【도쿄도 미술관】 “만드는 즐거움 살기 위한 DIY” 취재 리포트. 자신 나름의 DIY 정신을 키우는 계기에.

도쿄도 미술관

모두가 가진 창의성에 눈을 돌리고, 나름대로의 방법으로 「더 나은 삶」을 생각하는, DIY(Do It Yourself / 스스로 해 본다) 를 테마로 한 전람회 「만들기 즐겁게 살기 위한 DIY」 가 도쿄도 미술관에서 개최중입니다. 회기는 2025년 7월 24일(목)부터 10월 8일(수)까지.

출품 작가들이 강의를 실시한 보도 내람회의 모습을 리포트합니다.

■출품 작가(전시 순서/경칭 약어)：와카기 호두, 세오 나츠미, 노구치 켄고, 던힐&오브라이언, 쿠무라 타쿠, 이토 사토히로 설계 고작소, 스튜디오 안경 건축 설계 사무소

 

DIY란, 눈앞의 문제를 자신의 창의 궁리로 해결해 가는 어프로치입니다. 본전에서는, DIY를 보다 잘 살기 위한 방법인 동시에, 불편이나 곤란을 극복하기 위한 수단이라고 파악하면서, 그 과정에 있는 깨달음이나 달성감이라고 하는 「만들기 즐거움」에 주목. DIY의 수법이나 사고방식에 관심을 보이는 5조의 현대 작가와 2조의 건축가의 작품을 소개해, 자신 나름의 방법과 감각을 의지에 만드는 DIY의 본연의 자세나, 생활과 밀접하게 연결되는 아트의 존재에 대해 생각을 촉구하는 내용이 되고 있습니다.

회장은 전 4장 구성입니다. 제1장 「보는 것으로부터 시작되는 DIY」 에서는, DIY의 시작인 「보는」 것에 창조의 계기를 찾아내, 문방구나 부엌 용품, 빈 캔, 가구라고 하는 몸의 물건을 조각으로서 재이용하는 판화가· 와카기 쿠루미 씨(1985-)의 작품을 전시.

생옻나무의 튜브로 생선의 반짝임을 코끼리한 「튜브의 반짝임」시리즈 는, 장인들이 고가의 생옻칠을 끝까지 다 사용하기 위해서 튜브를 여는 모습으로부터 착상을 얻은 것. 튜브 특유의 질감이 요철이나 데리어를 표현하고 있어, “생선”에는 이상한 정취가 있습니다. 이러한 실험적인 행위에 의해, 흔한 일용품에 새로운 이미지나 의미를 시작하는 것과 동시에, 창조의 재미를 누구나가 친숙한 유머러스한 형태로 제시하고 있습니다.

천장까지 닿는 《타와만》 (2025)은, 와카키씨가 처음으로 혼자 생활을 시작하고 나서 20년 이상 계속 사용해 온 냉장고를 판으로 한 작품. 드디어 냉장고가 수명을 맞이하려고 한 타이밍에, 「판화로 하는 것으로, 스스로 숨의 뿌리를 멈추려고 결심해」, 본전에 이용했다고 말합니다.

아이디어의 출발점이 된 것은, 냉장고에 붙인 독일인 화가 파울·클레이의 전람회의 티켓이라고 하는 것. 티켓 자체도 작품 안에 도입하면서, 음악적인 감성에 의한 시정 풍부한 색채의 세계가 매력의 클레이 작품에 통하는, 큐비즘적인 타워 맨션을 출현시키고 있습니다.

 

제2장 「잃어버려, 시작해 가는 DIY」 에서는, 자연 재해나 경제적 곤란에 의해 많은 것을 잃은 사람들이, 새롭게 생활을 시작해 가는 일에 눈빛을 향하는, 세오 나츠미 씨와 노구치 켄고 씨의 작품을 다루고 있습니다.

도쿄 출신의 세오 나츠미씨(1988-)는 동일본 대지진 후 도호쿠로 이주하여 재해와 함께 사는 사람들의 말과 풍경의 변화를 기록하면서 다채로운 작품 제작을 하는 아티스트로 본전에서는 드로잉과 회화를 중심으로 공간을 구성.

서두에 전시된 《바람둥이》 (2011)은 지진 재해 당일의 밤에 그려진 것입니다만, 「기노와 같은 선이 된 것」이 힘들게 떨어지지 않았다고 한다. 거기에서 「진짜 현장에 가서 절실하게 그려야 할 것은 무엇인가」를, 지역의 사람들과 관계 가운데서 생각해 왔다고 말했습니다.

2015년, 이와테현 리쿠젠 타카다의 부흥에 걸리는 부피 인상 공사에 의해 새로운 지면이 만들어져 가는 과정에서, 익숙한 산이 깎아져, 마을 터가 매립되어 가는 모습을 눈에 띄고, 이야기의 필요성을 느꼈다고 하는 세오씨. 본 장에서는, 땅 아래에 있는 옛 거리의 사람들과 새로운 거리의 사람들이 연결되는, 2031년의 리쿠젠 타카다를 쓴 이야기 「이중의 거리」 에 관련되는 드로잉의 여러가지도 소개되어 있습니다.

