[월:] 2026년 07월

도쿄 예술 대학 대학 미술관

도쿄·우에노 공원의 도쿄 예술 대학 대학 미술관에서, 2026년 7월 24일(금)부터, 누구나가 동경의 “예대생”이 될 수 있는 독특한 전람회 “예대식 미술의 “미카타” ―올 여름, 예대생이 된다―’ 가 개막했습니다. 회기는 9월 23일(수·축)까지.

본전은, 도쿄 예술대학의 현역 강사진이 다루는 12컷의 「강의」를, 동관의 귀중한 컬렉션 작품을 교재로 하면서 「전람회」로서 맛본다고 하는 것. 마치 정말로 대학의 수업을 듣고 있는 것 같은, 지금까지 없었던 호화스러운 감상 체험을 할 수 있는 것이 큰 매력입니다.

본전의 특별 튜터에 취임한 코미디 콤비·나이츠(츠카시노유키씨·츠치야 노부유키씨)가 등장한 취재회 등, 개막 전날에 행해진 보도 내람회의 상세를 리포트합니다.

나이츠 등장! 웃음으로 풀어주는 '예대'의 세계

보도 내람회에서는, 본전의 「특별 튜터」에 취임한 코미디 콤비・나이츠(츠카시노유키씨・츠치야 노부유키씨)의 취재회가 행해졌습니다.

현재 일본 대학 예술 학부에서 미술을 배우는 츠치야 씨는 "과거 진심으로 미대 예비교에 다니며 도쿄 예대를 수험하고 전혀 이가 서 있지 않았다"는 에피소드를 선보였다. 「이 전시에서 『예대생이 될 수 있다』라고 하면, 그렇게 열심히 공부하지 않아서 좋았다(웃음)」라고, 예대의 수업을 리얼하게 체감할 수 있는 본전의 퀄리티를 대절찬했습니다. 한편 츠루 씨도 "플라 모델을 좋아하기 때문에 적외선으로 안의 골조에서 조사하여 불상을 모각하는 전시에 감동했다"고 독자적인 시점에서 말해 회장을 끓이게 했습니다.

취재회가 행해진 「7한째」의 에리어에서는, 동물의 작품을 보고 그 기분을 스티커 메모에 써 남기는 참가형 전시가 행해지고 있습니다. 취재회에서는 여기서 대희리가 발발. 거대한 북극곰 작품 "polka dots"를 앞두고 두 사람도 플립 보드에서 답변을 발표했습니다.

츠치야 씨는 "나야말로 튜터입니다", 츠카 씨는 "실은 무엇도 생각하지 않아!"라고 대답. 「재미있는 답을 요구받았지만, 생각하지 않고 도망쳤습니다」라고 백상하는 츠루 씨에게, 츠치야씨가 「굳이 말하지 않고 상대에게 생각하게 하는 것도 아트군요」라고 팔로우를 넣는 일막도.

마지막으로 본전에의 메시지를 요구하면, 츠치야씨는 「『예대생이 될 수 있다』는 것이 제일의 매력. 정말로 예대의 수업을 받는 체험을 해 주었으면 한다」 라고 본전의 컨셉을 강력하게 어필. 츠카 씨도, 「지금은 인터넷이나 스마트폰만 봐 버리는 시대입니다만, 실제로 다리를 옮겨, 생으로 그림을 보고 느끼는 것은 매우 중요」 라고, 생의 예술에 접하는 의의를 진지하게 말해 주었습니다.

그렇다, 藝대생이 되자.

예대 미술학부는 1887(메이지 20)년 설치의 도쿄미술학교(미교)를 전신으로 하고, 미술교육과 연구의 중심으로 뛰어난 예술가나 연구자를 많이 배출해 왔습니다.

본전은 2026년~2028년 3년에 걸쳐 매여 여름 개최되는 시리즈의 제1탄으로, 예대의 현역 강사진이 예대 컬렉션을 중심으로 기획한 강의 형식의 전시를 체험할 수 있다는 첫 시도.

미술관의 전시로 구성된 총 12개의 '강의'에서는 미술의 역사, 실기, 표현, 감상, 보존 수리 등을 테마로, 藝大강사진이 다양한 미술의 '미카타'를 제안하고 있습니다.

홍모노에서 미술의 '미카타' 배우기

수업 형식이라고 해도, 물론 좌학이 아닙니다. 회장에는 구로다 키요테루, 와다 히데사쿠, 히라쿠시다 나카라 등 역대 교수와 후지타 츠키지 등 졸업생의 작품, 한층 더 고흐나 학생들의 작품까지, 버라이어티가 풍부한 조대 컬렉션이 늘어서, 리얼한 감상 체험을 통해 미술의 「미카타」를 습득할 수 있습니다.

1~3한에서는 메이지기의 일본 근대 미술을 다양한 각도에서 되돌아보고, 4한에서는 미교 창설에 깊이 관여한 오카쿠라 텐신의 「차의 마음」으로부터 일본인의 미의식을 배웁니다. 5한에서는 藝대에서 맥들로 계승되는 「모사」에 초점을 맞추고, 계속되는 6한에서는 「모각」을 축으로 한 불상의 보존 수복 방법을 소개. 이를 통해 "뿌리와 마주하는"것의 중요성을 돋보이게합니다.

또, 9~11한에서는 미교 졸업생의 활약을 소개하는 것과 동시에, 약 100년전의 도쿄의 문화적 변용에 관해서 개관합니다.

藝大生의 모사를 눈앞에서 감상!

1한 회화 기초 연습 “마네부 미술관~모사로 요미토쿠 미의 손과 마음~”에서는, 무려 전시실내에서 현역의 가이대생에 의한 모사를 실연.

나이츠의 취재회에서는, 츠치야씨가 모사를 실시하는 가이대생에게 인터뷰했을 때를 말해 주었습니다만, 실제로 미술품을 전시하는 회장인 이상, 모사에 사용할 수 있는 도구도 한정되어 온다고 합니다. 그런 가운데 조대생들은 작품을 그대로 모사할 뿐만 아니라, 실제 그림과는 광원을 바꾸어 그려보거나 다양한 도전을 하고 있다는 것이었습니다.

