作者: nakano

東京都美術館

20世紀藝術巨匠喬治·德·基里科（Giorgio de Chirico ，1888-1978）十年來首次在日本舉辦的大型回顧展“德·基里科展”正在東京都美術館舉辦。展覽期限至2024年8月29日。

喬治·德·基里科因其「形而上學繪畫」而聞名，對許多藝術家產生了巨大影響，包括薩爾瓦多·達利和雷內·馬格里特等超現實主義者。雖然他有著強烈的前衛畫家形象，但他也致力於文藝復興、巴洛克等古典主義表現方法，繪畫風格根據時代而發生很大變化。

回顧展一般依照時間順序介紹藝術家從早年到晚年的作品。然而，在這次展覽中，將展出來自世界各地的100多件以油畫為主的作品，這些作品以德基里科所處理的主題和母題為特色，如“自畫像”、“形而上的繪畫、 」和「回歸傳統繪畫」。它對每幅作品進行了總結，並以通俗易懂的方式解釋了它們是如何繼續繪製和變化的。

第一章作為引言，重點在於自畫像和肖像。德·基里科從職業生涯之初就創作了數百幅自畫像，風格上發生了各種變化，反映了他在每個時期的研究成果。

德基里科 1888 年出生於希臘，父母是義大利人，父親去世後，他與母親和弟弟搬到了德國慕尼黑。在那裡，他就讀於一所藝術學校，但退學並於 1909 年搬到義大利米蘭。當時，德基里科深受弗里德里希·尼采的哲學和以《死亡島》聞名的抽象主義畫家阿諾德·伯克林的繪畫的影響。 》 （1910年），這幅畫是在繪畫尚未建立之前的早期階段所畫的。

《自畫像》 （c1922） 是德基里科對西方藝術被「回歸秩序」運動主導的時代的回應，該運動重新發現了古典繪畫的秩序，作為對前衛運動破壞表現形式的反應我從事的工作是什麼。它基於皮耶羅·德拉·弗朗西斯卡（Piero della Francesca）和拉斐爾·桑齊奧（Raffaello Sanzio）等文藝復興時期繪畫作品的紮實視覺。

此外，一些自畫像中他穿著 17 世紀的服裝或扮演鬥牛士。這種導演實驗和戲劇偏好是德基里科作品的特點之一，也與他在整個職業生涯中斷斷續續參與的歌劇和戲劇的舞台設計密切相關。另外，在展覽的後半部分，也介紹了德基里科創作的舞台服裝和設計草圖，想像它們之間的相互影響，觀看它們會很有趣。

第二章將德基里科標誌性的形而上繪畫分為三個主題： 「義大利廣場」、「形而上內部」和「馬努幹」。本次展覽的亮點在於收藏了許多1910年代黃金時代的代表作品，這些作品通常散佈在世界各地。

德基里科說，1910年的某一天，在佛羅倫斯的聖十字廣場，他感覺好像第一次看到熟悉的場景。由於這種“啟示”，在繪製廣場和室內房間的具體圖像時，通常不存在的扭曲的透視和圖案排列創造了一種我們所看到的世界的深度感，類似於夢中的圖像。創作暗示世界上存在的非凡、神秘和奧秘的繪畫。

1911 年，當他移居巴黎時，他的奇幻畫作立即吸引了評論家，並成為巴黎運動最前沿的一部分。受他所鍾愛的尼采哲學的影響，德基里科後來將他的作品命名為「形而上學繪畫」。義大利廣場一角展出的《沉默的雕像（阿里阿德涅）》 （1913）確實是形而上繪畫的傑作。

《有玫瑰色塔的意大利廣場》 （c1934） 是一個看不到人的廣場，但從畫布外延伸出的長長的陰影營造出一種令人不安的氣氛。 》類似」創建於 1913 年。的副本。德基里科也積極複製他過去畫過的形而上畫，儘管這些行為有時被批評為“贗品”，但他自己說，“這些複製品是用更美麗的材料製成的。”它是用更複雜的技術繪製的，我不認為有任何缺陷。

第一次世界大戰爆發後，德基里科作為一名士兵從巴黎搬到費拉拉，他的畫作從俯瞰廣場的開放視野轉向封閉的室內空間。繪製的圖案靈感來自費拉拉的房屋內部和商店的櫥窗，而德奇里科熟悉的物品，如餅乾、海圖和尺子，開始在沒有背景的情況下出現。

這些被稱為“形而上學的室內裝飾”，當你觀看1910年代的作品時，你會發現所描繪的圖案不自然地隱約出現在你眼前的螢幕上。然而，到了 20 世紀 60 年代，安裝了窗戶，構圖也發生了變化，營造出寬敞的感覺。從窗戶還可以看到義大利廣場的建築，這項特徵在德基里科於1968年開始的「新形而上繪畫」中可見一斑，融合了過去作品的主題。

在「馬努坎」一角，在西方古典繪畫中享有特權地位的人物形像被沒有個性的馬努坎（人體模型）所取代，並被視為與其他物體同等水平的物體。作品。由於馬努幹的出現恰逢第一次世界大戰爆發，有人說，馬努幹代表了人類引發戰爭的非理性，或者人類對抗暴力的無力。

儘管馬努坎扮演了繆斯、先知、哲學家和新娘等多種角色，但她在她早期的傑作《先知》 （1914-15）和《形而上學繆斯》 （1918）中被描繪成無機物。

從形而上繪畫回歸古典繪畫後，德基里科於1925年回到巴黎，與超現實主義畫家交往，將注意力重新轉向形而上繪畫，創作了《角斗士》、《角斗士》等新題材。山谷家具」也被採用。第 3 章重點討論 20 年代末期的此類發展。

接下來的第四章的標題是[回歸傳統繪畫——從“回歸秩序”到“新巴洛克”]，包含了一些作品，展示了本文中經常提到的致力於古典繪畫所取得的成果。 。從1920年左右開始，他研究提香、拉斐爾等文藝復興時期的作品，然後從1940年代開始研究魯本斯、委拉斯開茲等巴洛克時期的作品，儘管受到超現實主義者的批評，但他繼續研究他們的表達，我將它融入了製作中。

本章有兩幅沐浴畫。其中一幅作品是《躺在浴室裡的女人》（阿爾克墨涅的休息） （1932年），是當時被譽為文藝復興古典主義領導人物的印象派畫家皮埃爾·奧古斯特·雷諾阿晚年創作的一幅沐浴畫。

十多年後創作的另一幅作品《沐浴在風景和紅布中的婦女》 （1945年）的靈感來自於巴洛克繪畫以及對它們的詮釋的歐仁·德拉克洛瓦和古斯塔夫·庫爾貝的作品。雖然題材相同，但對比一下，可以發現筆觸和風格都有明顯的變化，後者整體更加光澤，深色濃重的色彩更加突出。

最後一章「新形而上繪畫」講述了德·基里科十年來的發展，直至他於 1978 年去世，當時他再次開始從事形而上繪畫。

在他生命的最後幾年，德基里科自由地結合了他過去創作的元素，例如廣場、室內裝飾、馬努坎、古典繪畫中的神話故事，甚至他在插畫作品中繪製的太陽和月亮，它開闢了新天地，超越了簡單的重複。這些風格被稱為“新形而上繪畫”，1910年代形而上繪畫的憂鬱、沉重的氣氛消失了，全部都是輕盈明亮的，彷彿毒已被除去，都有一種好玩的感覺。

