우에노의 숲 미술관
핀센트 판 고흐 (1853-1890)의 걸작 《밤의 카페 테라스(포름 광장)》 가 약 20년 만에 일본에 방문한 것으로 큰 주목을 받고 있는 「대 고흐전 밤의 카페 테라스」 가 우에노의 숲 미술관에서 개최 중입니다. 회기는 2026년 8월 12일(수)까지.
세계 유수의 팬 고흐 컬렉션을 자랑하는 네덜란드의 클레러-뮐러 미술관. 그 뛰어난 작품군만으로 구성된 본전은 2기에 걸쳐 개최되는 '대 고흐전'의 제1기에 불과 약 10년이라는 짧은 화가 인생의 전반부에 초점을 맞추고 있습니다.
회장에서는, 황·고흐의 유채화와 소묘 등 약 60점을, 모네나 르누아르라고 하는 동시대를 대표하는 화가들의 작품과 함께 소개 . 초기 네덜란드 시대부터 파리에서 선명한 색채로 눈을 뜨고, 새로운 빛을 찾아 남불 아를로 향해 《밤의 카페테라스(포름 광장)》에 결실하기까지의, 「모두가 아는 팬 고흐」가 형성되는 궤적을 5장 구성으로 추적합니다.
또한 동생의 테오와 친한 지인에게 보낸 편지의 말이 심정을 읽는 단서로서 회장의 벽면과 해설 패널에 많이 인용되고 있는 점도 볼거리가 되고 있습니다.
제1장 “바르비종파, 헤이그파”
황 고흐는 1869년, 16세에 삼촌의 공동 경영하는 구필 상회의 화랑에서 일하기 시작했지만, 종교 문제에 대한 관심의 심화와 함께 미술품 거래에 대한 관심을 잃고, 1876년에 해고됩니다. 그 후 목사를 뜻하고 가혹한 상황에서 사는 농민과 노동자들과 교류하는 가운데 그들의 삶 속에야말로 '진실'과 '성실함'이 있다고 생각했습니다.
1880년 이후, 본격적으로 화가로서의 활동을 시작했을 무렵에 우선 관심을 보인 것이, 제1장에서 소개되는 프랑스의 「바르비종파」와 네덜란드의 「헤이그파」 입니다.
바르비종파는 19세기 전반부터 중반에 걸쳐 파리 교외의 바르비종 마을 주변에서 활동한 자연주의적인 풍경화·풍속화로 알려진 그룹입니다. 전통적인 역사화에서 벗어나, 친밀한 자연과 가난한 농민의 모습을 직접 관찰에 근거해 사실적으로 그렸습니다. 아틀리에를 뛰쳐나온 그들의 야외 제작 기술은 차세대 인상파에 큰 영향을 미쳤습니다.
한편, 19세기 후반에 네덜란드의 북해에 접한 도시 헤이그를 거점으로 활동한 헤이그파는, 바르비종파에 배워, 당시로서는 드문 소재였던 어촌의 어려운 생활 풍경 등을 그린 화파입니다. 색채보다 명암을 중시해, 우울과 정감을 느끼게 하는 그레이쉬한 톤으로 축축한 공기나 흐린 하늘을 포착하는 독특한 수법은, 당시의 네덜란드 화단으로 넓게 지지를 모았습니다.
황 고흐는 교칙 책의 모사에서 시작하여 1881년 말부터 1883년 9월까지는 헤이그를 거점으로 원연의 친척인 헤이그파 안톤 마우페로부터 직접 회화의 기초를 배웠습니다. 주로 모범으로 삼고 있던 것은 동파의 중심적인 인물이었던 요셉 이스라엘스입니다.
이스라엘스는 어부와 농민들의 풍속적인 주제뿐만 아니라 유대교를 배경으로 한 종교 주제도 많이 다루었습니다. 그 드라마틱한 명암법은, 17세기 네덜란드의 거장 렘브란트로부터 계승한 것입니다. 황 고흐의 초기 걸작《감자를 먹는 사람들》(환 고흐 미술관 창고)에서도, 어둠에 인물의 표정이 떠오르는 엄격한 종교적 분위기에, 이스라엘스로부터의 영향을 볼 수 있습니다. (※회장에서는 동작의 리토그래프를 전시)
또, 팬 고흐를 말하는데 있어서, 「씨 뿌리는 사람」이나 「낙호 픽업」등으로 알려진 바르비종파의 쟌=프랑소와・밀레의 존재는 빠뜨릴 수 없습니다. 땅과 함께 신앙심의 어린 생활을 보내는 사람들을 엄숙한 눈빛으로 파악하고, 그 삶의 숭고함을 그려낸 밀레를, 그는 평생에 걸쳐 경애를 계속했습니다. 리토그래프를 모사하는 것에 그치지 않고, 자신 나름의 색채와 표현으로 재구성해, 화풍을 확립하는 토대로 갔습니다.