지금 바로 대대에서 미술을 배우는 학생이 진지하게 모사를 하는 모습을 통해 그림에 숨겨진 화가의 심정과 의도에 대해 생각을 둘러보는 것도 좋을지도 모르겠네요.

여름방학의 체험 학습으로서

대학 강의가 테마의 본전입니다만, 즐길 수 있는 것은 어른만이 아닙니다.

7한 「동물의 눈으로 작품을 보자」에서는, 동물을 모티브로 한 다양한 작품을 전시. 「귀엽다」라고 하는 소박한 감각으로부터 스타트할 수 있다고 하는 의미로, 아이들에게도 추천의 에리어입니다.

8한 「보고, 만져, 말로 해」에서는 AI 해석에 의한 최신의 미술 감상 아카이브를 소개. 작품을 보았을 때의 인상 등을, AI로 정리·축적한 아카이브를 통해서, 타인과의 차이나 자신의 작품 감상의 변화를 실감할 수 있습니다. 아이와 함께 감상을 출력해 보면, 여러가지 주의가 있을지도 모릅니다.

개인적으로 추천하는 것은 6한 「예대식, 불상의 의사」의 회장에 전시되고 있는 축척 모각·도다이지 남대문 인왕상입니다. 축척에 따라 이미지의 다양한 각도와 조형의 미세 조정을 거쳐 제작되었다는 본작. 사를 지불한다는 인왕상의 '노려움'을 꼭 회장에서 체험해 보세요.

회장에는 부모와 자식으로 즐길 수 있는 체험 전시 외에 엠보스 스탬프를 눌러 즐길 수 있는 워크시트도 배포. 한층 더 회기중은 미니 콘서트나 미니 렉처 등, 예대만의 이벤트도 실시. 흥미가 있는 「강의」를 깊이 파고, 여름방학의 자유 연구로 해 보는 것은 어떻습니까?

조대식 미술의 “미카타” ―이번 여름, 조대생이 된다―”개요

※기사의 내용은 취재 시점의 것입니다. 최신 정보는 공식 사이트 등에서 확인하십시오.

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기타 보고서 보기

국립 서양 미술관

17세기 네덜란드를 대표하는 화가 렘브란트 하르멘스존 팬 레인(1606-69)의 “판화가”로서의 측면에 빛을 비추는 전람회 “판화가 렘브란트 도전, 계승, 임팩트” 가 국립 서양 미술관에서 개막했습니다. 회기는 2026년 9월 23일(수·축)까지.

※회기 중 일부 작품의 전시 교체가 있습니다. 자세한 것은 공식 페이지 에 게재되고 있는 작품 리스트등에서 확인해 주세요.

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1606년, 네덜란드 레이덴에서 태어나 초상화 화가·이야기 화가로서 확고한 지위를 구축한 렘브란트. 빛과 그림자의 극적인 대비 표현을 이용한 《야경》등의 유채화로 널리 알려져 있지만, 평생에 걸쳐 판화, 특히 에칭의 제작에도 열정을 쏟아, 그 표현의 가능성을 극복한 것으로, 판화 사상 최대의 거장이라고도 평가되고 있습니다.

본전은, 렘브란트의 판화 표현에 있어서의 다양한 「도전」의 궤적뿐만 아니라, 그 영향을 받은 고야나 마티스, 피카소등의 작품을 한자리에 모아, 20세기 초까지의 「계승」과 「임팩트」의 양상을 따르는 것. 세계 유일의 렘브란트 전문 미술관인 암스테르담의 렘브란트 하우스 미술관과 국립 서양 미술관의 소장 작품을 중심으로 국내 미술관, 대학 도서관, 해외 개인 컬렉터에서 빌린 작품, 서적이나 포스터 등도 포함한 약 130점을 전시하고 있습니다.

제1장 「렘브란트, 판화의 도전」 에서는, 렘브란트의 야심적인 판화 제작에 의해 만들어진 다채로운 표현을, 「초상과 머리부 습작」 「사회적 주연자와 서민들」 「종교 주제」 「동판상의 스케치」 「풍경」이라고 하는 주제별 5 섹션으로 소개하고 있습니다.

17세기 유럽에서 보급된 주요 판화 기법에는 목판화와 금속 오목 판화인 인그레이빙, 에칭이 존재했습니다. 에칭에 앞서 등장한 엔그레이빙은, 뷰란(조각도)로 원판(인쇄를 위한 도상을 조각하는 판)이 되는 금속판을 직접 새기는 기법입니다. 그 취급의 어려움으로부터 고도의 훈련을 요해, 강력하게 샤프하고 직선 우위, 하면 기계적인 만큼 규칙 올바른 선묘 표현이 정식화하고 있었습니다.

이에 대해, 렘브란트가 주로 임한 것이 에칭(부식 구리 판화)입니다. 원래 딱딱한 철의 갑옷이나 도검에 장식을 새기 위해 만들어진 기술을 판화에 응용한 것으로, 방식제를 바른 동판을 니들(침 모양의 첨단을 가지는 도구)로 깎아, 금속이 노출된 부분을 산으로 부식시켜 홈을 만드는 기법입니다. 종이에 펜으로 그리는 것 같은 감각으로 제작할 수 있는 것이 특징입니다만, 당초는 제작에 방대한 시간이 걸리는 인그레이빙의 대체로서 다루어지는 경우가 많아, 그 표현의 가능성은 충분히 탐구되지 않았습니다.

17세기 초가 되면, 네덜란드에서 판화가로서의 훈련을 받은 적이 없는 화가들이 에칭 제작에 참가. 전통에 얽매이지 않는 새로운 표현을 모색하는 움직임이 퍼지기 시작했습니다. 그 흐름에 화가로서 독립한 렘브란트도 더해져, 역사적 전환기의 견인자로서 발전에 공헌. 원판수로 해서 실로 314점의 작품을 남기고 있습니다.

