[글쓴이:] nakano

우에노의 숲 미술관

나라·도다이지 구 경내에 있어, 천평 문화의 멋을 전하는 9,000건의 보물을 1300년 가까이 지켜 전해 온 기적의 보고· 정창원 . 매년 가을에는 보물이 일반 공개되는 「쇼쿠라인전」이 열리고 있습니다만, 이번에 우에노의 숲 미술관에서는, 실물의 관람과는 다른 어프로치로 보물의 새로운 즐기는 방법을 제안하는 「쇼쿠라인 THE SHOW-느낌. 지금, 여기에 있는 기적-」이 개최되고 있습니다.

회기는 2025년 9월 20일(토)부터 11월 9일(일)까지.

고쿠분지의 건립과 도다이지의 대불조립으로 알려진 제45대 성무 천황 (701-756)을 세우고 불교정책과 빈민구제에 임한 광명황후 (701-760). 쇼쿠라인 보물의 역사는, 성무 천황의 명복을 기원한 광명황후가, 그 유애품을 도다이지 대불에 봉헌한 것으로부터 시작되었습니다. 약 9,000건에 달하는 보물 중에는, 제작 연대, 용도, 유래가 명확하게 기록된 것이 다수 포함되어 있어, 당시의 기술이나 미의식, 그리고 사람들의 생각을 지금에 전하고 있습니다.

본전 은 미야우치청 마사쿠라원 사무소 전면 감수하에, 「아이 미 방구」를 테마로, 봉봉 제도에 의해 소중히 보호되어 온 보물의 배경에 있는 다양한 스토리를 견해해, 그 매력을 전신으로 체감시키는 것.

회장의 서두에서는 마사쿠라인 보물의 기원을 나타내는 형태로, 봉납된 보물군을 기록한 전체 길이 14 m 이상에도 걸치는 목록 “국가 진보장” 의 원형 대 재현물이, 전지 펼친 상태로 소개되고 있습니다. 덧붙여 본전은 오사카 회장으로부터의 순회전입니다만, 「국가 진보장」은 도쿄 회장으로부터의 신작 전시가 되고 있습니다.

앞서 행해진 기자 설명회에서 미야우치청 마사쿠라원 사무소의 이이다 고히코 소장은 1300년을 거쳐 취약해지고 있는 보물을 엄중하게 관리하려고 하면 일반에의 공개가 남지 않게 되는 딜레마를 말해 타개책으로서 본전이 태어났다고 설명. 「보물 그 자체를 보는 것보다 참신한 체험을 할 수 있다고 생각해, 오감에 호소하는 전시도 실시해, 모든 각도로부터 보물의 매력을 맛볼 수 있는 전람회가 되고 있습니다」라고의 코멘트대로, 본전에는 보물의 실물 전시가 없습니다.

「뭐야, 진짜는 없는 것인가」라고 실망하는 분도 있을지도 모릅니다만, 대신에, 미야우치청 마사쿠라원 사무소가 오랜 연구·제작을 다루고 있는 「재현 모조」 가 출진되고 있습니다 .

재현 모조는 일반적인 복제와 달리 단순히 외형을 닮는 것이 아니라 각종 분석 장치와 광학 기기를 구사하여 당시의 소재와 기법을 찾아 인간 국보 등 명공이 숙련된 기술을 구사하고 보물 본래의 모습을 재현하는 것을 목표로 한 것. 본전에서는 그 중, 쇼쿠라인을 대표하는 보물로 유명한, 세계에서 유일하게 현존하는 고대의 고환 비와 “나전 자단 고후 비와” 나 “나전 상자” 등 11건의 재현 모조를 소개하고 있습니다.

「정창원 보물을 또 하나 만드는 것」 , 그것이 정창원 사무소의 목표라고 한다. 재현 모조는 이른바 현대에 타임 슬립 해 온 보물이며, 우리는 변색이나 결손이 없는, 나라 시대의 사람들이 실제로 보고 있던 보물에 한없이 가까운 모습을 알 수 있습니다.

또, 쇼쿠라인 사무소는 2019년부터 TOPPAN과 협업해, 최신의 3차원 계측이나 고화질 사진 촬영, 질감 취득 기술을 구사해 보물의 정밀한 3D 디지털 데이터(디지털 아카이브)를 작성해 왔습니다.

본전에서는 그러한 3D 디지털 데이터에 특별한 연출을 한 영상 작품을 높이 약 4미터, 폭 약 20미터라는 거대 스크린에 약 12K라는 고화질 영상으로 상영. 스크린에는 2023년 노벨화학상을 수상한 '양자점(Quantum Dot)'의 연구를 바탕으로 개발된 스크린 페인트가 도입되어 보물이 더욱 선명한 콘트라스트로 빛납니다.

상영 시간은 약 17분 있어, 장대한 음악 아래, 정창원에 숨겨진 이야기를 둘러싼 「스토리 영상」과, 보물의 압도적인 「미」 그 자체에 다가오는 「디지털 보물 영상」, 「재현 모조 대상 보물 영상」의 3편으로 전개해 갑니다. 특히 압권의 파트는 스토리 영상에 있는【정창원 “미”의 세계】로, 보물군에 베풀어진 꽃새 문양이나 나전 장식 속을 낙타나 코끼리, 환수들이 활보하는 환상적인 “미”의 우주를 재구축. 보물에 담긴 미의식을 응축하고 있어, 스크린의 눈앞에 세우면 몰입감도 일시오입니다.

디지털 보물 영상에서는, 꽃새 문양의 사이에 라피스 라즈리나 터키석의 조각이 흩어진 호화로운 장식 거울 「원경 평 나방 등 11호」 나, 32장의 극채색의 꽃잎이 아름다운 향로대 「칠금 박화반 을」 등, 육안으로는 파악하기 어려운 보물. 단안경을 사용하지 않고도 현장감 넘치는 감상 체험이 이루어집니다. 「옻나무 얇은 그림판 을」은 마치 꽃이 먼지처럼 꽃잎을 해체해 도안을 보여주거나, 향이 일어나는 모습을 재현하고 있거나, 확실히 디지털 데이터만이 가능한 즐기는 방법을 제공하고 있습니다.

