[월:] 2024년 10월

도쿄 국립 박물관

고분 시대에 만들어진 다종다양한 시바와 중에서도 최고 걸작이라고 불리는 국보《시바와 쇼코의 무인》 이 국보로 지정되어 50주년을 맞아 이를 기념한 특별전 ‘하니와’가 도쿄 국립박물관 (이하, 히가시히로)에서 개막했습니다. 회기는 2024년 12월 8일까지.

고분 시대의 3세기부터 6세기에 걸쳐 활발하게 만들어진 시바와는, 왕 등의 권력자의 무덤인 고분에 나란히 놓인 초밥 구이의 조형물입니다. 초기는 간소한 통형이었지만, 시대가 내리면 인물 토륜을 비롯해, 말이나 새 등의 사랑스러운 동물 토륜, 정교한 무구나 집을 본뜬 상형 토륜 등 개성 풍부하게 발전. 고대인의 생활과 풍습을 현재에 전하는 귀중한 자료가 되고 있습니다.

본전에서는 시바와를 중심으로, 고분에서 출토한 부장품 등을 포함한 전국 엄선된 보물, 약 120건이 집결. 히가시히로에서는 약 반세기 만에 개최되는 대규모 시바나전이 됩니다.

제1회장의 입구에서 참석자를 맞이하는 것은, 지금 시바와의 아이콘으로서 인지되고 있는, 흐린 표정이 사랑스러운 《시바나 춤추는 사람들》 입니다. 일본 열도에서 독자적으로 출현, 발달한 시바나는 옷과 얼굴, 몸짓 등의 표현을 간략화하고 둥글림을 가진 특징이 있지만, 그 독특한 “유루사”가 담긴 대표적인 작품. 의례에 즈음해 춤추는 모습을 보인 것으로 여겨져, 히가시히로의 마스코트 캐릭터인 「토하쿠군」의 모델이기도 합니다.

1930년에 사이타마현 구마가야시의 노하라 고분으로부터 출토했을 때, 곧바로 수리 복원되었습니다만, 최근에는 열화가 현저하게 대출도 할 수 없는 상태가 되어 있었다고 한다. 그래서 히가시 히로시와 문화재 활용 센터가 클라우드 펀딩 등으로 기부를 하고, 2022년 10월부터 해체 수리를 실시. 2024년 3월에 수리를 마치고 본전이 수리 후 첫 피로의 기회가 됩니다.

수리를 거쳐 변한 점은 몇 가지 있습니다만, 가장 큰 변화는 그 붉은 힘일 것입니다. 클리닝시에 흙에 묻혀 있는 가운데 부착된 흙이나 오랜 전시에 의해 퇴적한 공기 중의 얼룩 등에 의해 본작이 실제보다 황색이 강한 색조로 되어 있는 것이 판명. 낡은 출토품은 내력을 나타내는 의미에서도, 더러움을 무리하게 떨어뜨리지 않는 케이스가 자주 있습니다만, 이번의 수복에서는 어디까지나 제작 당초의 모습을 이미지할 수 있도록, 최대한 더러움을 떨어뜨리기로 했다고 합니다. 이렇게 나타난 본래의 색은 바로 북관동에서 자주 볼 수 있는 화산성 광물을 포함한 철분이 많은 붉은 탄색이다.

그런《시바와 춤추는 사람들》입니다만, 히가시히로의 야마모토 료 연구원에 의하면, 최근에는 「춤추고 있는 것이 아니라, 실은 말을 예고하고 있는 모습에서는?」라고 하는 설도 유력시되고 있다든가.

한 손을 꼽는 포즈를 취한 시바와는 원래 말과 함께 발굴되는 경우가 많다. 또, 키가 낮은 쪽의 시바와의 허리에 제시한 비틀림 끈은 고삐를, 등에 짊어진 낫은 말의 먹이가 되는 목초를 깎기 위한 것을 나타내고 있다, 라고 하는 가능성이 근거에 있는 것 같습니다 . 만약 말 예뻤다고 하면, 오랫동안 「춤추는 사람들」로 친해지고 있었던 만큼, 조금 유감인 생각도 합니다만…

“그러나, 원래의 시바와에서 발전하여 의미가 바뀐다는 것도 자주 있는 것입니다. 이나 이노의 토네에서 사냥의 장면을 표현하는 등, 여러가지 스토리를 나타내는 것이 있습니다. “라고 말한 야마모토 연구원. 향후 연구가 기다릴 것입니다.

계속되는 「왕의 등장」 이라고 제목이 붙은 전시 코너는, 전시품이 모두 국보만으로 구성되어 있는 호화스러운 공간.

고분에서는 시바와와 함께 호화로운 부장품을 찾을 수 있습니다. 예를 들면, 고분 시대 전기(3~4세기)에서는 왕이 비야호처럼 사제자적인 역할을 하고 있었기 때문에, 청동제의 거울이나 귀중한 석재로 만든 완식형의 보기 등이 많이 출토해 있습니다.

전시에서는, 4세기 후반에 축조된 도다이지산 고분으로부터 출토한, 그 밖에 예를 보지 않는 장식의 무늬 머리를 가지는 국보 《금상감명 대도》 를 소개. 일본 출토의 명문도검으로서 가장 오래된 것으로 알려진 본작은 바로 비야호가 중국 왕조로부터 양도되었다고 하는 연구자도 있는 것 같습니다.

한반도의 동란기를 받고, 왕이 무인적인 성질을 강화한 고분 시대 중기(5세기)에서는 무구류가 눈에 띄도록. 야마토 왕권의 중앙 집권적인 성격이 강해지고, 승마의 풍습이 보다 퍼진 고분 시대 후기(6세기)가 되면, 황급하게 왕이나 그 말을 장식해, 권위의 높이를 나타내는 금동제의 장신구 등이 등장 합니다.

이와 같이, 부장품은 왕의 역할의 변화와 연동하도록 바뀌어 있었기 때문에, 그들을 개관하는 것으로, 시바와가 만들어진 시대의 문화나 풍습이 어떻게 변천했는지도 엿볼 수 있다 합니다.