에칭을 다룬 화가의 대부분은, 캐리어의 한시기에 몇점의 작품을 제작하는 것에 그치고, 그 작품의 대부분은 풍경을 다룬 것이었습니다. 대하는 렘브란트는 풍경은 물론 초상화와 머리 습작, 풍속, 성경 이야기까지 다양하게 주제를 다루고, 네덜란드에서는 새로운 장르가 되는 동판을 스케치북처럼 사용한 습작풍의 작례도 남기고 있습니다. 이처럼 폭넓은 장르를 다루는 것은 장르의 전문 분화가 진행된 당시의 네덜란드에서 결코 일반적인 것이 아니었습니다. 이러한 관점에서 봐도, 렘브란트의 판화 제작은 도전적이었다고 할 수 있습니다.

초기의 아이코닉한 습작 《자화상, 입을 열은 얼굴》 (1630)은, 크게 꿰뚫어진 눈과 흐린 입이 겉으로 굉장한 인상을 줍니다만, 결코 희미하게 제작된 것은 아닙니다. 이야기 화가로서 인물 묘사의 설득력을 추구한 렘브란트가, 자신의 얼굴을 모델로 다양한 표정을 연구한 것을 알 수 있는 일작입니다.

이듬해에 제작된 《부드러운 모자를 쓰고 무늬가 있는 외투를 감싸는 자화상》 (1631)는, 소품이면서 그 선묘의 다채로움에 눈을 돌립니다. 구부러진 모자의 고리의 유연한 원단은 부드럽게 튀는 세로선의 집적으로 묘사되어, 광택이 있는 묵직한 외투의 천은, 패턴이 다른 교차선이나 지그재그 선이 거듭되어 있습니다. 한편으로, 옷깃이나 소맷부리의 레이스, 수축된 머리카락은 펜소묘와 같이 자재로, 부드럽고 섬세한 선에 의해 성립하고 있어, 종래 평가되기 십상이었던 「단조함」을 이미 극복해, 질감에 응한 선묘 표현을 확립하고 있던 것을 볼 수 있습니다.

또, 에칭은 스테이트(원판 개변)를 거듭해, 인쇄하면서 이미지를 발전시키는 프로세스가 일반적입니다. 렘브란트는 그 횟수가 돌출하고 있어, 본작도 14개의 스테이트가 확인되고 있습니다.

《판화상 클레멘트 데 용게의 초상》 (1651)의 전시에서는, 제1 스테이트와 제5 스테이트의 인쇄를 비교할 수 있습니다. 제5 스테이트에서는 음영이 진해져, 표정이 읽기 어려워지고 있는 것으로 미스테리어스한 분위기가 감돌고 있습니다.

렘브란트는 스테이트를 거듭하는 것으로, 종종 정경 그 자체의 의미가 바뀔 정도로 대폭적인 변경을 가했습니다. 점차 이미지의 발전에 그치지 않고, 원판 개변을 바리에이션 제작의 수단으로서 이용하게 됩니다. 그 중에는, 선행하는 판화가 세이헬스의《토비아스와 천사》의 원판을 개변해, 이집트 도피의 여로에 있는 성가족이라고 하는 별주제의 작품으로 만들어 버린 《이집트에의 도피》 (c.1652)와 같은 예도 존재하고, 렘브란트가 판화를 고정된 완성품이 아니라 유연한 창작의 장으로서 파악하고 있던 것을 알 수 있습니다.

렘브란트의 에칭 작품의 백미로 여겨지는 《백글루덴 판화》 (1648)는, 본전의 하이라이트의 하나. 타이틀은 당시의 판화로서 파격의 「100 글루덴」이라고 하는 고치로 거래된 것에 유래해, 화면에서는 신약 성서 「마태에 의한 복음서」19장의 여러 장면이, 공통의 주인공인 그리스도를 중심으로 동시 진행으로 전개하고 있습니다.

부드러운 어둠으로 닫힌 배경에서 칠흑에서 회색, 흰색으로 바뀌는 오히려 회화적으로 뉘앙스 풍부한 음영의 그라데이션을 만들어내는 것은 무수한 선이 짜는 네트워크입니다. 전용의 니들로 직접 동판을 깎아, 뿌려진 부분에서 독특한 번짐을 낳는 「드라이 포인트」기법의 병용이나, 일본 종이에의 인쇄가 그 풍부한 계조를 한층 깊게 해, 정경 묘사에 깊은 여운을 가져오고 있습니다.

한편, 화면 왼쪽의 인물군은 거의 윤곽선만으로, 펜소묘와 같이 포착되고 있습니다. 참신한 군상극의 구성으로 주목받는 본작입니다만, 렘브란트에 의한 기법적 도전의 성과의 결정이라고 볼 수도 있습니다.

《암스테르담의 전망》 (c.1641)은, 렘브란트가 캐리어의 대부분을 보낸 암스테르담시를, 운하를 사이에 둔 대안으로부터 파악한 작품. 낮은 수평선과 화면의 대부분을 차지하는 하늘이라는 구성은 당시의 네덜란드 풍경화의 트렌드에 따른 것입니다. 한편, 하늘을 굳이 하얗게 남겨 빛을 느끼게 하는 수법은, 반드시라고 해도 좋을 만큼 구름이 그려져 있던 전통적인 판화 표현으로부터 멀어지는 것 있어, 이쪽도 렘브란트가 개척한 어프로치라고 할 수 있습니다.

제2장 「계속되는 유산-17-18세기」 에서는, 렘브란트와 동시대의 17세기부터 18세기의 영향을 추적하고 있습니다.

렘브란트의 판화 작품은 제작 당시보다 높은 인기를 자랑했습니다. 그러나, 그 기법이 너무 고도였기 때문인지, 17세기에 있어서의 팔로워는 제자의 페르디난드 볼이나, 이탈리아의 조반니 베네데트 카스티리오네 등 소수에 머물렀습니다.

이어지는 18세기에 독일 작가들을 중심으로 관심이 높아집니다. 렘브란트 신봉자의 한 사람, 게오르크 프리드리히 슈미트의 "창의 거미를 수반하는 자화상" (1758)은, 밝은 창가에서 제작에 힘쓰는 작가의 모습을 포착한 것입니다만, 병치된 렘브란트의 "창변에서 에칭을 제작하는 자화상" (1648)을 명확하게 알 수 있는 형태로 기초로 하고 있습니다. 다만, 바이올린이나 병역의 경험을 시사하는 검 등 독자적인 취향도 담고 있어, 운명이나 시간의 경과와 연결되는 모티브인 거미줄이, 장면에 멜랑콜릭한 정정을 더하고 있습니다.