전설의 향기 '란호대(란쟈타이)'의 향기의 재현 전시 도 볼거리 중 하나. 란호대(보물명은 황숙향)는 동남아시아에 분포하는 진조게과 아쿠이라리아속의 그루터기 등에 수지나 정유가 침착되어 생긴 향기로, 오다 노부나가나 아시카가 요시만・요시마사 등 때의 위정자가 절망했기 때문에 「천하 제일의 명향」이라고 불려 왔습니다. 무려, 지금도 약간 향기가 난다고 합니다.

그 사라져가는 향기를 기록하기 위해, 정창원 사무소는 2024년도부터 타카사 향료 공업의 협력의 아래, 난양대로부터 휘산하는 공기중의 향기 성분등의 분석 조사를 실시. 한층 더 조향사의 문향(향목을 향로로 데워, 향기를 맛보는 향도의 작법)에 의해, 시스타스라고 하는 식물의 수지로부터 추출되는 천연 향료 러브 다남을 닮은 것을 발견해, 그것을 베이스로 사상 최초가 되는 재현 향료를 제작했다고 합니다.

타카사 향료 공업의 IR/홍보실 스즈키 타카시씨는, 「란호대 그 자체를 맡았을 때의 향기라고 하기보다는, 들향했을 때의 향기, 오다 노부나가들이 냄새가 난 향기에 가까운 것은 아닐까」라고 해설. 회장에서는 유리 용기 안에 재현 향료를 넣어, 방문자가 실제로 향기를 즐길 수 있게 되어 있습니다.

필자는 계피와 안인을 상기시키는 품위있는 향기라고 느꼈습니다. 현대에 부활한 천하의 명향, 회장에서 체감해 보는 것을 특히 추천합니다.

다양한 보물의 문양을 화려하게 천장까지 깔아 놓은 '미의 애비뉴' 를 빠져나간 앞에는 현대 아티스트가 마사쿠라원에서 영감을 받아 제작한 신작의 전시 에리어가 펼쳐집니다.

참가 아티스트는, 음악 프로듀서·가메다 세이지씨, 사진가·타키모토 간야씨, 도예가·가메에 도코씨, 그리고 디자이너·시노하라 토모에씨 의 4명.

카메다 세이지씨는, 보물인 비와나 샤하치의 연주 음원에 현대의 음악을 융합한 악곡 「빛」을 발표하고 있습니다.
타키모토 간야씨는 어둠 속에서 달빛이 비추는 방각으로부터 빛을 받은 장엄한 마사쿠라인 마사쿠라를 잘라낸 모노크롬의 사진군을 전시. 현대와 같은 불빛이 없는 1300년 전 사람들이 보고 있던 밤의 세계를 생각하게 합니다.
카메에 미치코씨는, 본 적이 없는 색채나 소재, 문양에 마음 움직여졌을 당시의 사람들의 이야기를 상상해, 그것을 연기하면서 작품 제작에 해당했다고 한다. 디지털 기술과 아날로그 브러시를 능숙하게 조합하여 푸른 문양이 물들이는 작은 접시와 화기 등이 늘어서 있습니다.

보도 내람회에 달려온 시노하라 토모에씨는, 마사쿠라인 보물이 가지는 「지금으로 통하는 미」에 착상을 얻고, 페르시아풍의 물병 「옻나무 병(싯코헤이)」 을 모티브로 전통과 현대를 융합시킨 드레스 「LACQUERED EWER SHOSOIN DRESS」 에 대해 제작 과정과 조건을 말했습니다.

동아시아 독특한 칠예를 이용해 은의 박판으로 풀꽃과 조수의 문양을 섬세하게 표현한 「옻나무 병」. 시노하라 씨는 본작의 압도적인 존재감에 매료되어 "오라한 대륙의 흐름과 시간을 넘은 미의식을 느꼈다"고합니다.

구상으로부터 약 1년 걸렸다는 작품 제작에 있어서는, 보물의 3D데이터를 바탕으로 400종 이상에 이르는 문양의 파츠를, 과거의 장인들의 열정과 마주하면서 수작업으로 트레이스. 1300년의 월일을 구현하는 것을 고집해, 컷 한 놋쇠를 약제에 담그거나, 열을 더해 뉘앙스를 더하거나와 시행착오를 반복해, 크래쉬 벨벳의 천에 하나하나 베풀어 갔다고 한다.

드레스의 조건은 포름에 있어, 「3D데이터에 근거해, 「옻칠병」의 오리엔탈인 포름을 되도록 그대로 남기는 것을 소중히 했습니다.3D데이터로부터 의복 옷차림을 만드는 것은 처음의 챌린지였지만, 여러분이 보물을 실제로 들여다보고 있는 것 같은 기분이 되어 주었으면 기쁘구나, 라고 상상하면서 제작했습니다」라고 코멘트.

'칠호병'을 관찰하고 있는 가운데, 사슴이나 새 등의 동물 뿐만 아니라 작은 곤충까지도 수컷과 암컷의 차례로 존재하고 있는 것을 깨달았다고 합니다. 거기서 「성무천황과 광명황후의 사랑의 이야기」를 찾아, 마음이 떨렸다는 에피소드도 밝히면서, 다음과 같은 메시지를 전했습니다.

“본전은 마사쿠라인 보물을 예술로 체감할 수 있는 것이 큰 특징으로, 미야우치청 마사쿠라 사무소씨의 진심도를 느끼는 전람회가 되어 있습니다. 본전을 통해, 마사쿠라인 보물의 매력, 수공예의 가치, 그리고 지금까지 계승해 온 선인들의 열정을 느껴 주시면, 모두 기뻐하는 일은 있습니다.”

최신 기술에 의해 현대에 부활한 보물의 매력을 전신으로 체감할 수 있을 뿐만 아니라 유구의 역사를 지켜 전해 온 사람들의 생각에도 접할 수 있는 「정창원 THE SHOW-느낌. 지금, 여기에 있는 기적-」. 회기는 11월 9일(일)까지입니다.

「쇼쿠라인 THE SHOW-느낌. 지금, 여기에 있는 기적-」개요

회기	2025년 9월 20일(토)~11월 9일(일)
회장	우에노의 숲 미술관
개관 시간	10:00~17:00(※입관은 폐관 30분 전까지)
관람료	(당일권) 일반 2,300엔 고등학생・대학생 1,700엔 초등학생・중학생 1,100엔 ※미취학아 무료 ※티켓의 자세한 것은 전람회 공식 사이트를 봐 주세요.
주최	우에노의 숲 미술관, 「쇼쿠라인 THE SHOW」실행 위원회(요미우리 TV, 요미우리 신문사, TOPPAN, 카도카와 미디어 하우스), 일본 TV 방송망, BS일 텔레
감수	미야우치청 마사쿠라 사무소
문의	헬로 다이얼 050-5541-8600(9:00～20:00 무휴)
전시회 공식 사이트	https://shosoin-the-show.jp/tokyo/

※기사의 내용은 취재 시점의 것입니다. 최신 정보는 전람회 공식 사이트 등에서 확인해 주십시오.

