도쿄도 미술관
선명한 색채에 의해 미술사에 큰 영향을 준 포비즘 운동의 중심적 인물로 알려진 20세기를 대표하는 프랑스의 거장 앙리 마티스 (1869-1954). 그 대규모 회고전 「마티스전」 이 도쿄도 미술관에서 개최중입니다. 회기는 2023년 8월 20일까지.
초기의 걸작《호녀, 조용함, 일락》이 일본 최초 공개가 되는 것에서도 화제의 동전을 취재했으므로, 회장의 모습을 리포트합니다.
약 150점의 명품으로 통람하는 마티스의 탐구의 여행
「색채의 마술사」의 이명을 가진 앙리 마티스. 눈에 비치는 현실에서 자유롭게 색채를 해방한 그의 회화 표현은 미술사에 혁신을 일으켜, 모던 아트의 역사에 잊기 어려운 발자취를 남겼습니다.
현재 개최중인 '마티스전' 은 일본에서는 약 20년 만인 대규모 회고전. 세계 최대 규모의 마티스 컬렉션을 자랑하는 파리의 퐁피두 센터에서 명품 약 150점이 집결되었습니다. 회화를 중심으로 조각, 드로잉, 절지 그림, 만년의 최대의 걸작인 남부 밴스의 묵주 예배당에 관한 자료까지, 각 시대의 대표적인 작품에 의해, 마티스의 조형적인 모험을 다각적으로 소개. 감각에 직접 호소하는 생생한 색채와 빛의 탐구에 바친 84년의 생애를 통람하는 내용으로 되어 있습니다.
전시는 전 8장 구성.
・제1장 포비즘을 향해 1895~1909년
・제2장 라디컬한 탐구의 시대 1914~1918년
・제3장 병행하는 탐구―조각과 회화 1913~1930년
・제4장 인물과 실내 1918~1929년
・제5장 퍼짐과 실험 1930~1937년
・제6장 니스에서 밴스까지 1938~1948년
・제7장 절지 그림과 최저년의 작품 1931~1954년
・제8장 반스·로자리오 예배당 1948~1951년
신인상파, 포비즘, 큐비즘… 실험을 반복한 마티스의 다채로운 회화 표현
연대순으로 늘어선 작품군을 보면 마티스가 짧은 기간에 차례차례로 화풍을 변화시키고 있었다는 것을 깨달을 것이다. 몇 가지 예를 들어 보겠습니다.
1869년 프랑스 북부의 부유한 가정에서 태어난 마티스는 20세가 지나면서 화가의 길을 뜻하며 1891년 파리에 상경했습니다. 화가로서의 정체성을 확립하려고 했던 최초기의 작품으로서는, 파리 국립미술학교에서 교편을 취하고 있던 상징주의의 화가 구스타브 모로에 사사하고 있던 시기에 제작한 《독서하는 여성》 (1895) 을 감상할 수 있습니다.
카미유 콜로의 인물화의 영향이 느껴지는, 「이것이 마티스?」라고 놀라 버릴 정도로 사실적이고 억제된 작풍에서는, 어쨌든 20세기 미술을 대표하는 거장이 되는 한비늘은 아직 엿볼 수 없습니다. 국가 매출이 되어 처음으로 상업적 성공을 거둔 작품이지만, 이러한 전통적인 화법은 곧 포기된 것 같습니다.
점차 《산 미셸 다리》 (c1900), 《핫 초콜릿 냄비가 있는 정물》 (1900-1902)과 같이, 수년 후의 포비즘의 도래를 예감시키는, 타오르는 생생한 배색의 작품을 제작한다 같아요.
그리고 1904년에는, 신인상파의 중심 인물 폴·시냑의 초청으로 한여름을 산트로페에서 보낸 후, 그로부터 배운 「필촉 분할」기법을 이용해 초기의 걸작 《호녀, 조용함, 일락》 (1904) )을 완성했습니다.