고분에 시바와를 세우는 풍습은, 야마토 왕권과의 관계를 축으로, 고분 문화의 중심지였던 긴키 지방에서 북한은 이와테현, 남한은 가고시마현까지 일본 열도 각지에 보급. 그 토란은 지역마다의 습속의 차이, 기술자의 숙련도, 대왕과의 관계성의 강약에 의해, 대왕묘의 토륜과 비교해도 손색이 없는 정교한 것, 지역색 넘치는 독자성이 강한 것 등 , 발전 속에서 표현에 개성이 나왔습니다. 「시바나의 조형」의 전시 코너에서는, 그러한 다방면에 걸친 조형의 전개에 초점을 맞추고 있습니다.

예를 들어, 미에현 스즈카시의 석약사 동고분군으로부터 출토한 《마가타시바와》 는, 똑바로 뻗은 갈기나, 덮는 것인가, 독특한 머리의 표현은 전국적으로 봐도 유례가 없는 드문 것. 이바라키현 출토라고 전해지는 《시바나 수염의 남자》 는, 곱슬 머리와 같은 미두라나 볶음모자가 그림책에 나오는 요정과 같다. 이러한 긴 수염을 가진 토바는 6세기대의 매우 지역색이 강한 작례로 알려져 있습니다.

비밀리에 방문자의 주목을 모으고 있던 것은, 원통 토륜에 왠지 안면의 표현이 베풀어진 《얼굴 첨부 원통 토륜」 입니다.

원통 시바와의 뿌리는, 야요이 시대에 요시비 지역(현재의 오카야마현역)에서 제기로서 이용된, 항아리를 얹는 받침대로서 만들어진 특수기대라고 불리는 토기이며, 거기에 얼굴이 붙는 유래는 없습니다 . 토시와의 탄생부터 소멸까지 주류인 계속된 원통 토시와입니다만, 안면이 있는 원통 토시와의 출토예는, 군마현 타마무라마치의 시모고 텐진즈카 고분이나 도치기현 아시카가시의 행기 히라야마 정고분 등, 북관동을 중심에 불과 몇 예가 인정되는 정도라고. 「그냥 원통형이라서 시시하다」라고 생각한 시바와 장인의 장난이었을까요?

제2회장에 들어가면 드디어 본전의 하이라이트인 ‘국보안갑의 무인과 그 동료’의 전시 코너가 나타납니다.

히가시 히로시가 소장하는 《시바와 쇼코의 무인》 은 군마현 오타시에서 출토하여 시바와로 처음으로 국보로 지정된 것입니다. 본작과 같은 공방에서 제작되었다고 생각되는 유사한 무인 시바와 중, 완전한 형태로 복원된 것이 그 밖에 4장 존재합니다만, 본전에서는 그 “형제”들, 전 5장을 사상 처음으로 한자리에 전시 . 그 중 하나는 현재 미국의 시애틀 미술관이 소장하고 있기 때문에 비교해 즐길 수 있는 귀중한 기회가 되고 있습니다.

히가시 히로시 소장품은 세부까지 입체적이고 정교한 구조를하고 있으며, 머리에서 발끝까지 전신을 방어구로 덮고, 왼손에 활을, 오른손에 칼을 들고, 등에는 푸시 (유기 / 화살 입구)를 짊어진 모습. 덧붙여서 갑갑이란, 상반신에 표현되고 있는 작은 철판을 합친 방어구를 가리킵니다.

“이렇게 엄중하게 갑옷을 착용하고 있는 시바와는 다른 예가 없다”고 말한 것은 히가시히로의 하노 마사토시 연구원입니다.

“이런 『안갑의 무인』은 6세기 후반에 만들어진 것입니다. 행해지고 있었습니다.불교가 들어간 것으로 가치관이 변화해, 점차 킨키에서는 전방 후원분 만들기, 시바링 만들기가 쇠퇴해 가는 것입니다만, 6세기 후반이 되어도 군마에는 아직 그 영향은 미치지 않고, 활발히 토륜이 만들어지고 있었습니다.

5마리의 「안갑의 무인」은 표정도 포함해 매우 비슷한 모습을 하고 있습니다만, 잘 관찰하면 짊어진 화살입구가 속이 아니라, 잔보다 뒤에 등장한 호롱(코로쿠)에서 있거나, 하반신에 몸에 붙이고 있는 것이 방어구가 아니라 하카마르고와 차이도 볼 수 있습니다. 가장 오래된 히가시히로 소장품, 군마의 아이카와 고고관 소장품에서, 가장 새로운 나라의 천리 대학 부속 천리 참고관 소장품으로, 섬세한 표현의 생략화가 진행되고 있는 점도 놓칠 수 없습니다.

또, 본전에 대해서 고노 연구원은 「그냥 명품전에는 하고 싶지 않은, 최신의 연구 성과를 알기 쉽게 여러분에게 전하고 싶다고 하는 생각이 강하고, 연구 성과에 비추어 구성도 생각했습니다」라고 이야기해, 그 가장 큰 사례로서 동관 소장의 「안갑의 무인」의 채색 복원 전시를 들었습니다. 과학 분석과 상세한 육안 관찰의 결과, 전면적으로 흰색, 빨강, 회색의 3색으로 칠해져 있는 것이 판명. 기존의 이미지가 크게 뒤집히게 되었습니다.

전람회의 종반, 「이야기를 잇는 시바와」의 코너에서는, 인물이나 동물 등 복수의 시바와를 조합해 다양한 이야기를 표현한, 전술의 「시바나 군상」에 주목. 죽은 왕의 도덕을 극복하고, 새로운 왕에 대한 충성을 맹세하는 공식적인 배례 장면을 나타내는 「무릎 꿇는 남자」나, 사타구니를 밟아 고분이 쌓이는 토지의 사기를 지불하는 스모의 역사 등, 이야기 속에서 각각의 시바나가 분담한 역할에 대해 소개하고 있습니다.

또, 여기에서는 사랑스러운 동물 시바와도 대집합. 동물 토륜 중에서 가장 많이 제작된 것은 권력의 상징이었던 말이지만, 그 밖에 새벽을 말하는 닭, 사냥 장면을 구성하는 사슴, 멧돼지, 개 등도 왕권 의례와 관련하여 만들어지고 있다 라는 것. 한편, 일부 물새나 물고기 등은 자연의 동물을 솔직하게 찍은 것으로 추측되고 있어, 고대인들의 자연적인 조형 의식의 발로를 느낄 수 있습니다.