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기타 보고서 보기

에도 시대 중기에 활약한 에도의 미디어 왕·아츠시게 츠시야 시게사부로의 파세 만장한 평생을 그리는 대하 드라마 『베라보~츠시시게 에이노노 유미~』.

이번 방문한 '베라보 에도 타이토 오가 드라마관'은 '베라보~아쓰시게 에이카노 유메지~'의 주인공 츠츠야 시게사부로 연고의 땅인 도쿄도 다이토구에 오픈한 시설입니다. 대하드라마관에는 등장인물의 의상이나 소품 등 드라마를 보다 즐길 수 있는 콘텐츠가 풍성하다.

이번 취재 리포트에서는 그 매력과 볼거리를 전해드립니다.

에도 정서 넘치는 공간을 피부로 느끼자

대하드라마관이 있는 다이토구 민회관은 아사쿠사역에서 도보로 몇 분. 9층 플로어는 에도의 거리에 돋보이는 「오에도에서 마루 마을」이 되어 있어, 다리를 밟으면 마치 타임 슬립한 것 같은 몰입감을 느낄 수 있습니다.

플래시 촬영으로 실루엣에서 인물이 떠오르는 패널, 보는 각도에 따라 변화하는 우키요에가 그려진 벽면 등 엘리베이터에서 대하 드라마관에 이어지는 통로에도 다양한 장치가있어 방문하는 사람들을 즐겁게 해줍니다.

그리고 「베라보 에도 타이토 타이가 드라마관」에 발을 디디면, 맞이해 주는 것은 요코하마 유세이씨가 연기하는 담중의 메인 비주얼.

가쓰야 시게사부로는, 관연 3년(1750)에, 에도·신요시하라(현재의 다이토구 센다쿠)에서 태어나, 20대에 요시하라 다이몬 앞에 서점 “경서당”을 개업. 히가시스사이 사라쿠, 키타가와 가면 등, 에도 문화를 대표하는 작가들을 교류해, 「에도의 미디어 왕」으로서 대성공을 거둔 인물입니다.

이 담중의 평생을 그리는 대하 드라마 『베라보~츠시시게 에이카노 유메토~』는, 2025년 1월 5일부터 방송 개시되어, 취재시의 10월 초순에도 많은 시청자를 즐겁게 하고 있습니다.

주요 캐스트·스탭을 소개하는 “베라보 입문편”

대하드라마 관내는 9개의 존으로 나뉘어져 있습니다.
「베라보 입문편」에서는, 쓰시게의 의상의 전시나, 주요 캐스트·스탭을 소개.
주목은 중앙에 디스플레이된 담중의 의상. 드라마 속에서 담중이 착용하고 있던 「흑녹색 지선 줄무늬 기모노」입니다.

의상 디자인을 담당한 이토 사토모 씨는 주인공의 쓰시게 기모노에 일반적인 남색이 아니라 녹색을 선택한 이유로,

"아직 누구도 아닌 그가 아무것도 묶이지 않고, 엉망으로 발상 풍부하게 새로운 것을 만들어 나간다. 그런 독창성 넘치는 인생의 시작을 상징하는 색으로 쉽게 재현할 수 없는 녹색이라는 색을 선택했습니다"

라고 말하고 있습니다.

주연의 요코하마 유세이씨와, 이야기 역이며, 구로 조이나리를 연기하는 아야세 하루카씨라고 하는 배우진을 비롯해, 각본가의 모리시타 카코씨나 음악을 다루는 존 그램씨, 제목을 쓴 이시카와 구양씨라고 하는 제작진의 코멘트도 전시.

또 해외 전용의 영어 타이틀인 「UNBOUND(언바운드)」의 문자를 밀어낸 포토 스포트는 대인기인 것 같고, 많은 사람이 담중과 같은 완조 포즈를 취해 사진을 촬영되어 가는 것.

덧붙여서 「UNBOUND(언바운드)」란 「해방되었다」 「잡히지 않는다」라고 하는 의미. 신분이나 출자에 얽매이지 않고, 관례에 묶이지 않는 어리석은 삶을 보인 츠츠야 시게사부로를 표현하는 말로서 선택된 것 같습니다.

쓰시시게 연고의 소품이나 패널 등을 전시하는 「이십간도 존」

이어지는 「오십마도 존」에서는, 판원(현재의 출판사. 원래 인쇄에 사용되는 「판」을 가지고 있는 사업주를 가리킨다)인 츠시시게 연고의 소도구나, 관련하는 등장 인물의 패널을 전시. 실제 촬영에 사용된 의상이나 소품(복제품의 경우도 있음) 등이 늘어서 있어 매우 귀중한 전시가 되고 있습니다.

특히 제34회에 등장한 『화본충 뿌리(에혼무시에라미)』는, 가면의 뛰어난 관찰 눈과 사실력이 유감없이 발휘된 호화로운 그림책. 그 발색의 선명함과 정교한 사실력에 대해 눈을 빼앗겨 버립니다.
드라마의 에피소드에 빠뜨릴 수 없는 아이템을 이렇게 가까이에서 볼 수 있는 기회는 매우 귀중하네요.

「츠바야」의 재현 세트도 전시되고 있습니다. 물론 축척은 회장에 맞추어져 있습니다만, 확실히 「츠바야」 그 자체. 재현도가 훌륭합니다.

내부는 箪笥에서 神棚까지 정교하게 재현되어 더욱 처마 끝에는 蔦重이 출판에 종사 한 책과 대본이 줄지어 있습니다. 안에 앉을 수도 있기 때문에, 꼭 기념 촬영을.

요시하라 제일의 거리를 재현! “나카노마치 존”

역시 가끔 눈길을 끄는 것은, 코시바 후미카씨가 연기하는 전설의 유녀, 세가와가 꽃꽁도중에서 착용한 의상의 전시. 주목을 받으면서 대로를 즐겁게 걷는, 꽃꽁들의 모습이 눈에 뜬다.
배경의 요시하라 이치의 거리 「나카노쵸」의 비주얼도 선명한 인상을 남깁니다만, 실제의 드라마 촬영에서는 거기까지 장대한 세트를 짜는 것은 할 수 없기 때문에, LED 월의 영상을 사용해 깊이를 보이고 있었다고 하는 것이 소개되고 있는 패널도 있었습니다.