18세기는 이러한 모방 작품이 난립한 것은 물론, 슈미트가 묘화를 담당한 《이마에 손을 잡는 노인》 (c.1639/1770)과 같이, 렘브란트가 미완으로 남긴 작품에 손을 넣어 「완성」시키는 움직임도 보였습니다. 게다가 오리지널의 원판이 급속하게 마모할수록 수요가 과열되어, 복제품이나 모조품이 시장에 나오는 사태로 발전합니다.

영국의 풍자 화가 윌리엄 호거스는 《희화된 '필릭스 앞의 파블로'》 (1751)에서, 때로는 노골적인 것까지 자연주의적이었던 렘브란트의 작풍을 이끌었다. 자국의 작가를 놔두고, 렘브란트 작품에 다액의 금전이 소비되는 상황에 경종을 울린 것으로부터도, 당시의 열광상을 볼 수 있습니다. 또, 이 시기에 「카탈로그・레조네(전 작품 해설목록)」의 편찬도 시작되어, 현대에 계속되는 렘브란트 연구의 견고한 기반이 구축되어 갔습니다.

제3장 「세기를 넘는 임팩트――19-20세기」 에서 우선 등장하는 것은, 스페인의 거장 프란시스코·호세·데·고야·이·루시엔테스입니다. 만년에는 「자연과 벨라스케스, 렘브란트 이외에 스승은 없었다」라고 말했다고 전해지는 고야입니다만, 이 말이 가리키는 것은 유채화가가 아니고, 판화가로서의 렘브란트입니다. 고야는 당시 스페인에서 희귀했던 렘브란트의 판화 작품을 지인의 컬렉션 등을 통해 열심히 연구하여 제작에 살렸습니다.

《〈전쟁의 참황〉79：진리는 죽었다》 (c.1810-20)는, 나폴레옹 전쟁이나 국내의 혼란을 경험한 고야가, 인간의 추함, 잔혹함을 고발함과 동시에, 궁정 화가라는 지위에 있으면서 과격한 정치 비판을 담아 제작. 그려진 것은 왕정 복고에 의한 「헌법의 자유」의 죽음을 암유하는 여성 의인상에 의해 표현된 「진리」의 죽음입니다. 원을 그리는 군상의 배치나 진리가 발하는 광선의 묘사는 병치된 렘브란트의 《사도들에게 나타나는 그리스도》 (1656)와의 관계를 볼 수 있습니다.

한편, 19세기 전반의 프랑스에 있어서, 에칭은 세상에서 꽤 잊혀진 기법이었지만, 예술가의 감성이나 독창성을 중시하는 조류 중, 근대에 적합한 판화 기법으로서 재평가됩니다. 그러한 문맥에서 특히 주목받은 렘브란트 작품 중 하나가 《서재의 학자(파우스트)》 (c.1652)입니다.

선이 밀집한 어두운 부분과 묘선 그 자체의 표현력을 살린 밝은 부분의 대비가 아름다운 걸작입니다만, 그 내용은 髑髏이나 지구의가 놓인 서재로, 학자다운 노인이 창가에 나타난 수수께끼 같은 환영을 응시하고 있다는 것입니다. 작품의 의미는 판명하지 않고, 다양한 해석을 낳았지만, 18세기까지 연금술사 파우스트를 그린 것으로 간주되게 되어, 열심한 렘브란트 신봉자였던 괴테의 유명한 연극 '파우스트'의 착상원이 된 것으로 알려져 있습니다.

또, 화면에 감도는 신비한 분위기는 19세기 사람들의 감성과 울려퍼져, 문호 유고가 대표작 「노틀 댐 드 파리」에 이미지를 도입한 것 외에, 에칭의 보급을 목적으로 발간된 「에칭의 파리」지 포스터에도 이용되었습니다. 본작은, 당시의 파리의 에칭·리바이벌과 연관된, 일종의 렘브란트 숭배 현상을 상징하는 일례로 볼 수 있습니다.

이렇게 렘브란트가 에칭의 가능성으로 나타낸 신비한 밝은 빛과 흔들리는 빛, 칠흑의 어둠 등 혁신적인 명암 표현을 극찬한 것은 1862년 파리에서 설립된 '부식 동판 화가 협회'였습니다. 판화집의 서문 속에서 "(그들은) 그의 꿈상적이고 힘차고 기괴한 상상력이 만들어내는 모든 환상을 그리기 위해 필요한 것이었던 것이다. 그의 팔레트는 얼마나 풍부하더라도, 이처럼 다채로운 효과를 가져오지 않았다"고 평가했습니다.

프랑스 상징주의를 대표하는 화가 오디론 돈도 렘브란트의 섬세한 계조와 깊은 깊이가 있는 명암법에 신비한 정신성을 환기하는 조형어법을 발견한 한 사람입니다. 그 경애만은, 「조형이 가지는 모든 신비가, 그(렘브란트)에 의한다」를 필수로 했다고 수기에 남길 정도였습니다. 《<요한계시록》: 그 오른쪽의 손에 7개의 별을 갖고, 그 입보다 양날의 질투심으로 (1899)로 그리스도를 감싸는 깊은 어둠은, 바로 렘브란트를 연상시키는 것입니다.

렘브란트의 에칭 풍경화의 대표작 《3개의 나무》 (1643)도, 19세기 프랑스에서는 널리 알려져 있었습니다. 폭풍이 다가오는 네덜란드의 시골 풍경을 표현한 작품으로, 날카로운 직선으로 대각선으로 새겨진 격렬한 비, 교차선 그라데이션에 의한 검은 소용돌이 구름, 그리고 3개의 나무 뒤에 존재하는 빛의 대비가 드라마틱한 효과를 낳고 있습니다. 이 표현에 많은 작가가 매료되어 전시에서는 바르비종파의 샤를 프랑소와 도비니나 알폰스 루그로, 펠릭스 블랙몬 등의 작품으로 그 영향을 소개하고 있습니다.

