[글쓴이:] nakano

도쿄도 미술관

로마의 중심에 있는 카피토리노 미술관의 소장품을 중심으로, 건국에서 근대까지의 로마의 아름다움의 역사를 소개하는 전람회 「영원의 도시 로마전」 이 도쿄도 미술관에서 개막했습니다. 회기는 2023년 9월 16일(토)~12월 10일(일)까지.

회장을 취재했으므로, 전시의 모습을 리포트합니다.

로마의 영광과 아름다움의 역사를 제공하는 카피토리노 미술관

고대에는 최고신 유피텔 등 신들을 모시는 신전이 우뚝 솟는 등 오랫동안 로마인들의 종교적·정치적·문화적인 중심지이며, 현재는 로마 시청사가 놓여 있는 카피토리노의 언덕. 거기 언덕에 세워진 카피토리노 미술관은 세계적으로 가장 역사가 오래된 미술관 중 하나로 꼽힙니다.

1471년 르네상스기 교황 식스투스 4세가 로마 시민의 자존심을 고무함과 동시에 자신이 고대 로마의 정통한 계승자임을 나타내는 목적으로 4점의 고대 조각을 로마 시민에게 기증 카피토리노의 언덕 에 설치한 것을 계기로 동관이 설립. 1734년부터는 일반을 향해 공개가 시작되어, 로마에서 발굴된 고대 유물이나 바티칸에 유래하는 조각, 또 로마의 명가가 소유하는 미술품 등, 충실한 컬렉션을 구축해 갔습니다.

본전은 카피토리노 미술관의 소장품을 중심으로 건국 신화에서 시작되어 고대 로마 시대의 영광, 예술의 최성기를 맞이한 르네상스에서 바로크, 예술가들의 동경의 땅이 된 17세기 이후까지 「영원한 도시」라고 불리는 로마의 장대한 역사와 예술을 약 70점의 조각, 회화, 판화 등을 통해 소개하는 것입니다.

연대순으로 이어지는 전 5장의 섹션 외에, 이와쿠라 사절단이 동관을 방문해 정확히 150년째의 절목이 되는 것에 연관되어, 동관과 일본의 교류를 소개하는 특집 전시도 설치되어 있습니다.

전 753년에 건국했다고 하는 고대 로마 의 전승이나 신화를 끈다 제1장 「로마 건국 신화의 창조」 에서는, 출발점으로서 로마의 상징이라고도 할 수 있는 유명한 작품 《카피토리노의 늑대(복제)》 가 놓여 있었습니다.

본작의 오리지널은 카피토리노 미술관의 시작인 4점의 고대 조각 중 하나. 기원전 5세기에 만들어진 것으로 되어 있습니다. (출전되고 있는 것은 로마 시청사가 소장하는 후세의 복제 작품)

로마 건국 신화를 소재로 한 시인 웰기리우스의 서사시 ‘아에네이스’의 에피소드 중, 군신 마르스와 무녀 레어 실위아 사이에 태어난 초대 로마왕 로물루스와 그 동생 렘스를 키운 늑대의 이야기에 근거하고 있습니다 .

본래는 암랑만이었던 것이, 르네상스기에 우유를 마시는 쌍둥이의 동상이 덧붙여졌다고 한다. 늑대가 돋보이는 눈과 털이 등이 양식적이면서도 섬세하게 표현되고 있습니다.

쌍둥이에 우유를 주는 늑대의 상은 로마 시내에 모셔져 건국신화의 체현으로서 제국의 역사와 함께 계속 걸음으로써 공공기념비나 화폐와 같은 공적미술, 시적인 장신구, 제례미술에 이른다 까지 다양한 매체의 그림 표현에 영향을 주었습니다. 《카피토리노의 늑대》는 후세에서 더해진 쌍둥이상을 제외하고, 그 아이콘이라고도 할 수 있는 현존 작품입니다.

심볼로서의 절대적인 영향력을 나타내듯이, 제1장에서는 그 밖에도 《드라쿠마 은화》 나 《보르세나의 거울》 (전 4세기) 등, 늑대의 모습이 그려진 작품이 여러 개있었습니다 .

전 27년 이후의 제정기에는 제국의 번영과 함께 초상이 발전. 위엄 있는 표정이나 사실성이 있는 역대 로마 황제의 초상은, 프로파간다의 수단으로서 기능한 것 외, 일반 시민의 사적 초상화에도 영향을 미치고, 다양한 유행의 옷차림이나 포즈, 헤어스타일 등을 보급시켰다고 좋다 합니다.

제2장 「고대 로마 제국의 영광」 에서는, 고대 로마 제국의 초석을 세운 율리우스 카이사르나 아우구스투스의 머리 조각을 비롯해, 각각의 「시대의 얼굴」을 통해 영광의 시대를 따라가면서, 당시의 문화적, 사회적, 정치적 변화를 전하고 있습니다.

여기에서는 카피토리노 미술관이 소장하는 2체의 《콘스탄티누스 제의 거상》 의 단편을 정교한 원치수 복제로 전시하고 있어 박력이 있었습니다. 《콘스탄티누스 제의 거상》도 교황 식스투스 4세가 로마 시민에게 기증한 고대 조각의 하나입니다.

콘스탄틴 (재위 306-337)은 로마 제국에서 가장 중요한 황제 중 하나. 분열하고 있던 제국을 재통일해, 기독교를 국교라고 인정 스스로도 신도가 된 최초의 로마 황제로 알려져 있습니다.

머리만으로 높이 약 1.8 미터. 그 스케일 감은 한때의 영화를 연상시킵니다. 낀 뺨, 엄격한 눈 아래의 눈물 주머니, 입가의 주름으로부터, 만년의 황제의 모습을 포착한 것으로 생각되고 있다든가. 착한 표정 속에서도, 멀리를 전망할 수 있도록 약간 상방을 향한 눈동자가 인상적. 당시 사람들이 황제에 안은 높은 이상을 반영한 것처럼 초연한 분위기입니다.

머리 외에, 왼발, 왼손, 더욱 최근에 루브르 미술관에서 발견된 왼손의 검지도 본전을 위해 새롭게 복제된 것이 함께 소개되고 있었습니다.

문외 불출의 지보《카피토리노의 비너스》를 놓치지 마세요!

또, 제2장에 전시된 《카피토리노의 비너스》 는 본전의 제일의 주목 작품입니다.

고대 그리스의 위대한 조각가 프락시텔레스가 전 4세기에 제작한 아프로디테(비너스와 동일시되는 그리스 신화의 사랑의 여신)의 상을 바탕으로 한 2세기 작품입니다.

비너스 동상의 전형적인 수치스러운 포즈를 취해, 우아한 몸의 곡선과 통통한 피부의 질감의 표현이 매우 아름답고 매력적. 잘 보면 머리의 천변에서 나비 매듭처럼 머리카락을 정리하고, 목덜미 근처에서도 신영을 만들고 한층 더 가랑이에 머리카락을 내린다는 조금 재미있는 헤어스타일을 하고 있습니다.

미로의 비너스(루브르 미술관), 메디치의 비너스(우피치 미술관)에 늘어선 고대 비너스상의 걸작으로 알려져 있는 동작. 실은, 카피토리노 미술관 이외에 반출되는 것은 1752년의 수장 이래, 일시적으로 나폴레옹이 이끄는 프랑스군에 접수된 건을 포함해 이번에 3번째라는 것으로, 바로 문외 불출의 지보라고 할 수 있을 것입니다 .

앞으로 또 일본에서 볼 수 있는 기회가 있는지 모르는 필견의 작품입니다.

전시에서는, 보통 동작이 놓여져 있는 카피토리노 미술관의 「비너스의 사이」라고 불리는 팔각형의 전시실을 이미지 한 특별 공간을 준비. 마찬가지 마루도, 동관이 위치하는 르네상스의 거장 미켈란젤로에 의해 설계된 캄피드리오 광장의 모양으로 연출되고 있었습니다.

덧붙여 1537년부터 구상이 스타트한 미켈란젤로의 도시계획, 도시 로마의 장려함을 구현하는 광장과 건물군에 의한 아이코닉한 미술관 복합체의 전개에 대해서는, 계속되는 제3장 「미술관의 탄생으로부터 미켈란젤로에 의한 광장 구상」 에서 회화나 판화 등을 통해 자세히 소개하고 있습니다.

제4장 「회화관 컬렉션」 에서는, 예술 비호와 학문의 진흥에 힘을 쏟은 교황 베네딕투스 14세가, 1748년부터 1750년에 걸쳐 수집한 이탈리아 명가 구장의 회화 컬렉션을 기초로 설립했다 회화관의 컬렉션 13점을 전시.

이탈리아 바로크의 거장 피에트로 다 코르토나부터 작자 불명의 것까지, 모두 16세기부터 18세기에 활약한 화가들의 명품뿐. 당시의 이탈리아에서 주류였던 화제나 표현, 또 예술의 패트론들의 관심을 포착한 회화와 어떤 것이었는지를 전하고 있습니다.

17세기 이후 고대 유적과 교회 건축의 보고인 도시 로마는 그랜드 투어 등을 통해 이탈리아 내외의 예술가들의 예술적 영감원이 되었습니다.

제5장 「예술의 도시 로마에 대한 동경―공상과 현실의 모습―」에서는 , 그런 로마에서 특히 예술가나 유럽 군주들을 매료했다고 하는, 트라야누스제가 다키아 전쟁에서 승리한 것을 기념한 약 30미터의 고대 기념비 「트라야누스 제 기념 기둥」 에 관한 판화나 모형을 전시. 또한 고대 로마 미술을 발상원으로 제작한 작품에 대해 다루고 있습니다.

마이센의 도자기 도자기 《아몰과 푸슈케》 는 30cm 정도의 작은 작품입니다만, 서로 얽히게 하는 육체, 특히 서로의 머리를 상냥하게 안는, 원환을 연상시키는 팔의 배치는 영원한 사랑을 상징하고 있는 것 같아 , 그 감미로운 곡선에 자주 볼 수있었습니다.

이 작품은 카피토리노 미술관 소장의 유명한 2세기 대리석 조각《아몰과 푸슈케》에 근거한 복제. 18세기에는 고대 미술 애호가의 증가에 따라 유명한 고대 조각의 축소판을 제작하는 신산업이나 그것을 매매하는 시장이 성장해 동작과 같은 복제가 많이 나왔다고 합니다.

마지막 플로어에는 특집 전시 「카피토리노 미술관과 일본」 의 코너가 있습니다.

정확히 150년 전인 1873년, 메이지 정부가 구미에 파견한 이와쿠라 사절단이 카피토리노 미술관을 방문. 구미의 미술관·박물관을 시찰한 그들의 경험은, 메이지 정부의 박물관 정책이나 미술 교육에도 영향을 주었습니다.

전시에서는, 사절단의 사람들이 현지에서 입수했다고 생각되는 그림엽서 등을 기초로 제작 된 시찰 보고서 「미유럽 회람 실기」의 삽화나, 19세기 초의 일본의 사람들이 유럽에 안고 있었다 이국적인 이미지가 전해지는 상상도 《아란다 프랑스 카노가람지 그림》 등을 소개하고 있습니다.

또, 1876년에 일본 최초의 미술교육기관으로서 공학 기숙사 미술교(나중의 공부 미술학교)가 탄생했을 때, 서양 미술 교육을 위해 초빙된 이탈리아인 교사들은 교재로서 유명한 조각을 모델로 하는 석고상을 반입했는데, 그 중에는 카피토리노 미술관의 석고상도 포함되어 있었습니다.

그 역사를 나타내는 것으로서, 2세기에 제작된 카피토리노 미술관 소장의 《디오뉴소스의 머리》 와, 동작을 원작으로서 복제·일본에 반입된 석고상을 한층 더 학생이 과제로 모사한 것으로 보인다 《유럽부인 아리안 반신》을 나란히 전시. 시간을 넘은 카피토리노와 일본의 연결을 상징하고 있습니다.

전세계의 예술가들을 매료시킨 도시 로마의 장엄한 아름다움의 역사에 잠길 수 있는 「영원한 도시 로마전」. 꼭 발길을 옮겨보세요.

「영원한 도시 로마전」개요

※기사의 내용은 취재 시점의 것입니다. 최신 정보는 공식 사이트 등에서 확인하십시오.

기사 제공: 코코실 우에노

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도쿄 국립 박물관

도쿄·우에노의 도쿄 국립 박물관 오모테칸에서는, 2023년 9월 12일부터 「요코오 타다노리 한산 백득」전이 개최중입니다. (회기는 12월 3일까지)

전통적인 화제로 알려진 중국의 풍광의 승려를 현대 미술가 요코오 타다노리씨가 독자적인 해석으로 재구축한 「한산 습득」시리즈 중 신작 102점을 일거 첫 공개 하고 있습니다.

※작품 화상에 대해서… … 특별한 기재가 없는 것은 모두 요코오 타다노리작, 작가 창고입니다.

탈속의 행동으로 동경의 대상이 된 한산 습득

한산(칸잔)과 습득(가만히) 은, 중국·당시대에 살았다고 여겨지는 전설적인 두 사람의 시승입니다.