또, 「나카노마치 존」의 옆의 「4K 극장」에서는 프로그램의 테마나 뒤편을 파헤치는 영상 컨텐츠를 상영. 담중에 관련된 타이토구의 명소 구적도 소개해 줍니다.

대하 드라마관에서 쓰시시게의 보리사인 정법사, 그와 교류가 있던 히라가원 내의 무덤 등, 츠시시게 연고의 땅을 둘러싼 순환 버스도 운행하고 있으므로, 극장에서 본 명소를 실제로 방문해 보는 것도 좋네요(순환 버스의 승차에는 대하 드라마관)

「쓰시시게 연고의 땅 다이토구」공식 사이트에서는, 대하 드라마관이나 쓰시시게 연고의 땅을 둘러싼 관광 모델 코스 외, 쓰시시게가 살았던 에도 시대의 문화에 관한 이벤트나 전통 행사에 대해서 소개하고 있습니다.
꼭 흥미가 있는 분은 「츠시시게 연고의 지 다이토구」공식 사이트 를 체크해 보세요.

장군가나 막신들에게 스포트를 맞추는 「에도성 존」

에도성도 이야기 속에서 중요한 장소 중 하나입니다.
'베라보~아시시게 에이노노 유미~'의 무대인 에도 시대 중기는 타이헤이의 세상이 오랫동안 이어지는 가운데 예술문화가 꽃이 열린 시대였지만, '마츠다이라 정신'의 '관정의 개혁'을 계기로 쓰시게를 둘러싼 상황도 크게 변화하고 있습니다.

「에도성 존」에서는, 장군가나 막신 등 에도 막부에 관련된 면면에 초점을 맞춘 전시나, 프로그램 미술이나 촬영의 무대 뒤 등에 대한 소개 패널이 있습니다.

「타이가 드라마관」의 엔딩에는 출연자의 친필 메시지나 사인 색종이가 장식되어 있어, 이 드라마에 베팅하는 뜨거운 생각이 전해져 옵니다. 자신의 「추천」의 사인을 찾아내거나, 유감스럽지만 이미 퇴장이 되어 버린 등장 인물을 다시 생각해 보는 것도 좋을 것입니다.

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에도의 「시」를 체감할 수 있다! 「타이토 에도 모노시」

병설하는 「타이토 에도 모노시」에서는, 대하 드라마 「베라보」의 로고가 들어간 기념품에 가세해, 에도에 연고가 있는 아이템, 현지인 다이토구의 기업이 다루는 상품을 전개.

이 「타이토 에도 모노시」만으로 1시간은 볼 수 있을까 하는 정도의 다채로운 기념품, 그리고 아름다운 관내 장식에도 주목입니다. 그 중에는 에도에 유행한 「수수께끼」인 「판지 그림」에 도전할 수 있는 코너도 있어, 장난기 넘치고 있습니다. 아이와 함께 도전하면 재미있을 것 같네요.

장난기라고 하면, 로비에 있는 기념 스탬프의 코너에도 독특한 장치가.
이것은 내관 기념증의 이면에 5색의 판을 거듭해 나가면, 최종적으로는 카와가와 히로시게의 「명소 에도 백경·아사쿠사 금 용산」이 완성된다고 하는 것. 우키요에의 「다색 인쇄」라고 하는 기법을 즐겁게 체험할 수 있습니다.

또, 현재 대하 드라마관에서는 가이드 투어를 개최중. 처음 쪽은 물론, 리피터 쪽에서도 즐길 수 있는 내용이 되고 있다고 하는 것이기 때문에, 꼭 참가해 보는 것은 어떻습니까.

필자는 드라마 미견이었지만, 드라마를 통해 그려지는 '에도의 미디어왕' 담중의 인물상, 그리고 그를 키운 다이토구라는 장소에 강하게 흥미를 끌리는 내용이었습니다.

「대하 드라마관」의 개관은 새해인 2026년 1월 12일(월·축)까지.
타이가 드라마관을 감상한 뒤, 쓰시시게 연고의 땅을 둘러싸고, 에도의 당시에 마음을 즐겨 보는 것은 어떻습니까?

■「베라보 에도 타이토 오가 드라마관」개요

기간	2025년 2월 1일(토)～2026년 1월 12일(월·축)
개관 시간	9시~17시(최종 입관 16시 30분)
휴관일	매월 제2월요일(제2월요일이 공휴일인 경우는 다음날), 연말연시 등
위치	도쿄도 다이토구 하나가와도 2-6-5 다이토구 민회관 9층
주최	다이토구 대하드라마 '베라보' 활용추진협의회
문의	03-4330-1409(대하 드라마관)
「쓰시시게 연고의 땅 다이토구」공식 사이트	https://taito-tsutaju.jp/features/exhibition

■「타이토 에도 모노시」개요

기간	2025년 2월 1일(토)～2026년 1월 12일(월·축)
개관 시간	9시~17시(최종 입관 16시 30분)
휴관일	매월 제2월요일(제2월요일이 공휴일인 경우는 다음날), 연말연시 등
위치	도쿄도 다이토구 하나가와도 2-6-5 다이토구 민회관 9층
문의	03-6802-8150(타이토 에도 모노시)
「쓰시시게 연고의 땅 다이토구」공식 사이트	https://taito-tsutaju.jp/features/edomonoichi

※기사의 내용은 취재 시점의 것입니다. 최신 정보는 공식 사이트 등에서 확인하십시오.

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기타 보고서 보기

도쿄도 미술관

 

전세계에서 사랑받는 화가, 핀센트 판 고흐 (1853~1890)를 헌신적으로 지지한 동생 테오, 그 아내 요, 그리고 조카 핀센트 윌렘 . 그들 팬 고흐가의 활동을 따라가면서, 핀센트의 꿈과 작품군이, 어떻게 오늘까지 계승되어 왔는지를 소개하는 전람회 「고흐전 가족이 연결한 화가의 꿈」이 , 도쿄도 미술관에서 개최되고 있습니다.
회기는 2025년 9월 12일(금)부터 12월 21일(일)까지.

