「이키모노 초월드전 국립과학박물관×다윈이 왔다!」취재 리포트. 과박의 표본×NHK의 귀중 영상이 융합, 놀라움의 생존 전략에 육박한다

국립과학박물관
회장 풍경

도쿄 우에노의 국립 과학 박물관에서는 NHK의 자연 프로그램 ‘다윈이 왔다! 』와의 공동 기획에 의한 특별전 “이키모노 초월드전 국립 과학 박물관×다윈이 왔다!” 가 개최중입니다. 회기는 2026년 10월 12일(월·축)까지.

앞서 행해진 보도 내람회에는, 본전의 네비게이터를 맡는 탤런트의 아이바 마사키씨도 등단했습니다. 당일의 모습을 리포트합니다.


본전은, 태고로부터 현재까지 계속되는 끊임없는 환경 변화에 적응해, 진화해 가고 싶은 것들이 연마한 「생존 전략」 에 스포트를 맞추는 전람회입니다. 국립과학박물관이 소장하는 표본이나 최신 연구성과에 더해 NHK의 촬영 스탭이 오랜 세월 도전해 온 대자연을 살아가는 이끼들의 박력의 영상을 소개하고 있습니다.

회장 풍경

소개에서는 초원과 산악, 숲, 사막, 해양 등 지구상의 다양한 서식 환경을 대표하는 대형 포유류에서 작은 곤충까지 집결. 박제나 골격 표본을 조합한 압권의 파노라마 전시가 방문자를 맞이합니다.

표본 × 영상의 시너지 효과로 생존 전략의 리얼을 체감

전시는, 이키모노의 「오감」 「에너지 보급」 「사이즈」 「이동」 「집단」 「생명의 배턴」을 테마로 한 전 6장 구성. 제1장에서는 생존에 필수적인 센서인 「오감」에 주목하고 있습니다.

회장 풍경, 인간이 가지는 렌즈 눈의 구조나 「새눈」의 오해에 대해서 등 시각에 관한 전시

예를 들면 「미각」의 에리어에서는, 필요한 에너지원을 얻기 위해 단맛(당분)이나 우마미(먹이 생물)를 검지할 필요가 있어, 생존을 위협하는 위험한 것(독:쓴맛, 부패:산미)을 회피하기 위해서 미각이 갖추어져 온 것을 소개. 혀에 국한되지 않고, 이키모노가 어떤 몸의 부위에서 “맛보고” 있는지를 배울 수 있습니다.

놀랍게도 우리 인간은 혀로 맛 (글루타민산이나 이노신산)을 느끼는 것으로 행복감과 만족감을 얻을 수 있습니다. 어려운 자연 환경에서는, 맛이 좋은 음식을 선택하는 것이 오히려 불이익이 될 수 있기 때문입니다.

회장 풍경, 왼쪽은 자이언트 팬더/박제, 오른쪽은 캘리포니아 바다사자/박제, 국립 과학 박물관 창고

인간과 같은 포유류로 말하면, 육식에서 대나무식으로 진화한 자이언트 팬더나, 잡은 먹이 생물을 삼키는 캘리포니아 바다 사슴 등은, 맛을 느끼는 기능이 부족하다고 한다. 자이언트 팬더는 어쨌든, 맛 넘치는 어류를 주식으로 하면서 그 맛에 꽂지 않는 캘리포니아 바다 사슴의 생태에는, 물고기를 좋아하는 일본인으로서는 아무래도 「아깝다!」라고 느끼지 않고는 있을 수 없습니다.

계속되는 제2장은 「에너지 보급」을 테마로, 사냥의 전략이나 에너지의 소화 방법에 육박합니다.

회장 풍경

볼거리 중 하나는 긴박감 넘치는 포식 장면집을 상영하는 대형 모니터입니다. 물고기가 수면에 모습을 드러낼 때까지 몇 시간이나 참을성있게 매복할 수 있는 꿀벌. 시속 110km에 달하는 슛다리로 먹이를 쫓는 치타. 게 등을 노리고 육지에 올라 설마의 호쾌한 점프를 피로하는 아나다코. 어느 장면에서도 결정적 순간을 쫓아온 촬영자들의 끈기가 전해져 왔습니다.

표본이나 해설 패널만으로는 파악할 수 없는 실제의 스피드감이나 신체의 사용법을, 「다윈이 왔다! 』의 현장감 넘치는 영상이 보완하는 것으로, 한층 더 이해를 깊게 할 수 있다. 이러한 전시 구성이야말로 본전의 매력이라고 할 수 있습니다.

회장 풍경, 벌새/박제, 아손자시 새의 박물관 창고

본 장에서는 「편식」에 대해서도 취급하고 있습니다. 그것은 단순히 좋아하고 싫어하는 것이 아니라 독성 유칼립투스를 먹는 코알라처럼 타자가 경원하는 음식에 적응할 수 있다면 라이벌과 싸우지 않고 독점할 수 있다는 훌륭한 생존 전략입니다.

회장 풍경, 왼쪽은 벌집/박제, 오른쪽은 레서 팬더/박제, 국립 과학 박물관 창고

타카의 동료인 하치쿠마의 생태도 실로 독특합니다. 흉포한 말벌 등의 둥지를 덮치고 먹는 이들은 둥지에 들어가는 머리에 벌의 독침을 통과시키지 않도록 비늘 모양으로 밀집한 깃털 구조로 지키고 있습니다. 「편식」을 다한 결과로서 머리의 구조까지 바꾸어 버리는 철저한 합리성에, 「거기까지 할까」라고 무심코 해야 합니다.

흰개미 고래에서 모래알 크기까지 규모의 폭에 압도

회장에서 한층 존재감을 발하고 있던 것이, 「사이즈」가 테마의 제3장에 전시된, 멸종한 최대급의 나무늘보류 메가테리움의 근연종 「피라미오돈테리움」의 레플리카 복원 골격 표본입니다. (실물 화석의 전시도 있습니다) 병치된 현생의 노도차미 유비나마케모노의 골격 표본과 비교하면, 그 거대함은 일목요연. 큰 개체에서는 무려 체장 4m, 체중 1.8t에 달했다고합니다.

회장 풍경, 중앙은 피라미오 돈 테리움/복제 복원 골격 표본, 오른쪽은 노도차미 유비나마케모노/골격 표본, 국립 과학 박물관 창고

대형의 육상성 나무늘보류가 멸종한 것에 대해, 현재의 나무늘보류는 모두 체장 1m 이하의 소형으로, 수상성의 종이다. 몸이 크면 힘도 강하게 우위에 세울 것 같습니다만, 생존에 있어서는 그것이 전부는 아닙니다. 환경에 적합한 크기인 것이 살아남기 위한 중요한 전략이라는 것을 알 수 있습니다.

피라미오돈 테리움의 상공에는 수수께끼의 아치형 물체가 떠 있습니다. 확실히 장식인가라고 생각했는데, 최대 체장 약 33m에 이르는 지구상 최대의 현생 동물·시로나가스 고래의 거대한 “아래 뼈의 뼈”라고 알고 놀랐습니다. 육상에서는 자중을 지지하는 부담이 큰 한편, 수중에서는 부력에 의해 부담이 가벼워지기 때문에, 지금까지의 대형화가 가능하게 된다고 합니다. 뼈 아래에 올려다 보면, 그 규격 밖의 스케일을 전신으로 느낄 수 있습니다.

회장 풍경, 흰 고래 / 건조 표본, 국립 과학 박물관 창고

거골에 압도된 다음 순간에는, 현생 최소급의 해양 무척추동물군 「메이오벤토스」(0.031~1mm 정도의 미소생물의 총칭)의 전시가 눈에 들어옵니다. 모래사장의 모래 한 줌에 100마리 이상이나 서식한다고 하는 초미크로한 세계이며, 이 극단적인 스케일의 흔들림 폭도, 종의 장르를 횡단한 본전 특유의 묘미라고 할 수 있습니다.

회장 풍경, 「대자연 초체감 극장」

제4장과의 사이에는, 발밑까지 퍼지는 4면의 대형 모니터를 사용한 「대자연 초체감 극장」 (2분 05초)이 등장. 고화질 영상으로 포착된 대자연과 야생에서 약동하는 이키모노들의 아름다움에는 종종 말을 잃습니다. 마치 하늘을 날고있는 것 같은 감각이 기분 좋고, 매우 치유되는 공간이되었습니다.

제4장은 「이동」이 테마. 걷기, 날기, 수영 등 자력으로 이동하는 이키모노가 많은 한편, 「다른 사람에게 편승한다」라는 독특한 전략도 소개되고 있습니다.

회장 풍경

예를 들어 절지동물의 벌레는 쥐의 몸을 타고 둥지에서 둥지로 이동하고 있는 것이 최근의 연구로 판명되었다고 한다. 게다가 이동처의 둥근 구멍에서 마다니나 벼룩, 지네 등 쥐에게 있어서의 기생충·해충을 포식하고 있다고 합니다. 단순한 일방적인 ‘변승’이 아니라 서로 이익을 가져오는 공생관계의 가능성이 시사된다는 점에서도 흥미로운 전시입니다.

회장 풍경, 암초에 서식하는 산호류 등의 고착 생물들/일부 복제, 국립 과학 박물관 창고

또, 대량의 플랑크톤류나 유기물이 감도는 해양은, 이른바 영양 만점의 스프와 같은 것. 그러므로 전시되는 산호류처럼 ‘이동하지 않는다’는 과감한 선택을 하는 곳도 적지 않습니다. 그러나 한번 고착하면 이동은 할 수 없고, 어디에 살고 갈지는 확실히 사활 문제. 인기의 장소에서는 라이벌과의 다툼도 일어나기 때문에, 「움직이지 않는다=락」이 아닌 것을 잘 아는 내용이었습니다.

「귀여운」도 생존 전략? 번식이라는 대명제를 향해

제5장은 이키모노의 「집단」의 의의를 묻고, 제6장은 차세대를 기르는 「생명의 배턴」의 여러상을 봐 가는 내용입니다만, 어느쪽에도 공통되는 키워드는 「번식」입니다.

회장 풍경, 위는 스나멜리/복제(FRP 조형), 국립 과학 박물관 창고

제5장에서 등장하는 소형의 돌고래의 동료·스나멜리는, 번식기만 유전자의 다양성을 요구해 집단에서 행동하는 경우가 있다고 한다. 「여름부터 가을에 걸쳐 100마리 가까운 개체가 한자리에 만나고, 슈퍼 맞대기의 양상을 나타내, 교미가 종료하면 해산한다」라고 하는 직계적인 소개문에는 무심코 웃어 버렸습니다. 본전의 캡션은 전문적인 용어도 등장합니다만, 이렇게 어깨 팔꿈치 없이 즐길 수 있는 것뿐입니다.

회장 풍경, 상단 중앙은 낙코/박제, 국립 과학 박물관 창고

제6장에서 등장하는 랏코의 암컷은, 바다 위에서 배에 아기를 태우면서, 수유나 모발 만들기, 나아가 수면까지 실시한다고 합니다. 사냥 도중 아이가 흘러나오지 않도록 해조에 얽혀 두는 유명한 생태도 눈앞의 박제와 겹치면 사랑스러움이 배가되었습니다.

그 흐름으로, 옆에 있는 북극곰의 아기에게도 무심코 「귀여워!」라고 하는 시선을 향해 버립니다만, 실은 그들의 사랑스러운 얼굴표시나 울음소리도, 부모의 보호 본능을 자극해, 돌보도록 하기 위한 숙련된 전략이라고.

회장 풍경, 북극곰/박제, 국립 과학 박물관 창고
회장 풍경, 미즈다코/플라스티네이션 표본, 국립 과학 박물관 창고

한편, 미즈다코 등의 문어류의 암컷은 우리 아이가 성장하는 모습을 볼 수 있는 여유가 없습니다. 일생에 한 번 번식을 위해 산란 후 계란이 부화하기까지 몇 개월 동안 단식 상태에서 계란을 돌보고 모든 알이 부화 직후에 그 생명을 마친다고합니다. 인간의 감각으로는 굉장히 비치지만, 이것도 긴 진화 속에서 도착한 생존 전략. 생명의 배턴을 연결하기 위해 그들이 도출한 대답의 수많은, 그저 생각을 둘러보는 것만이었습니다.

출구 부근에서는, 과박의 연구자나 「다윈이 왔다! 』의 촬영 스탭의 「알기 위한 궁리」를 다루고 있습니다.

회장 풍경

극지에서 열대까지 전세계를 무대로 약 1개월간의 로케를 실시하는 촬영 스탭의 무대 뒤를 아는 전시에서는 최신의 촬영 장비 외에 위장 무늬가 베풀어진 블라인드 텐트도 소개. 어른 1~2명이 들어가면 만원의 좁음으로 작은 창에서 렌즈를 내고 더위와 추위, 때로는 가려움을 견디고 조용히 결정적 순간을 기다리는 가혹함에는 머리가 내려가는 생각입니다.

그러나 스탭에게는, 도시의 번잡함을 떠나, 야생의 숨결에 싸여 기다리는 그 시간이야말로, 무엇물에도 대신하기 어려운 사치이다. 본전의 박력 있는 영상에 매료되어 이 일에 동경하는 아이들도 있을 것입니다. 마무리에 미래로 이어지는 배턴도 제대로 느껴졌습니다.

아이바 마사키씨 「체험형 어트랙션과 같이」

오른쪽에서 3명째가 종합 감수의 타지마 키와코 연구원, 4명째가 아이바 마사키씨, 좌단이 「다윈이 왔다! 』 마스코트 캐릭터의 수염

보도 내람회에서는, 본전 종합 감수를 맡은 국립 과학 박물관의 타지마 목면자 연구원이 등단. “국립과학박물관이 자랑하는 표본과 ‘다윈이 왔다!’의 귀중한 영상이 융합한 최고의 콜라보레이션이 되었습니다”라고 대답을 말합니다.

다양한 환경에 적응하고, 오히려, 그리고 어리석게 생존 전략을 연마해 가고 싶은 것들의 모습. 그것은 전력으로 플레이하는 운동선수에 감동하는 것과 같이, 우리의 가슴을 치는 것이 있다고 하고, 그것을 공유하고 싶다는 생각으로부터 본전을 기획했다고 합니다. 그런 점을 근거로 하면서 “우리도 자연의 일원임을 명심하면서 전시를 즐길 수 있으면”이라고 기대를 걸었습니다.

계속해서, 본전의 네비게이터를 맡는 아이바 마사키씨가 인터뷰에 응했습니다.

아이바 마사키 씨

회장을 둘러싼 감상을 들으면, 「『다윈이 왔다!』의 4K의 예쁜 영상이 많이 흩어져 있는 것입니다.하나 하나 촬영하는데 몇 시간, 수십 시간 걸렸을 것이다 라고 하는 포식이나 포획의 순간의 영상도, 아마 아무렇지도 않게 강간 나오므로, 박제나 표본과 대조하면서, 체험형 어트랙션과 같이 즐길 수 있었습니다”라고 웃는 얼굴을 띄웁니다.

그 중에서도 인상에 남은 전시로 꼽은 것은, 제3장에 전시되고 있는 거대한 나무늘보 「피라미오돈테리움」입니다. 「(피라미오돈테리움이) 엄청 큰 일이었습니다! 진화 과정에서 지금의 나무늘보의 사이즈가 되었는지, 작아지는 편이 생존하기 쉬웠는지와, 그러한 것을 생각하는 것도 즐거웠습니다」라고 말해, 호기심을 자극된 모습이었습니다.

아이바 마사키 씨

또, 아이바씨는 본전의 음성 가이드도 담당하고 있어, 「즐겨 전람회를 보고 싶어서, 그다지 방해를 하지 않도록, 살짝 정보를 건네주셨으면 하는 생각으로 수록했습니다」라고 코멘트. 여러 번 방문하고 있다는 국립과학박물관의 일에 종사한 것에 대한 기쁨을 말하고, 마지막으로 본전에 관심을 보이는 분들에게 메시지를 보냈습니다.

「보고 끝난 후, 아이 뿐만이 아니라, 어른도 깊게 생각시킬 수 있는 전람회라고 느꼈습니다. 나 자신도, 댄 고무시가 콘크리트를 먹거나, 뱀이 전신주를 오르거나, 인간의 가까이에서 공존하고 있는 생물이 많이 있는 것에 놀랐습니다. 모르는 것을 많이 알 수 있는 장소이므로, 여러분 꼭

특별전 「이키모노 초월드전 국립과학박물관×다윈이 왔다!」개요

회기 2026년 7월 11일(토)~10월 12일(월·축)
개관 시간 9:00~17:00(입장은 16:30까지)
※8월 9일(일)~8월 15일(토)는 18:00까지 개관(입장은 17:30까지)
휴관일 9월 7일(월), 14일(월), 24일(목), 28일(월)
회장 국립과학박물관(도쿄·우에노 공원)
입장료(세금 포함) 일반·대학생 2,300엔, 초·중·고교생 600엔

※미취학아는 무료.
※토, 일, 공휴일 및 8월 10일(월)~8월 14일(금)의 기간에 대해서는, 일시 지정 예약을 실시합니다.
※본전을 관람하신 분은, 같은 날에 한해 상설 전시(지구관·일본관)도 보실 수 있습니다만, 상설 전시의 개관 시간내에 한정합니다.
※그 외, 자세한 것은 공식 사이트에서 확인해 주세요.

주최 국립과학박물관, NHK, NHK 프로모션
문의 050-5541-8600(헬로 다이얼)
전시회 공식 사이트 https://ikimonoworld.jp

※최신의 정보와 다른 경우가 있으므로, 자세한 것은 전람회 공식 사이트에서 확인해 주세요.

 


기타 보고서 보기

【도쿄 예술 대학 대학 미술관】 「예대식 미술의”미카타” ―이번 여름, 예대생이 된다―」 취재 리포트. 누구나가 “예대생”이 될 수 있는 특별한 여름이 우에노에서 개막

도쿄 예술 대학 대학 미술관
「예대식 미술의 “미카타”-이번 여름, 가이대생이 된다-”특별 튜터의 코미디 콤비 나이츠

도쿄·우에노 공원의 도쿄 예술 대학 대학 미술관에서, 2026년 7월 24일(금)부터, 누구나가 동경의 “예대생”이 될 수 있는 독특한 전람회 “예대식 미술의 “미카타” ―올 여름, 예대생이 된다―’ 가 개막했습니다. 회기는 9월 23일(수·축)까지.

본전은, 도쿄 예술대학의 현역 강사진이 다루는 12컷의 「강의」를, 동관의 귀중한 컬렉션 작품을 교재로 하면서 「전람회」로서 맛본다고 하는 것. 마치 정말로 대학의 수업을 듣고 있는 것 같은, 지금까지 없었던 호화스러운 감상 체험을 할 수 있는 것이 큰 매력입니다.

본전의 특별 튜터에 취임한 코미디 콤비·나이츠(츠카시노유키씨·츠치야 노부유키씨)가 등장한 취재회 등, 개막 전날에 행해진 보도 내람회의 상세를 리포트합니다.

나이츠 등장! 웃음으로 풀어주는 '예대'의 세계

본전 특별 튜터에 취임한 나이츠·츠카시노유키씨(왼쪽)와 츠치야 노부유키씨(오른쪽)

보도 내람회에서는, 본전의 「특별 튜터」에 취임한 코미디 콤비・나이츠(츠카시노유키씨・츠치야 노부유키씨)의 취재회가 행해졌습니다.

현재 일본 대학 예술 학부에서 미술을 배우는 츠치야 씨는 "과거 진심으로 미대 예비교에 다니며 도쿄 예대를 수험하고 전혀 이가 서 있지 않았다"는 에피소드를 선보였다. 「이 전시에서 『예대생이 될 수 있다』라고 하면, 그렇게 열심히 공부하지 않아서 좋았다(웃음)」라고, 예대의 수업을 리얼하게 체감할 수 있는 본전의 퀄리티를 대절찬했습니다. 한편 츠루 씨도 "플라 모델을 좋아하기 때문에 적외선으로 안의 골조에서 조사하여 불상을 모각하는 전시에 감동했다"고 독자적인 시점에서 말해 회장을 끓이게 했습니다.

취재회가 행해진 「7한째」의 에리어에서는, 동물의 작품을 보고 그 기분을 스티커 메모에 써 남기는 참가형 전시가 행해지고 있습니다. 취재회에서는 여기서 대희리가 발발. 거대한 북극곰 작품 "polka dots"를 앞두고 두 사람도 플립 보드에서 답변을 발표했습니다.

츠치야 씨는 "나야말로 튜터입니다", 츠카 씨는 "실은 무엇도 생각하지 않아!"라고 대답. 「재미있는 답을 요구받았지만, 생각하지 않고 도망쳤습니다」라고 백상하는 츠루 씨에게, 츠치야씨가 「굳이 말하지 않고 상대에게 생각하게 하는 것도 아트군요」라고 팔로우를 넣는 일막도.

마지막으로 본전에의 메시지를 요구하면, 츠치야씨는 「『예대생이 될 수 있다』는 것이 제일의 매력. 정말로 예대의 수업을 받는 체험을 해 주었으면 한다」 라고 본전의 컨셉을 강력하게 어필. 츠카 씨도, 「지금은 인터넷이나 스마트폰만 봐 버리는 시대입니다만, 실제로 다리를 옮겨, 생으로 그림을 보고 느끼는 것은 매우 중요」 라고, 생의 예술에 접하는 의의를 진지하게 말해 주었습니다.

그렇다, 藝대생이 되자.

전시회장 입구

예대 미술학부는 1887(메이지 20)년 설치의 도쿄미술학교(미교)를 전신으로 하고, 미술교육과 연구의 중심으로 뛰어난 예술가나 연구자를 많이 배출해 왔습니다.

본전은 2026년~2028년 3년에 걸쳐 매여 여름 개최되는 시리즈의 제1탄으로, 예대의 현역 강사진이 예대 컬렉션을 중심으로 기획한 강의 형식의 전시를 체험할 수 있다는 첫 시도.

미술관의 전시로 구성된 총 12개의 '강의'에서는 미술의 역사, 실기, 표현, 감상, 보존 수리 등을 테마로, 藝大강사진이 다양한 미술의 '미카타'를 제안하고 있습니다.

홍모노에서 미술의 '미카타' 배우기

라파엘 코란《전원 연애시》1882년 ※본 기사에서 소개하고 있는 작품은 모두 도쿄 예술 대학 창고
구로다 세이키《부인상(주방)》메이지 25년(1892)
나가이 쇼 아야 "모사 · 국보 반대 납언 그림 권 상권 1"2012 년 (2012) 종이 책 저색
고미 키요요시《대국주명과 야가미히메》다이쇼 2년(1913)
왼손 앞은 오쿠무라 켄타로《夏雲》다이쇼 7년(1918)

수업 형식이라고 해도, 물론 좌학이 아닙니다. 회장에는 구로다 키요테루, 와다 히데사쿠, 히라쿠시다 나카라 등 역대 교수와 후지타 츠키지 등 졸업생의 작품, 한층 더 고흐나 학생들의 작품까지, 버라이어티가 풍부한 조대 컬렉션이 늘어서, 리얼한 감상 체험을 통해 미술의 「미카타」를 습득할 수 있습니다.

