[글쓴이:] nakano

우에노의 숲 미술관

가나의 빈민가 아구보그브로시에서 태어난 폐기물을 사용한 예술 작품의 여러가지.
지금 지속가능한 자본주의를 목표로 하는 아티스트 나가사카 마코의 활동에 전세계의 주목이 모아지고 있다.
현재, 우에노의 숲 미술관에서, 나가사카 자신 최초가 되는 미술관에서의 개인전이 개최중이다.

게임기, PC의 키보드···캔버스에 깔려 있는 것은 우리도 익숙한 전자 기기나 그 부품의 여러가지.
나가사카 마코는 선진국이 폐기한 깨진 전자기기로 독창적인 작품을 만들어내는 아티스트다.
그 작품뿐만 아니라 ‘서스테너블 캐피탈리즘’의 말에 상징되는 철학과 이익을 슬램 거리에 투자하는 방법이 전세계의 주목을 받고, 2020년에는 할리우드에서 그의 활동을 쫓은 다큐멘터리 영화 ‘ Still A Black Star ‘도 제작되었다.

「나가사카 마코전 Still A “BLACK” STAR Supported by 난보야」 는 자신 최초의 미술관에서의 개인전 개최이며, 미술가·나가사카 마코가 아트로 지속가능을 목표로 하는 발자취와 함께, 세계 평화에의 소원을 담아 약 200점의 작품이 전시되어 있다.

가나의 빈민가에서 만난 세계의 진실

「선진국의 우리들만이 행복하고 좋을 리가 없다」

나가사카 씨는 모인 보도진을 앞에 진지한 눈빛으로 호소했다. 그리고 100억엔 모아 가나의 빈민가에 재활용 공장을 건설한다는 자신의 비전에 대해 강력하게 말한다.

거리의 그림 그리기였던 나가사카 씨는 2017년 6월에 「세계의 전자기기의 묘장」이라고 불리는 가나의 빈민가 아구보그브로시를 방문. 거기서 선진국이 버린 전자기기를 구워 불과 1일 500엔의 일당으로 사는 젊은이들과 만나 충격을 받았다고 한다.

이후 나가사카 씨는 “우리의 풍요로운 생활은 이 빈민가 사람들의 희생하에 이루어져 있다”는 현실을 전하기 위해 예술의 힘을 사용해 매일 활동을 계속하고 있다.

세상이 아름답지 않으면 우리도 아름답게 인생을 걸을 수 없다

불타는 연기, 청년, 소 등이 일체화된 괴물과 같은 조형의 《질량 보존의 법칙》에서 볼 수 있듯이, 나가사카씨는 현지의 자연 환경을 무시한 소비 사회에 통렬한 비판을 받게 하고 있다.
그러나 동시에 나가사카씨의 말을 빌리면 우리는 태어나면서 ‘자본주의의 드래거(중독자)’이며, 자본주의를 전혀 무시한 사회형태를 즉시 실현할 수 없다.

그래서 그가 제안하는 것이 ‘문화’, ‘경제’, ‘사회공헌’의 3개의 기어가 지속적으로 돌아가는 형태, ‘서스테너블 캐피탈리즘(지속가능한 자본주의)’ 이다.
예를 들어 그의 가나 작품을 소유할수록 현지 쓰레기가 줄어들어 경제에 공헌하며 문화성도 높아진다. 그리고 동시에, 전세계에 이 문제의 메시지가 퍼진다. 자본주의의 형태를 잘 활용하면서 지속 가능한 선순환을 만들어내려는 시도다.

그러한 지속 가능한 캐피탈리즘의 활동의 일환이, 자신 최초의 NFT ※ 프로젝트 「MAGO Mint」이다.

그 제일탄이 되는 프로젝트 「Waste St. in NYC」 에서는, 매일 뉴욕의 거리에 버려지는 가전을 캔버스에 기대해, 한정 300장의 사진 작품으로 이루어지는 1점으로서 같은 작품이 존재하지 않는 독특한 컬렉션을 제작 했다.
며칠 후에 사라져 버리는 것이 작가의 에너지를 얻어 디지털상에서 아카이브스로서 계속 살아간다. 바로 NFT만의 시도라고 할 수 있을 것이다.