핀센트 판 고흐가 화가를 지망한 것은 1880년, 27세가 되고 나서 약간 느린 스타트였지만, 1890년 7월에 37세로 죽을 때까지 불과 10년간에 약 2,000점의 작품을 남겼습니다. 생전의 핀센트를 정신·경제의 양면에서 헌신적으로 지지한 것은, 동생이자 친구이며, 예술에 열정을 태우는 동지이기도 한 테오(테오도르스·판·고흐)였습니다만, 형의 사후 반년으로 뒤를 쫓도록 타계해 버립니다.

생전의 핀센트는 무명이라고 하는 것은 아니었지만, 작품이 몇점 밖에 팔 수 없었다고 하는 것은 유명한 에피소드입니다. 그렇다면 어떤 경위로 오늘 전세계의 미술관에 애장되는 화가로서 빛나는 명성을 얻게 되었습니까?

거기에는, 테오의 사후, 방대한 컬렉션을 계승한 테오의 아내 요(요한나·판·고흐=봉겔)의 활약이 있었습니다. 요는 의형의 작품을 세상에 내는 것에 인생을 바치고, 전람회에의 출품, 전략적인 작품의 매각, 서한의 정리·출판 등을 통해, 화가로서 정당하게 평가되도록 분주한 것입니다.

게다가 테오와 요의 아들 핀센트 윌렘 판 고흐는 컬렉션의 소산을 막기 위해 1960년에 핀센트 팬 고흐 재단을 설립. 작품 대여에 관대한 방침을 노래하는 국립 핀센트·판·고흐 미술관(현·판·고흐 미술관)의 개관에도 노력했습니다.

본전은 그렇게 소중히 계승된 패밀리 컬렉션에 초점을 맞춘 일본 최초의 전람회입니다. 황 고흐 미술관의 컬렉션을 중심으로 핀센트의 유채화와 묘묘 30점 이상을 전시. 게다가 폴 고건이나 에두아르 마네 등의 유채화나 소묘, 영국이나 프랑스의 신문의 삽화 판화, 혹은 우키요에 판화라고 하는 팬 고흐 형제의 관심이나 동시대의 미술 동향을 나타내는 수집품, 일본 최초 공개가 되는 핀센트 직필의 편지 4통 등을, 전 5장 구성으로 소개하고 있다

화가를 뜻하고, 1881년부터 네덜란드 헤이그와 농촌 뉴넨에서 소묘와 유채화 기술을 연마한 후, 1886년에 옮겨 살았던 파리에서 현대적인 양식을 확립해, 남불의 아를르, 샌 레미, 종언의 땅 오베르 = 슐 = 오워즈로 혁신적인 걸 본전의 작품 전시에서는, 그러한 농밀한 10년의 화업을 추적할 수 있습니다.

《방수모를 입은 어부의 얼굴》 (1883)은, 헤이그 시대, 삽화들이 신문의 판화로부터 사실주의적인 소재나 흑백의 콘트라스트 등의 영향을 받아, 연필, 초크, 잉크 등의 검은 화재를 열심히 연구하고 있었을 무렵에 그려진 것. 뉴넨 체재 중에는 색채 이론에 대한 관심이 높아짐에 따라 색채를 다루는 훈련을 위해 정물화를 적극적으로 다루게 되었습니다. 《루나리아를 낳은 꽃병》 (1884)은, 1884년의 늦가을부터 초겨울에 걸쳐 식물의 정물화를 처음 제작했을 때의 1점입니다.

파리에 도착하면, 새로운 전위 화가들의 작품이 자신의 상상과는 전혀 다른 것에 놀라, 본작에서 볼 수 있는 어두운 색조로부터의 탈각, 새로운 색채나 필견의 습득도 도모하게 됩니다. 드라크로와의 색채나 몬티세리의 두꺼운 칠 기법 등, 존경하는 화가들을 모범으로 하고, 1886년의 여름만으로 30점 이상의 꽃의 정물화를 제작. 《그라디올러스와 에조기크를 낳은 꽃병》 (1886)은 그 중의 1점으로, 십자가를 거듭한 것 같은 배경도 특징적입니다.

그리고, 본전의 하이라이트이며, 파리 시대 마지막에 다루어졌다고 하는 걸작 《화가로서의 자화상》(1887-1888) 에 눈을 옮기면, 네덜란드 시대의 유채화와 비교해, 단 2년간에 지극히 현대적인 화가로 변모를 이룬 것에 놀랄 것입니다.

파리에서의 색채 이론 연구가 결실한 풍부하고 능숙한 색감은, 확실히 화면상에 보이는 팔레트의 색으로부터 만들어져 있어 느슨한 자신감을 띤 필촉이 생생하게 화면에 퍼지고 있습니다. 자세 좋게, 시선은 다소 늘어나면서 똑바로 감상자를 향해 화가로서의 자부, 혹은 결의 표명과 같은 강한 의지가 느껴집니다.

 본작에 대해서는 1890년에 산 레미의 요양원을 나와 오베르 쉬르 오워즈로 향하기 전에 핀센트와 요가 처음 만났을 때의 에피소드가 남아 있습니다. 요는, 핀센트의 병이나 건강 불량의 이야기를 흩어져 듣고 있었기 때문에, 약약한 풍모의 남자를 상상하고 있었습니다만, 「탄탄한 어깨 폭이 넓은 남자로, 건강한 안색을 하고, 얼굴에는 웃음을 띄워, 매우 확연한 모습」이었다고 회고록에 계속하고 있습니다. 게다가 “수많은 자화상 중에서도, 그가 이젤을 향하고 있는 작품(본작)이, 그 무렵의 그와 가장 비슷하다”고 덧붙였습니다.

핀센트 자신은 사신과 관련하는 등 부정적인 인상도 가지고 있었던 것 같습니다만, 어쨌든, 본작은 핀센트·판·고흐 재단, 나아가서는 판·고흐 미술관에 있어서, 가장 중요한 보물의 하나로서 취급되고 있습니다.

또, 핀센트는 화업 초기부터 「농촌 화가」라고 불린 장프란소와 밀레를 경애하고 있어 모사도 다수 남기고 있습니다. 아를 시대에 그려진 “씨 뿌리는 사람” (1888)는 밀레의 동명의 작품을 밑받침으로 제작된 것. 자신 나름의 색채 풍부한 「씨 뿌리는 사람」을 그리고 싶다고, 납득할 때까지 시작을 반복해 본작의 구도에 도착했다고 합니다.