1~3한에서는 메이지기의 일본 근대 미술을 다양한 각도에서 되돌아보고, 4한에서는 미교 창설에 깊이 관여한 오카쿠라 텐신의 「차의 마음」으로부터 일본인의 미의식을 배웁니다. 5한에서는 藝대에서 맥들로 계승되는 「모사」에 초점을 맞추고, 계속되는 6한에서는 「모각」을 축으로 한 불상의 보존 수복 방법을 소개. 이를 통해 "뿌리와 마주하는"것의 중요성을 돋보이게합니다.

또, 9~11한에서는 미교 졸업생의 활약을 소개하는 것과 동시에, 약 100년전의 도쿄의 문화적 변용에 관해서 개관합니다.

藝大生의 모사를 눈앞에서 감상!

1한 회화 기초 연습 “마네부 미술관~모사로 요미토쿠 미의 손과 마음~”에서는, 무려 전시실내에서 현역의 가이대생에 의한 모사를 실연.

나이츠의 취재회에서는, 츠치야씨가 모사를 실시하는 가이대생에게 인터뷰했을 때를 말해 주었습니다만, 실제로 미술품을 전시하는 회장인 이상, 모사에 사용할 수 있는 도구도 한정되어 온다고 합니다. 그런 가운데 조대생들은 작품을 그대로 모사할 뿐만 아니라, 실제 그림과는 광원을 바꾸어 그려보거나 다양한 도전을 하고 있다는 것이었습니다.

지금 바로 대대에서 미술을 배우는 학생이 진지하게 모사를 하는 모습을 통해 그림에 숨겨진 화가의 심정과 의도에 대해 생각을 둘러보는 것도 좋을지도 모르겠네요.

여름방학의 체험 학습으로서

동물을 모티브로 한 귀여운 작품이 늘어선 7한 전시실
그려진 동물의 감정을 생각하고 붙여 봅시다.
8한에서는 AI 해석에 의한 미술 감상 아카이브를 체험·참가할 수 있다
그 정교함과 박력에 빠지게 되는, 축척 모형·도다이지 남대문 인왕상

대학 강의가 테마의 본전입니다만, 즐길 수 있는 것은 어른만이 아닙니다.

7한 「동물의 눈으로 작품을 보자」에서는, 동물을 모티브로 한 다양한 작품을 전시. 「귀엽다」라고 하는 소박한 감각으로부터 스타트할 수 있다고 하는 의미로, 아이들에게도 추천의 에리어입니다.

8한 「보고, 만져, 말로 해」에서는 AI 해석에 의한 최신의 미술 감상 아카이브를 소개. 작품을 보았을 때의 인상 등을, AI로 정리·축적한 아카이브를 통해서, 타인과의 차이나 자신의 작품 감상의 변화를 실감할 수 있습니다. 아이와 함께 감상을 출력해 보면, 여러가지 주의가 있을지도 모릅니다.

개인적으로 추천하는 것은 6한 「예대식, 불상의 의사」의 회장에 전시되고 있는 축척 모각·도다이지 남대문 인왕상입니다. 축척에 따라 이미지의 다양한 각도와 조형의 미세 조정을 거쳐 제작되었다는 본작. 사를 지불한다는 인왕상의 '노려움'을 꼭 회장에서 체험해 보세요.

회장에는 부모와 자식으로 즐길 수 있는 체험 전시 외에 엠보스 스탬프를 눌러 즐길 수 있는 워크시트도 배포. 한층 더 회기중은 미니 콘서트나 미니 렉처 등, 예대만의 이벤트도 실시. 흥미가 있는 「강의」를 깊이 파고, 여름방학의 자유 연구로 해 보는 것은 어떻습니까?

조대식 미술의 “미카타” ―이번 여름, 조대생이 된다―”개요

회기 2026년 7월 24일(금)~9월 23일(수·축)
회장 도쿄 예술 대학 대학 미술관 본관 전시실 1, 2, 3, 4(도쿄·우에노 공원)
개관 시간 오전 10시~오후 5시(최종 입관은 폐관 30분 전까지)
휴관일 월요일
8월 10일(월), 9월 21일(월·축)을 제외
관람료 자세한 내용은 공식 사이트에서 확인하시기 바랍니다.
주최 도쿄 예술 대학, 요미우리 신문사
문의 050-5541-8600(헬로 다이얼)
공식 사이트 https://geidai-art-mikata.jp/

※기사의 내용은 취재 시점의 것입니다. 최신 정보는 공식 사이트 등에서 확인하십시오.


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【국립 서양 미술관】 「판화가 렘브란트 도전, 계승, 임팩트」취재 리포트. 고야, 돈, 마티스로 이어지는 렘브란트 판화의 혁신성

국립 서양 미술관
전시 풍경

17세기 네덜란드를 대표하는 화가 렘브란트 하르멘스존 팬 레인(1606-69)의 “판화가”로서의 측면에 빛을 비추는 전람회 “판화가 렘브란트 도전, 계승, 임팩트” 가 국립 서양 미술관에서 개막했습니다. 회기는 2026년 9월 23일(수·축)까지.

※회기 중 일부 작품의 전시 교체가 있습니다. 자세한 것은 공식 페이지 에 게재되고 있는 작품 리스트등에서 확인해 주세요.


1606년, 네덜란드 레이덴에서 태어나 초상화 화가·이야기 화가로서 확고한 지위를 구축한 렘브란트. 빛과 그림자의 극적인 대비 표현을 이용한 《야경》등의 유채화로 널리 알려져 있지만, 평생에 걸쳐 판화, 특히 에칭의 제작에도 열정을 쏟아, 그 표현의 가능성을 극복한 것으로, 판화 사상 최대의 거장이라고도 평가되고 있습니다.

전시 풍경
오른쪽은 샤를르 바르토네《야경(렘브란트에 근거한다)》1886년, 국립 서양 미술관(호시모토 타로씨로부터 기증)

본전은, 렘브란트의 판화 표현에 있어서의 다양한 「도전」의 궤적뿐만 아니라, 그 영향을 받은 고야나 마티스, 피카소등의 작품을 한자리에 모아, 20세기 초까지의 「계승」과 「임팩트」의 양상을 따르는 것. 세계 유일의 렘브란트 전문 미술관인 암스테르담의 렘브란트 하우스 미술관과 국립 서양 미술관의 소장 작품을 중심으로 국내 미술관, 대학 도서관, 해외 개인 컬렉터에서 빌린 작품, 서적이나 포스터 등도 포함한 약 130점을 전시하고 있습니다.

제1장 「렘브란트, 판화의 도전」 에서는, 렘브란트의 야심적인 판화 제작에 의해 만들어진 다채로운 표현을, 「초상과 머리부 습작」 「사회적 주연자와 서민들」 「종교 주제」 「동판상의 스케치」 「풍경」이라고 하는 주제별 5 섹션으로 소개하고 있습니다.

17세기 유럽에서 보급된 주요 판화 기법에는 목판화와 금속 오목 판화인 인그레이빙, 에칭이 존재했습니다. 에칭에 앞서 등장한 엔그레이빙은, 뷰란(조각도)로 원판(인쇄를 위한 도상을 조각하는 판)이 되는 금속판을 직접 새기는 기법입니다. 그 취급의 어려움으로부터 고도의 훈련을 요해, 강력하게 샤프하고 직선 우위, 하면 기계적인 만큼 규칙 올바른 선묘 표현이 정식화하고 있었습니다.

16세기 엔그레이빙 기법의 작례

이에 대해, 렘브란트가 주로 임한 것이 에칭(부식 구리 판화)입니다. 원래 딱딱한 철의 갑옷이나 도검에 장식을 새기 위해 만들어진 기술을 판화에 응용한 것으로, 방식제를 바른 동판을 니들(침 모양의 첨단을 가지는 도구)로 깎아, 금속이 노출된 부분을 산으로 부식시켜 홈을 만드는 기법입니다. 종이에 펜으로 그리는 것 같은 감각으로 제작할 수 있는 것이 특징입니다만, 당초는 제작에 방대한 시간이 걸리는 인그레이빙의 대체로서 다루어지는 경우가 많아, 그 표현의 가능성은 충분히 탐구되지 않았습니다.

에칭 제작에 관한 자료의 전시

17세기 초가 되면, 네덜란드에서 판화가로서의 훈련을 받은 적이 없는 화가들이 에칭 제작에 참가. 전통에 얽매이지 않는 새로운 표현을 모색하는 움직임이 퍼지기 시작했습니다. 그 흐름에 화가로서 독립한 렘브란트도 더해져, 역사적 전환기의 견인자로서 발전에 공헌. 원판수로 해서 실로 314점의 작품을 남기고 있습니다.

렘브란트 하르멘스존 팬 레인 《여행의 악사들》 1635년경, 렘브란트 하우스 미술관

에칭을 다룬 화가의 대부분은, 캐리어의 한시기에 몇점의 작품을 제작하는 것에 그치고, 그 작품의 대부분은 풍경을 다룬 것이었습니다. 대하는 렘브란트는 풍경은 물론 초상화와 머리 습작, 풍속, 성경 이야기까지 다양하게 주제를 다루고, 네덜란드에서는 새로운 장르가 되는 동판을 스케치북처럼 사용한 습작풍의 작례도 남기고 있습니다. 이처럼 폭넓은 장르를 다루는 것은 장르의 전문 분화가 진행된 당시의 네덜란드에서 결코 일반적인 것이 아니었습니다. 이러한 관점에서 봐도, 렘브란트의 판화 제작은 도전적이었다고 할 수 있습니다.

렘브란트 하르멘스존 팬 레인 《자화상, 입을 연 얼굴》 1630년 렘브란트 하우스 미술관

초기의 아이코닉한 습작 《자화상, 입을 열은 얼굴》 (1630)은, 크게 꿰뚫어진 눈과 흐린 입이 겉으로 굉장한 인상을 줍니다만, 결코 희미하게 제작된 것은 아닙니다. 이야기 화가로서 인물 묘사의 설득력을 추구한 렘브란트가, 자신의 얼굴을 모델로 다양한 표정을 연구한 것을 알 수 있는 일작입니다.

렘브란트·하르멘스존·팬·레인《부드러운 모자를 쓰고 모양이 붙은 외투를 입은 자화상》1631년, 국립 서양 미술관

이듬해에 제작된 《부드러운 모자를 쓰고 무늬가 있는 외투를 감싸는 자화상》 (1631)는, 소품이면서 그 선묘의 다채로움에 눈을 돌립니다. 구부러진 모자의 고리의 유연한 원단은 부드럽게 튀는 세로선의 집적으로 묘사되어, 광택이 있는 묵직한 외투의 천은, 패턴이 다른 교차선이나 지그재그 선이 거듭되어 있습니다. 한편으로, 옷깃이나 소맷부리의 레이스, 수축된 머리카락은 펜소묘와 같이 자재로, 부드럽고 섬세한 선에 의해 성립하고 있어, 종래 평가되기 십상이었던 「단조함」을 이미 극복해, 질감에 응한 선묘 표현을 확립하고 있던 것을 볼 수 있습니다.

또, 에칭은 스테이트(원판 개변)를 거듭해, 인쇄하면서 이미지를 발전시키는 프로세스가 일반적입니다. 렘브란트는 그 횟수가 돌출하고 있어, 본작도 14개의 스테이트가 확인되고 있습니다.

둘 다 렘브란트 하르멘스 존 판 레인 《판화상 클레멘트 데 용게의 초상화》 1651년 렘브란트 하우스 미술관

《판화상 클레멘트 데 용게의 초상》 (1651)의 전시에서는, 제1 스테이트와 제5 스테이트의 인쇄를 비교할 수 있습니다. 제5 스테이트에서는 음영이 진해져, 표정이 읽기 어려워지고 있는 것으로 미스테리어스한 분위기가 감돌고 있습니다.

렘브란트는 스테이트를 거듭하는 것으로, 종종 정경 그 자체의 의미가 바뀔 정도로 대폭적인 변경을 가했습니다. 점차 이미지의 발전에 그치지 않고, 원판 개변을 바리에이션 제작의 수단으로서 이용하게 됩니다. 그 중에는, 선행하는 판화가 세이헬스의《토비아스와 천사》의 원판을 개변해, 이집트 도피의 여로에 있는 성가족이라고 하는 별주제의 작품으로 만들어 버린 《이집트에의 도피》 (c.1652)와 같은 예도 존재하고, 렘브란트가 판화를 고정된 완성품이 아니라 유연한 창작의 장으로서 파악하고 있던 것을 알 수 있습니다.

렘브란트 하르멘스존 팬 레인, 헤르큘레스 세이헬스의 원판을 변경 《이집트에 도피》

렘브란트의 에칭 작품의 백미로 여겨지는 《백글루덴 판화》 (1648)는, 본전의 하이라이트의 하나. 타이틀은 당시의 판화로서 파격의 「100 글루덴」이라고 하는 고치로 거래된 것에 유래해, 화면에서는 신약 성서 「마태에 의한 복음서」19장의 여러 장면이, 공통의 주인공인 그리스도를 중심으로 동시 진행으로 전개하고 있습니다.

렘브란트 하르멘스존 팬 레인 《백글루덴 판화》 1648년경 국립서양미술관

부드러운 어둠으로 닫힌 배경에서 칠흑에서 회색, 흰색으로 바뀌는 오히려 회화적으로 뉘앙스 풍부한 음영의 그라데이션을 만들어내는 것은 무수한 선이 짜는 네트워크입니다. 전용의 니들로 직접 동판을 깎아, 뿌려진 부분에서 독특한 번짐을 낳는 「드라이 포인트」기법의 병용이나, 일본 종이에의 인쇄가 그 풍부한 계조를 한층 깊게 해, 정경 묘사에 깊은 여운을 가져오고 있습니다.

한편, 화면 왼쪽의 인물군은 거의 윤곽선만으로, 펜소묘와 같이 포착되고 있습니다. 참신한 군상극의 구성으로 주목받는 본작입니다만, 렘브란트에 의한 기법적 도전의 성과의 결정이라고 볼 수도 있습니다.

렘브란트 하르멘스존 판 레인 《이탈리아 풍경 속에서 독서하는 세인트 히에로니무스》 1653년경, 렘브란트 하우스 미술관
렘브란트 하르멘스존 판 레인 《암스테르담의 전망》 1641년경, 렘브란트 하우스 미술관

《암스테르담의 전망》 (c.1641)은, 렘브란트가 캐리어의 대부분을 보낸 암스테르담시를, 운하를 사이에 둔 대안으로부터 파악한 작품. 낮은 수평선과 화면의 대부분을 차지하는 하늘이라는 구성은 당시의 네덜란드 풍경화의 트렌드에 따른 것입니다. 한편, 하늘을 굳이 하얗게 남겨 빛을 느끼게 하는 수법은, 반드시라고 해도 좋을 만큼 구름이 그려져 있던 전통적인 판화 표현으로부터 멀어지는 것 있어, 이쪽도 렘브란트가 개척한 어프로치라고 할 수 있습니다.

제2장 「계속되는 유산-17-18세기」 에서는, 렘브란트와 동시대의 17세기부터 18세기의 영향을 추적하고 있습니다.

렘브란트의 판화 작품은 제작 당시보다 높은 인기를 자랑했습니다. 그러나, 그 기법이 너무 고도였기 때문인지, 17세기에 있어서의 팔로워는 제자의 페르디난드 볼이나, 이탈리아의 조반니 베네데트 카스티리오네 등 소수에 머물렀습니다.

조반니 베네데트 카스티리오네, 통칭 일그레켓《상주에 들어가는 노아와 동물들》1650-55년, 국립서양미술관

이어지는 18세기에 독일 작가들을 중심으로 관심이 높아집니다. 렘브란트 신봉자의 한 사람, 게오르크 프리드리히 슈미트의 "창의 거미를 수반하는 자화상" (1758)은, 밝은 창가에서 제작에 힘쓰는 작가의 모습을 포착한 것입니다만, 병치된 렘브란트의 "창변에서 에칭을 제작하는 자화상" (1648)을 명확하게 알 수 있는 형태로 기초로 하고 있습니다. 다만, 바이올린이나 병역의 경험을 시사하는 검 등 독자적인 취향도 담고 있어, 운명이나 시간의 경과와 연결되는 모티브인 거미줄이, 장면에 멜랑콜릭한 정정을 더하고 있습니다.

왼쪽에서 게오르크 프리드리히 슈미트《창의 거미를 수반하는 자화상》1758년, 렘브란트·하우스 미술관
렘브란트 하르멘스 존 팬 레인, 게오르크 프리드리히 슈미트, 블레이즈 니콜라 르 슈울에 근거한 이마에 손을 잡는 노인 1639년경 및 1770년 렘브란트 하우스 미술관

18세기는 이러한 모방 작품이 난립한 것은 물론, 슈미트가 묘화를 담당한 《이마에 손을 잡는 노인》 (c.1639/1770)과 같이, 렘브란트가 미완으로 남긴 작품에 손을 넣어 「완성」시키는 움직임도 보였습니다. 게다가 오리지널의 원판이 급속하게 마모할수록 수요가 과열되어, 복제품이나 모조품이 시장에 나오는 사태로 발전합니다.

윌리엄 호거스《희화화된 ‘펠릭스 앞 바울’) 1751년 렘브란트 하우스 미술관

영국의 풍자 화가 윌리엄 호거스는 《희화된 '필릭스 앞의 파블로'》 (1751)에서, 때로는 노골적인 것까지 자연주의적이었던 렘브란트의 작풍을 이끌었다. 자국의 작가를 놔두고, 렘브란트 작품에 다액의 금전이 소비되는 상황에 경종을 울린 것으로부터도, 당시의 열광상을 볼 수 있습니다. 또, 이 시기에 「카탈로그・레조네(전 작품 해설목록)」의 편찬도 시작되어, 현대에 계속되는 렘브란트 연구의 견고한 기반이 구축되어 갔습니다.

에드메 프랑소바 젤산 렘브란트 전 작품의 카탈로그 레조네 1751년 렘브란트 하우스 미술관

제3장 「세기를 넘는 임팩트――19-20세기」 에서 우선 등장하는 것은, 스페인의 거장 프란시스코·호세·데·고야·이·루시엔테스입니다. 만년에는 「자연과 벨라스케스, 렘브란트 이외에 스승은 없었다」라고 말했다고 전해지는 고야입니다만, 이 말이 가리키는 것은 유채화가가 아니고, 판화가로서의 렘브란트입니다. 고야는 당시 스페인에서 희귀했던 렘브란트의 판화 작품을 지인의 컬렉션 등을 통해 열심히 연구하여 제작에 살렸습니다.

렘브란트 하르멘스존 판 레인 《사도들에게 나타나는 그리스도》 1656년 렘브란트 하우스 미술관
프란시스코 호세 데 고야 이 루시엔테스 《전쟁의 참사》 79: 진리는 죽었다.

《〈전쟁의 참황〉79:진리는 죽었다》 (c.1810-20)는, 나폴레옹 전쟁이나 국내의 혼란을 경험한 고야가, 인간의 추함, 잔혹함을 고발함과 동시에, 궁정 화가라는 지위에 있으면서 과격한 정치 비판을 담아 제작. 그려진 것은 왕정 복고에 의한 「헌법의 자유」의 죽음을 암유하는 여성 의인상에 의해 표현된 「진리」의 죽음입니다. 원을 그리는 군상의 배치나 진리가 발하는 광선의 묘사는 병치된 렘브란트의 《사도들에게 나타나는 그리스도》 (1656)와의 관계를 볼 수 있습니다.

한편, 19세기 전반의 프랑스에 있어서, 에칭은 세상에서 꽤 잊혀진 기법이었지만, 예술가의 감성이나 독창성을 중시하는 조류 중, 근대에 적합한 판화 기법으로서 재평가됩니다. 그러한 문맥에서 특히 주목받은 렘브란트 작품 중 하나가 《서재의 학자(파우스트)》 (c.1652)입니다.

렘브란트·하르멘스존·판·레인《서재의 학자(파우스트)》1652년경, 국립 서양 미술관

선이 밀집한 어두운 부분과 묘선 그 자체의 표현력을 살린 밝은 부분의 대비가 아름다운 걸작입니다만, 그 내용은 髑髏이나 지구의가 놓인 서재로, 학자다운 노인이 창가에 나타난 수수께끼 같은 환영을 응시하고 있다는 것입니다. 작품의 의미는 판명하지 않고, 다양한 해석을 낳았지만, 18세기까지 연금술사 파우스트를 그린 것으로 간주되게 되어, 열심한 렘브란트 신봉자였던 괴테의 유명한 연극 '파우스트'의 착상원이 된 것으로 알려져 있습니다.

또, 화면에 감도는 신비한 분위기는 19세기 사람들의 감성과 울려퍼져, 문호 유고가 대표작 「노틀 댐 드 파리」에 이미지를 도입한 것 외에, 에칭의 보급을 목적으로 발간된 「에칭의 파리」지 포스터에도 이용되었습니다. 본작은, 당시의 파리의 에칭·리바이벌과 연관된, 일종의 렘브란트 숭배 현상을 상징하는 일례로 볼 수 있습니다.

프레데릭 레가메《「에칭의 파리》잡지 포스터》1875년, 렘브란트·하우스 미술관

이렇게 렘브란트가 에칭의 가능성으로 나타낸 신비한 밝은 빛과 흔들리는 빛, 칠흑의 어둠 등 혁신적인 명암 표현을 극찬한 것은 1862년 파리에서 설립된 '부식 동판 화가 협회'였습니다. 판화집의 서문 속에서 "(그들은) 그의 꿈상적이고 힘차고 기괴한 상상력이 만들어내는 모든 환상을 그리기 위해 필요한 것이었던 것이다. 그의 팔레트는 얼마나 풍부하더라도, 이처럼 다채로운 효과를 가져오지 않았다"고 평가했습니다.

프랑스 상징주의를 대표하는 화가 오디론 돈도 렘브란트의 섬세한 계조와 깊은 깊이가 있는 명암법에 신비한 정신성을 환기하는 조형어법을 발견한 한 사람입니다. 그 경애만은, 「조형이 가지는 모든 신비가, 그(렘브란트)에 의한다」를 필수로 했다고 수기에 남길 정도였습니다. 《<요한계시록》: 그 오른쪽의 손에 7개의 별을 갖고, 그 입보다 양날의 질투심으로 (1899)로 그리스도를 감싸는 깊은 어둠은, 바로 렘브란트를 연상시키는 것입니다.