제2장 “네덜란드 시대”
제2장에서는, 실제로 황 고흐가 헤이그나 1883년에 옮겨 살았던 네덜란드 남부의 뉴넨으로 제작한 유채나 소묘가 줄지어 있습니다.
《밀짚모자가 있는 정물》 (1881)은, 그때까지 그림에 새롭게 살았던 황 고흐가, 본격적으로 유채와 격투하기 시작한 시기의 습작입니다. 나무 테이블 위에 검은 리본이 달린 노란 밀짚 모자와 파이프, 도자기, 헝겊 조각 등을 배치하여 다양한 질감의 그리기 구분에 도전했습니다. "나는 뭔가 본격적인 것을 그리기 시작하는 첫 입구에 붙어 있던 것이 아닐까 생각한다"라는 편지의 말로부터는 그의 자부가 전해져 옵니다. 본작은 이후의 제작의 참고자료로서 오랫동안 수중에 놓여졌다고 합니다.
덧붙여 전술의 헤이그파와 황 고흐는 똑같이 노동자 계급의 삶을 그렸습니다만, 헤이그파는 부르주와지의 수집가의 환심을 사기 위해, 수집가들이 환상을 안고 있는 「신중한 생활」을 그리기 위해 노력하는 경향이 보였습니다. 한편 황 고흐는 그들의 고통과 갈등을 드러내면 때로는 얼굴을 과장하여 엄격하고 추악하거나 지친 것처럼 표현하는 독자성을 보여줍니다.
헤이그에서의 주거의 창으로부터 뒤편을 띤 풍경을 포착한 《목수의 일장과 세탁장》 (1882)은, 원근법을 이용한 구도가 현장감을 주고 있습니다. 특히 주목하고 싶은 것이 전경에 그려진 작은 나무입니다. 처음에는 연필로 스케치하고 펜과 잉크로 윤곽을 그린 후 흰색 수채화 물감으로 꽃을 피우며 마지막으로 날카로운 도구로 배경 주변을 잡아 당기는 궁리가 굳어지고 있습니다. 약간 어색함을 남기면서도, 다양한 화재나 기법을 시도해, 스스로의 표현력을 넓히려고 하고 있던 궤적을 엿볼 수 있는 일작이라고 할 수 있을 것입니다.
기직으로 작업하는 "직공"은 뉴넨 시대를 대표하는 모티브 중 하나였습니다. 황 고흐는 1880년 북불의 직공 마을들을 방문했을 때 '꿈꾸는 것 같고, 생각에 빠져 꿈유병자 같은 사람'인 직공의 모습에 강하게 공감합니다. 당시에는 거의 미술의 모티프로서 다루어지지 않았던 그들에게 스포트라이트를 맞추려고 결의해, 복잡한 구조를 가지는 직기 그 자체에도 매료되어 갔습니다.
배경의 엷은 회색에 당당한 직기의 검은색이 두드러지는 《직기와 직공》 (1884)은 그 대표적인 작례. 테오에게 완성을 보고하면서 작품을 판매할 수 있기 때문일까요, 일부러 본작을 컬트 드 비짓(명함 사이즈의 사진)으로 찍게 했다고 합니다.
뉴넨에서 살던 1883년 12월부터 1885년 11월까지 500점 이상의 작품을 다루고 있습니다만, 그 대부분은 명암 기법을 탐구한 머리 습작이었습니다. 특히 뉴넨 여성들이 일상적으로 입고 있던 하얀 모자에 흥미를 갖고, 모자와 그 그림자가 되는 얼굴 부분이 "정확히 명암기법과 같은 상질의 색조를 가져오고 있다"고 편지에서 말합니다.