일본 최초 공개가 되는 동작은, 빛이 가득한 이상향이라고도 할 수 있는 광경을, 대상의 고유색이 아닌 순색을 사용한 필촉 분할로 그린 것. 대체로 신인상파의 작화의 지침에 충실히 따르고 있지만, 잘 보면 추상화한 인물은 윤곽선으로 둘러싸고 형태를 유지하고 있는 등, 지침에는 없는 실험의 흔적을 볼 수 있습니다. 마티스가 평생 과제로 한 “색채와 선묘의 충돌”이라는 본질적인 문제는 해결되지 않은 채로 있었지만, 이 작품은 마티스의 화업에 있어서 중요한 한 걸음이 되었습니다.
이듬해에는 빨리 이 필촉 분할을 버리고, 남부 불 코리울로 색채와 선묘의 충돌의 문제에 정면에서 임합니다. 거기서, 눈에 비치는 색채가 아니라, 감각을 중시한 자유롭고 대담한 색채 표현과 거친 필치에 의한 포비즘을 창출한 것이었습니다.
그러나 포비즘의 입역자로서 미술계에서 스캔들을 일으킨 마티스입니다만, 《호녀, 조용함, 일락》의 3년 후에 제작된 《호조Ⅰ》 (1907)을 보면, 색채는 조화롭고, 필촉도 평평한 것입니다. 「마티스는 포비즘의 화가」라고 하는 이미지를 강하게 가지고 있는 분도 있겠지만, 사실 마티스의 포비즘적 경향은 수년도 계속되지 않고, 동작은 1907년의 시점에서 이미 회화 공간의 탐구가 다음 의 무대로 진행되었음을 보여줍니다.
안정적으로 제작을 계속하고 있던 마티스의 생활을 크게 바꾼 것은 1914년에 일어난 제1차 세계대전. 자신의 두 아들과 친구들이 동원되어 고립된 마티스는 상황에 저항하는 것처럼 창작에 빠져 혁신적인 조형상의 실험을 진행해 갔습니다.
이 시기의 작품에서 눈길을 끄는 것은, 세계대전 발발 직후에 제작된 《코리울의 프랑스 창》 (1914)에서, 당시의 마티스의 심경을 반영한 것 같은 어두운 색조의 수수께끼 한 일작입니다 . 평생 아틀리에(실내)에서 실험을 반복한 마티스에게 있어서 「창」은 중요한 모티프로, 마티스 작품에 있어서 「창」은 안과 밖을 분리하는 것이 아니라, 내외의 공간이 같은 하나의 정리임을 분명 하는 것이었던 것 같습니다.
서양의 전통 속에서는 시각의 메타파로서도 사용된 창. 이 작품에서 창문에는 원래 발코니가 그려져 있었지만, 결국 모두 검은 색으로 채워져 있다는 점이 시사적입니다. 이 창은 닫혀 있는지, 열려 있습니까? 원래 제목으로 표시되지 않았다면 이것이 창이라고 인식 할 수 있었습니까? 미완 그대로 숙고 끝에 종지부가 찍혔다고 생각되는 동작은 "얼마나 요소를 없애면 이미지가 성립하지 않을 것인가"를 극한까지 몰아넣은 구도로 나타낸 마티스의 창작 중 하나 임계를 표시한 작품입니다.
《코리울의 프랑스창》을 제작하는 한편, 마티스는 초상화에도 임하고 있었습니다. 코리울 체류 중에, 큐비즘의 화가 주안 그리(후안 그리스)와 대화를 거듭한 후, 자신의 딸 마르그릿을 모델로 한 《흰색과 장미색의 머리》 (1914)를 제작. 마티스의 작품 중에서는 가장 큐비즘의 영향이 짙은 한점으로 되어 있습니다.
평평하고 단순화된 화면 구성, 기하학적 인체. 극한까지 세부 사항을 배제하고, 또한 모델의 본질을 해치지 않기 위해서는 어떻게 하면 좋을까, 《코리울의 프랑스 창》과 같은 라디칼한 실험의 결과가 나타나고 있습니다.
