作者: nakano

國立西洋美術館

從 19 世紀末到 20 世紀，來自世界各地的畫家來到法國西北部的布列塔尼地區創作他們的作品。展覽“布列塔尼，敬仰之地——莫奈、高更、黑田清輝等人眼中的異國他鄉”將在東京上野國立西洋美術館舉辦，就在裡面。
展覽將於2023年3月18日星期六至2023年6月11日星期日舉行。

由於我參加了新聞發布會，所以我將報告會場的情況。

*文章內容截至採訪日期（2023年3月17日）。請查看官方網站以獲取最新信息。

全世界藝術家都羨慕的法國腹地“布列塔尼”是什麼？

多樣而雄偉的自然風光、古老的巨石遺跡、中世紀和早期現代的基督教紀念碑，以及講布列塔尼凱爾特語的人們簡單而虔誠的生活方式。布列塔尼地區位於法國西北部，有一個半島伸入大西洋，直到16世紀才作為布列塔尼王國獨立。

法國境內的“外國”，即使在被法國吞併後也保留了其獨特的風景和文化。隨著19世紀浪漫主義的到來，許多尋求新題材的藝術家將目光投向了布列塔尼。

在本次展覽“布列塔尼，傾慕之地——莫奈、高更、黑田精機等人的眼中”，我們聚焦於 19 世紀末至 20 世紀初令畫家著迷的時期，包括繪畫、素描、版畫，將展出海報等約160件物品。我們正在探索每位畫家在這片異域土地上尋找和發現的東西。展出的作品來自日本和兩個海外博物館的30多個藏品。

第 1 章“發現布列塔尼：異國之旅”

展覽由四個章節組成。

第一章“發現布列塔尼：異國之旅”探討了自19世紀初浪漫主義畫家“發現”布列塔尼以來，流行了哪些布列塔尼形象。 ”（在鄉村旅行尋找風景如畫的風景），包括英國風景畫家威廉特納的水彩畫。

當布列塔尼異國情調形象的理想化和程式化，以女性形象為代表，戴著 koif（頭飾）和穿著民族服飾，到處都是面向大眾的海報，Eugène Boudin 和 Claude Monet 從印象派旅行一代的作品中，我們可以看到他們以真誠的態度面對布列塔尼的樸實自然。

特別值得注意的是莫奈的 Paul-Domois 洞穴(1886) 和Beryl of the Storm (1886)。

1886年秋天，莫奈在布列塔尼半島南部海岸以野外風光著稱的貝里爾島度過了兩個半月，這是其中的兩個。

它描繪了平靜和驚濤駭浪的對稱景觀。 Paul-Domois的Grotto筆觸柔和，比較有節奏感，而Beryl the Storm，筆觸狂放，彷彿自己的身體感官在暴風雨中被附身，彷彿莫奈的經歷被刻在了畫中，這樣的作為在那裡。

從1890年代開始，莫奈開始呈現一系列畫作，試圖在畫布上捕捉不斷變化的光線和氣氛中的瞬間。

第 2 章“氣候培育的敏感性：高更、Pont-Aven 畫派和土地精神”

第二章“氣候滋養的敏感：高更、阿文橋畫派與大地精神”，展示了保羅·高更等留在西南小村莊阿文橋的畫家的作品。布列塔尼。

高更從1886年到1894年多次在布列塔尼逗留，以逃避巴黎生活的艱辛，似乎對他想要的“野性的東西，原始的東西”的思考加深了。

高更的12件作品（10幅油畫和2幅版畫）是本次展覽的亮點之一。從Bois d’Amour的《Watermill Bathers》 （1886），按時間順序排列，保留了Camille Pissarro的印象派風格，他用簡化的形式和色彩來描繪現實世界和內心意象。我可以追踪到他風格的轉變，如《站在海邊的布列塔尼少女》 （1889），顯示了上面綜合的綜合主義風格的成熟。

《站在海邊的布列塔尼女孩》描繪了兩個女孩手牽著手，凝視著畫家。高更本人試圖在這片土地上尋找的“野性與原始的東西”，體現在農家孩子們忍受勞動和貧困的形像中，比如他們強壯的大腿和朴素的衣服。它以一種假設的形式象徵性地表現出來.

第三章“紮根大地：繼續凝視布列塔尼的畫家”

在第 3 章“在土地上紮根：繼續觀察布列塔尼的畫家”中，布列塔尼從 19 世紀末到 20 世紀初成為旅遊勝地和度假區。這是他的家鄉。

受到浮世繪木版畫的啟發，亨利·里維埃 (Henri Riviere) 是世紀末日本主義的推動者，他自學製作了多色木版畫。里維埃是否將另一個“外國”日本的形象投射到布列塔尼的田園風光中？有趣的是，他把布列塔尼翻譯成日文，畫得好像在日本一樣。

1890 年至 1894 年間創作的 40 幅木刻版畫《布列塔尼風景》 ，不僅以細膩的色彩層次引人注目，而且構圖讓人聯想到葛飾北齋，總有一種似曾相識的感覺。

創立納比斯學派的莫里斯·丹尼斯是一位專注於推廣宗教藝術的畫家，又因為他是虔誠的基督徒，據說與布列塔尼信仰根深蒂固的精神氣候產生了共鳴。展覽中， 《年輕的母親》 （1919）等按照基督教肖像畫傳統描繪布列塔尼一家人的作品引起了我的注意。

此外，從現實與虛構交疊的人間天堂形象，如沐浴（1920）將古希臘的大海投射到布列塔尼海岸，受到古典主義的影響，他在畢業後愛上了古典主義。 1895年後多次去意大利旅行。你可以感受到

與丹尼斯明亮而幸福的風景形成鮮明對比的是，下一個展覽展示了黑樂隊（black group）大量使用黑色，該樂隊以現實主義的方式描繪了布列塔尼的自然和風土人情。彩色作品緊隨其後。

其中，查爾斯·科泰特的3.5米寬巨幅作品《悲嘆，大海的受害者》（1908-09）堪稱代表作。 Kotte 的代表作品，他曾創作過許多以大海的悲劇和忍受自然嚴酷的人們為主題的作品。在海難不斷的布列塔尼聖島碼頭，傳統的基督哀悼畫上疊加了島民對溺水漁民的哀悼。

科特的另一件給我留下深刻印象的作品是《聖約翰的火焰》 （約 1900 年），描繪了為死者祈禱的場景。光影的表現讓人聯想到巴洛克式的繪畫，很美，被篝火照亮的人們的表情有一種莊嚴而略帶寒意的氣氛。

第四章“從日本經巴黎到布列塔尼：日本藝術家的眼光”