당시 황 고흐는 이스라엘스의 영향도 있어 '어둠 속에 떠오르는 빛'에 아름다움을 발견했습니다. 그래서 모델의 얼굴과 옷의 색조를 정돈하고 배경의 명암을 조정하여 어두운 색조 안에 나타나는 빛의 효과와 깊이를 표현해 갔습니다.
이러한 네덜란드 시대의 집대성이 된 것이, 유채화 《감자를 먹는 사람들》 이었습니다. 전시되고 있는 것은 유채화의 습작에 근거하는 리토그래프이며, 농민들의 「손의 노동」의 존중을 이야기한 자신작의 이미지를, 친한 사람들에게 전하기 위해서 제작된 것입니다. 익숙하지 않은 판화에 도전했지만, 테오와 친구의 화가 팬 라발드로부터의 평가는 "효과가 불선명" "표면적"이라고 엄격했다. 이 후의 황 고흐는 예술에서 기술 보다는 정서적 표현에 대한 지향을 깊게 해 나갈 것입니다.
제3장 “파리의 화가와 황 고흐”
제3장에서는 1860년대부터 90년대에 활약한 인상파를 중심으로 하는 거장들의 작품에 초점을 맞추고 있습니다.
파리에서 화상으로 성공했던 테오로부터 화면의 어두움에 고통을 받고 더 현대 아트를 알 필요가 있다고 설득된 황 고흐. 바르비종파에 대한 관심으로부터 프랑스의 미술과 그 토지 그 자체에 대한 동경을 모으고 있던 적도 있어, 벨기에·안트베르펜의 미술학교에서 단기간 배운 후, 충동에 맡기도록(듯이) 1886년 2월, 염원의 파리의 이주를 완수합니다.
아파트에서 테오와 동거해 카페 ‘르 탐불랑’에서 자작을 전시할 기회를 얻으면서 카미유 피사로나 앙리 드 툴루즈=로트렉, 에밀 베르나르 등 동시대 화가들과 교류. 최신의 회화 표현을 접하는 것으로, 어두운 네덜란드 시대부터 일전, 그 예술은 빛과 색채로 가득한 극적인 변화의 때를 맞이하게 됩니다.
팬 고흐는 그 중에서도 클로드 모네의 색채 감각과 피에르=오규스트 르느와르의 선명한 음영과 부드러운 터치, 폴 세잔의 구도와 색채 표현의 대담한 기법에 관심을 보였습니다. 또한 조르주 술라와 폴 시냑 등 신인상주의의 화가들과 친교를 맺어 그 영향으로부터 점묘화법을 실천. 1887년 여름 말에는 새로운 인상주의를 독자적으로 해석한 리드미컬한 필치를 이용한 작품을 완성하게 되었습니다.
동시기, 점묘화법을 보다 체계적으로 실천한 화가에, 신인상파의 막시밀리안 류스가 있습니다. 인공물과 자연이 공존하는 아름다움에 매료되어 황 고흐와 마찬가지로 도시와 시골의 풍경이 교차하는 몽마르트르의 언덕에 아틀리에를 세웠습니다. 그 아틀리에에서 산드니의 공업지대의 전망을 포착한 작품이 《파리 일대, 몽마르트르에서의 전망》 (c.1887)입니다. 여름의 햇빛 속에서 빛나는 풍부한 녹색이나, 이어지는 굴뚝에서 오르는 연기와 구름이 섞이는 모습 등이 점묘로 선명하게 표현되고 있습니다.
술라의 광학 이론에 충실하게, 세세하고 규칙적인 점묘에 의해 파리의 빛이나 대기를 포착하려고 한 류스. 그에 반해 고흐는 화법을 규칙대로 실천하는 것에 그치지 않고, 자신의 감정을 두드리는 리드미컬하고 강력한 필치나 주관적인 색채에의 접근으로 승화하게 됩니다.
제4장 “파리 시대”
제4장에서는 약 2년간의 파리 생활에서 극적으로 변화한 황 고흐의 회화 표현의 변천을 추적하고 있습니다.
파리로 옮겨 몇 달, 모델 요금을 비출 수 없고, 원했던 인물화가 아니라 정물화나 자화상을 그릴 수밖에 없었던 황 고흐입니다만, 결과적으로 이것이 색채 감각을 비약적으로 향상하게 됩니다.