이 ‘Waste St. in NYC’ 의 하루 거래량은 무라카미 타카시 씨에 이어 그 정도의 규모에 이르고, 매출은 슬럼가의 리사이클 공장 설립을 위해 투자된다고 한다.

상대성 이론에 제시된 사랑의 형태

본 전시회에서 전시되고 있는 작품은 약 200점에 이르지만, 개인적으로 인상에 남은 작품 중 하나가 회장 종반에 전시된 《상대성 이론》이다.
이것은 선진·후진축과 빈부의 축으로 이상적인 사회와 사랑의 모습을 도식적으로 표현한 것으로, 아인슈타인의
“뜨거운 스토브 위에 1분간 손을 놓아 보면 1시간에도 느껴질 것입니다. 귀여운 소녀와 1시간 앉아 있으면 1분 정도 느낄 것입니다.”
라는 유명한 상대성 이론의 설명에서 영감을 얻은 작품.

즉, 사랑이 있으면 시간의 감각은 사라진다. 반대로 말하면, 우리가 ‘선진국’, ‘후진국’이라고 말할 때, 거기에 사랑은 없기 때문이다.
캔버스의 중앙에 나타나는 것은 바로 시간이 소실된 상태. 영원 평화이며 사랑으로 가득합니다.
그것을 실현하기 위해서는 우리 감상자의 참여가 필요하다. 캔버스 옆에는 코인 투입구가 설치되어, 투입된 코인은 파이프를 전해 「후진국」으로 도착한다.
바로 나가사카씨의 지속가능한 캐피탈리즘의 수법을 구현화한 작품이라고 할 수 있을 것이다.

그 밖에도 회장에서는 호빵맨에 영향을 받아 만들어진 ‘밀리 짱’의 애니메이션 영상, 올리브 재배를 위해 방문한 세토 내해의 투기 쓰레기로 만든 아트 작품, 그리고 코로나 젠 이전에 그려져 그럼에도 불구하고 2020년 이후의 감염증 확대에 의한 「뉴노멀」을 암시하고 있던 것 같은 미래 예상도《Let’s Go Diversity》등 다양한 작품을 전시.

슬램에 공장 건설, 그리고 세계 평화로.
아트로 세계를 바꾸려는 나가사카 마코의 시도는 지금 이 순간도 계속되고 있다.
꼭 회장에 발길을 옮겨, 당신도 「MAGO 프로젝트」에 참가해 보는 것은 어떨까.

※ NFT-「Non-Fungible Token(논펀지블 토큰)」=비대체성 토큰. 비대체성이란 대체할 수 없는 것. 토큰은 블록체인 기술을 이용한 암호화 자산. 지금까지 저작권 등이 남용되어 복사가 용이했던 인터넷 등에서 유통하고 있는 아트나 음악 등의 작품에 독자적인 고유 데이터의 식별 사인을 붙이면 소유가 명확해진다는 획기적 한 시스템.

※본 기사의 내용은 내람회 시점(2022년 9월 9일)의 것입니다. 최신 정보와 다를 수 있으므로 자세한 내용은 전시회 HP 등을 확인하십시오.

개최 개요

기사 제공: 코코실 우에노

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도쿄 예술 대학 대학 미술관

예술의 교육·연구기관으로서 중요한 역할을 담당하는 도쿄예술대학(구·도쿄미술학교).
그 소장품과 미야우치청 산노마루 상장관의 주옥의 컬렉션을 함께 전관하는 특별전
'일본미술을 끈다 – 황실, 아름다움의 옥수함'이 개막했다.

2022년 8월 6일(토) – 9월 25일(일)까지 도쿄 예술 대학 대학 미술관에서 특별전 '일본 미술을 풀다-황실, 아름다움의 야마테 상자' 가 개최 중이다.

