성과에 비추어 구성도 생각했습니다」라고 이야기해, 그 가장 큰 사례로서 동관 소장의 「안갑의 무인」의 채색 복원 전시를 들었습니다. 과학 분석과 상세한 육안 관찰의 결과, 전면적으로 흰색, 빨강, 회색의 3색으로 칠해져 있는 것이 판명. 기존의 이미지가 크게 뒤집히게 되었습니다.

전람회의 종반, 「이야기를 잇는 시바와」의 코너에서는, 인물이나 동물 등 복수의 시바와를 조합해 다양한 이야기를 표현한, 전술의 「시바나 군상」에 주목. 죽은 왕의 도덕을 극복하고, 새로운 왕에 대한 충성을 맹세하는 공식적인 배례 장면을 나타내는 「무릎 꿇는 남자」나, 사타구니를 밟아 고분이 쌓이는 토지의 사기를 지불하는 스모의 역사 등, 이야기 속에서 각각의 시바나가 분담한 역할에 대해 소개하고 있습니다.

또, 여기에서는 사랑스러운 동물 시바와도 대집합. 동물 토륜 중에서 가장 많이 제작된 것은 권력의 상징이었던 말이지만, 그 밖에 새벽을 말하는 닭, 사냥 장면을 구성하는 사슴, 멧돼지, 개 등도 왕권 의례와 관련하여 만들어지고 있다 라는 것. 한편, 일부 물새나 물고기 등은 자연의 동물을 솔직하게 찍은 것으로 추측되고 있어, 고대인들의 자연적인 조형 의식의 발로를 느낄 수 있습니다.

각각의 소장처의 에이스급의 명품을 모으기 위해, 약 5년의 준비 기간을 걸쳐 기적적으로 실현했다는 대규모 시바나전. 꼭 이 기회에, 시바와의 세계의 깊이를 다시 체감해 보는 것은 어떻습니까.

 

※본전에서는 일부 작품을 제외하고 전시실 내에서 사진 촬영을 할 수 있습니다.

쇼코의 무인 국보 지정 50주년 기념 특별전 “하니와” 개요

※기사의 내용은 취재 시점의 것입니다. 최신 정보는 전람회 공식 사이트 등에서 확인해 주십시오.

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국립 서양 미술관

인상파를 대표하는 화가·클로드·모네의 만년의 작품과, 그 표현의 변화에 초점을 맞춘 전람회 “모네 수련의 때” 가, 도쿄·우에노의 국립 서양 미술관에서 개막했습니다. 회기는 2025년 2월 11일까지.

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같은 모티프를 다른 계절이나 날씨 속에서 관찰해, 시시각각 변화하는 인상이나 빛의 움직임을 복수의 캔버스로 그려내는 「연작」의 수법을 확립한 것으로도 알려진 클로드 모네(1840-1926) . 1890년, 50세가 된 모네는, 프랑스의 오무라 지베르니의 토지와 집을 매입해, 수년에 걸쳐 수련의 연못이 있는 「물의 정원」을 조성합니다. 이 수련 연못에 주위의 나무나 하늘, 빛이 일체가 되어 비추어지는 수면이, 만년의 모네에 있어서의 가장 큰 창조의 근원이 되었습니다.

본전은, 최초기의 귀중한 <수련>의 작례로부터, 모네의 마음을 최후까지 차지하고 있던 「대장식화」의 제작 과정에서 만들어진 대화면의 <수련> 등, <수련> 연작을 중심에 모네의 집대성이 되는 만년의 예술 표현을 소개하는 것.

회장 에는 세계 최대급의 모네 컬렉션을 자랑하는 파리의 말모탄 모네 미술관에서 일본 최초 공개 7점을 포함한 48점의 회화가 일본에 왔다. 국립 서양 미술관의 마쓰가타 컬렉션을 비롯해 일본 국내에 소장되는 명화도 더한 총 66점을 전시하고 있습니다.

회장 입구에 있는 크게 늘어난 사진은 모자를 쓴 모네의 머리가 수련 연못에 비치는 모습을 남긴 것. 본전의 보도 내람회에 참가한 말모탄·모네 미술관 컬렉션 부장·문화재 주임학 예원인 실비·칼리에씨는, “모네의 시점을 통해, 모네와 함께 완만하게 물의 풍경이나 물가에 서식하는 식물들의 안으로 나아가는 이 전시회 전체의 의도를 시각적으로 보여주는 것입니다.”라고 말합니다.

본 전시회는 4장과 에필로그로 구성되어 있습니다. 제1장 「세느 강에서 수련의 연못으로」 에서는, <수련>에 착수하기 이전, 1890년대 후반의 모네의 주요한 창조원이었던 런던이나 세느 강의 풍경을 그린 작품을 소개. 모네가 어떻게 물이라는 모티프, 그리고 수면에 비추어지는 빛과 반사상이 만들어내는 효과에 탐구심을 기울여 갔는지 보여줍니다.

또, 모네가 처음으로 <수련>을 그린 것은 1897년으로 되어 있습니다만, 제1장에는 그 최초기의 <수련>으로 추정되는 귀중한 작례 도 전시하고 있습니다.

후년의 연작과는 대조적으로, 수목이나 하늘이 반사하는 수면이 아니라 수련의 꽃 자체를 닫습니다. 섬세한 필치로 사실적인 요소를 남기면서 물체의 형태가 그려져 있어 추상화가 진행되는 그 후의 표현과의 비교도 즐길 수 있습니다.

19세기 말 프랑스에서는 장식 예술이 전례없는 융성을 보였고, 모네도 1870년대의 인상파 시대에 본격적인 장식화를 다루었습니다. 이윽고, 1890년대를 통해서 연작의 전시 효과를 추구하는 가운데, 수련이라고 하는 하나의 주제만으로 이루어지는 장식화로 전시 공간을 메우는 「대장식화(Grande Décoration)」 를 구상. 백내장을 앓고 있으면서도 1914년부터 정력적으로 대처하기 시작해, 최종적으로 파리에 있는 오랑쥬리 미술관의 전시실을 빙빙 덮는 8점의 거대한 장식 패널의 형태로 결실하게 됩니다.

최종적으로 물과 수련, 버드나무와 같은 모티프에 수렴했지만, 당초는 큰 원예 애호가였던 모네답게, 연못의 주위에 심어진 다종 다양한 꽃들도 도입할 계획이었습니다 . 제2장 「물과 꽃들의 장식」 에서는, 구상 속에서 중요한 일각을 이루고 있던, 연못에 걸리는 북교에 기어가는 등나무나 기슭에 피는 아가판서스 등을 다룬 작품을 전시하고 있습니다.

아이리스도 모네가 특히 좋아했던 꽃이며, 1914년 이후에 다루어진 꽃들의 습작 중 아이리스를 그린 작품은 수련에 이어 가장 많고 점수는 20을 센다. 《노란 아이리스》 는 보기, 벌레나 물고기의 시선으로 아이리스를 올려다 보는 구도에 느껴집니다만, 실제로는 바로 옆에서 파악한 아이리스와 하늘이 비추어진 연못의 수면을 내려다보는 두 개의 다른 시점이 조합 된 것. 모네는 이러한 감상자의 인식을 흔드는 회화 공간을 둘러싼 탐구에 여념이 없었습니다.

제3장 「대장식화에의 길」 은, 대장식화의 제작 과정에서 만들어진 <수련>의 많은 가운데, 특히 완성형과 관련이 깊은 대형 작품만을 9점 전시. 오란쥬리 미술관의 전시실에 이미지를 담은 타원형의 전시 공간에서 <수련>에 둘러싸여, 어디까지나 펼쳐지는 명상적인 색채의 세계와 일체화할 수 있는 본전의 하이라이트입니다. 덧붙여 이 지역에서는 특별히 사진 촬영도 가능합니다.

9점 중 2점은, 1914년 이후의 제작에 있어서 중요한 모티프가 된 구름의 반영이 존재감을 나타내고 있습니다. 한편은, 은은하게 오렌지에 물드는 흰 구름이 중심이 되어, 푸른 하늘과 명료한 콘트라스트를 이루는 모습이 특징적. 분방한 필치로 그려진 수련의 잎과 가지 버드나무 버드나무가 화면의 상하 좌우로 뻗어, 생생한 인상을 받습니다.

이렇게 모네가 구름의 반영을 중시하게 된 것은 포플러나 버드나무나무와 같은 대지에 연결되는 요소와 함께 연못의 수면 위에서 하늘과 땅이 일체가 되는 감각을 강화하려고 했기 때문이라고 한다. 견해도 있는 것 같습니다.

또한 거대한 장식 패널의 제작은 모네가 새롭게 건설한 광대한 아틀리에에서 야외에서 그린 습작을 바탕으로 임명되었습니다. 자연의 인상 기억을 내면화하고 캔버스 위에 재구성하는 과정을 거쳐 모네의 예술은 망막에 비치는 현실에서 벗어나 보다 내적인 이미지로 변용해 갑니다.

제4장 「교향하는 색채」 에서는, 죽음의 때까지 계속된 대장식화의 제작과 병행해 다룬 소형의 연작군을 소개. 수련 연못에 걸리는 일본풍의 북교와, 「물의 정원」에 인접하는 「꽃의 정원」의 장미의 아치가 있는 길 등이 모티프가 되고 있습니다.

진행하는 백내장에 의해 시력이 저하했기 때문에, 작품에서는 점차 원근감이 없어져 평면적인 확산을 보이게 됩니다. 색각도 변조를 했고, 어느 때에는 노랑과 초록이 그의 세계를 지배하고, 어떤 때에는 그 이외의 색이 모두 푸르스름하고, 특히 빨강이 흐려 보였다고 한다. 1923년부터 3도에 걸친 수술을 거쳐 시력은 어느 정도 회복했습니다만, 그 속에 그려진 <일본의 다리> 연작은, 모티프의 판별이 붙지 않을 만큼 색조가 얽혀, 윤곽은 녹아, 필촉도 농밀하게 얽혀 있습니다.

제1장에서 본 섬세한 표현을 되돌아보면, 역연한 차이에 놀랄 것이다. 붓을 두드리듯 집요하게 색을 바르고 있는 모습은, 모티프의 실재를 새기는 것도 되고, 시력의 저하, 색채의 결핍이라고 하는 화가로서 치명적으로 될 수 있는 장해에 대한 공포심의 표현처럼 또한 느껴집니다.

그러나, 사실 모네는, 이러한 언뜻 보면 미주기의 산물이라고 볼 수 있을 것 같은 최저년의 연작을, 마지막까지 수중에 남기고 있었습니다. 마음에 들지 않는 것은 용서 없이 파기하는 완벽주의자였던 것을 생각하면, 오히려 모네의 경험으로부터 길러진 색채 감각에 기초한, 풍부한 실험 정신의 성과라고 판단할 수도 있을 것입니다.

에필로그 「사카사마의 세계」 에서는 본전의 마무리로서, 대장식화의 습작으로서 제작된, 늘어진 버드나무를 그린 작품 2점을 전시. 사랑하는 가족의 죽음과 제1차 세계대전과 같은 많은 어려움에 직면한 모네의 만년에 있어서, 이들의 늘어진 버드나무는, 눈물을 흘리는 것 같은 모습으로부터 슬픔이나 복상을 상징하는 모티프로서도 해석 됩니다.

모네는 큰 장식화의 구상에 있어서, 시작도 끝도 없는 무한한 물의 퍼짐에 감상자가 싸여, 편안하게 명상할 수 있는 공간을 목표로 하고 있었습니다. 이 《수련》 도 화면의 왼쪽 절반을 차지하는 가지 버드나무 버드나무의 실상과 허상의 경계가 극히 모호해져 있는 것으로, 평온함이 가득한 영원한 세계라는 것을 느끼게 합니다.

새로운 공간을 파악하는 방법에 따라, 서양 회화의 전통적인 원근법에 근거하는 세계관을 뒤집은 만년의 모네. 쇠약해지지 않는 제작 충동에 의해 인상파를 넘은, 그 화업의 풍부한 전개를 체감할 수 있는 전람회 「모네 수련의 때」를 꼭 놓치지 마세요.

모네 수련 때 개최 개요

※기사의 내용은 취재 시점의 것입니다. 최신 정보는 전람회 공식 사이트 등에서 확인해 주십시오.

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다이토 구립 아사쿠라 조소관

일본 근대 조각계를 견인한 조각가이며, 애 고양이 집으로도 알려진 아사쿠라 후미오. 그의 고양이를 모티브로 한 조각 작품을 한자리에 모은 아사쿠라 후미 부몰 후 60 년 특별전 “원더풀 고양이 라이프 아사쿠라 후미오와 고양이, 가끔 개” 가 다이토 구립 아사쿠라 조소관에서 개최 중입니다. 회기는 2024년 12월 24일(화)까지.