不受周圍人批評的影響，德基里科的作品始終是關於前衛與經典能夠共存而不是相互矛盾的，並多次引用和致敬自己的作品。這被稱為他繪畫生涯的頂峰。

「德基里科展」概覽

場地	東京都美術館
時期	2024年4月27日（星期六） – 2024年8月29日（星期四）
營業時間	週五 9:30-17:30 至 20:00（最後入場時間為閉館前 30 分鐘）
休息日	7月9日星期一（星期二）～7月16日（星期二） *但是，辦公室將於7月8日（星期一）及8月12日（星期一、假日）開放。
參觀費（含稅）	一般2,200日圓、大學·專門學校生1,300日元、65歲以上1,500日元 *週六、週日、假日以及8月20日（週二）以後需預約。 *高中生以下免費。 *持有身體殘障證明書、愛心筆記本、復健筆記本、精神殘障健康福利筆記本、原爆倖存者健康筆記本及其陪同人員（最多1人）可免費入場。 *其他詳情請查看官方門票頁面。
由…贊助	東京都歷史文化財團、東京都美術館、朝日新聞
詢問	050-5541-8600（您好撥號）
展會官方網站	https://dechirico.exhibit.jp/

*文章內容截至報道時。請查看官方網站以了解最新資訊。

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東京國立博物館

為紀念淨土宗創立850週年，位於東京上野的東京國立博物館舉辦了題為「法然與極樂淨土」的特別展覽，匯集了許多與淨土宗創始人有關的珍品，法然，來自全國各地的寺廟。展覽期限至2024年6月9日。

*展覽期間，部分作品的展示方式有所不同。詳情請查看展會官方網站。

最初在印度和中國發展起來的、祈願往生阿彌陀如來在西方建立的無苦世界淨土的信仰，在日本被稱為“淨土宗”或“淨土信仰” ，以天台宗為基礎，主要在比叡山延歷寺採用。

法然（1133年～1212年）出生於平安時代末期，戰爭、天災、瘟疫接連發生，在佛教末期，在比叡山修習淨土宗，並於1175年（貞德五年），他自立教義，名為“南無阿彌陀佛”，創立淨土宗，宣揚稱頌阿彌陀佛，人人皆可平等得阿彌陀如來救度，往生極樂淨土。

「南無阿彌陀佛」的意思是「我皈依阿彌陀如來」。 「念佛」的簡單教導很受歡迎，它指出，如果大聲讚美這六個字母的短語（念佛），無論你是否進行了嚴格的訓練或善行，你都可以到達天堂。受到了貴族、學者的廣泛擁護，甚至得到了苦難中的普通百姓的支持，並逐漸發展成為鎌倉佛教的主要教派之一。一直流傳至今。

為紀念2024年淨土宗創立850週年，本次展覽將展示淨土宗從法然創立到江戶時代德川將軍家族皈依的偉大發展的藝術和歷史。財產在內的珍貴寶藏的大型展覽。

展覽分為四個章節。第一章「法然和他的時代」介紹了法然是個什麼樣的人，他的外表、成就和思想。

在這裡，您可以看到重要文化財產《本願念佛集選（廬山寺版）》，它是系統化法念思想的淨土宗根本經典，其中包括法念親筆的手跡，以及總共國寶《法然上人圖傳》可以說是眾多法然傳記的集大成者，不僅記載了法然從生到死的一生，還記載了宮廷的功績。

奈良大摩寺奧院本尊法然上人坐像，是中世紀時期法然上人像的珍貴典範，據說其外觀出自年齡相對年輕。他的肉很多，表情似乎帶著微笑，給我的感覺很溫柔。這種輕鬆的平易近人的氛圍與淨土宗的大眾化性質相似，進入本次展覽後立即展示，確實具有像徵意義。

隨著邪教勢力的壯大，出現了一些扭曲教義、擾亂公共道德的人，延歷寺的追隨者有時會提起訴訟，要求結束千秋念佛。如果你仔細看《七條清會》，裡面記載了法然讓弟子們簽署的七條禁令，以鼓勵自律，你會發現，淨土真宗的創始人親鸞，也包括了蘭當年的簽名。 。

第二章《阿彌陀佛的世界》的亮點是《圖傳》，透過許多阿彌陀如來的雕塑，表達了許多人的願望，這種信仰甚至傳播到了平民百姓中。十五菩薩降臨”，也是佛教淨土宗總寺院京都知恩院所藏。

這幅作品被稱為“早來五”，許多人可能都熟悉它，因為它作為鎌倉時代佛教繪畫的代表作被收錄在教科書和其他出版物中。描繪阿彌陀如來駕雲降臨，與諸菩薩同行，接送已到生命盡頭的念佛修行者往生淨土的畫，被稱為“來吾圖”，“沙耶來吾”之名源自對角構圖。來自飛雲的壯麗表情，強調了像水從瀑布直線落下的感覺。這樣的設計大概反映了人們希望盡快到達的願望。

從 2019 年開始的三年時間裡，進行了大規模的修復，包括更換hada-uragami（直接貼在主紙背面的加固紙），因此螢幕變得更亮，顏色也變成藍色。景觀得到了改善，從而產生了這幅畫所特有的立體風景，例如深深雕刻的山面，變得更加清晰。

另外，不可錯過的還有淨土聖地奈良台摩寺的國寶「津織台摩壇城」 。這項工作本來是安排在第3章的，但也許由於篇幅限制，它被安排在第2章區域。

作品描繪了長寬各4公尺的淨土，令人印象深刻，描繪了淨土宗三大聖典之一的《甘無二法經》的內容。使用染成豐富色彩的絲綢和金線，每英寸（3.3厘米）60根經線的精確編織，可以想像產生了接近繪畫的表現，例如精細的線條圖和顏色漸變。據信它是在唐朝的中國或8世紀奈良時代的日本製造的，但據說沒有其他8世紀的文物使用如此先進的技術製造的例子。這將是該劇首次在奈良縣以外的地區上映。

遺憾的是，原作色彩大部分已失，但這部作品在鎌倉時代獲得了法然弟子食空的極大信任，並製作了許多複製品。同一章節中也展出了墨線清晰的台瑪壇城複製品。相傳「鶴織大摩壇城」是貴族少女中翔姬在阿彌陀佛如來的幫助下，用蓮花線在一夜之間編織而成的。

第三章「法然的弟子與佛法之路」追溯了法然弟子的活動，他們在法然去世後不知疲倦地努力將他的教義傳播到日本各地，包括鎮西（九州）、鎌倉和京都。

弟子們之間似乎有不同的做法，例如傳宗念佛的概念建構、各種修行在其中的定位、以及確保邪教的合法性等。所展示的《末代念佛賜手印（原極樂版）》據說是由鎮聖派的創始人翔子手書的，這部作品是為了向後人傳達法念的真實意圖而寫的。這讓我想到，即使是最簡單的傳宗念佛教義的保護和傳承是多麼困難。

淨土宗復興的創始人正藝為日立國的關東淨土宗奠定了基礎，其弟子正宗在江戶創建了增上寺。自鬆平家族以來，篤信淨土宗的德川家康在江戶建立了增上寺，在京都建立了知恩院，鞏固了教團的地位。第四章“江戶時代的淨土宗”，追溯了江戶時代淨土宗的急劇崛起，該教派利用淨土宗寺院帶來的大量寶物，獲得了幕府和各封建領主的讚助。

這裡可以看到的三部大藏經（宋版、元版、高麗版）是德川家康用領土從大和、週衛、近江三國的寺廟獲得的“三大藏”，並捐贈給增上寺的。寺廟。

大藏經是翻譯成中文的5000多卷佛經的總集。印刷版的《大藏經》是不可多得的文化財產，但據說世界上還沒有一座寺廟藏有三本而無缺本的例子。這是文化史上極為重要的著作，為現代佛教研究奠定了基礎。

雖然不華麗，但引起我注意的是據說是家康手寫的《每日念佛》 。據信，家康晚年每天苦心抄寫《南無阿彌陀佛》經，祈求自己滅亡。從遠處看，你可能會誤以為它是某種圖案，看到名字寫得如此緊湊，6列41行，有點令人毛骨悚然，似乎是一種痴迷的表達。然而，如果你仔細觀察，你會發現只有兩個地方寫著「南無阿彌家康」而不是「南無阿彌陀佛」。我不知道為什麼這樣寫，但我想知道這是否只是一個笑話，或者背後是否有更深的含義。