最後一節第四章“從日本經巴黎到布列塔尼：日本藝術家的視角”，19世紀末20世紀初在藝術之都巴黎留學（從明治後期到大正時代），並專注於也前往“外國中的外國”布列塔尼的日本畫家。

黑田清輝是日本近代西洋畫界的領軍人物，也是最早造訪布列塔尼的日本畫家之一。1891年與久米慶一郎一同前往布雷亞島，之後任東京美術學校教授. Kuroda 的Brecha 女孩(1891) 被描繪成頭髮垂下來，這對於布列塔尼女孩來說是不尋常的。倫勃朗風格內飾的明暗對比和生動的色彩對比引人注目。

為創意版畫的普及做出貢獻的山本佳苗是造訪布列塔尼的人之一。 《布列塔尼》 （1920年）作為日本畫家在布列塔尼研究的形象而廣為人知，是他回國後根據留日期間的草圖完成的木版畫。強調地平線的畫面構圖和與素描相匹配的簡單背景，沉穩的藍黑色調營造出標誌性布列塔尼女性的寧靜氛圍。

會場內還展出了旅遊指南和行李箱等相關資料，通過這些資料和作品，我感覺就像去布列塔尼旅行一樣有趣。

東西方不同的藝術家都在為同一個大主題——布列塔尼創作，但他們在這片異域的土地上所看到的、採取的方式卻截然不同。一位凝視著布列塔尼美麗風光而憧憬天堂的畫家，一位將貧困和海上事故等嚴酷現實昇華到作品中的畫家。這是一次雄心勃勃的展覽，再次揭示了每位藝術家的個性。

活動將持續到 2023 年 6 月 11 日（週日）。

“布列塔尼，傾慕之地：莫奈、高更、黑田清輝等人眼中的國度”概要

 

文章提供者： kokosil Ueno

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東京藝術大學大學美術館

介紹東京藝術大學從畢業作品和完成作品中精心挑選的優秀作品的“購買展-藝代收藏展2023-”將於3月31日在東京藝術大學大學美術館舉行, 2023.. （展覽時間至5月7日）

*此處介紹的所有作品均歸東京藝術大學所有。

東京藝術大學（以下簡稱藝大）自其前身東京美術學校於 1889 年（明治 22 年）開辦以來，一直在廣泛收集各種藝術作品和資料。大學藝術博物館以廣泛展示龐大的藏品為契機，每年舉辦有主題的“藝代收藏展”。

2023年的“藝代收藏展”是戰後1953年開始的“採購制度”。

似乎有從東京藝術學校購買畢業作品並收集起來用作教材的傳統，目前東京藝術大學收藏的“學生作品”數量超過10,000件。

本次展覽“Kaijoten”收集了其中約100件作品，數量空前，回顧了藝術大學和日本現當代藝術史發源地的歷史。這是一個獨特的展覽，將明治時代主要明星的日本繪畫與令和時代嶄露頭角的藝術家的混合媒體裝置聯繫起來。

展覽由兩部分組成。

Part 1“大師的學生作品”主要介紹明治時期至昭和初期東京美術學校的畢業作品。入選的藝術家畢業後在藝術界的各個領域都扮演著重要角色，將展出他們的畢業作品，可以稱為他們的處女作，以及通常與他們同時創作的“自畫像”。畢業作業，我來了

一進場，東京美術學校一年級學生橫山泰觀的《村堂觀年王》 （1893年）和下村鑑山的《熊野御前賞櫻》（1894年）就映入眼簾。 .板谷羽山的“元祿美人” （1984）以令人印象深刻的陣容迎接我們。

Hazan Itaya 作為陶藝家取得了巨大的成功，但直到 20 多歲他才開始認真從事陶藝工作。在學校期間，他從提倡現代雕塑寫實主義的高村光雲那裡學習了雕塑技術。小袖花卉蔓藤花紋以浮雕方式表現，與葉山後期的陶器作品有異曲同工之妙。從某種意義上說，可以說是陶藝家葉山的起源之一。

引起我注意的是菱田俊素（Shunso Hishida）的《寡婦與孤兒》（1895） ，這位天才畫家創作了許多傑作，但年僅 36 歲就去世了。一個戰死丈夫的女人的表情充滿悲情，讓我們預感到未來等待我們的命運。

東京美術學校成立時，似乎將以歷史事件及其故事為主題的歷史畫定位為探索新日本畫的課題。這部作品據說是根據軍事紀事太平記而作，但其題材是描寫被捲入戰火中的人的悲劇，而不是戰爭的英雄畫卷，這要追溯到中國-日本戰爭當時的製作背景並非無關緊要。

事實上，這部作品曾被一位教授嚴厲批評為“怪物圖”，但卻被當時擔任學校校長的岡倉天心買下。這一集提供了東京美術學校的教育政策和理念的一瞥，它強調現在工作的繪畫有什麼意義，以及應該賦予它什麼意義。

“畢業後在學校自拍”的習俗是在 1896 年成立的西洋畫系教授黑田清輝的指導下誕生的。我得以證實萬津哲五郎、青木茂、藤田嗣治等大師的學習成果，他們的畢業設計出人意料地落選，畢業後才華橫溢。

當我想到這種在世界上幾乎無與倫比的挖掘過去的傳統，現在已經形成了一個對理解日本現當代藝術史極為有用的龐大收藏時，黑田東彥不禁感慨其巨大的意義。 Seiki 的成就。

今年是東京藝術大學採購制度實施70週年。

Part 2“各部門選出的採購作品” ，所有12個部門都有採購系統（日本畫，油畫，雕塑，工藝品，設計，建築，先進藝術表現，藝術教育，文化財產保護研究，全球藝術實踐，一共介紹了52件購買的作品以及他們的選擇意向。突出各部門認定為特別優秀的作品的傾向性。

從各部門的展品來看，“日本畫專業”挑選的是特別表現那個時代的氛圍和特徵的作品，而“雕塑部門”則是從那個時代挑選購買作品的女性藝術家。按年齡最大的順序選擇五個人的方法。作品的選擇和評論都是各系教授從自己的角度來完成的，所以看到他們的個性很有趣。

東京藝術大學最新的專業——全球藝術實踐專業（GAP）成立於2016年的展覽特別有趣。 GAP 探索超越現有文化框架的跨學科當代藝術實踐，吸引了來自世界各地具有不同語言、文化和性別背景的學生，也有來自藝術以外領域的學生。

從GAP購買的作品中，我能感受到東京藝術大學近年來研究領域和表現方式的多元化。例如， Sixte Parc Kakinda 的《Intimate Moments/Monologue》 （2019）是一件繪畫和影像的裝置作品。

面對藝術家根基所在的剛果民主共和國礦山開采的鈾被帶到美國並用於廣島和長崎原子彈轟炸的歷史事實，他對受難者進行了細緻的研究。廣島原子彈爆炸……它是一部鼓勵考慮礦產資源開采的社會和經濟原因及其使用對人類和自然的影響的作品。