※소개하고 있는 작품은 모두 아사쿠라 조소관 소장입니다.

조각가 아사쿠라 후미오(1883-1964)는, 대상이 있는 그대로의 모습을 찍는 「자연주의적 사실」의 표현을 철저히 탐구하는 자세로부터, 「묘수」나 「오쿠마 시게노부 신상」이라고 하는 초상화 조각 의 걸작을 낳고, 1948년에는 조각가로서 처음으로 문화 훈장을 수장. 제작과 함께 수석에서 졸업한 도쿄 미술학교(현 도쿄 예술대학 미술학부)에서 교편을 취한 것 외에 아틀리에 겸 주거였던 아사쿠라 조소관에서 「아사쿠라 조소학」을 주재하는 등, 후진의 육성도 열심히 노력했습니다.

그런 아사쿠라는 무수한 사랑 고양이 집으로도 알려져 있으며 한때는 19 마리의 고양이를 저택에서 기르고 있었다고합니다. 때로 키우고 고양이들을 모델로 하면서, 고양이의 조각도 거의 평생에 걸쳐 제작. 1964년에는 자신의 조각가 인생 60년과 도쿄 올림픽의 개최를 기념해, 고양이의 다양한 모습을 포착한 「고양이 백태전」을 기획합니다.

그러나 올림픽을 눈앞에 둔 4월에, 병에 의해 향년 81세로 사망해, 「고양이 백태전」의 개최는 실현되지 않고 몹시. 그 꿈은 관계자들에게 계승되어 종의 거처였던 아사쿠라 조소관에서 1994년과 2017년에 특별전으로서 실현되었습니다.

이번 특별전 「원더풀 고양이 라이프 아사쿠라 후미오와 고양이, 가끔 개」도, 「고양이 백태전」과 같이, 고양이 작품에 초점을 맞춘 것입니다만, 과거의 전람회와 다른 것은 그 전시 방법입니다.

“고양이의 작품을 단지 늘어놓을 뿐만 아니라, 여기(아사쿠라 조소관)에서 아사쿠라가 고양이들과 어떻게 보냈는지, 고양이들의 생활은 어떤 것이었는지를 의식하면서 전시했습니다”라고 말하는 것 는, 아사쿠라 조소관의 주임 연구원·토하라 야스코씨.

별로 알려지지 않았지만 아사쿠라는 고양이뿐만 아니라 개도 기르고있었습니다. 애견을 모델로 한 작품은 확인할 수 없습니다만, 소수이면서 개의 작품도 제작하고 있어, 그들도 더해 보다 활기차게, 과거의 생활을 이미지하기 쉬운 전시를 유의했다.

출전 작품은, 고양이의 청동상을 중심으로, 고양이의 스케치나 고양이에 관한 직필의 하이쿠 등을 더한 53점. 아사쿠라에게 있어서 중요한 제작의 수단이었던 사진도 아울러 소개되고 있습니다.

메인의 전시 공간인 아틀리에에 들어가 우선 방문자를 맞이하는 것은, 출품 기록에 남는 것으로는 가장 초기의 고양이 작품, 《매달린 고양이》 (1909)입니다.

제3회 문전에 출품된, 당시로서는 참신한 구도의 작품으로, 고양이의 목을 잡아 올리는 힘이 들어간 팔과, 고양이의 흔들림과 이완한 몸의 대비가 볼거리입니다. 무언가 말한 고양이의 표정에는 무심코 웃음이 떠올랐습니다. 잘 보면 고양이의 뒷발이 약간 긴장하고 있는 모습으로, 도쿄 미술학교를 졸업하고 얼마 안되는 젊은 아사쿠라가 이미 가져온, 대상을 포착하는 날카로운 관찰 눈, 그리고 탁월한 표현력을 느끼는 것 수 있습니다.

도하리 씨에 의하면, 본작과 같은 타 사랑이 없는 일상을 담은 소품을 문전에 출품했다는 사실을, 아사쿠라와 친교가 있던 조각가이며, 기쁨이 없는 미술 평론가이기도 했다 타카무라 코타로가 평가한 에피소드가 있다고 한다.

“지금까지의 문전이라고 하면, 인체의 아름다움을 추구한 것이나, 추상 테마를 표현한 구상 인체 등이, 보다 등신의 큰 작품으로서 많이 출품되고 있었습니다.그런 상황에 있어서 , 고양이를 단순한 고양이로 취급한 것을 다카무라는 평가했습니다. 아사쿠라는 고양이의 작품을 평생 계속 만들었을지도 모릅니다.」 (도하리 씨)

한편 타카무라는 본작에서의 팔의 표현의 경도를 지적했다고 합니다. 같은 해 제작되었다고 생각해 《팔》 (1909년경)은, 어느 전람회에도 출품의 기록이 남아 있지 않은 점에서도, 아사쿠라가 타카무라의 비평을 진지하게 받아들여, 연습으로서 제작한 것으로 생각되어 있다든가.

회장에서는《팔》외, 그 10년 후에 다카무라 코타로에 의해 제작된 《손》 (1918)도 병치. 유학 자금을 모으는 다카무라에 대해 아사쿠라가 「손 하나도 다리 한 개라도」라고 과거의 비평에도 통하는 말로, 소성을 밝히지 않고 자유로운 제작을 의뢰한 것입니다. 그것만으로도 타카무라에는 핀과 오는 것이 있었는지, 결국은 아사쿠라로부터의 의뢰라고 들었다고 한다. 두 사람의 조각가로서의 교류의 모습이 보이는 전시가 되고 있습니다.

《매달린 고양이》로부터 약 40년 후에 제작된 후기의 작품 《잘 잡거나》 (1946)에 시선을 옮기면, 그 기교의 세련미에 놀라게 됩니다. 쥐를 둘러싼 한순간의, 목 주위의 근육의 경직, 어떻게 맹인 얼굴 붙어, 저항하는 쥐의 움직임에 대비하고 있는 앞발의 밸런스감. 이 후에 뛰어 내리는 모습까지 쉽게 상상할 수 있는 리얼함은 마치 실제로 그 순간의 고양이를 형으로 취한 것 같습니다.

고양이의 변덕스러운 움직임과 기질, 그 모든 것을 좋아하고 있었다는 아사쿠라는 고양이 독특한 유연한 움직임을 낳는 골격에도 강한 관심을 지불하고 있었다고. 골격 표본에서 공부하고 있던 것은 물론, “(아사쿠라의) 아가씨가 말씀하셨다면, 아사쿠라는 항상 고양이를 무릎에 얹어 쓰다듬고 있었지만, 그것은 귀여워하기 때문에 뿐만 아니라 골격이나 근육의 첨부 쪽을 찾아, 확인하기 위해였던 것이 아닐까 하는 것입니다」 라고 토하리씨. 엄격한 사실주의를 추구한 아사쿠라다움이 넘치는 에피소드입니다.

같은 잠자는 모습이라도 앞발에 머리를 끄덕이고 있는지, 귀와 꼬리 모양이 다른 모습 등도 충실하게 표현. 그 외, 성장을 하고, 새끼 고양이에게 우유를 주거나, 새끼 고양이끼리 함께 끌어들이거나, 고양이들의 포즈의 바리에이션은 실로 풍부합니다.

보기, 그냥 앉아있는 것처럼 보이는 “산후의 고양이” (1911)는 남양에서의 시찰을 마치고 집에 돌아온 아사쿠라를 이틀 전에 아이를 낳은지 얼마 안되는 고양이가 마중했을 때의 모습 을 작품으로 한 것. 움푹 패인 것 같은 우울증 가감입니다.

아사쿠라는 출산의 피로를 호소함과 동시에 새끼 고양이의 태어난 기쁨을 보고하듯 무릎에 응석해 오는 사랑 고양이의 모습에 제작 의욕을 불러일으켰다고 한다. 다른 고양이 작품에 비해 세부 표현의 디포르메가 많은 이유에 대해, 토하리 씨는 “고양이의 모습이라기보다는 고양이의 감정, 피로와 기쁨 그 자체를 포착하려고 했을지도” 라는 견해를 보였습니다 .

한편, 마른 피부가 느슨해져, 모염도 없어진 애고양이가 엉덩이를 올려 통증을 견디고 있는 모습을 포착한 만년의 《애고양이 병들기》 (1958)는, 다른 작품에 봐 어떤 종류의 부드러움이 쏟아져 눈을 돌리고 싶어지는 병이나 죽음에도 정면에서 마주하는 예술가로서의 각오와 비애를 느끼게 하는 것이었습니다.

아사쿠라에게 있어서 고양이 작품은, 의뢰를 받아 제약 속에서 만드는 초상화 조각 등과는 달리, 어깨의 힘을 빼고 자유롭게, 자신의 창작 의욕에 맡겨 만드는 것이었던 것 같습니다. 소재로서 취급하기 쉽다고는 좋지 않은 모습을 굳이 조형화하고 있는 것도, 사랑스러운 기억마다 사진이나 일기와 같이 남기고 싶다는, 애고양이가로서의 솔직한 마음에 의한 것일까요. 그러한 자세는 아사쿠라의 고양이 작품이 가지는 매력의 근원이기도 합니다.

그 외 회장에서는, 아사쿠라의 브론즈 작품에 관련되는, 가스형 주조라고 불리는 제작 공정을 소개한 17분 정도의 동영상도 상영중. 우선 점토로 작품을 만들고, 석고로 형취하여 원형을 만들고, 한층 더 그것을 바탕으로 브론즈에… 마음이 멀어질수록 섬세한 프로세스를 거쳐 전시 작품이 완성되고 있는 것을 알기 때문에, 주조의 공정을 이미지하기 어려운 분은 필견입니다.

본전 개최의 계기에 대해, 토하리씨는 “점점 아사쿠라를 모르는 사람도 늘어 온 것으로부터, 아사쿠라와 아사쿠라의 작품에 친밀을 가져오려고 기획했습니다”라고 말합니다.

아사쿠라의 뛰어난 조형력과 관찰 눈, 그리고 고양이에 대한 깊은 애정을 듬뿍 느낄 수 있는 본전은 바로 아사쿠라의 매력을 아는 입문편에 딱. 고양이를 좋아하게는 견딜 수 없는 생생하고 미소 짓는 포즈를 취하는 고양이들의 모습을 꼭 한번 감상해 보는 것은 어떻습니까.

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덧붙여 회장인 아사쿠라 조소관도 매우 매력적인 건물이므로, 몇가지 볼거리를 소개합니다.

아사쿠라는 도쿄 미술학교를 졸업한 1907년, 24세 때 야나카에 스스로가 설계한 아틀리에와 주거를 짓습니다. 일류의 장인들의 손을 빌리면서, 부지의 확장이나 증개축을 반복해, 현재의 아사쿠라 조소관의 건물이 완성된 것은 1935년의 일. 2001년에 건물이 나라의 유형문화재에 등록되어 2008년에는 부지 전체가 「구아사쿠라 후미오씨 정원」으로서 나라의 명승으로 지정되었습니다. 아틀리에 동은 철근 콘크리트조, 주거동은 목조의 스기야조라는 개성적인 구성입니다만, 아사쿠라의 뛰어난 미적 감각으로 다른 소재를 위화감 없이 조화시키고 있습니다.

평상시부터 작품을 전시하고 있는 아틀리에는 천장고가 8.5m도 있어, 발을 디디면 우선 그 개방감에 놀랄 것이다. 플로어의 서쪽에는 3.78m에 달하는 《코무라 슈타로상》(1938)이 놓여져 있습니다만, 전혀 압박감이 없습니다.

예술가의 아틀리에라고 하면 창은 북측이 세올리입니다만, 아사쿠라 조소관의 아틀리에는 북・동・남의 3방에 창이 있어, 매우 밝은 것이 특징입니다. 모든 각도에서 자연광을 맞추고, 옥외에 놓이는 것이 많은 조각의 보이는 방법을 연구하는 것이 목적으로, 제작시에는 커튼으로 광량을 조절하고 있었다는 것. 또, 북측 상부의 큰 창에 완만한 아르(곡선)가 붙어 있는 것은, 그림자를 강하게 하지 않고, 전체에 빛을 돌려주게 하기 위해. 벽의 소재에는 따뜻한 진면이 사용되고 있는 등, 조각가로서의 고집이 곳곳에 흘러넘치고 있습니다.

아틀리에에 인접한 서재도 또한 뿜어져 있어 마치 영화 세트와 같습니다. 천장에까지 닿는, 3면에 걸친 유리문의 책장에 들어간 서적 가운데, 양서의 대부분은 미술 평론가이며, 도쿄 미술 학교 시대의 아사쿠라의 은사이기도 한 이와무라 토오리의 장서였습니다. 이와무라의 몰후, 고서점 등에 소산되고 있던 귀중한 이러한 자료를, 아사쿠라가 자택을 저당에 넣어 자금을 조달해, 재구입한 것이라고 합니다.