특히 꽃의 정물화는 1886년 여름에만 적어도 약 30점이 제작되었습니다. 구체적으로는 빨강과 초록, 오렌지와 청과 같은 보색(색조환으로 정반대에 위치하는 색)을 인접해 배치해, 각각의 색을 보다 선명하게 두드러지게 하는 보색 대비의 실험을 반복한 것입니다. 전시된 3점의 꽃의 정물화 《장미와 작약》 (1886), 《야생화와 장미가 있는 정물》 (1886-87), 《푸른 꽃병의 꽃》 (1887)을 제작 순서로 살펴보면, 색의 대비가 강해지는 한편, 화면의 조화는 오히려 세련되어 가고, 그 숙련만을 볼 수 있습니다.
거기에는 인상파 이전에 보색 효과를 이론적으로 분석·응용한 우젠느 드라크로와나 당시 팬 고흐가 심하게 심취했던 아돌프 몬티세리의 영향도 있었습니다. 몬티세리는 조각을 연상시키는 극단적인 두꺼운 칠과 콘트라스트의 강한 색채를 구사한 독창적인 화풍으로 알려진 남부 출신의 화가입니다. 게다가, 카와가와 히로시게를 비롯한 우키요에에 대한 감화가, 이른바 팬·고흐다운 필치나 색채 감각을 형성하는 중요한 계기의 하나가 됩니다.
황 고흐로는 드물고 부르주아지용 레스토랑을 무대로 한 "레스토랑 실내" (1887)는 신인상파의 수법을 가장 선명하게 보여주는 작품 중 하나. 시냑을 생각하게 하는 점묘의 필견으로, 벽의 빨강과 초록, 바닥의 노란색과 흠뻑 빠진 보라색, 의자의 오렌지색과 식탁보의 푸른 빛과 같은 보색에 의한 콘트라스트를, 숙고가 볼 수 있는 밸런스로 배치하고 있습니다.
그러나 테이블이나 의자는 반드시 점묘가 철저하지는 않습니다. 게다가 본작이 한번 사용된 캔버스의 뒷면에 그려져 있는 것, 꾸준히 점을 치는 수법이 화가의 열정적인 기질에는 너무 굴곡했는지, 아를 이주 후에는 엄밀한 점 묘화법으로부터 거리를 두고 있는 것. 팬·고흐 작품 중에서도 한층 밝고 세련된 색채로 인기가 높은 본작입니다만, 이러한 점을 감안하면, 의외로 본인에게 있어서는 널리 선보이고 싶은 것이 아니고, 어디까지나 기술 습득의 기회에 지나지 않았을지도 모릅니다.
제5장 「아를르 시대」
파리에서 화가로서 큰 성장을 이룬 황 고흐였지만, 도시의 번잡함과 예술가끼리의 격렬한 경쟁이 점차 심신을 먹었습니다. 동경의 우키요에에서 볼 수 있는 눈부신 태양의 빛과, 예술가들이 함께 제작하는 이상적인 공동체를 찾아, 1888년 2월에 남불의 작은 마을 아를로 이주. 색채 풍부하고 햇빛 넘치는 모습을 완전히 마음에 들어, 그 자연을 선명한 색채 대비로 표현하는 것에 몰두해 갑니다.
15개월 부족으로 약 200점의 유채와 100점 이상의 소묘·수채를 제작. 병행하여, 실제로 공동체의 아틀리에인 '노란 집'을 구상해, 폴 고갱 등 많은 기예의 화가들을 초대하기 위해 준비를 진행했습니다.
"지금 절대 그리고 싶은 것은 밤하늘이다" "나에게는 밤 쪽이 낮보다 훨씬 생생하고 색채가 풍부하게 보이는 경우가 많다"라는 말이 남아있는 것처럼, 아를로 황 고흐를 고양시킨 것은 낮의 빛만이 아닙니다.
본전의 하이라이트인 《밤의 카페테라스(포름 광장)》 (1888)는, 마을의 중심에 있는 포름 광장의 야경을, 가스등의 노란 불빛 아래로 그려 있습니다. 네덜란드 국외에 나올 기회가 적은 굴지의 걸작이며, 황 고흐가 처음으로 본격적인 밤하늘을 그린 기념비적인 작품입니다.