鹿野一信（1816-63）是江戶時代末期的畫家，據說在進入鹿野派之前，他主要自學了四條派和土佐派的風格，經過一段時間創作了這幅作品作為他繪畫生涯的巔峰之作，我挑戰的增上寺藏《五百羅漢》可以說是這次展覽的亮點。

阿羅漢是一種尊稱，指佛陀弟子中證悟的聖人，被認為具有救度眾生的作用。五百羅漢是佛陀滅度後參加集會（第一次集會）編撰佛經的五百羅漢，在日本，明代中期以後，各地積極創作五百羅漢的木雕和石像。

這張羅漢圖無論大小、數量、威力都是史無前例的，是描繪了500尊羅漢，每尊5幅，共100幅的傑作。羅漢的修行與生活、六道、人間的災難、羅漢的救援等獨特的場景，以豐富的色彩、戲劇性的色彩表現出來，採用西方的明暗和透視法，不受日本繪畫框架的束縛。我被大量的資訊和所帶來的熱情所震撼，書中沒有任何部分是毫不費力的。

會場內共展示100幅中的24幅（上半場和下半場各12幅）。

在會場最後看到的是香川法念寺擁有的「臥佛像」 。作品是佛涅槃場景的三維再現，由一尊比真人大小的臥佛像及其周圍共 82 尊佛像組成，其中包括哀羅漢、天龍八尊、天龍八部等。它是由高松藩初代藩主鬆平賴重從京都請來的佛教雕刻家建造的，像這樣的大型涅槃群像還沒有出現過。

通常放置在法念寺的三佛堂（涅槃堂），本次展覽展出了26件。它作為一個拍照點開放。

東京展結束後，展覽計畫前往京都國立博物館和九州國立博物館巡迴展出。

 

「法然極樂淨土」概要

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國立西洋美術館

東京上野國立西洋美術館首屆當代藝術展：「這裡已經成為未來藝術家睡覺的房間了嗎？——國立西洋美術館65年後問自己|當代藝術家的問題。」打開。展覽期限至2024年5月12日。

■參展藝術家
Yuki Iiyama、Yoichi Umezu、Mai Endo、Tsuyoshi Ozawa、Nodoka Odawara、Natsuko Sakamoto、Hiroshi Sugito、Ryudai Takano、Kyo Takemura、Koki Tanaka、Toeko Tatsuno、Elena Tutattatova、Rei Naito、Taday Nakahaah、Toeko Tatsuk、Elena Tutatkova、Rei Naito、Taday Nakau ) + 安藤博美 + 津橋仁子 + 星川朝子 + 脅本登崎）、布施倫太郎、松浦久夫、宮岐夫人、湯淺江博士、由美地漢字二

這是國立西洋美術館大規模展示當代藝術的一次前所未有的嘗試，該館主要收藏和展覽20世紀上半葉以前的「西方藝術」。在先前舉行的新聞發布會上，據稱此舉的目的並不是為了擴大對藏品的理解視野，將藏品與當代作品並列展示，也不是為了讓對當代藝術有濃厚興趣的人感興趣。正在

回顧過去，松方收藏館是松方小次郎為了向日本畫家展示正宗的西方藝術並為他們的創作活動做出貢獻而建立的博物館的基礎。作為創造和培養未來藝術家的靈感之地。

然而，到目前為止，還沒有人認真質疑博物館是否真的創造了這樣一個空間。

本次展覽面對這一事實並跨越流派，提出了博物館及其藏品如何與當代表達相關的問題，以及它在我們這個時代作品的外觀和意義生成中可以發揮什麼作用。21 組藝術家，透過他們的作品來看看他們的反應。展覽也展出了館藏的約70件西方藝術傑作，包括克勞德·莫奈、保羅·塞尚、莫里斯·丹尼斯等人的作品，都是一個非常有趣的展覽。

這就是為什麼這個計畫的許多參展者都活躍在批評等領域，而且場館裡的文本比典型的當代藝術展覽要多，在某些情況下，文本本身就是一件藝術品。

藝術家處理問題的方法和意識各不相同。

例如，在第一章「這個地方變成了什麼樣的記憶磁場？」中，中林忠義、內藤麗和松浦久夫討論了他們自己的作品以及塞尚、丹尼斯或中林忠義本人的作品。博物館收藏的前輩們的作品，如奧迪隆·雷東(Odilon Redon) 和魯道夫·布雷丁(Rodolphe Bredin)，他們追溯了表達的歷史血統，並在旁邊展出。將博物館定義為一個磁場，不同時代、不同地區的藝術家的記憶共存，相互交織，我們思考博物館的藏品會形成什麼樣的磁場。我們正在通過作品驗證海豚的存在。 。

在第二章「你對日本『西洋美術館』的存在有何看法？」小田原野花在她的新裝置《雕塑/克服現代性－由國立西洋美術館編輯》中探討了博物館的象徵意義。奧古斯特·羅丹的雕塑《思想者》從基座上移開，側放在鮮紅的地毯上，非常引人注目。

背面完全可見，許多參觀者坐下來欣賞“思想者”，認為他們可能再也見不到這種狀態的“思想者”了。當思考者跌倒時，坐墊的精緻舒適感讓他看起來像是睡著了，相當有幽默感。

與西方的博物館不同，小田原建在容易發生地震的地面上，也面臨著日本現代化進程中博物館所要面對的歷史“扭曲”，他說他對此產生了濃厚的興趣。這件事。

這個新裝置的作品包括在1923 年關東大地震中倒塌的《思想者》，以及在1922 年部落解放運動期間起草《平九社宣言》、後來在監獄中成為民族主義者的齋子萬吉等作品。其組成部分包括日本人畫作“Kishaku”，一個模仿五層寶塔的物體，每次地震都會倒塌並重建，以及博物館獨立開發的隔震平台。小田原的裝置作品探討了日本的地震和意識形態轉變的意識形態問題，「墮落」和「轉變」重疊，營造出提出複雜問題的外觀。

 

在第四章「這個地方可以成為多種生命/性的場所嗎？」中，高野隆在美術館展廳中重新創造了人類「生命」的空間，這個空間旨在成為一個無味、無臭、中性的地方。它很大。

對於個人來說遙不可及的傑作如果排列在普通的現代客廳裡會是什麼樣子？考慮到這一點，高野決定將博物館收藏的古斯塔夫·庫爾貝、文森特·梵高和盧卡斯·克拉納赫（他的父親）的畫作、埃米爾·安托萬·布德爾的雕塑以及他自己的攝影作品與宜家家具結合起來。由.組成的空間。

高野認為IKEA的產品是現代主義設計的巔峰之作，它消除了象徵權威的裝飾，讓人們過著簡單而充實的生活。任何人都會對庫爾貝和布爾德爾被放置在著名的博物館中感到不舒服，而這些博物館永遠不會出現在我們充滿如此實惠的時尚的日常空間中。不是嗎？大力士肌肉發達的雕塑，過度地表現了某種“男人是堅強的”，放在博物館前花園裡，會因其雄偉的外觀而令人讚嘆，但放在這個聰明的房間裡，卻顯得格格不入，而且是一個現代的——日間雕塑，它看起來像是與感性相反的東西。

隨著心理上的接近，我們看待作品的方式也發生了變化，但同時我也意識到，不受展覽空間的影響，只欣賞作品本身是多麼困難。

 

儘管博物館是希望以不朽的狀態保存藝術品並永遠保存到未來的機構，但作為實物的藝術品不可避免地會隨著時間的推移而慢慢改變。在第五章「這是一個作品生存的地方嗎？」中，竹村京討論了前松方收藏中的克勞德·莫奈的《睡蓮》，該作品於2016 年在盧浮宮被發現，當時已嚴重受損，目前已成為博物館的藏品。 ，重點關注柳樹的倒影。