높은 교양을 가진 문인에도 불구하고 동굴 속에 살고, 잔반으로 배를 채우고, 상궤를 벗어난 발언을 하는 등, 기행이 눈에 띄는 자유롭고 엑센트릭한 존재로 알려져 있습니다. 중국 선종에서는 그 탈속의 모습과 행동이 깨달음의 경지라고 해도 되고, 한산은 문수보살, 습득은 보현보살의 화신이라고 신성시하게 됩니다.
중국이나 가마쿠라 시대 이후의 일본에서, 한산 습득은 전통적인 화제로서 많은 선승부와 문인들에 의해 그려져, 근대에서는 모리오카 외나 나츠메 소세키의 소설에서도 동경으로 다루어져 왔습니다.

그런 한산 습득을 테마한 작품을 일본을 대표하는 현대 미술가 요코오 타다노리씨(1936-)가 처음 발표한 것이 2019년의 일. 에도시대의 기상의 화가·연가 육백의 대표작《한산 습득도》에 인스파이어 된 것이었습니다.

이후 형태를 다양하게 변화시키면서 「한산 습득」시리즈를 집중적으로 제작. 신형 코로나바이러스 감염증의 유행시기에는 외계와의 접촉을 피하면서 마치 한산 습득의 탈속의 경지와 같이 속세로부터 떨어진 아틀리에에서 창작 활동에 근무했다고 합니다.

이번 전시되고 있는 「한산 습득」시리즈의 102점은, 모두 본전을 위해서 그려진 미발표의 신작입니다.

제작 기간은 2021년 9월부터 약 1년. 요코오씨 자신이 본전의 보도 발표회에서 「아티스트를 그만두고 선수가 되자」라고 말한 대로, 87세라고는 생각되지 않는 파워풀하고 도전적인 정신 아래, 때로는 하루 3 점을 그려낸 적도 있는 등 경이의 스피드로 제작되었습니다.

시공간을 넘어 이미지에서 이미지로

한산 습득은 시승이라고 하는 것으로, 한산은 한시를 기록한 두루마리, 습득은 절의 정원을 쓸어 빗자루를 가지는 모습이 전통적인 표현입니다만, 요코오씨는 독자적인 해석으로 두루마리를 화장지에, 빗자루 는 진공 청소기로 교체하는 등 현대적인 업데이트를 추가 유머러스. 게다가 화장지로부터의 연상인지, 두 사람은 마르셀 듀샨의 《샘》을 연상시키는 변기에 앉아 있는 것도.

회장을 둘러보면, 각 작품의 타이틀이 제작의 연월일만으로 통일되어 해설의 캡션등이 일절 없는 것을 깨닫습니다.

도쿄국립박물관 학예연구부 조사연구과장인 마츠시마 마사토씨는 이러한 전시는 요코오씨의 의향을 반영한 형태라고 말합니다.

「요코오씨 자신은, 작품 1장 1장에 무언가 메시지를 담을 수 있다든가, 무언가를 전하려든가, 그러한 의도는 전혀 없다고 말씀하셨습니다. 머리로 생각하고 그린다는 형태가 아니고, 근육, 육체로부터 솟아오른 것을 캔버스에 넣어 왔다. 그것을 자유롭게 상상·해석하면서 보시고 싶다고 하는 생각입니다」

특정 모티프가 일련의 위상을 형성하는 경우가 많습니다. 예를 들어 “붉은 천”입니다.

《2022-03-24》는 붉은 깔개 위에 쉴 수 있는 한산 습득과 여성이 그려져 있습니다만, 이것은 분명히 19세기 프랑스의 화가 에듀아르·마네의 명화《초상의 점심》의 패러디일 것입니다. 비슷한 구도로《2022-05-01》가 있습니다만, 이쪽은 동관이 소장하는 국보인 에도시대의 그림사・쿠스미 모리카게의《납량도병풍》에 똑같이.

그 며칠 후에 제작된 《2022-05-05》에서는 아라비안 나이트처럼 빨간 마법의 카펫을 타고 즐겁게 하늘을 날아다니고 있습니다. 그리고《2022-05-28》을 보면, 이번은 마치 해리 포터의 세계. 각각에서 마음대로 날고 싶어졌는지, 붉은 카펫에서 빗자루로 갈아타고 있었습니다.

이와 같이, 요코오씨의 한산 습득상은 잇달아 이미지로부터 이미지가 연상되어 백면상과 같이 변용해 갑니다.

아르세느 루팡이나 돈키호테로 분장했을까 생각하면, 수묵산 수화로 그려지는 거대한 산 같은 몸이나, AI나 로봇을 이미지한 무기질로 기하학적 형태로도 변모. 여장하거나, 둘이서 하나에 융합하거나, 더 이상 어디에 있는지 판별할 수 없을 정도로 풍경에 녹아들거나, 하고 싶은 마음껏하고 있는 한산 습득.

또, 전통적인 화제인 「4수도」와 같이, 한산 습득뿐만 아니라 2명의 스승인 풍간 선사나 호랑이와 함께 있거나, 아인슈타인이나 에드가·앨런·포, 오타니 쇼헤이가 얼굴을 내밀거나. 도쿄 올림픽, 축구 월드컵 등 세상을 반영한 작품도 치라호라…

시간도 장소도 크기도 실재도 가상도 상관없이 달려가는, 자유자재한 한산 습득의 이야기가 거기에는 있었습니다.

작가가 가진 다면성이 한산 습득의 모습을 빌려 날아온 것 같은, 이러한 작품의 다양성은, 요코오씨 본인이 표현하는 곳의 「육체 뇌」에 의한 것.

양식이나 구애에 사로잡히지 않고, 육체의 개방에 맡기는 채 붓을 옮긴 결과로서 태어난 것입니다. 어제와 오늘로 변화하는 생리라든지, 그 날에 시야에 들어간 것이라든지, 그 때때로 작가의 육체적 발로는 어딘가 일기적으로도 느껴졌습니다.

육체적 불편함에서 획득한 ‘권력체’로 자유로운 신경지를 펼친다.

부드럽고 부드러운 터치의 묘사가 많습니다만, 요코오씨는 이 묘화 스타일을 「원한 몸」이라고 부르고 있습니다.

최호체는 본래 메이지 시대에 확립시킨 일본화의 기법을 가리킵니다만, 요코오씨에게 있어서의 최호체는, 2015년에 발병한 난청의 증상의 영향으로 시야나 머리 속까지 불명료해져, 사물의 경계와 꿈과 현실의 구별까지도 모호해진 것. 건초염에 의해 명확한 강한 선을 끌기 어려워진 것. 이러한 육체의 변화에 의해 획득한 것입니다.

붓을 겹쳐서 모호해진 윤곽은 때로는 시공의 벽을 무력화하고 때로는 작자의 의도를 넘어 과거와 기술이라는 속박에서 벗어나 보는 사람의 마음을 녹이는 개방적인 인상을 주어 준다.

작품의 대부분은 F100호나 F150호 사이즈의 대형 캔버스에 그려져 박력이 있는 데다, 아크릴 케이스 등의 커버가 없기 때문에, 가까이에서 필치나 색의 겹침을 감상하는 것이 가능합니다.
화면이 밝고, 빨강이나 황색 등의 온색계의 원색이 많이 사용되고 있는 일도 있어, 어딘가 어깨의 힘이 빠지는 것 같은 평화나 건강을 받을 수 있었습니다.

현존 작가의 전람회를 개최하는 것은, 동관의 역사상 드물다는 것. 동관에 있어서도 특별한 자리매김이 된 본전에서, 80대로 하여 신경지를 개척한 요코오 타다노리씨의 자유로운 세계를 접해 보는 것은 어떻습니까.

덧붙여 본전의 관련 기획으로서, 도쿄 국립 박물관 본관 특별 1실에서는 특집 「도쿄 국립 박물관의 한산 습득도─전설의 풍광승에의 동경─」를 2023년 9월 12일(화)부터 11월 5일 일(일) 까지 개최중.

※본전의 티켓으로 감상 가능합니다. 전기·후기로 전시 교체가 있으므로 자세한 것은 공식 사이트를 확인해 주세요.

국보의 인다라필《한산 습득도(선기도 단간)》를 비롯해, 동관이 소장하는 고전적인 「한산 습득도」를 한자리에 모아 소개하고 있습니다. 한산 습득도의 변천을 쫓으면서 최신 요코오 작품과 비교해 보는 것도 재미있을지도 모릅니다.

「요코오 타다노리 한산 백득」전

※기사의 내용은 취재일 시점의 것입니다. 최신 정보는 공식 사이트 등에서 확인하십시오.

기사 제공: 코코실 우에노

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도쿄도 미술관

뉴욕을 거점으로 판화부터 설치까지 폭넓은 표현 활동을 이어가고 있는 아티스트 아라키 쥬나씨의 첫 회고전 「우에노 거기에서 「시작, 시작」아라키 쥬나전」이 도쿄 우에노의 도쿄도 미술관 에서 개최 중입니다. 회기는 2023년 10월 9일까지.

아라키 쥬나씨 (1970-)는, 1991년에 무사시노 미술 대학 단기 대학부를 졸업 후에 멕시코에 유학해, 「밝기와 어둠」이나 「생과 죽음」이 공존하는 독특한 문화에 매료되었다고 한다 합니다. 그 후도 멕시코 체재를 반복하면서 현지에서 기법을 배운 구리 판화를 비롯해 입체 작품, 설치, 애니메이션 등 다채로운 표현으로 독자적인 세계관을 가진 작품을 제작해 왔습니다.

2012년에는 뉴욕에 활동 거점을 옮겨, 의식적으로 이민으로서 사는 것으로 새로운 한 걸음을 내디뎌, 최근에는 「월경」 「다양성」 「포섭」이라고 하는 테마에 관심을 갖고 있다는 것.

본전은, 그런 아라키씨에게 있어서 최초의 회고전. 손바닥 사이즈의 입체 작품으로부터, 원 플로어 전체를 사용한 「우에노의 기억」에 착상을 얻은 대형 설치 《기억의 거기》(2023/본전에서 첫 공개) 등, 초기 작품으로부터 신작까지 약 120점 의 버라이어티 풍부한 작품군이 전개되고 있습니다.

전시는 전 4장 구성. 아라키 씨의 작품의 매력인 사람의 영감과 이야기를 상기시키는 모티프나 표현이, 어딘가 친밀함이나 그리움을 느끼게 하는 것과 동시에, 어처구니 마음이 어딘가에 물려지는, 일상과 비일상의 경계 왕래하는 이상한 여행에 감상자를 초대합니다.

제1장 「여행의 『 시작, 시작! 시작으로 소개하고 있습니다.

입구에는, 오르골 장치의 작품 《무제》 (1995)가 전시되어 있어, 나사는 감상자가 스스로 돌릴 수 있습니다. 본작에 대해 아라키 씨는 갤러리 토크에서 "1곡이 흐르고 있는 사이, 그것을 들으면서 상상의 여행을 한다는 이미지로 제작했다"고 코멘트. 여러 빈 액자는 앞으로 시작되는 여행에서의 훌륭한 만남을 예감하게 합니다.

"시작, 시작" (2003)에서 커튼이 열리도록, 이야기가 시작되도록 전시가 스타트. 《낮》과《밤》 (1999)은, 「여행처에서 묵은 방의 침대 옆에 놓거나, 전철의 창가에 있는 작은 테이블에 놓거나 할 수 있는, 휴대할 수 있는 작품이 있으면 멋지다」라고 하는 생각 로 제작했다는 접이식의 독특한 입체 작품. 모두 구리 판화 기술로 만들어집니다.

가이코츠를 모티브로 한 《La calavera amarilla(노란 가이코츠)》 (2005)나 《Una marcha de los esqueletos(가이코츠의 행진)》 (2004)에서는 화려한 장식과 일루미네이션으로 죽은 자를 쾌활하게 맞이하는 '죽은 자의 「일」로 대표되는, 멕시코 독자적인 사생관의 영향이 느껴질 것입니다.

"Caos poetico (시적 혼돈)" (2005)는 랜턴을 연상시키는 따뜻한 빛이 흩어져있는 환상적인 광경이 펼쳐집니다. 이곳은 전주에서 무단으로 전선을 당겨 집이나 포장마차 등불에 사용하고 있던 멕시코 빈곤층의 사람들의 잔잔한 생활과 그 등불로 물들인 거리가 밤하늘처럼 매우 아름다웠기 때문에 영감 레이션을 얻었다는 설치.

천장에서 전원 코드가 무수히 매달려, 그 앞에는 집에 내려다 본 작은 상자가 장착되어 있습니다. 빛의 색뿐만 아니라 각각 작은 상자의 무늬도 달라, 아라키씨가 멕시코에서 마신 차의 상자나, 버스의 티켓, 루차리브레(멕시코 레슬링)의 전단지 등 다양한 아이템이 사용되고 있습니다.