20세기 초에 들어가도 렘브란트 인기는 쇠퇴하지 않고, 20세기 미술의 쌍경을 이루는 앙리 마티스와 파블로 피카소도 자신의 작품 속에서 렘브란트에 대한 오마주를 바치고 있습니다.

마티스는 전위 예술운동 '포비즘'의 창시자이며, 탁월한 색채화가로 알려져 있는 한편, 판화에 있어서는 약간의 예외를 제외하고, 흑백의 표현에 철저히 했습니다. 전시되는 《판화를 조각하는 앙리 마티스》 (1900-03)는 작가의 판화 제작의 출발점에 위치하는 작례입니다.

제작에 해당하는 자신의 상반신을 정면에서 크게 파악한 테마와 구도는, 전술한 18세기의 슈미트와 같이, 렘브란트의《창변에서 에칭을 제작하는 자화상》을 착상원으로 한 가능성이 높다고 생각되고 있습니다. 처음으로 판화 제작을 시도함에 있어서, 19세기 후반 이후에 파리에서 평가가 높아지고 있던 렘브란트의 자화상을 모본으로 하는 것은, 젊은 마티스에 있어서 자연스러운 선택이었을 것입니다.

피카소의 《 보라르를 위한 연작》: 팔레트를 가진 렘브란트 (1934)에서는, 콧수염을 축적해, 날개 장식이 붙은 모자를 쓰는 등, 에칭의 자화상으로 반복적으로 그려진 렘브란트의 퍼블릭 이미지가 희화화되고 있습니다. 본작은, 사용물이 되지 않게 된 동판에, 피카소가 중반 자기가 되어 선을 달리게 하는 가운데, 우연히 렘브란트의 모습이 떠올랐다는 경위로 작품화되었습니다. 렘브란트와 같은 깊은 검정을 재현할 수 있는지를 시험하는 실험적인 시도이기도 하고, 복수의 판화 작품으로부터의 도상의 차용도 확인되고 있기 때문에, 피카소도 또 렘브란트를 깊게 연구하고 있었던 것을 알 수 있습니다. 촬영 불가이었기 때문에, 꼭 현지에서 실물을 확인해 주세요.

본전을 담당한 국립 서양 미술관의 나카타 아스카 학예원은, 「일본 국내에서는, 지금까지도 종종 렘브란트의 판화 제작을 테마로 한 전람회가 개최되어 왔습니다.그러나 본전과 같이, 그 영향에까지 시야 를 펼친 기획은 처음입니다. 회장에서는, 렘브란트의 판화 작품의 매력을 즐길 수 있는 것과 동시에, 그 시간적, 지리적 스팬의 폭넓은과 풍부함에도 놀라 받을 수 있지 않을까 생각합니다」라고 말했습니다.

「판화가 렘브란트 도전, 계승, 임팩트」개요

※기사의 내용은 취재 시점의 것입니다. 최신 정보는 전람회 공식 사이트 등에서 확인해 주십시오.

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기타 보고서 보기

우에노의 숲 미술관

핀센트 판 고흐 (1853-1890)의 걸작 《밤의 카페 테라스(포름 광장)》 가 약 20년 만에 일본에 방문한 것으로 큰 주목을 받고 있는 「대 고흐전 밤의 카페 테라스」 가 우에노의 숲 미술관에서 개최 중입니다. 회기는 2026년 8월 12일(수)까지.

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세계 유수의 팬 고흐 컬렉션을 자랑하는 네덜란드의 클레러-뮐러 미술관. 그 뛰어난 작품군만으로 구성된 본전은 2기에 걸쳐 개최되는 '대 고흐전'의 제1기에 불과 약 10년이라는 짧은 화가 인생의 전반부에 초점을 맞추고 있습니다.

회장에서는, 황·고흐의 유채화와 소묘 등 약 60점을, 모네나 르누아르라고 하는 동시대를 대표하는 화가들의 작품과 함께 소개 . 초기 네덜란드 시대부터 파리에서 선명한 색채로 눈을 뜨고, 새로운 빛을 찾아 남불 아를로 향해 《밤의 카페테라스(포름 광장)》에 결실하기까지의, 「모두가 아는 팬 고흐」가 형성되는 궤적을 5장 구성으로 추적합니다.

또한 동생의 테오와 친한 지인에게 보낸 편지의 말이 심정을 읽는 단서로서 회장의 벽면과 해설 패널에 많이 인용되고 있는 점도 볼거리가 되고 있습니다.

제1장 “바르비종파, 헤이그파”

황 고흐는 1869년, 16세에 삼촌의 공동 경영하는 구필 상회의 화랑에서 일하기 시작했지만, 종교 문제에 대한 관심의 심화와 함께 미술품 거래에 대한 관심을 잃고, 1876년에 해고됩니다. 그 후 목사를 뜻하고 가혹한 상황에서 사는 농민과 노동자들과 교류하는 가운데 그들의 삶 속에야말로 '진실'과 '성실함'이 있다고 생각했습니다.

1880년 이후, 본격적으로 화가로서의 활동을 시작했을 무렵에 우선 관심을 보인 것이, 제1장에서 소개되는 프랑스의 「바르비종파」와 네덜란드의 「헤이그파」 입니다.

바르비종파는 19세기 전반부터 중반에 걸쳐 파리 교외의 바르비종 마을 주변에서 활동한 자연주의적인 풍경화·풍속화로 알려진 그룹입니다. 전통적인 역사화에서 벗어나, 친밀한 자연과 가난한 농민의 모습을 직접 관찰에 근거해 사실적으로 그렸습니다. 아틀리에를 뛰쳐나온 그들의 야외 제작 기술은 차세대 인상파에 큰 영향을 미쳤습니다.

한편, 19세기 후반에 네덜란드의 북해에 접한 도시 헤이그를 거점으로 활동한 헤이그파는, 바르비종파에 배워, 당시로서는 드문 소재였던 어촌의 어려운 생활 풍경 등을 그린 화파입니다. 색채보다 명암을 중시해, 우울과 정감을 느끼게 하는 그레이쉬한 톤으로 축축한 공기나 흐린 하늘을 포착하는 독특한 수법은, 당시의 네덜란드 화단으로 넓게 지지를 모았습니다.