본전이 개최되는 도쿄 예술 대학은 전신인 도쿄 미술 학교에서 오카쿠라 텐신이 1890년에 처음으로 체계적으로 일본 미술사의 강의를 실시한 장소이며, 일본에서의 예술의 교육·연구기관으로서 중요 한 역할을 담당해 왔다.

본전에서는, 미야우치청 산노마루 상장관이 수장하는 황실에 연고가 있는 명품, 우품에, 도쿄 예술 대학의 소장품을 더한 82건의 작품을 전관. 나라 시대부터 쇼와에 이르는 일본 미술을, 책이나 와카, 인물·이야기, 꽃새·동물, 풍경 등의 모티프나 테마별로 알기 쉽게 소개한다.

※기사의 내용은 2022/8/5 시점의 것입니다. 최신 정보는 전시회 HP 등에서 확인하십시오.

각 시대의 명품을 개관! 바로 「체험하는 교과서」

도쿄 미술학교의 창립에 진력한 오카쿠라 텐신은 미래의 미술을 만들기 위한 발 굳히기로서의 일본 미술사를 확립해 학문으로서 발전시켰다. 그 공적은 매우 크다고 할 수 있을 것이다.
그러나 일본에 한한 것은 아니지만, 미술을 감상하는데 있어서는 작자나 시대 배경, 전문 용어나 개념 등의 지식이 어렵기 때문에 경원되어 버리는 일도 적지 않다.

특별전 「일본 미술을 끈다-황실, 아름다움의 옥수함」에서 나타나고 있는 것은, 가능한 한 그러한 견고한 「일본 미술」의 이미지를 풀어 개별 작품에 접해, 친해 주려고 하는 의도이다. 회장에는 누구나가 아는 국보가 늘어서, 「교과서로 보았다!」등이라고 하는 회화도 연주할 것이다.

회장에서는 「문자로부터 시작되는 일본의 아름다움」 「사람과 이야기의 공연」 「생물 두근두근」 「풍경에 마음을 전한다」 라고 하는 테마별로 작품이 전시되어 「일본 미술의 옥수함」을 아이로부터 어른까지 각각의 시점 에서 즐길 수 있는 궁리가 집중되고 있다.

일본인의 감성에 의해 만들어진 가명 문자가 미술과 연결되어 가는 모습을 소개하는 1장 「문자부터 시작되는 일본의 아름다움」부터 전시는 시작된다. 이어지는 2장 '사람과 이야기의 공동 출연'에서는 쓰여진 다양한 이야기가 사계절 풍경과 사람들의 존재와 연결되어 아름다움으로 승화해 나가는 과정을 볼 수 있다.

이곳에서는 《 카스가 권 현험기화》나 《몽고습래 그림사》 등 작년 3노마루 상장관의 수장품으로서 처음으로 국보로 지정된 귀중한 그림 두루마리를 전시. 게다가 카노 에이토쿠작이라고 전해지는 《겐지 이야기 도병풍》 등에서는 헤이안 시대의 문학이 그 후의 일본인에게도 오랫동안 사랑받고 있었던 것이 전해진다.

생명 있는 것에 대한 일본인의 다채로운 눈빛과 표현에 주목한 3장 「생물 두근두근」에서는 주목의 전시 작품이 눈에 띄고 있다.
전 12폭이 일거에 전시되는 사카이 포이치의《꽃새 12개월도》 나, 이토 와카 헌작의 국보 《동식 윤화》 (후기 전시①), 谷文晁의 《호도》 (후기 전시①) 등 모두 일본 미술의 지보라고 부르는 작품이 늘어선다.

그리고 뭐니뭐니해도 주목은 우척(모모야마 시대, 16세기)을 카노 에이토쿠가, 좌척(에도시대, 17세기)을 카노 상신이 그린 국보 《당사자도병풍》 일 것이다. 카노 에이토쿠의 대표작으로 여겨지는 우척의 사자의 박력을, 꼭 회장에서 눈길을 끌었으면 한다.