그 잡연한 모습은, 화려한 페인트로 좋아하는 마음대로 칠해진 집들과, 거기에 사는 멕시코 시티의 사람들로부터 아라키씨가 느꼈다고 하는 「혼돈과 사는 힘」이 이미지의 근원이 되고 있는 것 그렇죠?

덧붙여 본작은 참가형의 작품이 되고 있습니다. 감상자는 전람회 퍼시리테이터(감상을 서포트하는 자원봉사의 분들, 애칭:케에진)의 안내에 따라, 임의의 소켓에 작은 상자를 연결해 거리 풍경의 하나로 하는 체험을 할 수 있었습니다.

제2장 “부드러운 등불에 숨어 있는 어둠” 에서는 빛과 어둠을 각각 표현하는 2개의 설치가 대칭적으로 배치되어 있습니다.

아라키 씨가 어린 시절에 살았던 단지를 이미지하여 제작했다고 하는 《우리》 (1999)는, 흰 베니어로 만들어진 100개 정도의 상자를 흰 벽에 설치해, 단지의 집들에게 돋보였다 물건.

각 상자에는 무작위로 번호가 흔들리고, 감상자는 퍼시리테이터에서 열쇠를 받고 번호와 일치하는 상자의 문을 열 수 있습니다. 그러자 내부에서 빛이 흘러나와 획일적인 외관에서는 상상할 수 없었던 판화로 그려진 각각의 가정의 따뜻한 생활이 보여 왔습니다.

《우리》의 벽을 사이에 둔 반대측에서는, 동작의 작은 행복이 모인 일상의 세계를 채우는 것 같은, 검고 굉장한 물체가 머리 위로부터 퍼지는 《보이지 않는》 (2011)이 존재감을 나타내고 있습니다 .

2011년 동일본 대지진 이후 제작된 작품으로 원자력발전소의 사고를 계기로 방사성 물질이라는 눈에 보이지 않는 위험한 것이 날아올지도 모른다는 당시의 불안감과 혐오감을 시각 화하려고 시도한 것. 검은 물체는 멕시코에서 대량으로 구입했다는 용설란의 섬유를 검게 물들여 경단 모양으로 둥글게 붙여 제작했다고 합니다.

제3장 「이야기의 세계, 국경을 넘는 나비」 에서는, 예쁘게도 어딘가 불안을 기억하는, 아라키씨다운 시정 넘치는 「이야기의 세계」를 충분히 소개하고 있습니다.

아라키씨가 그리는 인물은, 대부분이 실루엣만으로 표정은 모릅니다. 혼자서 광대한 세계에, 때로는 무서운 “무언가”에 대치하고 있습니다. 거기에 외로움을 보는지 자유를 보는지, 아니면 뭔가에 대한 동경을 느끼는가. 신기함과 자기가 거듭되어 기억을 흔들면서 눈치채면 작품의 세계에 마음이 담겨 가는 것 같았습니다.

멕시코, 치아버스 지방에 지금도 전해지는 마야의 태양 창조 신화를 바탕으로 한 그림책 《NeNe Sol ―막내의 태양―》 은, 마야계 원주민을 중심 멤버로 하는 판화 공방 「레냐테로스 공방」과 아라키씨가 공동 제작했다 물건. 회장에는 시작판과 삽화의 원본이 전시되어 있습니다. 마치 석조 조각과 같은 독특한 장정은 멕시코 조각가가 원형을 담당했다고.

아라키씨는 2022년에 도쿄도 미술관에서, 다양한 나라에 뿌리를 가진 아이들과 함께 워크숍 「옛날 바나시가 들려」를 개최. 아이들은 종이의 원소(펄프)를 사용해 나비의 모양을 본뜬 텐트나 그림책 만들기를 체험해, 자신의 뿌리가 있는 나라의 옛날 날씨도 소개했다고 하는 것입니다. 회장에는 실제로 그 때 제작했다는 텐트가 전시되어 있습니다.

멕시코에서 만난 월동을 위해 철새처럼 나라들을 이동하는 모나르카 나비에 관심을 갖고 있다는 아라키 씨. 본작도 모나르카 나비가 지면에서 날개를 쉬고 있는 이미지에 착상을 얻어 제작되었다고 합니다.

트럼프 정권 하에서 이민이라는 입장에서 미국에 살고 있던 아라키씨가 본, 벽에 막혀 국경을 넘을 수 없는 난민들과, 국경에 관계없이 세계를 자유롭게 이동할 수 있는 모나르카 나비에 대한 생각이 본작 에 겹쳐져 있습니다.

또, 텐트는 일시적으로 사람이 묵거나 피난하기 위한 존재이기 때문에, 아라키씨는 본작에 「안심하고 숨어 있는 장소라고 하는 의미를 담았다」라고 밝혔습니다.

제4장 「우에노노 거기(바닥)를 둘러싼 모험」 에서는, 미술관의 「거기(바닥)」라고도 할 수 있는 천장 높이 10m의 지하 3층 전시실의 공간 전체를 사용해, 「우에노의 기억」에 착상을 얻은 대형 설치 《기억의 거기》 (2023)가 본전의 여행의 라스트를 장식하고 있습니다.

리서치를 하는 가운데, 일본 최초의 공원·박물관·동물원의 탄생, 관동 대지진이나 도쿄 대공습, 전후의 암시의 출현 등 많은 역사적 사건의 무대가 되어, 다양한 나라나 지역의 사람들을 끌어들여, 받아들여온 우에노라는 토지의 혼돈에 매력을 느꼈다는 아라키 씨.

중앙에있는 검은 새장과 같은 거대한 오브제 주변에서는 아라키 씨가 직접 촬영 한 우에노의 사진과 우에노를 다룬 우키요에 등 과거와 현재의 우에노의 모습이 단편적으로 영상으로 흘러 나옵니다. 천장에서 매달린 "눈"을 상징하는 한 쌍의 거울이 "거기"에 묻혀 있던 우에노의 이미지를 떠오르게하는 역할을 담당하고 있습니다.

오브제는 "과거와 미래, 아름다운 것, 하세화한 것을 크게 삼켜, 내뿜는, 중공의 바구니, 새장 같은 것"이며, 그 상부는 마치 큰 손으로 잡은 것 같다. 기둥의 일부는 내부에서 밀려나거나 외부에서 벌어진 것처럼 구부러져 있습니다.

이 조형에 대해서 아라키 씨는, 「새장이나 새장이라고 하는 것은, 새를 지키고 있는 것 같고, 자유롭게 날아 가지 않도록 가두고 있는 것도 있어, 그러한 이면성으로부터 나온 형태입니다 "라고 해설했습니다.

본전에 대해, 「아이들이나 젊은 사람들에게도 많이 봐 주셨으면 합니다. 지하에 숨어 조금 이상한 체험을, 여행하도록(듯이) 즐겨 주시면」라고 말하는 아라키씨. 지상에서 우에노의 「거기」로 향하는 여행은, 또 다른 여행에의 동경도 환기해 주었습니다.

아라키 씨가 관심을 보이는, 국경, 다양성, 포섭 등의 나라나 지역을 넘어 현대 사회가 공통적으로 안고 있는 테마에 대해서도 생각이 이어지는 전람회 “우에노노 거기로부터 “시작, 시작” 아라키 쥬나전 '개최는 2023년 10월 9일까지입니다.

우에노 거기에서 "시작, 시작"아라키 쥬나 전시회

※기사의 내용은 취재 시점의 것입니다. 최신 정보는 공식 사이트 등에서 확인하십시오.

기사 제공: 코코실 우에노

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도쿄 국립 박물관

고대 멕시코를 대표하는 3개의 문명의 지보를 한자리에 소개하는 특별전 「고대 멕시코 – 마야, 아즈텍, 테오티와칸」이 2023년 6월 16일(금)~9월 3일(일) 기간, 도쿄 국립 박물관(도쿄·우에노)에서 개최중입니다.

본전은 메소아메리카(16세기 스페인 침공까지 멕시코~중미 일부 지역에 번성한 문화요소를 공유한 고대 문명권)를 대표하는 세 가지 문명 '마야' '아즈텍' '테오티와칸' 에 초점을 맞추고 있습니다.

멕시코 국내 주요 박물관에서 엄선한 비문과 릴리프 등 귀중한 출토품과 고고 유물, 약 140건 을 최근 발굴 조사의 성과를 섞어 소개. 다양한 자연 환경에서 만들어진 독자적인 세계관과 조형미 등 고대 멕시코 문명의 깊이와 매력에 육박합니다.

전시는 「고대 멕시코에의 막상」 「테오티와칸 신들의 도시」 「마야 도시 국가의 흥망」 「아즈텍 테노티티 트란의 대신전」의 4장 구성.

제1장 “고대 멕시코에의 막상”

제1장 「고대 멕시코에의 필요없다」는, 「옥수수」 「천체와 달력」 「구기」 「인신 공희」 등 3 문명의 공통 테마에 따른 횡단적인 작품 전시나, 각 문명의 유적의 영상 를 통해 고대 멕시코 전체의 세계관을 전하는 도입부입니다.

여기에서는, 전 1500년경에 멕시코 만안 지방에 흥미를 낳은 메소 아메리카의 뿌리이며, 의례와 연관된 왕권이나 많은 신들의 개념 등, 그 후의 메소 아메리카 제 문명에 다양한 요소가 계승된 오르메카 문명 의 존재를 나타내는 작품 《오르메카 양식의 석우》 도 전시되어 있습니다.

제2장 “테오티와칸 신들의 도시”

제2장 「테오티와칸 신들의 도시」에서는, 멕시코 중앙 고원에 있는 해발 2300미터 정도의 분지의 중앙에서, 전 100~후 550년경까지 번창한 테오티와칸 문명을 거론하고 있습니다.

테오티와칸은 당시 사람들이 믿고 있던 우주적 세계관에 따라 '죽은 자의 거리'를 중심축으로 피라미드나 의례장, 궁전 타입의 건축물, 엄격화된 주택군을 통합한 국가에 의해 통율되어 계획 도시·대종교 도시 였습니다. 최근의 연구에서 최대 10만명 정도가 살고 있던 것이 밝혀지고 있습니다만, 사용되고 있던 언어나 문자 등은 판명되지 않고, 아직도 수수께끼가 많은 문명입니다.

여기에서는, 테오티와칸을 대표 하는 「태양의 피라미드」 「달의 피라미드」 「깃털의 뱀 피라미드」라고 하는 3개의 피라미드나 그 주변으로부터 출토한 작품을 소개.

전시실 중앙에 노출 전시되고 있는 《죽음의 디스크 석조》 는, 1964년의 발굴 조사로, 테오티와칸에 있는 피라미드 중 최대의 「태양의 피라미드」 정면의 광장으로부터 출토한 것.
직경 1m를 넘는 석조로, 후광과 같이 방사상으로 퍼지는 모티브와, 두개골의 입으로부터 돌출한 혀가 인상적입니다. 메소아메리카에서는 일몰을 죽고, 일출을 재생이라고 파악하고 있어, 본작은 수평선에 가라앉은(죽은) 밤의 태양을 나타내고 있다고 해석되고 있습니다.

특히 존재감이 있었던 것은《깃털의 뱀신석조》와《시팩토리의 머리장식석조》 의 전시.
일변 약 400m의 대의식장 「성채」의 중심 신전인 「깃털의 뱀 피라미드」의 사방의 벽면을 덮고 있던 오이시 조각의 일부입니다. 금성과 권력의 상징인 '깃털의 뱀신'과 때(력)의 시작을 상징하는 창조신 '시박토리'의 머리장식을 나타내는 것으로 알려져 있습니다.

회장에서는, 이러한 석조가 피라미드로부터 돌출하고 있는 모습을 알 수 있도록(듯이) 제작이 궁리되어 있었습니다.

깃털의 뱀신의 물결치는 동체부에, 시팩토리의 머리장식을 배치하는 모티브가 반복 조각되어 있기 때문에, 「깃털의 뱀 피라미드」전체가 거룩한 왕권이나 대관식을 나타내는, 메소 아메리카에서 최초의 기념물이다 라고 생각된다든가.

「깃털의 뱀 피라미드」의 지하에 있는 깊이 15m, 길이 103m의 터널의 출토품 중에서는, 권조의 끝을 잘라 불어 입은 악기 《트럼펫》 이 눈길을 끌었습니다. 본작에는 테오티와칸에서는 볼 수 없는, 마야계의 종교 센터의 그림과 유사한 미술 양식과 내용의 그림이 그려져 있습니다.

테오티와칸 주거터의 매장체에 부장되고 있던 것은, 발굴자에 의해 「기발한 오리」라고 명명된, 조개등의 화려한 장식을 가지는 동물형 토기. 많은 조개 제품과 함께 발견된 것으로부터, 멕시코만과의 교역을 담당한 조개 상인에 관계되는 부장품이 아닐까 생각되고 있습니다.

《트럼펫》이나 《조형토기》라는 전시물은 테오티와칸이 교역이나 시장의 경제활동이 활발한 다민족도시였다는 것을 전하고 있습니다.

