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도쿄 국립 박물관

고대 멕시코를 대표하는 3개의 문명의 지보를 한자리에 소개하는 특별전 「고대 멕시코 – 마야, 아즈텍, 테오티와칸」이 2023년 6월 16일(금)~9월 3일(일) 기간, 도쿄 국립 박물관(도쿄·우에노)에서 개최중입니다.

본전은 메소아메리카(16세기 스페인 침공까지 멕시코~중미 일부 지역에 번성한 문화요소를 공유한 고대 문명권)를 대표하는 세 가지 문명 '마야' '아즈텍' '테오티와칸' 에 초점을 맞추고 있습니다.

멕시코 국내 주요 박물관에서 엄선한 비문과 릴리프 등 귀중한 출토품과 고고 유물, 약 140건 을 최근 발굴 조사의 성과를 섞어 소개. 다양한 자연 환경에서 만들어진 독자적인 세계관과 조형미 등 고대 멕시코 문명의 깊이와 매력에 육박합니다.

전시는 「고대 멕시코에의 막상」 「테오티와칸 신들의 도시」 「마야 도시 국가의 흥망」 「아즈텍 테노티티 트란의 대신전」의 4장 구성.

제1장 “고대 멕시코에의 막상”

제1장 「고대 멕시코에의 필요없다」는, 「옥수수」 「천체와 달력」 「구기」 「인신 공희」 등 3 문명의 공통 테마에 따른 횡단적인 작품 전시나, 각 문명의 유적의 영상 를 통해 고대 멕시코 전체의 세계관을 전하는 도입부입니다.

여기에서는, 전 1500년경에 멕시코 만안 지방에 흥미를 낳은 메소 아메리카의 뿌리이며, 의례와 연관된 왕권이나 많은 신들의 개념 등, 그 후의 메소 아메리카 제 문명에 다양한 요소가 계승된 오르메카 문명 의 존재를 나타내는 작품 《오르메카 양식의 석우》 도 전시되어 있습니다.

제2장 “테오티와칸 신들의 도시”

제2장 「테오티와칸 신들의 도시」에서는, 멕시코 중앙 고원에 있는 해발 2300미터 정도의 분지의 중앙에서, 전 100~후 550년경까지 번창한 테오티와칸 문명을 거론하고 있습니다.

테오티와칸은 당시 사람들이 믿고 있던 우주적 세계관에 따라 '죽은 자의 거리'를 중심축으로 피라미드나 의례장, 궁전 타입의 건축물, 엄격화된 주택군을 통합한 국가에 의해 통율되어 계획 도시·대종교 도시 였습니다. 최근의 연구에서 최대 10만명 정도가 살고 있던 것이 밝혀지고 있습니다만, 사용되고 있던 언어나 문자 등은 판명되지 않고, 아직도 수수께끼가 많은 문명입니다.

여기에서는, 테오티와칸을 대표 하는 「태양의 피라미드」 「달의 피라미드」 「깃털의 뱀 피라미드」라고 하는 3개의 피라미드나 그 주변으로부터 출토한 작품을 소개.

전시실 중앙에 노출 전시되고 있는 《죽음의 디스크 석조》 는, 1964년의 발굴 조사로, 테오티와칸에 있는 피라미드 중 최대의 「태양의 피라미드」 정면의 광장으로부터 출토한 것.
직경 1m를 넘는 석조로, 후광과 같이 방사상으로 퍼지는 모티브와, 두개골의 입으로부터 돌출한 혀가 인상적입니다. 메소아메리카에서는 일몰을 죽고, 일출을 재생이라고 파악하고 있어, 본작은 수평선에 가라앉은(죽은) 밤의 태양을 나타내고 있다고 해석되고 있습니다.

특히 존재감이 있었던 것은《깃털의 뱀신석조》와《시팩토리의 머리장식석조》 의 전시.
일변 약 400m의 대의식장 「성채」의 중심 신전인 「깃털의 뱀 피라미드」의 사방의 벽면을 덮고 있던 오이시 조각의 일부입니다. 금성과 권력의 상징인 '깃털의 뱀신'과 때(력)의 시작을 상징하는 창조신 '시박토리'의 머리장식을 나타내는 것으로 알려져 있습니다.

회장에서는, 이러한 석조가 피라미드로부터 돌출하고 있는 모습을 알 수 있도록(듯이) 제작이 궁리되어 있었습니다.

깃털의 뱀신의 물결치는 동체부에, 시팩토리의 머리장식을 배치하는 모티브가 반복 조각되어 있기 때문에, 「깃털의 뱀 피라미드」전체가 거룩한 왕권이나 대관식을 나타내는, 메소 아메리카에서 최초의 기념물이다 라고 생각된다든가.

「깃털의 뱀 피라미드」의 지하에 있는 깊이 15m, 길이 103m의 터널의 출토품 중에서는, 권조의 끝을 잘라 불어 입은 악기 《트럼펫》 이 눈길을 끌었습니다. 본작에는 테오티와칸에서는 볼 수 없는, 마야계의 종교 센터의 그림과 유사한 미술 양식과 내용의 그림이 그려져 있습니다.

테오티와칸 주거터의 매장체에 부장되고 있던 것은, 발굴자에 의해 「기발한 오리」라고 명명된, 조개등의 화려한 장식을 가지는 동물형 토기. 많은 조개 제품과 함께 발견된 것으로부터, 멕시코만과의 교역을 담당한 조개 상인에 관계되는 부장품이 아닐까 생각되고 있습니다.

《트럼펫》이나 《조형토기》라는 전시물은 테오티와칸이 교역이나 시장의 경제활동이 활발한 다민족도시였다는 것을 전하고 있습니다.

그 외, 테오티와칸에서의 생활을 상상시키는 벽화나 토기도 흥미롭습니다.
테오티와칸의 주신의 하나인 아라시 의 신, 혹은 비의 신 트라록을 표현한 것으로 여겨지는《아라시의 신의 벽화》와 같은 다채로운 벽화는, 많은 아파트식 주거군이나 의례 시설에 그려 되었습니다.

또, 주거터에서 많이 발굴되는 향로는, 다양한 장식편을 목적에 따라 재조합해 만들었다고 한다. 전시된 《향로》 는 화살이나 방패 등의 모티프로부터, 죽은 전사의 진혼의 의식용으로 생각되고 있습니다.

제3장 “마야 도시 국가의 흥망”

제3장 「마야 도시 국가의 흥망」에서는, 전 1200년경~후 16세기까지 유카탄 반도를 중심으로 번성한 마야 문명의 문화나 왕조에 대해 소개. 본전에서 가장 많은 작품으로 구성된 섹션입니다.

마야에서 명확한 문화와 통치 형태를 인식할 수 있는 왕조가 성립한 것은 후 1세기 무렵으로 되어 있습니다. 다만, 정치적으로 통일된 적은 없고, 무수한 도시간의 교역이나 외교사절의 왕래 등의 우호적인 교류, 때로는 전쟁에 의한 패권 다툼을 통해 큰 네트워크 사회를 형성했습니다. 출토품은 그러한 마야 지역에서 다양한 동향을 전하고 있습니다.

마야에서 임립된 도시 중 하나에 400~800년경 서부 지역에서 번성한 팔렝케라 는 중규모 도시가 있습니다만, 제3장에서는 팔렝케의 전시에 힘이 들어가 있습니다. 특히 본방 최초 공개가 되는 「붉은 여왕(레이나 로하)」 의 무덤의 출토품은, 왕조 미술의 걸작 과 유명한 본전의 주목의 하나.

예술의 도시 팔렝케는 세련된 건축과 조각, 비문이 많음으로 알려져 있으며, 그 황금 시대는 키니치 하나브 파칼왕의 통치(615~683)였습니다.
파칼왕은 외교와 전쟁에 의해 팔렝케의 영향력을 강화하는 왕궁의 확대에 힘을 쏟아 마야 지역에서 가장 장려한 건축물 중 하나로 했다고 합니다. 그 시신은 파칼왕 스스로 설계했다고 여겨지는 '비문의 신전'이라는 영묘에 담겼습니다.

'붉은 여왕(레이나 로하)'이라 불리는 시신은 1994년 비문 신전 옆에 있는 13호 신전에서 발견된 것. 그 통칭은 새빨간 젓가락 모래(수은주)로 덮여 매장되어 있던 것이 유래입니다. 조사 결과, 이 인물은 파칼왕의 비비인 이슈차크부아하우의 가능성이 높다고 보여지고 있습니다.

회장에서는 13호 신전의 석실을 이미지한 공간에서, 「붉은 여왕」의 12건의 부장품을 마네킹에 장착해 매장의 모습을 재현. 《붉은 여왕의 마스크》 는 공작석의 작은 조각으로 만들어져 눈동자에는 흑요석, 하얀 눈에는 흰색의 비취 휘석암이 사용되고 있다고 한다.

사진에는 찍혀 있지 않지만, 목걸이나 왕관 등 아름다운 부장품에 얽혀, 아무런 변철도 없는 작은 《바늘》이 마네킹 옆에 조용히 전시되어 있던 것이 눈에 띄었습니다. 이상하게 보이지만, 실 방직과 직조는 어느 사회 계층의 여성도 실시하는 활동의 하나이며, 이 바늘도 「붉은 여왕」이 일상적으로 사용해, 내세에서도 필요한 것이었다고 생각되어 있다든가.
신분에 걸맞게 장식할 뿐만 아니라, 「생활에 곤란하지 않게 하고 싶다」라고 하는 본인, 혹은 주위의 사람들의 등신대의 소원에 공감을 기억합니다.

재현 전시의 옆에서는, 「빨강의 여왕」의 발굴 조사의 영상 자료도 흐르고 있었습니다.

또, 팔렝케 유적의 왕궁에서 발견된 《96문자의 석판》 의 전시에서는, 회화적이고 아름다운 조형의 마야 문자를 차분히 감상할 수 있었습니다.

마야 문자는 표어 문자와 음절 문자로 구성된 수수께끼로 가득한 언어이지만, 현재 700 정도의 문자와 수만으로 짜기라고도하는 다양한 조합이 해명되고 있다는 것. 사람들의 행위는 하나님과 조상의 사적을 재현하는 것으로 생각되었기 때문에 문자는 주로 왕과 나라의 역사와 궁정의 의례를 기록하는 데 사용되었습니다.
본작에서도 팔렝케의 왕들의 즉위에 대해 정확한 날짜와 함께 새겨져 있습니다.

일본처럼 마야에서도 서적은 정보를 전달하기 위한 것만이 아니라 예술품으로 애호했지만, 본작은 그 중에서도 최고봉에 위치하는 것입니다.

팔렝케를 비롯한 많은 도시가 쇠퇴한 뒤, 900년경 유카탄 반도 북부에서 마야 지역 최대의 도시가 된 체첸 이차 의 출토품도 볼 수 있습니다.
그 중에서도 《차크몰상》 은 해설을 읽고 본전 이치의 무서움을 느낀 작품. 동상의 배 위에는 접시 같은 것이 있어, 여기에 제물이나, 때로는 인신 공의의 제물로부터 꺼낸 심장이 놓여졌을 가능성이 있다든가…

본전에서는 「제물」이라든가 「인신 공희」라든지, 흥미로운 키워드가 빈출하고 있습니다. 이러한 특유의 관습은 3,000년 이상 메소아메리카에서 계속된 것으로, 현대의 감각으로 보면 그 잔학에 눈썹을 찌푸리고 싶어질지도 모릅니다.

그러나 그것은 단지 비인간적인 의례 행위가 아니라 모든 생명체는 신들의 역사와 희생에 의해 태어나기 때문에 인간도 신들을 존경하며 인간에게 가장 중요한 생명을 바치고 자연의 사이클과 재생 원리를 유지해야 한다는 원주민들의 윤리관 때문이었습니다. 거기에는 보편적인 신과 자연에 대한 기도가 담겨 있습니다.

제4장 “아즈텍 테노티티 트란의 대신전”

제4장 「아즈텍 테노티티 트란의 대성전」은 1325년에 멕시코 중앙 고원의 테스코코 호수에 떠 있는 섬에 메시카인들 나와틀어를 모국어로 하는 사람들이 건국한 아즈텍 왕국의 대도시, 테노티티 트란(현재 멕시코) 시티) 의 출토품을 취급하고 있습니다. 인구는 최성기로 20만을 넘어 스페인 침공에 의해 1521년에 함락될 때까지 번영했습니다.

덧붙여서, 멕시코 중앙 고원에서는 테오티와칸⇒토르테카⇒아즈텍이라는 차례로 문명이 흥망하고 있습니다. 나와톨어로 '신들의 도시'를 의미하는 '테오티와칸'이라는 이름은 유적을 발견한 아즈텍 왕국의 메시카인이 명명한 것이었습니다.

군사력과 공납제를 배경으로 국력을 강화한 아즈텍에서는 건축과 회화, 그 중에서도 조각에 있어서 경이적인 발전이 가져왔습니다. 아즈텍이 부를 집결시킨 테노티티 트란에서는 국내외 작가들이 기교와 기호, 전통을 나누어 역사적으로 유례없는 크리에이티브한 환경을 형성했다고 합니다.

테노티티 트란에서 태어난 독창적인 조형미의 일단을 전하는 것은 용감한 《독수리의 전사상》 .

테노티티 트란의 중심에는 태양과 전쟁의 신·위치로포치토리, 비와 대지의 신·트라록을 모시는 한 쌍의 장엄한 피라미드형의 대신전, 템프로·마요르가 세워져 있었습니다. 본작은 그 대신전의 북측에 있는 「독수리의 집」에서 발견된 것. 등신대로 박력이 있습니다.

전투나 종교에 중요한 역할을 담당한 왕 직속의 독수리 군단의 전사로 간주하는 전문가가 많은 것 같습니다만, 전장에서 용감한 죽음을 이루고 모습을 바꾼 전사의 영혼이라든지, 위치 로포치토리의 모습을 나타내고 있다든지, 지금도 다양한 설이 있는 것 같습니다.

전시된 조각 작품의 대부분에는 아즈텍에서 믿음을 받은 신들이 나타났습니다.

《트라록 신의 항아리》 는 괴로리로 한 눈의 조형과 선명한 블루가 인상적.
농경사회인 메소아메리카에서는 수세기에 걸쳐 강우를 통제하고 싶다는 강박관념이 있었다고 합니다. 그러므로 기도, 제물, 자녀의 제물이 비가 오는 하나님이었고, 식물의 싹에 필요한 모든 것을 제공하는 '주는 사람'인 트라록에게 바쳐졌다.

본작은 물을 저장하는 항아리에 트라록 신의 장식이 있기 때문에, 비나 풍요의 소원이 담겨진 것으로 생각되고 있습니다.

전시의 하나에 그린의 사문암으로 만들어진 《마스크》 가 있습니다만, 제2장의 테오티와칸의 전시에서 소개한《모자이크 입상》과 분위기가 똑같이. 실은 바로 테오티와칸 유적에서 파낸 마스크를 메시카인이 다시 닦고, 눈이나 귀 장식 등 손을 더한 것,이었습니다.

메시카인을 비롯한 후 고전기 후기(1250-1521) 무렵의 사람들은 과거의 문명을 파내고 그들을 마술적인 힘을 가진 거룩한 물질로 간주하여 자신들의 성전에 봉납했다고 한다. 이런 연결을 느낄 수있는 것도 본전의 재미입니다.

전시의 마지막에서는, 템프로·마요르의 최신 발굴 성과를 나타내는 것으로서, 메소 아메리카에서는 드문 금으로 만들어진 펜던트나 귀 장식, 홀 모양 장식이 일거에 공개되고 있었습니다.

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회장에서는 고대 도시 유적의 매력을 전하는 영상 자료나 현장감 넘치는 재현 전시 등, 전시 공간의 연출을 고집하고 있어, 걷고 있는 것만으로도 고대 멕시코의 공기를 느낄 수 있었습니다. 전시물 사이에 넓게 거리가 잡혀 감상하기 쉬운 것도 기쁜 포인트입니다.