여기까지 소개한 작품만으로도, 실험과 숙고를 반복하면서 새로운 회화 표현을 도입해 간 마티스의 탐욕스러운 탐구의 자세가 전해질까 생각합니다. 그러나 전시 내용적으로는 아직 제2장의 중간 정도이며, 마티스의 경력의 절반도 지나치지 않습니다. 제8장까지 감상하면, 그 화풍의 다채로움에, 이것이 한 명의 화가를 거론한 회고전이라는 것을 잊어버릴 정도였습니다. 다만, 화풍이 어떻게 변화해도, 색채나 형태에 대한 의식의 높이, 눈에 보이는 것보다 정동을 중시하는 자세는 일관하고 있는 것처럼 느낍니다.
화풍의 폭넓은 관점에서 특히 재미있었던 것은, 제5장 「퍼짐과 실험 1930-1937」 에서 감상할 수 있는 《꿈》 (1935)과 《앉는 장미색의 벌거벗은 여성》 (1935-36)입니다.
남부 프랑스 니스에 거점을 옮긴 후, 1930년대에 들어가자 마티스는 미국과 오세아니아를 여행해 새로운 빛과 공간을 만져 작품이 더욱 개방적이고 넓어지게 되었습니다. 1920년대에 전통적인 회화관에 회귀하고 있던 표현 수단이, 다시 단순화해 가던 시기이기도 합니다. 그 무렵에 제작된 《꿈》과 《앉는 장미색의 벌거벗은 여자》는, 착수한 것이 같은 해이며, 몰릴 때까지 마티스가 좋아하는 모델이었던 비서의 리디아 디렉터스카야를 그린 벌거벗은 동상이다 일, 청계의 배경이라고 하는 많은 공통점이 있으면서, 작품으로부터 받는 인상은 크게 다릅니다.
눈을 감고 잠자는 여성의 상반신을 화면 전체에 배치한《꿈》은 기분 좋은 개방감으로 가득, 심리적이고 조형적인 만족을 표현하고 있는 한편, 철저한 기하학 형태를 선택한《앉는 장미 색상의 벌거벗은 여성은 지우기와 단순화와 같은 겹치는 조작의 흔적을 드러내고 우아한 포즈를 취하고 있던 여성을 망령한 도식적인 동상으로 변모시키고 있습니다. 배경 속에 인물의 형태를 삽입하는 방법에 대해서, 무수한 바리에이션을 수반하면서 추구한 이 시기의 숙고의 모습을 단적으로 나타내고 있는 2 작품이므로, 꼭 주목해 주세요.
색채와 선묘의 조화를 모색한 마티스의 도달점, 평생 마지막으로 다룬 유채화《적색의 큰 실내》에도 주목
만년의 걸작을 복수 전시하는 제6장 「니스로부터 밴스에 1938~1948년」 은, 특히 충분한 시간을 취해 감상해 주었으면 하는 에리어입니다.
세계를 뒤집는 큰 모험이 된 마티스의 수많은 실험은 모두 그의 색채로 가득한 아틀리에 안에서 행해졌다고 합니다. 그 때문에 아틀리에 자체도 마티스에게 있어서의 평생을 통한 중요한 모티프가 되었습니다. 1939년, 제2차 세계대전이 발발한 무렵, 나이 70 가까이 된 마티스는, 아틀리에에 꽃병, 패브릭, 가구 등의 손에서 수집한 물건들을 주의깊게 배열하면서, 그들을 몇번이나 그리는 것으로 사물의 「본질」을 자신의 몸에 넘겨 준다는 작업을 실시하게 됩니다.
마티스의 대명사라고도 할 수 있는 붉은색이 아름다운, 평면적이고 장식성이 강조된 대표작 《목련이 있는 정물》 (1941)은 이러한 작업, 수십점의 준비 그림을 제작한 후에 만을 갖고 완성시켜 한 작품. 모티브로부터 본질만을 꺼내는 것으로, 별형의 목련의 주위를 복수의 사물이 부유하도록 둘러싼다고 하는 표현에 이르고 있습니다. 마티스가 "아란카기리의 힘"을 다했다고 말한 화가 마음에 드는 작품입니다.