그 외, 테오티와칸에서의 생활을 상상시키는 벽화나 토기도 흥미롭습니다.
테오티와칸의 주신의 하나인 아라시 의 신, 혹은 비의 신 트라록을 표현한 것으로 여겨지는《아라시의 신의 벽화》와 같은 다채로운 벽화는, 많은 아파트식 주거군이나 의례 시설에 그려 되었습니다.

또, 주거터에서 많이 발굴되는 향로는, 다양한 장식편을 목적에 따라 재조합해 만들었다고 한다. 전시된 《향로》 는 화살이나 방패 등의 모티프로부터, 죽은 전사의 진혼의 의식용으로 생각되고 있습니다.

제3장 “마야 도시 국가의 흥망”

제3장 「마야 도시 국가의 흥망」에서는, 전 1200년경~후 16세기까지 유카탄 반도를 중심으로 번성한 마야 문명의 문화나 왕조에 대해 소개. 본전에서 가장 많은 작품으로 구성된 섹션입니다.

마야에서 명확한 문화와 통치 형태를 인식할 수 있는 왕조가 성립한 것은 후 1세기 무렵으로 되어 있습니다. 다만, 정치적으로 통일된 적은 없고, 무수한 도시간의 교역이나 외교사절의 왕래 등의 우호적인 교류, 때로는 전쟁에 의한 패권 다툼을 통해 큰 네트워크 사회를 형성했습니다. 출토품은 그러한 마야 지역에서 다양한 동향을 전하고 있습니다.

마야에서 임립된 도시 중 하나에 400~800년경 서부 지역에서 번성한 팔렝케라 는 중규모 도시가 있습니다만, 제3장에서는 팔렝케의 전시에 힘이 들어가 있습니다. 특히 본방 최초 공개가 되는 「붉은 여왕(레이나 로하)」 의 무덤의 출토품은, 왕조 미술의 걸작 과 유명한 본전의 주목의 하나.

예술의 도시 팔렝케는 세련된 건축과 조각, 비문이 많음으로 알려져 있으며, 그 황금 시대는 키니치 하나브 파칼왕의 통치(615~683)였습니다.
파칼왕은 외교와 전쟁에 의해 팔렝케의 영향력을 강화하는 왕궁의 확대에 힘을 쏟아 마야 지역에서 가장 장려한 건축물 중 하나로 했다고 합니다. 그 시신은 파칼왕 스스로 설계했다고 여겨지는 '비문의 신전'이라는 영묘에 담겼습니다.

'붉은 여왕(레이나 로하)'이라 불리는 시신은 1994년 비문 신전 옆에 있는 13호 신전에서 발견된 것. 그 통칭은 새빨간 젓가락 모래(수은주)로 덮여 매장되어 있던 것이 유래입니다. 조사 결과, 이 인물은 파칼왕의 비비인 이슈차크부아하우의 가능성이 높다고 보여지고 있습니다.

회장에서는 13호 신전의 석실을 이미지한 공간에서, 「붉은 여왕」의 12건의 부장품을 마네킹에 장착해 매장의 모습을 재현. 《붉은 여왕의 마스크》 는 공작석의 작은 조각으로 만들어져 눈동자에는 흑요석, 하얀 눈에는 흰색의 비취 휘석암이 사용되고 있다고 한다.

사진에는 찍혀 있지 않지만, 목걸이나 왕관 등 아름다운 부장품에 얽혀, 아무런 변철도 없는 작은 《바늘》이 마네킹 옆에 조용히 전시되어 있던 것이 눈에 띄었습니다. 이상하게 보이지만, 실 방직과 직조는 어느 사회 계층의 여성도 실시하는 활동의 하나이며, 이 바늘도 「붉은 여왕」이 일상적으로 사용해, 내세에서도 필요한 것이었다고 생각되어 있다든가.
신분에 걸맞게 장식할 뿐만 아니라, 「생활에 곤란하지 않게 하고 싶다」라고 하는 본인, 혹은 주위의 사람들의 등신대의 소원에 공감을 기억합니다.

재현 전시의 옆에서는, 「빨강의 여왕」의 발굴 조사의 영상 자료도 흐르고 있었습니다.

또, 팔렝케 유적의 왕궁에서 발견된 《96문자의 석판》 의 전시에서는, 회화적이고 아름다운 조형의 마야 문자를 차분히 감상할 수 있었습니다.

마야 문자는 표어 문자와 음절 문자로 구성된 수수께끼로 가득한 언어이지만, 현재 700 정도의 문자와 수만으로 짜기라고도하는 다양한 조합이 해명되고 있다는 것. 사람들의 행위는 하나님과 조상의 사적을 재현하는 것으로 생각되었기 때문에 문자는 주로 왕과 나라의 역사와 궁정의 의례를 기록하는 데 사용되었습니다.
본작에서도 팔렝케의 왕들의 즉위에 대해 정확한 날짜와 함께 새겨져 있습니다.

일본처럼 마야에서도 서적은 정보를 전달하기 위한 것만이 아니라 예술품으로 애호했지만, 본작은 그 중에서도 최고봉에 위치하는 것입니다.

팔렝케를 비롯한 많은 도시가 쇠퇴한 뒤, 900년경 유카탄 반도 북부에서 마야 지역 최대의 도시가 된 체첸 이차 의 출토품도 볼 수 있습니다.
그 중에서도 《차크몰상》 은 해설을 읽고 본전 이치의 무서움을 느낀 작품. 동상의 배 위에는 접시 같은 것이 있어, 여기에 제물이나, 때로는 인신 공의의 제물로부터 꺼낸 심장이 놓여졌을 가능성이 있다든가…

본전에서는 「제물」이라든가 「인신 공희」라든지, 흥미로운 키워드가 빈출하고 있습니다. 이러한 특유의 관습은 3,000년 이상 메소아메리카에서 계속된 것으로, 현대의 감각으로 보면 그 잔학에 눈썹을 찌푸리고 싶어질지도 모릅니다.

그러나 그것은 단지 비인간적인 의례 행위가 아니라 모든 생명체는 신들의 역사와 희생에 의해 태어나기 때문에 인간도 신들을 존경하며 인간에게 가장 중요한 생명을 바치고 자연의 사이클과 재생 원리를 유지해야 한다는 원주민들의 윤리관 때문이었습니다. 거기에는 보편적인 신과 자연에 대한 기도가 담겨 있습니다.

제4장 “아즈텍 테노티티 트란의 대신전”

제4장 「아즈텍 테노티티 트란의 대성전」은 1325년에 멕시코 중앙 고원의 테스코코 호수에 떠 있는 섬에 메시카인들 나와틀어를 모국어로 하는 사람들이 건국한 아즈텍 왕국의 대도시, 테노티티 트란(현재 멕시코) 시티) 의 출토품을 취급하고 있습니다. 인구는 최성기로 20만을 넘어 스페인 침공에 의해 1521년에 함락될 때까지 번영했습니다.

덧붙여서, 멕시코 중앙 고원에서는 테오티와칸⇒토르테카⇒아즈텍이라는 차례로 문명이 흥망하고 있습니다. 나와톨어로 '신들의 도시'를 의미하는 '테오티와칸'이라는 이름은 유적을 발견한 아즈텍 왕국의 메시카인이 명명한 것이었습니다.

군사력과 공납제를 배경으로 국력을 강화한 아즈텍에서는 건축과 회화, 그 중에서도 조각에 있어서 경이적인 발전이 가져왔습니다. 아즈텍이 부를 집결시킨 테노티티 트란에서는 국내외 작가들이 기교와 기호, 전통을 나누어 역사적으로 유례없는 크리에이티브한 환경을 형성했다고 합니다.

테노티티 트란에서 태어난 독창적인 조형미의 일단을 전하는 것은 용감한 《독수리의 전사상》 .

테노티티 트란의 중심에는 태양과 전쟁의 신·위치로포치토리, 비와 대지의 신·트라록을 모시는 한 쌍의 장엄한 피라미드형의 대신전, 템프로·마요르가 세워져 있었습니다. 본작은 그 대신전의 북측에 있는 「독수리의 집」에서 발견된 것. 등신대로 박력이 있습니다.

전투나 종교에 중요한 역할을 담당한 왕 직속의 독수리 군단의 전사로 간주하는 전문가가 많은 것 같습니다만, 전장에서 용감한 죽음을 이루고 모습을 바꾼 전사의 영혼이라든지, 위치 로포치토리의 모습을 나타내고 있다든지, 지금도 다양한 설이 있는 것 같습니다.

전시된 조각 작품의 대부분에는 아즈텍에서 믿음을 받은 신들이 나타났습니다.

《트라록 신의 항아리》 는 괴로리로 한 눈의 조형과 선명한 블루가 인상적.
농경사회인 메소아메리카에서는 수세기에 걸쳐 강우를 통제하고 싶다는 강박관념이 있었다고 합니다. 그러므로 기도, 제물, 자녀의 제물이 비가 오는 하나님이었고, 식물의 싹에 필요한 모든 것을 제공하는 '주는 사람'인 트라록에게 바쳐졌다.

본작은 물을 저장하는 항아리에 트라록 신의 장식이 있기 때문에, 비나 풍요의 소원이 담겨진 것으로 생각되고 있습니다.

전시의 하나에 그린의 사문암으로 만들어진 《마스크》 가 있습니다만, 제2장의 테오티와칸의 전시에서 소개한《모자이크 입상》과 분위기가 똑같이. 실은 바로 테오티와칸 유적에서 파낸 마스크를 메시카인이 다시 닦고, 눈이나 귀 장식 등 손을 더한 것,이었습니다.

메시카인을 비롯한 후 고전기 후기(1250-1521) 무렵의 사람들은 과거의 문명을 파내고 그들을 마술적인 힘을 가진 거룩한 물질로 간주하여 자신들의 성전에 봉납했다고 한다. 이런 연결을 느낄 수있는 것도 본전의 재미입니다.

전시의 마지막에서는, 템프로·마요르의 최신 발굴 성과를 나타내는 것으로서, 메소 아메리카에서는 드문 금으로 만들어진 펜던트나 귀 장식, 홀 모양 장식이 일거에 공개되고 있었습니다.

회장에서는 고대 도시 유적의 매력을 전하는 영상 자료나 현장감 넘치는 재현 전시 등, 전시 공간의 연출을 고집하고 있어, 걷고 있는 것만으로도 고대 멕시코의 공기를 느낄 수 있었습니다. 전시물 사이에 넓게 거리가 잡혀 감상하기 쉬운 것도 기쁜 포인트입니다.

덧붙여서, 현재 회장 내의 전시물은 개인 이용에 한하여 모두 촬영 OK입니다. (향후 중지·변경의 가능성도 있으므로, 자세한 것은 관내 표시나 공식 사이트의 안내를 봐 주세요)

지금도 그 땅에 살고 있는 사람들에게 계승되는, 고대 멕시코의 문화 전통의 깊이와 매력에 육박하는 특별전 「고대 멕시코」. 개최는 2023년 9월 3일(일)까지.

특별전 「고대 멕시코 – 마야, 아즈텍, 테오티와칸」개요

※기사의 내용은 취재일(2023/6/15) 시점의 것입니다. 최신 정보는 공식 사이트 등에서 확인하십시오.

기사 제공: 코코실 우에노

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우에노의 숲 미술관

화석이나 골격 표본이 아니라, 회화를 중심으로 한 공룡 아트만을 모은 이색의 공룡전, 특별전 “공룡 도감-잃어버린 세계의 상상/창조” 가 2023년 5월 31일(수)~7 월 22일(토)의 기간, 우에노의 숲 미술관에서 개최중입니다.

20세기 공룡 회화를 대표하는 2대 거장, 찰스 R나이트와 즈데니크 브리앙의 작품도 다수 출전되고 있는 것으로 주목되는 본전. 회장의 모습을 보고합니다.

공룡전이라고 하면 화석이나 골격 표본 을 중심으로 한 전시가 떠오릅니다만, 본전에서는 평상시 그 자료의 옆에 놓여져 있는, 화석 등의 학술적 근거에 근거해 공룡 등의 고생물을 그렸다 생태 복원도 = “파레오 아트 (고생물 미술)” 에 명소를 맞추고 있습니다.

약 2억 5000만년 전~6600만년 전 중생대 지구를 지배하고 있던 공룡은 19세기 전반의 화석 발굴을 계기로 생태 복원도를 통해 일반적으로 인지되게 됩니다. 이후 많은 학자가 예술가와 손을 잡고 태고의 로망 넘치는 고대 생물의 모습을 재현하려고 도전해 왔습니다.

회장에서는 여명기에 그려진 기묘한 복원도에서 최근 연구에 근거한 현대 작가 의 역작에 이르기까지 세계 각국에서 모인 약 150점의 파레오 아트 등을 전시.

공룡의 “발견”부터 오늘까지 약 200년의 사이, 신발견 때마다 학술적 근거가 바뀌는 가운데 공룡(고생물)들의 표현이 어떻게 변화해 갔는지를 추적합니다.

