【취재 리포트】「미로전」이 도쿄도 미술관에서 개막. <별자리> 시리즈 등 20세기를 대표하는 거장의 걸작 약 100점이 모인다

도쿄도 미술관

피카소, 달리와 함께, 스페인 3대 거장으로 꼽히는 화가 주안 미로의, 70년에 걸친 창작 활동을 되돌아 보는 대규모 전람회 「미로전」이 , 도쿄·우에노의 도쿄도 미술관에서 개막했습니다. 회기는 2025년 3월 1일부터 7월 6일까지.

※본고에 게재의 화상은, 보도 내람회에서 허가를 얻어 촬영한 것입니다.

스페인 카탈루냐주 출신인 주안 밀로(1893-1983)는 1920년대에 슐레어리즘을 대표하는 화가로 명성을 얻었다. 태양이나 별, 달 등 자연 속에 있는 모티프를 상징적인 기호로 그린 색채가 풍부하고 시정 넘치는 독특한 화풍이 유명하지만, 90세에 죽을 때까지 새로운 표현에 계속 도전해 순수하고 보편적인 예술을 추구. 20 세기에서 가장 영향력있는 예술가 중 한 명으로 간주되었습니다.

본전은 대표작인 <별자리> 시리즈를 비롯해 초기부터 만년까지의 각 시대를 물들이는 회화와 도예, 조각 등의 걸작 약 100점을 한자리에 모아 미로의 화업 전체를 포괄적으로 소개하는 것 . 몰후 40년을 거친 미로의 세계적인 재평가의 흐름을 받아 기획이며, 일본에서는 1966년에 존명 중인 미로가 협력한 전람회 이후 최대 규모의 회고전이 된다고 합니다.

전시는 전체 5장 구성입니다.

아버지에게 추천된 회계의 일이 맞지 않고, 병에 쓰러진 청년 미로는, 산간의 마을 몬로치의 별장에서 요양 생활을 보내는 가운데, 벌써부터의 꿈이었던 화가가 되는 결의를 굳힙니다. 1912년, 미로는 다시 미술학교에 다니면서 최첨단 예술의 동향을 연구.
제1장 「젊은 미로 예술에의 결의」 에서는, 큐비즘이나 포비즘, 당시의 전위 예술가들에게 아버지처럼 보여지고 있던 세잔느 등, 이 시기의 미로가 자신의 표현을 모색하는 가운데, 다양한 화풍을 도입하고 있었던 것을 전하는 작품이 늘어서 있습니다.

초기의 명작 《야자나무가 있는 집》 (1918)을 비롯해, 미로는 몬로치의 정서적인 풍경을 모티프로 한 작품을 많이 남기고 있습니다. 예술적 신념을 튼튼하게 한 몬로치는 평생 동안 밀로에게 모든 창작의 근원, 예술에 대한 생각을 깊게 하는 장소이며, 카탈루냐인으로서의 정체성을 재확인시키는 것이었습니다. 본작은, 그동안 큰 영향을 받고 있던 포비즘의 작풍을 버리고, 세부의 묘사를 고집하게 된, 이른바 미로의 「세밀주의 시대」를 대표하는 작례입니다.

1920년, 염원이었던 예술의 중심지 파리에 처음으로 방문해, 도시의 근대성과 전위 예술에 매료된 미로는, 다음 해부터 파리에 아틀리에를 짓고, 몬로치와 왕복하는 생활을 보내게 됩니다.

동지의 쉬르레아리스무 작가나 시인과의 교류로 자극을 받아, 구상성으로부터 떨어진 시적인 표현 수법에 경도. 1925~27년에는 공허를 보여주는 망막으로 한 배경에 부정형으로 움직임이 있는 묘선을 더해, 미로 자신의 「꿈의 진행을 나타내는 기호」로 한, 100점 이상에 달하는 「꿈의 그림」 을 낳았습니다. 그 중에는, 구체적인 사물과의 구별 없이, 실체를 가지지 않는 어구도 모티프인 것처럼 그려, 본래의 역할로부터 해방한 <그림=시> 시리즈가 있습니다.