황 고흐는 교칙 책의 모사에서 시작하여 1881년 말부터 1883년 9월까지는 헤이그를 거점으로 원연의 친척인 헤이그파 안톤 마우페로부터 직접 회화의 기초를 배웠습니다. 주로 모범으로 삼고 있던 것은 동파의 중심적인 인물이었던 요셉 이스라엘스입니다.

이스라엘스는 어부와 농민들의 풍속적인 주제뿐만 아니라 유대교를 배경으로 한 종교 주제도 많이 다루었습니다. 그 드라마틱한 명암법은, 17세기 네덜란드의 거장 렘브란트로부터 계승한 것입니다. 황 고흐의 초기 걸작《감자를 먹는 사람들》(환 고흐 미술관 창고)에서도, 어둠에 인물의 표정이 떠오르는 엄격한 종교적 분위기에, 이스라엘스로부터의 영향을 볼 수 있습니다. (※회장에서는 동작의 리토그래프를 전시)

또, 팬 고흐를 말하는데 있어서, 「씨 뿌리는 사람」이나 「낙호 픽업」등으로 알려진 바르비종파의 쟌=프랑소와・밀레의 존재는 빠뜨릴 수 없습니다. 땅과 함께 신앙심의 어린 생활을 보내는 사람들을 엄숙한 눈빛으로 파악하고, 그 삶의 숭고함을 그려낸 밀레를, 그는 평생에 걸쳐 경애를 계속했습니다. 리토그래프를 모사하는 것에 그치지 않고, 자신 나름의 색채와 표현으로 재구성해, 화풍을 확립하는 토대로 갔습니다.

제2장 “네덜란드 시대”

제2장에서는, 실제로 황 고흐가 헤이그나 1883년에 옮겨 살았던 네덜란드 남부의 뉴넨으로 제작한 유채나 소묘가 줄지어 있습니다.

《밀짚모자가 있는 정물》 (1881)은, 그때까지 그림에 새롭게 살았던 황 고흐가, 본격적으로 유채와 격투하기 시작한 시기의 습작・・입니다. 나무 테이블 위에 검은 리본이 달린 노란 밀짚 모자와 파이프, 도자기, 헝겊 조각 등을 배치하여 다양한 질감의 그리기 구분에 도전했습니다. "나는 뭔가 본격적인 것을 그리기 시작하는 첫 입구에 붙어 있던 것이 아닐까 생각한다"라는 편지의 말로부터는 그의 자부가 전해져 옵니다. 본작은 이후의 제작의 참고자료로서 오랫동안 수중에 놓여졌다고 합니다.

덧붙여 전술의 헤이그파와 황 고흐는 똑같이 노동자 계급의 삶을 그렸습니다만, 헤이그파는 부르주와지의 수집가의 환심을 사기 위해, 수집가들이 환상을 안고 있는 「신중한 생활」을 그리기 위해 노력하는 경향이 보였습니다. 한편 황 고흐는 그들의 고통과 갈등을 드러내면 때로는 얼굴을 과장하여 엄격하고 추악하거나 지친 것처럼 표현하는 독자성을 보여줍니다.

헤이그에서의 주거의 창으로부터 뒤편을 띤 풍경을 포착한 《목수의 일장과 세탁장》 (1882)은, 원근법을 이용한 구도가 현장감을 주고 있습니다. 특히 주목하고 싶은 것이 전경에 그려진 작은 나무입니다. 처음에는 연필로 스케치하고 펜과 잉크로 윤곽을 그린 후 흰색 수채화 물감으로 꽃을 피우며 마지막으로 날카로운 도구로 배경 주변을 잡아 당기는 궁리가 굳어지고 있습니다. 약간 어색함을 남기면서도, 다양한 화재나 기법을 시도해, 스스로의 표현력을 넓히려고 하고 있던 궤적을 엿볼 수 있는 일작이라고 할 수 있을 것입니다.

기직으로 작업하는 "직공"은 뉴넨 시대를 대표하는 모티브 중 하나였습니다. 황 고흐는 1880년 북불의 직공 마을들을 방문했을 때 '꿈꾸는 것 같고, 생각에 빠져 꿈유병자 같은 사람'인 직공의 모습에 강하게 공감합니다. 당시에는 거의 미술의 모티프로서 다루어지지 않았던 그들에게 스포트라이트를 맞추려고 결의해, 복잡한 구조를 가지는 직기 그 자체에도 매료되어 갔습니다.

배경의 엷은 회색에 당당한 직기의 검은색이 두드러지는 《직기와 직공》 (1884)은 그 대표적인 작례. 테오에게 완성을 보고하면서 작품을 판매할 수 있기 때문일까요, 일부러 본작을 컬트 드 비짓(명함 사이즈의 사진)으로 찍게 했다고 합니다.

뉴넨에서 살던 1883년 12월부터 1885년 11월까지 500점 이상의 작품을 다루고 있습니다만, 그 대부분은 명암 기법을 탐구한 머리 습작이었습니다. 특히 뉴넨 여성들이 일상적으로 입고 있던 하얀 모자에 흥미를 갖고, 모자와 그 그림자가 되는 얼굴 부분이 "정확히 명암기법과 같은 상질의 색조를 가져오고 있다"고 편지에서 말합니다.

당시 황 고흐는 이스라엘스의 영향도 있어 '어둠 속에 떠오르는 빛'에 아름다움을 발견했습니다. 그래서 모델의 얼굴과 옷의 색조를 정돈하고 배경의 명암을 조정하여 어두운 색조 안에 나타나는 빛의 효과와 깊이를 표현해 갔습니다.