손님을 대접하고 있던 3층의 술집 「아사히의 사이」는, 그 이름대로 동쪽에 구비된 창문으로부터 아사히가 꽂는, 아사쿠라 조소관 중에서 가장 격식이 높은 일실입니다. 호화로운 일본식 설비로 품위있게 빛나는 붉은 벽은 고가의 붉은 마노(메노우)를 인력으로 부수고 칠한 마노 벽. 약간 섞인 흑요석이 무이의 그늘을 만들어 내고 있습니다.

천장판은, 이즈 아마기의 지중에서 파내었다고 하는 신대 삼나무에 삼나무 껍질의 안감을 베푼 것. 바닥 사이에는 소나무의 한 장판, 란간에는 오동나무의 한 장판과 당시에도 귀중했던 소재가 사용되고 있습니다. 굳이 통일감을 가지지 않는 곳에 장난기도 있어, 아사쿠라의 미학이 느껴지는 공간입니다.

안뜰 「고전의 연못」은 물과 거석, 수목으로 구성되어 있습니다. 사방을 건물로 둘러싼 회랑식이며, 어느 방에서도 아름다운 풍경을 즐길 수 있는, 조각가의 시점이 살린 구조입니다. 아사쿠라는 이곳을 자기반성의 장으로 하고, 생활방식에 망설임이 생겼을 때, 물건의 본질을 판별하기 어려워졌을 때, 깨끗한 물을 바라보고 심신을 정화해, 새로운 제작에 매진하고 있었다고 한다.

아틀리에 빌딩의 옥상에는 올리브 나무가있는 정원이 펼쳐져 있습니다. 옥상 녹화의 빠른 예라고.

여기에서는 한때, 아사쿠라 조소학의 필수 과목으로서 원예 실습이 행해지고 있었습니다. 원예도 소조도 흙으로 생명을 키우는 작업이기 때문에, 원예를 통해 학생들을 흙에 친하게 하고, 대상을 보는 눈을 기르게 하는 목적이 있었다고 한다. 현재는 일부에 채소밭이 재현되어 사계절의 꽃을 즐길 수 있는 휴식의 장소가 되고 있습니다.

정원의 서쪽에 놓인 남성 동상 《포마루》(1924)는, 넓은 하늘 아래에서 야나카의 거리를 바라보고 있습니다. 건물에 들어가기 전의 문에서 올려다보면 작품의 정면을 확인할 수 있으므로, 방문했을 때는 꼭 옥상을 올려다 봐 주세요.

아사쿠라 후미오 부몰 후 60년 특별전 “원더풀 고양이 라이프 아사쿠라 후미오와 고양이, 가끔 개” 개요

※기사의 내용은 취재시의 것입니다. 최신 정보와 다를 수 있으므로 자세한 내용은 공식 HP에서 확인하십시오.

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도쿄도 미술관

‘신동’이라 불리는 어린 시절을 거쳐 만년에는 아마미의 자연을 주제로 한 회화에 몰두한 다나카 이치무라.

「다나카 이치무라전 아마미의 빛 영혼의 회화」에서는, 전신 전령을 걸어 「그리는 것」에 임한 이치무라의 생애를 그 작품을 함께 회고한다.

본 기사에서는 개최 전날에 행해진 보도 내람회의 모습을 리포트한다.

다나카 이치무라, 불굴의 열정의 궤적

메이지 41년(1908)에 도치기초(현·도치기시)에서 태어난 다나카 이치무라는, 유년기부터 탁월한 화재를 나타내, 신동이라고 칭했습니다.
조각사의 아버지로부터 미나리(베이슨)의 화호를 주어져 도쿄 미술학교(현·도쿄예술대학) 일본 화과에 입학하는 것도, 2개월에 퇴학.
쇼와 22년(1947)에 야나기 이치무라와 화호를 개정해, 「흰 꽃」이 청룡전에 입선하는 것도, 그 후에는 약간의 지원자를 의지하는 제작이 계속되었습니다. 만년은 단신 아마미오시마로 이주해, 아마미의 자연을 주제로 한 그림에 전념하는 나날을 보냈습니다만, 69세로 사망합니다.

몰후의 1979년(1979), 유지에 의해 아마미에서 유작전이 개최되어, 이례가 되는 3천명의 동원을 기록. 미디어가 그 모양을 소개함으로써 열광과 함께 그 생애나 작품이 전국에 알려지게 되었습니다.

「다나카 이치무라전 아마미의 빛 영혼의 그림-Tanaka Isson: Light and Soulー」에서는 아마미로 그린 대표작《불식감과 소소》 《아단의 해변》 시작해, 미완의 대작도 전시 . 회화 작품을 중심으로, 스케치·공예품·자료를 포함한 250건을 넘는 작품으로, 이치무라의 화업의 전모에 다가갑니다.

최대 규모의 대회 고전

본전은 제1장 “젊은 남화가 “다나카 쌀邨” 도쿄 시대” , 제2 장 “치바 시대 “이치무라” 탄생” , 제3장 “자신의 길 아마미에” 의 전 3장 구성. 다나카 이치무라의 작품군을 시계열로 전시하는 것으로, 거의 끊임없이 변천해 가는 화업을 중얼거리게 추적할 수 있게 되어 있습니다.

6,7세라는 소년 시절부터 많은 작품을 그린 이치무라의 작품은 각지에 상당수가 남아 있어, 본 전람회에서 전시되는 작품의 대부분도 최근 신출한 것으로, 최초 공개의 작품도 적지 않습니다. 출품 점수는 250점 이상. 바로 최대 규모의 회고전이라고 할 수 있습니다.

다나카 이치무라의 화업은 결코 평탄한 것이 아니었습니다. 어린 시절부터 「신동」이라고 불리며, 신진의 남화가로서 활약하면서도, 평생에 한 번도 개인전을 열지 않고, 무명인 채 혼자 아마미의 땅에서 평생을 마쳤습니다.
제3장에서는, 그런 이치무라가 불퇴전의 결의로 아마미의 땅에 걸쳐, 생활비를 공면하면서 전신 전령을 베팅해 그린 작품의 여러가 전시되고 있어, 이치무라가 「종료의 땅」으로 도착했다 화업의 경지를 작품과 함께 체감할 수 있습니다.

전시 작품 소개

이곳에서는 전시 작품의 일부를 픽업하여 소개합니다.

「공백기」의 이치무라의 이미지를 일변시킨 대작

이치무라는 “23세 무렵, 자신이 본도라고 믿은 신화풍이 지원자의 찬동을 얻지 못하고 의절했다”라고 후년 편지에 쓰고 있어, 종래 이 시기는 과작으로 “공백의 시기”로 있다고 여겨졌습니다. 그러나 최근 이 시기에 그린 역작이 발견되어 그 견해는 바뀌고 있습니다.
본 작품은 그런 이치무라 쇼와 초기의 활동의 이미지를 일변시킨 호화로운 금병풍.
당시 이치무라는 24세. 새로운 경지를 찾아 모색하는 열정과 에너지가 느껴지는 것 같습니다.

다나카 이치무라, 유일한 입선작.

쇼와 22년(1947), 가와바타 류류코 주재의 제19회 청룡전에 첫 입선한 출품작으로, 결과적으로 공모전에 입선한 유일한 작이 된 것입니다.
출품목록에 「흰꽃 야나이이치무라」라고 있어, 화호를 「미나리」에서 새롭게 「야나이이치무라」로서 임한 것을 알 수 있는, 심기 일전의 전후의 의욕작.
어딘가 누락감이 있는 세련된 화풍이 인상적입니다.

영화에 등을 돌려도, 관철한 신념.

첫 입선을 완수한 이듬해인 쇼와 23년(1948), 제20회 청룡전에 2개의 작품을 출품한 이치무라. 이치무라는 이《아키하루》를 자신작으로 인정하고 있었지만, 참고 출품의《파》만이 입선을 완수한다는 결과에 낙담해, 입선을 사퇴해 버립니다.

금병풍에 검은 실루엣으로 나무들이 대담하게 표현된 본작. 역광과 같은 효과로 부풀어 오르는 나무, 세부에 이르기까지 표현된 가지와 나무 껍질의 질감은 바로 입혼의 완성입니다.
영화에 등을 돌려까지 이치무라가 지키고 싶은 것은 무엇이었는가. 꼭 본작에 직접 마주하고 그것을 느껴보세요.

아마미의 빛이 이치무라에게 가져온 것

쇼와 49년(1974) 1월(66세)의 서한에 「엔마 대왕 에의 기념품」이라고 기록한 이치무라 입혼의 작품이 《아단의 해변》 과 《불장고구와 소소》 . 바로 본전의 하얀 눈썹이라고 할 수 있는 작품입니다.

이제는 아무런 회개도 없는 제작을 이룰 수 있다는 자부의 표현인 본작은, 내도 당초부터 구상을 거듭해 온 아단이라는 식물을 소재로 하고 있습니다. 녹색에서 파란색까지 다양한 안료를 사용하여 그려진 아단의 농채. 중경에는 섬세한 선으로 잔물결이 그려져 구름의 그쪽의 금빛빛은 화면 전체에 숭고함을 주고 있습니다.
전시회장에는 이치무라가 그린 관음과 나한의 그림들도 전시되어 있습니다만, 본작에는 그런 그가 인생의 마지막에 뒤따른 종교적인 감정이 표현되고 있다고 해도 과언이 아닐 것입니다.

이치무라 아츠시의 대작, 꼭 회장에서 봐 주세요.

전람회 앰배서더·고이즈미 타카타로씨도 등단!

보도 내람회와 개회식에서는, 본전의 앰배서더와 음성 가이드 네비게이터를 맡는 배우 고이즈미 타카타로씨가, 《불식 고구마와 소철》을 모티브로 한 세계에 일착 밖에 없는 오오시마 신의 기모노를 착용해 등장 했습니다.

“매우 신기한 타나카 이치무라 씨와의 인연과 교제를 느끼면서, 기분을 담아 음성 가이드를 맡았습니다.” 아버지 고이즈미 준이치로 전 총리의 할아버지)가 다나카 이치무라의 후원 회장을 맡고 있었다는 인연도 있어, 어릴 적부터 다나카 이치무라라는 화가를 듣고 있었다고 합니다.

거기에서 약 1 세기 가까운 시간을 거쳐 고이즈미 가문에서 태어난 자신이 다나카 이치무라 전시회에 관여하는 것에 대해, “정말 놀랐고, 영광스러운 일을 받았다고 생각하고, 기분을 담아 목소리를 불어 넣었습니다. “라고 본전을 통해 태어난 신기한 邂逅에 대해 생각을 하게 했습니다.

「어린 시절부터 다나카 이치무라 씨의 만년의 그림은 보았습니다만, 이 전람회에서는 초기 시절의 작품으로부터 보았습니다.개인적으로는 자신의 친가에 소테츠의 나무가 심어져 있었기 때문에, 아마미의 대자연의 바다나 파파야, 소테츠가 그려져 있는 그림에 전망해 버렸습니다」

그리고이 전시회를 감상 한 소감을 되돌아보고 마지막으로

「회화뿐만 아니라, 타나카 이치무라씨가 남겨진 귀중한 사진이나 친필의 엽서, 드문 영수증등도 남아 있기 때문에, 타나카 이치무라씨가 어떤 활약을 하고, 어떤 사람이었는지가 마음껏 느껴지는 멋진 그림전이라고 생각합니다.초기의 무렵은 지바현에서 이런 식으로 살고 있었구나, 굉장히 괴로운 노력을 한 분이라든지···많은 분에게 다나카 이치무라씨 의 매력을 느껴 주셨으면 합니다」

라고, 미소로 청중에게 호소하고 있었습니다.

“마지막은 도쿄에서 개인전을 열고 그림의 결착을 하고 싶다”고 말했던 다나카 이치무라. 본전 「다나카 이치무라전 아마미의 빛 영혼의 그림-Tanaka Isson: Light and Soulー」는, 확실히 기대하지 않고 이루어진 이치무라 마지막 소원이라고 할 수 있을지도 모릅니다 .

개최 기간은 2024년 12월 1일(일)까지.
세상의 영들로부터 몸을 두고, 전신 전령을 걸어 「그리는 것」에 임한 이치무라의 작품의 여러 가지를 꼭 회장에서 봐 주세요.