덧붙여서, 현재 회장 내의 전시물은 개인 이용에 한하여 모두 촬영 OK입니다. (향후 중지·변경의 가능성도 있으므로, 자세한 것은 관내 표시나 공식 사이트의 안내를 봐 주세요)

지금도 그 땅에 살고 있는 사람들에게 계승되는, 고대 멕시코의 문화 전통의 깊이와 매력에 육박하는 특별전 「고대 멕시코」. 개최는 2023년 9월 3일(일)까지.

특별전 「고대 멕시코 – 마야, 아즈텍, 테오티와칸」개요

회기	2023년 6월 16일(금)~9월 3일(일)
회장	도쿄 국립 박물관 헤이세이칸
개관 시간	오전 9시 30분~오후 5시 ※토요일은 오후 7시까지 ※6월 30일(금)~7월 2일(일), 7월 7일(금)~9일(일)은 오후 8시까지 ※종합문화전은 오후 5시 폐관 ※입관은 폐관 30분 전까지
휴관일	월요일, 7월 18일(화) ※단, 7월 17일(월·축), 8월 14일(월)은 개관
관람료(부가세 포함)	일반 2200엔, 대학생 1400엔, 고교생 1000엔, 중학생 이하는 무료 ※자세한 것은 공식 사이트의 티켓 페이지 봐 주세요.
주최	도쿄 국립 박물관, NHK, NHK 프로모션, 아사히 신문사
문의	050-5541-8600(헬로 다이얼/오전 9시~오후 8시, 연중 무휴)
전시회 공식 사이트	https://mexico2023.exhibit.jp/

※기사의 내용은 취재일(2023/6/15) 시점의 것입니다. 최신 정보는 공식 사이트 등에서 확인하십시오.

기사 제공: 코코실 우에노

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기타 보고서 보기

우에노의 숲 미술관

화석이나 골격 표본이 아니라, 회화를 중심으로 한 공룡 아트만을 모은 이색의 공룡전, 특별전 “공룡 도감-잃어버린 세계의 상상/창조” 가 2023년 5월 31일(수)~7 월 22일(토)의 기간, 우에노의 숲 미술관에서 개최중입니다.

20세기 공룡 회화를 대표하는 2대 거장, 찰스 R나이트와 즈데니크 브리앙의 작품도 다수 출전되고 있는 것으로 주목되는 본전. 회장의 모습을 보고합니다.

공룡전이라고 하면 화석이나 골격 표본 을 중심으로 한 전시가 떠오릅니다만, 본전에서는 평상시 그 자료의 옆에 놓여져 있는, 화석 등의 학술적 근거에 근거해 공룡 등의 고생물을 그렸다 생태 복원도 = “파레오 아트 (고생물 미술)” 에 명소를 맞추고 있습니다.

약 2억 5000만년 전~6600만년 전 중생대 지구를 지배하고 있던 공룡은 19세기 전반의 화석 발굴을 계기로 생태 복원도를 통해 일반적으로 인지되게 됩니다. 이후 많은 학자가 예술가와 손을 잡고 태고의 로망 넘치는 고대 생물의 모습을 재현하려고 도전해 왔습니다.

회장에서는 여명기에 그려진 기묘한 복원도에서 최근 연구에 근거한 현대 작가 의 역작에 이르기까지 세계 각국에서 모인 약 150점의 파레오 아트 등을 전시.

공룡의 “발견”부터 오늘까지 약 200년의 사이, 신발견 때마다 학술적 근거가 바뀌는 가운데 공룡(고생물)들의 표현이 어떻게 변화해 갔는지를 추적합니다.

제1장 “공룡 탄생-여명기의 기묘한 괴물들”

전시는 총 4장 구성입니다. 제1장 「공룡 탄생-여명기의 기묘한 괴물들」 에서는, 19세기의 공룡 “발견”부터 얼마 안되는 시기, 한정된 지견 아래에서 제작된 작품군을 소개. 현대에 사는 우리가 머리에 떠오르는 공룡과는 별개인 개성적인 모습을 즐길 수 있습니다.

서두에는 지질학자 헨리 데 라 비치의 원화에 의한 리토그래프 《두리아 안티퀴올(태고의 도셋)》 (1830)이라는 고생물의 생태를 복원한 사상 최초의 회화의 하나라고 불리는 귀중한 작품을 전시.

이 작품은 잉글랜드 남부의 도셋주에서, 어룡 익티오사우루스나 수장룡 프레시오사우루스 등 해거 파충류 등을 공룡에 앞서 발견해, 19세기 고생물학의 발전에 기여한 것으로 알려진 여성 화석 채집자 메리 애닝 의 공적을 찬양하기 위해 제작된 것입니다.

선사 시대의 도셋 해안을 무대로 애닝이 발견한 고생물이 풍성하게 그려져 있습니다. 주목은 화면 오른쪽으로 화상에 크게 그려진 이쿠치오사우루스가 프레시오사우루스의 얇은 목에 먹어붙고 있는 모습.

본전의 기획자인 오카모토 히로사키씨(고베 예술 공과 대학 교수, 전 효고 현립 미술관 학예원)는 “현대의 연구로부터 말해, 어룡이 수장룡을 덮치는 것은 생각하기 어렵다.당시는 어룡의 쪽이 압도적으로 강한, 포식자의 이미지가 있었던 것이 전해져 온다」 라고 말합니다.

또, 본전에서는 메갈로사우루스와 함께 최초로 “발견”된 공룡인 이구아노돈 의 이미지 변천의 소개에 주력하고 있습니다.

“공룡을 발견한 남자”로 유명한 영국의 의사로 아마추어 지질학자, 기드온 만텔 에 의해, 현생 파충류의 이구아나와 비슷한 치아를 가지는 것으로부터 1825년에 「이구아노돈(이구아나의 치아)」라고 명명 이 생물은 당초 이구아나를 거대화한 듯한 모습으로 상상된 것 같다.

이구아노돈을 그린 초기의 작례, 조지 샤프의 《복원된 파충류》 (1833)에서는 거대한 몸을 땅에 기어 뱀과 같이 긴 꼬리를 부르는 이구아노돈이 한층 크게 그려져 있습니다.

그러나, 1853년경 제작의 조각 작품 《수정궁의 이구아노돈》 을 보면, 이미지가 마이너 체인지. 이구아노돈의 네 발은 포유류 코끼리와 코뿔소처럼 몸통에서 똑바로 땅으로 내려갔습니다.

이것은 당시 가장 큰 영향력을 가지고 있던 영국의 고생물학자로 ‘다이노사우리아(공룡)’라는 말을 만든 인물 인 리처드 오웬 의 지도 아래 만들어진 것. 오카모토씨에 의하면, 이 신체적 특징은 현재의 공룡의 정의의 하나이기도 한다고.

게다가, 1878년~80년에 벨기에의 탄갱에서 거의 완벽에 가까운 형태로 이구아노돈의 화석이 발견되면, 만텔에 의한 발견 이래 약 50년에 걸쳐 퍼져 있던 이구아노돈의 복원의 이미지가 대폭 수정된다 일. 상반신을 시작하고 있었던 것, 지금까지 코의 머리의 참치라고 예상되고 있던 뼈는, 실은 앞다리의 엄지의 스파이크였던 것 등이 판명된 것입니다.

그 후 100년간 가까이에 걸쳐, 이구아노돈이라고 하면 앞다리에 스파이크 모양의 날카로운 엄지손가락을 가지고, 2족 보행하는 생물이라고 하는 이미지로 파레오 아트에 그려지게 되었습니다. 계속되는 제2장, 그리고 제4장에서도, 그렇게 수정되면서 “진화”해 간 이구아노돈의 모습을 그린 작품을 확인할 수 있습니다.

그 외 제1장에서는, 외모도 거동도 불가피하게 인간 쑤시는 소름 끼치는 공룡들이, 습격당하고 있는 동료를 엉덩이 눈에 대단히 퇴산하는 모습이거나, 괴수 영화와 같이 주택지를 활보하는 모습이거나, 리얼한 복원화라기보다 이야기화처럼 공룡을 그린 작품도 있어 흥미롭습니다. 당시 사람들의 공룡에 대한 푹신한 인식과 상상력의 풍부함을 엿볼 수 있는 내용이었습니다.

제2장 「고전적 공룡상의 확립과 대중화」

19세기 말부터 20세기 중반의 파레오 아트 황금 시대의 작품을 소개하는 제2장 「고전적 공룡상의 확립과 대중화」 에서는, 이 분야를 말하는데 있어서 빠뜨릴 수 없는 2대 거장, 찰스·R·나이트 그리고 즈데니크 브리앙 에 크게 공간을 나누고 있습니다.

공룡의 발굴과 조사의 무대는 유럽에서 점차 북아메리카 대륙으로 옮겨, 1870년대부터 90년대에 걸쳐서, 두 명의 고생물학자가 공룡 화석의 발견을 둘러싸고 「화석 전쟁(Bone Wars)」이라고 불리는 장절한 쟁탈전을 펼쳤습니다. 그 결과, 스테고사우루스나 트리케라톱스 등 엄청난 종류의 공룡이 발견되어 중생대에 서식한 동물의 다양성이 밝혀집니다.

미지의 베일을 벗은 새로운 공룡들의 모습을 리얼하게 비주얼화해, 일반적으로 보급시킨 최대의 공로자가, 미국의 고생물 화가인 찰스·R·나이트 (1874-1953)입니다.

야생동물 화가이기도 한 나이트는 현생 동물의 그림을 1000점 가까이 남겨두고 있으며, 그러한 활동으로 길러진 관찰 눈이나 생물학적 지견이 파레오 아트 제작에도 도움이 된 것으로 보입니다.

나이트가 그리는 사실적인 풍경과 그 안에 배치되고 싶은 놀라운 공룡과 멸종된 생물들의 모습은 당시로서는 해부학적으로도 자연 환경의 묘사 면에서도 뛰어나며 곧 일반 대중으로부터도 전문가로부터도 주목을 끌게 되었다고. 그의 작품은 영화 ‘로스트 월드'(1925)와 ‘킹콩'(1933) 등의 영상 문화에까지 영향을 주었습니다.

나이트 작품의 전시에서는, 그의 최대의 걸작이라고 불리는 필드 자연사 박물관의 벽화를 위한 밑그림 스케치 중 1장 《백악기―몬타나》 (1928)을 놓칠 수 없습니다.

《백아기―몬타나》는 「티라노사우루스 vs 트리케라톱스」라는 공룡계의 스타의 라이벌 관계를 이미지로서 고정한 기념비적 작품이며, 공룡화 그 자체를 상징하는 작품으로서 널리 알려지게 되었다고 한다. 긴박감이 있는 구도는, 후속의 많은 아티스트들이 모방이나 번안에 임하고 있어, 영화나 만화 등 엔터테인먼트의 세계에서도 자주 등장하고 있으므로, 한 번은 본 적이 있는 분도 많을 것. 오리지널은 이것이었는지와 감개 깊게 느껴졌습니다.

 

한편, 나이트보다 조금 후의 세대에서 인기를 얻은 것이 체코슬로바키아(현 체코 공화국)의 화가 즈 데니크 브리앙 (1905-1981)입니다.

나이트 작품은 현실성이 부족한 전 시대의 팔레오 아트에서 일선을 그렸지만, 브리앙은 더욱 화가로서 뛰어난 솜씨를 가지고 있었다. 유럽 미술의 리얼리즘의 전통을 근거로 한 그의 작품은 실제로 실물을 보고 그렸다고 하면 믿어 버릴 정도로 높은 설득력이 있었습니다.

브리앙이 그리는 고생물들을 보고 있으면, 그들에게는 당연히 체온이 있어, 피가 다니는 생물인 것이 전해져 옵니다.

브리안 작품은 명저 『전세기의 생물』(1956)을 비롯한 서적에 의해 전세계에서 인기를 얻고, 여기 일본에서도 1960년대~70년대에 어린이용의 도감이나 아동서에 대량으로 전재·모사되어 , 일시대의 공룡 이미지의 확립에 결정적인 역할을 했다고 합니다. 그 때문에, 「이 그림, 어딘가에서 본 적이 있구나」라고 기시감을 기억하는 작품이, 이 시기에 공룡 도감에 열중한 세대에게는 특히 많이 발견될지도 모릅니다.

기존 화석에서는 공룡의 색을 모르기 때문에 화가들은 각각 추측으로 색을 바르고 있었지만, 그래도 필자 중에서는 스테고사우루스라고 하면 동체가 녹색 회색으로, 배판이 붉게 라고 ……라는 콘트라스트가 강하게 인상하고 있습니다. 《안트로덤스 발렌스와 스테고사우루스 스테놉스》 (1950)의 스테고사우루스는 아마 그 이미지의 원천 중 하나. 브리안의 영향력의 크기를 실감할 수 있었습니다.

본전에는 18점의 귀중한 브리안 작품이 집결. 가장 큰 볼거리가되었습니다.

또, 동장에서는 「나무 오르는 공룡」으로서 인기를 얻었지만, 원래 연구의 근원이 된 복원 자체가 잘못되었던 것이 나중에 발각한 슬픔 힙실로포돈의 존재하는 날의 웅장한 모습도 배울 수 있습니다.

제3장 “일본의 공룡 수용사”

구미에서 성립한 공룡의 이미지는 19세기 말에는 일본에도 들어왔습니다. 계속되는 제3장 「일본의 공룡 수용사」 는 지금까지와 방향성을 바꾸어, 메이지로부터 쇼와에 이르는 일본 문화사 속에 뿌리를 둔 공룡을 소개. 과학 잡지와 어린이용 만화, 코난 도일의 ‘잃어버린 세계'(1912) 등의 고전 SF 번역 등의 책은 물론 공룡을 본뜬 소후비 인형이나 석고 피규어 등의 완구류도 전시되어 있습니다 .

게다가 공룡의 리얼한 재현을 하는 것이 목적이 아닌 일반적인 미술, 소위 파인 아트의 영역에 있어서의 공룡의 심볼리즘에 대해서도 해설. (일부에 헤세이~영화의 작품도 포함한다)

일본에 초현실주의를 가져와 사회풍자나 문명 비판을 포함한 작품을 많이 만들어낸 후쿠자와 이치로의 《파충류는 벌어지는》 푸른 하늘에서 낙일의 강렬한 색채의 대비, 다카모리를 자랑한 거대한 존재가 어리석어져, 그들에게 있어서 대체하는 존재로서 작은 포유류가 모이는 모습은, 일본의 파벌 정치를 풍자하고 있다고 한다.

아무리 아름다운 소녀도 노인이나 죽음에서 벗어날 수 없다는 서양 회화의 전통적인 “죽음과 처녀”의 그림을 방불케하는 시노하라 아이 “요리카에서 묘지까지” (2010-2011)과 불필요한 플라스틱 장난감으로 만든 공룡상으로부터 플라스틱의 원료인 석유가 원래는 공룡 등의 생물의 화석임을 상기시켜 동시에 대량생산·대량소비의 문제를 생각하게 하는 후지 코지《Jurassic Plastic》 (2023) ) 등, 전시된 파인 아트는 모두 대작으로 보이는 것이 있었습니다.

제4장 「과학적 지견에 의한 이미지의 재구축」

제4장 「과학적 지견에 의한 이미지의 재구축」 에서는 다시 화제가 공룡의 이미지의 변천으로 돌아갑니다. 1960년대부터 70년대에 걸친 공룡 연구에서는 「공룡 르네상스」라고 불리는 변혁이 일어나, 종래 생각되고 있던 둔중한 변온 동물이 아니라 “활발하게 움직이는 항온 동물”이었다는 견해가 나타나는 등, 공룡상이 대폭 쇄신. 새로운 공룡의 모습을 표현한 작품이 잇달아 태어났습니다.

전시에서는, 판타지 아트의 영역에서도 컬트적인 인기를 자랑하는 일러스트레이터, 윌리엄 스타우트나 , 영화 「쥬라식 파크」의 입체 모델을 다룬 마이클 타식 , 미술 해부학을 베이스로 공룡을 정확하고 박력 있는 터치 로 그리는 현대 일본에서의 고생물 복원화의 제일인자, 오다 타카시 등, 1960년 이후에 등장한 실력파 파레오 아티스트들의 버라이어티 풍부한 작품이 경연하고 있습니다.