一幅199.3厘米x 424.4厘米的巨幅油畫只經過了最低程度的保護處理，其缺失的部分被富有想像力地用半透明布上的絲線補充，使其呈現出雙層結構。我們宣布了1916年的商業廣告《睡蓮》。

竹村反對這樣一種觀點，即由於過度的修復，一個時期創作的作品被不同時代的人們的思想“文字”所覆蓋。在這件作品中，過去失去的記憶被巧妙地用可逆的絲線重新翻譯，“就像把西洋畫變成日本畫一樣”，從而使作品煥發光芒，同時保留缺陷。保護正在付諸實踐，確認這一點並為未來保留它。

最後一章，第七章“尋找未知的地方”，收錄了 2014 年去世的杉戶博、梅津洋一、坂本夏子和辰野登惠子的作品，以及克勞德·莫奈、保羅·西涅克、傑克遜·波洛克等人，透過在同一空間中面對過去高度實驗性的繪畫，我們試圖思考什麼是所謂的日本“當代藝術”，並衡量其實驗性的範圍。

本次展覽的策展人、國立西洋美術館首席研究員新藤敦在本次展覽的籌備過程中表示：“坦白說，國立西洋美術館並不是一個能夠給今天的人們帶來啟發的地方。” ”我有一種強烈的感覺，這可能不會發生。”參加這次展覽的一些藝術家的想法是從國立西洋美術館及其收藏中得到的，但這是因為他們有機會這樣做。

因此，在最後一章中，我們不再問國立西洋美術館的收藏如何為當今藝術家帶來啟發，而是問「今天畫家的畫作如何與過去的作品競爭？」我思考過這一點，我希望作家之間在不同時期對問題的相互認識上的異同能夠顯現出來，」他在解釋這篇文章的意圖時說道。

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新藤先生還表示，“我確信會有很多人對我自己的策展方式提出批評”，而這次展覽給人的印像是，展覽正在積極尋求批評，而不是融合各種可能性。聲音被提高。接收。參展藝術家對國立西洋美術館及其藏品傳達了哪些訊息？這將對日本當代藝術界產生怎樣的影響？我希望你能以敏銳的眼光來看看整件事情。

「這個房間已經成為未來藝術家睡覺的地方了嗎？——國立西洋美術館，65年前：當代藝術家的問題”

*文章內容截至報道時。最新資訊請關注展會官方頁面。

文章提供： Kokosil Ueno

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東京都美術館

 

2024 年是巴黎首次印象派展覽舉辦 150 週年。東京都美術館目前正在舉辦名為“印象派：從莫奈到美國——伍斯特美術館收藏”的展覽，追溯顛覆西方藝術傳統的印象派對歐美的衝擊和影響。 ，以美國伍斯特藝術博物館的收藏為中心。展覽期限至2024年4月7日。

伍斯特藝術博物館位於美國波士頓附近，於1898年開放，收藏約4萬件，從古埃及、古希臘和羅馬的古典藝術到世界各地的當代藝術。其中，他積極收藏印象派作為當時的當代藝術。自 1898 年開放以來，它一直是該系列的重要組成部分。

本次展覽重點在於印象派顛覆西方藝術傳統的創新及其在全球的傳播。館內的印象派收藏大多是首次來日本訪問，不僅有莫內、雷諾阿等法國知名印象派畫家，也有很少被介紹到日本的柴爾德·哈薩姆等美國印象派畫家。介紹40多位藝術家的約70幅油畫，其中包括一些最具代表性的藝術家。

展覽共分為5個章節。在第一章「挑戰傳統」中，巴比松畫派和現實主義畫家在法國家鄉熟悉的風景和自然中發現了美和新的題材，介紹了傳統繪畫，其中宗教和歷史繪畫處於鼎盛時期。這是印象派的先驅，發生在十九世紀上半葉，顛覆了藝術的等級制度。

同時，美國人們對這個國家壯麗的自然美景的興趣與日俱增，美國風格的風景開始流行。在本章中，您可以比較大西洋兩岸風景畫的興起。

溫斯洛·霍默 (Winslow Homer)是 19 世紀末的美國著名畫家，早在法國印象派出現之前，他就將戶外繪畫作為其作品的基本元素。 《冬季海岸》 （1892 年）是他職業生涯後半段的作品，當時他專注於描繪大海和麵對大海的人們，他直觀而大膽的筆觸描繪了洶湧的海浪拍擊緬因州海岸的情景。展現荷馬印象派的一面。

第二章“巴黎與印象派畫家”，克勞德·莫奈、卡米爾·畢沙羅和皮埃爾·奧古斯特，他們脫離了學院的傳統，走到戶外，用鮮豔的色彩和大膽的筆觸描繪了他們眼中的世界。- 展出雷諾阿等第一屆印象派展覽成員的作品。此外，還可以看到唯一參加印象派後續展覽的美國女畫家瑪麗·卡薩特的作品，以及被稱為“美國莫奈”的柴爾德·哈薩姆在巴黎求學期間的作品。

同一章節中介紹的莫內的《睡蓮》 （1908）是本次展覽的亮點之一。雖然這是一幅印象派山水畫，睡蓮失去了輪廓，彷彿融入了池塘，樹木倒映在水中，色彩奇幻，但也有他後期作品中明顯的抽象表現的跡象。 。

莫內在巴黎郊區西維爾尼度過了他的後半生，在那裡他繼續畫了250多朵漂浮在他創造的“水上花園”中的睡蓮。該作品是1909年在巴黎杜蘭德-魯埃爾畫廊展出的《睡蓮》系列之一，隔年被伍斯特藝術博物館直接從畫廊購買。如今，睡蓮被各個博物館收藏，但伍斯特藝術博物館實際上是世界上第一個購買莫奈睡蓮的博物館。

現場還將介紹博物館與藝術品經銷商之間關於購買該作品的往來信函副本，其中包括第一任館長對董事會的勸說、延期等利用信件和電報的生動信件。付款期限。我查到了。

第三章「國際擴張」討論了美國的約翰·辛格·薩金特、瑞典的安德斯·倫納德·索恩和比利時的阿爾弗雷德·史蒂文斯如何將在巴黎獲得的印象派精髓帶回自己的祖國，並將其應用到自己的藝術實踐中。 ，展出黑田精輝、久米慶一郎等日本畫家的作品。

其中許多並不是完全模仿法國印象派的風格，而是在與各地區的文化和社會融合中得到獨特的昇華，受到沒有接觸過印象派或從未去過法國的畫家的歡迎。它以多種方式傳播和發展。

本次展覽的亮點是第四章“美國印象派”，介紹了印象派在國際上尤其是在美國的傳播過程中是如何被接受的。

1880年代中期，歐洲印象派在美國藝術品經銷商和收藏家中流行起來，許多美國畫家前往法國滿足需求。評論家希望年輕畫家能夠發現“遠離歐洲主題的美國本土之美”，因此感覺美國的主題，例如新英格蘭鄉村和現代化的城市景觀，繼續受到青睞。我做到了。

柴爾德·哈薩姆（Childe Hassam）也在第二章中出現，他是第一個將自己在當地學到的印象派風格融入自己的作品中的人，並透過暑期學校和藝術家殖民地將其傳播到整個美國。

哈薩姆出生於波士頓，1883年第一次去巴黎時接觸了印象派作品，1886年至1889年在那裡留學。返回日本後，他定居紐約，並在那裡取得了成功，成為美國領先的印象派畫家之一。本章按時間順序展示了三幅不同主題的作品，並與第二章《法國花園採花》（1888年）一起，可以追溯他繪畫風格和興趣的變化。