4장 「풍경에 마음을 전한다」에서는 자연에 있어서의 전통적인 화제인 「하마마츠도」에 시작해, 서양화 여명기의 풍경화까지 자연·풍경을 모티브로 한 작품을 전관. 일본 고래의 풍경 표현의 에센스가 형태를 바꾸면서 근대화에 계승되어 온 모습을 따라갈 수 있다.

고성다 요시마츠의 《나이아가라 경도》 는 웅대한 나이아가라 폭포를 그린 메이지 시대의 그림. 화면 앞의 유람선과 폭포를 대비시킴으로써, 그 장대한 스케일이 감상자에게 전해지게 되어 있다.

미야우치성과 도쿄 미술학교의 노력에 의해 후세에 전해지는 명품의 여러가지.
모두가 아는 '그 작품'도 실제로 보면 신선한 감동이 있을 것이다.

꼭, 실물을 보러 회장까지 발길을 옮겨 주셨으면 한다.

※소장처를 기재하고 있지 않은 작품은, 모두 미야우치청 산노마루 상장관 창고

개최 개요

기사 제공: 코코실 우에노

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도쿄도 미술관

보스턴 미술관 설립 150주년에 해당하는 2020년에 기획되면서도, 신형 코로나 바이러스의 감염 확대에 의해 연기를 강요당한 본전.
그 ‘보스턴 미술관전 예술×힘(게이쥬츠토치에서)’이 만을 갖고 7월 23일에 개막했다.

2022년 7월 23일(토)~2022년 10월 2일(일)까지 도쿄도 미술관에서 ‘보스턴 미술관전 예술×힘’ 이 개최 중이다.
이집트, 유럽, 인도, 일본… 본전에서 출품되는 다양한 지역에서 수집된 약 60점의 미술품을 관철하는 날실이 되는 것은 ‘권위’ ‘힘’이다.

현대에서 예술은 ‘반권위’ ‘반권력’이라는 이미지를 가진 사람은 많다. 그러나 역사를 풀어보면 양자의 관계는 밀접하다.
고금 동서의 권력자는 그 힘을 유지하기 위해 예술의 힘을 이용하여 궁정을 물들여 그 정통성을 보여왔다.
그 결과, 권력자들이 때의 일류의 화가나 장인에게 만든 뛰어난 예술품은, 지금도 여전히 우리를 매료하는 빛을 계속 발산하고 있다.

본전은 이러한 「예술과 힘」의 관계성에 주목해, 보스턴 미술관의 백과사전적인 컬렉션 중에서 엄선한 작품을 전시. 예술 작품이 예로부터 맡아온 사회적인 역할에 초점을 맞춘다.

권력자들이 사랑한 장엄한 아름다움 컬렉션

오랜 역사 속에서 예술 작품은 감상용뿐만 아니라 다양한 역할을 담당해 왔다.
예를 들면 반다이크에 의해 그려진 메리 공주의 초상화는 드레스의 천의 질감이나 손의 우아함, 순수한 눈동자의 반짝임을 표현한 멋진 것이지만, 이러한 귀족의 초상화에는 왕족 동시의 혼인을 축하한다, 혹은 진행한다는 중요한 ‘역할’이 있었다.

담당 학예원인 오하시 나토코씨는

“예술을 통해 각 시대에 있어서의 권력자의 힘을 부각시키고, 그 힘을 나타내기 위해서 각 작품이 어떻게 사용되어 왔는지를 쫓는 전람회. 시대나 나라에 의해 다른 권력의 표현되는 방법에 주목해 봐 받고 싶다”

그리고 본전의 개최 의의를 말한다.

본전은 전 5장 구성. 장마다 다양한 각도에서 힘과 예술의 관계성에 초점을 맞추고 있지만, 시대와 지역성에 의한 차이에 대해 주목해 보는 것도 재미있다.