현대의 아티스트들은 공룡들을 민첩하게 움직이고 있습니다. 밝아짐을 올리면서 맹스피드로 티라노사우루스가 달리는 존 빈던《아라시의 최전선》 (1996)이나, 적인지 아군인지, 공룡들이 일제히 움직이는 순간을 잘라낸 것 같은 그레고리 폴 《시치파치와 사울로》 르니토이데스 >> (1989) 등은 제2장에서 본 공룡들과 비교해 약동감이 단차.

작품의 시점에도 개성이 강하게 나와 있는 인상입니다. 흡입되는 아름답고 서정적인 파스텔화로, 태고의 세계의 빛과 공기를 정교하게 표현하고 있는 더글러스 헨더슨 의 작품은 마치 상질의 사진집을 보고 있는 것 같다.

많은 화가들이 공룡 자체에 초점을 맞추고 있는 반면, 헨더슨은 당시의 생육 환경과 함께 공룡을 그리는 경향이 강하고, 《티라노사우루스》( 1992)나 《운석 충돌》(1989)에서는 공룡이 거의 실루엣의 상태. 초점을 맞추지 않고 풍경에 녹아들도록 그립니다.

일몰을 찍으려고 하면 우연히 새가 찍힌다든가, 숲을 걷고 있으면 나무들의 안쪽에 다람쥐가 있는 것을 발견했다든가, 그런 흔한 기억이 겹치는 숙련된 구도에 완전히 끌려갔습니다.

학술적 지견이 늘어나는 가운데 공룡의 모습이 선명해지는 모습이 예술로 즐길 수 있는 특별전 「공룡 도감-잃어버린 세계의 상상/창조」의 개최는 2023년 7월 22일(토)까지 . 태고의 세계에의 로망이 솟아나는 내용인 것은 물론, 이렇게 시대를 넘은 파레오 아트가 한자리에 만날 기회는 드물지 않으므로, 꼭 체크해 주세요,

특별전 “공룡 도감-잃어버린 세계의 상상/창조” 개요

회기	2023년 5월 31일(수)～7월 22일(토) ※회기중 무휴
회장	우에노의 숲 미술관
개관 시간	10:00 ～ 17:00(토, 일, 공휴일은 9:30 ～ 17:00) ※입장은 폐관 30분 전까지
관람료(부가세 포함)	일반 2,300엔, 대학·전문학교생 1,600엔, 고·중·초등학생 1,000엔 ※미취학아는 무료(고교생 이상의 동반 필요) ※장애인 수첩을 가지고 계신 분과 개조자 1명은 무료 ※단체 할인 있음. ※예약제는 아닙니다만, 혼잡시는 인원수 제한을 실시하는 경우가 있습니다. 기타 티켓에 대한 자세한 내용은 공식 페이지 에서 확인하십시오.
주최	산케이 신문사, 후지 텔레비전, 우에노의 숲 미술관
문의	헬로 다이얼 050-5541-8600(전일 /9:00 ～ 20:00)
공식 사이트	https://kyoryu-zukan.jp/

※※기사의 내용은 취재일(2023/5/30) 시점의 것입니다. 최신 정보는 공식 사이트 등에서 확인하십시오.

기사 제공: 코코실 우에노

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도쿄 예술 대학 대학 미술관

쇼와 56년도에 창설된 「다이토구 장상」을 원점으로 해, 오랜 세월에 걸쳐 교류·제휴를 깊게 해 온 다이토구와 도쿄 예술 대학. 다이토구 장상을 통해 세상에 비상한 예술가도 많아, 동상은 젊은 예술가의 육성에 큰 공헌을 완수해 왔다고 할 수 있을 것이다.

본전에서는 다이토구 장상 수상작품 중 학생들이 제작한 혼신의 작품 40점이 전시된다.

 

「다이토구 컬렉션전―문화・예술의 숲 우에노를 둥지게 한 예술가들―」에서 출전되고 있는 것은, 도쿄 예술대학의 우수한 학생을 현창해, 그 졸업 제작을 다이토구가 수집한 「타이토 구 「구장상」을 수상한 작품군. 즉, 모두 학생 시대의 작품입니다.

쇼와 56년도부터 시작된 다이토구 장상 제도는, 미술 학부 회화과의 일본화 및 유화·판화로부터 각 1명에게 수여되어, 그 작품이 다이토구가 기증된다고 하는 것(2018년부터 음악 분야도 합류). 이 수상자에게는 그 후 제일선에서 활약하게 되는 아티스트가 많이 포함되어 있어 바로 젊은 예술가에게 있어서의 등룡문으로서의 역할도 담당하고 있는 것을 알 수 있습니다.

쇼와 · 헤이세이 · 레이와의 표현의 「변천」을 따른다

본전의 테마가 되는 것은 「변천」과 「다양성」.
이 전람회에서는 쇼와·헤세이·영화와 3개의 시대에 걸쳐 40년 이상 계속되는 다이토구 장상의 작품 중에서 40점을 전시. 그 후 제일선에서 활약한 예술가나, 향후의 도약이 기대되는 최근의 수상자까지, 그들이 학생 시절의 집대성으로 한 제작한 혼신의 작품이 한자리에 만납니다.
한점 한점의 작품이 매력적인 것은 물론, 시대 시대에 있어서의 트랜드의 변화, 그리고 「일본화」 「유화」라고 하는 틀에 얽매이지 않는 발상의 다양성에도 주목입니다.

본전은 2부 구성으로 되어 있어, 전반에서는 전회전(2016년) 이후에 다이토구에 수집된 일본화, 유화·판화의 수상작을 소개. 원래 본래라면 6번째가 되는 「다이토구 컬렉션전」은 도쿄 2020 대회에 맞추어 개최될 예정이었습니다만, 신형 코로나 바이러스 감염증에 의해 연기되어, 7년만의 개최가 되었습니다.
전반부에서는 지난 7년간 만들어진 젊은 예술가들의 혼신의 작품이 일거에 전관되고 있습니다.

한편 후반부에서는 다이토구 장상의 역대 작품 중에서 엄선하여 작품을 전시. 제1회 수상자인 데즈카 유지씨(도쿄예술대학 명예교수)의 작품을 필두로, 지난 42년간 동상을 수상한 주옥의 작품이 늘어서 있습니다.

회장에서 느껴지는 것은 바로 앞으로 날개를 치려는 젊은 예술가들의 ‘태동’의 에너지. 소설에 있어서는 「처녀작에는 그 작가의 모두가 있다」 라고 자주 말해집니다만, 그들의 후속의 작품에 통저하는 테마나 작풍을 이러한 작품중에서 찾아낼 수 있을지도 모릅니다 .
이미 그들의 활약을 알고 있는 팬들에게도, 처음으로 그들의 작품에 접하는 사람들에게도, 선명한 발견과 감동을 주는 전람회라고 할 수 있을 것입니다.

전시 작품 소개

여기에서는 전시 작품의 일부를 소개합니다.

《미궁》데즈카 유지 쇼와 56년도

현실의 「회의」도 이런 것? 동물들이 토론하는 이상한 공간

모두 좋아하는 의견을 논의하는 회의. 의장인 여성 뒤에는 어디까지나 미궁이 퍼져 있습니다. 몸이 돌아다니는 사람들을 동물에게 비유하여 혼돈스럽고 불가사의한 세계를 표현한 작품입니다. (제작자로부터)

<데즈카 유지>
1953년 가나가와현 출생. 일본 미술원 동인·업무 집행 이사, 도쿄 예술 대학 명예 교수, 후쿠이 현립 미술관 ( Fukui Fine Arts Museum ) 특별 관장. 현대 일본 화단을 견인하는 일본 화가로서 현재도 정력적으로 활동을 계속하고 있다.

 

《노나베에 베개로 춤추어라》 기쿠치 마사후미 2004년도

자신이 연출한 무대를 「풍경화」로서 재구성한 작품

헤세이 4년, 미나미 아자부 산노바시. 약 2개월간 매주 토일 공개 주간 요미우리 연극 「명탐정은 정말로 있는 것인가」(총감독 고바야시 하루오) 반출로 꺼낸 벽면을 짜, 제4화, 자신 연출부를 재구성. 전화 본 사람이라도 이 그림을 보지 않은 사람은 많다. (제작자로부터)

<기쿠치 마사후미>
1968년 고베시 출신. 도쿄 예술 대학 미술 학부 회화과 유화 졸업. 회화 제작, 연극 제작, 음악 제작에 종사해 국내외에서 개인전, 그룹전을 다수 실시하고 있다. ‘노나베에 베개로 춤을 추다’는 1992년 공동 연출·제작 무대 연극 ‘젖은 날개는 하늘을 잡지 않는다’를 풍경화로 체험하는 것을 목적으로 제작됐다.

 

《키수 邂逅》 이데 야스토 헤세이 원년도

빛과 어둠이 교차하는 야쿠시마의 신비

대학원에 들어갔을 무렵, 야쿠시마에 혼자 여행을 갔습니다. 해안선에 가쥬마루, 숲 속은 원생림, 산 정상에서는 호설이 되는 섬입니다. 산장에 묵으면서 사생활을 하고, 숲 속을 돌아다니는 인상을 제작했습니다. 종횡무진으로 이끼가 자란 가지가 뻗어 어둠과 빛이 섞인 세계는 신비하고 장엄한 공간입니다. (제작자로부터)

<이데 야스히토>
1962년 후쿠오카현에서 태어난다. 도쿄 예술 대학 대학원 수료. 현재 일본 미술원 특대. 구라시키 예술 과학 대학 예술 학부 교수. 여성과 꽃이 자아내는 유화하고 환상적인 작풍이 특징적이다.

개최 개요

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도쿄도 미술관

선명한 색채에 의해 미술사에 큰 영향을 준 포비즘 운동의 중심적 인물로 알려진 20세기를 대표하는 프랑스의 거장 앙리 마티스 (1869-1954). 그 대규모 회고전 「마티스전」 이 도쿄도 미술관에서 개최중입니다. 회기는 2023년 8월 20일까지.

초기의 걸작《호녀, 조용함, 일락》이 일본 최초 공개가 되는 것에서도 화제의 동전을 취재했으므로, 회장의 모습을 리포트합니다.

약 150점의 명품으로 통람하는 마티스의 탐구의 여행

「색채의 마술사」의 이명을 가진 앙리 마티스. 눈에 비치는 현실에서 자유롭게 색채를 해방한 그의 회화 표현은 미술사에 혁신을 일으켜, 모던 아트의 역사에 잊기 어려운 발자취를 남겼습니다.

현재 개최중인 '마티스전' 은 일본에서는 약 20년 만인 대규모 회고전. 세계 최대 규모의 마티스 컬렉션을 자랑하는 파리의 퐁피두 센터에서 명품 약 150점이 집결되었습니다. 회화를 중심으로 조각, 드로잉, 절지 그림, 만년의 최대의 걸작인 남부 밴스의 묵주 예배당에 관한 자료까지, 각 시대의 대표적인 작품에 의해, 마티스의 조형적인 모험을 다각적으로 소개. 감각에 직접 호소하는 생생한 색채와 빛의 탐구에 바친 84년의 생애를 통람하는 내용으로 되어 있습니다.

전시는 전 8장 구성.
・제1장 포비즘을 향해 1895~1909년
・제2장 라디컬한 탐구의 시대 1914~1918년
・제3장 병행하는 탐구―조각과 회화 1913~1930년
・제4장 인물과 실내 1918~1929년
・제5장 퍼짐과 실험 1930~1937년
・제6장 니스에서 밴스까지 1938~1948년
・제7장 절지 그림과 최저년의 작품 1931~1954년
・제8장 반스·로자리오 예배당 1948~1951년

신인상파, 포비즘, 큐비즘… 실험을 반복한 마티스의 다채로운 회화 표현

연대순으로 늘어선 작품군을 보면 마티스가 짧은 기간에 차례차례로 화풍을 변화시키고 있었다는 것을 깨달을 것이다. 몇 가지 예를 들어 보겠습니다.

1869년 프랑스 북부의 부유한 가정에서 태어난 마티스는 20세가 지나면서 화가의 길을 뜻하며 1891년 파리에 상경했습니다. 화가로서의 정체성을 확립하려고 했던 최초기의 작품으로서는, 파리 국립미술학교에서 교편을 취하고 있던 상징주의의 화가 구스타브 모로에 사사하고 있던 시기에 제작한 《독서하는 여성》 (1895) 을 감상할 수 있습니다.

카미유 콜로의 인물화의 영향이 느껴지는, 「이것이 마티스?」라고 놀라 버릴 정도로 사실적이고 억제된 작풍에서는, 어쨌든 20세기 미술을 대표하는 거장이 되는 한비늘은 아직 엿볼 수 없습니다. 국가 매출이 되어 처음으로 상업적 성공을 거둔 작품이지만, 이러한 전통적인 화법은 곧 포기된 것 같습니다.

점차 《산 미셸 다리》 (c1900), 《핫 초콜릿 냄비가 있는 정물》 (1900-1902)과 같이, 수년 후의 포비즘의 도래를 예감시키는, 타오르는 생생한 배색의 작품을 제작한다 같아요.

그리고 1904년에는, 신인상파의 중심 인물 폴·시냑의 초청으로 한여름을 산트로페에서 보낸 후, 그로부터 배운 「필촉 분할」기법을 이용해 초기의 걸작 《호녀, 조용함, 일락》 (1904) )을 완성했습니다.

일본 최초 공개가 되는 동작은, 빛이 가득한 이상향이라고도 할 수 있는 광경을, 대상의 고유색이 아닌 순색을 사용한 필촉 분할로 그린 것. 대체로 신인상파의 작화의 지침에 충실히 따르고 있지만, 잘 보면 추상화한 인물은 윤곽선으로 둘러싸고 형태를 유지하고 있는 등, 지침에는 없는 실험의 흔적을 볼 수 있습니다. 마티스가 평생 과제로 한 “색채와 선묘의 충돌”이라는 본질적인 문제는 해결되지 않은 채로 있었지만, 이 작품은 마티스의 화업에 있어서 중요한 한 걸음이 되었습니다.

이듬해에는 빨리 이 필촉 분할을 버리고, 남부 불 코리울로 색채와 선묘의 충돌의 문제에 정면에서 임합니다. 거기서, 눈에 비치는 색채가 아니라, 감각을 중시한 자유롭고 대담한 색채 표현과 거친 필치에 의한 포비즘을 창출한 것이었습니다.

그러나 포비즘의 입역자로서 미술계에서 스캔들을 일으킨 마티스입니다만, 《호녀, 조용함, 일락》의 3년 후에 제작된 《호조Ⅰ》 (1907)을 보면, 색채는 조화롭고, 필촉도 평평한 것입니다. 「마티스는 포비즘의 화가」라고 하는 이미지를 강하게 가지고 있는 분도 있겠지만, 사실 마티스의 포비즘적 경향은 수년도 계속되지 않고, 동작은 1907년의 시점에서 이미 회화 공간의 탐구가 다음 의 무대로 진행되었음을 보여줍니다.

안정적으로 제작을 계속하고 있던 마티스의 생활을 크게 바꾼 것은 1914년에 일어난 제1차 세계대전. 자신의 두 아들과 친구들이 동원되어 고립된 마티스는 상황에 저항하는 것처럼 창작에 빠져 혁신적인 조형상의 실험을 진행해 갔습니다.

이 시기의 작품에서 눈길을 끄는 것은, 세계대전 발발 직후에 제작된 《코리울의 프랑스 창》 (1914)에서, 당시의 마티스의 심경을 반영한 것 같은 어두운 색조의 수수께끼 한 일작입니다 . 평생 아틀리에(실내)에서 실험을 반복한 마티스에게 있어서 「창」은 중요한 모티프로, 마티스 작품에 있어서 「창」은 안과 밖을 분리하는 것이 아니라, 내외의 공간이 같은 하나의 정리임을 분명 하는 것이었던 것 같습니다.