《哥倫布大道，雨天》 （1885 年）以柔和的色彩和柔和的筆觸描繪了波士頓的雨天大道，遠處城市的朦朧氣氛和光亮的光彩的描繪，可以感受到印象派的影響。人行道上的光。你可以

巴黎留學後創作的《阿普爾多爾島西爾夫的岩石》（1907）讓人想起莫內的懸崖風景畫，觸感截然不同，透過改變拉長筆觸的方向巧妙地描繪岩石表面和波浪。基於即使在同一個地方風景也在不斷變化的想法，這幅作品是從不同角度和情境生動地描繪阿普爾多爾島風景的作品之一，採用了類似於莫奈系列作品的手法。

在《早餐室，冬天的早晨，紐約》 （1911 年）中，窗簾的放置是為了避開隨著摩天大樓的建造和汽車的氾濫而轉變為現代化大都市的紐約的喧囂，描繪了紐約的精緻生活。中上階層，關注城市生活。自 1909 年以來，哈薩姆一直致力於《窗戶》系列，該系列描繪了一個女人獨自在一個房間裡，就像這個一樣。幕後描繪的摩天大樓被認為是曼哈頓的熨斗大廈，被譽為紐約現代建築的象徵，是美國性的巧妙表達。

埃德蒙·查爾斯·塔貝爾（Edmund Charles Tarbell）是波士頓藝術界的重要人物，擁有眾多追隨者，以至於創造了“Turbellite”一詞，作為一名藝術老師，他以在巴黎學到的印象派為基礎來教導學生，傳播了獨特的表現風格到該地區。

《百葉窗》 （1898）因其淺色和豐富的色彩而具有印象派的感覺，但它對傳統形式和細節描繪的關注是波士頓畫派畫家的特徵。透過百葉窗的光線照亮場景所產生的光影對比令人印象深刻，類似於以倫勃朗為代表的巴洛克繪畫的明暗對比技術。

最後一部分，第五章，“尋找未見過的風景”，重點介紹了保羅·西涅克（Paul Signac），他採用了基於光學和色彩理論的點畫法，以及喬治（Georges），他在熱衷於野獸派之後成為立體主義的創始人。展覽展出了布拉克等畫家的作品，他們在印象派的影響後繼續探索新的繪畫形式。

喬治·英尼斯和德懷特·威廉·特賴恩是19世紀末美國流行的「色調主義」繪畫風格的代表畫家。印象派沉迷於大膽的色彩和視覺，而色調主義則強調使用灰色和藍色等柔和的色調來描繪寧靜、情感氛圍和無形的事物。

身為瑞典神秘主義者伊曼紐‧史威登堡的追隨者，英尼斯後來的作品呈現出越來越形而上學的傾向。 《森林池塘》 （1892）中所看到的霧濛濛的氣氛據說描繪了一種精神景觀，同時代表著現實和神聖的世界，可見的和不可見的。

另一方面，特賴恩在《秋天的入口》（1908-09）中透過溫和的顏料運用和精緻的光線，將馬薩諸塞州南達特茅斯的鄉村景觀變成了一個充滿神秘色彩的神秘烏托邦。做吧。

對於仍飽受內戰影響的美國人民來說，調性主義這些無形的情感場景提供了精神上的安慰。

「印象派：從莫內到美國——伍斯特美術館收藏」將持續至2024年4月7日星期日，以全球視角介紹印象派，它誕生於巴黎，改變了人們對美的常識，將畫家從嚴格的束縛中解放出來。規則..這是一個欣賞印象派魅力的寶貴機會，印象派至今尚未廣泛傳入日本，以美國和法國以外的其他國家為中心。其中許多作品都是首次在日本展出，請不要錯過這個機會。

「印象派：從莫內到美國：伍斯特藝術博物館藏品」概述

時期	2024 年 1 月 27 日星期六 – 2024 年 4 月 7 日星期日
場地	東京都美術館
營業時間	週五 9:30-17:30，直至 20:00（最後入場時間為閉館前 30 分鐘）
休息日	2月13日星期一（星期二） *但是，2月12日（星期一、假日）、3月11日（星期一）、3月25日（星期一）辦公。
參觀費（含稅）	一般2,200日圓、大學·專門學校生1,300日元、65歲以上1,500日元 *週六、週日、假日以及4月2日（週二）以後，特定日期和時間需要預約（當天有空位的情況下可以入場） *高中生以下免費。 其他詳情請查看展會官方網站。
由…贊助	東京都歷史文化財團、東京都美術館、日本電視台、日本電視台賓士、BS日本電視台、讀賣新聞
詢問	050-5541-8600（您好撥號）
展會官方網站	https://worcester2024.jp

*文章內容截至報道時。請查看官方網站以了解最新資訊。

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東京國立博物館

本阿彌光悅生活在戰爭時代，在藝術上表現出色，創作新穎。

如標題所示，即將在東京國立博物館平成館舉辦的特別展覽《本阿彌光悅的宏觀世界》透過多件作品展現了他的信仰和內心世界。

本文報導了活動前一天舉行的新聞預覽。

本阿彌光悅是誰？

活躍於江戶時代初期的本阿彌光悅出身於日本名劍鑑定師世家，是一位對日本後來文化產生巨大影響的藝術家。
他不僅因其家業造劍技藝高超而受到德川幕府和封建領主的高度評價，而且還被稱為書法家（書法大師）。出版，為後人留下了優秀的作品。

「一生受過奉承，完全尷尬的人」和「陌生人」 （《本阿美行城記》）
光悅以其深厚的信仰和閃耀的精神而受到讚譽，他創作的許多精美作品被指定為國寶和重要文化財產，並繼續受到高度讚譽。

走近古怪的本阿彌光悅的審美

本次展覽是

第一章 本阿彌家的家事與蓮花信仰－光悅藝術的泉源
第 2 章 歌本與蒔江光悅 – 爆炸性字與形式
第三章 光悅的筆觸與字體－二維空間的精湛技藝
第4章 光越茶碗-土劍

本章讓我們透過一些精美的作品來探討本網光悅的美感。

除了光悅自己的書法和陶器之外，博物館還展示了在同一信仰下聚集在一起的工匠們創作的漆藝作品，以及針對當時的社會狀況而創作的作品。此外，我們也關注本阿彌家族的信仰以及當時法華町居民的社會，創造了一個可以全面了解光悅狀況的展覽結構。

特別是第四章也是最後一章「光悅茶碗 – 大地之劍」中，展示了許多令人驚嘆的優雅茶碗，其中包括本阿美光悅的「時雨久樂茶碗」（重要文化財產）。給人一種成為本次展會亮點的感覺。

在這裡，您可以看到從各章節展出的作品中按流派選擇的作品。

漆

文學與書法世界編織的圖像鏈

國寶級的船橋蒔江硯盒位於本次展覽的入口處，其光彩和造型令參觀者驚嘆不已。
該硯盒以本阿彌光悅（1558-1637）的傑作而聞名，其顯著特徵是凸起的人字形蓋子。整個器身呈圓角長方形，蓋子做得比器身大。

整個盒子表面密密麻麻地撒滿了金粉，小船排列成波浪的圖案，它們之間的空間充滿了細密的波紋，銀色的詩字高高地鑲嵌在盒子裡。

劍

以本阿美家族的美學力精心挑選的名刀

光越的指劍作為唯一流傳下來的劍，時隔約40年首次向公眾展示。

作者金氏是鎌倉時代末期至南北町時代前半期活躍於美濃國志津（現在的岐阜縣）的刀匠。指背鑲有金質的“花神”，據說是光越的筆，附帶的劍架上飾有精緻的草，將整個劍鞘包裹在金漆中，華麗無比。