오디론 돈<<요한계시록>: 그 오른쪽의 손에 7개의 별을 갖고, 그 입보다 양날의 질투로> 1899년, 국립서양미술관
렘브란트 하르멘스 존 팬 레인《3개의 나무》1643년, 국립 서양 미술관

렘브란트의 에칭 풍경화의 대표작 《3개의 나무》 (1643)도, 19세기 프랑스에서는 널리 알려져 있었습니다. 폭풍이 다가오는 네덜란드의 시골 풍경을 표현한 작품으로, 날카로운 직선으로 대각선으로 새겨진 격렬한 비, 교차선 그라데이션에 의한 검은 소용돌이 구름, 그리고 3개의 나무 뒤에 존재하는 빛의 대비가 드라마틱한 효과를 낳고 있습니다. 이 표현에 많은 작가가 매료되어 전시에서는 바르비종파의 샤를 프랑소와 도비니나 알폰스 루그로, 펠릭스 블랙몬 등의 작품으로 그 영향을 소개하고 있습니다.

알폰스 루그로 《아라시의 강 경치》 1857년 렘브란트 하우스 미술관
둘 다 펠릭스 뷰오 《웨스트민스터 브릿지~웨스트민스터의 시계탑》 1884년경 국립서양미술관
제임스 애봇 맥닐 휘슬러 《정원》 1886년, 국립 서양 미술관

20세기 초에 들어가도 렘브란트 인기는 쇠퇴하지 않고, 20세기 미술의 쌍경을 이루는 앙리 마티스와 파블로 피카소도 자신의 작품 속에서 렘브란트에 대한 오마주를 바치고 있습니다.

마티스는 전위 예술운동 '포비즘'의 창시자이며, 탁월한 색채화가로 알려져 있는 한편, 판화에 있어서는 약간의 예외를 제외하고, 흑백의 표현에 철저히 했습니다. 전시되는 《판화를 조각하는 앙리 마티스》 (1900-03)는 작가의 판화 제작의 출발점에 위치하는 작례입니다.

제작에 해당하는 자신의 상반신을 정면에서 크게 파악한 테마와 구도는, 전술한 18세기의 슈미트와 같이, 렘브란트의《창변에서 에칭을 제작하는 자화상》을 착상원으로 한 가능성이 높다고 생각되고 있습니다. 처음으로 판화 제작을 시도함에 있어서, 19세기 후반 이후에 파리에서 평가가 높아지고 있던 렘브란트의 자화상을 모본으로 하는 것은, 젊은 마티스에 있어서 자연스러운 선택이었을 것입니다.

앙리·마티스《판화를 새기는 앙리·마티스》1900-03년, 국립 서양 미술관

피카소의 《 보라르를 위한 연작》: 팔레트를 가진 렘브란트 (1934)에서는, 콧수염을 축적해, 날개 장식이 붙은 모자를 쓰는 등, 에칭의 자화상으로 반복적으로 그려진 렘브란트의 퍼블릭 이미지가 희화화되고 있습니다. 본작은, 사용물이 되지 않게 된 동판에, 피카소가 중반 자기가 되어 선을 달리게 하는 가운데, 우연히 렘브란트의 모습이 떠올랐다는 경위로 작품화되었습니다. 렘브란트와 같은 깊은 검정을 재현할 수 있는지를 시험하는 실험적인 시도이기도 하고, 복수의 판화 작품으로부터의 도상의 차용도 확인되고 있기 때문에, 피카소도 또 렘브란트를 깊게 연구하고 있었던 것을 알 수 있습니다. 촬영 불가이었기 때문에, 꼭 현지에서 실물을 확인해 주세요.

본전을 담당한 국립 서양 미술관의 나카타 아스카 학예원은, 「일본 국내에서는, 지금까지도 종종 렘브란트의 판화 제작을 테마로 한 전람회가 개최되어 왔습니다.그러나 본전과 같이, 그 영향에까지 시야 를 펼친 기획은 처음입니다. 회장에서는, 렘브란트의 판화 작품의 매력을 즐길 수 있는 것과 동시에, 그 시간적, 지리적 스팬의 폭넓은과 풍부함에도 놀라 받을 수 있지 않을까 생각합니다」라고 말했습니다.

「판화가 렘브란트 도전, 계승, 임팩트」개요

회장 국립 서양 미술관 기획 전시실
회기 2026년 7월 7일(화)~ 9월 23일(수·축)
※회기 중 일부 작품의 전시 교체가 있습니다.
개관 시간 9:30~17:30(금·토요일은 20:00까지)
※입관은 폐관 30분 전까지.
휴관일 월요일
※단, 8월 10일(월), 9월 21일(월·축)은 개관.
관람료(부가세 포함) 일반 2,200엔, 대학생 1,300엔, 고등학생 1,000엔
※관람 당일에 한해 상설전도 보실 수 있습니다.
※그 외, 자세한 것은 전람회 공식 페이지에서 확인해 주세요.
주최 국립 서양 미술관, 렘브란트 하우스 미술관, 아사히 신문사
전시회 공식 페이지 https://www.nmwa.go.jp/ko/exhibitions/2026rembrandt.html

※기사의 내용은 취재 시점의 것입니다. 최신 정보는 전람회 공식 사이트 등에서 확인해 주십시오.


기타 보고서 보기

「대고흐전 밤의 카페 테라스」(우에노의 숲 미술관) 취재 리포트. 야경의 걸작이 약 20년 만에 일본, 선명한 색채 표현에의 행보를 추적한다

우에노의 숲 미술관
핀센트 판 고흐《밤의 카페 테라스(포름 광장)》 1888년 9월 16일경, 클레러-뮐러 미술관

핀센트 판 고흐 (1853-1890)의 걸작 《밤의 카페 테라스(포름 광장)》 가 약 20년 만에 일본에 방문한 것으로 큰 주목을 받고 있는 「대 고흐전 밤의 카페 테라스」 가 우에노의 숲 미술관에서 개최 중입니다. 회기는 2026년 8월 12일(수)까지.


세계 유수의 팬 고흐 컬렉션을 자랑하는 네덜란드의 클레러-뮐러 미술관. 그 뛰어난 작품군만으로 구성된 본전은 2기에 걸쳐 개최되는 '대 고흐전'의 제1기에 불과 약 10년이라는 짧은 화가 인생의 전반부에 초점을 맞추고 있습니다.

핀센트 판 고흐 "자화상"1887 년 4-6 월, 클레러 – 뮐러 미술관

회장에서는, 황·고흐의 유채화와 소묘 등 약 60점을, 모네나 르누아르라고 하는 동시대를 대표하는 화가들의 작품과 함께 소개 . 초기 네덜란드 시대부터 파리에서 선명한 색채로 눈을 뜨고, 새로운 빛을 찾아 남불 아를로 향해 《밤의 카페테라스(포름 광장)》에 결실하기까지의, 「모두가 아는 팬 고흐」가 형성되는 궤적을 5장 구성으로 추적합니다.

또한 동생의 테오와 친한 지인에게 보낸 편지의 말이 심정을 읽는 단서로서 회장의 벽면과 해설 패널에 많이 인용되고 있는 점도 볼거리가 되고 있습니다.

「대고흐전 밤의 카페 테라스」전시 풍경, 우에노의 숲 미술관, 2026년

제1장 “바르비종파, 헤이그파”

황 고흐는 1869년, 16세에 삼촌의 공동 경영하는 구필 상회의 화랑에서 일하기 시작했지만, 종교 문제에 대한 관심의 심화와 함께 미술품 거래에 대한 관심을 잃고, 1876년에 해고됩니다. 그 후 목사를 뜻하고 가혹한 상황에서 사는 농민과 노동자들과 교류하는 가운데 그들의 삶 속에야말로 '진실'과 '성실함'이 있다고 생각했습니다.

1880년 이후, 본격적으로 화가로서의 활동을 시작했을 무렵에 우선 관심을 보인 것이, 제1장에서 소개되는 프랑스의 「바르비종파」와 네덜란드의 「헤이그파」 입니다.

바르비종파는 19세기 전반부터 중반에 걸쳐 파리 교외의 바르비종 마을 주변에서 활동한 자연주의적인 풍경화·풍속화로 알려진 그룹입니다. 전통적인 역사화에서 벗어나, 친밀한 자연과 가난한 농민의 모습을 직접 관찰에 근거해 사실적으로 그렸습니다. 아틀리에를 뛰쳐나온 그들의 야외 제작 기술은 차세대 인상파에 큰 영향을 미쳤습니다.

한편, 19세기 후반에 네덜란드의 북해에 접한 도시 헤이그를 거점으로 활동한 헤이그파는, 바르비종파에 배워, 당시로서는 드문 소재였던 어촌의 어려운 생활 풍경 등을 그린 화파입니다. 색채보다 명암을 중시해, 우울과 정감을 느끼게 하는 그레이쉬한 톤으로 축축한 공기나 흐린 하늘을 포착하는 독특한 수법은, 당시의 네덜란드 화단으로 넓게 지지를 모았습니다.

전시 풍경, 왼쪽은 요셉 이스라엘스《유대인의 사본필기자》1902년, 클레러=뮐러 미술관

황 고흐는 교칙 책의 모사에서 시작하여 1881년 말부터 1883년 9월까지는 헤이그를 거점으로 원연의 친척인 헤이그파 안톤 마우페로부터 직접 회화의 기초를 배웠습니다. 주로 모범으로 삼고 있던 것은 동파의 중심적인 인물이었던 요셉 이스라엘스입니다.

이스라엘스는 어부와 농민들의 풍속적인 주제뿐만 아니라 유대교를 배경으로 한 종교 주제도 많이 다루었습니다. 그 드라마틱한 명암법은, 17세기 네덜란드의 거장 렘브란트로부터 계승한 것입니다. 황 고흐의 초기 걸작《감자를 먹는 사람들》(환 고흐 미술관 창고)에서도, 어둠에 인물의 표정이 떠오르는 엄격한 종교적 분위기에, 이스라엘스로부터의 영향을 볼 수 있습니다. (※회장에서는 동작의 리토그래프를 전시)

장 프랑수아 밀레 빵을 굽는 여자 1854년, 클레러 뮐러 미술관

또, 팬 고흐를 말하는데 있어서, 「씨 뿌리는 사람」이나 「낙호 픽업」등으로 알려진 바르비종파의 쟌=프랑소와・밀레의 존재는 빠뜨릴 수 없습니다. 땅과 함께 신앙심의 어린 생활을 보내는 사람들을 엄숙한 눈빛으로 파악하고, 그 삶의 숭고함을 그려낸 밀레를, 그는 평생에 걸쳐 경애를 계속했습니다. 리토그래프를 모사하는 것에 그치지 않고, 자신 나름의 색채와 표현으로 재구성해, 화풍을 확립하는 토대로 갔습니다.

샤를 프랑소와 도비니 황혼의 강 1873, 클레러 뮐러 박물관 © Collection Kröller-Müller Museum, Otterlo, the Netherlands.

제2장 “네덜란드 시대”

제2장에서는, 실제로 황 고흐가 헤이그나 1883년에 옮겨 살았던 네덜란드 남부의 뉴넨으로 제작한 유채나 소묘가 줄지어 있습니다.

핀센트 판 고흐 밀짚 모자가있는 정물 1881 년 11 월 후반 – 12 월 중반, 클레러 – 뮐러 박물관 © Collection Kröller-Müller Museum, Otterlo, the Netherlands.

《밀짚모자가 있는 정물》 (1881)은, 그때까지 그림에 새롭게 살았던 황 고흐가, 본격적으로 유채와 격투하기 시작한 시기의 습작・・입니다. 나무 테이블 위에 검은 리본이 달린 노란 밀짚 모자와 파이프, 도자기, 헝겊 조각 등을 배치하여 다양한 질감의 그리기 구분에 도전했습니다. "나는 뭔가 본격적인 것을 그리기 시작하는 첫 입구에 붙어 있던 것이 아닐까 생각한다"라는 편지의 말로부터는 그의 자부가 전해져 옵니다. 본작은 이후의 제작의 참고자료로서 오랫동안 수중에 놓여졌다고 합니다.

1881년 10월 – 11월, 클레러-뮐러 미술관 © Collection Kröller-Müller Museum, Otterlo, the Netherlands.

덧붙여 전술의 헤이그파와 황 고흐는 똑같이 노동자 계급의 삶을 그렸습니다만, 헤이그파는 부르주와지의 수집가의 환심을 사기 위해, 수집가들이 환상을 안고 있는 「신중한 생활」을 그리기 위해 노력하는 경향이 보였습니다. 한편 황 고흐는 그들의 고통과 갈등을 드러내면 때로는 얼굴을 과장하여 엄격하고 추악하거나 지친 것처럼 표현하는 독자성을 보여줍니다.

핀센트 판 고흐 목수의 작업장과 세탁장 1882 년 5 월 하순, 클레러 – 뮐러 박물관

헤이그에서의 주거의 창으로부터 뒤편을 띤 풍경을 포착한 《목수의 일장과 세탁장》 (1882)은, 원근법을 이용한 구도가 현장감을 주고 있습니다. 특히 주목하고 싶은 것이 전경에 그려진 작은 나무입니다. 처음에는 연필로 스케치하고 펜과 잉크로 윤곽을 그린 후 흰색 수채화 물감으로 꽃을 피우며 마지막으로 날카로운 도구로 배경 주변을 잡아 당기는 궁리가 굳어지고 있습니다. 약간 어색함을 남기면서도, 다양한 화재나 기법을 시도해, 스스로의 표현력을 넓히려고 하고 있던 궤적을 엿볼 수 있는 일작이라고 할 수 있을 것입니다.

핀센트 판 고흐 "직기와 직공"1884 년 4 월 – 5 월, 클레러 – 뮐러 박물관 © Collection Kröller-Müller Museum, Otterlo, the Netherlands.

기직으로 작업하는 "직공"은 뉴넨 시대를 대표하는 모티브 중 하나였습니다. 황 고흐는 1880년 북불의 직공 마을들을 방문했을 때 '꿈꾸는 것 같고, 생각에 빠져 꿈유병자 같은 사람'인 직공의 모습에 강하게 공감합니다. 당시에는 거의 미술의 모티프로서 다루어지지 않았던 그들에게 스포트라이트를 맞추려고 결의해, 복잡한 구조를 가지는 직기 그 자체에도 매료되어 갔습니다.

배경의 엷은 회색에 당당한 직기의 검은색이 두드러지는 《직기와 직공》 (1884)은 그 대표적인 작례. 테오에게 완성을 보고하면서 작품을 판매할 수 있기 때문일까요, 일부러 본작을 컬트 드 비짓(명함 사이즈의 사진)으로 찍게 했다고 합니다.

전시 풍경, 오른쪽은 핀센트 판 고흐《파는 사람》1885년 8월, 클레러=뮐러 미술관
핀센트 팬 고흐 "흰색 모자를 쓴 여자의 머리"1884 년 11 월 – 1885 년 5 월, 클레러 – 뮐러 박물관 © Collection Kröller-Müller Museum, Otterlo, the Netherlands.

뉴넨에서 살던 1883년 12월부터 1885년 11월까지 500점 이상의 작품을 다루고 있습니다만, 그 대부분은 명암 기법을 탐구한 머리 습작이었습니다. 특히 뉴넨 여성들이 일상적으로 입고 있던 하얀 모자에 흥미를 갖고, 모자와 그 그림자가 되는 얼굴 부분이 "정확히 명암기법과 같은 상질의 색조를 가져오고 있다"고 편지에서 말합니다.

당시 황 고흐는 이스라엘스의 영향도 있어 '어둠 속에 떠오르는 빛'에 아름다움을 발견했습니다. 그래서 모델의 얼굴과 옷의 색조를 정돈하고 배경의 명암을 조정하여 어두운 색조 안에 나타나는 빛의 효과와 깊이를 표현해 갔습니다.

핀센트 판 고흐 "감자를 먹는 사람들"1885 년 4 월, 클레러 – 뮐러 박물관

이러한 네덜란드 시대의 집대성이 된 것이, 유채화 《감자를 먹는 사람들》 이었습니다. 전시되고 있는 것은 유채화의 습작에 근거하는 리토그래프이며, 농민들의 「손의 노동」의 존중을 이야기한 자신작의 이미지를, 친한 사람들에게 전하기 위해서 제작된 것입니다. 익숙하지 않은 판화에 도전했지만, 테오와 친구의 화가 팬 라발드로부터의 평가는 "효과가 불선명" "표면적"이라고 엄격했다. 이 후의 황 고흐는 예술에서 기술 보다는 정서적 표현에 대한 지향을 깊게 해 나갈 것입니다.

전시 풍경, 오른쪽은 핀센트 판 고흐《가을 풍경》1885년 11월, 클레러=뮐러 미술관

제3장 “파리의 화가와 황 고흐”

제3장에서는 1860년대부터 90년대에 활약한 인상파를 중심으로 하는 거장들의 작품에 초점을 맞추고 있습니다.

파리에서 화상으로 성공했던 테오로부터 화면의 어두움에 고통을 받고 더 현대 아트를 알 필요가 있다고 설득된 황 고흐. 바르비종파에 대한 관심으로부터 프랑스의 미술과 그 토지 그 자체에 대한 동경을 모으고 있던 적도 있어, 벨기에·안트베르펜의 미술학교에서 단기간 배운 후, 충동에 맡기도록(듯이) 1886년 2월, 염원의 파리의 이주를 완수합니다.

아파트에서 테오와 동거해 카페 ‘르 탐불랑’에서 자작을 전시할 기회를 얻으면서 카미유 피사로나 앙리 드 툴루즈=로트렉, 에밀 베르나르 등 동시대 화가들과 교류. 최신의 회화 표현을 접하는 것으로, 어두운 네덜란드 시대부터 일전, 그 예술은 빛과 색채로 가득한 극적인 변화의 때를 맞이하게 됩니다.

피에르 – 오규스트 르누아르 카페에서 1877 년경, 클레러 – 뮐러 미술관 © Collection Kröller-Müller Museum, Otterlo, the Netherlands.
클로드 모네 모네의 아틀리에 배

팬 고흐는 그 중에서도 클로드 모네의 색채 감각과 피에르=오규스트 르느와르의 선명한 음영과 부드러운 터치, 폴 세잔의 구도와 색채 표현의 대담한 기법에 관심을 보였습니다. 또한 조르주 술라와 폴 시냑 등 신인상주의의 화가들과 친교를 맺어 그 영향으로부터 점묘화법을 실천. 1887년 여름 말에는 새로운 인상주의를 독자적으로 해석한 리드미컬한 필치를 이용한 작품을 완성하게 되었습니다.

카미유 피살로 무지개, 폰트워즈 1877년, 클레러 뮐러 박물관 © Collection Kröller-Müller Museum, Otterlo, the Netherlands.
폴 세잔느 호수로 이어지는 길 1880 년경, 클레러 – 뮐러 박물관 © Collection Kröller-Müller Museum, Otterlo, the Netherlands.

동시기, 점묘화법을 보다 체계적으로 실천한 화가에, 신인상파의 막시밀리안 류스가 있습니다. 인공물과 자연이 공존하는 아름다움에 매료되어 황 고흐와 마찬가지로 도시와 시골의 풍경이 교차하는 몽마르트르의 언덕에 아틀리에를 세웠습니다. 그 아틀리에에서 산드니의 공업지대의 전망을 포착한 작품이 《파리 일대, 몽마르트르에서의 전망》 (c.1887)입니다. 여름의 햇빛 속에서 빛나는 풍부한 녹색이나, 이어지는 굴뚝에서 오르는 연기와 구름이 섞이는 모습 등이 점묘로 선명하게 표현되고 있습니다.

맥시밀리안 뤼스 파리 일대, 몽마르뜨에서 보기 1887년경, 클레러-뮐러 박물관

술라의 광학 이론에 충실하게, 세세하고 규칙적인 점묘에 의해 파리의 빛이나 대기를 포착하려고 한 류스. 그에 반해 고흐는 화법을 규칙대로 실천하는 것에 그치지 않고, 자신의 감정을 두드리는 리드미컬하고 강력한 필치나 주관적인 색채에의 접근으로 승화하게 됩니다.

제4장 “파리 시대”

제4장에서는 약 2년간의 파리 생활에서 극적으로 변화한 황 고흐의 회화 표현의 변천을 추적하고 있습니다.

핀센트 판 고흐 몽마르뜨 언덕 1886년 4-5월, 클레러 뮐러 박물관 © Collection Kröller-Müller Museum, Otterlo, the Netherlands.

파리로 옮겨 몇 달, 모델 요금을 비출 수 없고, 원했던 인물화가 아니라 정물화나 자화상을 그릴 수밖에 없었던 황 고흐입니다만, 결과적으로 이것이 색채 감각을 비약적으로 향상하게 됩니다.

핀센트 판 고흐 "야생화와 장미가있는 정물"1886-1887, 클레러 – 뮐러 박물관 © Collection Kröller-Müller Museum, Otterlo, the Netherlands.

특히 꽃의 정물화는 1886년 여름에만 적어도 약 30점이 제작되었습니다. 구체적으로는 빨강과 초록, 오렌지와 청과 같은 보색(색조환으로 정반대에 위치하는 색)을 인접해 배치해, 각각의 색을 보다 선명하게 두드러지게 하는 보색 대비의 실험을 반복한 것입니다. 전시된 3점의 꽃의 정물화 《장미와 작약》 (1886), 《야생화와 장미가 있는 정물》 (1886-87), 《푸른 꽃병의 꽃》 (1887)을 제작 순서로 살펴보면, 색의 대비가 강해지는 한편, 화면의 조화는 오히려 세련되어 가고, 그 숙련만을 볼 수 있습니다.

핀센트 판 고흐 '푸른 꽃병 꽃' 1887 년 6 월경, 클레러 – 뮐러 박물관 © Collection Kröller-Müller Museum, Otterlo, the Netherlands.

거기에는 인상파 이전에 보색 효과를 이론적으로 분석·응용한 우젠느 드라크로와나 당시 팬 고흐가 심하게 심취했던 아돌프 몬티세리의 영향도 있었습니다. 몬티세리는 조각을 연상시키는 극단적인 두꺼운 칠과 콘트라스트의 강한 색채를 구사한 독창적인 화풍으로 알려진 남부 출신의 화가입니다. 게다가, 카와가와 히로시게를 비롯한 우키요에에 대한 감화가, 이른바 팬·고흐다운 필치나 색채 감각을 형성하는 중요한 계기의 하나가 됩니다.