서양의 전통 속에서는 시각의 메타파로서도 사용된 창. 이 작품에서 창문에는 원래 발코니가 그려져 있었지만, 결국 모두 검은 색으로 채워져 있다는 점이 시사적입니다. 이 창은 닫혀 있는지, 열려 있습니까? 원래 제목으로 표시되지 않았다면 이것이 창이라고 인식 할 수 있었습니까? 미완 그대로 숙고 끝에 종지부가 찍혔다고 생각되는 동작은 "얼마나 요소를 없애면 이미지가 성립하지 않을 것인가"를 극한까지 몰아넣은 구도로 나타낸 마티스의 창작 중 하나 임계를 표시한 작품입니다.

《코리울의 프랑스창》을 제작하는 한편, 마티스는 초상화에도 임하고 있었습니다. 코리울 체류 중에, 큐비즘의 화가 주안 그리(후안 그리스)와 대화를 거듭한 후, 자신의 딸 마르그릿을 모델로 한 《흰색과 장미색의 머리》 (1914)를 제작. 마티스의 작품 중에서는 가장 큐비즘의 영향이 짙은 한점으로 되어 있습니다.

평평하고 단순화된 화면 구성, 기하학적 인체. 극한까지 세부 사항을 배제하고, 또한 모델의 본질을 해치지 않기 위해서는 어떻게 하면 좋을까, 《코리울의 프랑스 창》과 같은 라디칼한 실험의 결과가 나타나고 있습니다.

여기까지 소개한 작품만으로도, 실험과 숙고를 반복하면서 새로운 회화 표현을 도입해 간 마티스의 탐욕스러운 탐구의 자세가 전해질까 생각합니다. 그러나 전시 내용적으로는 아직 제2장의 중간 정도이며, 마티스의 경력의 절반도 지나치지 않습니다. 제8장까지 감상하면, 그 화풍의 다채로움에, 이것이 한 명의 화가를 거론한 회고전이라는 것을 잊어버릴 정도였습니다. 다만, 화풍이 어떻게 변화해도, 색채나 형태에 대한 의식의 높이, 눈에 보이는 것보다 정동을 중시하는 자세는 일관하고 있는 것처럼 느낍니다.

화풍의 폭넓은 관점에서 특히 재미있었던 것은, 제5장 「퍼짐과 실험 1930-1937」 에서 감상할 수 있는 《꿈》 (1935)과 《앉는 장미색의 벌거벗은 여성》 (1935-36)입니다.

남부 프랑스 니스에 거점을 옮긴 후, 1930년대에 들어가자 마티스는 미국과 오세아니아를 여행해 새로운 빛과 공간을 만져 작품이 더욱 개방적이고 넓어지게 되었습니다. 1920년대에 전통적인 회화관에 회귀하고 있던 표현 수단이, 다시 단순화해 가던 시기이기도 합니다. 그 무렵에 제작된 《꿈》과 《앉는 장미색의 벌거벗은 여자》는, 착수한 것이 같은 해이며, 몰릴 때까지 마티스가 좋아하는 모델이었던 비서의 리디아 디렉터스카야를 그린 벌거벗은 동상이다 일, 청계의 배경이라고 하는 많은 공통점이 있으면서, 작품으로부터 받는 인상은 크게 다릅니다.

눈을 감고 잠자는 여성의 상반신을 화면 전체에 배치한《꿈》은 기분 좋은 개방감으로 가득, 심리적이고 조형적인 만족을 표현하고 있는 한편, 철저한 기하학 형태를 선택한《앉는 장미 색상의 벌거벗은 여성은 지우기와 단순화와 같은 겹치는 조작의 흔적을 드러내고 우아한 포즈를 취하고 있던 여성을 망령한 도식적인 동상으로 변모시키고 있습니다. 배경 속에 인물의 형태를 삽입하는 방법에 대해서, 무수한 바리에이션을 수반하면서 추구한 이 시기의 숙고의 모습을 단적으로 나타내고 있는 2 작품이므로, 꼭 주목해 주세요.

색채와 선묘의 조화를 모색한 마티스의 도달점, 평생 마지막으로 다룬 유채화《적색의 큰 실내》에도 주목

만년의 걸작을 복수 전시하는 제6장 「니스로부터 밴스에 1938~1948년」 은, 특히 충분한 시간을 취해 감상해 주었으면 하는 에리어입니다.

세계를 뒤집는 큰 모험이 된 마티스의 수많은 실험은 모두 그의 색채로 가득한 아틀리에 안에서 행해졌다고 합니다. 그 때문에 아틀리에 자체도 마티스에게 있어서의 평생을 통한 중요한 모티프가 되었습니다. 1939년, 제2차 세계대전이 발발한 무렵, 나이 70 가까이 된 마티스는, 아틀리에에 꽃병, 패브릭, 가구 등의 손에서 수집한 물건들을 주의깊게 배열하면서, 그들을 몇번이나 그리는 것으로 사물의 「본질」을 자신의 몸에 넘겨 준다는 작업을 실시하게 됩니다.

마티스의 대명사라고도 할 수 있는 붉은색이 아름다운, 평면적이고 장식성이 강조된 대표작 《목련이 있는 정물》 (1941)은 이러한 작업, 수십점의 준비 그림을 제작한 후에 만을 갖고 완성시켜 한 작품. 모티브로부터 본질만을 꺼내는 것으로, 별형의 목련의 주위를 복수의 사물이 부유하도록 둘러싼다고 하는 표현에 이르고 있습니다. 마티스가 "아란카기리의 힘"을 다했다고 말한 화가 마음에 드는 작품입니다.

1943년 공폭의 위기에서 벗어나기 위해 마티스는 니스에서 근교의 밴스로 옮겨 살지만, 여기에서 다룬 것이 마지막 유채화 연작인 '반스 실내화' 시리즈. 동전에서는 시리즈 중, 제1작이 되는 《황색과 파랑의 실내》 (1946)과 제13작목으로 해 화가 마지막 캔버스 그림이 된 《빨강의 큰 실내》 (1948)이 전시되어 있다 합니다.

특히 《빨간색의 큰 실내》는 마티스의 색채에 관한 일이 응축된 걸작으로 자리매김되어 있고, 평면화된 공간에 붉은색, 아틀리에, 화중화 등 마티스 회화의 중요한 테마군이 능숙한 구도 에 합쳐져 있습니다. 벽에 걸린 두 장의 그림은 모두 기존 마티스 작품의 인용입니다. 왼쪽의 필기에 의한 흑백의 그림은 마치 창과 같이 공간에 퍼짐을 갖게 할 뿐만 아니라, 오른쪽의 색채 풍부한 유채화와 대등하게 내걸리고 있는 모습이, 색채와 선묘의 충돌이라는 과제에 계속 도전하고 있습니다 한 마티스의 영업을 다시 보는 사람에게 보여주는 것처럼 느껴졌습니다.

작품의 매력에 대해, 도쿄도 미술관 학예원의 가쓰마에 토시코씨는 “마티스에게 있어서, 세계는 조화로 가득 찬 것.조화로 가득한 세계로부터 받는 감각을 어떻게 회화 속에 표현하는가 그래서 다른 세계를 묶는 다양한 요소가 한 장의 회화 속에 조화를 이루고 존재하고 있다(작품을 목표로 했다). 그것이 실현되고 있다”고 말합니다.

생생한 빨간색 배경에 검은 윤곽선은 부드럽게 춤을 추는 것. 선과 색채가 조화될 뿐만 아니라 서로를 개방해 행복감이 어디까지나 계속된다. 79세라는 최저년까지 마티스가 걸음을 멈추지 않았다는 것을 상징하는 작품입니다.

색채와 빛이 넘치는 마티스의 최고 걸작 '반스 로사리오 예배당'의 아름다운 특별영상도 상영

여기까지 전시 중 회화 작품을 픽업해 소개해 왔습니다만, 제3장에서는 주요한 조각 작품, 제7장에서는 절지 그림 작품, 제8장에서는 반스의 묵주 예배당에 관한 일을 다루고 있었습니다 했다.

제3장 「병행하는 탐구―조각과 회화 1913~1930년」의 전시에서는, 20년에 걸쳐 탐구된 모티프인 〈등〉연작이 벽 일면에 줄지어 매우 박력이 있었습니다. 마티스는 평면 표현의 이미지가 강한 화가입니다만, 조각을 다룬 이유에 대해서는 「보충의 수작으로서, 자신의 생각을 정리하기 위해」라고 말하고 있습니다. 그러나, 그 중요도는 낮지 않고, 2차원과 3차원의 관계를 모색하는 데 도움이 되었고, 특히 점토소상은 회화에서는 아직 표현할 수 없는 착상에 형태를 주는 것으로 선호한 수단이었습니다.

초상화의 표현을 서서히 복잡화하면서, 신체의 구조를 부정확하게 묘사해도, 인물 가운데 숨겨진 본질적 진실은 숨기지 않고, 오히려 표에 나오는 것을 증명하려고 했다 <안 리엣＞연작 (1925-29)은, 눈에 보이는 것의 재현에 무게를 두지 않았던 마티스다움이 얽혀 있습니다.

4점의 등신대 여성상인 <등>연작(1909-30)은 Ⅰ부터 Ⅳ까지 언뜻 여성의 뒷모습을 서서히 단순화한 과정을 표현한 것으로 보이지만, 실은 처음부터 시리즈 로 구성된 것은 아니며, 항상 변화하는 단일 점토 조각으로 간주되었습니다. 동 시리즈의 제작 시기는, 「댄스」등의 모뉴멘탈인 회화의 제작 시기와 겹치고 있는 것이 지적되고 있습니다. 이것은 마티스가 회화와 조각을 연동시키면서 때때로 조형적인 과제를 해결하려고 시도했음을 보여줍니다. 조각은 마티스에게 그 조형 활동 전체에 리듬을 주는 것이었습니다.

제7장 「절지 그림과 최저년의 작품 1931~1954년」의 전시에서는, 1940년대 이후, 병에 의해 침대나 휠체어에서의 생활이 중심이 된 마티스가 집중해 임하게 되었다, 「 가위로 그린다”절지 그림 작품을 중심으로 소개하고 있습니다.

1943년부터 46년에 걸쳐, 마티스는 절지 그림 20점을 제작해, 이것을 바탕으로 혁신적인 화문집 「재즈」 를 출판했습니다. 제목은 종이 그림의 즉흥성을 강조한 것. 유명한 종이 그림 작품《이카로스》도 동서의 수록 작품입니다. 과즙으로 선명하게 채색된 종이 그림은 회장의 검은 벽 위에서 춤을 추는 경쾌한 느낌을줍니다.

간단하게 화면 구성을 시행착오할 수 있어 윤곽선에 고민하지 않고 색채에 포커스 할 수 있다는 메리트가 있는 절지 그림도 마티스의 일련의 회화 작품과 불가분의 표현이었습니다. 잘라내는 하나의 동작 가운데, 그림, 페인팅, 조각을 집약해, 색채와 선묘라고 하는 2개의 조형 요소를 통일하는 방법으로 한 것입니다.

그리고 클라이맥스의 제8장 「반스 로사리오 예배당 1948-1951」 에서는, 최저년에 해당하는 1948년부터 1951년에 걸쳐, 마티스가 자신의 집대성으로서 다룬 반스의 묵주 예배당 에 있어서의 일에 관한 풍부한 자료를 전시.

예배당을 하나의 종합 예술 작품으로 구상하고 있던 마티스는 디자인, 조각, 종이 그림 등 지금까지 탐구해 온 모든 기법을 구사하여 건물의 설계, 벽화, 장식, 제복, 전례 용품의 디자인 에 이르기까지 모두 다루었습니다. 「최저년」이라는 말의 이미지로부터는 상상도 할 수 없는 바이탈리티에 놀라게 됩니다.

이 장에서는 동전을 위해 찍은 반스 로사리오 예배당의 특별 영상이 상영되었습니다. 어느 맑은 날의 아침부터 밤까지 표정을 바꾸는 예배당 내의 빛의 변화를 미려한 4K영상으로 소개하는 것으로, 스테인드 글라스에서 흘러나오는 빛이 비추는 모습의 아름다움에는 말을 잃습니다. 이 예배당은 "찾는 사람들의 마음이 가벼워진다" 같은 공간이 아니어서는 안 된다는 마티스의 신념을 훌륭하게 구현한 색채와 선, 그리고 빛이 한자리에 만나는 공간을 꼭 감상 끝에 만끽 하고 싶습니다.

「마티스전」의 개최는 2023년 8월 20일(일)까지.

「마티스전」개최 개요

회기	2023년 4월 27일(목)~ 8월 20일(일)
회장	도쿄도 미술관 기획 전시실
개실 시간	9:30~17:30, 금요일은 20:00까지 ※입실은 폐실 30분 전까지
휴무일	월요일, 7월 18일(화) ※단 7월 17일(월·축), 8월 14일(월)은 개실
관람료	일반 2,200엔, 대학생・전문학교생 1,300엔, 65세 이상 1,500엔 ※본전은 일시 지정 예약제 입니다. ※관람료, 티켓의 자세한 것은 공식 페이지 에서 확인해 주세요.
주최	공익재단법인 도쿄도 역사문화재단 도쿄도 미술관, 퐁피두 센터, 아사히 신문사, NHK, NHK 프로모션
문의	050-5541-8600(헬로 다이얼)
전시회 공식 사이트	https://matisse2023.exhibit.jp/

※기사의 내용은 취재일(2023/4/26) 시점의 것입니다. 최신 정보는 공식 사이트 등에서 확인하십시오.

기사 제공: 코코실 우에노

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국립 서양 미술관

19세기 후반부터 20세기에 걸쳐 각국의 화가들이 방문 제작에 임한 프랑스 북서부의 브리트니 지방. 옛날보다 특이한 역사문화를 자랑해 온 이 땅을 소재로 한 작품 을 모은 전람회 「동경의 땅 브르타뉴 ─ 모네, 고건, 쿠로다 키요루 등이 본 이향」이 도쿄 우에노의 국립 서양 미술관에서 개최 내부입니다.
회기는 2023년 3월 18일(토)~6월 11일(일)까지.

보도 내람회에 참가해 왔으므로, 회장의 모습을 리포트합니다.

※기사의 내용은 취재일(2023/3/17) 시점의 것입니다. 최신 정보는 공식 사이트 등에서 확인하십시오.

전세계의 예술가가 동경한 프랑스의 내면인 이향 「브르타뉴」란?

변화가 풍부한 웅대한 자연, 고대의 거석유구와 중근세의 기독교 기념물, 켈트계 언어인 ‘브루톤어’를 말하는 사람들의 소박하고 신심스러운 생활양식. 프랑스 북서부, 대서양으로 돌출한 반도를 핵으로 하는 브리트니 지방은 16세기까지 브리트니 왕국으로서 독립하고 있었다.

프랑스에 병합된 후에도 독자적인 경관과 문화를 유지한 프랑스의 내면인 「이향」. 19세기에 로망주의 시대를 맞이하면 새로운 화제를 요구하는 많은 예술가들이 브리트니를 목표로 했습니다.

본전 「동경의 땅 브리트니 ─ 모네, 고건, 쿠로다 키요테 등이 본 이향」에서는, 화가들을 매료시킨 19세기 후반부터 20세기 초에 주목해, 브르타뉴를 모티브로 한 회화나 소묘, 판화, 포스터 등 약 160점을 전시. 각각의 화가들이 이 이향에 무엇을 요구하고 찾아낸 것인지를 찾고 있습니다. 전시 작품은 국내 30곳을 넘는 소장처와 해외 2관에서 모인 것.

제1장 “발견된 브리트니: 이향으로의 여행”

전시는 총 4장 구성입니다.

제1장 「발견된 브리트니: 이향으로의 여행」에서는, 19세기 초에 로망주의의 화가들이 브리트니를 “발견”한 이후, 화가들이 브리트니에 대해 어떤 이미지를 퍼뜨려갔다 의지, 영국의 풍경 화가 윌리엄 터너의 수채화를 비롯한 「픽처레스크 투어(그림이 되는 풍경을 지방으로 찾는 여행)」의 유행을 배경으로 태어난 작품으로부터 소개하고 있습니다.