這位藝術家在評論中表達了他的失望，儘管他認為自己是連接日本和剛果的橋樑，但他在廣島的繪畫表演卻沒有被日本人注意到，他說：“我是一座看不見的橋。”稻田。這部作品作為 GAP 教育的結果而存在並被購買這一事實似乎具有重大意義，因為它是對日本人種族封閉性的認識。

在第二部展出的作品中，給我印象最深的是工藝部的丸山友美的《一千零一夜》 （1992）。

在由雕刻、錘打、鑄造、漆藝、陶藝、染色、材料造型（木材和玻璃）7個領域組成的“工藝系”中，學生通過材料學習先進的傳統技術，並獲得進一步發展的能力. 旨在附加。

《一千零一夜》是一部使用出色的金屬錘擊技術將吹過山林的風描繪成風神，並以表現人體為母題的作品。我被身體的活力所吸引，它似乎在水中游泳，以及背後有故事的存在感。據考證，畫師丸山友美目前是東京藝術大學工藝係金屬鍛造教授，正在製作。

根據評論，該作品似乎因“融合了金屬錘擊技術和焊接，擴展了作為金屬作品的表現可能性”這一事實而受到高度評價。作為藝術家和教育家，他不斷拓展金屬鍛造作品的表達可能性。

岡山市柳町 1-8-19 岡智美的動手裝置作品（2017 年），跨媒體藝術部成員，也令人難忘。

跨媒體藝術系成立於1999年，追求超越特定媒體框架的各種方法的創造性表達。在以響應不斷變化的信息和環境的活動為目標的同時，我們正在探索藝術在社會中的可能性。

被公認為跨媒體藝術系最優秀畢業生的岡友美是一位新銳藝術家，他利用視頻和空間設計創作以個人記憶和陳舊習俗等為主題的裝置作品。 《岡山市柳町1-8-19》是以我已故祖母的房子為主題的房間型裝置，這所房子真實存在於岡山，以及與之相關的回憶。

在一個充滿真實家具和小物件等物品的黑暗房間裡，通過結合視頻投影、反射、燈光和幾塊亞克力板，藝術家對其祖母的記憶圖像在虛擬和真實圖像之間分層展開。存在著既非過去也非現在的時間軸空間。影片時長約7分鐘，卻帶給你觀影的滿足感。詭異閃爍的燈光和詭異漂浮的祖母畫像，有點日式恐怖的感覺，凝視著，你的意識彷彿被吸入了另一個世界。

這是您參觀本次展覽時絕對應該看到的作品。

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會場裡有各個時代的精彩作品，各種表現手法，但仔細想想，大多數藝術家在創作時都在20多歲，真是太神奇了。感覺
有的可能後來被稱為大師，有的可能畢業後就離開了創作。然而，很明顯，所有的作品都是當時一無所有的學生傾注了他們在一流藝術大學所學到的一切的結晶和一團激情。

肯定有很多作品不知道要等多少年才會下一次面世。希望大家能藉此難得的機會，回顧東京藝術大學的教育歷程，感受歷經歲月，依然不失光彩的作品的力量。

 

“購買的展覽-Geidai Collection Exhibition 2023-”概述

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東京國立博物館

東福寺是代表京都的禪寺之一。

被稱為新綠和紅葉的景點，它是一座著名的寺廟，儘管它被戰爭摧毀，但仍保存著許多珍貴的東西，如古代文獻、書法、經典和肖像畫。

本次展覽首次介紹東福寺的寶物，匯集了畫家妙長的《五百羅漢圖》等禪宗文化的優秀作品。

在這篇文章中，我們將報導活動前一天舉行的新聞發布會。

東福寺是京都代表性的禪宗寺廟之一，也被稱為新綠和紅葉的景點。東福寺之名源於每個字都取自奈良的東大寺和興福寺。

在中國學習禪宗的恩尼成為創始人。東福寺雖曾數度遭火燒毀，但仍保留著中世紀的氣息，並以眾多建築流傳至今，其龐大的寺院群俗稱“東福寺的 Garandzura”。

特展“東福寺”追溯東福寺創建以來的歷史，通過與大陸的交流，介紹禪宗文化的全貌。這是一個廣泛傳達展覽意義和魅力的展覽。

東福寺的眾多寶物，是禪宗的精髓所在。

本屆展會展廳分為第一會場和第二會場，

• 第一章 東福寺的創立與圓仁
• 第二章精一派的形成與發展
• 第3話佛畫傳奇畫家妙長
• 第四章禪宗文化與國際交流
• 第 5 章 巨大的寺廟和佛像

它由5章組成。

東福寺在南北朝時期被列為京都五大寺院之第四，主寺東福寺及其分寺具有許多講述禪宗文化故事的特色，例如作為從中國引進的文物，建築、雕塑、繪畫、書法等文化遺產得以傳承。本山東福寺、分寺等國寶7件、重要文化財產98件共計105件。
特別是第一、二章中與恩尼及其後繼者正一派相關的禪宗藝術精品，如被稱為“南宋肖像畫之極品”的《木君石寒像》 （國寶） , 排隊. 增加.

給我留下個人印象的是恩尼的孫弟子，東福寺第十五代住持弘石士蓮（1278-1346 ） 。是代表“虎”字的字跡還是坐著的老虎的圖片？就好像你在問觀看這個的人，“你認為你是什麼？”

佛畫傳奇畫家妙長的畫功

本次展覽的重頭戲是被譽為“繪畫大師”的佛像畫家妙長的鉅作《五百羅漢》。這幅修復後首次展出的作品，是年輕妙長的代表作，水墨與濃彩相得益彰，兩幅幅現存於東京根津美術館。本次展覽將是首次展示全貌的寶貴機會（展期因寬度而異）。
旁邊是用獨特的方式解釋內容的漫畫，這也是表現東白特有的俏皮感的地方。

展出的還有《達摩與江戶鐵六圖》，被稱為明朝成熟期的傑作。對稱的構圖之美、錯綜複雜的光影描繪，以及江戶畫前所未見的明亮輕鬆的筆觸……雖說是國畫名作的臨摹本，但卻是可以領略到明張超群的繪畫力和獨創性的名作。