각각의 소장처의 에이스급의 명품을 모으기 위해, 약 5년의 준비 기간을 걸쳐 기적적으로 실현했다는 대규모 시바나전. 꼭 이 기회에, 시바와의 세계의 깊이를 다시 체감해 보는 것은 어떻습니까.

※본전에서는 일부 작품을 제외하고 전시실 내에서 사진 촬영을 할 수 있습니다.

쇼코의 무인 국보 지정 50주년 기념 특별전 “하니와” 개요

※기사의 내용은 취재 시점의 것입니다. 최신 정보는 전람회 공식 사이트 등에서 확인해 주십시오.

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국립 서양 미술관

인상파를 대표하는 화가·클로드·모네의 만년의 작품과, 그 표현의 변화에 초점을 맞춘 전람회 “모네 수련의 때” 가, 도쿄·우에노의 국립 서양 미술관에서 개막했습니다. 회기는 2025년 2월 11일까지.

같은 모티프를 다른 계절이나 날씨 속에서 관찰해, 시시각각 변화하는 인상이나 빛의 움직임을 복수의 캔버스로 그려내는 「연작」의 수법을 확립한 것으로도 알려진 클로드 모네(1840-1926) . 1890년, 50세가 된 모네는, 프랑스의 오무라 지베르니의 토지와 집을 매입해, 수년에 걸쳐 수련의 연못이 있는 「물의 정원」을 조성합니다. 이 수련 연못에 주위의 나무나 하늘, 빛이 일체가 되어 비추어지는 수면이, 만년의 모네에 있어서의 가장 큰 창조의 근원이 되었습니다.

본전은, 최초기의 귀중한 <수련>의 작례로부터, 모네의 마음을 최후까지 차지하고 있던 「대장식화」의 제작 과정에서 만들어진 대화면의 <수련> 등, <수련> 연작을 중심에 모네의 집대성이 되는 만년의 예술 표현을 소개하는 것.

회장 에는 세계 최대급의 모네 컬렉션을 자랑하는 파리의 말모탄 모네 미술관에서 일본 최초 공개 7점을 포함한 48점의 회화가 일본에 왔다. 국립 서양 미술관의 마쓰가타 컬렉션을 비롯해 일본 국내에 소장되는 명화도 더한 총 66점을 전시하고 있습니다.

회장 입구에 있는 크게 늘어난 사진은 모자를 쓴 모네의 머리가 수련 연못에 비치는 모습을 남긴 것. 본전의 보도 내람회에 참가한 말모탄·모네 미술관 컬렉션 부장·문화재 주임학 예원인 실비·칼리에씨는, “모네의 시점을 통해, 모네와 함께 완만하게 물의 풍경이나 물가에 서식하는 식물들의 안으로 나아가는 이 전시회 전체의 의도를 시각적으로 보여주는 것입니다.”라고 말합니다.

본 전시회는 4장과 에필로그로 구성되어 있습니다. 제1장 「세느 강에서 수련의 연못으로」 에서는, <수련>에 착수하기 이전, 1890년대 후반의 모네의 주요한 창조원이었던 런던이나 세느 강의 풍경을 그린 작품을 소개. 모네가 어떻게 물이라는 모티프, 그리고 수면에 비추어지는 빛과 반사상이 만들어내는 효과에 탐구심을 기울여 갔는지 보여줍니다.

또, 모네가 처음으로 <수련>을 그린 것은 1897년으로 되어 있습니다만, 제1장에는 그 최초기의 <수련>으로 추정되는 귀중한 작례 도 전시하고 있습니다.

후년의 연작과는 대조적으로, 수목이나 하늘이 반사하는 수면이 아니라 수련의 꽃 자체를 닫습니다. 섬세한 필치로 사실적인 요소를 남기면서 물체의 형태가 그려져 있어 추상화가 진행되는 그 후의 표현과의 비교도 즐길 수 있습니다.

19세기 말 프랑스에서는 장식 예술이 전례없는 융성을 보였고, 모네도 1870년대의 인상파 시대에 본격적인 장식화를 다루었습니다. 이윽고, 1890년대를 통해서 연작의 전시 효과를 추구하는 가운데, 수련이라고 하는 하나의 주제만으로 이루어지는 장식화로 전시 공간을 메우는 「대장식화(Grande Décoration)」 를 구상. 백내장을 앓고 있으면서도 1914년부터 정력적으로 대처하기 시작해, 최종적으로 파리에 있는 오랑쥬리 미술관의 전시실을 빙빙 덮는 8점의 거대한 장식 패널의 형태로 결실하게 됩니다.

최종적으로 물과 수련, 버드나무와 같은 모티프에 수렴했지만, 당초는 큰 원예 애호가였던 모네답게, 연못의 주위에 심어진 다종 다양한 꽃들도 도입할 계획이었습니다 . 제2장 「물과 꽃들의 장식」 에서는, 구상 속에서 중요한 일각을 이루고 있던, 연못에 걸리는 북교에 기어가는 등나무나 기슭에 피는 아가판서스 등을 다룬 작품을 전시하고 있습니다.

아이리스도 모네가 특히 좋아했던 꽃이며, 1914년 이후에 다루어진 꽃들의 습작 중 아이리스를 그린 작품은 수련에 이어 가장 많고 점수는 20을 센다. 《노란 아이리스》 는 보기, 벌레나 물고기의 시선으로 아이리스를 올려다 보는 구도에 느껴집니다만, 실제로는 바로 옆에서 파악한 아이리스와 하늘이 비추어진 연못의 수면을 내려다보는 두 개의 다른 시점이 조합 된 것. 모네는 이러한 감상자의 인식을 흔드는 회화 공간을 둘러싼 탐구에 여념이 없었습니다.

제3장 「대장식화에의 길」 은, 대장식화의 제작 과정에서 만들어진 <수련>의 많은 가운데, 특히 완성형과 관련이 깊은 대형 작품만을 9점 전시. 오란쥬리 미술관의 전시실에 이미지를 담은 타원형의 전시 공간에서 <수련>에 둘러싸여, 어디까지나 펼쳐지는 명상적인 색채의 세계와 일체화할 수 있는 본전의 하이라이트입니다. 덧붙여 이 지역에서는 특별히 사진 촬영도 가능합니다.