제2장 「몬로치─파리 전원지대에서 전위의 도시로」 에서는, 이러한 1920년대의 활동을 소개. 「꿈의 그림」은 파리의 화단에서 화제가 되고, 미로는 명실 모두 쉬르레아리즘의 화가로서 인기를 얻게 됩니다.

《네덜란드의 실내Ⅰ》 (1928)은 17세기 네덜란드 회화에 강한 충격을 받은 미로가 화가 헨드릭 솔프의 《류트를 연주하는 사람》(1661)을 바탕으로 그린 작품. 전시에서는, 패널로 솔프의 원작과 본작의 준비 소묘도 소개되고 있어 비교해 보면, 솔프의 자연주의적인 일상의 일장면으로부터 입체감이나 원근감을 배제해, 평탄한 색채와 유기적인 포름에 의한 초현실인 세계로 변용시킨 것을 알 수 있습니다.

1936년에 발발한 스페인의 내전으로 망명해, 계속되는 제2차 세계 대전에 걸쳐 전쟁을 피하면서 외로워 제작을 계속한 미로.
제3장 「도피와 시정 전쟁의 시대를 배경으로」 에서는, 파리에서 노르망디 지방의 마을로 도망친 1940년부터 제작을 개시해, 마조르카 섬이나 몬로치를 전전하는 사이에 완성시킨 걸작 <별자리> 시리즈를 하이라이트로서 전시하고 있습니다.

<별자리> 시리즈는 캔버스가 아닌 종이를 이용한 소형의 구와시화. 굳이 처참한 현실에서 도피하고, 광대하고 아름다운 밤하늘과 모차르트, 바흐 같은 음악으로 마음을 위로하면서, 그들을 착상원에 현실을 넘은 앞의 희망을 나타내기 위해 그린 것으로 알려져 있습니다. 본전에서는 전 23점 중《새벽의 명성》《여자와 새》《달팽이의 인광의 흔적에 이끌린 밤의 인물들》 (1940)의 3점이 출전. 미로가 기호 체계를 확립했다는 점에서도 주목의 시리즈입니다만, 각 작품은 전세계에 흩어져 있기 때문에, 복수의 작품을 정리해 감상할 수 있는 귀중한 기회가 되고 있습니다.

한편, 미로는 1928년경부터 예술의 상품화나 아티스트에 대한 과도한 주목에 비판적인 시선을 겨냥해, 「회화를 암살하고 싶다」라는 충동에 몰리게 됩니다. 점차, 본장에 등장하는 알루미늄박에 화장지를 붙인 《무제(밤의 연인들)》 (1934)와 같은, 회화와는 무관한 소재나 요소를 공존시키는 콜라주나 오브제 등, 반예술·반회화라고 불리는 작풍에도 착수. 전통적인 회화 표현의 본연의 방법을 계속 물었습니다.

1947년, 미로는 벽화의 의뢰를 받아 처음으로 미국을 방문했지만, 이미 그 6년 전에는 뉴욕 근대 미술관에서 미로의 회고전이 개최되는 등, 동지에서의 평가가 높아지고 있는 상황이었습니다. 체류중인 미로도 잭슨 폴록을 필두로 하는 젊은 예술가들로부터 자극을 받아 귀국 후에 에칭이나 리토그래프, 장인과의 공동작업에 의한 도예, 조각 등 폭넓은 제작에 관심을 기울입니다.
제4장 「꿈의 아틀리에 내성을 거듭해 새로운 창조에」 에서는, 그러한 전후의 1950~60년대에 있어서의 전개를 따릅니다.

그런데, 미로의 작품은 단적인 타이틀도 많습니다만, 그 실, 타이틀과 작품과의 관계성에 장난과 시정을 주는 것을 좋아하고 있었다고 합니다. 《나선을 그려 혜성으로 기어가는 뱀을 쫓는 붉은 잠자리》 (1951)는 대표적인 예로 설명적인 타이틀로 이끌려 감상자는 혜성이나 뱀, 붉은 잠자리를 찾으려고 바로 나선을 그리는 뱀처럼 화면에서 시선을 당황하게 합니다. 그 호기심을 뒷받침하는 것이 선명한 배색이나 사행하는 선, 소름 끼치는 묘사이며, 그들 모두가 미로의 장치. 구성의 능숙함에 놀라게됩니다.