1943년 공폭의 위기에서 벗어나기 위해 마티스는 니스에서 근교의 밴스로 옮겨 살지만, 여기에서 다룬 것이 마지막 유채화 연작인 '반스 실내화' 시리즈. 동전에서는 시리즈 중, 제1작이 되는 《황색과 파랑의 실내》 (1946)과 제13작목으로 해 화가 마지막 캔버스 그림이 된 《빨강의 큰 실내》 (1948)이 전시되어 있다 합니다.
특히 《빨간색의 큰 실내》는 마티스의 색채에 관한 일이 응축된 걸작으로 자리매김되어 있고, 평면화된 공간에 붉은색, 아틀리에, 화중화 등 마티스 회화의 중요한 테마군이 능숙한 구도 에 합쳐져 있습니다. 벽에 걸린 두 장의 그림은 모두 기존 마티스 작품의 인용입니다. 왼쪽의 필기에 의한 흑백의 그림은 마치 창과 같이 공간에 퍼짐을 갖게 할 뿐만 아니라, 오른쪽의 색채 풍부한 유채화와 대등하게 내걸리고 있는 모습이, 색채와 선묘의 충돌이라는 과제에 계속 도전하고 있습니다 한 마티스의 영업을 다시 보는 사람에게 보여주는 것처럼 느껴졌습니다.
작품의 매력에 대해, 도쿄도 미술관 학예원의 가쓰마에 토시코씨는 “마티스에게 있어서, 세계는 조화로 가득 찬 것.조화로 가득한 세계로부터 받는 감각을 어떻게 회화 속에 표현하는가 그래서 다른 세계를 묶는 다양한 요소가 한 장의 회화 속에 조화를 이루고 존재하고 있다(작품을 목표로 했다). 그것이 실현되고 있다”고 말합니다.
생생한 빨간색 배경에 검은 윤곽선은 부드럽게 춤을 추는 것. 선과 색채가 조화될 뿐만 아니라 서로를 개방해 행복감이 어디까지나 계속된다. 79세라는 최저년까지 마티스가 걸음을 멈추지 않았다는 것을 상징하는 작품입니다.
색채와 빛이 넘치는 마티스의 최고 걸작 '반스 로사리오 예배당'의 아름다운 특별영상도 상영
여기까지 전시 중 회화 작품을 픽업해 소개해 왔습니다만, 제3장에서는 주요한 조각 작품, 제7장에서는 절지 그림 작품, 제8장에서는 반스의 묵주 예배당에 관한 일을 다루고 있었습니다 했다.
제3장 「병행하는 탐구―조각과 회화 1913~1930년」의 전시에서는, 20년에 걸쳐 탐구된 모티프인 〈등〉연작이 벽 일면에 줄지어 매우 박력이 있었습니다. 마티스는 평면 표현의 이미지가 강한 화가입니다만, 조각을 다룬 이유에 대해서는 「보충의 수작으로서, 자신의 생각을 정리하기 위해」라고 말하고 있습니다. 그러나, 그 중요도는 낮지 않고, 2차원과 3차원의 관계를 모색하는 데 도움이 되었고, 특히 점토소상은 회화에서는 아직 표현할 수 없는 착상에 형태를 주는 것으로 선호한 수단이었습니다.
초상화의 표현을 서서히 복잡화하면서, 신체의 구조를 부정확하게 묘사해도, 인물 가운데 숨겨진 본질적 진실은 숨기지 않고, 오히려 표에 나오는 것을 증명하려고 했다 <안 리엣＞연작 (1925-29)은, 눈에 보이는 것의 재현에 무게를 두지 않았던 마티스다움이 얽혀 있습니다.
4점의 등신대 여성상인 <등>연작(1909-30)은 Ⅰ부터 Ⅳ까지 언뜻 여성의 뒷모습을 서서히 단순화한 과정을 표현한 것으로 보이지만, 실은 처음부터 시리즈 로 구성된 것은 아니며, 항상 변화하는 단일 점토 조각으로 간주되었습니다. 동 시리즈의 제작 시기는, 「댄스」등의 모뉴멘탈인 회화의 제작 시기와 겹치고 있는 것이 지적되고 있습니다. 이것은 마티스가 회화와 조각을 연동시키면서 때때로 조형적인 과제를 해결하려고 시도했음을 보여줍니다. 조각은 마티스에게 그 조형 활동 전체에 리듬을 주는 것이었습니다.