9점 중 2점은, 1914년 이후의 제작에 있어서 중요한 모티프가 된 구름의 반영이 존재감을 나타내고 있습니다. 한편은, 은은하게 오렌지에 물드는 흰 구름이 중심이 되어, 푸른 하늘과 명료한 콘트라스트를 이루는 모습이 특징적. 분방한 필치로 그려진 수련의 잎과 가지 버드나무 버드나무가 화면의 상하 좌우로 뻗어, 생생한 인상을 받습니다.

이렇게 모네가 구름의 반영을 중시하게 된 것은 포플러나 버드나무나무와 같은 대지에 연결되는 요소와 함께 연못의 수면 위에서 하늘과 땅이 일체가 되는 감각을 강화하려고 했기 때문이라고 한다. 견해도 있는 것 같습니다.

또한 거대한 장식 패널의 제작은 모네가 새롭게 건설한 광대한 아틀리에에서 야외에서 그린 습작을 바탕으로 임명되었습니다. 자연의 인상 기억을 내면화하고 캔버스 위에 재구성하는 과정을 거쳐 모네의 예술은 망막에 비치는 현실에서 벗어나 보다 내적인 이미지로 변용해 갑니다.

제4장 「교향하는 색채」 에서는, 죽음의 때까지 계속된 대장식화의 제작과 병행해 다룬 소형의 연작군을 소개. 수련 연못에 걸리는 일본풍의 북교와, 「물의 정원」에 인접하는 「꽃의 정원」의 장미의 아치가 있는 길 등이 모티프가 되고 있습니다.

진행하는 백내장에 의해 시력이 저하했기 때문에, 작품에서는 점차 원근감이 없어져 평면적인 확산을 보이게 됩니다. 색각도 변조를 했고, 어느 때에는 노랑과 초록이 그의 세계를 지배하고, 어떤 때에는 그 이외의 색이 모두 푸르스름하고, 특히 빨강이 흐려 보였다고 한다. 1923년부터 3도에 걸친 수술을 거쳐 시력은 어느 정도 회복했습니다만, 그 속에 그려진 <일본의 다리> 연작은, 모티프의 판별이 붙지 않을 만큼 색조가 얽혀, 윤곽은 녹아, 필촉도 농밀하게 얽혀 있습니다.

제1장에서 본 섬세한 표현을 되돌아보면, 역연한 차이에 놀랄 것이다. 붓을 두드리듯 집요하게 색을 바르고 있는 모습은, 모티프의 실재를 새기는 것도 되고, 시력의 저하, 색채의 결핍이라고 하는 화가로서 치명적으로 될 수 있는 장해에 대한 공포심의 표현처럼 또한 느껴집니다.

그러나, 사실 모네는, 이러한 언뜻 보면 미주기의 산물이라고 볼 수 있을 것 같은 최저년의 연작을, 마지막까지 수중에 남기고 있었습니다. 마음에 들지 않는 것은 용서 없이 파기하는 완벽주의자였던 것을 생각하면, 오히려 모네의 경험으로부터 길러진 색채 감각에 기초한, 풍부한 실험 정신의 성과라고 판단할 수도 있을 것입니다.

에필로그 「사카사마의 세계」 에서는 본전의 마무리로서, 대장식화의 습작으로서 제작된, 늘어진 버드나무를 그린 작품 2점을 전시. 사랑하는 가족의 죽음과 제1차 세계대전과 같은 많은 어려움에 직면한 모네의 만년에 있어서, 이들의 늘어진 버드나무는, 눈물을 흘리는 것 같은 모습으로부터 슬픔이나 복상을 상징하는 모티프로서도 해석 됩니다.

모네는 큰 장식화의 구상에 있어서, 시작도 끝도 없는 무한한 물의 퍼짐에 감상자가 싸여, 편안하게 명상할 수 있는 공간을 목표로 하고 있었습니다. 이 《수련》 도 화면의 왼쪽 절반을 차지하는 가지 버드나무 버드나무의 실상과 허상의 경계가 극히 모호해져 있는 것으로, 평온함이 가득한 영원한 세계라는 것을 느끼게 합니다.

새로운 공간을 파악하는 방법에 따라, 서양 회화의 전통적인 원근법에 근거하는 세계관을 뒤집은 만년의 모네. 쇠약해지지 않는 제작 충동에 의해 인상파를 넘은, 그 화업의 풍부한 전개를 체감할 수 있는 전람회 「모네 수련의 때」를 꼭 놓치지 마세요.

모네 수련 때 개최 개요

※기사의 내용은 취재 시점의 것입니다. 최신 정보는 전람회 공식 사이트 등에서 확인해 주십시오.

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다이토 구립 아사쿠라 조소관

일본 근대 조각계를 견인한 조각가이며, 애 고양이 집으로도 알려진 아사쿠라 후미오. 그의 고양이를 모티브로 한 조각 작품을 한자리에 모은 아사쿠라 후미 부몰 후 60 년 특별전 “원더풀 고양이 라이프 아사쿠라 후미오와 고양이, 가끔 개” 가 다이토 구립 아사쿠라 조소관에서 개최 중입니다. 회기는 2024년 12월 24일(화)까지.

※소개하고 있는 작품은 모두 아사쿠라 조소관 소장입니다.

조각가 아사쿠라 후미오(1883-1964)는, 대상이 있는 그대로의 모습을 찍는 「자연주의적 사실」의 표현을 철저히 탐구하는 자세로부터, 「묘수」나 「오쿠마 시게노부 신상」이라고 하는 초상화 조각 의 걸작을 낳고, 1948년에는 조각가로서 처음으로 문화 훈장을 수장. 제작과 함께 수석에서 졸업한 도쿄 미술학교(현 도쿄 예술대학 미술학부)에서 교편을 취한 것 외에 아틀리에 겸 주거였던 아사쿠라 조소관에서 「아사쿠라 조소학」을 주재하는 등, 후진의 육성도 열심히 노력했습니다.