예를 들면 전시장 입구에 전시되어 있는 《대관식의 정장을 한 나폴레옹 1세의 초상》 에서, 나폴레옹은 금의 월계관이나 독수리가 첨단에 베풀어진 홀에서 심플하게 위엄이 가득한 모습으로 묘사되어 있습니다.

그러나 《헤이지 이야기 그림권 산조전야 토권》 에 있어서는 천황이라는 존재는 능의 안쪽에 숨어, 일본 미술의 전통에 준거하여 분명하게 나타내지 않았다. 쿠사나기의 검이나 팔목의 거울이라고 하는 레가리아가 결코 눈길을 건드리지 않게, 일본에 있어서 「권위」라고 하는 것은 숨겨지는 존재인 것이다.

옛부터 권위·권력에 ‘먹이 첨부’를 주는 것은 ‘신’, ‘하늘’ 등과 같은 초자연적·종교적 개념이었다. ‘거룩한 세계’라는 제목의 장에서는 ‘하나님의 대리인’이 된 권력자들이 만들어낸 종교에 관련된 예술 작품을 전시하고 있다.

성모자상이나 여래상은 물론, 수도사나 성인, 정신세계와 강한 연결을 가진 지상의 인물들의 동상도 많이 만들어졌지만, 엘 그레코의 《기도하는 성 도미닉스》 도 그 중 하나다. 도미니코회로 알려진 ‘설교자 수도회’를 창립한 성 도미니크스의 바로 사적인 기도의 순간이 강력한 필치로 표현되고 있다.

또, 권위·권력이라는 것을 직접적으로, 또 상징적으로 공개적으로 나타내는 것의 하나가 궁전이다. 본전에서 전시되고 있는 많은 예술 작품은 이러한 궁전, 궁정에서의 공식 의식이나 사회적인 관습과 깊게 연결되어 있다고 할 수 있을 것이다.
특히 의상과 장신구는 그것을 익히는 개인의 권력과 지위를 전하는 데 결정적인 것이다.

《마조리·메리웨더·포스트의 브로치》 는, 미국인의 마조리·메리웨자·포스트가 영국 왕 조지 5세, 메리 왕비와의 속견 때에 맨해튼의 마커스사로부터 구입한 것. 플래티넘과 다이아몬드 장식이 붙어 있어 중앙에 끼워진 60캐럿의 에메랄드가 찬연한 빛을 발하고 있다.
결국 이 브로치는 속견에 이용되지는 않았지만, 포스트의 쥬얼리 컬렉션 중에서도 보물처럼 소중히 여겨졌다고 한다.

일본에 있으면 국보? ! 마을 돌아온 명보들

미국의 보스턴 미술관은 “동양 미술의 전당”이라 불리며 100년 이상에 걸친 일본 미술의 수집은 어니스트 페노로사와 오카쿠라 텐신에 시작되어 지금 10만점을 넘는다. 그 방대한 콜렉션 중에서도 뛰어난 존재인 《요시비 장관 입당 에라마키》 는 앞서 소개한 《헤이지 이야기 그림책 삼조전야 토권》 과 함께 ‘일본에 있으면 국보’라고도 불리는 귀중한 작품이다.
그 2대 그림 권이 갖추어져 전시되어 바로 본전의 백미라고도 할 존재감을 발하고 있다.

《길비대신 입당 에라마키》는 견당사로서 바다를 건너는 요시비 진비가, 귀신이 된 아베 나카마로의 힘을 빌리면서 수많은 난제를 해결해 나가는 이야기. 장대하기 때문에, 실내를 코의 자형으로 둘러싸도록 전시되어 있다. 요요지 사나 호족에 의해 지켜 전해져 왔지만, 막부 말기에서 메이지에의 사회 변동을 받아 시장에 유출. 오랫동안 구매자가 없는 상황이 계속되고 있었지만, 이윽고 쇼와 7(1932)년에 보스턴 미술관에 의해 구입되었다고 한다.

「환상의 국보」가 된 본 작품. 감상하는데 있어서, 이 그림 두루마리가 뒤따른 수기적인 운명에 마음을 느껴 보아도 재미있을 것이다.