제1장 “공룡 탄생-여명기의 기묘한 괴물들”

전시는 총 4장 구성입니다. 제1장 「공룡 탄생-여명기의 기묘한 괴물들」 에서는, 19세기의 공룡 “발견”부터 얼마 안되는 시기, 한정된 지견 아래에서 제작된 작품군을 소개. 현대에 사는 우리가 머리에 떠오르는 공룡과는 별개인 개성적인 모습을 즐길 수 있습니다.

서두에는 지질학자 헨리 데 라 비치의 원화에 의한 리토그래프 《두리아 안티퀴올(태고의 도셋)》 (1830)이라는 고생물의 생태를 복원한 사상 최초의 회화의 하나라고 불리는 귀중한 작품을 전시.

이 작품은 잉글랜드 남부의 도셋주에서, 어룡 익티오사우루스나 수장룡 프레시오사우루스 등 해거 파충류 등을 공룡에 앞서 발견해, 19세기 고생물학의 발전에 기여한 것으로 알려진 여성 화석 채집자 메리 애닝 의 공적을 찬양하기 위해 제작된 것입니다.

선사 시대의 도셋 해안을 무대로 애닝이 발견한 고생물이 풍성하게 그려져 있습니다. 주목은 화면 오른쪽으로 화상에 크게 그려진 이쿠치오사우루스가 프레시오사우루스의 얇은 목에 먹어붙고 있는 모습.

본전의 기획자인 오카모토 히로사키씨(고베 예술 공과 대학 교수, 전 효고 현립 미술관 학예원)는 “현대의 연구로부터 말해, 어룡이 수장룡을 덮치는 것은 생각하기 어렵다.당시는 어룡의 쪽이 압도적으로 강한, 포식자의 이미지가 있었던 것이 전해져 온다」 라고 말합니다.

또, 본전에서는 메갈로사우루스와 함께 최초로 “발견”된 공룡인 이구아노돈 의 이미지 변천의 소개에 주력하고 있습니다.

“공룡을 발견한 남자”로 유명한 영국의 의사로 아마추어 지질학자, 기드온 만텔 에 의해, 현생 파충류의 이구아나와 비슷한 치아를 가지는 것으로부터 1825년에 「이구아노돈(이구아나의 치아)」라고 명명 이 생물은 당초 이구아나를 거대화한 듯한 모습으로 상상된 것 같다.

이구아노돈을 그린 초기의 작례, 조지 샤프의 《복원된 파충류》 (1833)에서는 거대한 몸을 땅에 기어 뱀과 같이 긴 꼬리를 부르는 이구아노돈이 한층 크게 그려져 있습니다.

그러나, 1853년경 제작의 조각 작품 《수정궁의 이구아노돈》 을 보면, 이미지가 마이너 체인지. 이구아노돈의 네 발은 포유류 코끼리와 코뿔소처럼 몸통에서 똑바로 땅으로 내려갔습니다.

이것은 당시 가장 큰 영향력을 가지고 있던 영국의 고생물학자로 ‘다이노사우리아(공룡)’라는 말을 만든 인물 인 리처드 오웬 의 지도 아래 만들어진 것. 오카모토씨에 의하면, 이 신체적 특징은 현재의 공룡의 정의의 하나이기도 한다고.

게다가, 1878년~80년에 벨기에의 탄갱에서 거의 완벽에 가까운 형태로 이구아노돈의 화석이 발견되면, 만텔에 의한 발견 이래 약 50년에 걸쳐 퍼져 있던 이구아노돈의 복원의 이미지가 대폭 수정된다 일. 상반신을 시작하고 있었던 것, 지금까지 코의 머리의 참치라고 예상되고 있던 뼈는, 실은 앞다리의 엄지의 스파이크였던 것 등이 판명된 것입니다.

그 후 100년간 가까이에 걸쳐, 이구아노돈이라고 하면 앞다리에 스파이크 모양의 날카로운 엄지손가락을 가지고, 2족 보행하는 생물이라고 하는 이미지로 파레오 아트에 그려지게 되었습니다. 계속되는 제2장, 그리고 제4장에서도, 그렇게 수정되면서 “진화”해 간 이구아노돈의 모습을 그린 작품을 확인할 수 있습니다.

그 외 제1장에서는, 외모도 거동도 불가피하게 인간 쑤시는 소름 끼치는 공룡들이, 습격당하고 있는 동료를 엉덩이 눈에 대단히 퇴산하는 모습이거나, 괴수 영화와 같이 주택지를 활보하는 모습이거나, 리얼한 복원화라기보다 이야기화처럼 공룡을 그린 작품도 있어 흥미롭습니다. 당시 사람들의 공룡에 대한 푹신한 인식과 상상력의 풍부함을 엿볼 수 있는 내용이었습니다.

제2장 「고전적 공룡상의 확립과 대중화」

19세기 말부터 20세기 중반의 파레오 아트 황금 시대의 작품을 소개하는 제2장 「고전적 공룡상의 확립과 대중화」 에서는, 이 분야를 말하는데 있어서 빠뜨릴 수 없는 2대 거장, 찰스·R·나이트 그리고 즈데니크 브리앙 에 크게 공간을 나누고 있습니다.

공룡의 발굴과 조사의 무대는 유럽에서 점차 북아메리카 대륙으로 옮겨, 1870년대부터 90년대에 걸쳐서, 두 명의 고생물학자가 공룡 화석의 발견을 둘러싸고 「화석 전쟁(Bone Wars)」이라고 불리는 장절한 쟁탈전을 펼쳤습니다. 그 결과, 스테고사우루스나 트리케라톱스 등 엄청난 종류의 공룡이 발견되어 중생대에 서식한 동물의 다양성이 밝혀집니다.

미지의 베일을 벗은 새로운 공룡들의 모습을 리얼하게 비주얼화해, 일반적으로 보급시킨 최대의 공로자가, 미국의 고생물 화가인 찰스·R·나이트 (1874-1953)입니다.

야생동물 화가이기도 한 나이트는 현생 동물의 그림을 1000점 가까이 남겨두고 있으며, 그러한 활동으로 길러진 관찰 눈이나 생물학적 지견이 파레오 아트 제작에도 도움이 된 것으로 보입니다.

나이트가 그리는 사실적인 풍경과 그 안에 배치되고 싶은 놀라운 공룡과 멸종된 생물들의 모습은 당시로서는 해부학적으로도 자연 환경의 묘사 면에서도 뛰어나며 곧 일반 대중으로부터도 전문가로부터도 주목을 끌게 되었다고. 그의 작품은 영화 ‘로스트 월드'(1925)와 ‘킹콩'(1933) 등의 영상 문화에까지 영향을 주었습니다.

나이트 작품의 전시에서는, 그의 최대의 걸작이라고 불리는 필드 자연사 박물관의 벽화를 위한 밑그림 스케치 중 1장 《백악기―몬타나》 (1928)을 놓칠 수 없습니다.

《백아기―몬타나》는 「티라노사우루스 vs 트리케라톱스」라는 공룡계의 스타의 라이벌 관계를 이미지로서 고정한 기념비적 작품이며, 공룡화 그 자체를 상징하는 작품으로서 널리 알려지게 되었다고 한다. 긴박감이 있는 구도는, 후속의 많은 아티스트들이 모방이나 번안에 임하고 있어, 영화나 만화 등 엔터테인먼트의 세계에서도 자주 등장하고 있으므로, 한 번은 본 적이 있는 분도 많을 것. 오리지널은 이것이었는지와 감개 깊게 느껴졌습니다.

한편, 나이트보다 조금 후의 세대에서 인기를 얻은 것이 체코슬로바키아(현 체코 공화국)의 화가 즈 데니크 브리앙 (1905-1981)입니다.

나이트 작품은 현실성이 부족한 전 시대의 팔레오 아트에서 일선을 그렸지만, 브리앙은 더욱 화가로서 뛰어난 솜씨를 가지고 있었다. 유럽 미술의 리얼리즘의 전통을 근거로 한 그의 작품은 실제로 실물을 보고 그렸다고 하면 믿어 버릴 정도로 높은 설득력이 있었습니다.

브리앙이 그리는 고생물들을 보고 있으면, 그들에게는 당연히 체온이 있어, 피가 다니는 생물인 것이 전해져 옵니다.

브리안 작품은 명저 『전세기의 생물』(1956)을 비롯한 서적에 의해 전세계에서 인기를 얻고, 여기 일본에서도 1960년대~70년대에 어린이용의 도감이나 아동서에 대량으로 전재·모사되어 , 일시대의 공룡 이미지의 확립에 결정적인 역할을 했다고 합니다. 그 때문에, 「이 그림, 어딘가에서 본 적이 있구나」라고 기시감을 기억하는 작품이, 이 시기에 공룡 도감에 열중한 세대에게는 특히 많이 발견될지도 모릅니다.

기존 화석에서는 공룡의 색을 모르기 때문에 화가들은 각각 추측으로 색을 바르고 있었지만, 그래도 필자 중에서는 스테고사우루스라고 하면 동체가 녹색 회색으로, 배판이 붉게 라고 ……라는 콘트라스트가 강하게 인상하고 있습니다. 《안트로덤스 발렌스와 스테고사우루스 스테놉스》 (1950)의 스테고사우루스는 아마 그 이미지의 원천 중 하나. 브리안의 영향력의 크기를 실감할 수 있었습니다.

본전에는 18점의 귀중한 브리안 작품이 집결. 가장 큰 볼거리가되었습니다.

또, 동장에서는 「나무 오르는 공룡」으로서 인기를 얻었지만, 원래 연구의 근원이 된 복원 자체가 잘못되었던 것이 나중에 발각한 슬픔 힙실로포돈의 존재하는 날의 웅장한 모습도 배울 수 있습니다.

제3장 “일본의 공룡 수용사”

구미에서 성립한 공룡의 이미지는 19세기 말에는 일본에도 들어왔습니다. 계속되는 제3장 「일본의 공룡 수용사」 는 지금까지와 방향성을 바꾸어, 메이지로부터 쇼와에 이르는 일본 문화사 속에 뿌리를 둔 공룡을 소개. 과학 잡지와 어린이용 만화, 코난 도일의 ‘잃어버린 세계'(1912) 등의 고전 SF 번역 등의 책은 물론 공룡을 본뜬 소후비 인형이나 석고 피규어 등의 완구류도 전시되어 있습니다 .

게다가 공룡의 리얼한 재현을 하는 것이 목적이 아닌 일반적인 미술, 소위 파인 아트의 영역에 있어서의 공룡의 심볼리즘에 대해서도 해설. (일부에 헤세이~영화의 작품도 포함한다)

일본에 초현실주의를 가져와 사회풍자나 문명 비판을 포함한 작품을 많이 만들어낸 후쿠자와 이치로의 《파충류는 벌어지는》 푸른 하늘에서 낙일의 강렬한 색채의 대비, 다카모리를 자랑한 거대한 존재가 어리석어져, 그들에게 있어서 대체하는 존재로서 작은 포유류가 모이는 모습은, 일본의 파벌 정치를 풍자하고 있다고 한다.

아무리 아름다운 소녀도 노인이나 죽음에서 벗어날 수 없다는 서양 회화의 전통적인 “죽음과 처녀”의 그림을 방불케하는 시노하라 아이 “요리카에서 묘지까지” (2010-2011)과 불필요한 플라스틱 장난감으로 만든 공룡상으로부터 플라스틱의 원료인 석유가 원래는 공룡 등의 생물의 화석임을 상기시켜 동시에 대량생산·대량소비의 문제를 생각하게 하는 후지 코지《Jurassic Plastic》 (2023) ) 등, 전시된 파인 아트는 모두 대작으로 보이는 것이 있었습니다.

제4장 「과학적 지견에 의한 이미지의 재구축」

제4장 「과학적 지견에 의한 이미지의 재구축」 에서는 다시 화제가 공룡의 이미지의 변천으로 돌아갑니다. 1960년대부터 70년대에 걸친 공룡 연구에서는 「공룡 르네상스」라고 불리는 변혁이 일어나, 종래 생각되고 있던 둔중한 변온 동물이 아니라 “활발하게 움직이는 항온 동물”이었다는 견해가 나타나는 등, 공룡상이 대폭 쇄신. 새로운 공룡의 모습을 표현한 작품이 잇달아 태어났습니다.

전시에서는, 판타지 아트의 영역에서도 컬트적인 인기를 자랑하는 일러스트레이터, 윌리엄 스타우트나 , 영화 「쥬라식 파크」의 입체 모델을 다룬 마이클 타식 , 미술 해부학을 베이스로 공룡을 정확하고 박력 있는 터치 로 그리는 현대 일본에서의 고생물 복원화의 제일인자, 오다 타카시 등, 1960년 이후에 등장한 실력파 파레오 아티스트들의 버라이어티 풍부한 작품이 경연하고 있습니다.

현대의 아티스트들은 공룡들을 민첩하게 움직이고 있습니다. 밝아짐을 올리면서 맹스피드로 티라노사우루스가 달리는 존 빈던《아라시의 최전선》 (1996)이나, 적인지 아군인지, 공룡들이 일제히 움직이는 순간을 잘라낸 것 같은 그레고리 폴 《시치파치와 사울로》 르니토이데스 >> (1989) 등은 제2장에서 본 공룡들과 비교해 약동감이 단차.