개최 개요

※기사의 내용은 취재시의 것입니다. 최신의 정보와 다른 경우가 있으므로, 자세한 것은 전람회 공식 사이트등에서 확인해 주세요. 또한 이 기사에서 다룬 작품이 이미 전시 종료되었을 가능성도 있습니다.

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기타 보고서 보기

도쿄도 미술관

도쿄도 미술관으로부터, 2024년 7월 20일(토)에 개막한 기획전 “대지에 귀를 기울입니다 기색과 직물”의 리포트가 도착했으므로 소개합니다.

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도쿄도 미술관의 기획전, 「대지에 귀를 기울입니다 기색과 직물」이 7월 20일(토)에 개막했다. 자연과 깊이 연관되어 제작을 이어가는 5명의 현대작가가 인간 중심의 생활 속에서는 들리기 어려워지고 있는 대지의 숨결을 전해주는 전시회다. 7월 19일(금)에는 프레스 내람회가 열리고 보도진에 공개됐다. 본전을 담당한 오하시 나토코 학예원과 참가 작가에 의한 전시 해설을 리포트한다.

■대지에 귀를 점점 기색과 직물
■2024년 7월 20일(토)～10월 9일(수)

본전을 담당한 오하시 나토코 학예원은, 기획의 배경으로서, 「동일본 대지진이나 신형 코로나의 감염증 확대 등, 대도시에서 사는 편리함과 함께 그 취약성을 느끼는 것이 최근 10년간 에 많이 있었다”고 한다. “도시의 어려움을 실감한 것에 비해, 자연이 약간 멀리 느껴, 계절의 옮겨갈 뿐만 아니라, 자연의 모습이나 변화를 느끼는 힘이 조금씩 약해져 가고 있는 감각을 깨달은 것이 큰 계기가 되어, 그런 개인적인 생각에서 조사를 진행해 ‘대도시에서 벗어나 자연 속에서 감각을 날카롭게 작품을 제작하고 있는 작가들이 참여하는 전람회가 됐다.

참가 작가는, 자연과 깊게 관계 제작을 잇는 카와무라 키이치, 고향 하루카, 미로코 마치코, 쿠라시나 미츠코, 에노모토 유이치의 5명.

입구의 에스컬레이터를 내려 바로 전시장(갤러리 C)에 들어가면 천장이 높고 개방감 있는 공간에 카와무라 키이치의 사진 작품이 늘어선 설치가 있다. 도쿄에서 태어나 자란 카와무라(1990년생)는 2017년 홋카이도 시레토코 반도로 이주해 작가 활동을 계속하고 있다.

“세계 자연 유산으로도 알려진 장소. 곰이나 범고래, 때로는 고래도 온다는 자연이 풍부한 동시에 매우 어려운 환경에서 생활하고 있습니다. 보다는 거기에 살고 있는 생활자로서 피부감각으로 풍토라는 것을 느끼면서 표현을 해 나가고 싶다는 생각으로 제작하고 있습니다.”라고 말한다. 옮겨 살고, 2년째의 가을에 사냥의 면허를 취해, 산에 들어가 사냥도 실시한다. 자연, 동물을 더 깊이 알고 싶다는 생각으로 시작했지만, 처음에는 자신이 숲에 받아들여지지 않은 것 같은 감각이 있거나 동물을 만나기도 어려웠다고 한다. 지형이나 그 땅에 사는 생물의 생태를 모르면 그 자리를 걷거나 먹이에 도착할 수 없다.

「도시의 생활에서는 느껴지지 않는, 모르는 것에 문제 의식이 있어 시레토코에서 살고 있습니다만, 사냥을 통해 생태계를 바깥에서 보는 것보다, 그 안에 들어가, 이키모노의 일원으로서 정신성 , 행위로서의 프로세스와 사진의 표현을 연결할 수 있으면 좋겠다고 생각해 제작을 하고 있습니다」(카와무라)

직물에 인쇄된 사진에는 가족의 일원인 아이누 개 우파시와의 생활, 시레토코의 풍경 등 카와무라의 일상이 파악되고 있다. 홋카이도산 목제 프레임에 액자를 찍은 사진은 아웃도어 캠프용 로프로 매달려 전시공간을 구성하고 있다. 환경을 배려해, 미술관의 건축에 경의를 기울여, 작품 전시를 위해서 새롭게 벽을 세우는 것은 하지 않았다. 작품끼리가 공간에 기분 좋게 배치되어 있는 모습은 감상자의 눈에도 신선할 것이다. 이 목제 액자는 접을 수 있습니다. 모두 작가 자신이 차에 담아 회장까지 옮겨 전시되고 있다. 전람회 종료 후에는 다시 접어 시레토코까지 돌아온다고 한다. 이것도 생활과 제작, 전시의 연속성을 소중히 여기는 카와무라의 행위로서의 프로세스일 것이다.

목판 화가의 고향 하루카는 오사카부 출생. 핀란드, 노르웨이 등 북유럽에서의 체류 제작을 거쳐 2017년부터는 아오모리에서 자연과 함께 사는 사람들에게 취재를 거듭하면서 제작하고 있다. 본전에서는 3개의 테마로 작품을 전시하고 있다. 북유럽 유목민 서미의 수공예에 걸려 만들어진 판화 시리즈 <순록산 두두지>, 아오모리, 미나미쓰가루의 산간지역에 취재를 거듭해 만들어진 <소마의 배>, <토즈테의 목소리>다.

고향은 목판화의 나무를 자신이 자연과 관련된 수단으로 파악하고 있다. 그렇게 생각하게 된 것은 2003년 처음으로 서미 마을에서 체재 제작을 한 것이 크게 영향을 받고 있다고 한다. 그 이후, 그들과 메일 등으로 커뮤니케이션을 하면서, 어려운 자연과 함께 있는 생활이 어떤 것인지 서서히 알게 되었다.

《순록의 모피》는, 마이너스 40℃에도 되는 지역에서 예로부터 순록의 모피를 몸에 걸치는 것으로 생존해 온 서미의 사람들에게 상을 얻어 그린 것. 그들은 순록을 잡으면 모피 외에 뼈와 힘줄도 그 모든 것을 자신들이 살기 위해 사용한다. 후루사카에게 있어서 목판화는, 서미에 있어서의 순록과 같다. 목판화를 만드는 것으로, 그들과 순록과 같은 삶을 살고 싶어지게 되었고, 순수한 나무의 모습과 나뭇결을 살려 주워 온 흙을 페인트로 만들게 되었다. 거기서 시작된 것이 <순록산 두두지> 시리즈다.

《직물》은, 숲 속의 나무에 날실을 붙이고, 장력을 조정하면서, 자연 속에서 수작업을 해 버리는 가벼움, 또 그 안에 있는 것의 기분 좋음도 느끼고 있는 사람들. “자연 속에서 어떻게 행동하는지, 그들의 말을 기록해 작품을 제작해 왔습니다”라고 말한다.

2017년부터는 일본에 눈을 돌리고 어려운 겨울과 함께 살아온 사람들에게 취재하려고 아오모리에 발길을 옮기게 되었다. 본전에서는, 회장의 천장고에 맞춘 대형의 목판화를 제작했다. 칠림으로 판목이 되는 목재의 벌채로부터 접해, 아오모리의 옻나무의 수액과 스스로 기른 쪽으로 쇄신한 신작이다. 회장에는, 목판화 뿐만이 아니라 이 판목도 전시되고 있어, 아오모리의 목립과 같은 전시 공간이 만들어지고 있다. 또, 페인트로서 고향이 이용하는, 옻나무의 수액, 남쪽, 흙 등 자연의 소재도 전시되고 있다. 《선을 만드는 그릇》에서는, 아오모리의 히바에, 아오모리에서 채집된 진흙이 얇게 들어가 있다. 마르면, 조금씩 금이 들어가는 것으로 선이 만들어지는 설치로, 회기가 진행됨에 따라 변화하는 모습도 관찰할 수 있을 것이다.

또한 고향의 자연과 호응하면서 제작하는 모습을 기록한 영상을 상영하고 있다. 여름의 쪽의 깎기, 겨울의 목재의 벌채, 흙의 채집, 조각과 인쇄의 장면까지, 목판화를 할 수 있을 때까지, 고향이 어떻게 자연과 관련되어 있는가 하는 것과 함께, 그 소재를 기르는 것으로부터 시작하는 제작에 엄청난 수고와 시간이 걸리고 있다는 것을 알 수 있다. 이 영상의 촬영은 본전의 참가 작가인 카와무라 키이치가 실시하고 있다.

하나 아래 층(갤러리 A)의 뚫고 전시실에는 미로코 마치코의 기세가 있는 작품 세계가 펼쳐진다. 오사카부 출생의 미로코마치코는 11년에 걸친 도쿄에서의 활동을 거쳐 2019년 아마미오시마로 이주했다. 전시공간의 중앙에는《섬》이 만들어져, 그 주위에는 아마미오시마에서 제작된 작품이 많이 전시되고 있다.

아마미오시마의 사람들은 자연에 맞춰 살고 있기 때문에, 자연을 느끼는 힘이 강하다고 말하는 미로코 마치코.

「자연을 느끼는 힘이, 나에게는 전혀 없다는 것을 깨달았습니다. 그것을 착용해 나가는데 있어서, 매우 소중한 것이 아닐까 생각하고, 날마다, 어떤 움직임이 있는지, 변화가 있을까를 괴롭히고 있는데, 섬의 자연은 매우 거칠어져 격렬해서.

《섬》을 형성하는 벽 안쪽의 그림은 이 자리에서 4일간 걸쳐 그려졌다. 외측은 2023년에 간행된 그림책 ‘보이지 않는 류’의 원화가 둘러싸인다.

“꼭, 이 『보이지 않는 류』의 이야기를 느끼고 나서, 안에는 말해 주었으면 합니다. 모든 것은 영향을 받고 있어, 바람이 불면 파도가 와서, 작은 파도가, 스플래시가 되어 몰아넣는다 그렇게 그 연결 같은 것을 의식하면서 처음부터 이렇게 하는 것이 있었던 것이 아니라 즉흥적으로 제작해 갔습니다. 의 자연이 거칠어지고 있는 기색을 느껴 주면 기쁘다고 생각하고 있습니다」(미로코)

《섬》의 바닥은 진흙 염색이 이루어져 있다. 아마미오시마에 이주해 약 5년, 대지의 에너지를 받을 수 있는 섬의 자연 소재는, 미로코가 표현하고 싶은 것에 맞는 것을 알았다고 한다.
아마미오시마의 숲에서 《빛의 잔물결》을 그린 라이브 페인팅의 영상《우미마토》도 회장의 일각에 마련된 오두막 속에서 볼 수 있다.

“옥외에서 그리면 바람의 움직임이나 빛의 변화, 많은 에너지 등을 받고 순발적으로 내려갑니다. 갑자기 형태로 만들어져 가는 것입니다만, 주위의 환경으로부터 받는 것을 자신의 몸에 새기도록 그리는, 그것이 나에게 있어서 대지인구나라고 느끼고 있습니다」(미로코).

아마미오시마의 사람들에게 산과 숲은 하나님이 있는 신성한 장소. 함부로 들어가는 것이 아니라, 「입구에 방해 했습니다. 숲은 뿌리나 돌이 엉망이 되어 있어, 움직임이 어렵고, 그리고 싶은 것이 넘쳐 오는데, 그릴 수 없는 갈등 같은 그림이 등장했잖아.

영상 오두막 밖의 벽면도 아마미에 많이 자생하는 히카게헤고라는 식물의 염료가 그려져 있다.

갤러리 B에서 작품을 전시하고 있는 쿠라시나 미츠코는, 아오모리현 태생으로 현재는 도쿄도 거주. 2001년부터 식물화를 시작했다.

동일본 대지진(2011년)의 쓰나미에 의해 변화가 있던 식물의 생육 환경을 관찰해, 2013년부터 정기적으로 현지에 발길을 옮겨, 식생을 수채화로 계속 그려내고 있다. 본전에서는, 재해지에 갈 수 없었던 시기에 그린 관동권의 식물화 2점과, 이와테현, 후쿠시마현, 미야기현에서 취재해 그린 15점이 전시되고 있다.

작품의 타이틀이 되고 있는 숫자는, 모두 그린 식물이 있던 위도와 경도. 「그 장소가 실제로 있다는 것을 시사하는 것과 동시에, 그 때만 보인 광경을 그려내고 싶다」(쿠라시나)라는 생각에 의한 것으로, 매우 중요한 일이라고 한다. 「tsunami plants(참치 플랜트)」라고 명명한 이들 식물의 하나 하나를 정중하게 관찰해 상세하게 그리는 것으로, 「그 식물의 씨는 해일에 의해 옮겨졌는지, 흙의 교반에 의해 싹트었는지, 혹은 부흥 공사 그 중에서 중기에 의해 옮겨졌는지, 그 장소에 일어난 것, 식물이 거기에 뿌리 내린 이유를 찾는다”라고 쿠라시나.