그런 아사쿠라는 무수한 사랑 고양이 집으로도 알려져 있으며 한때는 19 마리의 고양이를 저택에서 기르고 있었다고합니다. 때로 키우고 고양이들을 모델로 하면서, 고양이의 조각도 거의 평생에 걸쳐 제작. 1964년에는 자신의 조각가 인생 60년과 도쿄 올림픽의 개최를 기념해, 고양이의 다양한 모습을 포착한 「고양이 백태전」을 기획합니다.

그러나 올림픽을 눈앞에 둔 4월에, 병에 의해 향년 81세로 사망해, 「고양이 백태전」의 개최는 실현되지 않고 몹시. 그 꿈은 관계자들에게 계승되어 종의 거처였던 아사쿠라 조소관에서 1994년과 2017년에 특별전으로서 실현되었습니다.

이번 특별전 「원더풀 고양이 라이프 아사쿠라 후미오와 고양이, 가끔 개」도, 「고양이 백태전」과 같이, 고양이 작품에 초점을 맞춘 것입니다만, 과거의 전람회와 다른 것은 그 전시 방법입니다.

“고양이의 작품을 단지 늘어놓을 뿐만 아니라, 여기(아사쿠라 조소관)에서 아사쿠라가 고양이들과 어떻게 보냈는지, 고양이들의 생활은 어떤 것이었는지를 의식하면서 전시했습니다”라고 말하는 것 는, 아사쿠라 조소관의 주임 연구원·토하라 야스코씨.

별로 알려지지 않았지만 아사쿠라는 고양이뿐만 아니라 개도 기르고있었습니다. 애견을 모델로 한 작품은 확인할 수 없습니다만, 소수이면서 개의 작품도 제작하고 있어, 그들도 더해 보다 활기차게, 과거의 생활을 이미지하기 쉬운 전시를 유의했다.

출전 작품은, 고양이의 청동상을 중심으로, 고양이의 스케치나 고양이에 관한 직필의 하이쿠 등을 더한 53점. 아사쿠라에게 있어서 중요한 제작의 수단이었던 사진도 아울러 소개되고 있습니다.

메인의 전시 공간인 아틀리에에 들어가 우선 방문자를 맞이하는 것은, 출품 기록에 남는 것으로는 가장 초기의 고양이 작품, 《매달린 고양이》 (1909)입니다.

제3회 문전에 출품된, 당시로서는 참신한 구도의 작품으로, 고양이의 목을 잡아 올리는 힘이 들어간 팔과, 고양이의 흔들림과 이완한 몸의 대비가 볼거리입니다. 무언가 말한 고양이의 표정에는 무심코 웃음이 떠올랐습니다. 잘 보면 고양이의 뒷발이 약간 긴장하고 있는 모습으로, 도쿄 미술학교를 졸업하고 얼마 안되는 젊은 아사쿠라가 이미 가져온, 대상을 포착하는 날카로운 관찰 눈, 그리고 탁월한 표현력을 느끼는 것 수 있습니다.

도하리 씨에 의하면, 본작과 같은 타 사랑이 없는 일상을 담은 소품을 문전에 출품했다는 사실을, 아사쿠라와 친교가 있던 조각가이며, 기쁨이 없는 미술 평론가이기도 했다 타카무라 코타로가 평가한 에피소드가 있다고 한다.

“지금까지의 문전이라고 하면, 인체의 아름다움을 추구한 것이나, 추상 테마를 표현한 구상 인체 등이, 보다 등신의 큰 작품으로서 많이 출품되고 있었습니다.그런 상황에 있어서 , 고양이를 단순한 고양이로 취급한 것을 다카무라는 평가했습니다. 아사쿠라는 고양이의 작품을 평생 계속 만들었을지도 모릅니다.」 (도하리 씨)

한편 타카무라는 본작에서의 팔의 표현의 경도를 지적했다고 합니다. 같은 해 제작되었다고 생각해 《팔》 (1909년경)은, 어느 전람회에도 출품의 기록이 남아 있지 않은 점에서도, 아사쿠라가 타카무라의 비평을 진지하게 받아들여, 연습으로서 제작한 것으로 생각되어 있다든가.

회장에서는《팔》외, 그 10년 후에 다카무라 코타로에 의해 제작된 《손》 (1918)도 병치. 유학 자금을 모으는 다카무라에 대해 아사쿠라가 「손 하나도 다리 한 개라도」라고 과거의 비평에도 통하는 말로, 소성을 밝히지 않고 자유로운 제작을 의뢰한 것입니다. 그것만으로도 타카무라에는 핀과 오는 것이 있었는지, 결국은 아사쿠라로부터의 의뢰라고 들었다고 한다. 두 사람의 조각가로서의 교류의 모습이 보이는 전시가 되고 있습니다.

《매달린 고양이》로부터 약 40년 후에 제작된 후기의 작품 《잘 잡거나》 (1946)에 시선을 옮기면, 그 기교의 세련미에 놀라게 됩니다. 쥐를 둘러싼 한순간의, 목 주위의 근육의 경직, 어떻게 맹인 얼굴 붙어, 저항하는 쥐의 움직임에 대비하고 있는 앞발의 밸런스감. 이 후에 뛰어 내리는 모습까지 쉽게 상상할 수 있는 리얼함은 마치 실제로 그 순간의 고양이를 형으로 취한 것 같습니다.

고양이의 변덕스러운 움직임과 기질, 그 모든 것을 좋아하고 있었다는 아사쿠라는 고양이 독특한 유연한 움직임을 낳는 골격에도 강한 관심을 지불하고 있었다고. 골격 표본에서 공부하고 있던 것은 물론, “(아사쿠라의) 아가씨가 말씀하셨다면, 아사쿠라는 항상 고양이를 무릎에 얹어 쓰다듬고 있었지만, 그것은 귀여워하기 때문에 뿐만 아니라 골격이나 근육의 첨부 쪽을 찾아, 확인하기 위해였던 것이 아닐까 하는 것입니다」 라고 토하리씨. 엄격한 사실주의를 추구한 아사쿠라다움이 넘치는 에피소드입니다.

같은 잠자는 모습이라도 앞발에 머리를 끄덕이고 있는지, 귀와 꼬리 모양이 다른 모습 등도 충실하게 표현. 그 외, 성장을 하고, 새끼 고양이에게 우유를 주거나, 새끼 고양이끼리 함께 끌어들이거나, 고양이들의 포즈의 바리에이션은 실로 풍부합니다.