별이 빛나는 밤하늘을 배경으로 빛나는 빛을 발하는 카페 테라스. 페인트가 고조되는 별들은 마치 보석처럼 존재감을 보여줍니다. 본작에 대해 황고호는 편지에서 “이것은 검은색이 없는 밤의 그림이다. 아름다운 푸른색과 보라색과 녹색밖에 없고, 이를 배경으로 등불로 비춰진 광장은 옅은 황황색과 초록빛 레몬 옐로우로 착색되고 있다”고 말했다. 따뜻한 전경과 한색 배경이라는 콘트라스트에 의해, 순식간에 눈길을 끄는 화려함을 갖추고, 종래의 서양 회화에 있어서 흑이나 회색으로 그려지는 것이 많았던 밤의 이미지를 갱신했습니다.
황 고흐가 밤하늘에 도전한 배경에는 애독한 기드 모파상의 소설 '벨라미'에서의 장려한 밤하늘의 묘사와 1888년 6월 초 지중해에서 본 색채 풍부한 밤하늘 등의 영향이 지적되고 있습니다. 어쨌든 중요한 것은 그에게 별이 빛나는 하늘이 "희망"을 나타내는 중요한 모티브였다는 것입니다.
본작이 그려진 당시는, 공동체의 동료가 와 줄지 모르는 불안이나 외로움을 안고 있으면서도, 희망에 흉약시킨 시기였다고 생각됩니다. "밤에 초조를 느꼈을 때 밖으로 나와 하늘을 바라보면, 밤하늘이 동료들처럼 보인다"라는 취지의 편지가 남아 있기 때문에, 본작에서도 밤하늘에 동료의 모습을 거듭하고 있었을지도 모릅니다.
다만, 당시의 카페는 현대와 본연의 방식이 달라, 남녀의 사교나 향락의 장소이기도 했다는 사실은 주목해야 할 것입니다. 본작에 있어서의 카페 테라스의 표현은, 앞서 설명한 「베라미」 중에서, 부유한 사람들이 음식을 즐기고 창녀들이 즐겁게 하고 있는 밤의 카페를, 가난한 주인공이 혐오감으로 바라보는 씬을 의식한 것이라고 알고 있습니다. 또, 동시기에 제작된 《밤의 카페》라는 작품에 관해서, 황 고흐가 「카페라고 하는 것은 사람이 몸을 잡고, 정기를 잃고, 죄를 저지르는 장소라고 하는 것을 표현해 보려고 했다」라고 말하고 있는 점도 놓칠 수 없습니다.
욕망과 퇴폐가 교착하는 지상의 세계와 희망을 상징하는 별이 빛나는 천상의 세계. 팬 고흐는 그 두 가지를 대비적으로 포착해 선명한 보색의 콘트라스트에 의해 후자의 빛을 한층 두드러지게 했습니까?
제2기에 해당하는 「대 고흐전 아를의 뛰어 다리」 는, 2027년 2월 6일부터 고베를 시작으로 후쿠시마, 도쿄에 순회 예정. 네덜란드의 국보라고도 불리는 《아를의 뛰어 다리(랑그로와 다리)》 가 약 70년만에 일본에서 공개되기 때문에, 이쪽에도 꼭 주목해 주세요.
■「대고흐전 밤의 카페 테라스」개요
회기:2026년 5월 29일(금) ~ 2026년 8월 12일(수)
회장:우에노의 숲 미술관
개관시간：일～목 9：00～17：30／금・토・공휴일 9：00～19：00
※입관은 폐관 30분 전까지
휴관일：회기중 무휴
관람료(평일)：일반 2,800엔, 대학생・전문학생・고교생 1,600엔, 중학생・초등학생 1,000엔
※토, 일, 공휴일은 평일 요금에 각각 +200엔
※고등학생 이하는 6월 30일(화)까지 입장 무료.
※자세한 것은 공식 페이지에서 확인해 주세요.
주최:산케이 신문사, TBS, TBS 글로디아, 하카호도, 우에노노모리 미술관
문의：050-5541-8600（헬로 다이얼／9:00～20:00）
전시회 공식 사이트 | https://grand-van-gogh-tokyo.com/
※본고의 내용은 취재 시점의 것입니다. 최신 정보와 다를 수 있으므로 자세한 내용은 공식 사이트에서 확인하시기 바랍니다.
기사 제공: 코코실 우에노