如果你破解了信物上的金嵌文字和爬草上的金漆的文字意義，你是否能看出光悅隱藏的感情？

書

光悅最充實時期的代表作品

以金銀漆描繪群鶴飛翔的文紙捲，上面散落著平安時代以來36位詩人的36首詩。字母的形狀和佈局巧妙地變化，以配合鶴的起落和鳥群的密度，你會驚嘆於它的活力感。
該書法與田原谷宗達的草圖合作甚至競爭，據說是光越展現其最充實風格的時期的代表作品。

這次展覽將是一次非常寶貴的機會，因為所有捲冊都將同時展出。

陶器

至今仍具有壓倒性存在的名碗

Raku茶碗是手工塑造的，並用抹刀雕刻而成，據說是光悅製作的茶碗，其設計在各個地方都給人留下了光悅自己的手部動作的印象。
但這部作品的特點就是壓抑這一點，整體給人一種寧靜的印象。據了解，名古屋出身的數喜役者森川如春男在16歲時就獲得了它。

活動概覽

時期	2024年1月16日（星期二） – 2024年3月10日（星期日） *部分作品可能會在展覽期間展出。
場地	東京國立博物館平成館（上野公園）
營業時間	9 : 30-17 : 00 *最後入場時間為閉館前 30 分鐘。
閉館日	2月13日星期一（星期二） *但是，2月12日（週一/假日）照常營業
入場費	一般：2,100日圓大學生：1,300日圓高中生：900日圓*繁忙時段，您可能需要等待入場。 *國中生以下免費。進入博物館時請出示學生證。 *殘疾人士和一名看護者免費入場。進入設施時請出示您的殘障證明。 *憑此展覽門票，還可以觀看僅限參觀當日的一般文化展覽。 詳情請查看展會官網門票資訊頁。
展會官方網站	https://koetsu2024.jp/

*文章內容截至採訪時。詳細資訊可能與最新資訊有所差異，請以展會官方網站為準。此外，本文中介紹的作品可能已經展出過。

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國立科學博物館

自2013年被列入聯合國教科文組織非物質文化遺產以來，日本料理越來越受到全世界的關注。

日本列島的大自然孕育出的多樣化食材、人們智慧創造的發酵等技術以及獨創性、烹飪方法和歷史變遷， “日本料理——日本的自然與人民的智慧”特別展覽正在國立科學博物館（東京上野）舉辦。展覽期至2024年2月25日（星期日）。

既然我報道了這個展覽，我就報告一下現場的狀況。

*該展會原定於2020年舉辦，但因新型冠狀病毒的影響而取消，將於2020年再次舉辦。

食物來自山，食物來自海。多樣化食材孕育的日本飲食文化

展覽由六個章節組成。

第一章是介紹，使用影片提出問題“什麼是日本料理？”接下來，將展示第二章“群島中種植的食材”，佔據了大約一半的場地。

從食物的基礎水開始，然後我們轉向蘑菇、野生植物、蔬菜、海藻、海鮮…日本列島南北綿延3,000 多公里，是世界上生物多樣性最豐富的列島之一，它將利用250 多個實際標本和模型，科學地呈現日本列島所帶來的豐富食材，同時也討論發酵技術等話題和湯料。有解釋。

例如，在水展區，專門用空間來講解水的硬度，如軟水和硬水。

水的硬度會根據地質類型以及作為日常水源的雨水（硬度本身幾乎為零）的停留時間以及鈣和鎂等礦物質在 1 公升水中存在的時間而變化。取決於它含有多少毫克。

根據世界衛生組織的標準，低於60毫升/公升為軟水，120毫升/公升以上為硬水，介於兩者之間的為中硬水。日本由於地勢陡峭、降雨量多、水滯留時間短，水基本上都是軟水。軟水沒有味道，食材容易溶解在水中，非常適合使用高湯來襯托食材風味的日本料理。

另一方面，歐洲大陸地勢平坦，水流緩慢，因此有大量的硬水，而硬水使食材在煮沸時難以溶解和分解，因此燉菜和其他使用肉類的燉菜已變得廣泛確立為家庭烹飪。 Ta。

我常聽到人們說，「日本是一個軟水國家，所以如果你去一個硬水國家旅行，有些人會發現喝水困難或胃部不適。」有些人可能不知道，用途也因水質而異。事實證明，軟水對日本飲食文化的發展做出了巨大的貢獻。

雖然說日本是軟水國家，但地區差異顯著，有些地方是硬水。展覽展示了從日本各地出售的各種硬度的天然水的塑膠瓶，並對可提取水的地形和地質進行了解釋和比較。

此外，日本多樣的地形和氣候，包括低地、高地、亞熱帶和寒溫帶，造就了植被的多樣性，尤其是蘑菇。全世界已知的蘑菇約有 20,000 種，據說約有 2,500 至 3,000 種分佈在日本，其中約 10% 的蘑菇有名稱。

在蘑菇展區，我們重點關注的是松露、牛肝菌等在歐美被視為奢侈食品的野生蘑菇，在日本也有分佈。它們產量很大，雖然很難想像古代的日本人不知道它們的存在，但它們並沒有被用作日本料理的配料。另一方面，日本人喜歡的滑菇和金針菇等黏糊糊的蘑菇在西方國家往往不受歡迎。

有趣的是，以同樣的方式出現的蘑菇之間存在著巨大的差異，一方面受到重視，另一方面卻被忽略。這樣，展覽就從延伸到世界各地的角度來闡述「日本食品」的形象進行了多次嘗試。

海鮮是日本料理常用的蛋白質來源。日本吃的海鮮品種據說是世界上最好的之一。日本列島周圍有各種各樣的水環境，從流冰覆蓋的鄂霍次克海到紅樹林和海洋的琉球群島。珊瑚礁。僅日本就約有4,700 種魚類。這些種類分佈嗎？

為了介紹各個物種不同的遷徙路線和棲息地，海鮮展區也準備了互動視訊展覽。將手放在日本列島週邊海域每個季節出現的各種海鮮的影子上，就會顯示該海鮮的信息，成為一種有趣的學習方式。

作為珍貴的展品，東京帝國大學的池田菊苗博士因發現並命名了高湯所代表的美味“鮮味”而聞名，他實際上生產了提取的鮮味成分谷氨酸（“鮮味”）。提到了從海帶中提取的 1 號提取物“蒸餾塔米酸”） 。

如今，鮮味已被全球公認為「UMAMI」。鮮味是由池田博士於 1908 年發現的，是不同於人們早已熟知的甜、酸、鹹、苦的第五種味道。然而，「高湯」本身是從海帶和鰹魚片等原料中提取谷氨酸、肌苷酸和鳥苷酸等鮮味成分而製成的，其歷史更為悠久，早在室町文獻中就已出現。時期。高湯的鮮味不依賴動物脂肪和油，而是帶出食材的味道，使其成為日本料理的重要組成部分，而日本料理往往比較清淡，以湯和蔬菜為主。

另外，當你同時品嚐胺基酸麩胺酸和核酸類鮮味成分肌苷酸和鳥苷酸時，會出現一種被稱為「鮮味協同」的現象，即鮮味明顯比不吃時更強。他們被單獨消費。這種現像在1960年就被發現了，其機制直到2008年才被闡明，但海帶（谷氨酸）和鰹魚片（肌苷酸）的組合在日本料理中開始流行，據說這是江戶時代的事。

高湯的展示讓我們一睹先人對食物永不滿足的好奇精神，儘管他們不知道鮮味的存在，但他們將自己的經驗運用到烹飪中。

卑彌呼和信長吃什麼？還有江戶時代食譜的複製展示。

會場後半段看點頗多，尤其是第三章《日本料理的起源》，解開了繩文時代至今日本料理的歷史，並以卑彌呼等歷史人物為主角、織田信長、佩里海軍上將、明治天皇。本次展覽的亮點之一就是再現名人餐桌的展示。