농부를 대담하게 무릎 아래에서 트리밍하는 참신한 구도, 극단적인 원근법으로 앞에 클로즈업한 나무의 줄기, 농부를 신성하게 비추는 거대한 태양 등, 모티브의 취급이나 디포르메 묘사의 절절에 우키요에의 영향이 현저하게 인정된다고 하는 것으로, 전시에서는 우키요에의 컬렉션과 병치

한편 본전에는 요의 타의 추종을 불허하는 기업가 정신과 미술계에서의 공적을 소개하기 위해 요가 매각한, 즉 황 고흐 미술관의 컬렉션 이외의 작품을 특집한 섹션도 존재합니다.

요는 원래 미술 분야에서는 아마추어였지만, 테오와 결혼하고 나서 드디어 황 고흐를 비롯한 근현대 미술에 관한 지식과 개인 수집가와 미술관의 세계, 미술 거래의 구조에 대해서도 익숙해 갔습니다. 테오의 사후, 정기적으로 핀센트의 작품을 매각해 갔습니다만, 부모와 자식이 생계를 세우기 위한 경제적인 이유는 2개의 다음으로, 거기에는 근대 미술의 중심적 인물이라고 확신한 핀센트의 평가를 확립하는 야심적인 목적이 있었습니다.

이러한 요의 진력을 밝힌 것이 테오와 요의 「회계부」 입니다. 당초는 가계의 수지가 기록될 뿐이었지만, 테오의 사후에는 작품의 매각에 대해서도 기록되게 되었고, 요가 어느 작품을 언제, 누구에게, 얼마로 매각했는지, 생생한 기록이 남겨졌습니다. 조사·연구의 결과, 기재된 것 중 170점 이상의 회화와 44점의 종이 작품이 특정되고 있어 본전에는 그 중의 유채화 3점이 전시되고 있습니다.

황 고흐 미술관은 핀센트의 유채화 약 200점, 묘묘 약 500점이라는 세계 최대 규모의 컬렉션을 자랑하고 있습니다만, 요가 매각하지 않으면 더욱 250점 정도 많았다고 합니다. 그러나, 요가 전략적으로 돌았기 때문에, 전세계의 컬렉션에 작품이 담겨, 이렇게 일본에 사는 우리도 비교적 간단하게 실물을 보아, 올바르게 평가할 수 있게 되었습니다. “100년 후를 사는 사람들에게도 자신의 그림을 보고 싶다”고 바란 핀 센트의 꿈은 이렇게 실현된 것입니다.

또한 황고흐 미술관 컬렉션은 특히 1980년대 후반 이후 기부와 기증의 혜택을 받아 서서히 확충되어 갔다고 합니다. 바르비종파나 헤이그파, 상징주의, 인상파, 포스트 인상파들의 작품, 혹은 판화, 포스터 등 종이 작품 등 수집 대상이 확대되는 한편으로, 핀센트의 작품이나 서간이 편입되기도 했습니다. 본전에서는 오랫동안 소재 불명이었지만 2006년에 개인 컬렉션 중에서 발견되었다는 안톤 판 래팔트 앞의 편지 4통이 첫 일본 방문.

핀센트가 브뤼셀에서 만난 선배 화가인 팬 래팔트에게 보낸 4통의 편지 중 벤치에 앉아 있는 사람들과 노인들이 사는 구빈원에서 본 노인 등의 삽화가 들어간 4장의 종이 조각입니다. 이러한 편지는 열화하기 쉽고, 전람회에 출품되는 것은 매우 적기 때문에, 이번 출품은 매우 귀중한 기회라고 할 수 있습니다.

전시의 끝에는 높이 4m, 폭 14m를 넘는 공간에서 체감하는 “이머시브 코너”가 출현. 거대 모니터로 《꽃 피는 아몬드의 나무 가지》나 《까마귀가 날아가는 밀밭》 등 팬 고흐 미술관의 대표작을 고화질 이미지로 투영하는 것 외에 3D 스캔으로 CG로 한 《해바라기》(SOMPO 미술관 창고)의 영상도 상영하고 있습니다. 육안으로는 다가갈 수 없는 대담한 시점에서 새로운 발견을 기대할 수 있는 몰입 체험을 꼭 회장에서 즐겨보세요.

「고흐전 가족이 연결한 화가의 꿈」개요

※기사의 내용은 취재 시점의 것입니다. 최신 정보는 전람회 공식 사이트 등에서 확인해 주십시오.

기사 제공: 코코실 우에노

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도쿄도 미술관

모두가 가진 창의성에 눈을 돌리고, 나름대로의 방법으로 「더 나은 삶」을 생각하는, DIY(Do It Yourself / 스스로 해 본다) 를 테마로 한 전람회 「만들기 즐겁게 살기 위한 DIY」 가 도쿄도 미술관에서 개최중입니다. 회기는 2025년 7월 24일(목)부터 10월 8일(수)까지.

출품 작가들이 강의를 실시한 보도 내람회의 모습을 리포트합니다.

■출품 작가(전시 순서/경칭 약어)：와카기 호두, 세오 나츠미, 노구치 켄고, 던힐&오브라이언, 쿠무라 타쿠, 이토 사토히로 설계 고작소, 스튜디오 안경 건축 설계 사무소

 

DIY란, 눈앞의 문제를 자신의 창의 궁리로 해결해 가는 어프로치입니다. 본전에서는, DIY를 보다 잘 살기 위한 방법인 동시에, 불편이나 곤란을 극복하기 위한 수단이라고 파악하면서, 그 과정에 있는 깨달음이나 달성감이라고 하는 「만들기 즐거움」에 주목. DIY의 수법이나 사고방식에 관심을 보이는 5조의 현대 작가와 2조의 건축가의 작품을 소개해, 자신 나름의 방법과 감각을 의지에 만드는 DIY의 본연의 자세나, 생활과 밀접하게 연결되는 아트의 존재에 대해 생각을 촉구하는 내용이 되고 있습니다.

회장은 전 4장 구성입니다. 제1장 「보는 것으로부터 시작되는 DIY」 에서는, DIY의 시작인 「보는」 것에 창조의 계기를 찾아내, 문방구나 부엌 용품, 빈 캔, 가구라고 하는 몸의 물건을 조각으로서 재이용하는 판화가· 와카기 쿠루미 씨(1985-)의 작품을 전시.