제작중인 작품도 전시되고 있다. 본전에서의 전시에 있어서, 쿠라시나가 제작에 힘을 쏟은 백도다. 일반적으로 알려진 등나무는, 덩굴이 위를 향해 뻗어, 등나무 선반에 얽혀, 꽃은 늘어진다. 그런데 이것은 덩굴이 땅을 기어 다니고 잎을 붙이고 흰 꽃을 피우고 있다. 2016년에 이 땅을 포복하는 백도의 사진을 볼 기회를 얻은 쿠라시나는, 아무래도 이것을 그리고 싶어, 현지를 취재해, 작년부터 그리기 시작했다. 땅에서 하얀 꽃을 피우는 것은 드물다고 한다. 피우고 싶다는 정도의 에너지가 있을 것이라고 쿠라시나. 작품의 도중 경과를 볼 수 있는 것도 귀중한 기회이다.

에노모토 유이치(1974년생)는 도쿄에서 태어나 자라, 2018년부터 홋카이도 네무로, 올해부터 니가타현 이토우가와에도 아틀리에를 두고, 3거점에서 제작을 실시하고 있다.
본전에서는 네무로의 풍경을 모티브로 한 유채와 알루미늄 패널을 얼음에 담은 신작의 《결빙》을 전시하고 있다.

《늪과 목립》은 멀리서 보면 흑백의 추상화인 것 같지만, 근처에서 눈을 응시해 보면 검은 화면 속에 목립이 보인다.

“아무도 없는, 아무도 오지 않는 깊은 숲 속에서 갑자기 나타난 풍경에 놀라, 기쁨과 공포도 느낀 것을 기억합니다”라는 에노모토의 말을 오하시 학예원이 전해 쌓은 하얀 눈– -에노모토가 만난 자연을 신선한 감성으로 파악한 작품이라고 소개했다. 흑백으로 심플하게 깎인 작품이기 때문에, 보는 사람이 자신의 기억과 연결 자유롭게 상상을 펼칠 여백을 가지고 있다.

한편, 알루미늄 패널에 표현하고 있는 10점의 신작, 《결빙》에는, 바다로부터의 강한 바람에 의해 눈이 낳는 표정이 파악되고 있다.

“얼음 위를 걷는 경험은 (일반적으로는) 없어도, 이 작품이 많이 늘어서 얼음에 둘러싸인 공간이 되어 있다”고 오하시 학예원. 10점이 늘어서는 것으로, 겨울의 근실에서 이러한 자연의 짜내는 아름다운 조형이 무수하게 만들어지고 있는 것을 상상시켜 준다. 덧붙여서, 마지막에 전시되고 있는 작은 작품에는, 눈 위에 동물의 발자국이 보인다. 언뜻 보면, 조용하고 모노크롬의 세계이지만, 에노모토가 네무로에서 느끼고 싶은 것의 기색이나 생명의 반짝임이 나타나고 있다.

 

회장의 마지막에는 봄을 나타내는 작품이 전시되어 있다. 홋카이도에 분포하는 다년초로 4월부터 5월에 꽃을 피우는 에조엔고삭을 모티브로 한 기형 작품이다. 전시 끝에 에노모토가 제작한 신작이다.

그 옆에서는 에노모토가 작품 제작의 자료로 촬영한 사진의 슬라이드쇼가 흘러 네무로의 봄부터 사계절의 이동을 볼 수 있다. 에노모토가 도쿄와 전혀 다른 경치를 보이는 네무로에 매료된 잔잔한 감각을 마음껏 전할 뿐만 아니라, 얼음이 한 호수의 풍경이나 에조엔고삭의 꽃 등, 전시되고 있는 작품과 관련이 강한 사진도 포함되어있는 것도 흥미 롭습니다.

5명의 현대 작가에 의한 사진, 목판화, 유채화, 수채화, 설치 등 다양한 작품이 전시되는 공간을 오거나 하면서, 평소 잊기 쉬운 본래 인간이 가지고 있는 자연과 관련된 감각을 부르는 계기가 될 것이다.

덧붙여 본전의 도록에는 아마미오시마에서 염색된 진흙 염색의 천이 붙어 있다.
참가 작가의 한사람, 미로코 마치코가 작품 제작에 사용하고 있는 진흙 염색과 같은 공방에 의한 것이다.

촬영·스즈키 섭

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전시회 개최 개요 ● 전시회 명 대지에 귀를 기울입니다 기색과 직물
The Whispering Land: Artists in Correspondence with Nature
●회기 2024년 7월 20일(토)～10월 9일(수)
●회장 도쿄도 미술관 갤러리 A・B・C
●휴무일 월요일, 9월 17일(화), 9월 24일(화)※8월 12일(월·휴), 9월 16일(월·축), 9월 23일(월·휴 )는 개실 ●개실 시간 9:30~17:30, 금요일은 9:30~20:00 *입실은 폐실 30분 전까지 ●관람료 일반 1,100엔, 대학생・전문학교생 700엔, 65 세 이상 800엔, 고교생 이하 무료
●주최 공익재단법인 도쿄도역사문화재단 도쿄도미술관 ●특별협력 주식회사 츠가와 ●협력 합동회사 북력, 주식회사 미시마사, Gallery Camellia, 아오모리 공립대학 국제예술센터 아오모리 ●문의처 도쿄도미술관 03-3823 -6921
이벤트 등의 최신 정보는 전람회 공식 사이트를 봐 주세요
https://www.tobikan.jp/daichinimimi

 

기사 제공: 코코실 우에노

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기타 전시회 정보 보기

도쿄 국립 박물관

홍법대사 공해와 진언밀교의 시작지, 교토·신호사에 전해지는 사원의 여러 가지를 소개하는 창건 1200년 기념 특별전 “신호사-공해와 진언밀교의 시작” 이, 도쿄 국립 박물관에서 개막했습니다. 회기는 2024년 9월 8일(일)까지.

※회기 중에 일부 작품의 전시 교체가 있습니다.
전기 전시：7월 17일(수)～8월 12일(월·휴)
후기 전시：8월 14일(수)～9월 8일(일)

진언밀교의 성지, 1200년의 보물이 한자리에

교토의 가오슝에 소재하는 신호사 (神護国祚真言寺)는 천장 원년(824)에 가오슝 산사와 신간지라는 두 개의 사원이 합병하여 탄생한 사원입니다. 가오슝산사는 헤이안 천도를 제안한 화기 기요마로의 성사이며, 당나라의 도시·장안에서 체계적으로 밀교를 배운 공해(774-835)가 귀국 후에 거주하고, 진언 밀교의 기초를 구축했습니다 .

공해 입정 후는 화재 등으로 황폐했습니다만, 고시라카와 법황이나 겐토요조의 지원을 받은 진언승·문각 상인의 진력에 의해 부흥. 그 후도 오닌의 난이나 메이지 유신에서의 폐불 훼석, 절 영해체 등 다양한 위기에 처해지면서도 지금까지 법등을 호지해 왔습니다.

본전은 2024년이 신고지 창건 1200년과 공해 탄생 1250년에 해당하는 것을 기념하여 개최되는 것입니다.

전시의 핵이 되는 것은 , 일본 조각 사상의 최고 걸작의 하나로서 알려진 본존의 국보《약사여래 입상》이나, 6년에 걸친 수복을 끝낸 공해 연고의 국보《양계 만다라(고웅 만다라)》 등 , 신고지가 1200년의 황무지 속에서 지켜 전해 온 지보의 여러가지. 국보 17건, 중요문화재 44건을 포함한 불교 미술에 머무르지 않는 일본 미술의 명품 등 약 100건을 소개하는 질과 양 모두 독특한 규모의 전시회입니다.

전시는 신고지의 역사를 따라가는 형태로 구성되어 있습니다.
서두에는 성장인 신호사를 구름 사이에 임하면서 가오슝을 흐르는 청류·기요타키가와를 따라 늘어선 카에데를 팔꿈치에 연회하는 사람들을 그린 《관단도 풍풍》 을 상징적으로 배치 . 단풍의 명승으로서 옛부터 사랑받아 현대도 여전히 아름다운 경관으로 사람들을 매료하는 신고지의 분위기를 전하고 있습니다.

국보 「가오슝 만다라」에 얽힌 사찰이 눈에 띈다!

전시 전반의 주목은 일본에 현존하는 가장 오래된 양계 만다라인 국보 《양계 만다라(가오슝 만다라)》 입니다. 2폭 있는 가운데 전기에 「태장계」, 후기에 「금강계」가 바뀌어 전시됩니다.

양계 만다라란, 진언밀교가 설교하는 대일여래를 중심으로 한 우주, 즉 깨달음에의 길을 나타내는 금강계와 자비의 확산을 나타내는 태장계라는 두 개의 세계관을 2폭 한 쌍으로 시각화했다 물건. 가오슝 산신호사에 전해졌기 때문에 「가오슝 만다라」라고도 불리는 본작은 천장년간(824-834)에 준화천황의 소원에 의해 공해가 당에서 가져온 만다라를 본본에 직접 프로듀스했다는 점에서도 매우 높은 가치를 가지고 있습니다.

약 4미터 사방의 거대한 화면을 보면, 당시 희귀했던 「자네」라고 불리는 보라색의 염료를 사용해, 꽃과 봉황의 문양을 짜내는 아야 비단에, 금은 진흙의 은은한 선묘로 많은 불상 이나 보살의 모습이 단정하게 그려져 있습니다. 그 수는 ‘금강계’에서 1461존, ‘태장계’에서 409존이 되기 때문에 압도당할 뿐. 각각의 얼굴이나 소지품 모두에 섬세한 결정이 있어, 실수가 용서되지 않았다고 하는 것으로, 제작에 얼마나 시간과 기력을 보냈는지 생각을 느끼지 않고는 있을 수 없었습니다.

이 플로어에서는 에도시대에 제작된 가오슝 만다라의 원치마 오오모토도 소개. 이쪽은 2 폭 모두 통기 전시입니다. 상처가 눈에 띄는 원본과 비교해, 묘선도 실크색의 선명도도 뚜렷하고 있어, 원본의 격조 높은 분위기까지 훌륭하게 표현되고 있기 때문에, 아울러 보고 비교하고 싶은 곳.

제존의 모습을 보다 상세하게 알고 싶은 경우에는, 그 그림을 먹의 윤곽선만으로 찍은 《타카오 만다라 도상》 이나, 별실에서 상영되는 해설 영상을 참조할 수도 있습니다.

또한, 타카오 만다라에 대해서는 과거 2번에 걸친 수리의 기록이 남아 있어, 1번째는 가마쿠라 시대·연경 2년(1309)에 고우다 호황에 의해, 2번째는 에도 시대·관정 5년(1793)에 빛 격천황과 고사쿠라마치 상황에 의해 행해졌다고 한다. 그리고 이번은 3번째, 2016년부터 2022년에 걸쳐 실로 약 230년만에 대규모의 수리가 실시되고 나서의 공개가 되었습니다.

2번의 수리 기록이 메모된 가오슝 만다라의 구 수납 상자나, 고우다 법황 스스로가 경위를 기록한 수복기 등의 전시는, 공해 직필의 만다라의 근본·규범으로 된 타카오 만다라를 차대에 전해 하고 싶은 선인들의 마음과 신앙심의 일단을 전하고 있습니다.

박력 있는 입상을 갖춘 특별 전시실도 출현! 본존《약사여래입상》의 엄격한 눈빛에 발사된다

전시 후반에는 신고지에 전해지는 조각군이 노도처럼 등장합니다.

신고지에 전해지는 가장 오래된 밀교존상 《5대허공장 보살좌상》 은, 공해의 제자 진제가 인명천황의 발원을 받아, 다보탑의 안치불로서 건립한 것. 신고지에서는 연 2회 개장되는 비불로, 5구가 집결되어 사외에서 공개되는 것은 본전이 처음입니다.

5대 허공장 보살은 무한한 지혜와 복덕을 갖고 그것을 사람들에게 준다는 허공장 보살의 덕을 5분으로 나눈 존재, 혹은 금강계의 고치여래의 변화신이라고도 합니다. 본작은 타카오 만다라와 같은 초기 밀교 도상을 조형으로 한 것으로 생각되고 있어 끊어진 길이의 눈, 통통한 입술을 가지는 품위의 좋은 얼굴과 육감의 표현이 볼거리입니다.

그 자체가 공해에 있어서 일종의 만다라였다고 하며, 회장에서는 법계 허공장을 중심으로 4구를 원형으로 배치해, 입체 만다라다운 양상을 연출. 눈앞에서 멈추면 거의 동형의 좌상이 자아내는 이상한 공기감에 휩싸인 기분이 들었습니다.