작품의 시점에도 개성이 강하게 나와 있는 인상입니다. 흡입되는 아름답고 서정적인 파스텔화로, 태고의 세계의 빛과 공기를 정교하게 표현하고 있는 더글러스 헨더슨 의 작품은 마치 상질의 사진집을 보고 있는 것 같다.

많은 화가들이 공룡 자체에 초점을 맞추고 있는 반면, 헨더슨은 당시의 생육 환경과 함께 공룡을 그리는 경향이 강하고, 《티라노사우루스》( 1992)나 《운석 충돌》(1989)에서는 공룡이 거의 실루엣의 상태. 초점을 맞추지 않고 풍경에 녹아들도록 그립니다.

일몰을 찍으려고 하면 우연히 새가 찍힌다든가, 숲을 걷고 있으면 나무들의 안쪽에 다람쥐가 있는 것을 발견했다든가, 그런 흔한 기억이 겹치는 숙련된 구도에 완전히 끌려갔습니다.

학술적 지견이 늘어나는 가운데 공룡의 모습이 선명해지는 모습이 예술로 즐길 수 있는 특별전 「공룡 도감-잃어버린 세계의 상상/창조」의 개최는 2023년 7월 22일(토)까지 . 태고의 세계에의 로망이 솟아나는 내용인 것은 물론, 이렇게 시대를 넘은 파레오 아트가 한자리에 만날 기회는 드물지 않으므로, 꼭 체크해 주세요,

특별전 “공룡 도감-잃어버린 세계의 상상/창조” 개요

※※기사의 내용은 취재일(2023/5/30) 시점의 것입니다. 최신 정보는 공식 사이트 등에서 확인하십시오.

기사 제공: 코코실 우에노

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도쿄 예술 대학 대학 미술관

쇼와 56년도에 창설된 「다이토구 장상」을 원점으로 해, 오랜 세월에 걸쳐 교류·제휴를 깊게 해 온 다이토구와 도쿄 예술 대학. 다이토구 장상을 통해 세상에 비상한 예술가도 많아, 동상은 젊은 예술가의 육성에 큰 공헌을 완수해 왔다고 할 수 있을 것이다.

본전에서는 다이토구 장상 수상작품 중 학생들이 제작한 혼신의 작품 40점이 전시된다.

「다이토구 컬렉션전―문화・예술의 숲 우에노를 둥지게 한 예술가들―」에서 출전되고 있는 것은, 도쿄 예술대학의 우수한 학생을 현창해, 그 졸업 제작을 다이토구가 수집한 「타이토 구 「구장상」을 수상한 작품군. 즉, 모두 학생 시대의 작품입니다.

쇼와 56년도부터 시작된 다이토구 장상 제도는, 미술 학부 회화과의 일본화 및 유화·판화로부터 각 1명에게 수여되어, 그 작품이 다이토구가 기증된다고 하는 것(2018년부터 음악 분야도 합류). 이 수상자에게는 그 후 제일선에서 활약하게 되는 아티스트가 많이 포함되어 있어 바로 젊은 예술가에게 있어서의 등룡문으로서의 역할도 담당하고 있는 것을 알 수 있습니다.

쇼와 · 헤이세이 · 레이와의 표현의 「변천」을 따른다

본전의 테마가 되는 것은 「변천」과 「다양성」.
이 전람회에서는 쇼와·헤세이·영화와 3개의 시대에 걸쳐 40년 이상 계속되는 다이토구 장상의 작품 중에서 40점을 전시. 그 후 제일선에서 활약한 예술가나, 향후의 도약이 기대되는 최근의 수상자까지, 그들이 학생 시절의 집대성으로 한 제작한 혼신의 작품이 한자리에 만납니다.
한점 한점의 작품이 매력적인 것은 물론, 시대 시대에 있어서의 트랜드의 변화, 그리고 「일본화」 「유화」라고 하는 틀에 얽매이지 않는 발상의 다양성에도 주목입니다.

본전은 2부 구성으로 되어 있어, 전반에서는 전회전(2016년) 이후에 다이토구에 수집된 일본화, 유화·판화의 수상작을 소개. 원래 본래라면 6번째가 되는 「다이토구 컬렉션전」은 도쿄 2020 대회에 맞추어 개최될 예정이었습니다만, 신형 코로나 바이러스 감염증에 의해 연기되어, 7년만의 개최가 되었습니다.
전반부에서는 지난 7년간 만들어진 젊은 예술가들의 혼신의 작품이 일거에 전관되고 있습니다.

한편 후반부에서는 다이토구 장상의 역대 작품 중에서 엄선하여 작품을 전시. 제1회 수상자인 데즈카 유지씨(도쿄예술대학 명예교수)의 작품을 필두로, 지난 42년간 동상을 수상한 주옥의 작품이 늘어서 있습니다.

회장에서 느껴지는 것은 바로 앞으로 날개를 치려는 젊은 예술가들의 ‘태동’의 에너지. 소설에 있어서는 「처녀작에는 그 작가의 모두가 있다」 라고 자주 말해집니다만, 그들의 후속의 작품에 통저하는 테마나 작풍을 이러한 작품중에서 찾아낼 수 있을지도 모릅니다 .
이미 그들의 활약을 알고 있는 팬들에게도, 처음으로 그들의 작품에 접하는 사람들에게도, 선명한 발견과 감동을 주는 전람회라고 할 수 있을 것입니다.

전시 작품 소개

여기에서는 전시 작품의 일부를 소개합니다.

《미궁》데즈카 유지 쇼와 56년도

현실의 「회의」도 이런 것? 동물들이 토론하는 이상한 공간

모두 좋아하는 의견을 논의하는 회의. 의장인 여성 뒤에는 어디까지나 미궁이 퍼져 있습니다. 몸이 돌아다니는 사람들을 동물에게 비유하여 혼돈스럽고 불가사의한 세계를 표현한 작품입니다. (제작자로부터)

<데즈카 유지>
1953년 가나가와현 출생. 일본 미술원 동인·업무 집행 이사, 도쿄 예술 대학 명예 교수, 후쿠이 현립 미술관 ( Fukui Fine Arts Museum ) 특별 관장. 현대 일본 화단을 견인하는 일본 화가로서 현재도 정력적으로 활동을 계속하고 있다.

《노나베에 베개로 춤추어라》 기쿠치 마사후미 2004년도

자신이 연출한 무대를 「풍경화」로서 재구성한 작품

헤세이 4년, 미나미 아자부 산노바시. 약 2개월간 매주 토일 공개 주간 요미우리 연극 「명탐정은 정말로 있는 것인가」(총감독 고바야시 하루오) 반출로 꺼낸 벽면을 짜, 제4화, 자신 연출부를 재구성. 전화 본 사람이라도 이 그림을 보지 않은 사람은 많다. (제작자로부터)

<기쿠치 마사후미>
1968년 고베시 출신. 도쿄 예술 대학 미술 학부 회화과 유화 졸업. 회화 제작, 연극 제작, 음악 제작에 종사해 국내외에서 개인전, 그룹전을 다수 실시하고 있다. ‘노나베에 베개로 춤을 추다’는 1992년 공동 연출·제작 무대 연극 ‘젖은 날개는 하늘을 잡지 않는다’를 풍경화로 체험하는 것을 목적으로 제작됐다.

《키수 邂逅》 이데 야스토 헤세이 원년도

빛과 어둠이 교차하는 야쿠시마의 신비

대학원에 들어갔을 무렵, 야쿠시마에 혼자 여행을 갔습니다. 해안선에 가쥬마루, 숲 속은 원생림, 산 정상에서는 호설이 되는 섬입니다. 산장에 묵으면서 사생활을 하고, 숲 속을 돌아다니는 인상을 제작했습니다. 종횡무진으로 이끼가 자란 가지가 뻗어 어둠과 빛이 섞인 세계는 신비하고 장엄한 공간입니다. (제작자로부터)

<이데 야스히토>
1962년 후쿠오카현에서 태어난다. 도쿄 예술 대학 대학원 수료. 현재 일본 미술원 특대. 구라시키 예술 과학 대학 예술 학부 교수. 여성과 꽃이 자아내는 유화하고 환상적인 작풍이 특징적이다.

개최 개요

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도쿄도 미술관

선명한 색채에 의해 미술사에 큰 영향을 준 포비즘 운동의 중심적 인물로 알려진 20세기를 대표하는 프랑스의 거장 앙리 마티스 (1869-1954). 그 대규모 회고전 「마티스전」 이 도쿄도 미술관에서 개최중입니다. 회기는 2023년 8월 20일까지.

초기의 걸작《호녀, 조용함, 일락》이 일본 최초 공개가 되는 것에서도 화제의 동전을 취재했으므로, 회장의 모습을 리포트합니다.

약 150점의 명품으로 통람하는 마티스의 탐구의 여행

「색채의 마술사」의 이명을 가진 앙리 마티스. 눈에 비치는 현실에서 자유롭게 색채를 해방한 그의 회화 표현은 미술사에 혁신을 일으켜, 모던 아트의 역사에 잊기 어려운 발자취를 남겼습니다.

현재 개최중인 '마티스전' 은 일본에서는 약 20년 만인 대규모 회고전. 세계 최대 규모의 마티스 컬렉션을 자랑하는 파리의 퐁피두 센터에서 명품 약 150점이 집결되었습니다. 회화를 중심으로 조각, 드로잉, 절지 그림, 만년의 최대의 걸작인 남부 밴스의 묵주 예배당에 관한 자료까지, 각 시대의 대표적인 작품에 의해, 마티스의 조형적인 모험을 다각적으로 소개. 감각에 직접 호소하는 생생한 색채와 빛의 탐구에 바친 84년의 생애를 통람하는 내용으로 되어 있습니다.

전시는 전 8장 구성.
・제1장 포비즘을 향해 1895~1909년
・제2장 라디컬한 탐구의 시대 1914~1918년
・제3장 병행하는 탐구―조각과 회화 1913~1930년
・제4장 인물과 실내 1918~1929년
・제5장 퍼짐과 실험 1930~1937년
・제6장 니스에서 밴스까지 1938~1948년
・제7장 절지 그림과 최저년의 작품 1931~1954년
・제8장 반스·로자리오 예배당 1948~1951년

신인상파, 포비즘, 큐비즘… 실험을 반복한 마티스의 다채로운 회화 표현

연대순으로 늘어선 작품군을 보면 마티스가 짧은 기간에 차례차례로 화풍을 변화시키고 있었다는 것을 깨달을 것이다. 몇 가지 예를 들어 보겠습니다.

1869년 프랑스 북부의 부유한 가정에서 태어난 마티스는 20세가 지나면서 화가의 길을 뜻하며 1891년 파리에 상경했습니다. 화가로서의 정체성을 확립하려고 했던 최초기의 작품으로서는, 파리 국립미술학교에서 교편을 취하고 있던 상징주의의 화가 구스타브 모로에 사사하고 있던 시기에 제작한 《독서하는 여성》 (1895) 을 감상할 수 있습니다.

카미유 콜로의 인물화의 영향이 느껴지는, 「이것이 마티스?」라고 놀라 버릴 정도로 사실적이고 억제된 작풍에서는, 어쨌든 20세기 미술을 대표하는 거장이 되는 한비늘은 아직 엿볼 수 없습니다. 국가 매출이 되어 처음으로 상업적 성공을 거둔 작품이지만, 이러한 전통적인 화법은 곧 포기된 것 같습니다.

점차 《산 미셸 다리》 (c1900), 《핫 초콜릿 냄비가 있는 정물》 (1900-1902)과 같이, 수년 후의 포비즘의 도래를 예감시키는, 타오르는 생생한 배색의 작품을 제작한다 같아요.

그리고 1904년에는, 신인상파의 중심 인물 폴·시냑의 초청으로 한여름을 산트로페에서 보낸 후, 그로부터 배운 「필촉 분할」기법을 이용해 초기의 걸작 《호녀, 조용함, 일락》 (1904) )을 완성했습니다.

일본 최초 공개가 되는 동작은, 빛이 가득한 이상향이라고도 할 수 있는 광경을, 대상의 고유색이 아닌 순색을 사용한 필촉 분할로 그린 것. 대체로 신인상파의 작화의 지침에 충실히 따르고 있지만, 잘 보면 추상화한 인물은 윤곽선으로 둘러싸고 형태를 유지하고 있는 등, 지침에는 없는 실험의 흔적을 볼 수 있습니다. 마티스가 평생 과제로 한 “색채와 선묘의 충돌”이라는 본질적인 문제는 해결되지 않은 채로 있었지만, 이 작품은 마티스의 화업에 있어서 중요한 한 걸음이 되었습니다.

이듬해에는 빨리 이 필촉 분할을 버리고, 남부 불 코리울로 색채와 선묘의 충돌의 문제에 정면에서 임합니다. 거기서, 눈에 비치는 색채가 아니라, 감각을 중시한 자유롭고 대담한 색채 표현과 거친 필치에 의한 포비즘을 창출한 것이었습니다.