보기, 그냥 앉아있는 것처럼 보이는 “산후의 고양이” (1911)는 남양에서의 시찰을 마치고 집에 돌아온 아사쿠라를 이틀 전에 아이를 낳은지 얼마 안되는 고양이가 마중했을 때의 모습 을 작품으로 한 것. 움푹 패인 것 같은 우울증 가감입니다.

아사쿠라는 출산의 피로를 호소함과 동시에 새끼 고양이의 태어난 기쁨을 보고하듯 무릎에 응석해 오는 사랑 고양이의 모습에 제작 의욕을 불러일으켰다고 한다. 다른 고양이 작품에 비해 세부 표현의 디포르메가 많은 이유에 대해, 토하리 씨는 “고양이의 모습이라기보다는 고양이의 감정, 피로와 기쁨 그 자체를 포착하려고 했을지도” 라는 견해를 보였습니다 .

한편, 마른 피부가 느슨해져, 모염도 없어진 애고양이가 엉덩이를 올려 통증을 견디고 있는 모습을 포착한 만년의 《애고양이 병들기》 (1958)는, 다른 작품에 봐 어떤 종류의 부드러움이 쏟아져 눈을 돌리고 싶어지는 병이나 죽음에도 정면에서 마주하는 예술가로서의 각오와 비애를 느끼게 하는 것이었습니다.

아사쿠라에게 있어서 고양이 작품은, 의뢰를 받아 제약 속에서 만드는 초상화 조각 등과는 달리, 어깨의 힘을 빼고 자유롭게, 자신의 창작 의욕에 맡겨 만드는 것이었던 것 같습니다. 소재로서 취급하기 쉽다고는 좋지 않은 모습을 굳이 조형화하고 있는 것도, 사랑스러운 기억마다 사진이나 일기와 같이 남기고 싶다는, 애고양이가로서의 솔직한 마음에 의한 것일까요. 그러한 자세는 아사쿠라의 고양이 작품이 가지는 매력의 근원이기도 합니다.

그 외 회장에서는, 아사쿠라의 브론즈 작품에 관련되는, 가스형 주조라고 불리는 제작 공정을 소개한 17분 정도의 동영상도 상영중. 우선 점토로 작품을 만들고, 석고로 형취하여 원형을 만들고, 한층 더 그것을 바탕으로 브론즈에… 마음이 멀어질수록 섬세한 프로세스를 거쳐 전시 작품이 완성되고 있는 것을 알기 때문에, 주조의 공정을 이미지하기 어려운 분은 필견입니다.

본전 개최의 계기에 대해, 토하리씨는 “점점 아사쿠라를 모르는 사람도 늘어 온 것으로부터, 아사쿠라와 아사쿠라의 작품에 친밀을 가져오려고 기획했습니다”라고 말합니다.

아사쿠라의 뛰어난 조형력과 관찰 눈, 그리고 고양이에 대한 깊은 애정을 듬뿍 느낄 수 있는 본전은 바로 아사쿠라의 매력을 아는 입문편에 딱. 고양이를 좋아하게는 견딜 수 없는 생생하고 미소 짓는 포즈를 취하는 고양이들의 모습을 꼭 한번 감상해 보는 것은 어떻습니까.

덧붙여 회장인 아사쿠라 조소관도 매우 매력적인 건물이므로, 몇가지 볼거리를 소개합니다.

아사쿠라는 도쿄 미술학교를 졸업한 1907년, 24세 때 야나카에 스스로가 설계한 아틀리에와 주거를 짓습니다. 일류의 장인들의 손을 빌리면서, 부지의 확장이나 증개축을 반복해, 현재의 아사쿠라 조소관의 건물이 완성된 것은 1935년의 일. 2001년에 건물이 나라의 유형문화재에 등록되어 2008년에는 부지 전체가 「구아사쿠라 후미오씨 정원」으로서 나라의 명승으로 지정되었습니다. 아틀리에 동은 철근 콘크리트조, 주거동은 목조의 스기야조라는 개성적인 구성입니다만, 아사쿠라의 뛰어난 미적 감각으로 다른 소재를 위화감 없이 조화시키고 있습니다.

평상시부터 작품을 전시하고 있는 아틀리에는 천장고가 8.5m도 있어, 발을 디디면 우선 그 개방감에 놀랄 것이다. 플로어의 서쪽에는 3.78m에 달하는 《코무라 슈타로상》(1938)이 놓여져 있습니다만, 전혀 압박감이 없습니다.

예술가의 아틀리에라고 하면 창은 북측이 세올리입니다만, 아사쿠라 조소관의 아틀리에는 북・동・남의 3방에 창이 있어, 매우 밝은 것이 특징입니다. 모든 각도에서 자연광을 맞추고, 옥외에 놓이는 것이 많은 조각의 보이는 방법을 연구하는 것이 목적으로, 제작시에는 커튼으로 광량을 조절하고 있었다는 것. 또, 북측 상부의 큰 창에 완만한 아르(곡선)가 붙어 있는 것은, 그림자를 강하게 하지 않고, 전체에 빛을 돌려주게 하기 위해. 벽의 소재에는 따뜻한 진면이 사용되고 있는 등, 조각가로서의 고집이 곳곳에 흘러넘치고 있습니다.

아틀리에에 인접한 서재도 또한 뿜어져 있어 마치 영화 세트와 같습니다. 천장에까지 닿는, 3면에 걸친 유리문의 책장에 들어간 서적 가운데, 양서의 대부분은 미술 평론가이며, 도쿄 미술 학교 시대의 아사쿠라의 은사이기도 한 이와무라 토오리의 장서였습니다. 이와무라의 몰후, 고서점 등에 소산되고 있던 귀중한 이러한 자료를, 아사쿠라가 자택을 저당에 넣어 자금을 조달해, 재구입한 것이라고 합니다.

손님을 대접하고 있던 3층의 술집 「아사히의 사이」는, 그 이름대로 동쪽에 구비된 창문으로부터 아사히가 꽂는, 아사쿠라 조소관 중에서 가장 격식이 높은 일실입니다. 호화로운 일본식 설비로 품위있게 빛나는 붉은 벽은 고가의 붉은 마노(메노우)를 인력으로 부수고 칠한 마노 벽. 약간 섞인 흑요석이 무이의 그늘을 만들어 내고 있습니다.