코와후(머리장식)를 쓰고 민족 의상을 입은 여성상으로 대표되는, 브르타뉴의 이국적인 이미지의 이상화·정형화가 대중을 위한 포스터 등으로 가득한 한편, 우제느·부단이나 클로드·모네 등 여행하는 인상파 세대의 화가들의 작품으로부터는, 브리타뉴가 있는 그대로의 자연스럽게 진지한 태도로 마주하고 있던 것을 알 수 있습니다.

주목은 모네의 《폴·도모바의 동굴》 (1886)과 《아라시의 베릴》 (1886).

1886년 가을, 브리트니 반도 남쪽 해안의 해안에 떠오르는, 야취 넘치는 풍경으로 알려진 베릴섬에서 2개월 반을 보낸 모네는, 다른 시간이나 날씨 하에서의 해안의 전망을 40장 가까운 캔버스로 파악하고 있어, 이것은 그 중 두 작품입니다.

그려져 있는 것은 온화한 바다와 폭풍의 바다라는 대칭적인 풍경. 《폴·도모바의 동굴》은 터치가 온화하고 비교적 리드미컬하게 되어 있습니다만, 《아라시의 베릴》은 마치 폭풍 속, 스스로의 신체 감각이 옮겨진 것처럼, 거칠게 붓이 실려 있어 있는 등, 모네의 체험이 그림에 새겨져 있는 것 같다.

모네는 1890년대부터 시시각각 변화하는 빛과 대기의 순간을 캔버스로 포착하려고 연작을 발표하기 시작했지만, 베릴섬에서 천변 만화하는 날씨의 절벽을 상대로 한 경험이 회화 연작의 사색 를 깊게 하는 계기가 된 것이 아닐까, 라고 생각되고 있다는 것.

제2장 “풍토에 빠지는 감성: 고건, 폰-타벤파와 토지의 정신”

제2장 「풍토에 빠지는 감성: 고건, 폰타벤파와 토지의 정신」에서는, 폴 고건을 비롯한, 브리트니 지방 남서부의 고무라 폰타벤에 체류한 화가들의 작품을 전시.

고건은 1886년부터 1894년까지 브리타니 체류를 반복하여 파리에서의 생활고에서 벗어나도록 토지의 풍토와 풍습, 사람들의 두꺼운 기독교 신앙과 순박한 정신과의 교감 중에 자신이 예술에 요구하는 「야성적인 것, 원시적인 것」의 사색을 깊게 해 갔다고 한다.

고건의 전시 작품은 12점(회화 10점, 판화 2점) 있어 본전의 볼거리 중 하나가 되고 있습니다. 연대순으로 늘어서 있고, 카미유·피살로풍의 인상파 양식을 두는 《보아·다물르의 수차 오두막의 수욕》 (1886)으로부터, 단순화한 폼과 색채를 이용해 현실 세계와 내면적인 이미지를 화면 위에서 통합시키는 종합주의 양식이 성숙한 모습이 보이는 《해변에 서 있는 브리트니의 소녀들》 (1889) 등, 작풍의 변천을 따라갔습니다.

《해변에 서 있는 브르타뉴의 소녀들》은 손을 잡고 화가를 파악하는 것처럼 시선을 던지는 두 명의 소녀를 그린 작품. 고건 자신이 이 땅에서 찾아내려고 했던 ‘야성적인 것, 원시적인 것’이 매우 힘들고 큰 다리나 질소한 옷차림 등 노동과 가난함에 인종하는 농민 아이들의 모습에 가탁하는 형태로 상징적으로 표현됩니다.

제3장 “토지에 뿌리 내리기: 브리트니를 계속 응시한 화가들”

제3장 「토지에 뿌리 내리기: 브리트니를 계속 바라본 화가들」에서는, 19세기 말부터 20세기 초에 걸쳐 관광지화·보양지화가 진행된 브리트니로, 드디어 별장을 세울 때까지 이르고, 제2장 의 고향으로 한 화가에 주목.

우키요에 판화에 영감을 얻어 세기 말의 재포니즘을 견인한 앙리 리비에르는 독학으로 다색 인쇄 목 판화의 제작에 임했습니다. 브리트니의 목가적인 정경에 리비에르가 친밀한 또 다른 ‘이향’인 일본의 이미지를 투영했을까요? 그는 브리트니를 일본어로 번역해 마치 일본인 것처럼 그려내는 것이 재미있는 점.

1890년부터 1894년에 걸쳐 다룬 목판 40장으로 이루어진 집대성적인 연작 「브르타뉴의 풍경」 은, 섬세한 색의 조조가 눈을 끌 수 있을 뿐만 아니라, 호쿠사이를 상기시키는 구도가 일본인의 필자에게 있어서는 어딘가 친숙함을 기억하는 것이었습니다.

내비파를 결성한 모리스 도니는 종교 예술의 진흥에 힘을 쏟고 있던 화가이며 경건한 기독교인이었기 때문에 두꺼운 신앙에 뿌리를 내리는 브리타니의 정신 풍토에 공명하고 있었다고 합니다. 전시에서도 《젊은 어머니》 (1919)를 비롯해, 브리트니에서 보내는 가족의 표상을 기독교의 도상 전통에 준거하고 있는 작품이 눈을 끌었습니다.

또, 브리타니의 해안에 고대 그리스의 바다를 투영한 《수욕》 (1920) 등, 현실과 허구가 겹치는 지상의 낙원의 이미지로부터는, 1895년 이후, 여행 중복되는 이탈리아 여행을 거쳐 경도한 고전주의의 영향 느껴집니다.

드니의 밝고 행복감이 넘치는 풍경으로부터 일전, 다음의 전시에서는, 레어리즘의 계보 속에서 브리타뉴의 자연과 풍속을 그린 일파 「밴드 노아르(흑의 일단)」에 의한, 흑을 다용하는 중대한 색조의 작품이 계속됩니다.

그 중에서도 샤를 코테에 의한 가로폭 약 3.5m의 대작 《비탄, 바다의 희생자》 (1908-09)는 압권이었습니다. 바다의 비극과 자연의 어려움에 인종하는 사람들을 주제로 하는 작품을 많이 다룬 코테의 대표작. 해난사고가 끊이지 않는 브리트니의 산섬의 파지장에서, 익사한 어부를 섬민이 떠돌리는 모습을 전통적인 그리스도 애도도에 거듭하고 있습니다.

코테의 작품에서는 그 밖에도, 죽은 자에게 기도를 바치는 정경을 그린 《성요한의 제화》 (c.1900)가 인상적이었습니다. 바로크 회화를 방불케 하는 명암 표현이 아름답고, 모닥불에 비추어 떠오르는 사람들의 표정이 엄격하면서 조금 조용한 분위기가 있습니다.

제4장 “일본발, 파리 경유, 브리트니행: 일본 출신 화가들의 눈빛”

마지막 섹션인 제4장 「일본발, 파리 경유, 브리트니행：일본 출신 화가들의 눈빛」에서는, 19세기 말부터 20세기의 시작(메이지 후기부터 다이쇼기에 걸쳐), 예술 선진 도시 파리에 유학해 , 브리트니라고 하는 “이방 속의 이향”에도 발길을 옮겨 화제로 한 일본인 화가들에게 초점을 맞추고 있습니다.

일본 근대양 화계의 중진 구로다 키요테루는 브리타니를 방문한 최초의 일본인 화가로, 도쿄 미술학교 교수가 되기 이전, 1891년에 구메 가쓰라 이치로와 함께 블레어 섬에 건너고 있습니다. 쿠로다의 《브레하의 소녀》 (1891)는 브리트니의 소녀상으로서는 드물게 머리카락을 내린 모습으로 그려져 있습니다. 렘브란트풍의 실내의 명암 대비나 선명한 색채 대비가 눈을 끄는, 쿠로다다운 온화한 화풍과는 일선을 그리는 거친함이 매력적인 일작이었습니다.

창작 판화의 보급에 공헌한 야마모토 코도 브리타니에 발길을 옮긴 한 사람. 일본인 화가가 브리타니에 취재한 이미지로 잘 알려진 《부르톤느》 (1920)은 체재시의 스케치를 바탕으로 귀국 후 완성시킨 목판화입니다. 스케치에 있던 배경을 단순한 수평선을 강조한 화면 구성과 차분한 파란색과 검정으로 정리된 색조가 아이코닉에 그려진 브리트니 여성의 조용한 분위기를 자아내고 있습니다.

회장에는 가이드북이나 트렁크 등의 관련 자료도 전시되어 있어, 이들 자료나 작품을 통해 브리트니를 여행하는 것 같은 기분이 된 것도 즐거운 포인트였습니다.

서양 동양 불문하고 다양한 화가들이 브리트니라는 하나의 큰 주제로 제작에 임하고 있습니다만, 이향에 무엇을 보았는지, 어떠한 어프로치를 실시했는지는 전혀 달랐습니다. 브리트니의 풍경의 아름다움을 바라보며 낙원을 환시한 화가, 가난함과 해난사고 등 어려운 현실을 작품으로 승화한 화가. 각각의 개성에 다시 빛을 비추는 의욕적인 전람회였습니다.

개최는 2023년 6월 11일(일)까지.

「동경의 땅

 

기사 제공: 코코실 우에노

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도쿄 예술 대학 대학 미술관

도쿄 예술 대학이 졸업·수료 제작 중에서 구입한 우수 작품을 엄선하여 소개하는 “매상전-예대대 컬렉션전 2023-” 가, 도쿄 예술 대학 대학 미술관에서 2023년 3월 31일부터 개최중입니다 . (회기는 5월 7일까지)

※소개하는 작품은 모두 도쿄 예술 대학 소장입니다.

도쿄예술대학(이하, 예대)은 전신인 도쿄미술학교가 1889년(메이지 22년)에 개교한 이후 현재까지 다양한 미술 작품과 자료를 수집해 왔습니다. 그 방대한 컬렉션을 널리 공개하는 기회로서 대학 미술관에서는 매년 테마를 마련하여 「예대 컬렉션 전시회」를 개최하고 있습니다.

2023년의 「예대대 컬렉션전」은, 전후 1953년(쇼와 28년)부터 시작된, 예대가 졸업·수료 제작 중에서 각과마다 특히 우수한 작품을 선정해, 대학이 매입한다” 매상제도”에 빛을 비추고 있습니다.

도쿄 미술학교 시절에도 졸업 제작을 매입해 수장하고, 교육 자료로 하는 전통은 존재하고 있었다고 하고, 현재, 예대가 소장하는 「학생제 작품」은 1만건을 넘는다든가.

본전 「매상전」은 , 그 중에서 약 100건이라는 과거류를 보지 않는 건수를 창출해, 과대의 역사와 함께 일본의 근현대 미술사가 태어난 장을 되돌아 보는 것. 메이지의 대 스타의 일본화로부터, 영화의 기예 아티스트에 의한 믹스트 미디어의 인스톨레이션까지가 이어지는 이색의 전람회입니다.

전시는 2부 구성.

제1부 「거장들의 학생 제작」 에서는, 메이지부터 쇼와 전기까지의 도쿄 미술학교 졸업 제작에 주목. 졸업 후에 미술계의 각 분야에서 주도적인 역할을 완수한 작가들을 고르고 그들의 데뷔작이라고도 할 수 있는 졸업제작품이나, 관습적으로 졸업제작과 동시에 임하고 있던 「자화상」을 전시 있습니다.

회장에 들어가자마자 도쿄 미술학교 제1기생 인 요코야마 다이칸의 《무라도 관 원숭이》 (1893)와 시모무라 칸잔의 《구마노 고젠 하나미》 (1894), 제3기생인 근대 도예의 개척자 이타야 나미야마의 《모토로쿠 미인상》 (1984) 등, 그렇게 보이는 얼굴 흔들림이 마중.

이타야 하야마는 도예가로서 대성했지만, 본격적으로 도예에 임하게 된 것은 20대 중반경. 재학중은 근대 조각에 있어서의 사실주의를 내건 타카무라 미츠모리로부터 조각의 기술을 배워, 《원록 미인상》에서는 그 기량이 갑자기 발휘되고 있습니다. 작은 소매의 화당초문이 부조로 표현되고 있어, 이것은 나중의 하야마의 도예 작품에도 통하는 곳이 있는 등, 이미 대가의 한비늘을 볼 수 있습니다. 어떤 의미에서 도예가 하야마의 원점 중 하나라고 할 수 있습니다.

필자가 주목한 것은, 수많은 걸작을 낳으면서도 36세라는 젊음으로 평생을 닫은 천재 화가· 히다 춘초의《과부와 고아》 (1895). 남편을 싸우고 죽은 여성의 표정은 비장감으로 가득 차서 앞으로 기다리는 운명을 예감시킵니다.

도쿄 미술학교 개설 당시에는 새로운 일본화를 모색하는 데 있어서의 과제로서 역사상의 사건이나 그것을 그린 이야기를 주제로 한 역사화가 자리매김했다고 한다. 본작도 군기물 ‘태평기’를 바탕으로 그려졌다고 합니다만, 용장한 전화권이 아니라 굳이 전에 휘말린 자의 비극을 소재로 선택한 것은 닛신 전쟁 중 당시의 제작 배경이 무관하지 않을 것입니다.

실은, 본작은 어느 교수에게 「괴물 그림」이라고 혹평되었지만, 교장이었던 오카쿠라 텐신의 굉장히 주석이 되어, 매상되었다고 하는 뻔뻔한 작품. 그 작품을 지금 그리는 것에, 어떤 의미가 있는지, 어떤 의미를 갖게 할 것인가를 중시한, 도쿄 미술학교의 교육 방침이나 이념이 엿볼 수 있는 에피소드입니다.

1896년 개설의 서양화과에서 교수를 맡은 구로다 키요테루의 지도로 태어난 「졸업시에 자화상을 학교에 담는다」라는 관습은, 오늘날의 대대까지 간헐적으로 계속되는 전통이 되고 있습니다. 의외로 졸업 제작이 매상이 되지 않았던 만철 고로, 아오키 시게루, 후지타 츠키지 등, 졸업 후에 재능을 개화한 거장들의 학습 성과에 대해서도 자화상으로 확인할 수 있었습니다.

과거를 발굴할 수 있는, 이 세계적으로 봐도 거의 유례없는 전통이, 지금 일본의 근현대 미술사를 통람하는데 있어서 매우 도움이 되는 일대 컬렉션을 형성하고 있다고 생각하면, 다시 한번 쿠로다 청휘의 공적의 크기를 느낄 수밖에 없습니다.

그런데, 올해로 창설 70년을 맞이하는 예대의 매상 제도입니다만, 현재는 많은 과에서 수석 졸업이라고 위치 붙어 있다고 합니다.

제2부 「각과가 선택하는 매상 작품」 에서는, 매상 제도가 있는 전 12과(일본화, 유화, 조각, 공예, 디자인, 건축, 첨단 예술 표현, 미술 교육, 문화재 보존학, 글로벌 아트 프랙티스, 작곡, 미디어 영상)에서 각각 몇 건씩, 전 52건의 매상 작품에 대해서 선정 의도 등을 더해 소개. 각과가 특히 우수하다고 인정해 온 작품의 경향을 띄우고 있습니다.

각과마다의 전시를 보고 있으면, 「일본화 전공」은 그 시대의 공기감이나 특징을 특히 나타내는 작품을 픽업하고 있습니다만, 「조각과」는 매상 작품으로 선택된 여성 작가를 시대 하지만 낡은 순서로 5명 선택한다고 하는 과감한 선정 방법을 취하고 있었습니다. 작품의 선정이나 해설은 각과의 교수가 독자적인 관점에서 실시하고 있기 때문에, 개성이 나오고 있어 재미있습니다.

2016년에 신설된 藝대에서 가장 새로운 전공인 ‘글로벌 아트 프랙티스 전공'(GAP)의 전시는 특히 흥미로웠습니다. 문화의 기존 테두리를 넘어서는 영역 횡단적인 현대아트의 실천을 탐구하고 있는 GAP에는 다른 언어, 문화, 성별을 배경으로 하는 학생들이 전세계에서 모여, 그 중에는 예대대하면서 아트 분야 이외의 입학자도 있다든가.

GAP의 매상작품으로부터는 최근의 연대에 있어서의 연구 영역이나 표현 방법의 다양화를 느낄 수 있었습니다. 예를 들어, 시크스테 파크 카킨다에 의한《Intimate Moments/Monologue》 (2019) 드로잉과 영상에 의한 설치 작품을 들 수 있습니다.