籠罩在巨大大教堂的壓倒性力量中

第5章是可以實際體驗“東福寺伽藍面具”的地方。與一座巨大的寺廟相適應的特大佛像的規模和威嚴會讓您驚嘆不已。

復原後首次公開的多聞天立像、重要文化財產嘉祥立像和阿難立像，以及全長2米的巨大佛手手。還要注意。它是一個有價值的遺跡，可以證明已經消失的前主像的巨大規模。

展覽將持續至5月7日（週日）。在會場體驗禪宗文化的鮮豔色彩和巨大寺廟的壓倒性力量。

活動概況

展覽期間	2023年3月7日（星期二）～5月7日（星期日） ※展覽期間有可能變更展品
會場	東京國立博物館平成館（上野公園）
營業時間	9:30-17:00（入場截止至閉館前30分鐘）
關閉日	週一 *3月27日（週一）和5月1日（週一）開放
觀看費	一般 2,100 日元 大學生 1,300 日元 高中生 ¥900 *本次展覽不需要提前預訂。如果它很擁擠，你可能需要等待才能進入。 *人多時可能需要等待入場。 ※中學生以下、殘障人士和看護人1名免費。進館請出示學生證、殘疾證等。 *憑這張展覽門票，您還可以在參觀當天參觀一般文化展覽。 （注）詳情請查看展會官網門票信息頁面。
展會官網	https://tofukuji2023.jp/

*文章內容截至採訪時。可能與最新信息有所出入，詳情請查看展會官網。也有可能本文提到的作品已經展出過。

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下町風俗資料館

台東區下町博物館位於東京都上野的不忍池畔。

自1980年開館以來，為了向子孫後代傳遞東京都市中心的美好舊文化，博物館接待了很多遊客，但從2023年4月1日起，該設施將進行大規模翻新。你知道嗎，博物館將閉館由於建築工程，直到 2024 年底（日期未定） ？

改造後，現在的一些展品將看不到了，我感到既希望又難過。

因此，這次，我採訪了博物館的內部，介紹了大約42年以來一直受到人們喜愛的下町博物館的外觀。

最後的特展“明治·大正·昭和的孩子們～用資料拼出的都市區的孩子們的世界～”也在文章的後半部分提到了，所以一定要在剩下的時間裡參觀一下一個月的生意。請給我。

下町民俗博物館 誕生於居民的心聲

1923年（1923年）關東大地震和1945年（昭和20年）第二次世界大戰時被大火燒毀，1964年（昭和39年）為舉辦東京奧運會而重建。老城區的街道和文化區域迅速消失，老百姓的生活徹底改變。

昭和40年左右（1965年），熱愛下町文化的人們開始表達對這種情況的擔憂，並萌生了建立博物館將下町的記憶傳承給下一代的想法。 1980 年 10 月 1 日，下町博物館終於開館了。

1樓的展示室以近乎真人大小的方式再現了關東大地震前（距今約100年前）大正時代的街景。在2樓的展覽室，我們介紹與以台東區為中心的都心區歷史相關的資料和玩具。

展覽的魅力在於它是一種體驗型內容，您不僅可以欣賞它，還可以登上實際重建的榻榻米房間並觸摸展品（*）。據博物館研究員本田先生介紹，這種所謂的親手展示的方式，現在各個博物館都在使用，但下町博物館其實是先行者。

（*由於電暈危機，禁止與展品接觸，部分展品除外）

由於該博物館是應民間要求開館的，可以說館藏的許多物品都是從台東區內外收集的捐贈物品。家具和生活用品就在您家中，您可以享受更真實的市中心氛圍。

迄今已有超過300萬人次到訪，最近更成為追尋復古氣息的年輕人和前來觀光的外國人的熱門景點。

穿越回100年前的大正時代

一樓首先映入眼簾的是鮮紅色的六角形自動電話（後更名為公用電話）箱。
1900年，日本第一部自動電話出現在東京的上野站和新橋站。在博物館中，展出了一部經過修復的盒式自動電話，該電話從 1910 年開始使用。

自動電話亭鮮紅的顏色在鬧市裡一定很漂亮。

裡面的手機機身居然是用過的。聽筒是分體式的，不是撥號式，而是先呼叫運營商，再接通對方電話的那種。

現在按鍵式的公用電話已經很少見了，更不用說撥號式的了，但我覺得有一種歷史感，因為它們是更早的古董。話筒的位置很低，高個子似乎很難彎下腰說話。這是一個讓你想像當時日本人的平均身高是多少的展覽。

這是再現面向主要街道的大型商戶的場景，花尾（*）製造批發商的店面。您可以看到從江戶時代流傳下來的傳統商人房屋建築，例如“dashigeta-zukuri”和“agedo”。

（*根據下町博物館展覽解說的記法，是花丁字褲而不是丁字褲。）

在車間的後面，五顏六色的丁字褲垂下來。當時，人們通常認為鞋類就是木屐和草履，丁字褲是日常生活中的必需品。根據季節和和服，他們喜歡通過改變當時流行的材料、形狀和圖案來改變時尚。

稀有展品方面，工坊上方懸掛著“用神號” 。它就像一個現代的應急包。

“在舊江戶地區，經常發生洪水，所以為了避免被淋濕，我們架起了一個籃子，把所有重要的東西都扔在裡面。（本田先生）

所有的展示品都配發了說明紙，但對於生活在現代的我們來說，可能還有很多不熟悉的物品，例如警示籃。首先，在博物館裡走來走去，同時猜測“那個工具將用於什麼？”可能會很有趣。

這是一個櫃檯和商務洽談空間。據說商人總是有一個收銀台（記帳和付賬的地方），只有店主和店員等特定的人才能通過收銀台的格子作為障礙進入。 。當然，您可以自由進入複製品展覽。有算盤，有當時保險櫃的“錢箱”，還有用來存放印章的“記號箱”。

“關於這些模擬展覽，有資料告訴我們，開館時，當時的館長和工作人員通宵留宿，看什麼樣的東西有用，用在什麼地方，然後根據情況決定佈局。實際體驗上。是右撇子（那時候左撇子被糾正很正常），所以在細節上有很多講究，比如整理東西，讓右手可以抓東西。 ”（本田先生）

本田先生的故事告訴我們，博物館的作用是傳達當時的真實生活，而不是展品的呈現。

商館前還有在淺草發明的、汽車普及前的代表性交通工具的人力車和送貨業務不可或缺的箱車，熱鬧非凡。營造出繁華的氛圍.