그러나 포비즘의 입역자로서 미술계에서 스캔들을 일으킨 마티스입니다만, 《호녀, 조용함, 일락》의 3년 후에 제작된 《호조Ⅰ》 (1907)을 보면, 색채는 조화롭고, 필촉도 평평한 것입니다. 「마티스는 포비즘의 화가」라고 하는 이미지를 강하게 가지고 있는 분도 있겠지만, 사실 마티스의 포비즘적 경향은 수년도 계속되지 않고, 동작은 1907년의 시점에서 이미 회화 공간의 탐구가 다음 의 무대로 진행되었음을 보여줍니다.

안정적으로 제작을 계속하고 있던 마티스의 생활을 크게 바꾼 것은 1914년에 일어난 제1차 세계대전. 자신의 두 아들과 친구들이 동원되어 고립된 마티스는 상황에 저항하는 것처럼 창작에 빠져 혁신적인 조형상의 실험을 진행해 갔습니다.

이 시기의 작품에서 눈길을 끄는 것은, 세계대전 발발 직후에 제작된 《코리울의 프랑스 창》 (1914)에서, 당시의 마티스의 심경을 반영한 것 같은 어두운 색조의 수수께끼 한 일작입니다 . 평생 아틀리에(실내)에서 실험을 반복한 마티스에게 있어서 「창」은 중요한 모티프로, 마티스 작품에 있어서 「창」은 안과 밖을 분리하는 것이 아니라, 내외의 공간이 같은 하나의 정리임을 분명 하는 것이었던 것 같습니다.

서양의 전통 속에서는 시각의 메타파로서도 사용된 창. 이 작품에서 창문에는 원래 발코니가 그려져 있었지만, 결국 모두 검은 색으로 채워져 있다는 점이 시사적입니다. 이 창은 닫혀 있는지, 열려 있습니까? 원래 제목으로 표시되지 않았다면 이것이 창이라고 인식 할 수 있었습니까? 미완 그대로 숙고 끝에 종지부가 찍혔다고 생각되는 동작은 "얼마나 요소를 없애면 이미지가 성립하지 않을 것인가"를 극한까지 몰아넣은 구도로 나타낸 마티스의 창작 중 하나 임계를 표시한 작품입니다.

《코리울의 프랑스창》을 제작하는 한편, 마티스는 초상화에도 임하고 있었습니다. 코리울 체류 중에, 큐비즘의 화가 주안 그리(후안 그리스)와 대화를 거듭한 후, 자신의 딸 마르그릿을 모델로 한 《흰색과 장미색의 머리》 (1914)를 제작. 마티스의 작품 중에서는 가장 큐비즘의 영향이 짙은 한점으로 되어 있습니다.

평평하고 단순화된 화면 구성, 기하학적 인체. 극한까지 세부 사항을 배제하고, 또한 모델의 본질을 해치지 않기 위해서는 어떻게 하면 좋을까, 《코리울의 프랑스 창》과 같은 라디칼한 실험의 결과가 나타나고 있습니다.

여기까지 소개한 작품만으로도, 실험과 숙고를 반복하면서 새로운 회화 표현을 도입해 간 마티스의 탐욕스러운 탐구의 자세가 전해질까 생각합니다. 그러나 전시 내용적으로는 아직 제2장의 중간 정도이며, 마티스의 경력의 절반도 지나치지 않습니다. 제8장까지 감상하면, 그 화풍의 다채로움에, 이것이 한 명의 화가를 거론한 회고전이라는 것을 잊어버릴 정도였습니다. 다만, 화풍이 어떻게 변화해도, 색채나 형태에 대한 의식의 높이, 눈에 보이는 것보다 정동을 중시하는 자세는 일관하고 있는 것처럼 느낍니다.

화풍의 폭넓은 관점에서 특히 재미있었던 것은, 제5장 「퍼짐과 실험 1930-1937」 에서 감상할 수 있는 《꿈》 (1935)과 《앉는 장미색의 벌거벗은 여성》 (1935-36)입니다.

남부 프랑스 니스에 거점을 옮긴 후, 1930년대에 들어가자 마티스는 미국과 오세아니아를 여행해 새로운 빛과 공간을 만져 작품이 더욱 개방적이고 넓어지게 되었습니다. 1920년대에 전통적인 회화관에 회귀하고 있던 표현 수단이, 다시 단순화해 가던 시기이기도 합니다. 그 무렵에 제작된 《꿈》과 《앉는 장미색의 벌거벗은 여자》는, 착수한 것이 같은 해이며, 몰릴 때까지 마티스가 좋아하는 모델이었던 비서의 리디아 디렉터스카야를 그린 벌거벗은 동상이다 일, 청계의 배경이라고 하는 많은 공통점이 있으면서, 작품으로부터 받는 인상은 크게 다릅니다.

눈을 감고 잠자는 여성의 상반신을 화면 전체에 배치한《꿈》은 기분 좋은 개방감으로 가득, 심리적이고 조형적인 만족을 표현하고 있는 한편, 철저한 기하학 형태를 선택한《앉는 장미 색상의 벌거벗은 여성은 지우기와 단순화와 같은 겹치는 조작의 흔적을 드러내고 우아한 포즈를 취하고 있던 여성을 망령한 도식적인 동상으로 변모시키고 있습니다. 배경 속에 인물의 형태를 삽입하는 방법에 대해서, 무수한 바리에이션을 수반하면서 추구한 이 시기의 숙고의 모습을 단적으로 나타내고 있는 2 작품이므로, 꼭 주목해 주세요.

색채와 선묘의 조화를 모색한 마티스의 도달점, 평생 마지막으로 다룬 유채화《적색의 큰 실내》에도 주목

만년의 걸작을 복수 전시하는 제6장 「니스로부터 밴스에 1938~1948년」 은, 특히 충분한 시간을 취해 감상해 주었으면 하는 에리어입니다.

세계를 뒤집는 큰 모험이 된 마티스의 수많은 실험은 모두 그의 색채로 가득한 아틀리에 안에서 행해졌다고 합니다. 그 때문에 아틀리에 자체도 마티스에게 있어서의 평생을 통한 중요한 모티프가 되었습니다. 1939년, 제2차 세계대전이 발발한 무렵, 나이 70 가까이 된 마티스는, 아틀리에에 꽃병, 패브릭, 가구 등의 손에서 수집한 물건들을 주의깊게 배열하면서, 그들을 몇번이나 그리는 것으로 사물의 「본질」을 자신의 몸에 넘겨 준다는 작업을 실시하게 됩니다.

마티스의 대명사라고도 할 수 있는 붉은색이 아름다운, 평면적이고 장식성이 강조된 대표작 《목련이 있는 정물》 (1941)은 이러한 작업, 수십점의 준비 그림을 제작한 후에 만을 갖고 완성시켜 한 작품. 모티브로부터 본질만을 꺼내는 것으로, 별형의 목련의 주위를 복수의 사물이 부유하도록 둘러싼다고 하는 표현에 이르고 있습니다. 마티스가 "아란카기리의 힘"을 다했다고 말한 화가 마음에 드는 작품입니다.

1943년 공폭의 위기에서 벗어나기 위해 마티스는 니스에서 근교의 밴스로 옮겨 살지만, 여기에서 다룬 것이 마지막 유채화 연작인 '반스 실내화' 시리즈. 동전에서는 시리즈 중, 제1작이 되는 《황색과 파랑의 실내》 (1946)과 제13작목으로 해 화가 마지막 캔버스 그림이 된 《빨강의 큰 실내》 (1948)이 전시되어 있다 합니다.

특히 《빨간색의 큰 실내》는 마티스의 색채에 관한 일이 응축된 걸작으로 자리매김되어 있고, 평면화된 공간에 붉은색, 아틀리에, 화중화 등 마티스 회화의 중요한 테마군이 능숙한 구도 에 합쳐져 있습니다. 벽에 걸린 두 장의 그림은 모두 기존 마티스 작품의 인용입니다. 왼쪽의 필기에 의한 흑백의 그림은 마치 창과 같이 공간에 퍼짐을 갖게 할 뿐만 아니라, 오른쪽의 색채 풍부한 유채화와 대등하게 내걸리고 있는 모습이, 색채와 선묘의 충돌이라는 과제에 계속 도전하고 있습니다 한 마티스의 영업을 다시 보는 사람에게 보여주는 것처럼 느껴졌습니다.

작품의 매력에 대해, 도쿄도 미술관 학예원의 가쓰마에 토시코씨는 “마티스에게 있어서, 세계는 조화로 가득 찬 것.조화로 가득한 세계로부터 받는 감각을 어떻게 회화 속에 표현하는가 그래서 다른 세계를 묶는 다양한 요소가 한 장의 회화 속에 조화를 이루고 존재하고 있다(작품을 목표로 했다). 그것이 실현되고 있다”고 말합니다.

생생한 빨간색 배경에 검은 윤곽선은 부드럽게 춤을 추는 것. 선과 색채가 조화될 뿐만 아니라 서로를 개방해 행복감이 어디까지나 계속된다. 79세라는 최저년까지 마티스가 걸음을 멈추지 않았다는 것을 상징하는 작품입니다.

색채와 빛이 넘치는 마티스의 최고 걸작 '반스 로사리오 예배당'의 아름다운 특별영상도 상영

여기까지 전시 중 회화 작품을 픽업해 소개해 왔습니다만, 제3장에서는 주요한 조각 작품, 제7장에서는 절지 그림 작품, 제8장에서는 반스의 묵주 예배당에 관한 일을 다루고 있었습니다 했다.

제3장 「병행하는 탐구―조각과 회화 1913~1930년」의 전시에서는, 20년에 걸쳐 탐구된 모티프인 〈등〉연작이 벽 일면에 줄지어 매우 박력이 있었습니다. 마티스는 평면 표현의 이미지가 강한 화가입니다만, 조각을 다룬 이유에 대해서는 「보충의 수작으로서, 자신의 생각을 정리하기 위해」라고 말하고 있습니다. 그러나, 그 중요도는 낮지 않고, 2차원과 3차원의 관계를 모색하는 데 도움이 되었고, 특히 점토소상은 회화에서는 아직 표현할 수 없는 착상에 형태를 주는 것으로 선호한 수단이었습니다.

초상화의 표현을 서서히 복잡화하면서, 신체의 구조를 부정확하게 묘사해도, 인물 가운데 숨겨진 본질적 진실은 숨기지 않고, 오히려 표에 나오는 것을 증명하려고 했다 <안 리엣＞연작 (1925-29)은, 눈에 보이는 것의 재현에 무게를 두지 않았던 마티스다움이 얽혀 있습니다.

4점의 등신대 여성상인 <등>연작(1909-30)은 Ⅰ부터 Ⅳ까지 언뜻 여성의 뒷모습을 서서히 단순화한 과정을 표현한 것으로 보이지만, 실은 처음부터 시리즈 로 구성된 것은 아니며, 항상 변화하는 단일 점토 조각으로 간주되었습니다. 동 시리즈의 제작 시기는, 「댄스」등의 모뉴멘탈인 회화의 제작 시기와 겹치고 있는 것이 지적되고 있습니다. 이것은 마티스가 회화와 조각을 연동시키면서 때때로 조형적인 과제를 해결하려고 시도했음을 보여줍니다. 조각은 마티스에게 그 조형 활동 전체에 리듬을 주는 것이었습니다.

제7장 「절지 그림과 최저년의 작품 1931~1954년」의 전시에서는, 1940년대 이후, 병에 의해 침대나 휠체어에서의 생활이 중심이 된 마티스가 집중해 임하게 되었다, 「 가위로 그린다”절지 그림 작품을 중심으로 소개하고 있습니다.

1943년부터 46년에 걸쳐, 마티스는 절지 그림 20점을 제작해, 이것을 바탕으로 혁신적인 화문집 「재즈」 를 출판했습니다. 제목은 종이 그림의 즉흥성을 강조한 것. 유명한 종이 그림 작품《이카로스》도 동서의 수록 작품입니다. 과즙으로 선명하게 채색된 종이 그림은 회장의 검은 벽 위에서 춤을 추는 경쾌한 느낌을줍니다.

간단하게 화면 구성을 시행착오할 수 있어 윤곽선에 고민하지 않고 색채에 포커스 할 수 있다는 메리트가 있는 절지 그림도 마티스의 일련의 회화 작품과 불가분의 표현이었습니다. 잘라내는 하나의 동작 가운데, 그림, 페인팅, 조각을 집약해, 색채와 선묘라고 하는 2개의 조형 요소를 통일하는 방법으로 한 것입니다.

그리고 클라이맥스의 제8장 「반스 로사리오 예배당 1948-1951」 에서는, 최저년에 해당하는 1948년부터 1951년에 걸쳐, 마티스가 자신의 집대성으로서 다룬 반스의 묵주 예배당 에 있어서의 일에 관한 풍부한 자료를 전시.