생옻나무의 튜브로 생선의 반짝임을 코끼리한 「튜브의 반짝임」시리즈 는, 장인들이 고가의 생옻칠을 끝까지 다 사용하기 위해서 튜브를 여는 모습으로부터 착상을 얻은 것. 튜브 특유의 질감이 요철이나 데리어를 표현하고 있어, “생선”에는 이상한 정취가 있습니다. 이러한 실험적인 행위에 의해, 흔한 일용품에 새로운 이미지나 의미를 시작하는 것과 동시에, 창조의 재미를 누구나가 친숙한 유머러스한 형태로 제시하고 있습니다.

천장까지 닿는 《타와만》 (2025)은, 와카키씨가 처음으로 혼자 생활을 시작하고 나서 20년 이상 계속 사용해 온 냉장고를 판으로 한 작품. 드디어 냉장고가 수명을 맞이하려고 한 타이밍에, 「판화로 하는 것으로, 스스로 숨의 뿌리를 멈추려고 결심해」, 본전에 이용했다고 말합니다.

아이디어의 출발점이 된 것은, 냉장고에 붙인 독일인 화가 파울·클레이의 전람회의 티켓이라고 하는 것. 티켓 자체도 작품 안에 도입하면서, 음악적인 감성에 의한 시정 풍부한 색채의 세계가 매력의 클레이 작품에 통하는, 큐비즘적인 타워 맨션을 출현시키고 있습니다.

 

제2장 「잃어버려, 시작해 가는 DIY」 에서는, 자연 재해나 경제적 곤란에 의해 많은 것을 잃은 사람들이, 새롭게 생활을 시작해 가는 일에 눈빛을 향하는, 세오 나츠미 씨와 노구치 켄고 씨의 작품을 다루고 있습니다.

도쿄 출신의 세오 나츠미씨(1988-)는 동일본 대지진 후 도호쿠로 이주하여 재해와 함께 사는 사람들의 말과 풍경의 변화를 기록하면서 다채로운 작품 제작을 하는 아티스트로 본전에서는 드로잉과 회화를 중심으로 공간을 구성.

서두에 전시된 《바람둥이》 (2011)은 지진 재해 당일의 밤에 그려진 것입니다만, 「기노와 같은 선이 된 것」이 힘들게 떨어지지 않았다고 한다. 거기에서 「진짜 현장에 가서 절실하게 그려야 할 것은 무엇인가」를, 지역의 사람들과 관계 가운데서 생각해 왔다고 말했습니다.

2015년, 이와테현 리쿠젠 타카다의 부흥에 걸리는 부피 인상 공사에 의해 새로운 지면이 만들어져 가는 과정에서, 익숙한 산이 깎아져, 마을 터가 매립되어 가는 모습을 눈에 띄고, 이야기의 필요성을 느꼈다고 하는 세오씨. 본 장에서는, 땅 아래에 있는 옛 거리의 사람들과 새로운 거리의 사람들이 연결되는, 2031년의 리쿠젠 타카다를 쓴 이야기 「이중의 거리」 에 관련되는 드로잉의 여러가지도 소개되어 있습니다.

이러한 「이중의 거리」의 이미지는, 노토반도 지진의 재해지를 비롯해, 재해를 경험한 다양한 장소를 여행할 때마다, 사람이나 토지와 갑작스럽게 연결되어, 서로의 경험이나 사고를 토론하는 대화의 시간을 낳고 있다고 한다. 돌이킬 수 없는 변화 속에서, 말할 수 없게 되어 가는 기억이나 마음의 거처를 만들어, 그것을 다른 누군가가 받아들여, 생활의 지지로 한다. 작은 공동체의 사람들이 잇는 영업의 가능성을 녹슬기에 붙어 있는 말과 함께 감상자에게 전하고 있습니다.

사진가 노구치 켄고씨(1984-)는, 강변이나 공원에서 독자적인 생활 공간을 구축하는 사람들을 찾아 걸어 촬영한 「암의 사람들」시리즈를 전시. 폐재나 블루시트 등의 브리콜라주 로 형성된 “암”에는, 경제적인 이유로 사는 사람도 있으면, 스스로 좋아하고 그 생활을 계속하는 사람도 있어, 그 의장이나 양상도 다종 다양합니다. 그러나 둘 다 다양한 창의력과 창조의 조각이 발견되어 똑바르고 절실한 ‘살기위한 DIY’의 정신과 그들의 참을성을 느끼게합니다.

10년에 걸친 취재 중, 몇번이나 같은 장소를 방문하고 있다고 하는 노구치씨. 전시 중에도 같은 구도로 한 남자와 “암”에 포커스하고, 그 변화를 기록한 시리즈가 존재합니다.

“다음에 방문하면 전혀 변하지 않았던 분, 반대로 늙어 왔다고 하는 분도 있으면, 같은 안에서도 소라게처럼 사람이 살아 바뀌고 있다는 일도 있습니다.혹은, DIY로 자신의 생활을 만들어 냈지만, 태풍으로 한순간에 날아가는 버려져 버리는 일도 있습니다.도시의 한 구석에서 그러한 사람의 영업이 행해지고 있습니다.

 

제3장 「DIY로 만드는, 형태와 관계」 에서는, 조각적인 어프로치를 베이스로, 시작한 「형태」로부터 사람이나 사회와의 새로운 「관계」가 태어나는 프로세스를 중시한 다양한 표현 활동을 전개하는, 던힐＆오브라이언 과 쿠무라 타쿠 씨를 소개.

런던을 거점으로 하는 던힐 & 오브라이언은 협동의 어려움과 가능성을 창조의 양식에 독자적인 장치를 만들거나 퍼포먼스나 타인과의 공동 작업을 도입하면서 작품을 만들어내는 아티스트 유닛입니다. 출전 작품은 모두 본전을 위해 준비된 신작. 도쿄도 미술관 소장의 야외 조각인, 「이로하 노래」를 소재로 한 모가미 유키의 《이로하니호헤토칠리누루와카요타 레소츠네······································································································································· 만남을 만나, 형태와 말의 관계성에 감명을 받은 것이 신작 프로젝트의 출발점이 되었다고 한다. (※동작은 무료로 감상 가능합니다)

거기에서 영국과 일본에서 예술가, 과학자, 음악가, 작가 등 다양한 배경을 가진 참가자를 모두 100명 이상 모아 야외 조각에 대해 묘사한 텍스트를 바탕으로 점토를 조형하는 워크숍을 실시. 원격적인 「대화」를 통한 점토 작품은 모두 데이터화되어 3D 프린트를 거쳐 회장에서 「모양의 도서관」 으로서 시작하고 있습니다.