이러한 「이중의 거리」의 이미지는, 노토반도 지진의 재해지를 비롯해, 재해를 경험한 다양한 장소를 여행할 때마다, 사람이나 토지와 갑작스럽게 연결되어, 서로의 경험이나 사고를 토론하는 대화의 시간을 낳고 있다고 한다. 돌이킬 수 없는 변화 속에서, 말할 수 없게 되어 가는 기억이나 마음의 거처를 만들어, 그것을 다른 누군가가 받아들여, 생활의 지지로 한다. 작은 공동체의 사람들이 잇는 영업의 가능성을 녹슬기에 붙어 있는 말과 함께 감상자에게 전하고 있습니다.

사진가 노구치 켄고씨(1984-)는, 강변이나 공원에서 독자적인 생활 공간을 구축하는 사람들을 찾아 걸어 촬영한 「암의 사람들」시리즈를 전시. 폐재나 블루시트 등의 브리콜라주 로 형성된 “암”에는, 경제적인 이유로 사는 사람도 있으면, 스스로 좋아하고 그 생활을 계속하는 사람도 있어, 그 의장이나 양상도 다종 다양합니다. 그러나 둘 다 다양한 창의력과 창조의 조각이 발견되어 똑바르고 절실한 ‘살기위한 DIY’의 정신과 그들의 참을성을 느끼게합니다.

10년에 걸친 취재 중, 몇번이나 같은 장소를 방문하고 있다고 하는 노구치씨. 전시 중에도 같은 구도로 한 남자와 “암”에 포커스하고, 그 변화를 기록한 시리즈가 존재합니다.

“다음에 방문하면 전혀 변하지 않았던 분, 반대로 늙어 왔다고 하는 분도 있으면, 같은 안에서도 소라게처럼 사람이 살아 바뀌고 있다는 일도 있습니다.혹은, DIY로 자신의 생활을 만들어 냈지만, 태풍으로 한순간에 날아가는 버려져 버리는 일도 있습니다.도시의 한 구석에서 그러한 사람의 영업이 행해지고 있습니다.

 

제3장 「DIY로 만드는, 형태와 관계」 에서는, 조각적인 어프로치를 베이스로, 시작한 「형태」로부터 사람이나 사회와의 새로운 「관계」가 태어나는 프로세스를 중시한 다양한 표현 활동을 전개하는, 던힐＆오브라이언 과 쿠무라 타쿠 씨를 소개.

런던을 거점으로 하는 던힐 & 오브라이언은 협동의 어려움과 가능성을 창조의 양식에 독자적인 장치를 만들거나 퍼포먼스나 타인과의 공동 작업을 도입하면서 작품을 만들어내는 아티스트 유닛입니다. 출전 작품은 모두 본전을 위해 준비된 신작. 도쿄도 미술관 소장의 야외 조각인, 「이로하 노래」를 소재로 한 모가미 유키의 《이로하니호헤토칠리누루와카요타 레소츠네······································································································································· 만남을 만나, 형태와 말의 관계성에 감명을 받은 것이 신작 프로젝트의 출발점이 되었다고 한다. (※동작은 무료로 감상 가능합니다)

거기에서 영국과 일본에서 예술가, 과학자, 음악가, 작가 등 다양한 배경을 가진 참가자를 모두 100명 이상 모아 야외 조각에 대해 묘사한 텍스트를 바탕으로 점토를 조형하는 워크숍을 실시. 원격적인 「대화」를 통한 점토 작품은 모두 데이터화되어 3D 프린트를 거쳐 회장에서 「모양의 도서관」 으로서 시작하고 있습니다.

또한 이러한 데이터를 매쉬업하여 집합체로서의 3D마켓(모형)을 작성. 19세기에 조각의 확대 복제에 이용된 판타그래프를 설치해, 3D마켓을 야외 조각과 거의 같은 크기까지 확대한 대형 인스톨레이션 《「이로하」를 감상하기 위한 수단과 장치──또 이로하》 (2025)가 완성되었습니다.

덧붙여 받침대에 보이는 부분은, 런던에 있는 던힐&오브라이언의 스튜디오를 원래 크기로 본뜬 것입니다. 이것을 두 사람은 받침대이고, 제작의 장소이며, 홈과 같은 공간으로서의 「실천을 위한 뗏목」이라고 표현. 전시에서는, 스튜디오형 「뗏목」 위에 판타그래프를 두고, 조각을 만들기 위한 복잡한 툴로서 기능시키고 있습니다.

다마미술대학 조각학과 출신인 쿠무라 타쿠씨(1977-)는 제도적인 틀을 오가며 옮기기 쉬운 미술의 가치를 묻는 아티스트입니다. 전시에는 이른바 조각 같은 조각이라는 것이 없습니다. 본인이 형용하는 곳의 「엄격한 체육회계인 곳이 있다」아카데믹한 조각으로부터, 어떻게 해서 거리를 취하는지를 모색한 결과, 심신에 부하를 가하지 않는 가벼움을 중시한 소재나, 미술의 주연에 위치하는 DIY적, 혹은 수예적인 기법을 채용하게 되었다고 합니다.