천장판은, 이즈 아마기의 지중에서 파내었다고 하는 신대 삼나무에 삼나무 껍질의 안감을 베푼 것. 바닥 사이에는 소나무의 한 장판, 란간에는 오동나무의 한 장판과 당시에도 귀중했던 소재가 사용되고 있습니다. 굳이 통일감을 가지지 않는 곳에 장난기도 있어, 아사쿠라의 미학이 느껴지는 공간입니다.

안뜰 「고전의 연못」은 물과 거석, 수목으로 구성되어 있습니다. 사방을 건물로 둘러싼 회랑식이며, 어느 방에서도 아름다운 풍경을 즐길 수 있는, 조각가의 시점이 살린 구조입니다. 아사쿠라는 이곳을 자기반성의 장으로 하고, 생활방식에 망설임이 생겼을 때, 물건의 본질을 판별하기 어려워졌을 때, 깨끗한 물을 바라보고 심신을 정화해, 새로운 제작에 매진하고 있었다고 한다.

아틀리에 빌딩의 옥상에는 올리브 나무가있는 정원이 펼쳐져 있습니다. 옥상 녹화의 빠른 예라고.

여기에서는 한때, 아사쿠라 조소학의 필수 과목으로서 원예 실습이 행해지고 있었습니다. 원예도 소조도 흙으로 생명을 키우는 작업이기 때문에, 원예를 통해 학생들을 흙에 친하게 하고, 대상을 보는 눈을 기르게 하는 목적이 있었다고 한다. 현재는 일부에 채소밭이 재현되어 사계절의 꽃을 즐길 수 있는 휴식의 장소가 되고 있습니다.

정원의 서쪽에 놓인 남성 동상 《포마루》(1924)는, 넓은 하늘 아래에서 야나카의 거리를 바라보고 있습니다. 건물에 들어가기 전의 문에서 올려다보면 작품의 정면을 확인할 수 있으므로, 방문했을 때는 꼭 옥상을 올려다 봐 주세요.

아사쿠라 후미오 부몰 후 60년 특별전 “원더풀 고양이 라이프 아사쿠라 후미오와 고양이, 가끔 개” 개요

※기사의 내용은 취재시의 것입니다. 최신 정보와 다를 수 있으므로 자세한 내용은 공식 HP에서 확인하십시오.

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도쿄도 미술관

‘신동’이라 불리는 어린 시절을 거쳐 만년에는 아마미의 자연을 주제로 한 회화에 몰두한 다나카 이치무라.

「다나카 이치무라전 아마미의 빛 영혼의 회화」에서는, 전신 전령을 걸어 「그리는 것」에 임한 이치무라의 생애를 그 작품을 함께 회고한다.

본 기사에서는 개최 전날에 행해진 보도 내람회의 모습을 리포트한다.

다나카 이치무라, 불굴의 열정의 궤적

메이지 41년(1908)에 도치기초(현·도치기시)에서 태어난 다나카 이치무라는, 유년기부터 탁월한 화재를 나타내, 신동이라고 칭했습니다.
조각사의 아버지로부터 미나리(베이슨)의 화호를 주어져 도쿄 미술학교(현·도쿄예술대학) 일본 화과에 입학하는 것도, 2개월에 퇴학.
쇼와 22년(1947)에 야나기 이치무라와 화호를 개정해, 「흰 꽃」이 청룡전에 입선하는 것도, 그 후에는 약간의 지원자를 의지하는 제작이 계속되었습니다. 만년은 단신 아마미오시마로 이주해, 아마미의 자연을 주제로 한 그림에 전념하는 나날을 보냈습니다만, 69세로 사망합니다.

몰후의 1979년(1979), 유지에 의해 아마미에서 유작전이 개최되어, 이례가 되는 3천명의 동원을 기록. 미디어가 그 모양을 소개함으로써 열광과 함께 그 생애나 작품이 전국에 알려지게 되었습니다.

「다나카 이치무라전 아마미의 빛 영혼의 그림-Tanaka Isson: Light and Soulー」에서는 아마미로 그린 대표작《불식감과 소소》 《아단의 해변》 시작해, 미완의 대작도 전시 . 회화 작품을 중심으로, 스케치·공예품·자료를 포함한 250건을 넘는 작품으로, 이치무라의 화업의 전모에 다가갑니다.

최대 규모의 대회 고전

본전은 제1장 “젊은 남화가 “다나카 쌀邨” 도쿄 시대” , 제2 장 “치바 시대 “이치무라” 탄생” , 제3장 “자신의 길 아마미에” 의 전 3장 구성. 다나카 이치무라의 작품군을 시계열로 전시하는 것으로, 거의 끊임없이 변천해 가는 화업을 중얼거리게 추적할 수 있게 되어 있습니다.

6,7세라는 소년 시절부터 많은 작품을 그린 이치무라의 작품은 각지에 상당수가 남아 있어, 본 전람회에서 전시되는 작품의 대부분도 최근 신출한 것으로, 최초 공개의 작품도 적지 않습니다. 출품 점수는 250점 이상. 바로 최대 규모의 회고전이라고 할 수 있습니다.

다나카 이치무라의 화업은 결코 평탄한 것이 아니었습니다. 어린 시절부터 「신동」이라고 불리며, 신진의 남화가로서 활약하면서도, 평생에 한 번도 개인전을 열지 않고, 무명인 채 혼자 아마미의 땅에서 평생을 마쳤습니다.
제3장에서는, 그런 이치무라가 불퇴전의 결의로 아마미의 땅에 걸쳐, 생활비를 공면하면서 전신 전령을 베팅해 그린 작품의 여러가 전시되고 있어, 이치무라가 「종료의 땅」으로 도착했다 화업의 경지를 작품과 함께 체감할 수 있습니다.

전시 작품 소개

이곳에서는 전시 작품의 일부를 픽업하여 소개합니다.