핀센트 판 고흐 "레스토랑 실내"1887 년 여름, 클레러 – 뮐러 미술관

황 고흐로는 드물고 부르주아지용 레스토랑을 무대로 한 "레스토랑 실내" (1887)는 신인상파의 수법을 가장 선명하게 보여주는 작품 중 하나. 시냑을 생각하게 하는 점묘의 필견으로, 벽의 빨강과 초록, 바닥의 노란색과 흠뻑 빠진 보라색, 의자의 오렌지색과 식탁보의 푸른 빛과 같은 보색에 의한 콘트라스트를, 숙고가 볼 수 있는 밸런스로 배치하고 있습니다.

그러나 테이블이나 의자는 반드시 점묘가 철저하지는 않습니다. 게다가 본작이 한번 사용된 캔버스의 뒷면에 그려져 있는 것, 꾸준히 점을 치는 수법이 화가의 열정적인 기질에는 너무 굴곡했는지, 아를 이주 후에는 엄밀한 점 묘화법으로부터 거리를 두고 있는 것. 팬·고흐 작품 중에서도 한층 밝고 세련된 색채로 인기가 높은 본작입니다만, 이러한 점을 감안하면, 의외로 본인에게 있어서는 널리 선보이고 싶은 것이 아니고, 어디까지나 기술 습득의 기회에 지나지 않았을지도 모릅니다.

제5장 「아를르 시대」

파리에서 화가로서 큰 성장을 이룬 황 고흐였지만, 도시의 번잡함과 예술가끼리의 격렬한 경쟁이 점차 심신을 먹었습니다. 동경의 우키요에에서 볼 수 있는 눈부신 태양의 빛과, 예술가들이 함께 제작하는 이상적인 공동체를 찾아, 1888년 2월에 남불의 작은 마을 아를로 이주. 색채 풍부하고 햇빛 넘치는 모습을 완전히 마음에 들어, 그 자연을 선명한 색채 대비로 표현하는 것에 몰두해 갑니다.

15개월 부족으로 약 200점의 유채와 100점 이상의 소묘·수채를 제작. 병행하여, 실제로 공동체의 아틀리에인 '노란 집'을 구상해, 폴 고갱 등 많은 기예의 화가들을 초대하기 위해 준비를 진행했습니다.

핀센트 판 고흐 1888 년 3 월 클레러 – 뮐러 박물관 © Collection Kröller-Müller Museum, Otterlo, the Netherlands.

"지금 절대 그리고 싶은 것은 밤하늘이다" "나에게는 밤 쪽이 낮보다 훨씬 생생하고 색채가 풍부하게 보이는 경우가 많다"라는 말이 남아있는 것처럼, 아를로 황 고흐를 고양시킨 것은 낮의 빛만이 아닙니다.

본전의 하이라이트인 《밤의 카페테라스(포름 광장)》 (1888)는, 마을의 중심에 있는 포름 광장의 야경을, 가스등의 노란 불빛 아래로 그려 있습니다. 네덜란드 국외에 나올 기회가 적은 굴지의 걸작이며, 황 고흐가 처음으로 본격적인 밤하늘을 그린 기념비적인 작품입니다.

핀센트 판 고흐《밤의 카페 테라스(포름 광장)》 1888년 9월 16일경, 클레러-뮐러 미술관

별이 빛나는 밤하늘을 배경으로 빛나는 빛을 발하는 카페 테라스. 페인트가 고조되는 별들은 마치 보석처럼 존재감을 보여줍니다. 본작에 대해 황고호는 편지에서 “이것은 검은색이 없는 밤의 그림이다. 아름다운 푸른색과 보라색과 녹색밖에 없고, 이를 배경으로 등불로 비춰진 광장은 옅은 황황색과 초록빛 레몬 옐로우로 착색되고 있다”고 말했다. 따뜻한 전경과 한색 배경이라는 콘트라스트에 의해, 순식간에 눈길을 끄는 화려함을 갖추고, 종래의 서양 회화에 있어서 흑이나 회색으로 그려지는 것이 많았던 밤의 이미지를 갱신했습니다.

황 고흐가 밤하늘에 도전한 배경에는 애독한 기드 모파상의 소설 '벨라미'에서의 장려한 밤하늘의 묘사와 1888년 6월 초 지중해에서 본 색채 풍부한 밤하늘 등의 영향이 지적되고 있습니다. 어쨌든 중요한 것은 그에게 별이 빛나는 하늘이 "희망"을 나타내는 중요한 모티브였다는 것입니다.

본작이 그려진 당시는, 공동체의 동료가 와 줄지 모르는 불안이나 외로움을 안고 있으면서도, 희망에 흉약시킨 시기였다고 생각됩니다. "밤에 초조를 느꼈을 때 밖으로 나와 하늘을 바라보면, 밤하늘이 동료들처럼 보인다"라는 취지의 편지가 남아 있기 때문에, 본작에서도 밤하늘에 동료의 모습을 거듭하고 있었을지도 모릅니다.

다만, 당시의 카페는 현대와 본연의 방식이 달라, 남녀의 사교나 향락의 장소이기도 했다는 사실은 주목해야 할 것입니다. 본작에 있어서의 카페 테라스의 표현은, 앞서 설명한 「베라미」 중에서, 부유한 사람들이 음식을 즐기고 창녀들이 즐겁게 하고 있는 밤의 카페를, 가난한 주인공이 혐오감으로 바라보는 씬을 의식한 것이라고 알고 있습니다. 또, 동시기에 제작된 《밤의 카페》라는 작품에 관해서, 황 고흐가 「카페라고 하는 것은 사람이 몸을 잡고, 정기를 잃고, 죄를 저지르는 장소라고 하는 것을 표현해 보려고 했다」라고 말하고 있는 점도 놓칠 수 없습니다.

욕망과 퇴폐가 교착하는 지상의 세계와 희망을 상징하는 별이 빛나는 천상의 세계. 팬 고흐는 그 두 가지를 대비적으로 포착해 선명한 보색의 콘트라스트에 의해 후자의 빛을 한층 두드러지게 했습니까?


제2기에 해당하는 「대 고흐전 아를의 뛰어 다리」 는, 2027년 2월 6일부터 고베를 시작으로 후쿠시마, 도쿄에 순회 예정. 네덜란드의 국보라고도 불리는 《아를의 뛰어 다리(랑그로와 다리)》 가 약 70년만에 일본에서 공개되기 때문에, 이쪽에도 꼭 주목해 주세요.

■「대고흐전 밤의 카페 테라스」개요

회기:2026년 5월 29일(금) ~ 2026년 8월 12일(수)
회장:우에노의 숲 미술관
개관시간:일~목 9:00~17:30/금・토・공휴일 9:00~19:00
※입관은 폐관 30분 전까지
휴관일:회기중 무휴
관람료(평일):일반 2,800엔, 대학생・전문학생・고교생 1,600엔, 중학생・초등학생 1,000엔
※토, 일, 공휴일은 평일 요금에 각각 +200엔
※고등학생 이하는 6월 30일(화)까지 입장 무료.
※자세한 것은 공식 페이지에서 확인해 주세요.
주최:산케이 신문사, TBS, TBS 글로디아, 하카호도, 우에노노모리 미술관
문의:050-5541-8600(헬로 다이얼/9:00~20:00)
전시회 공식 사이트 | https://grand-van-gogh-tokyo.com/

※본고의 내용은 취재 시점의 것입니다. 최신 정보와 다를 수 있으므로 자세한 내용은 공식 사이트에서 확인하시기 바랍니다.

기사 제공: 코코실 우에노


기타 보고서 보기

【도쿄도 미술관】「앤드류・와이에스전」취재 리포트. 빛과 그림자, 삶과 죽음, 존재와 부재를 연결하는 ‘경계’의 형태

도쿄도 미술관
《크리스티나 올슨》 1947년/템페라/마일론 쿠닌 컬렉션

20세기 미국의 구상 회화를 대표하는 국민적 화가 앤드류 와이에스 (1917-2009)를, 「경계」라고 하는 테마로부터 해석하는 대규모 회고전 「도쿄도 미술관 개관 100주년 기념 앤드류 와이에스전」 이, 도쿄도 미술관에서 개최중입니다. 회기는 2026년 7월 5일(일)까지.

※본고에서 소개하고 있는 작품은 모두 앤드류・와이에스작입니다.

「도쿄도 미술관 개관 100주년 기념 앤드류・와이에스전」전시 풍경, 도쿄도 미술관, 2026년

20세기를 통해 활약한 앤드류 와이에스는 추상 표현주의와 네오 다다, 팝 아트 등 동시대를 석권한 전위 예술로부터 거리를 두고 고향 펜실베니아주와 여름을 보낸 메인주를 거점으로 평생에 걸쳐 친밀한 사람들과 풍경을 정교하게 그려

앤드류 와이에스 (1917-2009)

화풍은 사실적이지만, 눈에 비치는 정경의 단순한 재현은 아닙니다. 거기에 퍼지는 것은, 내성적인 이미지를 반영시킨 자서전적이라고도 부를 수 있는 독자적인 회화 세계이면서, 모두가 안는 감정이나 기억과 울리는 보편적인 요소를 내포하고 있습니다. 게다가, 한정된 토지와 인간관계에 반복적으로 마주한 것으로부터, 명확한 이야기가 묘사되지 않아도, 화면에는 퇴적된 시간, 거기에 살았던 사람들의 기색이나 기억이 확실히 감돌고 있다――. 그런 조용한 드라마성도, 와이에스 작품 독특한 매력이 되고 있습니다.

본전은, 일본에서는 17년만, 와이에스의 몰후에서는 처음이 되는 대규모 회고전. 초기부터 만년까지의 시계열로 작품을 소개하는 일반적인 회고전과는 달리, 와이에스 작품에 빈출하는 「창」이나 「도어」라고 하는, 보다 사적인 세계와의 연결로서 기능한 「경계」의 표현에 초점을 맞춘 구성입니다 . 출전 작품 약 100점 중 10점 이상이 일본 최초 공개입니다.

제1장 「와이에스라고 하는 화가」 는, 외로움감이 가득한 들판을, 스케치북을 안고 어려운 표정으로 걷는 20대의 화가 자신을 그린 《자화상》 (1945)로부터 시작됩니다.

《자화상》 1945년 / 템페라 / 내셔널 아카데미 오브 디자인, 뉴욕

와이에스는 1917년 예술가 일가의 막내로 태어났습니다. 어린 시절부터 허약하고 학교에 다닐 수 없고, 혼자서 자택 인근을 산책하고는 스케치를 거듭해, 창조성을 기르는 나날을 보냅니다. 10대 후반부터 저명한 삽화가의 아버지, NC와이에스의 스튜디오에서 본격적인 지도를 받아, 재능을 개화시켜 갑니다. 위대한 아버지의 영향으로 고뇌하면서 스스로의 표현을 계속 모색한 경험이 내성적인 작풍의 초석이 되었습니다.

20세가 되면, 뉴욕에서 개최한 수채화의 초개전에서 전작품 매진이라는 성공을 거두는 등, 화가 생활은 순풍 만돠게 보였습니다. 그러나, 《자화상》이 그려진 1945년, 28세 때, 극복해야 할 벽이자 정신적인 지주이기도 한 아버지와 조카가 건널목 사고에 의해 급속히. 이후 '모든 것은 변신한다'는 시점을 얻은 와이에스는 근본적으로 '세상의 무상'이라는 사생관이 숨어 있는 독자적인 그림 세계를 깊게 해 나갈 것입니다.

동장은《자화상》을 포함해, 와이에스가 열심히 임한 세밀한 「템페라화」 를 중심으로 구성되어 있습니다.

《겨울의 들》1942년/템페라/휘트니 미술관, 뉴욕

달걀 노른자와 물로 안료를 녹여 얇은 층을 수중에 바르게 겹쳐 가는 템페라는 유채의 보급 이후 점차 주류에서 벗어나고있는 고전적인 기법입니다. 와이에스는 형제이자 아버지의 제자이기도 했던 피터 하드에서 손을 잡았습니다. 유채의 테라테라로 한 광택을 싫어한 와이에스에게 있어, 자라자라와 마른 질감을 낳는 템페라는 매우 치밀한 묘사를 가능하게 하는 점과 아울러, 이상적인 표현 매체가 됩니다. 자연의 것만을 사용해 태어나는 그 세련된 그늘을, 와이에스는 자신이 사는 토지의 색으로서 별로 사랑했습니다.

수채에 있어서도, 수분을 억제한 경미한 페인트로 화면을 문지르도록 칠해지는 「드라이브 러쉬」의 기법을 이용해, 마치 직물을 짜듯이, 초목이나 벽면의 거친 질감, 바람에 노출된 공기까지도 생생하게 표현했습니다. 멜랑콜릭한 시정을 접한 화면은 이러한 기법에 의해 지원되고 있다고 할 수 있습니다.

《매의 나무》 1973년/드라이브 러쉬/나리타 골프 클럽

《마더 아치의 교회》 (1945)는, 아프리카계 주민의 마음의 거점이었던 교회를 그린 템페라화입니다. 건물은 멸망의 도중에 있지만, 열린 창문에서 하얀 비둘기가 흩어져 있습니다. 본전의 테마 「경계」에도 걸려 있는 구도는, 단지 잃어 가는 것만이 아닌, 희미한 희망의 기색을 꽂고 있는 것처럼도 포착됩니다.

《마더 아치의 교회》 1945년/템페라/필립스 아카데미 부속 애디슨 갤러리, 앤드버

와이에스가 자란 시골촌 채즈포드에는 아프리카계 커뮤니티와 독일에 뿌리를 가진 이민자가 살고 있었습니다. 차별과 편견이 뿌리 깊었던 시대에 있어도, 와이에스는 그러한 사람들과 친하게 어울리고, 모델로서 많이 그렸습니다.

제2장 “빛과 그림자” 는 와이에스의 특징 중 하나인 빛과 그림자의 교묘한 대비 표현에 초점을 맞추고 있습니다.

전시 풍경, 왼쪽은《스풀·침대》1947년/수채/휘트니 미술관, 뉴욕

와이에스 작품의 대부분은 빛을 강하게 느끼게 하는 부분과 희미한 부분이 공존하고 있습니다. 그것은 17세기 바로크 회화에서 볼 수 있는 극적인 스포트라이트 연출이 아니라 어디까지나 현실의 빛으로서 위화감 없이 표현된 것입니다. 그러나, 그 대비는 콘트라스트를 강조하는 시각적인 테크닉에 머무르지 않고, 때때로 「창」이나 「도구구치」라고 하는, 양자를 나누고, 또 묶는 일을 하는 경계를 조용히 떠오르게 하고 있습니다.

《종붙이 로프》 1951년/템페라/델라웨어 미술관, 윌밍턴

그러한 빛과 그림자의 연출에는, 와이에스 자신의 경험이나 감정이 담겨져 있어, 조용한 드라마를 형성하는 중요한 요소이기도 했습니다. 예를 들어, "종종 로프" (1951)와 "냉각 오두막" (1953)과 같은 작례에서는 어둠 너머에 쏟아지는 빛에 밖의 세계에 대한 기대와 해방에 대한 예감이 두드러지고 있습니다.

《3월의 폭풍》1960년/드라이브 러쉬·수채/델라웨어 미술관, 윌밍턴

《세탁물》 (1961)에서는, 와이에스의 스튜디오의 정원에 말린 세탁물이 바람을 흘려 바구니와 함께 밝은 빛에 비추어지고 있습니다. 대조적으로, 창 안쪽은 어둡게 가라앉고 있지만, 잘 보면 두 사람은 단절되지 않고 세탁 로프로 연결됩니다. 거기에는, 유능한 매니저로서의 그림자의 일과, 집을 지지하는 주부로서의 일을 동시에 담당하고 있던 아내 베치에의 따뜻한 눈빛이 느껴집니다.

《세탁물》 1961년/수채/커머 미술관, 잭슨빌
《우타타 잠》 1963년 / 수채화 / 판스워스 박물관, 록랜드

또한 와이에스는 앞서 말한 아버지의 사고사와 그 5년 후에 자신을 습격한 폐질환으로부터의 임사체험에 의해 '생과 죽음'이라는 삶에서 벗어날 수 없는 명제와 마주보고 있었습니다. 《노래자》 (1963)에서는, 헛간의 문 안쪽에 퍼지는 깊은 어둠을 배경으로, 히나타 보코를 하는 하얀 고양이가 배치되어 있습니다. 고양이는 죽음을 연상시키는 "잠" 상태에 있지만, 잠자는 곳은 빛과 그림자의 경계입니다. '생과 죽음'이 대립하는 것이 아니라 연속적이고 연결되는 것이라는 와이에스의 철학의 표현으로 파악할 수도 있을 것입니다.

본전에서 한때 공간이 널리 취해지고 있는 것은, 3장 「뉴잉글랜드의 집――올슨 하우스」 입니다.

《올슨의 집》 1939년/수채/마루누마 예술의 숲

매년 여름이 되면, 미국의 원풍경이 남아 있는 뉴잉글랜드 지방의 메인주 쿠싱에서 보내고 있던 와이에스. 이 장의 시작 부분에 전시되어 있는 《오르손의 집》 (1939)은 나중에 아내가 되는 베치에게 데려와 동지에 사는 올슨 자매 집을 처음 방문한 직후에 그려진 수채화입니다. 언덕 위에 외로움을 느끼고, 증개축에 의해 변칙적인 형태가 된 건물에 한눈에 매료된 와이에스는, 이후 30년에 걸쳐, 동가의 2층을 스튜디오로서 사용해, 엄청난 수의 작품을 제작했습니다.

《오모테의 계단에 앉아 있는 알바로》 1942년/수채/마루누마 예술의 숲
전시 풍경, 왼쪽부터《지붕창》《3층의 침실》모두 1947년/수채/마루누마 예술의 숲
《바다로부터의 바람》 습작/1947년/수채/마루누마 예술의 숲

와이에스에게 있어서 연필 소묘는, 「대상과의 사이에 일어나는 나의 강한 감정을 표현하는」 것이며, 충동을 부딪히도록(듯이) 신속하게 그리는 것이 항상이었습니다. 한편으로 올슨 하우스에 관해서는 멀리서 멸망하는 미래를 바라본 것일까요? 마치 초상화를 마무리하는 것처럼, 창이나 날개판의 한 장 한 장까지 대상을 정성스럽게 파악해, 그 상모를 극명하게 기록하는 것 같은 소묘를 남기고 있습니다.

《뉴잉글랜드》습작/1960년/연필/마루누마 예술의 숲

와이에스의 마음을 포착한 것은 건물만이 아닙니다. 진행성 질병에 의해 다리가 불편해지면서도 고귀한 독립심을 가지고 있던 누나 크리스티나와 그녀를 지지하기 위해 좋아하는 바다에서의 낚시를 그만두고 농사에 종사한 인내한 동생 알바로의 인간성에도 강하게 끌렸습니다. 특히, 축복받은 가정에 자란 자신에게는 없는 정신적인 힘을 갖춘 크리스티나에 깊은 경의를 안고, 명작《크리스티나의 세계》(뉴욕 근대 미술관 창고, 본전 미출품)을 비롯한 수많은 작품의 뮤즈로 했습니다.

부엌 일을 마친 크리스티나가 오후의 햇빛이 꽂히는 뒷문 발판에 자리 잡고 있는 모습을 포착한 《크리스티나 오르손》 (1947)도 대표적인 초상화입니다. 와이에스가 “상처 입은 갈매기를 떠올리게 했다”고 말한 그녀의 모습도 안과 밖의 경계에 위치하고 있습니다.

《크리스티나 올슨》 1947년/템페라/마일론 쿠닌 컬렉션

불편한 신체 때문에 쉽게 밖으로 나갈 수 없는 크리스티나는 어느 쪽이라도 어두운 실내의 세계에 속하는 존재일지도 모릅니다. 그러나 그녀는 열린 출입구에서 햇빛이 가득한 밖의 세계에 시선을 던지고, 화면 밖에서 불어 오는 바람은 그녀의 머리카락을 흔들며 화면에 생명감을 부여합니다. 여기에서는 경계가 무언가를 분단하는 것이 아니라, 안과 밖의 교류를 낳는 통로로서 표현되고 있는 것입니다. 옆에는 습작인 「바람으로 머리카락이 흔들리지 않는 상태」의 소묘도 전시되어 있어 바람의 표현이 얼마나 와이에스에게 중요한 요소였는지를 전하고 있습니다.

《곡물봉투》1961년/수채/마루누마 예술의 숲

메인은 초기에 이식된 땅이었고, 19세기 초에 거슬러 올라가는 오래된 집에 살았던 올슨 자매의 아버지도 스웨덴의 이민자였습니다. 와이에스는 자매의 신중하고 힘든 삶에서 미국이라는 나라의 기반을 만든 사람들의 모습을 떠올렸을지도 모릅니다. 이처럼 성조기와 뉴욕의 마천루라는 알기 쉬운 상징이 아니라 역사에 이어지는 원풍경이나 거기에 사는 과묵한 사람들의 존엄에 깊게 다가가면서 와이에스는 “미국을 그리는 화가”로서 국민으로부터 지지받게 되었습니다.

《올슨가의 종말》 1969년/템페라/클리블랜드 미술관

알바로는 1967년 12월에, 나중에 추격하도록 크리스티나도 1968년 1월에 사망합니다. 이듬해 여름, 와이에스는 무인이 된 집을 방문하여 《올슨가의 종말》 (1969)을 다루었습니다. 그려져 있는 것은 크리스티나의 부엌 일을 상기시키는 굴뚝과 한때 알바로가 낚시를 하고 있던 후미와 자유롭게 하늘을 날아가는 한 마리의 작은 제비의 모습입니다. 병치된 습작과 비교하면, 본작에서는 「창틀」이라고 하는 화면의 앞쪽과 다른 쪽을 분리하는 경계가 꺼내지고 있어, 이미 이 세상을 떠난 자매와의 교류를, 계속 계속하려고 하는 와이에스의 깊은 사모의 생각이 엿보입니다.

와이에스는 오르손 자매와 펜실베니아 주 이웃이었던 전 군인의 칼 카너, 카너의 개호를 하고 있던 헤르가 테스토프 등 같은 대상을 오랜 세월에 걸쳐 계속 그린 것으로 알려져 있습니다. 제4장 「마나자시의 히로가리」 에서는, 친밀한 풍경 속에서 「딸깍 스위치가 들어가는 순간」을 계속 찾고 있는 화가의 자세와 함께, 인물에 머무르지 않는 모티브의 확산에 주목하고 있습니다.