예배당을 하나의 종합 예술 작품으로 구상하고 있던 마티스는 디자인, 조각, 종이 그림 등 지금까지 탐구해 온 모든 기법을 구사하여 건물의 설계, 벽화, 장식, 제복, 전례 용품의 디자인 에 이르기까지 모두 다루었습니다. 「최저년」이라는 말의 이미지로부터는 상상도 할 수 없는 바이탈리티에 놀라게 됩니다.

이 장에서는 동전을 위해 찍은 반스 로사리오 예배당의 특별 영상이 상영되었습니다. 어느 맑은 날의 아침부터 밤까지 표정을 바꾸는 예배당 내의 빛의 변화를 미려한 4K영상으로 소개하는 것으로, 스테인드 글라스에서 흘러나오는 빛이 비추는 모습의 아름다움에는 말을 잃습니다. 이 예배당은 "찾는 사람들의 마음이 가벼워진다" 같은 공간이 아니어서는 안 된다는 마티스의 신념을 훌륭하게 구현한 색채와 선, 그리고 빛이 한자리에 만나는 공간을 꼭 감상 끝에 만끽 하고 싶습니다.

「마티스전」의 개최는 2023년 8월 20일(일)까지.

「마티스전」개최 개요

※기사의 내용은 취재일(2023/4/26) 시점의 것입니다. 최신 정보는 공식 사이트 등에서 확인하십시오.

기사 제공: 코코실 우에노

기타 보고서 보기

국립 서양 미술관

19세기 후반부터 20세기에 걸쳐 각국의 화가들이 방문 제작에 임한 프랑스 북서부의 브리트니 지방. 옛날보다 특이한 역사문화를 자랑해 온 이 땅을 소재로 한 작품 을 모은 전람회 「동경의 땅 브르타뉴 ─ 모네, 고건, 쿠로다 키요루 등이 본 이향」이 도쿄 우에노의 국립 서양 미술관에서 개최 내부입니다.
회기는 2023년 3월 18일(토)~6월 11일(일)까지.

보도 내람회에 참가해 왔으므로, 회장의 모습을 리포트합니다.

※기사의 내용은 취재일(2023/3/17) 시점의 것입니다. 최신 정보는 공식 사이트 등에서 확인하십시오.

전세계의 예술가가 동경한 프랑스의 내면인 이향 「브르타뉴」란?

변화가 풍부한 웅대한 자연, 고대의 거석유구와 중근세의 기독교 기념물, 켈트계 언어인 ‘브루톤어’를 말하는 사람들의 소박하고 신심스러운 생활양식. 프랑스 북서부, 대서양으로 돌출한 반도를 핵으로 하는 브리트니 지방은 16세기까지 브리트니 왕국으로서 독립하고 있었다.

프랑스에 병합된 후에도 독자적인 경관과 문화를 유지한 프랑스의 내면인 「이향」. 19세기에 로망주의 시대를 맞이하면 새로운 화제를 요구하는 많은 예술가들이 브리트니를 목표로 했습니다.

본전 「동경의 땅 브리트니 ─ 모네, 고건, 쿠로다 키요테 등이 본 이향」에서는, 화가들을 매료시킨 19세기 후반부터 20세기 초에 주목해, 브르타뉴를 모티브로 한 회화나 소묘, 판화, 포스터 등 약 160점을 전시. 각각의 화가들이 이 이향에 무엇을 요구하고 찾아낸 것인지를 찾고 있습니다. 전시 작품은 국내 30곳을 넘는 소장처와 해외 2관에서 모인 것.

제1장 “발견된 브리트니: 이향으로의 여행”

전시는 총 4장 구성입니다.

제1장 「발견된 브리트니: 이향으로의 여행」에서는, 19세기 초에 로망주의의 화가들이 브리트니를 “발견”한 이후, 화가들이 브리트니에 대해 어떤 이미지를 퍼뜨려갔다 의지, 영국의 풍경 화가 윌리엄 터너의 수채화를 비롯한 「픽처레스크 투어(그림이 되는 풍경을 지방으로 찾는 여행)」의 유행을 배경으로 태어난 작품으로부터 소개하고 있습니다.

코와후(머리장식)를 쓰고 민족 의상을 입은 여성상으로 대표되는, 브르타뉴의 이국적인 이미지의 이상화·정형화가 대중을 위한 포스터 등으로 가득한 한편, 우제느·부단이나 클로드·모네 등 여행하는 인상파 세대의 화가들의 작품으로부터는, 브리타뉴가 있는 그대로의 자연스럽게 진지한 태도로 마주하고 있던 것을 알 수 있습니다.

주목은 모네의 《폴·도모바의 동굴》 (1886)과 《아라시의 베릴》 (1886).

1886년 가을, 브리트니 반도 남쪽 해안의 해안에 떠오르는, 야취 넘치는 풍경으로 알려진 베릴섬에서 2개월 반을 보낸 모네는, 다른 시간이나 날씨 하에서의 해안의 전망을 40장 가까운 캔버스로 파악하고 있어, 이것은 그 중 두 작품입니다.

그려져 있는 것은 온화한 바다와 폭풍의 바다라는 대칭적인 풍경. 《폴·도모바의 동굴》은 터치가 온화하고 비교적 리드미컬하게 되어 있습니다만, 《아라시의 베릴》은 마치 폭풍 속, 스스로의 신체 감각이 옮겨진 것처럼, 거칠게 붓이 실려 있어 있는 등, 모네의 체험이 그림에 새겨져 있는 것 같다.

모네는 1890년대부터 시시각각 변화하는 빛과 대기의 순간을 캔버스로 포착하려고 연작을 발표하기 시작했지만, 베릴섬에서 천변 만화하는 날씨의 절벽을 상대로 한 경험이 회화 연작의 사색 를 깊게 하는 계기가 된 것이 아닐까, 라고 생각되고 있다는 것.

제2장 “풍토에 빠지는 감성: 고건, 폰-타벤파와 토지의 정신”

제2장 「풍토에 빠지는 감성: 고건, 폰타벤파와 토지의 정신」에서는, 폴 고건을 비롯한, 브리트니 지방 남서부의 고무라 폰타벤에 체류한 화가들의 작품을 전시.

고건은 1886년부터 1894년까지 브리타니 체류를 반복하여 파리에서의 생활고에서 벗어나도록 토지의 풍토와 풍습, 사람들의 두꺼운 기독교 신앙과 순박한 정신과의 교감 중에 자신이 예술에 요구하는 「야성적인 것, 원시적인 것」의 사색을 깊게 해 갔다고 한다.

고건의 전시 작품은 12점(회화 10점, 판화 2점) 있어 본전의 볼거리 중 하나가 되고 있습니다. 연대순으로 늘어서 있고, 카미유·피살로풍의 인상파 양식을 두는 《보아·다물르의 수차 오두막의 수욕》 (1886)으로부터, 단순화한 폼과 색채를 이용해 현실 세계와 내면적인 이미지를 화면 위에서 통합시키는 종합주의 양식이 성숙한 모습이 보이는 《해변에 서 있는 브리트니의 소녀들》 (1889) 등, 작풍의 변천을 따라갔습니다.

《해변에 서 있는 브르타뉴의 소녀들》은 손을 잡고 화가를 파악하는 것처럼 시선을 던지는 두 명의 소녀를 그린 작품. 고건 자신이 이 땅에서 찾아내려고 했던 ‘야성적인 것, 원시적인 것’이 매우 힘들고 큰 다리나 질소한 옷차림 등 노동과 가난함에 인종하는 농민 아이들의 모습에 가탁하는 형태로 상징적으로 표현됩니다.

제3장 “토지에 뿌리 내리기: 브리트니를 계속 응시한 화가들”

제3장 「토지에 뿌리 내리기: 브리트니를 계속 바라본 화가들」에서는, 19세기 말부터 20세기 초에 걸쳐 관광지화·보양지화가 진행된 브리트니로, 드디어 별장을 세울 때까지 이르고, 제2장 의 고향으로 한 화가에 주목.

우키요에 판화에 영감을 얻어 세기 말의 재포니즘을 견인한 앙리 리비에르는 독학으로 다색 인쇄 목 판화의 제작에 임했습니다. 브리트니의 목가적인 정경에 리비에르가 친밀한 또 다른 ‘이향’인 일본의 이미지를 투영했을까요? 그는 브리트니를 일본어로 번역해 마치 일본인 것처럼 그려내는 것이 재미있는 점.

1890년부터 1894년에 걸쳐 다룬 목판 40장으로 이루어진 집대성적인 연작 「브르타뉴의 풍경」 은, 섬세한 색의 조조가 눈을 끌 수 있을 뿐만 아니라, 호쿠사이를 상기시키는 구도가 일본인의 필자에게 있어서는 어딘가 친숙함을 기억하는 것이었습니다.

내비파를 결성한 모리스 도니는 종교 예술의 진흥에 힘을 쏟고 있던 화가이며 경건한 기독교인이었기 때문에 두꺼운 신앙에 뿌리를 내리는 브리타니의 정신 풍토에 공명하고 있었다고 합니다. 전시에서도 《젊은 어머니》 (1919)를 비롯해, 브리트니에서 보내는 가족의 표상을 기독교의 도상 전통에 준거하고 있는 작품이 눈을 끌었습니다.

또, 브리타니의 해안에 고대 그리스의 바다를 투영한 《수욕》 (1920) 등, 현실과 허구가 겹치는 지상의 낙원의 이미지로부터는, 1895년 이후, 여행 중복되는 이탈리아 여행을 거쳐 경도한 고전주의의 영향 느껴집니다.

드니의 밝고 행복감이 넘치는 풍경으로부터 일전, 다음의 전시에서는, 레어리즘의 계보 속에서 브리타뉴의 자연과 풍속을 그린 일파 「밴드 노아르(흑의 일단)」에 의한, 흑을 다용하는 중대한 색조의 작품이 계속됩니다.

그 중에서도 샤를 코테에 의한 가로폭 약 3.5m의 대작 《비탄, 바다의 희생자》 (1908-09)는 압권이었습니다. 바다의 비극과 자연의 어려움에 인종하는 사람들을 주제로 하는 작품을 많이 다룬 코테의 대표작. 해난사고가 끊이지 않는 브리트니의 산섬의 파지장에서, 익사한 어부를 섬민이 떠돌리는 모습을 전통적인 그리스도 애도도에 거듭하고 있습니다.

코테의 작품에서는 그 밖에도, 죽은 자에게 기도를 바치는 정경을 그린 《성요한의 제화》 (c.1900)가 인상적이었습니다. 바로크 회화를 방불케 하는 명암 표현이 아름답고, 모닥불에 비추어 떠오르는 사람들의 표정이 엄격하면서 조금 조용한 분위기가 있습니다.

제4장 “일본발, 파리 경유, 브리트니행: 일본 출신 화가들의 눈빛”

마지막 섹션인 제4장 「일본발, 파리 경유, 브리트니행：일본 출신 화가들의 눈빛」에서는, 19세기 말부터 20세기의 시작(메이지 후기부터 다이쇼기에 걸쳐), 예술 선진 도시 파리에 유학해 , 브리트니라고 하는 “이방 속의 이향”에도 발길을 옮겨 화제로 한 일본인 화가들에게 초점을 맞추고 있습니다.

일본 근대양 화계의 중진 구로다 키요테루는 브리타니를 방문한 최초의 일본인 화가로, 도쿄 미술학교 교수가 되기 이전, 1891년에 구메 가쓰라 이치로와 함께 블레어 섬에 건너고 있습니다. 쿠로다의 《브레하의 소녀》 (1891)는 브리트니의 소녀상으로서는 드물게 머리카락을 내린 모습으로 그려져 있습니다. 렘브란트풍의 실내의 명암 대비나 선명한 색채 대비가 눈을 끄는, 쿠로다다운 온화한 화풍과는 일선을 그리는 거친함이 매력적인 일작이었습니다.

창작 판화의 보급에 공헌한 야마모토 코도 브리타니에 발길을 옮긴 한 사람. 일본인 화가가 브리타니에 취재한 이미지로 잘 알려진 《부르톤느》 (1920)은 체재시의 스케치를 바탕으로 귀국 후 완성시킨 목판화입니다. 스케치에 있던 배경을 단순한 수평선을 강조한 화면 구성과 차분한 파란색과 검정으로 정리된 색조가 아이코닉에 그려진 브리트니 여성의 조용한 분위기를 자아내고 있습니다.

회장에는 가이드북이나 트렁크 등의 관련 자료도 전시되어 있어, 이들 자료나 작품을 통해 브리트니를 여행하는 것 같은 기분이 된 것도 즐거운 포인트였습니다.

서양 동양 불문하고 다양한 화가들이 브리트니라는 하나의 큰 주제로 제작에 임하고 있습니다만, 이향에 무엇을 보았는지, 어떠한 어프로치를 실시했는지는 전혀 달랐습니다. 브리트니의 풍경의 아름다움을 바라보며 낙원을 환시한 화가, 가난함과 해난사고 등 어려운 현실을 작품으로 승화한 화가. 각각의 개성에 다시 빛을 비추는 의욕적인 전람회였습니다.

개최는 2023년 6월 11일(일)까지.

「동경의 땅

기사 제공: 코코실 우에노

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