住在充滿市中心待客之情的公寓樓裡

商人屋對面，是古裝劇中熟悉的唐樓復原，四周是窄巷子。

採訪的時間是“初馬”（二月初一）。每年在日本各地的稻荷神社舉行初馬祭，祈求五穀豐登。由於同一棟樓內還有一座小型稻荷神社，因此公寓內裝飾著自江戶時代以來在初馬祭期間在城市中懸掛的地口燈籠。

Jiguchi 是一種基於江戶時代流行的諺語和俗語的雙關語遊戲。 Jiguchi 燈籠是在 Jiguchi 燈籠上附上漫畫而製成的，他們為初馬節聚集的人們提供娛樂。

就這樣，博物館以迎合季節變化的精美作品迎接遊客，如新年裝飾品和七夕裝飾品。在特殊場合裝飾也很有趣，可以作為承載基因和祈福神佛的一種方式。是一款可以讓您體驗當時人的精神生活和鬧市四時風光的智能設備。

順帶一提，在因電暈災難而禁止觸摸展品之前，他們似乎偷偷準備了只有註意的人才能享受的小東西，比如抽屜裡的換衣服。

在關東大地震前很常見的一層長屋中，再現了糖果店和土庫屋。

賣陀螺和彈珠等玩具的粗點心店是孩子們的社交聚會場所。廚房和榻榻米房間也是在住宅的一部分開放的環境中建造的。

就當時鬧市區的基礎設施而言，雖然有電，但電器並不普及，水氣也不普遍。這種情況也是從廚房裡有一個水瓶來儲存居民共用的水井裡的水這一事實傳播的。

在水缸下可以看到一個木製的水槽，像這樣在靠近地板的地方建造一個水槽並蹲下來做飯的作坊被稱為“坐流”。令我驚訝的是，這在地震前的大正時代也很普遍。這種安排現在是不可想像的。

Dotsuboya 是一家製造和修理鍋和水壺等銅製品以及水壺的商店。繁華地段居住著各種各樣的工匠，但在這個人們一邊修理一邊小心使用的時代，道壺屋的工匠們對人們的生活來說是不可或缺的。

在作坊的牆上，製作了供奉火神的神壇，名為“火神壇” 。

“Dotsuboya 是一個使用火的職業，但當時不可能通過一個電話呼叫消防車，所以我認為對火的恐懼比現在更強烈。我想傳達的是是一個有很多虔誠的人的時代。”（本田先生）

回頭一看，在剛才說的糖果店裡發現了一個神壇。相傳過去，家家戶戶、商戶都有神壇，拜神佛一定是日常生活中不可或缺的一部分。

建在排屋後面的稻荷神社也是一個展示虔誠深度的展覽。

稻荷神在江戶時代作為土地和宅邸的守護神供奉，據說每棟平房都建有它。因此，今天在市區仍然存在許多 Inari 神社。

一棟薄薄的牆隔開的房子。對於生活在現代的我們來說，唐樓是一個隱私概念比公寓和公寓弱得無以復加的生活空間。居民之間不可避免地會變得友好，我認為比以往任何時候都更有必要體諒不給他人帶來麻煩。
鬧市人的善良，可能就是從這樣的生活方式中養成的。

一樓展廳的商戶和排屋是1980年開館時建的，已有40多年的歷史。博物館剛開館時肯定是嶄新的地板和柱子，多年來幾乎每天都被進出的人弄壞了。

每個人都渴望嗎？您還可以坐在錢湯的表台上拍一張紀念照。

二樓作為常設展覽，再現了1950年代人們的生活。市中心公寓的廚房和客廳。從東芝的真空管黑白電視機，到日本第一台自動電飯煲，一應俱全的當時的高端家電，不禁讓人聯想到富家子弟。

短腿桌、抽屜櫃等戰前流傳下來的家具，與最新的家電並存。對方便和舒適的渴望。這種生活方式在1960年代後逐漸消失，我們進入大眾消費時代。在懷舊的背後，你也能體會到那些想要保留市中心文化的人的危機感，這也是博物館成立的動力。

在它旁邊，實際在1950年（1950年）至1986年（1986年）在台東區運營的公共浴室“Kingyoyu”實際使用的表架幾乎原樣放置。 。據說這是博物館最受歡迎的拍照點，因為它是博物館最大的捐贈，而且你真的可以坐在上面。

“尤其是從大正到昭和時代的男人們，可能早就嚮往了，他們似乎很享受萬代的體驗，也很想坐下來。他們中的很多人似乎並不知道什麼是萬代，但是當他們看到展覽時，他們說，“這就是萬代的樣子”和“我喜歡它”。我看到了……似乎展覽，而不僅僅是這個萬代，是一種催化劑訪客。”（本田先生）

不是解說員，也不是策展人，而是一個普通人流暢地講解展品。博物館的魅力之一就是可以遇到這樣的場景。

正在舉辦特別展“明治、大正、昭和兒童”（至 2023 年 3 月 31 日）

在2樓的展覽室，除了昭和公寓的再現展覽和公共浴室的看台外，我們通常還展示以台東區為中心的市區相關項目和年度活動相關資料。但是，這一天，正在舉行更新前的最後一次特別展覽“明治，大正和昭和時代的孩子-用材料拼出的市區兒童世界-”。 （參觀費包含在入場費中）

本次展覽以明治至昭和時代生活在鬧市區的孩子們的日常生活為中心，主要從博物館所持有的資料中介紹孩子們在成長過程中經歷的遊戲和儀式。 .

特別是與兒童遊戲相關的資料非常豐富，展品大致分為貝果馬、面子等“戶外遊戲”和彈珠、假裝遊戲等“家庭遊戲”。

本田先生推薦的是從明治時代到大正時代銷售的微型手工具。關鍵是它是由與真實物品相同的材料製成的，例如木頭、竹子、馬口鐵和陶瓷。就連成年人也為它的精緻而激動。

在與兒童成長儀式有關的材料展示中，如 Shichi-go-san 和 Okuizome，本田先生說他希望人們特別注意“Semoncho” 。

Semonjo是一本“Semamori”樣書，用彩線縫製在0-2歲兒童穿的連體孕婦裝背面。

典型的和服在背部中央有一條接縫，一直認為接縫被視為“眼睛”，具有保護身體免受來自背部的災難的作用。不過，由於連體孕婦裝的背面沒有接縫，據說是用彩線繡上了被稱為“semamori”的“眼睛”，以避邪。據說展出的是昭和時代的紋章，紋章上的每一個圖案都有其含義。

本田先生說：“如果與孩子成長相關的祭典展覽能傳達出以各種方式保護孩子的父母的心聲，我會很高興。”

此外，作為與特別展覽同時舉辦的計劃，為了回顧博物館 42 年的歷史，迄今為止舉辦的計劃展覽和特別展覽的海報和傳單，還有現在買不到的博物館商品。。

改建後的下町資料館將何去何從？

我們向本多先生詢問了翻修後的下町博物館。

“我們還在製定細節，但不是修復或翻新現在的展覽，我們計劃徹底改變新時代的印象。它是計劃中的（目前展覽到2樓），所以我想知道我是否可以向你展示完全不同的景色。請不要擔心。”（本田先生）