마지막 전시실에는 입상의 명품만이 즐비하게 늘어서 장엄한 분위기가 감돌고 있습니다. 중앙에는 본존의 《약사여래 입상》이 있어, 이쪽도 절 외 최초 공개. 밀교 존상이 아니라 전신 사원 중 하나에서 축제를 잡은 것을 공해가 신호사에 맞이한 것으로 생각됩니다.

8세기 말부터 9세기 초에는 개성적인 불상이 많이 만들어졌지만, 그 중에서도 더욱 이채를 발하는 존재입니다. 가장 큰 특징은 무심코 자세를 바로잡을 정도로 가혹한 눈빛. 긴장된 입가도 함께 위엄으로 가득합니다.

평소 신고지에서는 가마코에 들어가 있기 때문에 정면에서 밖에 배관할 수 없는 조형미를, 다양한 각도로부터 즐길 수 있다고 하는 것도, 본전의 큰 매력이겠지요.

양팔을 들여다본 한 나무에서 새겨진 일목 구조로, 정면에서 본 모습에서는 상상할 수 없을 정도로 크게 돌출하고 있는 대퇴부가 그 두께를 강조. 또한, 왼쪽 소매에는 둥근 큰 물결과 긁어 서 있는 작은 파도를 번갈아 나타내는 음파식(혼파시키) 의문이라고 하는 표현이 베풀어지고 있어, 그 조각의 깊이가 한층 더 중후감을 만들어 내고 있습니다. 음파식 의문은 헤이안 초기 조각의 특징입니다만, 이만큼 아름답고 뚜렷하게 보이는 상은 드물다고 하는 것.

밀교의 부처가 아닌 이 상을 공해는 왜 본존으로 맞이했는가. 이유는 확실하지 않지만, 도쿄 국립 박물관의 담당 연구원, 마루야마 시로씨는 다음과 같이 말합니다.

“밀교가 조형을 소중히 한 것 이상으로, 아마 공해 자신이 원래 조형에 깊은 관심을 가지고 있었던 것이 아닐까 생각합니다. 공해는 이 상을 맞아, 어떻게 느꼈는지. 그냥 ”

본존 주위를 빙빙 둘러싸고 있는 것은 《사천왕 입상》 과 《십이신장 입상》 입니다. 신고지에서는 밀집해 안치되어 있는 것을, 도대체씩 스페이스를 비워 설치. 한층 더 라이팅에 의해, 개성 풍부한 포즈를 취하는 동상의 실루엣을 배후에 떠오르게 하는 것으로, 그 역동적인 표현을 훌륭하게 두드러지게 하고 있습니다. 너무 화려한 광경을 자주 볼 수 있었습니다.

공해의 사상과 숨결을 느낄 수 있는 특별전 「신고지-공해와 진언밀교의 시작」의 개최는 2024년 9월 8일(일)까지.

창건 1200년 기념 특별전 “신고지-공해와 진언 밀교의 시작” 개요

※기사의 내용은 취재 시점의 것입니다. 최신 정보는 전람회 공식 사이트 등에서 확인해 주십시오.

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국립과학박물관

지구상에서 보고된 생물종의 절반 이상을 차지하는 가장 큰 생물군 “곤충”. 그 알려지지 않은 세계를 다양한 단면과 독특한 관점에서 깊은 해자하는 특별전 「곤충 MANIAC」이 국립 과학 박물관에서 개막했습니다. 회기는 2024년 10월 14일(월·축)까지.

곤충은 사람이 지금까지 명명한 것만으로도 약 100만종에 달합니다. 사람의 생활의 가장 가까이에 서식하는 야생 동물이면서, 일반적으로 인지되고 있는 종은 단지 한 줌. 게다가, 모두가 이름을 알고 있는 곤충이라도, 실은 생태가 수수께끼 투성이거나, 연구자밖에 모르는 것 같은 재미있는 비밀이 숨겨져 있는 경우도 적지 않습니다.

본전에는 10cm를 넘는 거대한 딱정벌레에서 1mm에도 못 미치는 미소한 벌, 거미나 지네 등 곤충과 마찬가지로 ‘무시’라고 불리는 육생 절지동물까지 폭넓게 등장. 국립과학박물관의 5명의 연구자가 귀중한 표본이나 최신의 곤충 연구를 섞으면서, 책이나 도감으로 얻을 수 있는 지식의 한 걸음 앞에 있는, 무시들의 압도적인 다양성의 세계를 매니악에 파헤치고 있다 합니다.

매니아크라고 해도, 회장에서는 도입부로서 「존 1:곤충과 벌레」 라고 하는 섹션을 마련해, 곤충과 벌레의 차이나 그 특징 등 기본 정보를 방해하고 있으므로, 곤충에 자세하지 않은 분도 걱정 필요 없습니다.

이어지는 「존 2：다양한 무시」 가 본전의 메인 섹션입니다. 연구자의 전문 장르마다 5개의 문으로 나누어, 「잠자리의 문」 에서는 잠자리・메뚜기・세미 등의 불완전 변태 곤충을, 「벌의 문」 에서는 막상의 뿅을 가진 벌과 파리의 동료를 “나비 문” 에서는 나비와 가의 동료를, “딱정벌레 문” 에서는 딱정벌레, 사슴벌레 등의 딱정벌레를, 그리고 “거미 문” 에서는 거미, 지네 전갈 등 곤충 이외의 절지 동물의 세계를 소개. 각각 「다양화의 열쇠」 「곤충 신상식」 「무시들의 의식주」라는 3개의 키워드에 얽힌 내용을 취급하고 있습니다.

각 지역에서 표지 대신 방문자를 기다리고 있는 것은, 연구자가 세부까지 고집해 감수했다고 하는 5체의 거대 모형 입니다.

일반적인 곤충전과는 조금 다른 맛, 예를 들면 에조오나가바치의 모형은 멋지게 날고 있는 모습이 아니라 몸을 변형시켜 산란하는 모습이라고 하는 엄청난 모습을 재현한 것. 「거기에 주목하는 거야!?」라는 의외성도 본전의 묘미라고 할 수 있겠지요.

무시에 자세하지 않은 필자에게 있어서, 본전은 놀라움의 연속입니다.

예를 들어, 벌레가 형성하는 사회에 대해. 말벌이나 꿀벌로 친숙한 일벌과 여왕벌이 집단 생활을 하고 노동과 산란을 분업하는 생태는 약 15만종에 달하는 벌눈 전체에서 하면 오히려 드물고 혼자 사는 벌이 압도적으로 많다고합니다. 매니악도로 말하면 낮은 지식입니다만, 「벌은 무리로 사는 곤충」이라고 하는 고정 관념이 있었으므로 충격을 받았습니다.

벌은 집단 생활을 하는 「진사회성」이라고 불리는 생태 외, 산란 후에 어머니 벌이 떨어진 후에는 기본적으로 1마리로 사는 「단독성」, 산란 후에도 어머니 벌이 부화한 유충에 음식 을 주는 「아사회성」, 둥지 만들기나 음식 모임을 다른 벌에 의존하는 「노동 기생성」등, 다양한 생태를 볼 수 있습니다. 그 때문에, 곤충에 있어서의 사회성의 진화에 대해 생각하기 위한 연구 재료로서, 벌은 높은 관심이 전해지고 있다고 한다.

성별의 다양성에 관한 전시는 꽤 매니악한 것이 충실하고 있어, 그 중에서도 수컷과 암컷의 특징이 동거한 특이한 개체 「기난드로모르프(암컷형)」 가 눈길을 끌었습니다.

같은 종의 많은 개체 중에는, 드물게 기난드로모르프가 생기는 일이 있어, 특히 나비의 경우는 중심선으로부터 좌우로 분명하게 나뉘어져 있는 예가 많이 발견되고 있다고 합니다. 전시에서는 더욱 드물고, 좌전 쿤과 우후 쿤이 수컷, 우젠 쇼와 좌후 쿤이 메스의 특징을 가진 기난드로모르프의 표본도 등장. 어느 나비도 대칭성이 아름답고, 생명의 신비를 느끼지 않고는 있을 수 없습니다.

회장에서는 무시의 복잡한·기묘한·깨끗한 비주얼을 그대로, 때로는 현미경을 사용해 관찰할 수 있는 것은 물론, 단조롭게 늘어놓을 뿐만이 아닌 취향을 집중한 표본도 즐길 수 있습니다.

예를 들어, 사이즈 차이의 딱정벌레와 사슴벌레로 그라데이션이 되도록 원을 그려, 세련된 아트처럼 하거나, 같은 나비가 줄지어 있는 가운데 1마리만 다른 씨를 혼동시켜 실수 찾기처럼 하거나. 방문객을 즐겁게하기 위해 편곡에도 신축성이 있습니다.

야마토타마무시의 「옥충색」으로 대표되는, 색소가 아니라 미세한 구조에 태양광이 간섭하는 것으로 발색하는 「구조색」을 갖춘 곤충의 표본은, 그런데 기발한 쥬얼리 박스라고 하는 양상. 뉴기니 주변에 서식해, 폴로닉 결정이라고 불리는 구조색을 체표에 가지는 붕어벌레는 각도에 의해 초록, 파랑, 보라색과 요염하게 빛나고, 매우 아름다운 것이었습니다.

본전은 ‘보는’뿐만 아니라 ‘듣기’, ‘만지는’, ‘후기’ 등 무시의 세계를 다양한 컷에서 체험할 수 있는 점도 매력 중 하나.

북미에는 17년 주기로 우화하는 쥬시시넨 세미나와 13년 주기로 우화하는 쥬산넨 세미나라고 불리는 그룹의 세미, 소위 「소수 세미나」가 서식하고 있습니다. 양 그룹은 17년과 13년의 공배수인 221년에 한 번의 타이밍에서 동시에 대발생합니다만, 일본에서도 뉴스로 화제가 된 것처럼, 정확히 2024년이 그 당년이 되었습니다.

회장은 다양한 무시들이 발하는 소리로 넘쳐나고 있습니다만, 「듣는」체험 전시로서 특히 주목해 주었으면 하는 것이, 그 소수 세미나들의 대합창을 체험할 수 있는 장소입니다. 연구팀이 본전을 위해 일리노이주 시카고를 취재. 현지에서 녹음한, 최대로 85~86 데시벨(파칭코점의 점내와 같은 정도의 소리의 크기)에 달했다는 소란을 여행기와 아울러 소개하고 있습니다.

「냄새」 체험 전시로서는, 시타바치가 좋아하는 유칼립투스의 정유에 포함되는 유칼립투스나, 배설물 등에 포함되어 있는 스카톨의 향기를 분출하는 스폿을 설치. 시타바치는 중남미에만 서식하고 암컷에 대한 접근을 위해 수컷이 꽃의 향기 성분을 모으는 세계적으로도 드문 습성을 가지고 있는 벌로, 그 광택감이 있는 아름다움도 볼거리입니다.

「만지는」체험 전시에서는, 식물에 기생한 진딧물의 유충이, 외적으로부터 몸을 지키기 위해서 식물을 이상 발달시켜 만드는 둥지 「벌레 주먹」의 실물에 접할 수 있는 등, 모두 화려함은 없는 것의 지식 적 호기심을 간질이는 내용이 되었습니다.

남아있는 「존 3：무시와 사람」 은 에필로그로서, 사람의 생활과 함께 한 몸의 무시의 세계를 들여다 보고, 무시와 사람의 미래를 생각해 갑니다.

사람의 관점에 따라 벌레는 해충과 익충으로 간주됩니다. 전시에서는 대표적인 해충의 예로서 크로스 말벌류를 들고 사람을 찌르는 위험성이 있는 한편, 농지에 있어서의 벌레에 의한 식해를 억제하는 기능을 가지는 점도 소개. 시점을 바꾸면 사람의 삶이 다양한 생물들로 구성된 생태계에 의해 지원되고 있다는 것을 깨닫는다고 전하고 있습니다.

무시는 언뜻 보면 자연 환경이 그다지 남아 있지 않은 도시에서도 심지어 집안에서도 잘 살고 있고, 무시가 서투른 사람에게 있어서는 중요한 일입니다. 흥미로운 이야기로서 사람은 같은 벌레를 보더라도 집안과 밖에서는 집안에서 보았을 때 쪽이 심리적인 혐오감이 늘어난다는 가설이 제창되고 있다고 한다. 게다가 도시화에 의해 일상적으로 벌레를 볼 기회가 감소하고 있는 것이, 벌레를 「득체의 모르는 것」으로서 혐오하는 원인이 되고 있을 가능성도 있다고 합니다.