이러한 네덜란드 시대의 집대성이 된 것이, 유채화 《감자를 먹는 사람들》 이었습니다. 전시되고 있는 것은 유채화의 습작에 근거하는 리토그래프이며, 농민들의 「손의 노동」의 존중을 이야기한 자신작의 이미지를, 친한 사람들에게 전하기 위해서 제작된 것입니다. 익숙하지 않은 판화에 도전했지만, 테오와 친구의 화가 팬 라발드로부터의 평가는 "효과가 불선명" "표면적"이라고 엄격했다. 이 후의 황 고흐는 예술에서 기술 보다는 정서적 표현에 대한 지향을 깊게 해 나갈 것입니다.

제3장 “파리의 화가와 황 고흐”

제3장에서는 1860년대부터 90년대에 활약한 인상파를 중심으로 하는 거장들의 작품에 초점을 맞추고 있습니다.

파리에서 화상으로 성공했던 테오로부터 화면의 어두움에 고통을 받고 더 현대 아트를 알 필요가 있다고 설득된 황 고흐. 바르비종파에 대한 관심으로부터 프랑스의 미술과 그 토지 그 자체에 대한 동경을 모으고 있던 적도 있어, 벨기에·안트베르펜의 미술학교에서 단기간 배운 후, 충동에 맡기도록(듯이) 1886년 2월, 염원의 파리의 이주를 완수합니다.

아파트에서 테오와 동거해 카페 ‘르 탐불랑’에서 자작을 전시할 기회를 얻으면서 카미유 피사로나 앙리 드 툴루즈=로트렉, 에밀 베르나르 등 동시대 화가들과 교류. 최신의 회화 표현을 접하는 것으로, 어두운 네덜란드 시대부터 일전, 그 예술은 빛과 색채로 가득한 극적인 변화의 때를 맞이하게 됩니다.

팬 고흐는 그 중에서도 클로드 모네의 색채 감각과 피에르=오규스트 르느와르의 선명한 음영과 부드러운 터치, 폴 세잔의 구도와 색채 표현의 대담한 기법에 관심을 보였습니다. 또한 조르주 술라와 폴 시냑 등 신인상주의의 화가들과 친교를 맺어 그 영향으로부터 점묘화법을 실천. 1887년 여름 말에는 새로운 인상주의를 독자적으로 해석한 리드미컬한 필치를 이용한 작품을 완성하게 되었습니다.

동시기, 점묘화법을 보다 체계적으로 실천한 화가에, 신인상파의 막시밀리안 류스가 있습니다. 인공물과 자연이 공존하는 아름다움에 매료되어 황 고흐와 마찬가지로 도시와 시골의 풍경이 교차하는 몽마르트르의 언덕에 아틀리에를 세웠습니다. 그 아틀리에에서 산드니의 공업지대의 전망을 포착한 작품이 《파리 일대, 몽마르트르에서의 전망》 (c.1887)입니다. 여름의 햇빛 속에서 빛나는 풍부한 녹색이나, 이어지는 굴뚝에서 오르는 연기와 구름이 섞이는 모습 등이 점묘로 선명하게 표현되고 있습니다.

술라의 광학 이론에 충실하게, 세세하고 규칙적인 점묘에 의해 파리의 빛이나 대기를 포착하려고 한 류스. 그에 반해 고흐는 화법을 규칙대로 실천하는 것에 그치지 않고, 자신의 감정을 두드리는 리드미컬하고 강력한 필치나 주관적인 색채에의 접근으로 승화하게 됩니다.

제4장 “파리 시대”

제4장에서는 약 2년간의 파리 생활에서 극적으로 변화한 황 고흐의 회화 표현의 변천을 추적하고 있습니다.

파리로 옮겨 몇 달, 모델 요금을 비출 수 없고, 원했던 인물화가 아니라 정물화나 자화상을 그릴 수밖에 없었던 황 고흐입니다만, 결과적으로 이것이 색채 감각을 비약적으로 향상하게 됩니다.

특히 꽃의 정물화는 1886년 여름에만 적어도 약 30점이 제작되었습니다. 구체적으로는 빨강과 초록, 오렌지와 청과 같은 보색(색조환으로 정반대에 위치하는 색)을 인접해 배치해, 각각의 색을 보다 선명하게 두드러지게 하는 보색 대비의 실험을 반복한 것입니다. 전시된 3점의 꽃의 정물화 《장미와 작약》 (1886), 《야생화와 장미가 있는 정물》 (1886-87), 《푸른 꽃병의 꽃》 (1887)을 제작 순서로 살펴보면, 색의 대비가 강해지는 한편, 화면의 조화는 오히려 세련되어 가고, 그 숙련만을 볼 수 있습니다.

거기에는 인상파 이전에 보색 효과를 이론적으로 분석·응용한 우젠느 드라크로와나 당시 팬 고흐가 심하게 심취했던 아돌프 몬티세리의 영향도 있었습니다. 몬티세리는 조각을 연상시키는 극단적인 두꺼운 칠과 콘트라스트의 강한 색채를 구사한 독창적인 화풍으로 알려진 남부 출신의 화가입니다. 게다가, 카와가와 히로시게를 비롯한 우키요에에 대한 감화가, 이른바 팬·고흐다운 필치나 색채 감각을 형성하는 중요한 계기의 하나가 됩니다.

황 고흐로는 드물고 부르주아지용 레스토랑을 무대로 한 "레스토랑 실내" (1887)는 신인상파의 수법을 가장 선명하게 보여주는 작품 중 하나. 시냑을 생각하게 하는 점묘의 필견으로, 벽의 빨강과 초록, 바닥의 노란색과 흠뻑 빠진 보라색, 의자의 오렌지색과 식탁보의 푸른 빛과 같은 보색에 의한 콘트라스트를, 숙고가 볼 수 있는 밸런스로 배치하고 있습니다.

그러나 테이블이나 의자는 반드시 점묘가 철저하지는 않습니다. 게다가 본작이 한번 사용된 캔버스의 뒷면에 그려져 있는 것, 꾸준히 점을 치는 수법이 화가의 열정적인 기질에는 너무 굴곡했는지, 아를 이주 후에는 엄밀한 점 묘화법으로부터 거리를 두고 있는 것. 팬·고흐 작품 중에서도 한층 밝고 세련된 색채로 인기가 높은 본작입니다만, 이러한 점을 감안하면, 의외로 본인에게 있어서는 널리 선보이고 싶은 것이 아니고, 어디까지나 기술 습득의 기회에 지나지 않았을지도 모릅니다.