전시 풍경, 왼쪽부터《승선의 일행》1982년/템페라/필브룩 미술관, 털사《하이・스툴》1985년/수채/의료법인 사단 경취회

동장에서는 《승선의 일행》 (1982), 《하이・스툴》 (1985), 《섬의 파우치》 (1999) 등, 의자를 모티브로 한 작품이 특히 눈길을 끈다. 《모델의 의자》 (1982)에 그려져 있는 것은 앙콜이라는 여성이 휴식하던 하얀 의자와 의복. 그 쪽이 앤이라는 인물을 잘 표현할 수 있다고 생각되었기 때문에, 모델 부재의 화면이 선택되었습니다. 여기서 의자는 존재와 부재를 교차시키는 역할을 하고 있다고 할 수 있습니다. 와이에스는 본작과 같이, 굳이 인물을 화면에서 물러나는 것으로, 오히려 그 사람의 기색이나 내면을 떠오르게 하는 표현을 자주 이용했습니다.

《모델의자》1982년/수채/유니매트 그룹
《아름다운 휴식》1991년/드라이브 러쉬·수채/유니매트 그룹

《등대》 (1983)는, 메인주 서던 아일랜드의 등대에서의 정경을 그린 일작. 열린 문 앞에 베치의 애견 놈이 굉장히 앉아 있고, 안쪽 계단을 오르면 밖의 세계가 펼쳐져 있는 것이 예감됩니다. 등대의 빛은 항해를 계속하는 선원들의 삶을 연결하는 것. 놈은 주로 바뀌어 그 생명줄을 지키는 등대수의 역할을 완수하려고 하고 있는 것 같습니다.

전시 풍경, 오른쪽은《등대》1983년/템페라/유니매트 그룹

종장 「경계 혹은 창」 에서는, 창을 중심으로 한 경계의 모티브에 돌아와, 와이에스의 회화에 통저하는 사상을 다시 파고 있습니다.

《제라늄》 (1960)은, 오르손 하우스의 창 너머로 실내에 있는 크리스티나를 포착하고 있습니다. 다만, 크리스티나의 인영은 지적되지 않으면 눈치채지 못할 정도로 존재감이 얇고, 그녀가 선호했다는 빨간 제라늄 링이 존재를 암시하고 있습니다. 안쪽 창문에서는 햇빛이 꽂혀, 《크리스티나 오르손》과 같이, 그녀의 세계가 닫히지 않고, 밝은 밖의 세계와 연결되어 있는 것을 전하고 있습니다.

《제라늄》 1960년/드라이브 러쉬・수채/판스워스 미술관, 록랜드

언뜻 보면 추상화와 같은 《얼음》 (1969)은, 와이에스의 자택 부근의 수로에 가라앉은 고엽을, 얇게 긴 빙월에 내려다 본 구도의 작품입니다. 전년에 크리스티나를 죽고, 깊은 상실감을 안고 있던 시기의 작례이며, 와이에스 자신, 가라앉은 무수한 고엽이 자신의 경험이나 지금까지 만난 사람들을 나타내고 있다고 말하고 있습니다. 그러한 문맥을 근거로 한다면, 이 얇은 얼음의 건너편을 「죽음의 세계」로서 파악할 수도 있을 것입니다.

《박빙》1969년/템페라/주식회사 미쓰이 스미토모 은행

그러나 화면을 살펴보면 물의 흐름을 보여주는 작은 기포가 그려져 있으며, 거기에 완전히 정지 된 죽음의 영역이 아니라는 것을 알 수 있습니다. 게다가 얼음 위에 한 장만 쏟아낸 잎이 얼음 면에 그림자를 떨어뜨리고 있는 모습은, 삶과 죽음이 대립이 아니라 연속하고 있다는, 와이에스의 사생관을 웅변에 이야기하고 있습니다.

《불가사리》1986년/수채/필브룩 미술관, 털사

항상 상실의 기색을 풍기면서도, 창문으로부터 쏟아지는 빛이나, 경계를 넘어가는 새의 모습에, 희미한 희망이 흘러넘치는 와이에스의 회화. 그의 "우울한 미학"은 일본인의 미의식에도 깊이 울립니다. 몰후 최초의 대규모 회고전이 되는 본전은, 그 조용한 드라마성을 다시 한번 재검토할 기회가 될 것입니다.

「도쿄도 미술관 개관 100주년 기념 앤드류・와이에스전」개요

회장 도쿄도 미술관
회기 2026년 4월 28일(화)~7월 5일(일)
개실 시간 9:30~17:30
※금요일은 20:00까지
※입실은 폐실 30분 전까지
휴무일 월요일, 6월 29일(월)은 개실
관람료 일반 2,300엔, 대학·전문학교생 1,300엔, 65세 이상 1,600엔, 18세 이하·고교생 이하는 무료
※자세한 것은 공식 페이지 에서 확인해 주세요.
주최 도쿄도 미술관(공익재단법인 도쿄도 역사문화재단), 도쿄신문, 후지TV
문의 (헬로 다이얼) 050-5541-8600
전시회 공식 사이트 https://wyeth2026.jp/

※기사의 내용은 취재 시점의 것입니다. 최신 정보는 전람회 공식 사이트 등에서 확인해 주십시오.


기타 보고서 보기

【서예 박물관】 “나카무라 부절 탄생 160년 기념 특집” 리포트. 서양화, 책, 신문 삽화… 다채로운 재능을 나타낸 창설자의 생애를 추적한다

다이토 구립 서예 박물관
왼쪽에서 나카무라 부절《호반》쇼와 15년(1940년) 전기 전시 ,《사기의 서예》쇼와 16년(1941년) 통기 전시

도쿄도 다이토구·네기시에 있는 다이토 구립 서도 박물관은 일본에서도 드문 서예에 특화된 전문 박물관. 중국과 일본의 서예사 연구상 중요한, 약 1만 6000점의 컬렉션을 가지고 있습니다. 「서예」라고 듣고 많은 분이 이미지 하는 종이의 묵서에 그치지 않고, 거북이의 갑라나 뼈에 새겨진 현존 가장 오래된 한자인 「갑골 문자」나, 유교 경전을 돌에 새긴 「석경」등, 다양한 문자 자료를 통해서, 한자의 서법이나 문자의 역사를 추적할 수 있는 점이 매력이 되고 있다

그런 서예 박물관에서는 현재 서양 화가이자 서가이기도 한 창설자 나카무라 부절 후 세츠 (1866-1943)의 탄생 160년을 기념하여 평생에 걸친 작품과 자료를 소개하는 기획전 ‘나카무라 부절 탄생 160년 기념 특집’이 개최 중입니다. (회기는 영화 8년 7월 12일(일)까지)

통상의 관내 전시와는 정취가 달라, 유채화나 수채화, 신문 삽화 등이 많은 공간을 물들이고 있기 때문에, 「책은 어려울 것 같다・붙잡기 어렵다」라고 느끼고 있는 아트 팬도 접하기 쉬운 전람회라고 할 수 있습니다.

이번은, 동관의 주임 연구원인 나카무라 노부히로씨에게 전시를 안내해 주셨습니다.

※회기 중에 전시 교체가 있습니다. 전시 일람은 이쪽 으로부터
전기 전시:4월 4일(토)~5월 24일(일)
후기 전시:5월 26일(화)~7월 12일(일)

※소개 작품은 모두 다이토 구립 서도 박물관 소장입니다.

나카무라 부절《나부부두흉상》1903~1905년(메이지 36~38년) 통기 전시
부패한 매력적인 자화상. 나카무라 부절 “부절 화집 제일” 메이지 43년(1910년) 통기 전시

“신주쿠 나카무라야”의 간판 문자를 다룬 것으로 유명한 나카무라 부절(개명은 나카무라 스즈타로)은, 메이지·다이쇼·쇼와에 걸쳐서, 서양화계와 서예계의 양 분야에 있어서 큰 발자취를 남긴 인물입니다.

게이오 2(1866)년에 에도 교교에서 태어나 5세 때 메이지 유신의 혼란으로 막부 측의 장교였던 아버지가 실직. 어머니의 인연을 의지하고 나가노로 옮겨 오복 가게의 정치봉공이나 과자 장인으로서 일하면서 여가에는 한학이나 남화, 책을 배우는 소년 시절을 보냅니다. 수학자를 뜻하고, 19세에 초등학교 교원으로서 산수나 그림을 가르치는 것도, 보다 고도의 수학을 배우기 위해서는 어학의 습득이 불가결하다는 것을 통감합니다. 청각에 부자유를 갖고 있던 부절에 있어서, 그것은 쉬운 길이 아니고, 다음점의 희망이었던 회화의 세계로 본격적으로 내딛게 되었습니다.

「이런 경험으로부터, 이제 자신은 좌절할 수 없는, 마음을 접지 않는다, 라고 하는 결의를 담아“부절”을 자칭하게 되었습니다”(나카무라씨)

메이지 21(1887)년, 23세에 상경해, 연자를 의지해 후의 총리인 다카하시 시청의 별저의 빈 방에 하숙. 서양화가·오야마 마사타로가 주재하는 화원 “부동사”에 입문해, 이후 십수년에 걸쳐 회화의 지도를 받습니다.

나카무라 부절《키치죠지무라 농가》메이지 20년대(1888~1896) 전기 전시

1층 전시실의 시작 부분에서 소개되고 있는 것은, 서양화의 일점 투시도법을 이용한 풍경화의 소묘나 수채화, 현존하는 최초의 유채화《자화상》등, 학생 시대에 그려진 작품군입니다. 화원의 교육 방침은 철저한 묘묘 중시이며, 연필화의 묘묘를 충분히 습득하고, 드디어 수채화, 이어서 유채화를 그리는 것이 허락된다고 하는 것이었습니다. 그 때문에, 부절라 학생은 부동사가 있던 센다기로부터, 키치죠지등의 교외에도 다리를 늘리고, 아침부터 저녁까지 풍경을 스케치하고는 강평을 받는 생활을 보냈습니다.

나카무라 부절《농가 내부》메이지 22년(1889년) 전기 전시
나카무라 부절《자화상》메이지 24년(1891년) 전기 전시

 국수주의의 조류 속에서 서양화에서 생계를 세우는 어려움에 고심하고 있던 부절한 삶에 큰 전기가 방문한 것은 메이지 27(1894)년, 29세 때였습니다. 배우이자 저널리스트이기도 한 마사오카 코규가 편집 주임을 맡는 신문 ‘소일본’의 삽화 화가로 발탁된 것입니다. 그것이 문호와 배우들의 눈에 띄게 점차 책과 잡지의 삽화와 장환의 의뢰가 춤추게 됩니다.

“당시, 아이규가 소속하는 일본 신문사는, 지면에서 정부의 외교 태도나 유럽화 정책을 엄격히 비판하는 기사를 써서는, 자주 발행 정지 처분을 받고 있었습니다.발행 정지중의 손실을 억제하기 위해서 기획된 것이, 가정용의 그림들이 신문 “소일본”입니다. 부탁한 바, 부동사에서 교제가 있던 부절을 소개됩니다.

나이가 가까울 수도 있고, 무이의 친구가 된 자규와 부절은, 다음 해의 메이지 28(1895)년에 일청 전쟁의 종군 기자(그림사)로서 중국에 건너갑니다. 그런데, 가차 앞에서 휴전 상태에 들어갔기 때문에 일이 없어집니다. 부절은 자규의 권유를 타는 형태로, 약 4개월에 걸쳐 중국이나 한반도를 스케치하면서 순유했습니다.

나카무라 부절《재신묘》 메이지 28년(1895년) 전기 전시
나카무라 부절《료좌 화고 을집》 메이지 28년(1895년) 통기 전시

처음으로 대륙의 문화에 접한 부절은 본격적으로 책의 매력에 빠져들 것입니다. 취재의 편, 타쿠모토(비석 등에 새겨진 문자를 종이와 먹으로 찍은 것.임서의 본본)을 비롯한 귀중한 고고 자료를 보며, 귀국 후에는 고서점이나 골동품 가게에서 사재를 던질 수 있어 자료를 축집. 오늘의 서예 박물관에서 컬렉션을 구축합니다.

2층 전시실의 전반부에서는, 부절한 서양 화가로서의 전개를 추적하고 있습니다.

화가로서 한층 더 도약하려고 한 부절은, 1901(메이지 34)년, 36세에 파리에 유학. 쿠로다 세이키를 지도한 프랑스 아카데미즘의 화가 라파엘 코란, 이어 역사 화가 장 폴 로랑스에 사사하고, 약 4년에 걸쳐 연루를 쌓습니다.

“당시 유학이라고 하면 정부나 재벌의 원조나 재포니즘이 유행하고 있던 미국에서 작품을 팔아 자금을 만들고 거기에서 본고장 프랑스로 향하는 루트가 일반적이었습니다. , 어릴 적부터 금전면에서 괴로워한 부절은 독립 독보, 질소 절약의 마음이 강했기 때문에, 신문 삽화 등으로 얻은 수입을 꾸준히 저축해, 당시로서는 매우 드물고, 도항 전에 독력으로 고액의 유학자 금을 공면하고 있습니다.게다가, 유학 전년에는 아틀리에 첨부의 한 집을 일괄 구입해, 처자에게 정리된 생활비도 주고 나서 여행 일어났습니다. 후지사토 치오(가인·소설가)는 깊은 우정과 성공에 대한 소원을 담아, 《너가 도구를 보내는 단가십장》을 주고 있습니다.

이토 사토치오《너가 도유럽을 보내는 단가십장》메이지 34년(1901년) 통기 전시 /「천직 몸에 몹시 익황부인가 출립할까 존중할까」등, 단가는 모두 부절에 대한 최대급의 경애를 느끼게 합니다.

파리 유학 중인 전시에서는 4점의 알몸체습작이 눈길을 끈다.

부동사에서 사생 기술을 닦아 온 부절이지만, 손이나 발가락이 모호하게 처리되고 있는 유학 초기의 누드 체습작으로부터도 알 수 있듯이, 인체 묘사에 대해서 충분한 훈련을 쌓았다고는 말하기 어려운 상황이었습니다. 로랑스는 이런 그림을 보고 전신을 그리는 단계에는 도달하지 않았다고 판단. 팔다리의 부분 묘묘로부터 엄격한 지도를 비롯해, 몇 달의 사이에 인체 묘사의 엄밀한 기법을 착용시켰습니다.

왼쪽부터 나카무라 부절《나부 습작》1902년(메이지 35년) 무렵,《나부 습작》1901년(메이지 34년) 모두 통기 전시
왼쪽부터 나카무라 부절《나부 습작》1903~1904년(메이지 36~37년) 통기 전시 , 《나부 습작》1902~1903년(메이지 35~36년) 전기 전시

“1900년 전후에는 이미 인상파 등 새로운 조류도 태어났습니다만, 아카데믹한 미술 교육에 있어서는 여전히 종교나 신화 등을 다룬 전통적인 역사화가 히에랄키의 정점에 있었습니다. 의 질감을 그려 나누지 않으면, 화면의 설득력이 결여되어 버립니다.그 때문에, 기초로서 알몸체도를 철저하게 배울 필요가 있었습니다.

나카무라 부절《단테의 지옥 순회》1904년(메이지 37년) 통기 전시 /지정된 역사화의 밑그림을 단시간에 완성하는 에스키스(구도 밑그림)의 경기회에서 10위를 획득한 작품.
『용문 20품』 키타베~당시대·4~10세기 통기 전시 /부절은 이러한 무골로 강력한 양서를 좋아해, 유학의 여가에 배웠습니다. 주위에서 “한자연구를 위해 파리에 왔다”고 들릴 정도로 연구 열심이었다고 합니다.

메이지 38(1905)년에 40세에 귀국한 후의 부절은, 태평양 화회 회원이나 제국 미술원 회원, 문부성 미술 전람회의 심사원을 맡는 등, 서양 화단의 중진으로서 활약. 또, 태평양 화회 연구소(후의 태평양 미술 학교)의 초대 교장으로서 후진의 육성에도 진력합니다. 자신의 제작에 있어서는, 로란스로부터 배운 역사화를 라이프 워크로 해, 서의 연구로 길러낸 지식을 살려 동양 고사를 소재로 하는 서양화를 많이 다루었습니다.

그 대표작이라고 부를 수 있는 것이, 만년에 제작된《 엽기의 주간 키키 이시메 >>입니다. 화면 중앙에 있는 것은 공자이며, 내용물이 하늘에서도 가득 채워도 덮는 ‘가사’가 물을 반 정도 넣으면 수평이 되는 모습을 가리키고 있습니다. 명군인 사람은 실력 이상을 요구하고 만심하지 않고, 중봉을 계명으로 하는 것을 제자에게 설하는, 중국 춘추시대의 고사를 나타낸 일작입니다.

나카무라 부절《사기의 서예》쇼와 16년(1941년) 통기 전시

2층 전시실의 후반부에서는 책이나 일본화, 신문 삽화, 문호와의 교류에 초점을 맞추고 있습니다.

메이지 41(1908)년, 43세가 된 부절은, 바쁜 말에 신경 쇠약에 빠져, 의사로부터 일절의 일을 멈출 수 있습니다. 요양을 위해 체재한 군마현·이소베 온천에서 다룬 것은, 북송의 문인인 소소의 시 20목을 써 놓은 「용면 첩」이었습니다. 요양중의 손 위로처럼 쓰여진 이 작품이, 뜻밖의 전기가 됩니다. 본작을 목격한 배우인 가토 아오리 오동나무가 출판을 강력히 권유한 것입니다. 「손을 넣으면 작품의 마음이 잃어버린다」라는 어드바이스를 받고, 부절은 쓰러뜨려도 그대로 데뷔작으로서 간행합니다. 결과적으로, 본작은 법칙에 얽매이지 않는 대담하고 자유로운 서풍에 의해 주목을 끌어, 이른바 “부절류”로서 일세를 풍미했습니다.

나카무라 부절 “용면 첩” 메이지 41년(1908년) 전기 전시

앞서 소개한 중후하고 강력한 ‘용문 20품’ 등 불절이 열심히 연구하고 있던 남북조 시대의 책과 비교하여 ‘용면 첩’의 쓰기는 크게 다릅니다. 책에 익숙하지 않은 분은 당황할지도 모릅니다만, 그 의문을 나카무라씨는 「형태를 중시하는 일본인다운 감각이다」라고 지적합니다.

“일본인은, 표본이 옆에 있다고 닮으려고 노력하겠지요. 대륙이라면, 기본적으로 형태는 중시되지 않습니다. 물건을 리얼하게 추구해 나가는 것이 서양, 보이지 않는 것을 표현하려고 하는 것이 동양입니다. 그 때문에, 고대 중국의 정치 문화를 견인한 문인들은, 마음 속에서 나타나는 말을 스스로 형태로 하는 시, 그리고 그것을 문자에 남기는 책을 무엇보다 소중히 했습니다」(나카무라씨)

나카무라 부절《니시노미야 주조 주식회사장 이토 군기덕 비고축》다이쇼 7년(1918년) 전기 전시

또한 하나의 작품 중에서 문자 모양을 고정하지 않고 다양한 글자와 글자를 섞는 것을 좋게 하고 있는 점도 특징입니다. 실제로, 700자 이상으로 이루어지는《니시노미야 주조 주식회사장 이토군 기덕비고축》이라는 비석의 원고에서는, 같은 문자가 몇번이나 등장합니다만, 같은 형태는 거의 존재하지 않습니다. 「양」의 글자의 「팔」의 부분을 「□□」나 「△△」로 바꾼 이체자 등, 그 종류의 많음으로부터 부절이 깊은 조예가 엿볼 수 있습니다. 비석으로 조각되는 것을 전제로 하고 있기 때문에, 번짐과 같은 표현은 억제되고 있습니다만, 개성이 잃지 않는 점에 부절류의 강점이 있다고 할 수 있습니다.

나카무라 부절《닭 머리 자규 거사유사 사생》메이지 42년(1909년) 전기 전시 /신문 삽화의 선구자였던 부절은, 문장이 없어도 삽화 단체로 의미가 통하는 「컷 그림」으로 독자를 즐겁게 했습니다.
나카무라 부절《타카사초 아사히 도축》메이지~쇼와 시대(20세기) 전기 전시 /부절에 있어서의 일본화는, 생활이나 연구 자료 수집의 자금 모으기를 목적으로 한 것. 때로는 몇 분만에 마무리하기도 했다고.
나카무라 부절《나츠메 소세키 『고배하 고양이 데알』삽화》 메이지 38년(1905년) 통기 전시

메이지의 문호들과의 교유 관계를 나타내는 자료도 매우 흥미로운 것뿐입니다. 유학으로부터 귀국한지 얼마 안된 부절이 나츠메 소세키의 ‘고배하 고양이 데알’의 삽화를 담당했을 때에는 초판본이 불과 20일 만에 매진할 정도로 인기를 얻었습니다. 소설가로서의 데뷔작의 성공을 받아, 소세키는 정중한 예장을 보내고 있습니다.

나츠메 소세키《소세이 거사서함 아래 3통째》 메이지 38년(1905년) 전기 전시

「소세키의 평상시의 책은, 비교적 보소보소로 한 선질입니다만, 이 예장은 매우 상쾌한 아름다운 문자로 쓰여져 있습니다. 잘 매진이 기뻤다고 생각합니다」(나카무라씨)

부절한 책에 깊게 기울고 있던 것은 모리 요시 밖입니다.鷗外는 임종 시에, 스스로의 무덤에는 부절의 책으로, 「모리 료외」나 「육군 군의」라고 하는 어깨책이 아니라 본명의 「삼림 타로 묘」만을 새기도록 유언을 남기고, 다이쇼 11(1922)년에 세상을 떠났습니다. 유언을 받은 부절이 휘말린 묘비는, 현재도 도쿄도 미타카시의 선림사에서 볼 수 있습니다.

그런데 鷗外의 사후에 전체 집간행이 계획되면 제목을 둘러싸고 논의가 생깁니다. 만년의 鷗外가 「森鷗外」라는 호를 이용하는 것을 좋아하지 않았던 의향을 존중하고, 「삼림 타로 전집」이라고 해야 할까, 아니면 지명도를 고려해 「鷗外全集」이라고 해야 하는지로 의견이 나뉘어졌습니다. 그 결정에 크게 영향을 준 것이 후자의 파벌에 속했던 요사노 철간의 서한이었습니다.

「요사노 철간은 앞서, 아무것도 사정을 모르는 부절에 『鷗外全集』이라는 제목을 의뢰한 것입니다. 벌써 써 주었던 이상, 그대로 진행할 수 밖에 없는 상황을 만들었던 것이군요.

가코쓰루소《모리요우 외유언서(복제)》다이쇼 11년(1922년), 요사노 철간《나카무라 부절 주소서 간축》다이쇼 11년(1922년) 등, 모두 전기 전시

자인은 어디까지나 양화가이며, 「책은 여희이다」라고도 말하고 있던 부절. 그렇기 때문에 형식에 얽매이지 않는 순수한 표현 욕구로서의 책에 임할 수 있어, 그 성장한 서풍이 어려운 문호들을 비롯해 많은 사람들을 끌어들였을 것입니다.