제7장 「절지 그림과 최저년의 작품 1931~1954년」의 전시에서는, 1940년대 이후, 병에 의해 침대나 휠체어에서의 생활이 중심이 된 마티스가 집중해 임하게 되었다, 「 가위로 그린다”절지 그림 작품을 중심으로 소개하고 있습니다.
1943년부터 46년에 걸쳐, 마티스는 절지 그림 20점을 제작해, 이것을 바탕으로 혁신적인 화문집 「재즈」 를 출판했습니다. 제목은 종이 그림의 즉흥성을 강조한 것. 유명한 종이 그림 작품《이카로스》도 동서의 수록 작품입니다. 과즙으로 선명하게 채색된 종이 그림은 회장의 검은 벽 위에서 춤을 추는 경쾌한 느낌을줍니다.
간단하게 화면 구성을 시행착오할 수 있어 윤곽선에 고민하지 않고 색채에 포커스 할 수 있다는 메리트가 있는 절지 그림도 마티스의 일련의 회화 작품과 불가분의 표현이었습니다. 잘라내는 하나의 동작 가운데, 그림, 페인팅, 조각을 집약해, 색채와 선묘라고 하는 2개의 조형 요소를 통일하는 방법으로 한 것입니다.
그리고 클라이맥스의 제8장 「반스 로사리오 예배당 1948-1951」 에서는, 최저년에 해당하는 1948년부터 1951년에 걸쳐, 마티스가 자신의 집대성으로서 다룬 반스의 묵주 예배당 에 있어서의 일에 관한 풍부한 자료를 전시.
예배당을 하나의 종합 예술 작품으로 구상하고 있던 마티스는 디자인, 조각, 종이 그림 등 지금까지 탐구해 온 모든 기법을 구사하여 건물의 설계, 벽화, 장식, 제복, 전례 용품의 디자인 에 이르기까지 모두 다루었습니다. 「최저년」이라는 말의 이미지로부터는 상상도 할 수 없는 바이탈리티에 놀라게 됩니다.
이 장에서는 동전을 위해 찍은 반스 로사리오 예배당의 특별 영상이 상영되었습니다. 어느 맑은 날의 아침부터 밤까지 표정을 바꾸는 예배당 내의 빛의 변화를 미려한 4K영상으로 소개하는 것으로, 스테인드 글라스에서 흘러나오는 빛이 비추는 모습의 아름다움에는 말을 잃습니다. 이 예배당은 "찾는 사람들의 마음이 가벼워진다" 같은 공간이 아니어서는 안 된다는 마티스의 신념을 훌륭하게 구현한 색채와 선, 그리고 빛이 한자리에 만나는 공간을 꼭 감상 끝에 만끽 하고 싶습니다.
「마티스전」의 개최는 2023년 8월 20일(일)까지.
「마티스전」개최 개요
| 회기 | 2023년 4월 27일(목)~ 8월 20일(일) |
| 회장 | 도쿄도 미술관 기획 전시실 |
| 개실 시간 | 9:30~17:30, 금요일은 20:00까지 ※입실은 폐실 30분 전까지 |
| 휴무일 | 월요일, 7월 18일(화) ※단 7월 17일(월·축), 8월 14일(월)은 개실 |
| 관람료 | 일반 2,200엔, 대학생・전문학교생 1,300엔, 65세 이상 1,500엔
※본전은 일시 지정 예약제 입니다. |
| 주최 | 공익재단법인 도쿄도 역사문화재단 도쿄도 미술관, 퐁피두 센터, 아사히 신문사, NHK, NHK 프로모션 |
| 문의 | 050-5541-8600(헬로 다이얼) |
| 전시회 공식 사이트 | https://matisse2023.exhibit.jp/ |
※기사의 내용은 취재일(2023/4/26) 시점의 것입니다. 최신 정보는 공식 사이트 등에서 확인하십시오.
기사 제공: 코코실 우에노