그러므로 에필로그의 캡션에는 “하나 하나의 벌레에 대해 왜 무시가 서투른지 알면 모든 벌레에 대한 혐오감은 조금만 완화될 수 있을지도 모른다”고 조언한 문언 도 붙어있었습니다.

작은 무시의 세계는 대부분이 사람에게 인식되지 않지만, 그래도 무시는 우리의 생활과는 분리할 수 없는 가장 친밀한 이웃인 것에 자연과 생각이 둘러싸는 전시 내용이었습니다.

덧붙여 본전에서는 코미디 콤비 「안걸즈」의 야마네 료켄씨가 2023년, 히로시마의 산중에서 「원취. ‘라는 프로그램을 수록했을 때 발견한 신종 곤충, 모토나리히메코바네나가하네카쿠시의 표본도 감상할 수 있습니다.

이 발견이 계기로, 앤걸스는 본전의 공식 서포터에 취임. 개막에 앞서 열린 오프닝 토크에 등단한 야마네씨는, 신종의 발견 당시, 동행하고 있던 히와 자연 과학 박물관의 치다 료히로 연구원에게 「이것은 드물어요」라고 지적되어도, TV적 덧붙여 세사라고 생각해 진정으로 받지 않았다고 되돌아봅니다.

이어서 타카나카 타카시 씨가 “야마네는 일찍 로케를 끝내려고 생각하고, 산의 안쪽으로 들어가지 않고 입구 당 적당한 흙을 팍 헹구면 신종이 발견되었다. 거기는 반대로 선생님 하지만 찾을 수 없는 장소였어요」라고 코멘트. 신종 발견의 이유가 야마네 씨의 「안타까움」에 있었다고 웃으면서 분석했습니다.

우리가 모르는 것만으로, 의외로 가까이에 곤충의 신종은 있다고 합니다. 전시의 마무리에, 연구자들이 무시를 찾을 때의 시선이나 기술, 도구 등도 소개하고 있으므로, 학생 여러분은 여름방학의 자유 연구로서, 무시의 신종 발견에 도전해 보는 것도 재미있을지도 수 있습니다.

특별전 「곤충 MANIAC」의 개최는 10월 14일(월·축)까지.

특별전 「곤충 MANIAC」개요

회기	2024년 7월 13일(토)～10월 14일(월·축)
회장	국립과학박물관(도쿄·우에노 공원)
개관 시간	9시～17시 (입장은 16시 30분까지) ※단 매주 토요일 및 8월 11일(일)~15일(목)은 19시까지 개관 연장(입장은 18시 30분까지)
휴관일	9월 2일(월), 9일(월), 17일(화), 24일(화), 30일(월)
입장료(부가세 포함)	일반·대학생 2,100엔, 초·중·고교생 600엔 ※미취학아는 무료. ※장애인 수첩을 가지고 계신 분과 그 개호자 1명은 무료. ※그 외, 자세한 것은 공식 사이트에서 확인해 주세요.
주최	국립과학박물관, 요미우리신문사, 후지TV
문의	050-5541-8600(헬로 다이얼)
전시회 공식 사이트	https://www.konchuten.jp/
감수자	이데류야[종합감수, 벌류]/국립과학박물관 동물연구부 육생무척추동물연구그룹 연구원 노무라 슈헤이[고추류]/국립과학박물관 동물연구부 육생무척추동물연구그룹 종류]/국립과학박물관 동물연구부 육생무척추동물연구그룹 부 육생 무척추 동물 연구 그룹 연구원

※기사의 내용은 취재일(2024/7/12) 시점의 것입니다. 최신의 정보는 전람회 공식 사이트등에서 확인해 주세요.

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국립 서양 미술관

중세 유럽에서 보급된 채식 사본의 매력을 접하는 전시회 ‘나이토 컬렉션 사본 – 과연 우아한 중세의 소우주’ 가 국립 서양 미술관에서 개최 중입니다. 회기는 2024년 8월 25일(일)까지.

사본이란, 15세기에 인쇄 기술이 발명되기 이전의 유럽에서 보급된, 동물의 가죽을 얇게 가공해 만든 종이(짐승피지)에 사람의 손으로 텍스트를 필사해, 방대한 시간과 노력 를 걸어 제작한 책입니다.

화려한 장식이나 삽화가 베풀어지는 경우도 많아 때로는 매우 사치품이 된 사본이지만, 당시 사람들에게 정보 전달의 주요 매체였던 동시에, 기독교 신앙을 뒷받침하는 중요한 역할 도 담당하고있었습니다.

본전 타이틀에 있는 「나이토 컬렉션」 이란, 쓰쿠바 대학·이바라키 현립 의료 대학 명예 교수의 나이토 히로시 씨가 수집한 사본 영엽(리프/책으로부터 분리된 한 장 한 장의 지엽) 을 중심으로 하는 컬렉션을 가리킵니다. 국내 미술관의 사본 컬렉션으로서는 최대급의 것으로, 2015년도에 동관에 일괄 기증되어, 2020년에 걸쳐서 추가로 26점의 사본 영엽이 추가되었습니다.

본전은 나이토 컬렉션의 대다수에 국내의 대학 도서관 수장품 등을 더한 약 150점을 통해서, 각각의 사본의 역할과 함께, 문자와 그림이 일체가 된 중세채 장식(※) 예술의 세계를 소개한다 대규모전입니다.

(※사본의 장식은, 금을 다용한 빛나는 특징으로부터 「채식」이라고 불립니다)

전시는, 영엽이 본래 속하고 있던 친사본의 용도를 기준으로 장 나누어, “1장:성경” “2장:시 편집” “3장: 성무일과를 위한 사본” “4장: 미사를 위한 사본”5장: 성직자들이 사용한 기타 사본”6장:시상서’, ‘7장: 달력’, 장：세속사본」 의 전9장 구성으로 되어 있습니다.

사본 장식의 대표적인 예로 들 수 있는 것이 이니셜 입니다.

이니셜은 문두의 알파벳을 화려하게 장식한 것. 눈을 기쁘게 할 뿐만 아니라, 텍스트의 중요한 섹션의 시작을 나타내는 표식이나, 단락의 단락의 역할을 완수했습니다. 재미있는 것은 장식의 종류가 이니셜의, 나아가서는 텍스트의 히에랄키를 나타내고 있다는 점.

예를 들어 《전례용시 편집 영엽》 의 지면 왼쪽 중앙에는 대형의 「B」의 문자가 있어, 「B」의 내부 상단에는 신이 축복하는 모습, 하단에는 전승상의 「시편」의 저자 다윗이 악기를 연주하는 모습이 그려져 있습니다. 이와 같이, 문자의 내부 스페이스에 이야기의 장면이나 인물 등을 그린 것을 「이야기 이니셜」이라고 부릅니다.

그 밖에도, 채색한 땅에 금의 문자를 둔 「샴피・이니셜」이나, 문자의 주위를 선묘로 장식한 「선조 장식 이니셜」등이 있습니다만, 히에랄키로 말하면 이야기 이니셜이 최상위. 핵이 되는 텍스트를 가장 눈에 띄는 이야기 이니셜로 표시하는 것으로, 읽는 사람의 이해를 시각적으로 보조하고 있었던 것입니다.

덧붙여 「전례용시 편집」은 수도원이나 교회에서 하루 8회, 정시에 행해지는 예배인 성무일과 를 위해서, 구약 성경의 「시편」의 텍스트나 성가, 기도문 등을 편찬한 것 입니다.

나이토 컬렉션에는 13세기의 잉글랜드나 프랑스에서 제작된 성서 사본의 영엽이 많이 존재하며, 「창세기」의 시작을 나타낸 「성서 영엽」 은 그 대표적인 단풍입니다.

방대한 문자가 세세하게 꽉 배치된 가운데, 종이면을 세로로 관통하는 금연 장식이 눈길을 끌지만, 실은 이야기 이니셜의 거대한 「I」라고 알고 놀랐습니다. 바로 장대한 이야기의 시작을 전하는 데 어울리는 스케일이라고 해도 좋을 것입니다. 2cm 정도의 작은 원형 속에서 하나님에 의한 만물의 창조로부터 가인에 의한 아벨의 살해까지의 스토리를 치밀하게 표현하고 있습니다.

15세기 후반의 북 네델란트(현재의 네덜란드 부근)의 거리 즈보레에서 제작된 《『즈보레 성경』영엽》 은, 이야기 이니셜을 포함해 「D」를 강조한 한잎. 그 정연한 아름다움에 간과했습니다.

사본은 당초, 수도사나 수도녀가 필사나 장식을 담당하고 있었습니다만, 점차 재속의 장인들이 참가해 갔습니다. 본작에 보이는 도저히 필기로는 생각되지 않는 세련된 서체는, 야코뷰스·판·엔크하이센이라고 하는 능서가로서 유명한 인물이 다룬 것으로, 전권분을 써사하기 위해서 14년의 세월을 걸었다든가 .

이 조화로운 레이아웃은 3 버전의 「시편」을 병기한 것으로 태어난 것. 이야기 이니셜에는 계약 상자를 예루살렘으로 옮기는 데이비드 등 각각 다윗의 평생 장면이 그려져 있습니다.

사본이 누구를 위해 제작되었는지, 어떤 장면에서 사용되고 있었는지를 이니셜로 나타내는 케이스도 있어, 예를 들어 <<전례용시 편집 영엽> 의 이니셜 「C」에 그려져 있는 것은, 서 전망대 앞에서 노래하는 프란시스코회 수도사의 모습. 즉, 친사본이 프란시스코회를 위해 제작된 것임을 알 수 있습니다.

덧붙여 본작과 같이 식물을 모티프로 해 페이지의 여백을 메우는 테두리 장식은, 사본중에서는 대중입니다만, 자주(잘) 보면 본작은 극채색의 우아한 풀꽃에 섞여, 수도사다운 기묘한 노인의 머리를 띄우고 있는 점이 꽤 독특.

회장에는 그 밖에도, 화가의 장난기인지, 여백 부분에 장난 그리기 같은 장식을 베푼 영엽이 있어, 페이지를 전혀 체크하는 재미가 있었습니다.

성무일과 때에 낭독하는 전 텍스트를 수록한 「성무일과서」는, 예배를 진행하는 사제가 소지하는 것이었습니다만, 점차 일반 신도 사이에도 보급되어 갔습니다.

그 중에서도 이탈리아의 거리 페라라를 15세기에 통치하고 있던 에스테가의 의뢰로 제작된 《『레오넬로 데스테의 성무일과서』영엽』 은 세속 신도들을 위해 사치스러운 화려한 한 작례. 금을 흩뿌리면서 실처럼 미세한 선을 그린 테두리 장식은 호화로운 보석의 눈빛을 연상시켜 훌륭하다고 할 수밖에 없습니다.

장식은 페라라를 대표하는 사본채식 화가였던 조르조 다레마냐에 의한 것. 전체적으로는 후기 고딕 양식이면서 당시 페라라에서는 이미 르네상스가 막을 열고 있던 영향도 있었는지, 이니셜 내부 인물을 그리는 방법은 르네상스 양식의 영향을 볼 수 있습니다.

사본 장식은 책 안에서 지켜져 벽화나 태피스트리에 비해 소산이나 파손을 면해 온 것으로부터 중세의 미술에 관한 귀중한 증언자라고도 할 수 있습니다. 본작도, 유행의 과도기에 있던 두개의 미의식의 에센스가 봉쇄된, 시대를 전하는 좋은 예라고 할 수 있을 것입니다.

물론, 이니셜의 장식이 아니고, 페이지상에서 독립한 스페이스를 할당할 수 있었던 미니어튜르(삽화)가 실린 영엽도 다수 소개되고 있습니다.

《기도서 영엽》 은 그리스도를 그린 삽화를, 금지에 풀꽃이나 벌레를 트롬프 루이유(다마시 그림/1500년경의 헨트나 브뤼헤로 유행한 장식) 바람에 흩어진 여백 장식으로 둘러싸고 있습니다. 본래, 기존의 사본에 삽입해 미적 가치를 높이기 위해서 제작된 지엽입니다만, 소유자는 거기에 자수의 테두리를 베풀어, 소형 회화의 형태로 예배에 사용하고 있던 것 같습니다.

그 외, 회장에서는 백과 전서적 내용을 가지는 것이나 신분 증명서 등, 기독교 관련 이외의 「세속 사본」도 전시. 또, 작품 조사의 성과로서, 필사된 텍스트의 내용이나 서체, 장식의 양식 등으로부터 특정한 영엽의 친사본이나, 친사본으로부터 분리된 자매잎에 대해서도 다루고 있었습니다.