쿠무라씨가 주로 다루고 있는 것은, 받침대나 액자, 전시 공간이라고 하는 팔레르곤(작품을 성립시키기 위한 구조적인 요소)입니다.

예를 들어, 「입는 조각」 인《PLUS_Ralph Lauren_yellow striped shirts》(2025)는 랄프 로렌의 헌옷 을 소재로 한 작품. 가슴 팍의 로고 마크에 받침대를 자수해 조각으로 완성한 것입니다만, 그것만으로는 수예적인 영역을 나오지 않는다고 생각한 쿠무라씨는, 자수를 액장하는 것으로 회화적으로 연출. 게다가 회전대 위에 심봉을 만들어 셔츠를 태우는 것으로 토르소처럼 보이고, 폐재를 재이용한 계단 모양의 받침대를 설치한다는 4중의 레이어를 이용하는 것으로 아트성을 강조하고 있습니다.

폐교로부터 양도받은 허들이나 공사 현장에서 이용된 A형 바리케이드를 소재로 한 「One Point Structure」시리즈 는, 받침대 부분을 벤치풍으로 하는 것으로, 입장자가 조각과는 눈치채지 않고 앉아 버리는 듯한 구조가 되어 있습니다. 차분히 감상을 즐기고 싶은 반면, 앉아서 쉬는 장소가 적은 경향에 있는 미술관의 딜레마를 해소하는 수단이다.

바 카운터와 같은 스페이스 《직물 Bar at 도쿄도 미술관》 (2025)은, 미술관에 오랫동안 체류하기 위한 커뮤니케이션을 생성하는 장소로서 제작된 것. 여기에서는 매주 금요일, 바에서 술을 선택하도록 좋아하는 직사나 천을 주문해, 오리지날의 직물을 만드는 이벤트가 개최됩니다. (※요사전 예약)

직사는 수예사 메이커의 제공품이나 헌옷을 나눈 것 등 다양한. 그 중에는 도쿄도 미술관에서 과거에 개최된 전시회의 커튼이었던 것도 포함된다는 이야기가 있어, 그들이 경험해 온 기억에 생각을 느끼면서 자신의 손으로 짜는, 본전다운 풍부한 경험을 기대할 수 있을 것 같습니다.

 

제4장 「DIY 스테이션──스스로 해보자!」 는, 제3장까지에서 봐 온 DIY에 통하는 다양한 어프로치나 창의 궁리를 참조점으로 하면서, 방문자가 전시 내용을 반추해, 다시 DIY에 대해 생각하기 위한 플랫폼이 되고 있습니다.

공간 설계는 이토 사토히로 설계 고작소 와 스튜디오 안경 건축 설계 사무소 의 2조의 건축가 팀이 다룬 것으로, 테마는 「관찰과 고찰」. 그 상징으로서 공간 중앙에서는, DIY 정신의 시점으로부터, 산업 혁명의 카운터로서 나타난 아츠 앤 크래프트 운동을 기점으로 하는 역사적인 활동을 건축가 팀으로 정리한 「DIY 연표」를 게시하고 있습니다.

그 주위에서는, 출품 작가의 제작 수법이나 어프로치를 체험할 수 있는 코너나, DIY나 작가에 관한 자료 전시를 전개. 예를 들어, 던힐 & 오브라이언은 “조각 작품을 만져보고 싶다”라는 방문자의 생각에 부응하는 형태로 상자 안에 손을 넣고 안에있는 조각을 손으로 관찰 할 수있는 장치를 제작하고 있습니다.

일반 시민으로 이루어진 전시회 퍼시리테이터 「만들기」의 안내에 따라, 한 사람이 상자 안에 있는 조각의 특징을 설명해, 다른 사람이 설명을 바탕으로 그림을 일으킨다고 하는 작업을 교대로 실시했습니다만, 각각이 주목하는 질감이나 형상의 포인트, 표현하는 말에 의해, 같은 조각에서도 완전히 다른 그림이 태어나는 정도.

그 밖에도, 폐재였던 기둥재에 와카키 호두씨가 판을 조각해, 방문자가 프로타주(요철이 있는 물건에 종이를 태우고, 연필 등으로 문지르고 모양을 찍는 기법)로 작품으로 하는 코너 등, 만드는 것·말하는 것·생각을 촉구하는 전시의 여러가지가 준비되어 있습니다. 본전을 통해, 방문자가 자신 속에서 하고 싶은 것, 뭔가 마음에 걸려 있는 것, 해결하고 싶은 것, 다양한 충동과 감정을 만나는 것이, 오리지날의 DIY의 싹트림으로 이어질지도 모릅니다.

“만드는 즐거움 살기위한 DIY”개요

※기사의 내용은 취재 시점의 것입니다. 최신 정보는 전람회 공식 사이트 등에서 확인해 주십시오.

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