작가의 뿌리인 콩고민주공화국의 광산에서 채굴된 우라늄이 미국으로 건너 히로시마·나가사키에 투하된 원자폭탄에 사용되었다는 역사적 사실을 마주하고 히로시마의 피폭자에게 정중한 리서치를 실시 . 광산 자원의 채굴을 둘러싼 사회·경제적 이유와, 그 사용에 의한 인류·자연에의 영향에 대한 고찰을 촉구하는 내용의 작품으로서 완성하고 있습니다.

작가는 코멘트에서, 자신을 일본과 콩고를 연결하는 가교와 같이 의식하고 있었지만, 히로시마에서 실시한 드로잉 퍼포먼스는 일본인들에게 눈치채지 못하고, 「나는 보이지 않는 다리였다」라고 실망을 엿보게 했습니다 했다. 일본인의 인종적 폐쇄성에 대한 주의가 있다는 점에서도, 이 작품이 GAP의 교육의 성과로서 존재해, 또 매입된 의미는 크다고 합니다.

제2부의 출전 작품 중, 필자가 가장 인상에 남은 것은 「공예과」의 마루야마 토모토미《천일밤》 (1992)이었습니다.

조금·단금·주금·칠예·도예·염직·소재 조형(목재·유리)의 7 분야로 이루어지는 「공예과」에서는, 소재를 통해 고도의 전통 기술의 습득해, 한층 더 발전을 할 수 있는 능력을 몸에 붙이는 것이 목표입니다.

《천일밤》은 산이나 숲을 뿜어내는 바람을 풍신으로 파악해, 인체를 모티브로 표현한 뛰어난 단금 기법에 의한 작품. 마치 물 속을 헤엄치고 있는 것처럼 보이는, 탄력 있는 신축적인 신체의 역동감이나, 이야기성을 숨긴 존재감에 매료되었습니다. 조사해 보면, 작가의 마루야마 토모토미는 현재, 예대의 공예과에서 단금의 교수를 맡고 있다고 하고, 최근에도 본작과 유사점이 많은, 복서나 레슬러를 이미지 한 멋지고 아름다운 인물상을 제작하고 있습니다.

해설에 의하면 본작은 「단금 기법과 용접의 융합에 의해 단금 작품으로서 표현의 가능성을 넓혔다」점이 평가의 큰 이유가 된 것 같습니다. 아티스트로서도 교육자로서도 단금 작품의 표현 가능성을 계속 넓혀가고 있는 씨의 제작 자세가 학생 시절부터 일관되고 있었던 것이 전해지는 1작이었습니다.

또, 「첨단 예술 표현과」의 오카 토모미《오카야마시 야나기마치 1-8-19》 (2017)의 체험형 설치도 마음에 남는 것이었습니다.

1999년에 신설된 「첨단 예술 표현과」에서는, 특정의 미디어의 틀을 넘어 다양한 수법을 이용해 조형 표현을 추구. 변화하는 정보와 환경에 대응하는 활동을 목표로 함과 동시에 사회에서의 예술 가능성을 탐구하고 있습니다.

그런 「첨단 예술 표현과」에서 수석 졸업이 인정된 오카 토모미는, 영상과 공간 설계에 의해, 개인의 추억이나 폐해지고 있는 풍습 등을 테마로 설치 작품을 제작하고 있는 기예 작가. 《오카야마시 야나기마치 1-8-19》는, 오카야마에 실재하는 지금은 죽은 할머니의 집이나 거기에 관련된 기억을 테마로 한 방형 설치입니다.

실재의 가구나 소품 등의 오브젝트를 흩어진 어두운 방에서, 영상의 프로젝션, 반영, 조명, 몇 장의 아크릴판을 조합하는 것으로, 허상과 실상 사이에 레이어를 거듭해, 작가의 할머니에 대한 기억의 이미지 을 시작하고 있습니다. 거기에는 과거와 현재, 어느 쪽도 붙지 않는 시간축의 공간이 존재하고 있었습니다. 영상은 약 7분입니다만, 마치 1개의 영화를 본 것 같은 만족감. 섬뜩하게 깜박이는 조명이나 요염하게 떠오르는 할머니의 사진 등, 약간 연출에 일본식 공포의 정취가 있어, 가만히 보고 있으면 마치 의식이 이계에 받아들여져 가는 것 같은 몰입 체험을 할 수 있었습니다.

본전에 발길을 옮겼을 때는 꼭 한번 보시고 싶은 작품입니다.

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회장에는 다양한 시대·다양한 표현 방법의 훌륭한 작품이 늘어서 있습니다만, 모두 제작된 당시는, 작자의 대부분이 20대였다는 사실은, 잘 생각하면 꽤 대단한 것처럼 느껴집니다.
나중에 거장이라고 불린 사람도 있지만, 졸업하고 창작에서 벗어난 사람도 있을지도 모릅니다. 그래도 모든 작품이 이 시점에서는 누구도 아니었던 학생들이 미대의 최고봉인 藝대에서 배운 모든 것을 쏟은 집대성, 열정의 덩어리임은 분명합니다.

다음에 겉(표)에 나오는 것이 몇년 후가 될지 모르는 작품도 많을 것. 꼭 이 귀중한 기회에, 예대에 의한 교육의 행보를 본전에서 되돌아 보면서, 연월을 거쳐도 빛을 잃지 않는 작품의 파워를 느껴 보는 것은 어떨까요.

 

「매상전 -예대 컬렉션전 2023-」개최 개요

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기타 보고서 보기

도쿄 국립 박물관

교토를 대표하는 선사의 하나인 도후쿠지.

신록과 단풍의 명소로 알려져 전화에 휩쓸리면서도 고문서나 서적, 전적, 초상화 등 수많은 보물을 지켜 온 명찰이다.

도후쿠지의 보물을 정리해 소개하는 첫 기회가 되는 본전에서는 그림불사·명조에 의한 '5백라한도' 등 선종문화의 우품이 모인다.

본 기사에서는 개최 전날에 행해진 보도 내람회의 모습을 리포트한다.

신록과 단풍의 명소로도 알려진 교토를 대표하는 선사 중 하나인 '도후쿠지'. 도후쿠지의 이름은 나라의 도다이지와 코후쿠지에 비유해, 그 한자씩을 취한 것에 유래합니다.

개산이 된 것은 중국에서 선을 배운 엔지(엔니). 도후쿠지는 몇 번이나 소실의 위기를 겪으면서도, 중세의 모습을 짙게 두는 건조물의 여러 가지를 현대에 전해, 그 거대한 가람은 「토후쿠지의 가람면(가란즈라)」의 통칭으로 알려져 있습니다 .

특별전 「토후쿠지」는 초창 이래의 토후쿠지의 역사를 추적하면서, 대륙과의 교류를 통한 선종 문화의 전용을 소개. 그 의의와 매력을 폭넓게 전하는 전람회입니다.

선의 신수가 머무는 도후쿠지의 절의 보물.

본전의 전시 회장은 제1 회장·제2 회장으로 나누어져 있어,

• 제1장 도후쿠지의 창건과 엔지
• 제2장 성일파의 형성과 전개
• 제3장 전설의 그림불사·명조
• 제4장 선종문화와 해외교류
• 제5장 거대 가람과 불교 조각

의 전체 5장 구성으로 되어 있습니다.

도후쿠지는 남북조 시대에는 교토 고산의 넷째에 열고, 혼잔 도후쿠지와 그 탑두에는 중국 전래의 문물을 비롯해, 건축물이나 조각·회화·서적 등 선종 문화를 이야기하는 많은 특색 있다 문화재가 전해지고 있습니다. 국가 지정을 받고 있는 문화재의 수는, 혼잔 도후쿠지·탑두 맞추어 국보 7건, 중요 문화재 98건, 합계 105건.
특히 1장·2장에서는 「남송 초상화의 극치」라고 불리는 《무준사범상》 (국보) 등, 엔지와 그 후계자·세이이치파(쇼이치하) 연고의 선종 미술의 우품이 늘어서 합니다.

개인적으로 인상에 남은 것은 엔지의 손자로, 토후쿠지 제15대 주직·호랑이 연(1278~1346)의 책으로 전해지는 《호랑이 대일자》 . "호랑이"의 문자를 드러낸 책인가, 우연히 앉아있는 호랑이의 그림인가. 마치 이것을 보고 있는 인간에게 「너는 무엇이라고 생각한다?」 라고 질문하고 있는 것 같습니다.

전설의 그림불사·명조의 화력

본전의 하얀 눈썹이 되는 것이, 「화성」이라고도 숭배된 그림불사·명조에 의한 기념비적 대작《5백라한도》. 현존 전폭이 수리 후 첫 공개가 되는 본작은, 수묵과 극채색이 훌륭하게 조화를 이룬 젊은 명조의 대표작으로, 1폭에 10명의 나한을 나타내 50폭본으로서 그려져, 도후쿠지에 45폭, 도쿄·네즈 미술관에 2폭이 현존하고 있습니다. 본전은 그 전모가 처음으로 밝혀지는 귀중한 기회가 됩니다(폭에 따라 전시 기간이 다릅니다).
옆에는 내용을 독특하게 해설한 만화가 곁들여져 있어, 토하쿠만이 가능한 장난기가 발휘되고 있는 것도 포인트.

또, 명조의 원숙기의 걸작으로 알려진《 달마・파기철 납도》 도 전시. 신메트릭한 구성미와 치밀한 음영 묘사, 에도 회화를 선취한 것 같은 밝고 성장한 붓 심판···. 중국 회화의 명품을 모사한 것으로 되지만, 명조의 독특한 화력과 독창성을 만끽할 수 있는 명품입니다.

거대한 가람의 압도적 파워에 싸여

「도후쿠지의 가람면」을 실물로 체감할 수 있는 것이 제5장. 거대 가람에 적합한 특대 사이즈의 불상 조각이 늘어서, 그 스케일과 장엄함에 압도됩니다.

수복 후 첫 공개가 되는 사천왕 입상의 《 다문천립상》 이나 중요문화재의 《 가엽(阿葉)・아난(立氣) 입상》을 비롯해 손만으로 2미터라는 거대함을 자랑하는 《불수》 에 도 주목. 소실했다는 구 본존의 거대함을 다루는 귀중한 유례입니다.

본전의 개최 기간은 5월 7일(일)까지. 선종 문화의 생채, 그리고 거대 가람의 압도적 파워를 꼭 회장에서 체감해 보세요.

개최 개요

회기	2023년 3월 7일(화)～5월 7일(일) ※회기중 전시 교체 있음
회장	도쿄 국립 박물관 헤이세이칸(우에노 공원)
개관 시간	9시 30분~17시 0분(입관은 폐관 30분 전까지)
휴관일	월요일 ※단, 3월 27일(월)과 5월 1일(월)은 개관
관람료	일반 2,100엔 대학생 1,300엔 고등학생 900엔 ※본전은 사전 예약 불필요합니다. 혼잡할 때는 필드를 기다릴 수 있습니다. ※혼잡시는 입장을 기다려 주실 가능성이 있습니다. ※중학생 이하, 장애인과 그 간병자 1명은 무료. 입관시에 학생증, 장애인 수첩 등을 제시해 주십시오. ※본전 관람권으로, 관람 당일에 한해 종합 문화전도 보실 수 있습니다. (주) 자세한 것은 전람회 공식 사이트 티켓 정보 의 페이지에서 확인해 주세요
전시회 공식 사이트	https://tofukuji2023.jp/

※기사의 내용은 취재시의 것입니다. 최신의 정보와 다른 경우가 있으므로, 자세한 것은 전람회 공식 사이트등에서 확인해 주세요. 또한 본 기사에서 다룬 작품이 이미 전시 종료되었을 가능성도 있습니다.

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기타 보고서 보기

시모마치 풍속 자료관

도쿄·우에노의 불닌 연못의 기슭에 서 있는 다이토구 타치시타마치 풍속 자료관 .

옛 도쿄의 시타마치 문화를 후세에 전하기 위해 쇼와 55년(1980)에 개관한 이래 많은 방문객을 즐겁게 해 왔습니다만, 2005년 4월 1월부터 시설의 대규모 리뉴얼 공사를 위해 영화 6년도 말(시기 미정)까지의 휴관이 결정하고 있는 것을 아십니까 ?

리뉴얼 후에는 현재의 전시의 일부를 볼 수 없게 되어 버리는 것으로, 기대와 동시에 외로움을 기억합니다.

거기서 이번은, 약 42년에 걸쳐 사랑받은 시모마치 풍속 자료관의 모습을 다시 소개하려고, 관내를 취재했습니다.

마지막 특별전 “메이지·다이쇼·쇼와의 아이들 ~자료로 계속하는 시타마치의 아이의 세계~”에 대해서도 기사의 후반으로 접하고 있으므로, 나머지 약 1개월의 영업 기간, 꼭 발길을 옮겨 봐 제발.

구민의 목소리에서 태어난 시타마치 풍속 자료관

다이쇼 12년(1923)의 관동 대지진이나 쇼와 20년(1945)의 제2차 세계 대전에서의 소실, 쇼와 39년(1964)의 도쿄 올림픽 개최를 계기로 한 재개발 등에 의해, 에도의 풍정을 남기고 있던 오래된 좋은 시타마치의 거리 풍경과 문화는 급속히 모습을 없애고 서민의 생활은 변해갔습니다.

쇼와 40년경이 되면, 그런 상황을 우려한 시타마치 문화를 사랑하는 사람들로부터 소리가 오르기 시작해, 시모마치의 기억을 다음 세대에 전하기 위한 자료관 설립의 구상이 태어납니다. 그리고 쇼와 55년 10월 1일, 마침내 시모마치 풍속 자료관이 개관했습니다.

1층 전시실에서는, 관동 대지진 전(약 100년 전)의 다이쇼 시대의 시타마치 풍경으로서, 상가나 나가야, 우물 끝 등을 거의 실물대에서 재현. 2층 전시실에서는, 다이토구를 중심으로 한 시타마치 지역의 역사에 관한 자료나 완구등을 소개하고 있습니다.

전시의 매력은, 감상할 뿐만 아니라 실제로 재현된 다다미에 올라가거나, 전시물에 접해지거나(※)와 체험형의 컨텐츠가 되어 있는 점. 동관 연구원의 혼다 씨 에 의하면, 이른바 핸즈 온 전시라고 불리는 이 수법은 지금이야말로 다양한 박물관에서 사용되고 있습니다만, 실은 시모마치 풍속 자료관이 파이오니아라고 합니다.

(※코로나 화를 위해, 일부를 제외한 전시물은 접촉 금지가 되고 있습니다)

민간으로부터의 요망에 따라 개관했다는 경위로부터, 수장품의 대부분이 다이토구 내외로부터 모인 기증품인 것도 큰 특징이라고 할 수 있을 것입니다 . 실제로 가정에 있던 가구나 일용품에 의해, 보다 리얼한 시내의 분위기를 맛볼 수 있는 것입니다.

지금까지 300만명 이상이 방문해, 최근에는 레트로 분위기를 요구하는 젊은이나, 관광으로 방문한 외국인으로부터도 은밀한 인기를 모으는 장소가 되고 있다고 해요.

100년 전 타이쇼 시대에 타임 슬립

1층에서 우선 눈에 들어오는 것은 육각형의 새빨간 자동전화(나중에 공중전화와 개명) 박스 .
일본 최초의 자동전화가 도쿄의 우에노역과 신바시역에 등장한 것은 메이지 33년(1900). 동관에서는, 메이지 43년(1910)부터 이용된 박스형의 자동 전화를 복원 전시하고 있습니다.

자동 전화 박스의 선명한 빨강은, 시모마치의 거리 풍경 속에서 아름답게 빛나고 있었음에 틀림없습니다.

안의 전화기 본체는 실제로 사용되고 있던 물건. 송수화기가 분할되어 있어 다이얼식이 아니고, 우선 교환수를 호출해 상대의 전화에 연결해 주는 타입입니다.