후기 전시에서는, 더욱 깊게 마사오카코규와의 교류에 초점을 맞춘 내용으로 바꿀 예정입니다. 전시 일람 을 확인한 후, 꼭 발길을 옮겨보세요.

■기획전 “나카무라 부절 탄생 160년 기념 특집” 개요

회기 령화 8년 4월 4일(토) ~ 7월 12일(일)

※회기중에 전시 교체 있어 전기 전시:4월 4일(토)~5월 24일(일)
후기 전시:5월 26일(화)~7월 12일(일)

회장 다이토 구립 서예 박물관
개관 시간 오전 9시 30분~오후 4시 30분(입관은 오후 4시까지)
휴관일 월요일(공휴일과 겹치는 경우는 다음 평일)
입장료 일반 500엔 소, 중, 고교생 250엔 ※자세한 것은 공식 사이트를 확인해 주세요.
공식 사이트 https://www.taitogeibun.net/shodou/

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【국립 서양 미술관】 「추려니스전 내 별도」리포트. 회화와 음악을 융합한 리투아니아의 국민 예술가, 34년 만의 대회 고전

국립 서양 미술관
《렉스(왕)》1909년

리투아니아를 대표하는 예술가 미카로유스 콘스탄티나스 툴류니스(1875–1911)의 일본에서 34년 만인 대회 고전 ‘출류니스 전 내 별도’ 가 국립 서양 미술관에서 개최 중입니다. 회기는 2026년 6월 14일(일)까지.

※전시 작품은 모두 미카로유스・콘스탄티나스・츄류노니스작, 국립 MK 툴류니스 미술관(카우나스) 소장입니다. MK Čiurlionis National Museum of Art, Kaunas, Lithuania.

전시 풍경
왼쪽에서 《제6소나타(별의 소나타):알레그로》,《제6소나타(별의 소나타):안단테》1908년

20세기 초, 회화와 음악의 두 영역에서 탁월한 재능을 보여주며, 리투아니아 근대문화의 초석을 쌓은 툴류니스. 35년의 짧은 생애 중 약 6년간의 화업으로 300점 이상의 작품을 남기고 있습니다.

그 예술은 러시아 제국의 지배하, 민족해방운동의 속에 형성된 것으로, 조국의 풍부한 자연과 역사, 예로부터 전해지는 민화를 창작의 원천으로 하는 등, 리투아니아 고유의 정체성에 근차하고 있습니다. 동시에 신지학과 천문학에도 관심을 가져 인간의 정신세계와 우주의 신비를 둘러싼 사색을 깊게 했습니다. 상징주의 회화와 추상 회화를 교차하는 독특한 표현으로 알려져 있으며, 특히 작곡가 특유의 감성으로 음악 형식의 회화의 구조로의 전환과 같은 조형적 혁신성이 오늘날의 평가를 확실히 하고 있습니다.

리투아니아에서의 탄생 150주년의 축하 무드를 계승해 개최되는 본전은, 국립 M.K.

 전시는 전 3장에 프롤로그, 에필로그를 더한 구성으로 되어 있으며, 프롤로그에서는 툴류니스의 화업의 출발점을 소개하고 있습니다.

툴룽니스는 1875년 리투아니아 남부의 신중한 가정에서 태어났고 오르간 연주자의 아버지 아래 어린 시절부터 음악 재능을 발휘했습니다. 1894년, 작곡을 배우기 위해 18세에 이웃 나라 폴란드의 바르샤바 음악원에 진학. 1901년까지 동지에서 연루를 쌓아 대표적인 교향시《숲속에서》를 비롯한 음악 작품을 다룬다. 그 후, 독일의 라이프치히 왕립 음악원에서의 배움을 거쳐, 오랜 꿈이었던 회화의 길을 본격적으로 뜻하게 되는 것은, 1902년경이 된 이후였습니다.

《숲의 속삭임》1904년

초기의 회화 작품에는 상징주의적인 표현이 강하게 나타났다고 합니다만, 유감스럽게도 그 대부분은 손실되고 있습니다. 신설된 바르샤바 미술학교에 제1기생으로 입학한 1904년에 그려진 《숲의 속삭임》 (1904)은 현존하는 귀중한 작례입니다.

화면에서는 신비로운 어두운 숲에 늘어선 목립 앞에 안개처럼 흐릿한 손이 떠오르고 있습니다. 전년에 제작된 동일 모티프의 그림엽서와 비교하면, 목립의 형태에 하프의 현이, 숲의 부드러운 소란에 하프를 튕기는 음색이 겹쳐져 있는 것을, 보다 명확하게 읽을 수 있을 것입니다. 본작에는 이미 툴류니스의 회화를 특징짓는 음악적 감성이 짙게 반영되어 있습니다.

제1장 「자연의 리듬」에서는, 추류니스가 그린 자연의 표현을 추적하고 있습니다.

전시 풍경, 오른쪽은《산》1906년
《정원(분수)》 1905/06년

바르샤바에 거점을 두면서도, 추류니스에게 조국의 풍요로운 자연은 창조의 근원이었습니다. 그러나 그 회화에 사실적인 풍경 묘사는 적었고, 주로 관심이 향하고 있던 것은 자연의 동적 이동이었다고 합니다. 자연의 내부로 흐르는 리듬이나 생명의 순환 프로세스 그 자체를 추상적으로, 때로는 의인적으로 파악해, 거기에 발정성이나 상징성을 불어 넣어 갔습니다.

왼쪽부터《섬광Ⅰ[3점의 연작에서]》《섬광Ⅱ[3점의 연작에서]》《섬광Ⅲ[3점의 연작에서]》1906년

그러한 관심은 사계절의 순회 등 자연을 주제로 하는 연작의 형태로 결실합니다. 3점으로 이루어지는 최초기의 연작 《섬광》 (1906)에서는, 밤이 깊어지는 가운데, 회색의 연기로부터 태어난 빛의 무리가 줄을 이어 이동해, 이윽고 바람에 이끌리도록(듯이) 푸른 문의 앞으로 도착하는, 환상적인 이미지가 전개됩니다.

섬광의 정체에 대해서, 보기에는 반딧불의 발광과 같은 자연 현상을 연상합니다. 그러나 툴류니스에게 있어서 “문”은 중요한 모티프이며, 현실과 환상, 가시와 불가시의 경계를 나타내는 존재, 혹은 정신적 차원으로의 입구와 영혼의 통과점을 상징하는 것입니다. 이러한 점을 감안하면 정신이나 영혼과 같은 근원적인 무언가가 문을 통해 변용을 이루는 과정을 시사하는 것으로 해석할 수도 있습니다.

전시 풍경, 오른쪽은《겨울Ⅰ[8점의 연작보다]》1907년
또한 주변 화가의 대부분이 겨울의 조용하고 멜랑콜릭한 측면에 주목한 반면, 추려니스는 거기에 내재하는 힘을 다이나미즘과 함께 가시화하려고 시도했습니다. 8점으로 이루어진 연작 《겨울》 (1907)에서는, 생명의 상징인 수목을 일관된 주제에 자리잡고, 겨울의 자연의 여러 가운데에서 다양한 모습으로 변주하고 있습니다.

《겨울Ⅳ[8점의 연작보다]》1907년
《겨울Ⅷ[8점의 연작보다]》1907년
설원에 서 있는 수목을 견고한 얼음덩어리에 가두면서 어떤 때는 삶과 죽음, 희망과 절망이라는 대조적인 관념을 제시하는 것으로, 또 어떤 때에는 하나님의 계시를 암시하는 촛대의 메타파로 나타내고 있습니다. 이윽고 눈이 녹는 것이 생명의 숨결을 전하는 가운데, 나무나 눈송이 같은 모든 모티프를 기하학적 별이나 구형의 집적으로 환원하는 것으로, 겨울에 내재하는 강인한 에너지 그 자체를 나타내는 것 같은 형태로 연작을 마무리하고 있습니다.

제2장 「교향하는 회화」에서는, 드디어 툴류니스가 시도한, 회화와 음악의 융합이라는 테마를 다루고 있습니다.

툴류니스가 이 주제에 집중적이고 체계적으로 노력한 것은 1907년부터 1909년에 걸친 것입니다. 당시 유럽에서는 보드 레일, 바그너, 니체 등의 사상을 배경으로 화가들 사이에서 회화와 음악의 융합을 시도하는 움직임이 퍼졌습니다. 그러나 많은 화가들이 색채에 의한 공감각적인 음악 표현에 관심을 보였는데 반해, 추려니스는 작곡가 특유의 관점에서 음악의 구조 그 자체를 회화에 응용한 것입니다. 이 점이야말로 모던 아트의 역사에서 툴류니스가 특이한 위치를 차지하는 이유가 있다고 할 수 있습니다.

왼쪽에서 《프리류드[2연화 “프릴류드, 푸가”보다]》《푸가[2연화 “프릴류드, 푸가”보다]》1908년
2연화의 「프리류드, 푸가」 (1908)에서는, 폴리포니(다성음 음악)의 한 형식이며, 주제를 복수의 성부(파트)가 모방하면서 쫓는 푸가에의 도입으로서, 프리류드를 두고 있습니다.

「프릴류드」에서는 화면 중앙에 떠 있는 황금의 배에 눈이 끌립니다만, 주목해야 할 것은, 화면 우측 하단에 그려진 목을 늘어져 앉아 있는 사람이나, 위쪽을 가리키는 손, 탑을 연상시키는 실루엣이 「푸가」의 화면 하부로 연속하고 있는 점입니다.

이어지는 「푸가」에서는, 그 모티프에 더해 전나무가 주제로서 등장합니다. 온화한 호반의 풍경일까 하고 생각하고, 잘 관찰하면, 전나무 나무의 상과 수면의 반영상이 대응하고 있지 않습니다. 여기에서는 푸가의 구조에 따라 각 모티프를 모양이나 색채의 미묘한 변주를 수반하면서 반복해, 크고, 작고, 드문드문으로 하는 것으로 음악성을 환기하고 있습니다.

본작과 같이, 툴류니스는 전통적인 원근법에 근거한 재현적 공간을 포기하고, 수평으로 분절한 복수의 층에 의해 화면을 구성해 갔습니다. 그리고, 복수의 독립한 선율을 조화시키면서 동시 진행시키는 대위법(푸가등의 작곡 기법)과 동시에, 각각의 층을 공명시키는 것으로, 확실히 폴리포니가 만들어내는 울림의 인상을 시각적으로 표현하는데 성공한 것입니다.

왼쪽에서《제3소나타(뱀의 소나타):알레그로》《제3소나타(뱀의 소나타):안단테》《제3소나타(뱀의 소나타):스켈조》《제3소나타(뱀의 소나타):피날레》 1908년

또한 추려니스는 음악의 쏘나타 형식을 그림에 도입해 보다 장대한 구성을 가진 연작을 평생 7점 제작했습니다. 본전에서는 그 중 3점, 《제3소나타(뱀의 소나타)》《제5소나타(바다의 소나타)》《제6소나타(별의 소나타)》 (모두 1908)를 소개. 연작의 각 장에는 템포를 지시하는 타이틀이 붙어 있어,《제5소나타(바다의 소나타)》는 「알레그로」「안단테」「피날레」의 3장 구성입니다.

왼쪽부터《제5소나타(바다의 소나타):알레그로》《제5소나타(바다의 소나타):안단테》《제5소나타(바다의 소나타):피날레》1908년

규칙적인 수평층으로 구성된 「알레그로」에서는, 바다가 음표가 튀는 악보처럼 포착되어 있어, 해안에 퍼지는 파도나 거품, 황금색에 빛나는 알갱이가 경쾌한 리듬을 낳고 있습니다. 계속되는 「안단테」에서는, 파도의 움직임이 느긋한 것으로 변화. 조용한 분위기 속에서 시선은 리투아니아 신화의 이미지가 겹치는 해저의 왕국으로 가라앉습니다. 그리고 「피날레」에서는, 일어나는 대파의 고양하는 리듬과 함께, 거품이나 범선이라고 하는 모티프가 집약되어, 극적인 종막을 맞이합니다.

본작은 툴류니스가 약혼자 소피야와 발트해를 향한 보양지에서 한여름의 바캉스를 보내는 사이에 구상·제작된 것으로, 그 축제감은 사적인 행복감의 발로라는 견해도 있습니다. 덧붙여 「피날레」의 큰 파도의 그림에 대해서는, 카츠시카 호쿠사이의《후야삼십육경 가나가와 오키나미리》의 영향이 지적되고 있습니다. (※동작은 동시 개최되고 있는 「호쿠사이 토미야 36경 이노우치 컬렉션에서」에 전시중입니다)

《피아노를 위한 교향시 ‘바다’의 악보 초고》 1903년

바다는 영원이나 생명의 순환의 이미지와 연결되는 것과 동시에, 파의 반복이 음악적 리듬을 구현하기 때문에, 툴류니스의 감성과 깊게 공명하는 모티프이며, 교향시나 산문시에서도 주제로 취급되었습니다. 본 장의 전시실에서는, 피아노를 위한 교향시《바다》가 BGM이 되고 있는 것 외에《바다》의 악보 초고도 전시되고 있습니다. 툴류니스가 어떻게 자연의 기색에 대해 귀를 맑게 하고, 그 선율을 작품에 “채보”했는지를 보다 다면적으로 탐구할 수 있을 것입니다.

제3장 ‘리투아니아에 바치는 판타지’에서는 리투아니아의 민족성에 초점을 맞추면서 툴류니스의 원숙기 작품을 소개합니다.

1904년부터 1905년의 러일전쟁에서의 러시아 패전과 러시아 제일혁명을 받아 리투아니아에서 민족해방운동이 급속히 활발해졌습니다. 툴류니스는 또한 이 나라의 예술계를 견인하는 지도자의 한 사람으로서 운동에 몸을 던지고, 리투아니아 문화의 정신적 매니페스트로서의 에세이집이나, 리투아니아 민요집을 위한 삽화 등을 다루고 있습니다. 그 근본에는 지방에 숨쉬는 민화와 민요, 공예 등 민족문화의 재평가가 잃어버린 국민·국가의 정체성 형성과 리투아니아적인 예술양식 구축에 필수적이라는 생각이 있었습니다.

소피아 키만타이테 = 슌룽니에네 저《『리투아니아에서』(1910년 출판)를 위한 표지 디자인》 1909년

한편, 민족문화는 툴류니스 자신의 창작에서도 좋은 착상원이 되었습니다. 예를 들어 《리투아니아의 묘지》 (1909)에 등장하는 십자가는 민족의 독립에 대한 소원이 담긴 동국을 대표하는 모티프의 하나입니다.

《리투아니아의 묘지》 1909년

본작에서는, 템페라화 같은 투명감이 있는 청록을 기조로 하는 하늘에, 영혼의 도표인 호쿠토 칠성이 빛나고, 지상에서는 십자가의 실루엣이 리드미컬하게 배치되어 있습니다. 이 십자가는 리투아니아의 자연 숭배와 조령 신앙의 전통과 14세기에 국교로 도입된 기독교의 상징이 융합되어 태어난 것으로, 동식물과 천체의 장식적 의장이 풍부하게 베풀어진 독창적인 것이었습니다.

점차 십자가 자체가 민간 신앙화하고, 죽은 자의 조롱뿐만 아니라, 여행의 안전과 풍작 기원과 같은 광의의 기도와 기념의 수단으로서 묘지와 길가, 농가의 부지내 등 모든 장소에 세워졌다고 합니다. 그러므로 러시아 제국의 동화 정책 하에서 탄압의 대상이 되었습니다.

《프렐류드(기사의 프리류드)》 1909년

보다 고조하게 민족 부흥을 노리고 있는 것은 《프렐류드(기사의 프리류드)》 (1909)입니다. 드물게 특정 경관을 나타내지 않는 툴류니스가 리투아니아의 수도 빌뉴스를 상기시키는 에센스를 흩어진 도시. 그 상공을 용감하게 달리는 투명한 기사(비티스)는 14세기부터 18세기 말까지 리투아니아 대공국의 국장으로서 사랑받은 국가의 독립과 영광의 상징입니다.

왼쪽부터《동화Ⅰ[삼연화「동화」보다]》《동화Ⅱ[삼연화「동화」보다]》《동화Ⅲ[삼연화「동화」보다]」1907년

또, 츄류니스는 1907년 이후, 민화나 신화, 보편적인 이야기 구조를 자신의 비전과 융합시킨 원형적 이미지를 전개하는, 「동화」라고 하는 독자적인 회화 장르를 확립했습니다.

마법의 세계, 왕이나 공주, 기사, 여행, 길 등의 모티프는, 이 장르의 전형적인 구성 요소이며, 《동화(왕들의 동화)》 (1909)는 왕을 주제로 한 작품입니다. 밤에 싸인 숲을 무대로 리투아니아의 아름다운 자연과 농촌 풍경이 담긴 빛나는 돔을 바라보는 두 왕. 그들은 세계의 이원성을 구현하는 동시에 작은 리투아니아를 세계 밖에서 지켜보는 수호자이기도 합니다.

《동화(왕들의 동화)》 1909년

‘왕’은 툴류니스의 화업 초기부터 일관되게 중요한 주제 중 하나였습니다. 그 세계를 관장하는 초월적 존재로서의 이미지는, 본전 에필로그에서 등장하는 대작《렉스(왕)》에서 결정적인 것이 됩니다.

한편, 툴류니스는 신지학이나 천문학 등 당시의 국제적인 사상 조류에 접해 인간의 정신 세계와 우주의 신비에 대한 사색을 깊게 해 갔습니다.

《제단》1909년

일본 최초 공개가 되는 《제단》 (1909)은, 조감시점의 독특한 공간 표현에, 우주적인 비전의 감각이 가득한 츄류니스의 대표작입니다. 계단 모양의 거대한 제단의 측면에 그려져있는 것은 기사와 천사 등 모두 츄류니스에게 상징성을 갖춘 모티프. 그들이 복잡하게 얽혀, 하단에서 상단을 향해 장대한 서사시의 양상을 나타내고 있습니다. 동시에 계단이라는 모티프 자체도 높이로 상승하는 인간 정신의 여러 단계를 상징하고 있으며, 그 층수는 우주와 인간의 구조를 7개의 단계로 나누는 신지학의 이론에 대응하는 것으로 생각되고 있습니다.

《렉스(왕)》1909년

에필로그에서 전람회를 마무리하는 것은, 툴류니스의 사상과 조형적 탐구를 가장 포괄적으로 나타내는 대표작이며, 자신 최대의 회화 작품이기도 한 《렉스(왕)》 (1909)입니다. 모노크롬의 아름다운 명암으로 물들인 화면에, 세계를 구성하는 불·물·대지·대기의 4대 원소를 응축. 장대한 교향시를 연상시키는 다원적 구조 아래, 별이나 천사, 나무 등의 모티프가 무수히 반복되는 가운데, 이중으로 겹친 반투명의 왕이 우주를 수직으로 관통하도록 지구 위에 자리잡고 있습니다.

아직 수수께끼가 많은 본작에서, 툴류니스는 리투아니아 토착의 자연 숭배나 힌두교, 이집트 신화, 신지학, 천문학, 자연 과학 등, 지금까지 흡수한 다방면에 걸친 사상을 하나의 조형 체계로서 통합해, 기독교적인 신과는 다른 새로운. 두 왕은 이원론적인 원리를 보여주는 동시에 단순한 세계의 지배자가 아니라 자연과 우주와 일체가 된 범신론적인 존재로 그려져 있습니다.

본작은, 화가로서 한층 더 비약을 요구한 툴류니스가, 상트페테르부르크에 활동의 장을 펼친 시기에 그려진 것이며, 그 논의대로 러시아 예술계의 중진 알렉산드르·베누아로부터 높이 평가되었습니다. 그러나 툴류니스가 그것을 알지 못하고 가혹한 제작 활동과 정신적 긴장으로 점차 심신을 앓고 있습니다. 그리고 1911년 4월 10일, 폐렴에 의해 35세의 젊음으로 그 생애를 닫았습니다.


음악과 회화, 리투아니아 민족의 정체성, 그리고 인간의 정신 세계와 우주의 신비를 둘러싼 사색을 환상적으로 그려낸 유일무이의 예술가 툴류니스. 2000년 이후, 유럽 각지에서 전람회가 개최되는 등, 재평가의 기운이 높아지는 그 독창적인 세계를, 꼭 회장에서 즐겨 주세요.

「출류니스전 내 별도」개요

회장 국립 서양 미술관 기획 전시실 B2F(도쿄도 다이토구 우에노 공원 7-7)
회기 2026년 3월 28일[토]~6월 14일[일]
휴관일 월요일, 5월 7일[목](단, 5월 4일[월·축]은 개관)
개관 시간 9:30 ~ 17:30(금·토요일은 20:00까지) ※입관은 폐관 30분 전까지
관람료(부가세 포함) 일반 2,200엔, 대학생 1,300엔, 고등학생 1,000엔, 중학생 이하 무료

※관람 당일에 한해 「호쿠사이 토미야 36경 이내 컬렉션에서」라고 상설전을 공통의 티켓으로 보실 수 있습니다.

※티켓은 이틱스 , 혹은 국립 서양 미술관 티켓 창구에서 구입할 수 있습니다.

주최 국립 서양 미술관, 요미우리 신문사, 국립 MK 툴류니스 미술관
전시회 공식 사이트 https://2026ciurlionis.nmwa.go.jp/

※기사의 내용은 취재 시점의 것입니다. 최신 정보는 전람회 공식 사이트 등에서 확인해 주십시오.


기타 보고서 보기

「초위험 생물전 과학에서 도전하는 생물의 진심」(국립 과학 박물관) 리포트. 압도적 파워나 맹독 등 위험생물들의 ‘필살기’에 초점을 맞춘 지적 호기심을 간질리는 전람회

국립과학박물관
전시 풍경

동물이나 공룡, 신화 생물 등의 힘을 대전 형식으로 소개·고찰하는, 소위 「배틀 도감」이 최근 높은 인기를 모으고 있습니다. 「세계 최강의 동물은?」 「아프리카 코끼리입니다」 「아니, 어쩐지 말해 하마가 강하다」——그런 논의는, 호기심 왕성한 아이는 물론, 어른도 무심코 백열하는 즐거운 화제의 하나입니다.

강력한 파워, 날카로운 송곳니, 맹독, 전격. 인간이 검을 칠 수 없는 위험 생물들의 놀라운 능력. 그것은, 먹이를 사냥하기 위해, 몸을 지키기 위해 진화 속에서 익혀 온 “필살기” 라고도 부를 수 있는 능력입니다.