自奈良時代確立了以米和魚為中心的日本料理的原始形態，並被認為不潔而避免肉類消費的情況下，它已發展成為素食、本膳、懷石料理等多種形式，但這些都是有限的……這是只能提供給某些地方和職位的人的東西。直到江戶時代，日本的飲食文化才有了長足的進步，知識和技術才傳到民間。據說背後的主要因素是餐廳的發展、發酵調味料的工廠化生產以及由於識字人口的增加而導致的食譜的傳播。

展覽中將展出收集了100種豆腐菜餚的俏皮暢銷書《豆腐百珍》（1782年），以及因該書的熱門而出版的《蘿蔔烹飪的秘密盒子》，以及主打雞肉和雞蛋的“萬寶」。查看對日本飲食文化的傳播做出貢獻的原始食譜書籍，例如使用不同食材的“百林物”烹飪書，以及使用雞肉和雞蛋製作的菜餚的食物樣本書上介紹的食譜，就完成了。展覽旁邊有一個現代版食譜的二維碼，所以在家嘗試一下可能會很有趣。

第四章《日本料理的真、善、美》中，賞心悅目的錄像裝置聚焦於日本料理的構成要素，如廚師的生動技藝、炊具的精緻造型等。 ，還有我們老祖宗的審美意識，我給你。

文明和啟蒙運動到來後，隨著西方和中國美食的傳入，日本人民開始將他們創造的飲食文化稱為“和食”，並意識到了這個概念。歷史上，日本成功地融合了外國食材，開發出新的美食，例如日式與西式融合的烹飪方法，以及咖哩飯、那不勒斯意大利麵、炸豬排、拉麵等日式西餐和中餐。成為日本料理的一大特色。

在第五章「我的日本料理」中，透過先前的展覽了解了日本料理的製作過程後，其內容旨在讓您重新思考什麼是日本料理，其定義隨著時代的變化而變化。我做到了。

第二會場只有第六章《日本料理的未來》，講述了日本料理未來將如何變化，指出了鄉土料理和傳統蔬菜的重要性，並解釋了日本料理如何延續因應社會變化而改變，展望未來。在介紹解決糧食問題的嘗試和開發技術的區域，我們能夠看到罕見的人工孵化的細頭鰻幼體。

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如今，無論季節如何，都可以訂購世界各地的食材，並且可以透過網路輕鬆獲得任何國家的食譜。隨時隨地都可以體驗同樣的食物、同樣的味道……隨著同質化食品相關服務的擴張，日本飲食文化的多樣性和獨特性可能正在消失。然而，有些食材和口味是根植於當地的，如果我們想到改變西餐以適應日式風格和米飯和味噌湯背景的智慧和毅力，我們就忍不住了但想想未來，我覺得發展還是有希望的

如果您透過這次展覽加深了對日本列島多樣化的自然環境和人類活動的了解，也許您會發現日常的日本料理味道更加美味。

展覽期至2024年2月25日（星期日）。請來參觀我們。

「日本料理：日本的自然與人民的智慧」特別展概要

時期	2023年10月28日星期六 – 2024年2月25日星期日 *演出日期可能會有所變動。
場地	國立科學博物館（東京上野公園）
營業時間	9:00-17:00（入場截止時間為16:30）
閉館日	週一、年末年初（12月28日～1月1日）、1月9日（週二）、2月13日（週二） *但是，12月25日（星期一）、1月8日（星期一、假日）、2月12日（星期一、假日）、2月19日（星期一）開館。
入場費（含稅）	一般/學生2,000日元，小學生/國中生/高中生600日元 *學齡前兒童免費。 *持有殘障人證的人士和一名護理人員可免費入場。 其他詳情請查看官方網站的購票頁面（ https://washoku2023.exhibit.jp/ticket.html ）。
詢問	050-5541-8600（您好撥號）
展會官方網站	https://washoku2023.exhibit.jp/
由…贊助	國立科學博物館、朝日新聞

*文章內容截至訪談日期（2023年10月27日）。最新資訊請關注展會官方網站。

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上野之森美術館

上野森美術館正在舉辦「莫內：系列場景」展覽，透過《一疊稻草》、《 《睡蓮》系列。
展覽期限至2024年1月28日。

我參加了活動前的新聞預演，所以我會詳細報導會場狀況。

展出的作品全部都是莫內的作品。與國內外40多家博物館合作完成的有價值的展覽

克勞德·莫內（1840-1926）是印象派大師。

莫內對自然光和色彩有著非凡的感覺，他在不同的季節、天氣和一天中的不同時間觀察相同的地點和圖案，在多張畫布上創造出連續的印象和光的瞬間運動，他被稱為畫家他建立了一種稱為「系列」的創新表達方法，這在當時是史無前例的。

本次展覽是為了紀念1874年印象派誕生150週年（首次印象派展覽的舉辦）而舉辦的，展出了《稻草堆》、《睡蓮》等莫內的多幅作品。在重點展示一系列有主題的在繪畫的同時，我們也將介紹印象派先前的作品，例如首次在日本展出的大型肖像畫《午餐》 。透過日本國內外40多家博物館收藏的60多件傑作，可以追溯莫內的一生，延續他與時間、光不斷的對話。

標誌著印象派轉捩點的早期傑作《午餐》首次在日本展出

展覽依時間順序分為五個章節。

莫奈於 1840 年出生於巴黎，在諾曼第的一個港口小鎮度過了童年。從15歲左右開始，他就已經成為當地著名的漫畫大師，17歲時，在風景畫家尤金·布丹的建議下，他開始在戶外畫風景。

在巴黎接受畫家培訓後，1865年，他在傳統的公共展覽沙龍上贏得了兩幅風景畫，這是當時法國藝術家通往成功的唯一途徑，也是最好的市場，他在第一次嘗試中就入選了。儘管他首次亮相很成功，但1867年，沙龍的評審標準變得嚴格和保守，他並沒有受到好評。 1870年，他精心準備的作品《午餐》 （1868-69），高度超過230厘米，被拒絕。

在第一章「印象派之前的莫內」中，莫內的《午餐》將首次在日本展出，此外還有描繪荷蘭水邊風景的風景畫和肖像畫，莫內從1871 年逃離荷蘭後一直居住在荷蘭。普法戰爭..

《午餐》描繪了後來結婚的卡米爾和因經濟原因分居的兒子讓開始同居時，餐桌上的隨意場景。這是莫內早期的代表作之一，可以讓你體驗到難得一見的「黑色」風格，一種說法是，他大膽、粗獷的筆觸和鮮豔的色彩是新的表現方式，他把日常場景描繪得幾乎沒有敘事性，彷彿它們是真實的。偉大的畫作。據信，他在大銀幕上繪製這幅畫的事實令強調新古典主義的評委感到不滿。

以這次拒絕為契機，莫內遠離了藝術風格不同的沙龍，轉向了成熟的印象派。

1871年底，莫奈搬到巴黎郊區塞納河沿岸風景如畫的阿讓特伊小鎮，與到訪該地區的馬奈和雷諾阿一起致力於繪畫。為了尋找新的展示場地，1874年他與戰友們在巴黎舉辦了「第一屆印象派畫展」。雖然引起了關注，但銷量不佳，公司陷入財務困境。此外，1879年，他因病失去了妻子卡米爾，她是他最好的榜樣和理解者。

第二章《印象派畫家莫奈》展示了莫奈在1870年代和1880年代生活在如此艱苦的環境中，在塞納河流域各地旅行時創作的各種印象派風景畫。 。莫內更喜歡自然景觀，尤其是水邊景觀，而不是快速現代化的城市景觀。

大約在這個時候，莫奈模仿風景畫家查爾斯·弗朗索瓦·多比尼（Charles-François Daubigny），創造了一艘獨特的工作室船，船頂設有小屋，如《莫奈的工作室船》 （1874年）中所描繪的。這輛車可以承受戶外拍攝帶來的惡劣天氣，讓他可以自由移動，從獨特的水上視角捕捉他的許多作品。