또, 본장에서는, 1956년에 염원이 넓은 아틀리에를 마조르카 섬에 완성시킨 이후의 작품이, 미국 추상 표현주의의 거대한 회화의 영향도 있어 거대화해 나가는 모습도 확인할 수 있습니다. 대형 회화《태양 앞의 인물》 (1968)은 밀로의 조형 언어의 집대성의 하나로, 「○△□」의 도형으로 우주를 표현한 일본의 화승・센케이 요시의 작품으로부터 착상을 얻은 것.

밀로는 초기부터 일본에 관심을 갖고 있으며, 1966년 방일 때에는 일본의 전통 예술과 예술가의 생각에 자신과의 친화성을 인정하고 있습니다. 확신적인 브러쉬가 서예를 상기시키는 본작은, 그러한 밀로의 동양적인 감성을 나타내는 중요한 작례이며, 바르셀로나 이외에서 전시되는 것은 약 40년만이다.

제5장 「회화의 본질을 향해」 에서는, 만년의 1970~80년대에 제작된 작품이 줄지어 있습니다. 벌써 세계적인 거장으로서의 지위를 확고한 것으로 하고 있던 미로입니다만, 만년 있어도 항상 자신의 활동을 검증해 계속하고 있어, 대담하고 형파의 시도도 주저하는 일은 없었습니다.

예를 들어, "구워진 캔버스 2" (1973)는 5점의 연작 회화의 하나로, 흰 캔버스에 기세 좋게 페인트를 일으켜, 짓밟고, 칼로 잘게 자르고, 마지막으로 휘발유를 스며들어 불을 붙인 작품. 충동적인 행위의 결과가 아니라, 태운 캔버스나 종이의 마티에르, 그 물질성에 숨어 있는 아름다움을 찾는 것이 제작 의도로서 있었던 것 같습니다만, 본작에서는 쇠약해지지 않는 에너지나, 하이컬쳐로서의 예술, 그저 재산이 되어 내리는 예술에 대한 강렬한 반골심이 전해져 옵니다.

또, 만년의 미로는, 보다 몸의 움직임을 반영하는 브러시를 채용하게 되어 있었습니다. 이미지로서는 수묵화에도 가까운 3연화 《불꽃I,Ⅱ,Ⅲ》 (1974)에서는, 페인트를 격렬하게 뿌려, 중력의 작용에 의해 하거나 떨어진 페인트의 흔적에 겹치도록 붓을 넣고 있습니다. 이것은 미국 추상 표현주의의 화가들의 영향을 받은 것으로, 우연성에 몸을 맡겨 태어난 새로운 구도에 의해 제작 프로세스를 이끌어내는 수법이 이용되고 있습니다. 본작은 일본 최초 전시라는 것.

또한 4장과 5장 사이에서는 밀로의 포스터 제작을 통한 적극적인 사회적, 정치적, 문화적 헌신에 대해서도 다룹니다.

밀로는 1960~70년대, 프랑코 독재 정권 말기 스페인 사회에서 의견을 공연하게 말하는 장소가 부족한 사람들의 희망과 요구를 대변하는 수단으로서 수많은 포스터를 제작. “예술가란 다른 사람들이 침묵하는 가운데 무언가를 전하기 위해 소리를 내는 자”라는 말도 남기고 있으며, 전시에서는 미로의 예술가로서의 스탠스, 즉 자신의 관심사에 대해서 말하기 위해서만 평생을 통해 연루를 거듭한 것은 아님을 강조하고 있습니다.

밀로라는 화가가 20세기를 통해 얼마나 최첨단 예술에 뛰어들어 끊임없이 창조적인 긴장감에 몸을 담그며 자신의 표현을 확립해 갔는가. 그 탐구의 과정, 유일무이의 예술의 매력을, 꼭 본전에서 체감해 보세요.

「미로전」개요

※기사의 내용은 취재 시점의 것입니다. 최신 정보는 전람회 공식 사이트 등에서 확인해 주십시오.

기사 제공: 코코실 우에노

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