그런 필살기에 초점을 맞추고, 위험 생물의 놀라운 생태로부터 친밀한 생물이 숨기는 위험성까지를 과학의 시점으로부터 풀어내는 특별전 「초위험 생물전 과학으로 도전하는 생물의 진심」 이, 도쿄·우에노의 국립 과학 박물관에서 개최중입니다. 「최강」을 둘러싼 논의에도 새로운 시점을 부여해 줄지도 모릅니다. (회기는 2026년 6월 14일까지)

회장 입구
전시 풍경
전시 풍경

회장의 디자인 컨셉은 “위험 생물의 경이적인 능력을 탐구하는 금단의 연구소(랩)”입니다. 기존의 분류군이 아니라, 필살기를 기준으로 위험 생물을 8 타입(형)으로 분류. 귀중한 표본, 정교한 CG, 배움으로 이어지는 모형, 박력 만점의 자료 영상 등, 다각적인 수법을 구사해 소개하고 있습니다.

■전시 구성
에리어 A 「육탄 공격계 위험 생물」
실험실 1. 파워 파이터 타입
실험실 2. 킬러바이트형
실험실 3. 무장형
실험실 4. 대군형

에리어 B 「특수 공격계 위험 생물」
실험실 5. 맹독형
실험실 6. 화학 공격형
실험실 7. 전격형
실험실 8. 흡혈형

KEEP OUT 테이프가 둘러싸여 언더 그라운드 분위기가 감도는 위험 생물 연구소.

기본적으로 생물 1종에 대해 필살기 1종을 소개하고 있으며, 각각의 기명은 각 분야의 담당 학예원이 본전을 위해 명명했다고 한다. 무심코 입에 내고 싶어지는 멋진 기술부터 다자레 같은 것, 직구 너무 많은 것까지 담당자의 개성이 빛납니다.

오오아리퀴이의 필살기는 「죽음의 포옹」이라고 매우 시적.

또, 국내외에서 일어난 위험 생물에 의한 실제의 사건을 신문풍에 거론한 「애니멀 신문 초위험 생물 사건부」의 전시나, 타입별로 설정된 카드 게임풍의 아이콘 등, 아이 마음을 간질이는 디테일의 응집 방법에도 주목입니다.

동물 신문 전시

「파워 파이터형」의 전시는, 특히 박력 만점. 아프리카 코끼리를 필두로, 오오아나콘다나 히키도리 등, 소세공을 필요로 하지 않는 압도적인 체격이나 파워가 위협이 되는 생물이 등장합니다.

「파워 파이터형」아프리카 코끼리의 전신 골격 표본(타마 동물 공원에서 사육된 「타마오」의 것)/국립 과학 박물관 창고

예를 들어, 아프리카 코끼리는 코를 휘두르는 단순한 필살기 “노즈 파워 폭탄”으로 큰 타격을줍니다. 그 요점이 되는 코는 길이 2m, 중량 150kg에 달해, 뼈가 없고, 모두 근육으로 구성되어 있는 것이 특징. 인간의 전신분의 수에 상당하는 9만개 정도의 근섬유의 무리가 모여 복잡한 신축을 가능하게 하고 있습니다. 또한, 내부의 체액량을 변화시켜 압력을 조정하는, 이른바 유압과 같은 구조에 의해 경도나 형태도 자유자재로 바꿀 수 있다고 한다. 그 때문에, 단순한 파워만이 아닌, 닭의 계란을 집어넣을 정도의 기용성도 가지고 있습니다.

3D 홀로그램을 사용하여 무서운 힘을 낳는 아프리카 코끼리의 코의 비밀에 다가가고 있습니다.
「파워 파이터형」미나미 코끼리 물개 박제/국립 과학 박물관 창고

계속되는 전시에서는, 아프리카 코끼리에 당겨지지 않는 거대한 미나미 코끼리 물개의 박제가 등장. 물개라고 들으면 여유롭게 누워 있는 둥근 형태의 치유계 동물이라는 이미지를 가지고 있는 분이 많을지도 모릅니다만, 미나미 코끼리 물개의 수컷은 체장 5m, 체중 3t의 위용을 자랑합니다.

상어나 범고래에 물려도, 그 치아를 10cm의 두꺼운 피하 지방층으로 막아 피부를 재생해 살아남는 케이스도 있다고 하고, 생존능력이 높다고 생각합니다. 여기에서는, 거리에 헤매어진 미나미 코끼리 물개가, 기뻐 미끄러지면서 필살기 「바디 프레스」로 차를 몰아내려고 하는 자료 영상을 상영하고 있어, 그 위협의 일단을 실감할 수 있을 것입니다.

「파워 파이터형」기린(목・박제)의 전시. 얌전한 이미지가 있는 기린도, 필살기 「네킹」으로 채찍처럼 목을 하게 해 강렬한 일격을 응시하는 모습은, 바로 파워 파이터.
「파워 파이터형」히쿠이도리의 박제/아손자시 새의 박물관 창고. 기네스 세계 기록에서 「세계 제일 위험한 새」로 되어 아이스 픽과 같은 날카롭고 긴 손톱이 벌리는 발기술 「스파이크 킥」은, 수박을 일격으로 분쇄합니다.
「킬러 바이트형」의 전시

또, 테마 「범고래 VS 호호지로상어 바다의 최강은 누구다」를 필두로, 회장 각처에 전개되고 있는 칼럼으로, 힘을 둘러싼 의제에 다양한 판단 재료를 제시해 주는 것도 본전의 매력 입니다.

예를 들어, 「씹는 것」을 자랑으로 하는 위험생물을 모은 「킬러바이트형」의 전시에서는, 생체내에서 가장 단단한 조직인 에나멜질로 덮인 치아의 구조 외, 씹는 힘=「교합력(고합류)」에 대해서 해설하고 있습니다.

체형에 좌우되지 않는 상대적인 교합력을 비교하기 위해서 사용되는 「교합력 지수(BFQ)」를 식육류로 비교하면, 라이온(123)이나 부티하이에나(99.6)를, 체중 100g 정도의 소형종인 족제비과의 이이즈나(164)가 크게 상회. 게다가, 육식류이면서 식물식인 자이언트 팬더(151)도 상위에 위치하고 있어 작기 때문에, 혹은 초식이라고 해서 만만치 않은 것을 알 수 있습니다.

‘킬러바이트형’ 이이즈나, 올빼미 고양이의 전시

덧붙여 족제비과는 매우 사나운 헌터 모임으로, 이이즈나나 쿠즈리 등, 자신보다 큰 먹이를 날카로운 송곳니로 잡는 것으로 알려져 있습니다. 특히, 아프리카 대륙에 분포하는 족제비과 최대급의 종·라텔은, 자신의 10배 이상의 체중을 가지는 사자에게도 겁먹지 않고 맞서면 좋다, 그 강렬한 투쟁심에는 눈을 바라보는 것이 있습니다.

「킬러바이트형」쿠즈리나 라텔 등 족제비과의 전시

그런 라텔의 필살기(능력)로서 소개되고 있는 것은, 씹는 것이 아니라 「철벽 바디 & 안티 포이즌」. 두껍고 유연한 피부로 동물의 씹기와 야마아라시의 바늘, 벌의 찌르기 등의 데미지를 받기 어려울 뿐만 아니라, 코브라 등의 독 뱀의 일격에도 내성이 있기 때문에 놀라움입니다. 공격력, 방어력, 생존 능력 모두 높은 수준의 밸런스형 파이터라고 해도 좋을 것입니다.

또, 「킬러바이트형」의 전시에서는, 세계 최대급 6m 이상의 이리에 악어, 통칭<로론>의 실치수대 레플리카가 일본 최초 공개되고 있습니다 .

「킬러바이트형」로론(이리에 악어)의 실치수 큰 레플리카/원 표본은 필리핀 국립 자연사 박물관 창고

많은 인신사고가 보고되어 때때로 「인식 악어」라고도 불리는 이리에 악어. 그 중에서도 <로론>은 포획된 개체로서 전체 길이 6.17m, 체중 1,075kg이라는 경이적인 수치를 기록하고, 「사육하의 세계 최대의 악어」로서 기네스 세계 기록에 인정되고 있습니다. 그 개체 데이터를 현지 필리핀에서 스캔하여 실제 크기로 충실하게 재현한 복제본이 회장에 등장. 100명이 걸려 바다에서 끌어올렸다는 에피소드도 납득의 박력입니다. 또, 먹이에 붙어, 자신의 거체를 수중에서 회전시켜 먹이를 나사 끊는 「데스롤」의 영상 해설도 볼거리가 되고 있습니다.

「무장형」의 전시. 소과 사슴과의 세련된 참새가 늘어서 있는 모습이 장관입니다.
「무장형」오오노코길리에이의 전시. 사냥 때 눈에 띄지 않는 속도로 휘두르는 이상한 “대 톱”은 임팩트 대.

메뚜기나 피라니아 등, 집단에서 위협이 되는 「대군형」의 전시로 놓칠 수 없는 것은 서슬라이어리의 코너입니다.

동남아시아에서 아프리카에 걸쳐 서식하고 수천만 마리의 무리로 주위의 먹이를 다 먹고는 이동하는 생태로 알려진 사슬라이어리. 작은 도마뱀이나 메뚜기에 머무르지 않고, 새끼 염소나, 심지어는 병으로 움직일 수 없는 노인이 습격당해 죽은 예도 보고되고 있다고 하고, 그 압도적인 포식력은 상상하는 것만으로도 등근이 추워질 정도입니다.

「대군형」서슬라이어리의 전시

무리의 중심에 있는 여왕 개미는, 지금까지 국내외의 연구자가 오랫동안 조사를 계속해도, 모습을 확인하는 것 자체가 지극히 어려운 환상의 존재로 여겨져 왔습니다. 그러나 본전 감수자 중 한 명인 규슈대학 종합연구박물관 부교수인 마루야마 무사토리씨와 곤충탐험가·사진가인 시마다 타쿠씨가 케냐 공화국에서 조사를 실시. TBS의 프로그램 「크레이지 저니」의 취재중에 여왕 개미와 조우·촬영에 성공했다는 것. 회장에서는, 여왕 개미의 귀중한 표본의 하나를 일본 최초 전시하고 있습니다.

까다로운 필살기의 다양성에 두근거리는 것이, 후반의 에리어 B 「특수 공격계 위험 생물」입니다.

말벌이나 코도모오 도마뱀, 표범 몬다코 등 다양한 생물이 가지는 독을 해석하는 「맹독형」의 전시로부터 시작되어, 시마스칸크가 엉덩이로부터 분사하는 강렬한 냄새나 100℃의 고온 가스, 자폭 방위 등 기천열인 필살기가 늘어선 「화학 공격형」, 최대 850 볼트의 전압을 발생시키는 덴키 뱀장어 등의 발전 메카니즘을 찾는 「전격형」, 치즈 박쥐나 진드기 등 흡혈성 생물을 거론해, 감염증의 위험성에도 언급하는 「흡혈형」의 전시에 계속됩니다.

「맹독형」코드모오 도마뱀의 박제/국립과학박물관 창고

에리어 B는, 독거미나 보리 등 생리적인 혐오감을 기억하는 비주얼의 생물이 많이 등장하기 때문에, 서투른 분은 요주의. 문제가 없으면 꼭 그 모습의 세부까지 관찰해 보세요.

「맹독형」의 대표격인 전갈의 코너에서는, 중형으로 슬림한 몸에 전갈계에서도 굴지의 강력한 신경독을 가지는 데스 스토커(“죽음에 끌려오는 것”의 뜻)와 함께, 굉장한 외견에 반해 독성은 약해, 많은 경우 벌에 찔린 정도의 통증으로 끝난다고 된다. 전갈의 독성에 “가위가 작은 종일수록 독이 강하고, 반대로 가위가 큰 종일수록 독은 약하다”는 경향이 있다는 것이 재미 있고, “위험성의 높이는 외관에 의하지 않는다”는 사실을 알기 쉽게 보여줍니다.

‘맹독형’ 전갈 전시
「맹독형」히요켐시의 전시

겉보기 죽이는 생물이라고 하면, 「첫 대면의 인상만이라면 절지 동물계 굴지의 무서움을 자랑한다」라고 소개되고 있는 「맹독형」의 병아리가 상징적입니다. 거대한 가위 각도는 박력이 있지만 더 이상의 위협은 없습니다. 인간을 향해 돌진해 오는 것처럼 보이더라도, 실제로는 서투른 태양을 피할 수 있는 그림자를 요구하고 있을 뿐이며, 매우 소심자라는 것. 독도 독침도 갖추고 있지 않고, 왜 본전에서 다루어졌는지는 신기합니다만, 거기는 애교. 외형의 “위험 생물도”는 주역급입니다.

「맹독형」 가다랑어 에보시의 액침 표본/신에노시마 수족관 창고. 일본에서는 봄쯤에 출현. 바늘을 만진 몇 밀리 초 만에 바늘이 튀어 나와 경련과 날카로운 통증을 일으키는 독을 주입합니다.
「과학 공격형」히메콘도르의 박제/국립 과학 박물관 창고. 위에서 미소화물(소위 ‘게로’)을 토해내는 너무 싫은 공격을 합니다.

또, 「전격형」의 덴키 뱀장어, 덴키나마즈, 시빌레에이에 대해서는, 최신의 기술로 제작된 투명 표본이 이용되고 있는 점도 볼거리입니다.

투명 표본은 약물 처리 등으로 생물 표본을 투명하게 해부하지 않고 체내의 구조를 관찰하는 방법입니다. 종래의 처리에서는, 근육이나 내장을 강력한 약제로 녹여 있었기 때문에, 뼈 이외의 구조의 관찰이 곤란했습니다. 그러나 최근 몇 년 동안 강력한 약물을 사용하지 않고 표본에서 세포와 유전자를 관찰하는 투명화 기술이 차례로 개발되고 있습니다. 본전에서도, 그 하나인 CUBIC법을 개량한 수법이 이용되고 있어, 지금까지 가시화가 어려웠던 발전 기관의 구조를, 입체적으로 관찰할 수 있게 되었습니다.

「전격형」시빌레에이의 전시. 발전기관이 몸의 전반부 좌우에 잎 모양의 한 쌍으로 존재하고 있으며, 전류 공격으로 호호지로 상어조차도 격퇴한 예가 있다고 한다.
「흡혈형」체체파리의 전시. 흡혈에 의해 맹렬한 통증을 발생시킬 뿐만이 아니라, 매개하는 아프리카 수면병에 걸리면, 발열, 두통, 정신 혼란을 거쳐 혼수, 어느 쪽 사망에 이르거나…

그런데, 본전은 생물들의 필살기에 초점을 맞추고, 그 놀라운 생태로부터 친밀한 생물이 숨길 위험성까지를 과학의 관점에서 풀어내는 것을 목적으로 한 전람회입니다. 그러나 종합감수를 맡는 국립과학박물관 동물연구부의 가와다 신이치로 씨가 본전에 담은 코멘트를 읽으면, 기획 뒤에는 과학적 이해에 근거해 「바르게 두려워하는」 것의 중요성을 전하고 싶다는 생각이 있는 것 같습니다.

카와다 씨는 위험 생물의 불확실한 위험성을 부추기는 매스 미디어와 가짜 이미지와 동영상이 넘치는 인터넷으로 둘러싸인 현대 사회에 경종을 울립니다. 인간은 자신에게 없는 능력을 가진 자에 대해 공포뿐만 아니라 동경을 느끼고 잘 알고 모방하고 그것을 넘고 싶은 생물이며, 그 지식욕은 해부학부터 최첨단 생화학·유전학에 이르기까지 과학의 발전을 크게 추진해 왔습니다. 게다가 위험 생물의 능력은 “과학 지식의 보고”이며, 우리의 삶에 필요한 재료와 기술에 이용 가능한 것이 많이 있다고 강조합니다.

본전을 둘러보면, 「바로 두려워」하기 위한 지식이야말로, 보다 좋은 내일을 향한 인간의 생존 전략이라고 느껴질 것입니다.

카와시마 아키라 씨

앞서 행해진 보도 내람회에는, 본전 앰배서더·음성 가이드 네비게이터를 맡는 기린의 카와시마 아키라씨가 등단했습니다.

본전을 감상한 감상으로서, “세계적으로도 귀중한 자료가 많이 있어, 지역별로 연구실과 같은 세계관에서 전개해 나가기 때문에, 어트랙션과 같습니다.안쪽으로 진행됨에 따라 몰입감이 늘어나, 자신도 연구원의 일원이 된 것 같은 기분이 되었습니다”라고 코멘트. 특히 주목의 위험 생물은 기린이라고 말해, “초식 동물로, 눈을 보는 한 얌전하고 사랑스럽다고 생각했습니다만, 영상을 보면 네킹이라고 하는, 자신의 목으로 인간을 죽음에 이르게 할 정도의 위력으로 싸울 수 있다고 한다.

마지막으로 본전을 다음과 같이 PR했습니다.
“독이 약한 전갈일수록 가위가 크다는 전시가 있었습니다. 약한 놈만큼 허세를 치고 싸움을 팔아오는 그러한 인간에게 공통되는 부분을 공부할 수 있고, 전시를 보고 끝난 후에는 자신의 무 그릇은 무엇일까라고 재검토할 수 있습니다. 사람을 배려하는 마음이거나, 타인을 우선하는 상냥함이거나, 인간에게는 인간 밖에 없는 무기가 발견될지도 모릅니다.그런 멋진 발견을 할 수 있는 전람회라고 생각합니다」

특별전 「초위험 생물전 과학으로 도전하는 생물의 진심」의 개최는, 2026년 6월 14일까지가 되어 있습니다.

특별전 「초위험 생물전 과학으로 도전하는 생물의 진심」개요

회장 국립과학박물관
회기 2026년 3월 14일(토)~6월 14일(일)
개관 시간 9:00~17:00(입장은 16:30까지)
야간 개관 4월 25일(토)~5월 6일(수·휴)는 18시까지 개관(입장은 17시 30분까지)
휴관일 월요일, 5월 7일(목)
※단 4월 27일(월), 5월 4일(월·축), 6월 8일(월)은 개관
요금(세금 포함) 일반·대학생 2,300엔 초·중·고교생 600엔 (당일권)
주최 국립과학박물관, TBS, TBS 글로디아, 아사히신문사
문의 050-5541-8600(헬로 다이얼), 03-5814-9898(FAX)
전시회 공식 사이트 https://chokikenseibutsuten.jp/

※회기・개관 시간・휴관일 등은 변경되는 경우가 있습니다.
※최신의 정보와 다른 경우가 있으므로, 자세한 것은 전람회 공식 사이트에서 확인해 주세요.

 

기사 제공: 코코실 우에노


기타 보고서 보기

【우에노의 숲 미술관】영화 7년도(제5회) “숲 속의 전람회” 표창식 리포트. 출품수는 과거 최다의 325점, 독창적이고 자유로운 표현이 모인다

우에노의 숲 미술관

2017년 3월 6일(금)부터 3월 10일(화)까지의 5일간, 우에노의 숲 미술관에서 2017년(제5회) “숲 속의 전람회”가 개최되었습니다.

「숲속의 전람회」는, 다이토구와 우에노의 모리 미술관이 2017년부터 공동 개최하고 있는, 장애가 있는 분들에 의한 아트전입니다. 미술관에서 작품을 전시할 기회를 통해 문화예술에 종사하는 즐거움을 느끼게 하는 것을 목적으로 하고 있습니다.

회장 풍경
회장 풍경
회장 풍경
회장 풍경
회장 풍경

응모 대상은, 다이토구에 거주·재학·재근, 또는 구내의 장애인 시설이나 단체를 이용하고 있는 장애가 있는 분들이며, 수채화나 크레용화, 잘라 그림, 점토 등, 장르나 테마를 불문하고 자유로운 표현으로 제작할 수 있습니다(※). 5회째의 개최가 되는 이번에는, 과거 최다가 되는 325점의 작품이 전시되었습니다.

(※)…벽면에서의 전시가 가능한 평면 작품에 한정한다.

회장 풍경
회장 풍경
회장 풍경

3월 7일(토)에는 표창식이 행해져 특히 뛰어난 것으로 평가된 작품으로서 「다이토구 장상」(1점), 「우에노의 모리 미술관상」(1점), 「우수상」(3점), 「가작」(6점)의 각상이 수여되었습니다. 덧붙여 심사원은 무사시노 미술 대학 사카야마 유와 학장 , 서가로 타카토모 사 이사장의 츠바노 마사부씨, 우에노의 숲 미술관 학예원의 사카모토 아키미 씨, 준심사원은 금년도의 미술 워크숍 강사인 서가의 이토 키리카씨, 화가의 요시다 사토시.

핫토리 정부 다이토 구장

식의 시작 부분에서는, 핫토리 정부 다이토 구장이 수상자에게 축의를 나타내, “이번 수상을 계기로, 새로운 창작 활동에 힘쓰고 싶다”고 격려. 출전 작품은, 모두 풍부한 표현력과 독창성에 넘치고 있다고 소개해, 「작품에 담긴 생각이나 자유로운 발상으로부터 태어나는 아트의 매력을 느끼고, 장애인에 대한 이해를 깊게 할 기회가 되면」이라고 기대를 전했습니다.

우에노의 숲 미술관 미야우치 마사키 관장

계속해서, 우에노의 숲 미술관 미야우치 마사키 관장이 등단. 2022년부터 우에노의 모리 미술관이 다이토구와 제휴해 전람회를 개최하는 것과 동시에, 장애인 복지 시설에서의 미술 워크숍에도 임해 온 것을 설명해, 다이토구에 있어서의 미술 활동의 확산을 기뻐했습니다. 출전 작품에 대해서는 「그리는 것의 즐거움이나, 전하고 싶다는 기분이 넘치는, 각각이 둘 수 없는 표현」이라고 평가해, 「작품으로부터 태어나는 다양한 생각을 느끼실 수 있으면」이라고 말했습니다.

무사시노 미술 대학 사카야마 유와 학장

마지막으로 심사위원 대표로서 무사시노 미술대학 사카야마 유와 학장에 의한 강평이 행해졌습니다. 다채로운 표현이 모이는 본전이지만, 사카야마 씨는 금년도 특유의 경향으로, 「묵화나 책 등의 먹을 사용한 작품이 매우 많아, 좋은 작품이 모였다」라고 말해, 「오늘 다시 벽에 장식된 작품을 보고, 그 하나하나가 여러가지 목소리로 노래하고 있는 것처럼 느껴졌다」라고 되돌아 보았습니다.

게다가 미술(조형 표현)이 사람의 마음을 치는 이유에 대해, “생명감이 넘치고 있어 작품 그 자체가 우리에게 순수한 감각을 주기 때문이 아닐까”라고 말한 뒤, 출전 작품을 “모두 순수하고 부드러운 인상이 있다”고 칭찬. 혼미하는 시대에 “그림을 그리거나 표현하는 것은 다양한 어려움을 극복 할 가능성이있다”고 말하고 전시회의 추가 발전에 대한 기대와 관계자에 대한 경의를 나타냈다.