때때로 소유자의 스테이터스 심볼로서, 혹은 미적 취미를 채우기 위해 사치스럽게 채색된 사본. 장식 부분만 잘라내는 수집가도 태어나 책의 영역을 넘은 일류의 미술품으로 애호했습니다. 사이즈야말로 소형의 것이 많습니다만, 우리가 평상시, 미술관에서 보는 서양 회화와 같은 미의식이 담겨져 있어, 보는 것은 전혀 뒤떨어지지 않습니다. 꼭 본전에서, 현대의 우리와는 다른 감각으로 책을 읽고 있었을 중세의 사람들의 미의식에 대해, 생각을 돌려 보면 어떻습니까.

‘나이토 컬렉션 사본 – 정말 우아한 중세의 소우주’ 개요

※기사의 내용은 취재 시점의 것입니다. 최신 정보는 전람회 공식 페이지 등에서 확인해 주십시오.

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도쿄도 미술관

20세기를 대표하는 거장 조르지오 데 키리코 (1888-1978)의, 일본에서는 10년만이 되는 대규모 회고전 “데·키리코전”이 도쿄·우에노의 도쿄도 미술관에서 개최중입니다. 회기는 2024년 8월 29일까지.

살바도르 달리나 르네 마그리트 등 슐레어리스트를 비롯해 수많은 예술가들에게 큰 영향을 미친 '형이상 회화' 로 명성을 얻은 조르지오 데 키리코. 전위 화가로서의 이미지가 강합니다만, 한편으로 르네상스나 바로크라고 하는 고전주의적인 표현 수법에도 경도해, 시대에 의해서 화풍을 크게 변화시켜 가는 인물이기도 했습니다.

회고전이라고 하면, 작가의 초기부터 만년까지의 작품을 시계열로 나란히 소개하는 것이 일반적입니다. 그러나 본전에서는 세계 각지에서 모인 유채를 중심으로 한 100점 이상의 작품을 「자화상・초상화」 「형이상 회화」 「전통적인 회화로의 회귀」 등, 데·키리코가 취급한 테마나 모티브 마다 정리해, 그들을 어떻게 그려 계속, 변화를 더해 갔는지를 알기 쉽게 소개하고 있습니다.

제1장에서는 도입부로서 자화상과 초상화에 주목. 드 키리코가 그 화업의 초기부터 임해, 평생 수백장을 다룬 자화상에서 볼 수 있는 다양한 양식의 변천에는, 그가 추구한 각각의 시대의 연구 성과가 나타났습니다.

드 키리코는 1888년에 그리스에서 이탈리아인 부모에게 탄생해, 아버지의 사후, 어머니, 동생과 함께 독일의 뮌헨으로 이주. 거기서 미술학교에 입학하는 것도 중퇴해, 1909년에 이탈리아의 밀라노에 거를 옮깁니다. 당시의 데 키리코는 프리드리히 니체의 철학과 《죽음의 섬》으로 유명한 추상주의의 화가 아르놀트 베클린의 그림 등에서 큰 영향을 받고 있어 본전에는 이 시기 즉 파리에서 형이상 회화를 확립하기 이전의 초기 단계에 그려진 귀중한 초상화 《동생의 초상화》 (1910)를 볼 수 있었습니다.

《자화상》 (c1922)은, 전위 운동에 의한 표현 형식의 파괴에의 반동으로, 고전 회화의 질서를 재발견한 「질서에의 회귀」라고 하는 동향이 서양 미술을 석권한 시대에, 데·키리코가 응답 로 다룬 것. 광대 델라 프란체스카와 라파엘로 산지오와 같은 르네상스 회화의 견고한 비전을 기반으로합니다.

또, 자화상 속에는 17세기풍의 의상이나 투우사에게 분장을 하고 있는 것도 있었습니다. 그러한 연출적인 시도, 연극적 기호는 데 키리코 작품의 특징 중 하나이며, 그가 그 경력에서 간헐적으로 관련되어 있던 오페라나 연극 등의 무대 미술과 밀접하게 관련되어 있습니다. 덧붙여 전시 후반에서는 데·키리코가 다룬 무대 의상이나 디자인 스케치도 소개되고 있으므로, 상호에 준 영향을 상상하면서 감상하는 것도 재미있을 것 같습니다.

제2장에서는 데·키리코의 대명사라고도 할 수 있는 형이상 회화를, 「이탈리아 광장」 「형이상적 실내」 「마누칸」 이라고 하는 3개의 테마로 나누어 구성. 평소는 전세계에 흩어져 있는 1910년대 황금기의 대표작이 다수 집결한 본전의 하이라이트입니다.

데 키리코는 1910년 어느 날 피렌체의 산타 크로체 광장에서 익숙해야 할 경치가 처음 보는 것 같은 감각에 습격당했다고 합니다. 그 「계시」를 계기로, 광장이나 실내라고 하는 구상을 그리면서도, 왜곡된 원근법이나 본래라면 있을 수 없는 모티브의 배치에 의해, 꿈의 이미지에도 닮은, 우리에게 보이고 있는 세계의 안쪽 에 있는 비일상적인 것, 신비와 수수께끼를 칭찬하는 회화 의 제작을 개시.

1911년에 파리로 옮겨가면, 그의 환상적인 그림은 즉시 비평가들을 포로로 삼아 파리에서 최전선의 조류의 일각을 이룬다. 경애하는 니체의 철학에 영향을 받은 그 작품군을, 나중에 데 키리코는 스스로 「형이상 회화」라고 명명했습니다. 「이탈리아 광장」의 코너에 출전되고 있는 《침묵의 상(아리아드네)》 (1913)은, 확실히 형이상 회화의 걸작이라고 불리는 작품입니다.

사람의 모습이 없는 광장에서, 단지 화면 밖에서 뻗어나가는 긴 그림자가 불온한 분위기를 풍기는 《장미빛의 탑이 있는 이탈리아 광장》 (c1934)은 1913년 제작의 《붉은 탑이 있는 이탈리아 광장》 를 복제한 것. 드·키리코는 과거에 그린 형이상 회화의 재제작도 적극적으로 실시하고 있어, 이러한 행위는 때로는 「속작」으로서 비난되기도 했습니다만, 본인은 「이러한 복제는, 보다 아름다운 소재 그리고 더 세련된 기법으로 그려져 있다는 것 이외에 단점은 없을 것입니다.”(재제작을 의뢰한 스승인 안드레 브루턴의 아내에게 보낸 편지보다)와 긍정적으로 포착한 것 같습니다.

제1차 세계대전의 발발에 따라, 병사로서 파리에서 페라라로 옮겨 살았던 데 키리코의 회화는, 그때까지의 광장을 바라보는 열린 시야로부터, 실내의 닫힌 공간으로 전환. 그려지는 모티프도 페라라의 집의 실내나 점포의 쇼 윈도우로부터 영감을 얻어, 비스킷이나 해도, 통치자라고 하는 데 키리코의 신변에 있었을 것이다 사물이 맥락 없이 등장하게 됩니다.

이들은 '형이상적 실내'로 불리며, 1910년대의 작품을 보면, 그려진 모티브가 부자연스럽게 눈앞에 다가오는 것 같은 외부의 존재를 배제한 근시안적인 화면 구성이 되어 있습니다. 그것이 1960년대에 들어가면 창문을 설치하고 공간에 퍼짐을 낳는 구도로 변화. 창문에서는 이탈리아 광장 건물도 보이고 있으며, 이것은 데 키리코가 1968년경부터 착수한 과거 작품의 모티브를 통합하는 '신형이상 회화'의 작품군에서 볼 수 있는 특징입니다.

「마누칸」의 코너에서는, 고전적인 서양 회화에서 특권적인 지위를 주어지고 있던 모티프인 인물상을 무개성의 마누칸(마네킹)으로 옮겨놓고, 다른 모티프와 동렬의, 일종의 물건으로서 취급 드러낸 일련의 작품군을 전시. 마누칸의 등장이 제1차 세계대전의 발발과 시간을 동일하게 하기 때문에, 마누칸은 전쟁을 일으키는 인간의 이성의 없는, 혹은 폭력에 대한 인간의 무력함을 나타내고 있다고도 알려져 있습니다.

뮤즈나 예언자, 철학자, 신부 등 다양한 역할을 맡고 있는 마누칸입니다만, 초기의 대표작 《예언자》 (1914-15)나 《형이상적인 뮤즈들》 (1918)에서는 무기질로 묘사되고 있다 한편 시대가 진행됨에 따라 고전주의의 영향을 받는 형태로 육감이 주어져 인간화해 나가는 재미있는 변용을 이루고 있는 것은 주목해야 할 점이겠지요.

드 키리코는 형이상적 회화에서 일단 고전 회화로 회귀한 후 1925년에 돌아온 파리에서 슐레아리스움의 화가들과 교류를 갖음으로써 다시 형이상적 회화에 눈을 돌리고 ‘검투사’와 「골짜기의 가구」라고 하는 새로운 주제도 취급하게 되었습니다. 제3장에서는 그런 1920년대 후반의 전개에 주목하고 있습니다.

계속되는 제4장은 【전통적인 회화에의 회귀―「질서에의 회귀」로부터 「네오 바로크」에]라고 제목을 붙여, 본고에서도 자주 만지고 있는, 고전 회화에의 경도로부터 얻은 성과를 나타내는 작품 다시 소개. 1920년경부터는 티치아노나 라파엘로와 같은 르네상스기의 작품을, 다음으로 1940년대에는 루벤스나 베라스케스와 같은 바로크기의 작품을 연구해, 쉬르레아리스트들에게 비판되면서도, 그 표현이나 주제, 기법을 스스로 의 제작에 도입해 갔습니다.

이 장에는 2개의 물 욕조가 있습니다. 1점은 《누워 수욕하는 여자(알크메네의 휴식)》 (1932)로, 당시, 르네상스기의 고전주의 연구의 제일인자로서 알려져 있던 인상파의 화가 피에르=오귀스트·르누아르가 만년에 그려 수욕 화를 원형으로 하고 있습니다.

또 1점은 그 10년 이상 후에 그려진 《풍경 속에서 수욕하는 여자들과 붉은 천》 (1945)으로 바로크 회화나 그것을 해석한 우제느 드라크로와, 귀스타브 쿠르베의 작품에 착상을 얻는다 있습니다. 같은 주제이면서 비교하면 후자 쪽이 전체적으로 요염하고, 어둡고 농밀한 색채가 돋보이는 등, 그 필치나 양식이 크게 변화한 것을 알 수 있습니다.

최종장이 되는 「신형이상 회화」의 섹션에서는, 데 키리코가 1978년에 사망하기까지의 10년여, 다시 형이상 회화에 임하기 시작하고 나서의 전개를 쫓습니다.

가장 늦은 해에, 데 키리코는 과거에 다루어 온 광장, 실내, 마누칸, 고전 회화에서 볼 수있는 신화 이야기, 심지어 삽화 작업으로 그린 태양과 달 같은 요소를 화면에서 자유롭게 조합 , 그냥 구워내지 않는 새로운 경지를 열었습니다. 그 양식은 '신형이상 회화'라고 불리며 1910년대 형이상 회화에 있던 우울하고 심한 분위기는 없어져 모두 독기를 빼낸 것처럼 가볍고 밝고 어딘가 장난기를 느끼는 것뿐입니다.

주위로부터의 비판에 좌우되지 않고, 전위와 고전을 상반하는 것이 아니라 공존 가능한 것으로 하고, 자작의 인용이나 오마쥬를 반복해 온 데 키리코의, 바로 화업의 집대성이라고 부르기에 어울리는 독창적인 양상 를 나타냈다.

「데·키리코전」개요

회장	도쿄도 미술관
회기	2024년 4월 27일(토)~8월 29일(목)
개실 시간	9:30~17:30 금요일은 20:00까지(입실은 폐실 30분 전까지)
휴무일	월요일, 7월 9일(화)~16일(화) ※단, 7월 8일(월), 8월 12일(월·휴)는 개실
관람료(부가세 포함)	일반 2,200엔, 대학생・전문학교생 1,300엔, 65세 이상 1,500엔 ※토요일·일요일·공휴일 및 8월 20일(화) 이후는 일시 지정 예약제. ※고등학생 이하 무료. ※신체장애인 수첩・사랑의 수첩・요육 수첩・정신장애인 보건 복지 수첩・피폭자 건강 수첩을 가지고 계신 분과 그 부속자(1명까지)는 무료. ※그 외, 자세한 것은 공식 티켓 페이지 에서 확인해 주세요.
주최	공익재단법인 도쿄도 역사문화재단 도쿄도미술관, 아사히신문사
문의	050-5541-8600(헬로 다이얼)
전시회 공식 사이트	https://dechirico.exhibit.jp/

※기사의 내용은 취재 시점의 것입니다. 최신 정보는 공식 사이트 등에서 확인하십시오.

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