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下町美術館所在的上野站周邊，有許多可以欣賞到具有高學術價值的近現代藝術作品的設施。其中，博物館的存在老老實實地延續了 42 年，其展品可以讓您感受到曾經居住在市區的人們的跡象，不僅對當地居民而且對生活的人們來說都是一個特殊的地方在當今時代。我覺得我正在取代我的位置。

下町博物館不僅將下町文化傳給後代，還充當連接在現實生活中體驗過這種文化的世代和不了解它的世代之間的橋樑，將於 2023 年 4 月 1 日開始準備新的生活.從那天起無論您是否去過博物館，都請在翻修前參觀一次，以留作紀念。

下町博物館概要

地點	台東區上野公園2-1 從JR上野站不忍口步行5分鐘
營業時間	上午 9:30 至下午 4:30（入場截止至下午 4:00）
關閉日	每週一（如遇節假日則順延至次日）、12月29日至1月3日、特別安排期間等。
入場費	一般300日元（200日元）、中小學生100日元（50日元） *括號中的價格適用於 20 人或以上的團體。 *每週六，在台東區居住或上學的中小學生及其監護人可自由入場。
電話號碼	03-3823-7451
官方網站	https://www.taitocity.net/zaidan/shitamachi/

*文章內容截至採訪日期（2023年2月3日）。請查看官方網站以獲取最新信息。

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台東區書法館

約1700年前活躍於中國的傳奇書法家，後被尊為“書聖”。王羲之扇岸（303-361，異端）和他最著名的作品， “咆哮順序蓮台城以“王羲之與蘭亭章”為主題的展覽正在台東區書法館舉辦。

日期：2023年1月31日（週二）至4月23日（週日） *在此期間，展覽將根據以下時間表進行更改。 第一期：1月31日（週二）～3月12日（週日） 第二期：3月14日（週二）～4月23日（週日） * 點擊此處查看參展作品列表 *本次展覽是與東京國立博物館的聯合項目。 *發布的圖片是在獲得特別許可的情況下拍攝的。

 

最著名的書法家，卻無跡可尋？關於王羲之

在中國歷史上，書法最興盛的時期是公元4世紀的東晉，當時形成了優雅的貴族社會。王羲之出現的時候，正值貴族們在日常生活的方方面面都力求達到極致的優雅，開始對書法增加藝術性和批判性，而書法一直都是實用性強的。

王羲之將草書、草書、方書等當時過渡的書體進行了改良，在藝術上取得了長足的進步，同時將自己的情感融入到書法表現中。他獲得的具有普遍美感的先進新體書法甚至在奈良時代引入王羲之書法的日本也成為書法規範的源泉，時至今日仍是能書的代名詞。

《染亭醜》 （353年）就是這樣一部王羲之的代表作，也是一部在歷史上大放異彩的傑作。此為永和九年（353年）三月，王羲之在會稽蘭亭（浙江省紹興市）風景名勝區王羲之宴請41位名人時所寫的詩集序草稿。 ）。

王羲之一邊陶醉一邊即興創作了一幅亂亭草稿，優美的草書，充滿了對宴樂與人生無常的感慨。有趣的是，無論他嘗試過多少次，都沒有比草稿更好的副本。即使是現在，它也被視為學習武術的人的必修課。

王羲之的書法，包括“亂亭上”，在生前備受推崇，是貴族們的收藏對象，但事實上，似乎沒有一件真跡存世。

除了因戰亂和自然災害逐漸失傳，王羲之死後300年，鍾愛其書法的唐代太宗太糟了主要原因是天皇（598-649）在他去世時將它們徹底收集並與Ranteijo一起埋葬。但是，太宗皇帝委託優秀的書法家製作了《蘭亭集》等作品的臨本、拓本等“臨本”賜予臣民，王羲之的高深書法流傳於後世已成定論。

為紀念東京國立博物館與書法博物館合作項目20週年，計劃舉辦“王羲之與蘭亭章”特別展，展示這些作品影響的書畫作品在兩個博物館展出。

“亂亭子”接連出現。王羲之的精髓是什麼？

展覽的最大特點是可以比較上半場和下半場的10種以上的“亂亭長”。

“Ranteijo”已被複製和復制。正因如此，人物的力道、速度、快慢都有細微差別，歷代流傳下來的“亂亭子”，反映了當時參與再現的人的功力和對王羲之的形象.

在展覽的前半部分，我們能夠欣賞到《Sadatake Honran-tei Chorus》韓劇船書勘十千本―》《新流本然亭介紹―山本角山山本京都舊集——》《唯英正本嵐亭城王文治家舊集——》《森瓦奈夫千奈府舊佐然亭長》等順便說一句，作品標題中的“XX書”等短語是用來區別於其他“Ranteijo”的，例如發現作為拓片基礎的石頭的土地以及獨特的特徵工作。

《Jingu Honran Teijo – Hanjusenbon》具有柔和的性格和整體涼爽的感覺。唐太宗命侍從抄《嵐亭抄》時，寫得最好的一位被列為“初唐三大家”之一。歐陽歐友君（557-641）。這幅作品據說是宋代的拓本，在眾多的“西布盆”宗譜中尤為古老。

下一個引起我注意的是“新龍本亂定週 – 原為山本角山所有 -” 。 《神龍書》因正文首末半戳唐代年號“神龍”而得名。 “神龍盆”的特點是文字生動活潑，與其他文字相比，因其易於閱讀和學習而經常被收錄在教科書中。

不過，據博物館首席研究員中村先生介紹，神龍版的字體風格體現了唐代精緻的審美，如果是這樣的話，應該更簡單一些。當然，當我和其他人對比看同樣的作品時，我覺得潑水和騷擾有點誇張了。

即使是同一個系統，人物外貌也大相徑庭，值得一看。似乎有各種各樣的背景，比如復制它的人是否不自覺地帶出了自己的色彩，或者他是否有意改變它以迎合當時的人們。這也是因為沒有“亂亭長”的真實踪跡，無法匹配答案而誕生的人格。

除了《嵐亭閣》之外，同場展出的還有王羲之的其他幾幅作品（雖然是複製品），所以即使是不懂書法的人也會疑惑，“嵐亭閣哪部還留有王羲之的痕跡？ “你可以邊考慮邊享受它。

此外，雖然不言而喻，但通過單獨觀看 Ranteijo 可以學到一些東西。比如漢字“之”在《亂亭上》中出現頻率很高，我驚奇地發現每一個字的寫法和文風都別具一格。

我對書法了解不多，所以我隱約想像一個擅長書法的人，他自己完善的最好的字形，總是輸出那個字形，不模糊。然而，在《亂亭上》中，“之”的寫法因上下文而異。在展廳裡一邊閱讀《亂亭上》的日譯本一邊欣賞作品，就會發現這幅作品的魅力不僅在於風景，還在於傳達藝術家情感的豐富表現力。我覺得我能理解一部分開創了書法藝術基礎的王羲之的偉大之處。