가족이나 방문객 앞에서 상장과 부상이 수여되었습니다.
왼쪽에서 핫토리 정부 다이토 구장, 다이토 구 장상을 수상한 나카지마 나오라 씨, 이시카와 요시히로 다이토 구 의회의장

다이토구 장상을 수상한 나카지마 나오라씨의 아크릴화《마에호 타카》는, 북 알프스·마에호 타카다케의 잔설이 엿보는 초여름의 모습을 그린 일작. 뚫고 깊은 푸른 하늘과 밝은 녹색 경사면의 대비가 인상적입니다. 필치를 굳이 남기는 뻗은 터치가, 역동적인 산용에 생생한 리듬을 주고 있습니다.

다이토구장상《마에호타카》나카지마 나오라

나카지마씨는, 「숲속의 전람회」의 제1회부터 출품하고 있다고 하는 단골 작가입니다. 그림을 그리기 시작한 것은 병으로 컨디션을 무너뜨린 이후. 그 중에서도 「그리고 마음이 진정된다」라는 산은 10년 이상에 걸쳐 임하고 있는 주제라고 합니다.

본작은, 컨디션을 무너뜨리기 이전, 나가노현을 흐르는 아즈사가와에 걸리는 가도바시로부터 마에호 다카다케를 올려본 추억을 바탕으로, 사진 자료 등을 참조하면서 약 반년에 걸쳐 제작했다고 한다. 「자신이 좋아하는 그림을 그릴 수 있습니다만, 이런 상을 받을 수 있는 것은 기쁜 일」이라고 수상을 기뻐해, 다음번은 군마현·요나나산에 있는 가라스 모자 바위의 경관에 도전해 보고 싶다고 의욕을 들여다 보았습니다.

우에노의 숲 미술관상《만화경의 집》알의 나라의 왕님의 화가

우에노의 숲 미술관상을 수상한 것은, 「알의 나라의 왕님의 화가」씨의《만화경의 집》. 선명한 원색의 스트라이프와 기하학적 구도가 공간의 깊이와 이야기성을 느끼게 해, 보는 사람을 색의 세계로 초대하는 활기찬 작품입니다.

원래 우에노에 있는 미술관이나 문화 시설 순회가 취미로, 우에노의 숲 미술관은 특히 좋아하는 장소였다고 한다. 그 때문에, 첫 출품으로 갑자기 상을 수상한 것에, 기쁨도 한때였다고 합니다.

「알의 나라의 왕님의 화가」라는 특징적인 아티스트명은, 공상상의 이야기에 등장하는, 어느 왕국의 왕이나 모티브를 그리는 화가, 라는 세계관을 나타낸 것. 왕이 보는 만화경에 나타난 꽃과 차, 동물 등을 지금까지도 50점 이상의 그림으로 표현해 왔다고 합니다. 그 중에서도 「집」은, 따뜻하고 안심할 수 있는 장소로서, 본인에게 있어 추억이 강한 모티프였기 때문에, 이번의 출품으로 연결되었습니다.

머리에 떠오른 경치와 반짝임을 충실히 재현하기 위해 제작은 언제나 스피디하고, 본작도 10분 정도로 완성했다고 해서 놀라움입니다. 다음 번은 「왕님의 휴일」을 테마로 제작 예정이라는 것. 앞으로의 ‘알의 나라’ 월드의 전개가 기다리고 있습니다.

우수상, 왼쪽에서 《서 승태지원상》 요코가와 승태, 《무제》음두유기
우수상《어떤 색이 멋지다? 》가와우라 요난코
가작, 좌상에서 《도라야키》 사이토 나가쓰코, 《건강한 거북》 후지타 우얀가, 좌하에서 《판화》 우치야마 류, 《아사히카와의 숲》 하츠마츠 료아키, 《꿈 고래》나루미
가작《모두의 MALAMA》 방과후 등 데이서비스 MALAMA

회장에서는, 출품 작가가 가족과 기쁘게 기념 촬영을 하고 있는 한편, 방문자가 작품에 더해진 작가 코멘트를 힌트에, 발상의 훌륭함이나 창의 궁리에 대해 열심히 말을 나누는 장면도 많이 볼 수 있었습니다. 일각에서는, 복지 작업소 등에서 제작된 오리지널 상품의 판매 「숲의 마르쉐」도 행해져, 시종에 활기차게 싸여 있던 것이 인상적입니다.

오른쪽은, 「숲속의 전람회」 광고지의 제목・숲의 일러스트를 담당한 다카하시 유지씨의 원화《숲속》

점점 고리가 퍼지는 「숲속의 전람회」. 수상 작품의 일부는 4월 상순까지 다이토구 관공서 1층 아트 갤러리에서 전시를 예정하고 있으므로, 꼭 발길을 옮겨 봐 주세요.

 

■영화 7년도(제5회) “숲 속의 전람회” 개요 회기:령화 8년 3월 6일(금)~3월 10일(화)
회장:우에노의 숲 미술관 입장료:무료 수상 작품 일람: https://www.culture.city.taito.lg.jp/ko/shogaisha_arts/morinonakanotenrankai/r07

■미술 워크숍의 모습을 공개하고 있습니다 <br />영화 7년 12월 5일 실시 미술 워크숍 영상
https://www.youtube.com/watch?v=cFAXP3nOTe8


기타 보고서 보기

【도쿄도 미술관】 “스웨덴 회화 북유럽의 빛, 일상의 가가야키” 취재 리포트. 스웨덴 화가들이 자국의 정체성을 보여준 황금기를 따

도쿄도 미술관
칼 라션《카드게임의 지도》1901년(연기)

최근 세계적으로 주목을 끄는, 스웨덴 미술 황금기의 회화를 본격적으로 소개하는 일본 최초의 전람회 “도쿄도 미술관 개관 100주년 기념 스웨덴 회화 북유럽의 빛, 일상의 가가야키”가 도쿄도 미술관에서 개최되고 있습니다. 회기는 2026년 1월 27일(화)부터 4월 12일(일)까지.

※게재 작품은 모두 스웨덴 국립 미술관 소장입니다.

「도쿄도 미술관 개관 100주년 기념 스웨덴 회화 북유럽의 빛, 일상의 가가야키」전시 풍경, 도쿄도 미술관, 2026년

암초가 이어지는 해안선. 장엄한 숲과 호수. 눈 덮인 가혹한 겨울 땅. 혹은, 여름지 축제로 대표되는 전통 문화나 웰비잉인 생활――. 오늘 우리가 생각하는 '스웨덴다움'이 이 나라 출신의 화가들에 의해 '재발견'된 것은 스웨덴 미술의 황금기라고 불리는 1880년대부터 1915년경에 걸친 것이었습니다. 본전은, 스웨덴 국립 미술관의 전면 협력하에, 스웨덴 미술의 황금기의 전개를 약 80점의 회화로 체계적으로 소개. 자연과 함께 풍부하게 사는 북유럽 특유의 감성에 육박하는 것입니다.

전시는 전 6장 구성. 제1장 「스웨덴 근대 회화의 새벽」은 스웨덴 독자적인 예술의 확립을 목표로, 북유럽의 신화나 민간 전승을 주제로 한 최초의 화가로 되는, 닐스 브로메르로부터 시작됩니다.

닐스 브로메르《초원의 요정들》1850년(연기)

스웨덴에서는 1735년에 다른 북유럽 국가에 앞서 왕립 소묘 아카데미(나중에 왕립 미술 아카데미로 개칭)가 창설되었습니다. 프랑스에 휩싸인 전통적인 미술교육이 진행되어 자국의 역사와 신화가 중요한 주제로 장려되고 있었지만, 19세기 중반경이 되면 프랑스와 독일에서 새로운 조류가 된 로망주의적 이념의 영향을 강하게 받게 됩니다. 특히 풍경화에서는 면밀한 자연관을 바탕으로 그 거친함과 숭고함을 드라마틱하게 그려내는 독일의 뒤셀도르프의 화가들의 작품이 모범으로 되어, 스웨덴을 비롯한 많은 북유럽의 화가들이 동경으로 동지로 향했습니다.

마르크스 라션 《거칠 수 있는 보휴스 레인의 바다》 1857년(연기)
에드버드 발리《여름의 풍경》1873년(연기)

이러한 동향은 1850년 스톡홀름에서 개최된 북유럽 미술 전시회와 관련이 있습니다. 이 전시회에는 뒤셀도르프에 배운 노르웨이인 화가들이 노르웨이 농민의 삶과 피요르드의 장엄한 경관을 그린 작품을 출품했습니다. 이들은 스웨덴인 화가들의 눈에 외국의 참신한 표현을 정리해 언제나 북유럽의 현실 세계에 깊게 뿌리 내린 예술로 비쳐, 자국에도 새로운 고유의 예술을 창조하고 싶다는 생각을 싹트게 했다.

1870년대 후반에 들어서자 아카데미 시대에 뒤떨어진 교육법에 불만을 품고 있던 스웨덴의 젊은 화가들은 새로운 표현과 가치관과 지도를 찾아 파리로 향했다. 당시의 파리에서는 기존의 예술의 가치관을 뒤집는 인상파 등의 새로운 표현이 꽃을 피우고 있었지만, 스웨덴인 화가의 대부분은 오히려 인간과 자연의 남아있는 모습을 찍으려고 하는 레어리즘과 자연주의적인 표현에 기울여 갑니다.

휴고 살름슨《낙호 따기의 소녀》1880년대 초

제2장 ‘파리를 목표로 프랑스 근대 회화와의 만남’에서 소개되는 휴고 살름슨(1843-1894)은 프랑스에서 연루를 쌓은 최초의 스웨데 인 화가이자 노동에 소중한 농민의 모습을 바라본 바르비종파와 줄 바스티안=루파주, 줄 브루턴 등의 레어리즘 회화를 좋아했습니다. 《낙호 따기의 소녀》를 보면, 그 영향이 주제뿐만 아니라, 즉흥적이고 거친 필견에 의한 자연 묘사에도 현저하게 나타나고 있는 것을 알 수 있습니다.

전시 풍경, 오른쪽은 안나 노드 그레인《차창의 여성》1877년(연기)
앤슈트 요셉슨《소년과 수레》1880년

또한 파리 체재 중에 외광파를 만져 밝고 밝은 색채와 빛으로 가득한 작풍을 획득한 화가 중 한 명에 앤슈트 요셉슨(1851-1906)이 있습니다. 1885년에는, 요셉슨 등을 중심으로 하는 젊은 예술가들이, 구태 여전히 왕립 미술 아카데미에 개혁을 요구하는 의견서를 제출. 결별의 길을 선택한 이들은 '오포넨테나(반역자들)'로 불리며 1890년대 이후 스웨덴 회화의 흐름을 선도해 나가게 됩니다.

제3장 「그레=쉬르=로완의 예술가촌」에서는, 야외 제작을 중시하게 된 북유럽의 예술가들에 의해, 프랑스 각지에서 제작의 콜로니(공동체)가 형성된 것을 소개. 1880년대, 스웨덴인 화가들이 거점의 하나로 한 것은 파리의 남동 70킬로미터에 위치한 작은 마을 그레=슈르=로완입니다. 그들은 여기에서 여름을 보내면서 농민들의 일상적인 영업과 로완 강변의 목가적인 정경 등을 포착했습니다.

칼·노드 슈툴름《그레=쉬르=로완》1885-1886년(연기)
브루노 릴리에 포쉬《카케스》1886년(연기)
오스칼 뷔르크《스케이인의 학교》1884년

스웨덴의 국민적 화가 칼 라션(1853-1919) 역시 무명이었던 시대에 동지로 이사하여 수채화와 만나 눈부신 빛에 넘치는 경쾌한 풍경화에 새로운 표현의 방향성을 발견하고 있습니다.

1880년대 말이 되자 프랑스에서 제작하고 있던 스웨덴 화가들의 대부분이 귀향하여 자국의 정체성을 보여주기 위해 스웨덴 같은 예술의 창조를 목표로 했습니다.

제4장 「일상의 가가야키―“스웨덴인것 같은” 생활 속에서」에서는, 엄격하고도 풍부한 자연이나 스스로의 가족, 마음이 놓을 수 없는 동료들, 혹은 일상에 숨어 있는 일순의 기쁨과 같은 「카가야키」에 모티프를 찾아내, 친밀하고 정서 넘치는 표현으로 그려내고 있습니다.

칼 라션《카드게임의 지도》1901년(연기)

그 중에서도 「스웨덴인것 같은 생활」의 이미지를 만들어낸 것은 라션입니다. 라션은 중부의 다라나 지방에 있는 시골마을 순도본에 세운 2층짜리 집 '릴라 히트니스'에 똑같이 화가였던 아내 칼린과 7명의 아이들과 살았습니다. 가족의 용도에 맞추어 반복 개축을 실시하고 있어, 당시 영국에서 유행한 아츠 앤 크래프트 운동에도 영향을 받으면서, 다양한 시대·양식의 가구를 잘 조합해, 칼린 스스로 디자인한 텍스타일이나 자수 등으로 실내를 장식. 열정으로 생활의 종합 예술인 이상적인 집을 만들어 갔습니다.

당시의 스웨덴 사회에서는, 장인의 수공예에 의한 「참으로 아름다운 것」에 둘러싸인, 질소이면서 쾌적한 주거 환경이 사람들의 미의식을 기르고, 보다 좋은 사회의 형성으로 이어진다는 생각이 퍼지고 있다고 합니다. 이러한 문화적 배경 아래에서, 라션은 자택의 실내 장식이나, 활기찬 느긋한 생활의 모습, 계절 행사 등을 담은 수채화집 「어느 거주지(Ett hem)」를 1899년에 발간. 이것이 「스웨덴다움」을 상징하는 이상적인 가정의 이미지로서 널리 알려지게 된 것입니다.

칼 라션《주방(『어느 거주지』에서)》 1894–1899년

덧붙여 24점의 수채화가 수록되고 있는 “어느 거주지”입니다만, 본전에서는 작품 보호를 위해, 원화 전시는 도쿄, 야마구치, 나고야의 각 회장에서 1점씩이 되고 있습니다. 대신, 특별 제작된 영상 컨텐츠에 의해서 한층 더 9점의 수채화를 소개. 대형 화면에서 "리라 히트 네스"로 가득한 따뜻한 분위기를 전하고 있습니다.

브루노 릴리에 포쉬《썰매놀이》1882년(연기)
한나 파울리《그랜드 피아노에서》1892년(연기)
전시 풍경, 왼쪽부터 엘사 백룬드=셀싱《커피 타임》1916년경, 에바 보니엘《가정부의 브리타=마리아 뱅크(애칭 무사)》1890년

라션의 친구이자 국제적으로 가장 빨리 성공한 스웨덴인 화가 중 한 명인 안데슈손(1860-1920)도 파리에서 돌아와 태어난 고향인 다라나 지방의 모라에 정착했습니다. 달라나 지방은 스웨덴 중에서도 특히 역사와 전통이 숨쉬는 땅이며, 쏜은 근대화의 그림자로 잃어버리고 있던, 다라나의 전통적인 음악이나 의상이라고 하는 민속 문화를 자주 주제로 하고 있습니다. 신속한 필치로, 거기에 흐르는 일순간의 빛이나 공기를 놓치지 않고 선명하게 파악한 작풍이 매력이며,《뜨개질을 하는 다라나의 소녀 콜=마르기트》는, 지금까지 스웨덴에서 가장 사랑받아, 반복 복제 이미지가 만들어진 작품으로 알려져 있습니다.

안데슈·송《편물을 하는 다라나의 소녀 콜=마르기트》1901년(연기)
안데슈·송《고향의 조사》1920년(연기)

한편, 스스로의 정신세계나 내셔널리즘에 연관된 북유럽신화, 민간전승의 시각화 등 현실을 넘은 보이지 않는 세계에 관심을 보인 화가들에게 초점을 맞추는 것이 제5장 「현실의 가나타에―보이지 않는 세계를 그린다」입니다.

아우구스트 마르무스투르무《잉게보리의 한탄(에사이아스 테그네르 『프리티오프 이야기』에서)》 1887년경

스웨덴의 동화집 '톰테와 트롤과 함께(Bland tomtar och troll)'의 삽화로 유명한 용 바웰(1882-1918)은 트롤과 숲의 요정이 등장하는 북유럽 민화를 주제로 한 환상적인 세계관에서 사랑받은 삽화가입니다. 억제된 색채로 그려진, 마치 의지를 가진 것 같은 희미한 숲의 표현, 소름 끼치는 속에 애수와 유머를 띤 트롤의 모습은, 신비성을 찬양해 자연에의 경외의 마음을 강하게 인상 줍니다.

용바웰《문을 연 러브몰》1913년 이후
칼 – 프레드릭 힐 "마차가있는 황무지의 풍경"1878 년

한가지 특이한 것은 19세기 스웨덴을 대표하는 극작가, 문필가의 아우구스트·스트린드 발리(1849-1912)입니다. 스트린드 발리가 독학으로 회화 제작에 몰두한 것은 평생 중 극히 한정된 기간이며, 그것은 희곡 창작의 부진이나 가정내의 불화, 오컬티즘이나 화학 실험에의 기울기 등 정신적으로 불안정했던 시기와 겹칩니다. 페인팅 나이프를 사용하여 제작 과정에서의 우연성과 무의식에서 떠오르는 이미지를 최대한 살리는 독창적인 표현으로, 자신의 심경까지도 보는 사람의 심리에 직접 호소하는 풍경을 만들어 냈습니다.

아우구스트·스트린드 발리《원더랜드》1894년(연기)

제6장 「자연과 함께 – 새로운 스웨덴 회화의 창조」는 본전의 하이라이트입니다. 한때는 「그려야 할 것이 없는 나라」로 여겨진 스웨덴이었지만, 1890년대 이후, 풍부한 숲이나 호수, 암초가 계속되는 해안선, 눈 덮인 겨울의 대지 등 스웨덴만의 자연이 화가들에 의해 다시 「발견」되어, 그들을 그리기에 걸맞은 표현 방법이 모색되었습니다

오로프 알보레리우스《베스트만랜드 지방, 엥겔스발리의 호반의 전망》1893년(연기)
고트 프리드 카르스테니우스 《군도의 일몰》 1907년

예를 들어, 구스타브 피에스타드(1868-1948)는 스웨덴 중서부 발름란드 지방의 라켄 호반에 정착해 평생을 통해 겨울의 정경을 그린 화가입니다. 《겨울의 달빛》은, 지면이나 침엽수를 덮는, 허벅지 둥글림을 띤 눈의 양감 넘치는 장식적 표현이 특징의 작품. 작은 점이나 선을 리드미컬하게 거듭해, 면으로서의 통일감을 갖게 하는 독자적인 점묘가 만들어내는 빛의 효과가, 일면의 은세계에 피에스타드인 것 같은 신비로운 조용한 분위기를 주고 있습니다.

구스타브 피에스타드《겨울의 달빛》1895년(연기)

특히 이 시기의 풍경화에서는, 화제나 기법의 탐구에 그치지 않고, 풍경을 통해서 감정이나 분위기를 표현하는 것이 중시되었습니다. 그 역할을 담당한 것은, 1880년대의 작품에 보여진 촛불과 빛나는 햇빛 대신에 등장한, 황혼시나 새벽의 옅고 섬세한 빛――여름의 밤이면, 오랜 시간 계속되는 밝은 빛이나 밤을 감싸는 푸른 빛이 서정을 접어, 스웨덴의 풍요로운 자연. 나중에 '내셔널 로망주의'라고 불리는 이러한 예술 조류에 의해, 다른 나라의 미술에는 볼 수 없는 스웨덴인것 같은 회화가 만들어져 갔습니다.

오트·헤셀봄《여름의 밤(습작)》1900년경

파리 체재 때부터 다양한 노동 환경에서 일하는 말에 강한 관심을 보였던 닐스 크루겔(1858-1930)은 스웨덴 귀국 후에도 고향 칼마르에 가까운 울란드섬에서 방목된 말과 소 등의 가축이 휴식하는 모습을 반복적으로 그렸습니다. 만년의 팬 고흐로부터 강한 영향을 받고 있으며, 황혼시의 공기와 빛을 정감 풍부하게 파악한《밤의 방문》에서도, 화면의 절반을 차지하는 푸른 빛이, 팬 고흐적인 짧은 스트로크의 묘선으로 표현되고 있습니다. 잘 관찰하면, 푸른 빛은 하늘을 채울 뿐만 아니라, 잔디를 먹는 말의 신체나 대지에도 쏟아지고 있어, 아무렇지도 않은 풍경에 장대하고 환상적인 분위기를 낳고 있습니다.

전시 풍경, 오른쪽은 닐스 크루겔《밤의 방문》1904년(연기)

덧붙여 본전의 음성 가이드(유료)에는, 동관 최초의 시도로서 스페셜 트랙에 「슬롤 킹」이 도입되고 있습니다. 스웨덴 국립 미술관의 교육 프로그램에서도 실천되고 있는 감상 프로그램이며, 한 작품을 차분히 관찰하고 질문을 거듭하는 과정을 통해 작품을 보다 깊게 맛볼 수 있으므로, 방문 시에는 꼭 잊지 않고 체크해 보세요.

「도쿄도 미술관 개관 100주년 기념 스웨덴 회화 북유럽의 빛, 일상의 가가야키」개요

회장 도쿄도 미술관
회기 2026년 1월 27일(화)-4월 12일(일)
개실 시간 9:30~17:30
※금요일은 20:00까지 ※입실은 폐실 30분 전까지
휴무일 월요일, 2월 24일(화)
※단 2월 23일(월·축)은 개실
관람료 일반 2,300엔, 대학·전문학교생 1,300엔, 65세 이상 1,600엔
※18세 이하, 고교생 이하 무료.
※1월 27일(화) – 2월 20일(금)까지의 평일에만 대학·전문학교생은 무료.
※신체장애인 수첩・사랑의 수첩・요육 수첩・정신장애인 보건 복지 수첩・피폭자 건강 수첩을 가지고 계신 분과 그 부속자(1명까지)는 무료.
※18세 이하, 고교생, 대학・전문학교생, 65세 이상인 분, 각종 수첩을 가지고 계신 분은, 모두 증명할 수 있는 것을 제시해 주세요.
주최 도쿄도 미술관(공익재단법인 도쿄도 역사문화재단), NHK, NHK 프로모션, 도쿄 신문
문의 050-5541-8600(헬로 다이얼)
전시회 공식 사이트 https://swedishpainting2026.jp
공식 X @swedish2026
공식 Instagram @swedish2026

※기사의 내용은 취재 시점의 것입니다. 최신 정보는 전람회 공식 사이트 등에서 확인해 주십시오.


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