이제 다이얼식은커녕 푸시식의 공중전화조차 보는 기회가 줄어들고 있습니다만, 그 한층 더 전의 시대의 골동품이라고 하는 것으로 역사를 느꼈습니다. 말 입의 위치가 매우 낮고, 키가 큰 사람은 허리를 걸어 말해야 하는 것이 힘들 것 같다. 당시의 일본인의 평균 신장이 이 정도였던 것일까, 무슨 일을 상상시키는 전시입니다.

이쪽은 대로에 접한 대점(오다나)의 상가·하나오(※)의 제조 도문가게의 점처, 라고 하는 설정의 재현 전시. 에도시대부터 전해지는 전통적인 「데자리 구조(다시게타 만들기)」나 「요도(아게도)」라고 하는 상가 건축을 볼 수 있습니다.

(※시타마치 풍속 자료관의 전시 해설의 표기에 따라, 콧물이 아니고 하나오로 하고 있습니다)

작업장의 안쪽에는 여러 가지 색의 꽃가루가 내려가고 있습니다. 당시는 신발이라고 하면 나막신이나 초신이 일반적이며, 하나오는 생활의 필수품이었습니다. 계절이나 기모노에 맞추어, 그 때때로의 재질이나 형태·무늬의 유행에 의해 꽂아서 멋을 즐기고 있었다던가.

드문 전시품으로 말하면, 작업장의 상부에 매달린 “용심장”이 있습니다. 지금에서 말하는 비상 반출 봉투와 같은 존재라고.

「옛 에도계대는 수해가 많았기 때문에, 젖어 버리는 것을 피하려고, 용심망치를 설치해 소중한 것을 전부 던져 넣거나, 막상이라고 할 때는 끈을 떼어 밖에 꺼내거나 한 것 같습니다」 (혼다씨)

한가지의 전시품에 대해서는 해설 시트가 배포되고 있습니다만, 조심장과 같이, 현대를 사는 우리에게 있어 낯선 것도 많을 것. 우선은 「저것은 무엇에 사용하는 도구일까」라고 예상하면서 관내를 돌려 보는 것도 재미있을지도 모릅니다.

이곳은 장장 겸 상담 스페이스. 상가에는 반드시 장장 (출납의 서명이나 계정을 하는 장소)이 있었다고 하고, 장장 격자를 결계로 하고, 그 중에는 주인이나 번두 등의 선택된 사람 밖에 들어가는 것이 허용되지 않았다든가 . 물론 재현 전시에서는 자유롭게 들어가 OK. 주판이나 당시의 금고인 「전통 상자」, 인감을 넣는 「인상자」등이 놓여져 있었습니다.

“이러한 재현 전시에 대해서, 개관에 당시의 관장이나 직원이 묵고, 어디에 어떤 물건이 있으면 편리할까, 실제로 체험해 배치를 결정해 갔다고 하는 자료가 남아 있습니다.또, 당시의 사람들 는 오른손잡이(왼손잡이의 사람은 교정되는 것이 당연한 시대였습니다.)

혼다씨의 이야기로부터는, 자료관의 역할로서, 전시의 외관보다, 어디까지나 당시의 리얼의 생활을 전하는 것에 마음을 부서지고 있었던 것이 전해져 옵니다.

상가 앞에는 아사쿠사에서 발명되어 자동차의 보급 이전에 송영수단의 대표격이었던 인력거 와 배달을 하는 상가에는 빼놓을 수 없었던 하차 (하코구루마)도 놓여져 활기찬 시타마치의 분위기를 연출하고 있었습니다.

시모마치 인정의 따뜻함을 키운 나가야의 생활

상가 맞은편에는 좁은 골목으로 둘러싸인 시대극에서 친숙한 집합 주택 인 나가야의 재현 전시가 있습니다.

취재한 것은 「하츠마」(2월 최초의 오일)의 시기였습니다. 매년 초오에는 전국의 이나리사에서 오곡 풍요를 기도하는 ‘초오제’가 개최되고 있습니다. 동관에도 작은 이나리사가 존재하기 때문에, 에도 시대부터 초오제에 맞추어 거리에서 내걸려 있던 「지구 행등(지구치 안동)」이 나가야에 장식되어 있었습니다.

지구는, 에도 시대에 유행한 속담이나 격언 등을 낳은 쓸모없는 말 놀이. 지구에 희화를 붙여 행등으로 완성한 것이 지구 행등으로, 초오 축제에 모인 사람들을 즐겁게 한 것 같습니다.

이와 같이, 동관은 정월 장식이나 칠석 장식 등, 계절의 이동에 맞춘 세련된 연출로 내관자를 맞이해 왔습니다. 장식은 특별한 날의 즐거움이기도 하며, 겐을 맡고 신불에게 기도를 바치는 수단일 수도 있습니다. 당시 사람들의 정신성과 시타마치의 사계절의 정경을 체감할 수 있는 멋진 궁리군요.

덧붙여서, 코로나 옥에서 전시물이 접촉 금지가 되기 전에는, 비밀리에 탄스 속의 의복 등, 눈치챈 사람만이 즐길 수 있는 작은 재료도 넣고 있었다고 한다.

관동 대지진 전까지 수많은 히라야 구조의 나가야에는, 과자점 과 동항가게(도코야) 가 재현되어 있습니다.

베고마나 튀김 등의 장난감 등도 취급하고 있던 과자점은 아이들의 사교장이었습니다. 주거의 일화로 영업하고 있다고 하는 설정으로, 부엌이나 다다미도 만들어져 있습니다.

덧붙여 당시의 시모마치의 인프라입니다만, 전기는 다니고 있지만 전기 제품은 보급되어 있지 않고, 또 수도나 가스도 일반적이지 않았다고 한다. 그러한 사정은, 주민 공유의 우물로부터 뿜은 물을 주저하는 물병이 부엌에 있었던 것으로부터도 전해져 옵니다.

물병 아래에는 목제 싱크대가 보이지만, 이와 같이 바닥 근처에 싱크대를 만들고 쪼그리고 취사를 하는 작업장을 ‘앉아 싱크’ 라고 부릅니다. 이것도 지진 재해 전의 다이쇼 시대 무렵에는 일반적인 것이었다고 하기 때문에 놀랐습니다. 지금은 생각할 수 없는 배치군요.

구리 항아리는 온수기(구리 항아리)를 비롯해, 냄비나 주전자 등의 구리 제품을 만들거나, 수리하거나 하는 가게. 시타마치에는 다양한 장인이 살고 있었습니다만, 동항가게의 장인은 물건을 수리하면서 소중히 사용하고 있던 시대의 생활에는 빠뜨릴 수 없는 존재였습니다.

작업장의 벽에는 신선의 일종으로, 불의 하나님을 모시는 「아라진 선반(こんじんな)」이 만들어져 있습니다.

“동 항아리가 불을 사용하는 직업이지만, 당시는 전화 하나로 소방차를 부를 수있는 것은 아니기 때문에, 지금보다 훨씬 화재에 대한 두려움은 강했다고 생각합니다. 화재가 일어나지 않도록 지켜주세요 .신심 깊은 편이 매우 많았던 시대라는 것을 전할 수 있으면 좋겠다고 생각하고 있습니다」(혼다 씨)

생각해 보면, 방금전의 과자점에서도 신선반을 발견했습니다. 옛날에는 어느 가정, 어느 상가에도 신선이 모셔져 있었다고 하고, 신불에의 기도는 생활에 밀착한 절실한 것이었을 것입니다.

신심 깊이를 나타내는 전시로는, 나가야의 안쪽에 지어진 이나 리사 도 들 수 있습니다.

이나리는 에도시대에는 토지나 저택의 지키신으로서 활발히 모셔져 있고, 나가야에는 각각 반드시 지어졌다고 한다. 그러므로 시모마치 지역에는 현재도 많은 이나리사가 유명한 것으로 존재하고 있습니다.

얇은 벽 한 장으로 나누어진 주거. 나가야는 현대를 살아가는 우리에게서 맨션이나 아파트 등과 비교할 수 없을 정도로 프라이버시의 관념이 얇은 생활 공간입니다. 거주자끼리는 필연적으로 싸구려 교제가 될 것이고, 타인에게 폐를 끼치지 않게 하는 걱정도 지금 이상으로 필요했던 것이 아닐까요.
시모마치 사람들의 인정의 두께는 이런 생활에서 형성되었을지도 모릅니다.

1층 전시실의 상가와 나가야는, 쇼와 55년의 개관에 맞추어 지어져 있기 때문에, 축 40년 이상이 경과하고 있습니다. 개관 당초는 참신했을 것이다 마루도 기둥도, 오랜 세월 매일 같이 사람이 출입한 결과, 정말로 사람이 살았던 것처럼 상처가 붙어, 맛 깊은 감촉이 되어 있었던 것이 인상적이었습니다.

모두의 동경? 목욕탕의 번대에 앉아 기념 촬영도

2층에는 상설 전시로서, 쇼와 30년대의 사람들의 생활이 재현되고 있습니다. 시타마치 아파트의 부엌 겸 거실. 진공관을 사용한 도시바제의 흑백 텔레비전을 비롯해, 일본 최초의 자동식 전기가마 등 당시의 고급 가전이 여러가지 갖추어져 있기 때문에, 부유한 집의 이미지일까요.

전쟁 전부터 인계되었을 것이다 샤브다이와 탄스 등의 가구와 최신 가전이 동거하는 광경에서 밝혀지는 것은, 사용할 수 있는 물건은 오랫동안 계속 사용하려고 하는 신중함과, 편리함이나 쾌적함을 요구하고 싶은 기분 . 이러한 생활도 쇼와 40년대 이후에 조금씩 잃어져, 대량 소비의 시대가 되어 갔습니다. 그리움의 뒤에서, 동관 설립의 계기가 된, 시타마치 문화의 보존을 생각한 사람들의 위기감도 이해할 수 있는 것은 아닐까요.

그 옆에는, 다이토구에서 쇼와 25년(1950)~쇼와 61년(1986) 까지 영업하고 있던 목욕탕 “금어탕”에서 실제로 사용되고 있던 번대가 거의 그대로의 형태로 놓여져 있었습니다 . 동관 최대의 기증품이며, 실제로 번대에 앉을 수 있는 것으로, 동관에서 가장 인기 있는 포토 스포트라고 합니다.

“특히 다이쇼~쇼와 세대의 남성은 옛부터의 동경이 있는지, 정말로 즐겁게 번대를 체험되고 있어, 흠뻑 앉고 싶었구나. 지금의 목욕탕은 번대가 아니라 접수가 주류이므로, 아이들 대부분은 번대라고 물어도 모르는 것 같습니다만, 전시를 보고 「번대는 이런 거야」 「좋아요」라고 말해 주세요. 보이는데…

해설문이 아니고, 학예원도 아니고, 일반인이 전시물에 대해 슬러슬러라고 설명한다. 그런 광경과 만날 수 있는 것도 동관의 매력이라고 할 수 있습니다.

특별전 “메이지·다이쇼·쇼와의 아이들”이 개최중(~영화 5년 3월 31일까지)

2층 전시실에서는, 소개한 쇼와 아파트의 재현 전시나 목욕탕의 번대외, 통상은 다이토구를 중심으로 한 시타마치 지역 연고의 물건이나, 연중 행사에 관련하는 자료의 전시 등을 실시하고 있습니다 하지만, 이 날은 리뉴얼 전의 마지막 특별전 “메이지·다이쇼·쇼와의 아이들 ~자료로 계속하는 시타마치의 아이의 세계~”가 개최중이었습니다. (관람료는 입관료에 포함됩니다)

동전은, 메이지~쇼와 시대에 살았던 시타마치의 아이들의 일상에 초점을 맞추고, 당시의 놀이나 아이가 성장하는 과정에서 통과해 갔던 의식 등에 대해서, 동관 소장의 자료를 중심으로 소개 하는 것.

특히 아이의 놀이에 관련된 자료가 매우 충실하고 있어, 대략 베고마나 멘코등의 「밖의 놀이」와, 튕기기나 놀이 놀이 등 「집의 놀이」로 나누어 전시되고 있었습니다.

혼다 씨의 강추는 메이지에서 다이쇼 시대에 걸쳐 발매되고 있던 미니어처 마음대로 도구 . 나무, 대나무, 주석, 도자기 등 진짜와 완전히 같은 소재로 만들어져 있다는 본격 사양이 포인트입니다. 그 정교함에 어른이라도 두근두근 해 버렸습니다.

시치고산이나 먹기 시작 등, 아이의 성장의 의식에 관련된 자료의 전시 중에서, 혼다씨가 특히 주목해 주었으면 한다고 말하는 것은 「배문첩(세몬조)」 입니다.

배문첩은, 0세부터 2세 정도까지의 아이가 입는 한 몸의 산착의 등에 색실로 꿰매은, 「배수방」의 견본첩입니다.

일반적인 기모노에는 등의 중앙에 솔기가 있고, 그 솔기를 「눈」이라고 파악해, 등으로부터 오는 재앙으로부터 몸을 지키는 효과가 있다고 생각되어 왔습니다. 그러나, 하나신의 산착에는 등에 솔기가 없기 때문에, 배수라고 불린 「눈」을 색사로 자수해 액막이로 했다고 합니다. 전시되고 있는 것은 쇼와 시대의 배문첩으로, 배수의 도안의 하나 하나에 의미가 담겨 있었다고 한다.

“이렇게 아이의 성장에 관련된 의식의 전시로부터 다양한 손을 다해 아이들을 지키려고 온 친심이 전해지면 기쁩니다”(혼다씨)

덧붙여 특별전의 동시 개최 기획으로서, 동관 42년간의 역사를 되돌아 보기 위해, 지금까지 개최된 기획전이나 특별전의 포스터나 전단지, 지금은 입수할 수 없는 뮤지엄 상품등도 소개되고 있었습니다 .

리뉴얼 후의 시모마치 풍속 자료관은 어떻게 되는가?

신경이 쓰이는 리뉴얼 후의 시타마치 풍속 자료관에 대해서, 혼다씨에게 물어 보았습니다.

“아직 상세를 채우고 있는 곳입니다만, 현재의 전시의 보수나 개수등이 아니고, 새로운 시대를 향해 갈라리와 인상을 바꿀 예정입니다.리뉴얼 후에는 3층의 일부도 전시실로서 개방한다 예정(현재는 2층까지의 전시)이므로, 전혀 다른 경치를 보여줄 수 있을까라고.단지, 지금까지대로 “시타마치 문화를 후세에 남긴다”라고 하는 사명을 가진 시설인 것에 변함이 없기 때문에, 그 점은 안심해 주세요」(혼다씨)

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시모마치 풍속 자료관이 있는 우에노역 주변에는, 학술적 가치가 높은 근현대의 미술품을 감상할 수 있는 시설이 많이 있습니다. 그 가운데, 한때 시내에 살았던 사람들의 기색을 가까이 느낄 수 있는 전시를 42년간 솔직하게 계속해 온 동관의 존재는, 지역의 주민 뿐만이 아니라, 현대에 사는 사람들에게 있어서, 보다 특별한 지위를 차지하는 것처럼 느낍니다.

시타마치 문화를 후세에 전할 뿐만 아니라, 그 문화를 리얼하게 체험한 세대와 모르는 세대를 잇는 가교가 되어 있는 시모마치 풍속 자료관이, 신생을 위한 준비에 들어가는 것은 2005년 4월 1 하루부터. 동관에 가본 적이 없는 분도 리뉴얼 공사 전에 꼭 한번 그 모습을 기억에 남기기 위해 발길을 옮겨보세요.

시모마치 풍속 자료관 개요

위치	다이토구 우에노 공원 2-1 JR 우에노역 불닌구에서 도보 5분
개관 시간	오전 9시 30분~오후 4시 30분 (입관은 오후 4시까지)
휴관일	월요일(공휴일과 겹치는 경우는 다음 평일), 12월 29일~1월 3일, 특별 정리 기간 등
입장료	일반 300엔(200엔), 초·중·고교생 100엔(50엔) ※( )안은 20명 이상의 단체요금 ※매주 토요일은 다이토구 거주·재학의 소, 중학생과 그 인솔자의 입관료 무료.
전화번호	03-3823-7451
공식 사이트	https://www.taitocity.net/zaidan/shitamachi/

※기사의 내용은 취재일(2023/2/3) 시점의 것입니다. 최신 정보는 공식 사이트 등에서 확인하십시오.