「공백기」의 이치무라의 이미지를 일변시킨 대작

이치무라는 “23세 무렵, 자신이 본도라고 믿은 신화풍이 지원자의 찬동을 얻지 못하고 의절했다”라고 후년 편지에 쓰고 있어, 종래 이 시기는 과작으로 “공백의 시기”로 있다고 여겨졌습니다. 그러나 최근 이 시기에 그린 역작이 발견되어 그 견해는 바뀌고 있습니다.
본 작품은 그런 이치무라 쇼와 초기의 활동의 이미지를 일변시킨 호화로운 금병풍.
당시 이치무라는 24세. 새로운 경지를 찾아 모색하는 열정과 에너지가 느껴지는 것 같습니다.

다나카 이치무라, 유일한 입선작.

쇼와 22년(1947), 가와바타 류류코 주재의 제19회 청룡전에 첫 입선한 출품작으로, 결과적으로 공모전에 입선한 유일한 작이 된 것입니다.
출품목록에 「흰꽃 야나이이치무라」라고 있어, 화호를 「미나리」에서 새롭게 「야나이이치무라」로서 임한 것을 알 수 있는, 심기 일전의 전후의 의욕작.
어딘가 누락감이 있는 세련된 화풍이 인상적입니다.

영화에 등을 돌려도, 관철한 신념.

첫 입선을 완수한 이듬해인 쇼와 23년(1948), 제20회 청룡전에 2개의 작품을 출품한 이치무라. 이치무라는 이《아키하루》를 자신작으로 인정하고 있었지만, 참고 출품의《파》만이 입선을 완수한다는 결과에 낙담해, 입선을 사퇴해 버립니다.

금병풍에 검은 실루엣으로 나무들이 대담하게 표현된 본작. 역광과 같은 효과로 부풀어 오르는 나무, 세부에 이르기까지 표현된 가지와 나무 껍질의 질감은 바로 입혼의 완성입니다.
영화에 등을 돌려까지 이치무라가 지키고 싶은 것은 무엇이었는가. 꼭 본작에 직접 마주하고 그것을 느껴보세요.

아마미의 빛이 이치무라에게 가져온 것

쇼와 49년(1974) 1월(66세)의 서한에 「엔마 대왕 에의 기념품」이라고 기록한 이치무라 입혼의 작품이 《아단의 해변》 과 《불장고구와 소소》 . 바로 본전의 하얀 눈썹이라고 할 수 있는 작품입니다.

이제는 아무런 회개도 없는 제작을 이룰 수 있다는 자부의 표현인 본작은, 내도 당초부터 구상을 거듭해 온 아단이라는 식물을 소재로 하고 있습니다. 녹색에서 파란색까지 다양한 안료를 사용하여 그려진 아단의 농채. 중경에는 섬세한 선으로 잔물결이 그려져 구름의 그쪽의 금빛빛은 화면 전체에 숭고함을 주고 있습니다.
전시회장에는 이치무라가 그린 관음과 나한의 그림들도 전시되어 있습니다만, 본작에는 그런 그가 인생의 마지막에 뒤따른 종교적인 감정이 표현되고 있다고 해도 과언이 아닐 것입니다.

이치무라 아츠시의 대작, 꼭 회장에서 봐 주세요.

전람회 앰배서더·고이즈미 타카타로씨도 등단!

보도 내람회와 개회식에서는, 본전의 앰배서더와 음성 가이드 네비게이터를 맡는 배우 고이즈미 타카타로씨가, 《불식 고구마와 소철》을 모티브로 한 세계에 일착 밖에 없는 오오시마 신의 기모노를 착용해 등장 했습니다.

“매우 신기한 타나카 이치무라 씨와의 인연과 교제를 느끼면서, 기분을 담아 음성 가이드를 맡았습니다.” 아버지 고이즈미 준이치로 전 총리의 할아버지)가 다나카 이치무라의 후원 회장을 맡고 있었다는 인연도 있어, 어릴 적부터 다나카 이치무라라는 화가를 듣고 있었다고 합니다.

거기에서 약 1 세기 가까운 시간을 거쳐 고이즈미 가문에서 태어난 자신이 다나카 이치무라 전시회에 관여하는 것에 대해, “정말 놀랐고, 영광스러운 일을 받았다고 생각하고, 기분을 담아 목소리를 불어 넣었습니다. “라고 본전을 통해 태어난 신기한 邂逅에 대해 생각을 하게 했습니다.

「어린 시절부터 다나카 이치무라 씨의 만년의 그림은 보았습니다만, 이 전람회에서는 초기 시절의 작품으로부터 보았습니다.개인적으로는 자신의 친가에 소테츠의 나무가 심어져 있었기 때문에, 아마미의 대자연의 바다나 파파야, 소테츠가 그려져 있는 그림에 전망해 버렸습니다」

그리고이 전시회를 감상 한 소감을 되돌아보고 마지막으로

「회화뿐만 아니라, 타나카 이치무라씨가 남겨진 귀중한 사진이나 친필의 엽서, 드문 영수증등도 남아 있기 때문에, 타나카 이치무라씨가 어떤 활약을 하고, 어떤 사람이었는지가 마음껏 느껴지는 멋진 그림전이라고 생각합니다.초기의 무렵은 지바현에서 이런 식으로 살고 있었구나, 굉장히 괴로운 노력을 한 분이라든지···많은 분에게 다나카 이치무라씨 의 매력을 느껴 주셨으면 합니다」

라고, 미소로 청중에게 호소하고 있었습니다.

“마지막은 도쿄에서 개인전을 열고 그림의 결착을 하고 싶다”고 말했던 다나카 이치무라. 본전 「다나카 이치무라전 아마미의 빛 영혼의 그림-Tanaka Isson: Light and Soulー」는, 확실히 기대하지 않고 이루어진 이치무라 마지막 소원이라고 할 수 있을지도 모릅니다 .

개최 기간은 2024년 12월 1일(일)까지.
세상의 영들로부터 몸을 두고, 전신 전령을 걸어 「그리는 것」에 임한 이치무라의 작품의 여러 가지를 꼭 회장에서 봐 주세요.

개최 개요

※기사의 내용은 취재시의 것입니다. 최신의 정보와 다른 경우가 있으므로, 자세한 것은 전람회 공식 사이트등에서 확인해 주세요. 또한 이 기사에서 다룬 작품이 이미 전시 종료되었을 가능성도 있습니다.

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