제5장 「아를르 시대」

파리에서 화가로서 큰 성장을 이룬 황 고흐였지만, 도시의 번잡함과 예술가끼리의 격렬한 경쟁이 점차 심신을 먹었습니다. 동경의 우키요에에서 볼 수 있는 눈부신 태양의 빛과, 예술가들이 함께 제작하는 이상적인 공동체를 찾아, 1888년 2월에 남불의 작은 마을 아를로 이주. 색채 풍부하고 햇빛 넘치는 모습을 완전히 마음에 들어, 그 자연을 선명한 색채 대비로 표현하는 것에 몰두해 갑니다.

15개월 부족으로 약 200점의 유채와 100점 이상의 소묘·수채를 제작. 병행하여, 실제로 공동체의 아틀리에인 '노란 집'을 구상해, 폴 고갱 등 많은 기예의 화가들을 초대하기 위해 준비를 진행했습니다.

"지금 절대 그리고 싶은 것은 밤하늘이다" "나에게는 밤 쪽이 낮보다 훨씬 생생하고 색채가 풍부하게 보이는 경우가 많다"라는 말이 남아있는 것처럼, 아를로 황 고흐를 고양시킨 것은 낮의 빛만이 아닙니다.

본전의 하이라이트인 《밤의 카페테라스(포름 광장)》 (1888)는, 마을의 중심에 있는 포름 광장의 야경을, 가스등의 노란 불빛 아래로 그려 있습니다. 네덜란드 국외에 나올 기회가 적은 굴지의 걸작이며, 황 고흐가 처음으로 본격적인 밤하늘을 그린 기념비적인 작품입니다.

별이 빛나는 밤하늘을 배경으로 빛나는 빛을 발하는 카페 테라스. 페인트가 고조되는 별들은 마치 보석처럼 존재감을 보여줍니다. 본작에 대해 황고호는 편지에서 “이것은 검은색이 없는 밤의 그림이다. 아름다운 푸른색과 보라색과 녹색밖에 없고, 이를 배경으로 등불로 비춰진 광장은 옅은 황황색과 초록빛 레몬 옐로우로 착색되고 있다”고 말했다. 따뜻한 전경과 한색 배경이라는 콘트라스트에 의해, 순식간에 눈길을 끄는 화려함을 갖추고, 종래의 서양 회화에 있어서 흑이나 회색으로 그려지는 것이 많았던 밤의 이미지를 갱신했습니다.

황 고흐가 밤하늘에 도전한 배경에는 애독한 기드 모파상의 소설 '벨라미'에서의 장려한 밤하늘의 묘사와 1888년 6월 초 지중해에서 본 색채 풍부한 밤하늘 등의 영향이 지적되고 있습니다. 어쨌든 중요한 것은 그에게 별이 빛나는 하늘이 "희망"을 나타내는 중요한 모티브였다는 것입니다.

본작이 그려진 당시는, 공동체의 동료가 와 줄지 모르는 불안이나 외로움을 안고 있으면서도, 희망에 흉약시킨 시기였다고 생각됩니다. "밤에 초조를 느꼈을 때 밖으로 나와 하늘을 바라보면, 밤하늘이 동료들처럼 보인다"라는 취지의 편지가 남아 있기 때문에, 본작에서도 밤하늘에 동료의 모습을 거듭하고 있었을지도 모릅니다.

다만, 당시의 카페는 현대와 본연의 방식이 달라, 남녀의 사교나 향락의 장소이기도 했다는 사실은 주목해야 할 것입니다. 본작에 있어서의 카페 테라스의 표현은, 앞서 설명한 「베라미」 중에서, 부유한 사람들이 음식을 즐기고 창녀들이 즐겁게 하고 있는 밤의 카페를, 가난한 주인공이 혐오감으로 바라보는 씬을 의식한 것이라고 알고 있습니다. 또, 동시기에 제작된 《밤의 카페》라는 작품에 관해서, 황 고흐가 「카페라고 하는 것은 사람이 몸을 잡고, 정기를 잃고, 죄를 저지르는 장소라고 하는 것을 표현해 보려고 했다」라고 말하고 있는 점도 놓칠 수 없습니다.

욕망과 퇴폐가 교착하는 지상의 세계와 희망을 상징하는 별이 빛나는 천상의 세계. 팬 고흐는 그 두 가지를 대비적으로 포착해 선명한 보색의 콘트라스트에 의해 후자의 빛을 한층 두드러지게 했습니까?

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제2기에 해당하는 「대 고흐전 아를의 뛰어 다리」 는, 2027년 2월 6일부터 고베를 시작으로 후쿠시마, 도쿄에 순회 예정. 네덜란드의 국보라고도 불리는 《아를의 뛰어 다리(랑그로와 다리)》 가 약 70년만에 일본에서 공개되기 때문에, 이쪽에도 꼭 주목해 주세요.

■「대고흐전 밤의 카페 테라스」개요

회기:2026년 5월 29일(금) ~ 2026년 8월 12일(수)
회장:우에노의 숲 미술관
개관시간：일～목 9：00～17：30／금・토・공휴일 9：00～19：00
※입관은 폐관 30분 전까지
휴관일：회기중 무휴
관람료(평일)：일반 2,800엔, 대학생・전문학생・고교생 1,600엔, 중학생・초등학생 1,000엔
※토, 일, 공휴일은 평일 요금에 각각 +200엔
※고등학생 이하는 6월 30일(화)까지 입장 무료.
※자세한 것은 공식 페이지에서 확인해 주세요.
주최:산케이 신문사, TBS, TBS 글로디아, 하카호도, 우에노노모리 미술관
문의：050-5541-8600（헬로 다이얼／9:00～20:00）
전시회 공식 사이트 | https://grand-van-gogh-tokyo.com/

※본고의 내용은 취재 시점의 것입니다. 최신 정보와 다를 수 있으므로 자세한 내용은 공식 사이트에서 확인하시기 바랍니다.

기사 제공: 코코실 우에노

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