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다이토 구립 서예 박물관

약 1700년 전의 중국에서 활약해, 그 후에 「서성」이라고까지 숭배된 전설적인 서가・오가와유키 오기시 (303~361, 이설 있음)과 그의 가장 유명한 작품 인 난초정서 란테이조 ‘ 에 초점을 맞춘 전람회 ‘왕와지노와 란테이서’ 가 다이토 구립 서도 박물관에서 개최 중입니다.

회기：2023년 1월 31일(화)～4월 23일(일) ※기간중, 아래와 같은 일정으로 전시 교체가 행해집니다. 전기:1월 31일(화)~3월 12일(일), 후기:3월 14일(화)~4월 23일(일) ※출전 작품 리스트는 이쪽 ※동전은 도쿄 국립 박물관과의 제휴 기획입니다. ※게재하고 있는 화상은 특별한 허가를 얻어 촬영한 것입니다.

 

가장 유명한 서가인데 진적이 하나도 없다? 서성·왕가유키란

중국의 역사상, 책이 가장 성행한 것은, 풍아한 귀족 사회가 형성된 4세기의 동진 시대. 일상의 모든 장면에서 瀟洒을 다하려 한 귀족들이 실용 일색이었던 책에도 담아 예술성과 비평성을 갖게 된 무렵에 등장한 것이 왕택지입니다.

오가사유키는 당시 과도기의 서체였던 초서·행서·양서를 세련시켜, 자신의 감정을 책의 표현에 빠뜨리면서 예술성을 비약시켰습니다. 그가 획득한 보편적인 아름다움을 갖춘 선진적인 신양식의 서법은, 나라 시대에 오가시유키의 책이 전해진 일본에 있어서도 서법 규범의 원천이 되어, 오늘에 이르기까지 능서의 대명사적 존재와 되어 있습니다.

「란정서」 (353)는, 그런 왕택지의 대표작이며, 역사에 찬연히 빛나는 명작. 에이와 9년(353) 3월, 경치 좋은 회총(저장성 사오싱시) .

연회의 즐거움과 생명의 어리석음에 대해 마음대로 이어진 정서 풍부한 명문이 수려한 행서로 적힌 ‘란정서’는 왕택지가 술에 취한 채 즉흥으로 완성한 초고. 몇 번 청서하려고 해도 결국, 초고 이상의 완성은 되지 않았다는 일화가 남는, 본인도 인정한 최고 걸작입니다. 지금도 행서를 배우려는 사람들의 필수 작품으로 취급되고 있다든가.

그런 ‘란정서’를 비롯한 왕택지의 책은 생전부터 높게 평가되어 귀족들 사이에서 수집의 대상이 되고 있었습니다만, 실은 진적이 하나도 현존하고 있지 않다고 한다.

전란이나 천재 등으로 서서히 잃어 버린 것 외에, 왕택지의 사후 300 년이 지나고 그의 책을 각별히 사랑한 당나라 태종 굉장히 황제 (598-649)가 철저하게 수중에 모여 붕괴 때 ‘란정서’도 함께 매장해 버린 것이 큰 이유입니다. 그러나 태종황제는 뛰어난 서가들에게 ‘란정서’ 등 작품의 모본과 타쿠모토 등의 ‘사본’을 만들어 신하에 하사하고 있으며, 왕택지의 선진적인 서법은 후세에 계승이 이어진다 되었습니다.

기획전 『왕택지와 란정서』는 , 도쿄 국립 박물관·서도 박물관의 제휴 기획 20주년을 기념해 기획된 것으로, 「란란서」를 비롯한 왕택지의 서나, 왕택지 서법의 후세에의 영향 등을 나타내는 서화를 양관에서 전시하고 있습니다.

「란정서」가 잇달아 등장. 오가시유키의 신수에 다가오는 것은?

전시의 큰 특징은, 전후기 아울러 10종류 이상의 「난정서」의 비교를 할 수 있는 것.

「란정서」는 복제에 한층 더 복제가 거듭되어 왔습니다. 그 때문에 문자의 강약이나 완급 등이 모두 미묘하게 다른, 복제에 관련된 사람의 기량이나, 왕택지에 안은 이미지가 반영된 다양한 내력의 「난정서」가 전해지고 있는 것이었습니다.

전기 전시에서 감상할 수 있었던 것은 《정무본 란정서― 한주선본 칸쥬 센본 ―》《신룡혼란정서》 야마모토 수야마 야마모토 토우잔 구창―《》 가부이 에이쇼 혼란정서 왕문치 우분치 구창―《》 선화 내부 미안해. 구장란정서 등. 덧붙여서 작품명의 「00본」등의 어구는, 타쿠모토의 원이 되는 돌이 발견된 토지나 작품 특유의 특징 등, 다른 「란정서」와의 구별을 위해서 붙여 있는 것입니다.

《정무본 란정서―한주선본―》 은 가라앉는 듯한 자립으로 전체적으로 쿨한 정취. 태종황제의 명령으로 신하들이 ‘란정서’를 임서했을 때 가장 뛰어난 것이 ‘초당의 삼대가’로 꼽힌다.欧陽詢우요 준 (557-641)이라는 인물의 것으로, 그것을 돌에 새긴 것이 「정무본」의 원이 되었다고 전해지고 있습니다. 이 작품은 수많은 ‘정무본’ 계통 중에서도 특히 오래된 송 시대의 타쿠모토라는 것.

다음으로 눈에 띈 것은 《신룡본란정서―야마모토 야마구구라―》 . 「신룡본」이란, 서두와 말미에 당시대의 원호인 「신룡」의 반인이 밀고 있는 것에 연관된 것입니다. 「신류모토」는 다른 것에 비해 생생한 화려한 글자 모습을 즐길 수 있는 것이 특징으로, 그 보기 쉬움과 배우기 쉬움으로부터, 잘 교과서 등에 다루어지고 있습니다.

그러나, 동관의 주임 연구원인 나카무라 씨에 의하면, 「신류모토」의 자모에는 당시대의 세련된 미의식이 적지 않고 반영되고 있다고 하고, 「왕자유키(동진시대)의 서 그렇다면 좀 더 소박함이 있을 것”이라고 한다 . 확실히 동작을 다른 것에 비해 보면, 하네나 할라이가 조금 과장된 느낌이 들었습니다.

같은 계통에서도 꽤 글자 모습이 다르고 보이는 맛이 있습니다. 복제한 사람이 무의식적으로 자신의 색을 내어 버렸는지, 그 시대의 사람에게 우케하도록 의도적으로 바꾸었는지, 다양한 배경이 있을 것 같다. 이것도, 「난정서」의 진적이 남아 있지 않은, 대답 맞출 수 없기 때문에야말로 태어난 개성일 것입니다.

동전에는 「란정서」 이외에도 왕택지의 책(복제입니다만)이 몇개인가 출전되고 있으므로, 책에 자세하지 않은 분이라도 「어떤 란정서가 왕택지의 모습을 남기고 있을까」 라고 검토를 붙이면서 즐길 수 있습니다.

또, 당연합니다만 「란정서」는 단체로 감상해도 배움이 있습니다. 예를 들어 ‘란정서’에는 ‘유키’라는 한자가 빈출하고 있는데, 각각 독특한 형태와 용필로 쓰여져 있는 것에 놀랐습니다.

필자는 별로 책에 대해 자세하지 않기 때문에, 책이 능숙한 사람이라고 하는 것은, 자신 중에 문자의 최선의 자형이라고 하는 것이 완성되어 있어, 언제라도 그 자형을 흔들림 없이 출력하고 있다, 라고 어쩐지 상상해 있었습니다. 그러나 ‘란정서’에서 ‘노’는 문맥에 따라 다른 형태로 구분되어 있습니다. 전시실에 있던 「란정서」의 일본어 번역문을 읽으면서 감상하면, 정경뿐만 아니라 작자의 감정도 전하는 풍부한 표현력이 본작의 매력임을 깨닫습니다. 서예예술의 기본을 만든 왕가유키의 위대함의 한쪽 끝을 이해할 수 있는 것 같았습니다.

「란정서」 외에, 왕택지가 초서로 쓴 서간이나 편지 29첩을 모은 「17첩」 도 전후기로 복수 전시되고 있습니다.

「보기에는 수수한 작품입니다. 쓰여진 내용은 컨디션 불량을 전하는 것입니다만, 컨디션 불량이라고 말하면서 아름다운 글자인 점은 과연 왕택지라는 느낌이군요. 한 글자 한 글자를 잘라서 감상해도 좋지만 글자와 글자 사이의 사이즈와 크기도 볼 만한 곳입니다. 강조되고 있습니다.그렇게 완성한 책 전체의 조화에도 꼭 주목해 주세요”(나카무라씨)

오가와유키 폰트로 작품 제작? 오가와유키 인기는 일본에도…

동전에서는 왕택지가 등장하기 이전·동시대·이후의 시대의 책의 모습도 전시. 이후의 작품에서는, 왕택지의 영향이 얼마나 큰 것이었는지를 볼 수 있습니다.

오가시유키가 존경하고 있었다고 하는, 후한 말기부터 삼국지의 위에 걸쳐 활약한 양서의 명수· 종석 쑤시다 (151-230)의 << 추천 계 직표 센키 초쿠 효 ( 진상사이첩 신쇼사이조 ―화후본―)》 은, 「오랜 세월을 들여 예서에서 양서로 발달을 시작하는 첫걸음의 서」라고 말하는 나카무라 씨. 예서의 명잔이 있어, 약간 키가 낮고 옆에 넓은 원시적인 자모를 볼 수 있습니다.

이 전시회에는 오가 노유키의 << 황정경 이런 식으로 》 나《 효녀조조비 Kojoso가 》 (원적 : 히가시 신 시대 · 升平 2 년 (358) / 전 기간 전시)와 같은 楷書의 작품도 전시되어 있습니다. 종석의 책과 비교하면 역연하게 세련되고 있어, 키는 늘어나, 인간이 붓으로 문자를 쓴다고 하는 동작에 다가간 자연스러운 자모나 용필을 하고 있는 것처럼 느꼈습니다. 이쪽도 꼭 실제로 봐 비교해 보면 좋겠습니다.

오가와유키와 거의 동시대의 작품으로서는 《도행반 와카케이권 제6・제7》 이 있어, 무려 이쪽은 육필! 당나라 이전의 육필은 매우 귀중하다고. 오가시유키가 살았던 시대의 진짜 책의 모습을 확인할 수 있습니다.

왕택지 신화의 입역자인 당나라 태종황제의 행서 《晋祠銘신시메이 >> 도 있었습니다. 아무래도 황제라고 하는, 묵직하게 당당한 글쓰기가 기분 좋습니다.

「행서나 초서는, 스피드감을 내기 위해서 선을 연결해 쓰면, 그렇게 되면 아마추어는 생각하기 쉽습니다만, 태종 황제의 책은 일부러 자르고 있습니다.그렇게 하는 것으로 글자 속에 공기를 받아들여, 여유를 내고 있는군요.여유를 너무 내면, 부드러운 글자가 됩니다만, 예를 들면 「달」이라고 하는 글자라면 1화째와 2화목의 마주하는 선을 굉장히 계약하고 있습니다 .그 밸런스 감각을 맛볼 수 있으면 좋겠습니다」(나카무라씨)

당나라 이후의 왕택지 인기를 나타내는 것으로는 《 집왕성교서 슈우 쇼죠 죠죠 》 나 《흥복사 단비》 (왕택지/당시대·개원 9년(721))이 재미있습니다. 마치 오가사유키가 쓴 것처럼, 왕택지의 책에서 한 글자 한 글자 모아 문장에 완성한 비석으로 만든 타쿠모토라는 것. 《집왕성교서》는 선의 굵기가 마을 거리에서 아무래도 콜라주한 분위기입니다만, 《흥복사 단비》는 꽤 능숙하게 전체의 조화를 취하고 있었습니다.

송 시대에 만들어져 유행한 역대 중국의 서예 전집인 《 준화각 첩 준카 카쿠 조 ― 협설 쿄세츠 책-> 에도 당연히 왕택지의 책이 들어있었습니다. 이야기를 들으면, 전 10권 있는 가운데, 왕택지가 6~8권, 아들의 왕헌지가 9~10권으로 소개되고 있다고 하고, 중국의 책의 역사의 절반은 왕 부모와 자식이 담당하고 있었던 것이 이해합니다. 여기까지 오면 영향력의 너무 큰 크기로 웃어 버렸습니다.

전시의 마지막은, 오가시유키가 일본에서 어떻게 받아들여졌는지를 소개하고 있었습니다. 헤이안 시대에는 견당사들이 가지고 돌아온 왕택지의 사본으로 배운 공해와 오노도풍들이 대두해, 그들의 활약 후에 국풍 문화나 일본식이라고 불리는 일본풍의 서가 성립. 에도시대에는 당나라서의 유행으로부터 왕택지 존중의 풍조가 강해지거나, 막부 말에는 왕택지서법의 법첩(타쿠모토를 책의 형태로 완성한 것)도 많이 일본에 도착하게 되거나… 중국뿐만 아니라 일본의 책의 역사에서도 항상 압도적인 존재감을 나타내고 있었던 것 같습니다.

일본의 작품 속에서는 메이지 시대의 대가·나카바야시 쇼타케(1827~1913)의 《란정서액》 이 눈길을 끌었습니다. 「난정서」의 문장을 자신 나름의 글쓰기로 완성한 작품으로, 자선의 변화의 풍부함은 그렇게 눈에 띄는 것이 아닙니다.

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지금까지는 서성·왕택지의 책을 보고 「확실히 예쁘지만, 왠지 보통이구나」라고 주목해야 할 점을 모르고 있었습니다. 그러나 동전을 둘러보고, 그 「보통이구나」라고 느끼는 것 자체, 1700년이 지나도 변함없이 사람들이 오가와유키의 팔로워인 것을 계속하고 있는 증명일지도 모른다, 라고 생각을 새롭게 했습니다 .

덧붙여 동전에는 「세설 신서」라고 하는, 중국에서 가장 아름다운 음서가 쓰여진 당시대에 만들어진, 왕택지가 살았던 시대의 소문을 모은 서적에 관련한 작품 3점이 기간 한정 에서 등장합니다. 모두 육필로 쓰여진 국보 입니다.

1월 31일~3월 12일에는 《세설 신서권 제6잔권-규연-》 (당시대·7세기)
2월 28일~3월 26일에는 《세설 신서권 제6잔권-규연·고고-》 (당시대·7세기)
3월 28일~4월 23일에는 《세설 신서권 제6잔권-호작-》 (당시대·7세기)
귀중한 기회가 되므로 놓치지 마세요.

연계 전시를 하고 있는 도쿄 국립 박물관은 도보 권내이므로, 꼭 양관 맞추어 발길을 옮겨 봐 주세요.

 

■기획전 『왕택지와 란정서』 개요

회기	2023년 1월 31일(화)~4월 23일(일) ※기간중, 아래와 같은 일정으로 전시 교체가 행해집니다. 전기:1월 31일(화)~3월 12일(일), 후기:3월 14일(화)~4월 23일(일)
회장	다이토 구립 서예 박물관
개관 시간	오전 9시 30분~오후 4시 30분(입관은 오후 4시까지)
휴관일	월요일(공휴일과 겹치는 경우는 다음 평일), 특별 정리 기간 등
입장료	일반 500엔 소, 중, 고교생 250엔 ※장애인 수첩, 요육 수첩, 정신 장애인 복지 수첩, 특정 질환 의료 수급자증을 가지고 계신 분과 그 간병자는 무료입니다. ※매주 토요일은, 다이토구내 거주·재학의 초·중학생과 그 인솔자는 무료입니다. 그 외, 자세한 것은 공식 사이트를 확인해 주세요.
다이토 구립 서예 박물관 공식 사이트	https://www.taitocity.net/zaidan/shodou/
전시 작품 목록	https://www.taitocity.net/zaidan/shodou/wp-content/uploads/sites/7/2023/02/kikakuten_20230131.pdf

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