除《蘭亭序》外，上半場和下半場還展出王羲之手書29封《十七回》 。

”乍看是一部平淡無奇的作品，文字內容給人一種身體不好的感覺，但寫得漂亮的字，雖然說是身體不好，卻給人王羲之的印象。好看，但是字間距和大小也是一個亮點。就像戲劇中有主角和配角一樣，也有書法好看的字，也有看起來很華麗的字，比如那些左右各有 harai。請注意已完成的整個書法的和諧。”（中村先生）

用王羲之字體創作作品？王羲之的人氣也在日本…

展覽還將展出王羲之出現前、出現時和出現後的書法作品。在後來的作品中，可見王羲之的影響有多大。

活躍於後漢末至三魏的楷書名家，相傳為王羲之所仰慕。頌展示( 151-230 )推薦千吉町冰雹(新商西條新年-Higobon-)”是“書法在很長一段時間內從隸書到楷書發展的第一步，”中村先生說。有隸書殘跡，可見略短略寬的原始文字。

王羲之的<<黃庭經光帝京》和<<孝女曹娥碑小城草薙》 （原址：東晉修平二年（358）/全期展出）。比起翔的書法，明顯更精巧，感覺他長高了，字風自然，筆法緊跟人用毛筆寫字的動作。我希望你實際比較它們。

大約同時期的王羲之著作有《道行般若經卷》 。唐代以前的手跡非常珍貴。可見王羲之所處時代書法的真面目。

唐太宗行書，王羲之神話中的核心人物金廟銘文新石美》也在。像帝王一樣凝重凝重的風格，寫起來很舒服。

“外行人往往認為，如果用連行的方式書寫草書或草書，以產生速度感，那麼唐太宗的書法是故意被砍掉的。如果增加太多的餘地，字會顯得草率，但例如，“月”這個字，第一筆和第二筆之間相對的線條被收緊了。我希望你能享受這種平衡感。”（中村先生）

作為唐朝以後王羲之聲名遠播的標誌，國王的神聖秩序修王少女》和《興福寺刻碑》 （王羲之/唐，開元九年（721））很有意思。相傳是石碑拓本，一字一字取自王羲之書法，造句如王羲之所書。 《修王聖教條》的線條粗細有拼貼畫般的氣氛，而《興福寺》整體協調得相當巧妙。

宋代流行書法全集。潤閣閣町純覺城―暴雪協雪書——”當然還有王羲之的書法。據傳，全書10卷，6-8卷介紹王羲之，9-10卷介紹王羲之的兒子。當我走到這一步時，我嘲笑影響力的大小。

展覽的最後，我們介紹了王羲之在日本是如何受到歡迎的。平安時代，空海和小野道夫從唐使帶回的王羲之抄本中學習而嶄露頭角，並在他們成功之後創立了日式書法，即國府文家和和陽。江戶時代，由於唐體書法的流行，崇敬王羲之的風潮愈演愈烈，江戶末期出現了大量的王羲之書法小冊子（以書法形式排列的拓本） )開始傳到日本。似乎它不僅在中國，而且在日本書法史上一直有著壓倒性的存在。

在日本作品中，明治時期的大家中林剛竹（1827-1913）的《亂亭序》引起了我的注意。是用自己的風格完成了《亂亭上》的句子的作品，人物台詞變化的豐富程度並不常見。

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直到現在，我看王羲之的書法，也不知道應該注意什麼，說：“固然是美，就是一般。”然而，參觀展覽後，我重新考慮，我覺得“正常”的事實可能證明即使在 1700 年之後，人們仍然是王羲之的追隨者。。

限時展覽將展出三部與“清雪新書”相關的作品，這是一部王羲之在世時的八卦集，寫於唐朝，當時書寫了中國最美的楷書。在都是手寫的國寶。

從 1 月 31 日到 3 月 12 日，Sesetsu Shinsho Vol.
2月28日至3月26日，《清雪新書Vol.
從 3 月 28 日到 4 月 23 日，Sesetsu Shinsho Vol.
不要錯過這個難得的機會。

舉辦聯合展覽的東京國立博物館就在步行距離之內，所以請參觀這兩個博物館。

 

■ “王羲之與蘭亭”特展概覽

展覽期間	2023年1月31日（週二）～4月23日（週日） *在此期間，展覽將根據以下時間表進行更改。 第一期：1月31日（週二）～3月12日（週日） 第二期：3月14日（週二）～4月23日（週日）
會場	台東區書法館
營業時間	上午 9:30 至下午 4:30（入場截止至下午 4:00）
關閉日	每週一（如遇節假日則順延至次日）、特殊組織期等。
入場費	一般 500 日元中小學生 250 日元 ※持有殘疾證、康復證、精神障礙證、特定疾病醫療接受證者及其監護人可免費入場。 *每週六，在台東區居住或上學的中小學生及其監護人免費。 其他詳情請查看官方網站。
台東區書法館官方網站	https://www.taitocity.net/zaidan/shodou/
參展作品一覽	https://www.taitocity.net/zaidan/shodou/wp-content/uploads/sites/7/2023/02/kikakuten_20230131.pdf

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東京都美術館

 

2023年1月26日，代表維也納世紀末最重要的畫家之一埃貢席勒（1890-1918）的大型展覽將於2023年1月26日在東京都上野舉行，展覽在東京都美術館開幕。

英年早逝的天才埃貢·席勒回顧展，約30年來首次在東京舉辦

19世紀末20世紀初，埃貢·席勒是輝煌活躍於維也納的畫家，維也納正經歷一段難得的藝術成熟期。

1906年，從小就表現出一絲繪畫感覺的席勒，以全校最小的16歲，以特錄取的身份進入了維也納美術學院。次年被世紀末維也納藝術的另一位代表畫家古斯塔夫·克里姆特（1862-1918）發掘，深受其影響。

1909年主動退出書院保守體制，與友人組成“新畫派”。他的作品不斷創新，1918年在第49屆維也納分離派展覽會上獲得成功，但同年因西班牙流感去世，年僅28歲。

他不受當時常識約束的可恥創作活動受到批評，並被捕。席勒生動地描繪了世界的靈性、生死和性的作品，直到今天仍然讓人們著迷。

“利奧波德博物館埃貢·席勒展：誕生於維也納的年輕天才”擁有世界級的席勒作品收藏，通過共計50幅畫作回顧席勒的生平和作品的回顧展。

還介紹了克里姆特、莫塞爾、科柯施卡等當代畫家的65幅作品。

持續探索人類內心世界的席勒代表作《與穗月果的自畫像》即將登陸日本！

我想介紹一些展出的作品。

本次展覽的核心作品是席勒 22 歲時創作的《與保月的自畫像》 （1912 年）。席勒最著名的自畫像就是同義詞。

櫻花藤蔓的構圖和人物傾斜的姿勢營造出緊張的氣氛。白色的背景、衣服、頭髮、黑色的眼睛和櫻花的紅色形成了一種端莊的美感，而蒼白的臉被大膽地用紅色和綠色等顏色佈置，給人一種奇異的活潑感。反映。