또한 이러한 데이터를 매쉬업하여 집합체로서의 3D마켓(모형)을 작성. 19세기에 조각의 확대 복제에 이용된 판타그래프를 설치해, 3D마켓을 야외 조각과 거의 같은 크기까지 확대한 대형 인스톨레이션 《「이로하」를 감상하기 위한 수단과 장치──또 이로하》 (2025)가 완성되었습니다.

덧붙여 받침대에 보이는 부분은, 런던에 있는 던힐&오브라이언의 스튜디오를 원래 크기로 본뜬 것입니다. 이것을 두 사람은 받침대이고, 제작의 장소이며, 홈과 같은 공간으로서의 「실천을 위한 뗏목」이라고 표현. 전시에서는, 스튜디오형 「뗏목」 위에 판타그래프를 두고, 조각을 만들기 위한 복잡한 툴로서 기능시키고 있습니다.

다마미술대학 조각학과 출신인 쿠무라 타쿠씨(1977-)는 제도적인 틀을 오가며 옮기기 쉬운 미술의 가치를 묻는 아티스트입니다. 전시에는 이른바 조각 같은 조각이라는 것이 없습니다. 본인이 형용하는 곳의 「엄격한 체육회계인 곳이 있다」아카데믹한 조각으로부터, 어떻게 해서 거리를 취하는지를 모색한 결과, 심신에 부하를 가하지 않는 가벼움을 중시한 소재나, 미술의 주연에 위치하는 DIY적, 혹은 수예적인 기법을 채용하게 되었다고 합니다.

쿠무라씨가 주로 다루고 있는 것은, 받침대나 액자, 전시 공간이라고 하는 팔레르곤(작품을 성립시키기 위한 구조적인 요소)입니다.

예를 들어, 「입는 조각」 인《PLUS_Ralph Lauren_yellow striped shirts》(2025)는 랄프 로렌의 헌옷 을 소재로 한 작품. 가슴 팍의 로고 마크에 받침대를 자수해 조각으로 완성한 것입니다만, 그것만으로는 수예적인 영역을 나오지 않는다고 생각한 쿠무라씨는, 자수를 액장하는 것으로 회화적으로 연출. 게다가 회전대 위에 심봉을 만들어 셔츠를 태우는 것으로 토르소처럼 보이고, 폐재를 재이용한 계단 모양의 받침대를 설치한다는 4중의 레이어를 이용하는 것으로 아트성을 강조하고 있습니다.

폐교로부터 양도받은 허들이나 공사 현장에서 이용된 A형 바리케이드를 소재로 한 「One Point Structure」시리즈 는, 받침대 부분을 벤치풍으로 하는 것으로, 입장자가 조각과는 눈치채지 않고 앉아 버리는 듯한 구조가 되어 있습니다. 차분히 감상을 즐기고 싶은 반면, 앉아서 쉬는 장소가 적은 경향에 있는 미술관의 딜레마를 해소하는 수단이다.

바 카운터와 같은 스페이스 《직물 Bar at 도쿄도 미술관》 (2025)은, 미술관에 오랫동안 체류하기 위한 커뮤니케이션을 생성하는 장소로서 제작된 것. 여기에서는 매주 금요일, 바에서 술을 선택하도록 좋아하는 직사나 천을 주문해, 오리지날의 직물을 만드는 이벤트가 개최됩니다. (※요사전 예약)

직사는 수예사 메이커의 제공품이나 헌옷을 나눈 것 등 다양한. 그 중에는 도쿄도 미술관에서 과거에 개최된 전시회의 커튼이었던 것도 포함된다는 이야기가 있어, 그들이 경험해 온 기억에 생각을 느끼면서 자신의 손으로 짜는, 본전다운 풍부한 경험을 기대할 수 있을 것 같습니다.

 

제4장 「DIY 스테이션──스스로 해보자!」 는, 제3장까지에서 봐 온 DIY에 통하는 다양한 어프로치나 창의 궁리를 참조점으로 하면서, 방문자가 전시 내용을 반추해, 다시 DIY에 대해 생각하기 위한 플랫폼이 되고 있습니다.

공간 설계는 이토 사토히로 설계 고작소 와 스튜디오 안경 건축 설계 사무소 의 2조의 건축가 팀이 다룬 것으로, 테마는 「관찰과 고찰」. 그 상징으로서 공간 중앙에서는, DIY 정신의 시점으로부터, 산업 혁명의 카운터로서 나타난 아츠 앤 크래프트 운동을 기점으로 하는 역사적인 활동을 건축가 팀으로 정리한 「DIY 연표」를 게시하고 있습니다.

그 주위에서는, 출품 작가의 제작 수법이나 어프로치를 체험할 수 있는 코너나, DIY나 작가에 관한 자료 전시를 전개. 예를 들어, 던힐 & 오브라이언은 “조각 작품을 만져보고 싶다”라는 방문자의 생각에 부응하는 형태로 상자 안에 손을 넣고 안에있는 조각을 손으로 관찰 할 수있는 장치를 제작하고 있습니다.

일반 시민으로 이루어진 전시회 퍼시리테이터 「만들기」의 안내에 따라, 한 사람이 상자 안에 있는 조각의 특징을 설명해, 다른 사람이 설명을 바탕으로 그림을 일으킨다고 하는 작업을 교대로 실시했습니다만, 각각이 주목하는 질감이나 형상의 포인트, 표현하는 말에 의해, 같은 조각에서도 완전히 다른 그림이 태어나는 정도.

그 밖에도, 폐재였던 기둥재에 와카키 호두씨가 판을 조각해, 방문자가 프로타주(요철이 있는 물건에 종이를 태우고, 연필 등으로 문지르고 모양을 찍는 기법)로 작품으로 하는 코너 등, 만드는 것·말하는 것·생각을 촉구하는 전시의 여러가지가 준비되어 있습니다. 본전을 통해, 방문자가 자신 속에서 하고 싶은 것, 뭔가 마음에 걸려 있는 것, 해결하고 싶은 것, 다양한 충동과 감정을 만나는 것이, 오리지날의 DIY의 싹트림으로 이어질지도 모릅니다.

“만드는 즐거움 살기위한 DIY”개요

※기사의 내용은 취재 시점의 것입니다. 최신 정보는 전람회 공식 사이트 등에서 확인해 주십시오.

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