尤其讓莫內著迷的是維特伊小村莊的景色，包括它的教堂，俯瞰塞納河，他反覆畫這個主題。其中，收藏於南安普敦市美術館的《維特伊教堂》 （1880）被譽為這一時期的代表作，他在畫布上運用了大膽的筆觸，試圖描繪出可見的時刻，倒映著不斷搖曳的水面，亮點是貼得很快。

同一章節中另一件引起我注意的事情是這幅畫，與同時期的其他作品相比，它以略為抽象和粗糙的筆觸描繪了維特伊荒涼的冬季景觀（ 1879）。

另一件以維特伊的自然為主題的作品是《維特伊的春天》 （1880），畫中畫的是一個女人和一個孩子，看上去是與她同住的奧赫德家族的妻子愛麗絲，是一幅表現力豐富的畫作。短而粗的觸感，細而短的線條，有節奏的線條如波浪般奔騰，混合著柔和的粉紅色。

當我比較這兩幅作品時，我的印像是後者作為畫面顯然更加穩定。可以想像，春天的溫暖到來和親人的到來，也許逐漸撫平了莫內因失去妻子卡米爾而深感的悲傷。

走向「系列」的想法。一組鬆散連結的同一主題作品

莫奈因19世紀末鐵路網的發展而遊歷歐洲各地，比起擁擠的休閒場所，更喜歡荒涼的海灘等自然風景，在一處集中度過了幾個月。或者說，我一邊重遊一邊創作。每年一次。

第三章“專注於一個主題”，介紹了捕捉單一景觀的多種表達的作品，例如諾曼底的普爾維爾海灘和埃特爾塔的奇怪岩石，這些都讓莫奈著迷。

特別有趣的是四件涉及普爾維爾海岸的作品。兩幅作品創作於1882年的《普爾維爾懸崖》和15年後創作於1897年的《普爾維爾懸崖》、《早晨》和《普爾維爾海的漣漪》，都描繪了可以看到海岸對面的懸崖。沙灘、海和天空的構圖相似。

不過，1882年的作品明顯強調突出的懸崖和礁石作為母題，而1897年的作品則母題較弱，更多地意識到天氣、海況和整體氛圍的變化，我感覺它是針對我的。

這四幅作品生動地傳達了莫內風格和觀點的變化，這只能從這四幅作品在同一個地點歷時十多年的時間裡完成來看出。

其他作品如《La Manneporte (Etretat)》 (1883)和《La Manneporte in Etretat》 (1886)都是具有一定順序的作品，給人一種鬆散的聯繫感，同一主題的變化。它可以表達為類似的東西。透過這個過程，莫內產生了創作一系列關於單一主題的繪畫的想法。

從第四章「系列畫家莫奈」開始，我們終於看到了本次展覽的重點「系列」的代表作品。

1883年，42歲的莫內搬到塞納河畔的吉維尼，作為他最後的家。莫奈最初以稻草堆為主題，這是該地區秋天常見的景象，但在 1890 年左右，他並排排列了多塊畫布，創作了根據天氣和時間的光線效果而創作的畫作。 .同時創建時時變化的描繪。 1891年，他在巴黎杜蘭德-魯埃爾畫廊舉辦了個展，將這些作品作為系列展出，獲得了巨大的成功，使他成為法國國內外最重要的畫家之一。

這堆稻草被認為是莫內認真實踐系統連續繪畫方法的第一個系列。

本次展覽的《稻草堆，雪的效果》 （1891）是杜蘭德-魯埃爾畫廊1891年展出的15件作品之一。稻草堆被大面積地放置在螢幕前面，幾乎處於陰影中的稻草堆與明亮的雪之間形成了美麗的戲劇性對比。

此後，他創作了一系列基於多種主題的作品，從1899年開始，他花了數年時間繪製倫敦的滑鐵盧橋和查令十字橋。

《滑鐵盧橋》共有41件作品，是倫敦系列作品中最多的，其中三件描繪陰天、黃昏和日落的作品將在場館展出。

畫面中似乎瀰漫著潮濕的氣氛，每幅畫都省略了作為母題的橋樑的細節，柔和的剪影彷彿漂浮在泰晤士河的薄霧中。亮點在於光棱鏡所創造的色彩的微妙和諧，就像改變印刷顏色的木版畫一樣，由於構圖相同，色彩表現的獨特性脫穎而出。

透過在各種色彩和光線的視覺效果中反覆觀看單一主題，觀眾會沉浸在作品中，並能夠追溯莫奈本人所經歷的“時間”，而這在螢幕上是不存在的。體驗它。我相信創造這種身臨其境的體驗也是莫內「系列」的目的。

這不僅僅是對光和色彩的簡單探索，而是「連續作品」如何共同發揮作用以及它們對觀眾產生什麼效果，創造出只有透過「連續作品」才能實現的新藝術。莫內有堅定的意願這樣做。

讓莫內成為「抽象繪畫之父」的睡蓮

莫內在吉維尼的家是他最大的靈感源泉，充滿了他的理想。我花了很多年的時間設計紫藤和牡丹等季節性花卉盛開的“花園”，以及據說是莫奈的傑作並受到日本花園啟發的“水花園”，目的是將它們變成繪畫主題。維護。園丁在這個「水上花園」的池塘裡種植的睡蓮成為了他晚年最偉大的系列作品之一的主題。在第二任妻子愛麗絲和家人的支持下，莫內繼續創作藝術，直到86歲去世，儘管他患有視力障礙。

第五章也是最後一章「睡蓮和吉維尼花園」介紹了吉維尼的場景和莫內喜歡的各種花園場景，包括睡蓮。

莫內於 1897 年夏天開始集中繪畫睡蓮，即他開始建造池塘四年後， 《睡蓮》 （約 1897-98 年）是他在職業生涯初期創作的八幅作品之一。睡蓮花朵和葉子的特寫構圖，靠近池塘表面繪製，形狀清晰。引起我注意的是花朵的大膽筆觸從遠處看時呈現出光滑的三維效果。

此時，你可以看到莫內的目光只集中在睡蓮上，黑暗的水面上沒有映出池塘周圍的樹木和天空。隨著歲月的流逝，我們的目光聚焦在水面上。隨著視力的惡化，他失去了深度，筆觸變得更加粗糙，形狀、色彩、光線在水面上融為一體，像鏡子一樣反射著周圍的環境，把他變成了一幅抽象畫。

這些後來的作品刺激了20世紀中葉的抽象藝術家，莫內的藝術受到了新的關注和重新評價。

這是一個很有價值的展覽，每件作品都是莫內的代表油畫《100%莫內》，沒有任何繪畫或底畫。這本書推薦給莫內的初學者，因為它展示了莫奈從印象派之前到晚年的風格變化。請來參觀我們。

「莫奈系列場景」概述

時期	2023年10月20日（星期五）至2024年1月28日（星期日）
場地	上野之森美術館（東京都台東區上野公園1-2） *從JR上野站公園口步行3分鐘
營業時間	9:00-17:00（週五、週六、假日~19:00） *閉館前 30 分鐘為止可入場。
閉館日	2023年12月31日星期日、2024年1月1日星期一（假日）
入場費（含稅）	建議預訂具體日期和時間 [平日（週一～週五）] 一般2,800日元/大學·專門學校·高中生1,600日元/初中生·小學生1,000日元 [週六、週日、假日] 一般：3,000日圓/大學/專校/高中生：1,800日圓/國中生/小學生：1,200日圓 ※學齡前兒童免費，無需預約特定日期和時間。 *其他詳情請查看展會官網門票頁。
由…贊助	產經新聞、富士電視台、索尼音樂娛樂、上野之森美術館
詢問	050-5541-8600（Hello Dial）全天 9:00-20:00
官方網站	www.monet2023.jp

※※文章內容截至報道日期（2023/10/19）。請查看官方網站以了解最新資訊。

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