這種注視觀者的目光是挑釁還是拒絕？文靜的嘴巴給人既勢利又吞口水的印象，將自戀和不穩定的情緒波動表達得淋漓盡致，天真敏感。

1910年前後，席勒擺脫了他的老師克里姆特的影響，建立了一種獨特的表現主義風格，其特點是不穩定的形式、富有表現力的線條和鮮豔的色彩。此幅作品是其畫風成熟時期的傑作。

如果仔細觀察，您會發現這幅作品中的剪裁和姿勢在現代“自拍”文化中很常見。

據利奧波德博物館館長介紹，越來越多的年輕人來到利奧波德博物館欣賞席勒的作品。對於那些通過自畫像來表達自我的人來說，席勒的自畫像在視覺上將他對“自我”的思考付諸實踐，例如人類身份、性慾和靈性，同時暴露了身體和心靈，這是一個引人注目的作品靈感的來源。它可能是某種東西。從這個意義上說，席勒可以說是一位極其現代的畫家。

Self-Portrait with Cherry Blossoms 與 Portrait of Valli (1912) 配對，這幅畫沒有出現在本次展覽中，而是以席勒當時的情人和繆斯女神為原型。它是被造的，所以如果你不不知道，請檢查一下。

席勒從小就對死亡耳熟能詳，比如兄弟姐妹的反复死產和早夭，還有14歲時深愛的父親去世，我對生死有一種看法。 “死亡”是席勒繪畫中的一個重要主題，很多作品都融入了死亡的令人不安的跡象。

The Person Contemplating Oneself II (Death and Man) (1911)是席勒直接表達“死亡”的作品。席勒的自畫像經常被描繪成兩個人，而在這幅作品中，畫家本人也像沉思一樣閉著眼睛，周圍環繞著一個看起來像死神或幽靈的存在。感覺像是對即將到來的死神不耐煩，又像是已經認命了，而下方伸出的第三人稱的手，更加強了這種陰森森的印象。

根據展覽解說，這件作品試圖用分裂的意象來進行自我反省。從《與穗月莓的自畫像》中可以看出，席勒的大部分自畫像都沒有背景。與克里姆特的裝飾畫風格相反，這表明席勒的興趣在於徹底的自我探索和自我反省，一心一意地向內。

席勒也多次使用母親和孩子的主題。一般來說，母親和孩子的形象與愛與和平有關，但席勒的《母親與孩子》 （1912）和《母親與兩個孩子 II》 （1915）都描繪了死亡，而不是愛與和平。強調恐懼、悲傷和絕望等不安.不僅是嫻熟的表現，還有那濃烈的筆觸和陰鬱的色彩，讓我感到一種驚心動魄的可怕，讓我後退了一步。可以說，打破傳統母子形象的是席勒式的發展。

另一個必看的是裸體女人的繪畫，在這裡您可以欣賞到席勒非凡的繪畫能力和線條表達。

對於力圖描繪“從所有身體發出的光”、描繪激進的、沒有美學昇華的“性”的席勒來說，女性裸體也是一個極其重要的母題。傳統上，裸體都是以站立或躺著的姿勢繪製的，但席勒的許多裸體都以各種各樣的姿勢為特徵，例如抱膝、蹲伏和極端扭曲。

他們的身體有時處於極度痛苦的狀態，但奇怪的是它看起來多麼美麗和生動。毫無疑問，席勒線條的確定性是基於他對物質性的不懈探索，比如將自己的身體彎曲到極限。

通過消除地板和背景並在角色周圍留下空白來否定空間性的屏幕構圖也很有趣。

尤其是晚年的圖畫引起了我的注意。富有表現力的輪廓線和黑色粉筆的輕微漸變用於探索模型，堅定不移的線條和輪廓真正美麗。儘管他以最低限度的筆觸勾勒出複雜的姿勢，如《系緞帶的斜倚少女》 （1918），但其完美程度之高，足以稱得上是一件藝術品。 .

席勒是全校年齡最小的學生，能夠以特別錄取的方式進入學院。

裝飾背景前的程式化花朵（1908 年）和更早的學院 還介紹了席勒建立自己的繪畫風格之前的幾個早期作品，例如時期。您可以密切關注這位藝術家的崛起之旅，以及他如何在確立自己的風格後，以一種強迫性的好奇心繼續改變自己的風格。

為世紀末的維也納藝術塗上色彩的克里姆特和莫澤等畫家

如上所述，本次展覽以席勒的作品為主，還有席勒的老師克里姆特，以及與克里姆特共同創立維也納分離派並專攻風景畫和版畫藝術的科洛曼·莫塞爾（ Koloman Moser ，1868-1918），理查德·格斯特爾(1883-1908)，被定位為奧地利表現主義第一畫家，近年被重新評價的，與席勒一樣的維也納表現主義大師奧斯卡·科科施卡(1886-1980)。維也納畫家作品集與席勒有關。可見席勒在維也納藝術黃金時代的洪流中脫穎而出的背景。

即使在 100 年後，席勒作品的現代性仍然完好無損。

再次，本次展覽是一次非常寶貴的機會，匯集了英年早逝的天才畫家埃貢席勒的50幅作品。請來感受一下席勒顫抖、挑釁和細膩的情感，以及世紀之交充滿維也納的創造力。

“Leopold Museum Egon Schiele Exhibition Young Genius Born in Vienna”概要

展覽期間	2023 年 1 月 26 日星期四 – 2023 年 4 月 9 日星期日 *日期可能會發生變化。
會場	東京都美術館（東京都上野公園）
營業時間	9:30-17:30，週五至20:00（閉館前30分鐘最後入場）
休息日	週一
觀看費	[日期和時間預訂系統] 一般2,200日元、大學·專門學校學生1,300日元、65歲以上1,500日元、平日雙人優惠3,600日元*詳情請確認官網購票頁面⇒ https://www.egonschiele2023.jp/ticket.html
組織者	東京都歷史文化財團、東京都美術館、朝日新聞、富士電視台
光顧	奧地利大使館，東京奧地利文化論壇
詢問	Hello Dial 050-5541-8600 (全天/9:00-20:00)
展會官網	https://www.egonschiele2023.jp

*文章內容截至採訪日（2023年1月25日）。最新信息請查看展會官網。

 

文章提供者： kokosil Ueno

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