본전의 마지막을 마무리하는 것은, 좌폭과 우폭에 요염한 공작의 모습이 그려진 《공작도》 이다.
화가 마스야마 유키사이는 이름을 마사타카라고 하며, 에도시대 중기에 이세나가시마번(현재 미에현 쿠와나시 나가시마초)을 다스린 다이묘. 많은 화가·지식인들을 비호하고, 더욱이 자신도 많은 서화를 제작했다.
본전을 위해 수리되어 첫 마을 돌아가는 《공작도》는 눈사이가 많이 임한 화제로 바로 대표작이라고 할 수 있는 질의 높이를 자랑한다.

다양한 장소, 다양한 시대에 권력과 예술이 만들어내는 균형과 구배.
권력자들은 예술의 힘에 의해 자신을 과시하고, 의지하고 있는 이야기에 신화적인 정통성을 부여해 왔다. 그러나 본전에서 제시된 것은 권력에 종속될 뿐의 예술의 모습이 아니다.

예술은 그 안에 세속의 ‘힘’을 넘는 ‘치카라’를 숨기고 사람들의 마음뿐만 아니라 때로는 세계조차 움직인다. 모인 명보의 여러 가지를 바라보고 있으면 가슴 속에 그런 생각이 싹트는다.

일단 연기가 되어, 드디어 대망의 개막이 되는 본 전람회. 꼭 직접 회장에서 보실 수 있으면 좋겠다.

「보스턴 미술관전 예술×힘」개요

※기사의 내용은 취재일(2022/7/22) 시점의 것입니다. 최신 정보는 공식 사이트 등에서 확인하십시오.

기사 제공: 코코실 우에노

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도쿄도 미술관

「가구의 조각가」라고 알려진 덴마크의 디자이너, 핀・유의 작품을 중심으로, 동국의 가구 디자인의 역사와 변천을 소개하는 기획전 「핀・유와 덴마크의 의자」 가, 도쿄도 미술관에서 2022년 7월 23일부터 시작했습니다.

앞서 행해진 보도 내람회에 참가해 왔으므로, 회장의 모습을 리포트합니다.

모든 일상을 지원하는 '의자'에 초점을 맞춘 전시회

디자인 강국으로 알려진 북유럽 국가 덴마크에서는 "아늑한, 즐거운 시간"을 의미하는 Hygge (휴게)의 가치관이 라이프 스타일에 뿌리를두고, 가구 디자인의 면에서도 심플한 기분이 추구되어 왔습니다 했다.

특히 1940년대부터 60년대에 걸쳐, 덴마크에서는 역사에 남는 뛰어난 가구가 다수 등장하는 황금기를 맞이했습니다. 핀유르(1912-1989) 는 그런 황금기를 대표하는 디자이너 중 한 명입니다.

그의 낳은 가구는 신체에 기분 좋게 익숙할 뿐만 아니라, 우아한 곡선을 특징으로 한 모던한 디자인과 예술품 때 디테일의 아름다움이 두드러져, 그 조형미는 「조각과 같이」라고 평가되고 있다 합니다.

「핀・유와 덴마크의 의자」전은, 덴마크의 의자를 메인으로 한 가구 디자인의 역사와 변천을 버라이어티가 풍부한 작례와 함께 추적하면서, 거장 핀・유의 디자인의 매력에 육박하는 것.

전시의 마지막에는 실제로 덴마크 디자인의 의자를 체험할 수 있는 특설 코너도 준비되어 있습니다.

덧붙여 전시품의 대부분은 홋카이도 히가시카와초가 소장하는 세계적으로도 유명한 「오다 컬렉션」으로부터의 출전입니다. 본전의 학술 협력자의 한 사람이며, 의자 연구자의 오다 켄지씨(도카이대학 명예 교수)가 연구 자료로서 오랫동안 수집해 온 20세기의 가구·일용품의 컬렉션으로, 도쿄에서 정리해 소개하는 것 는 본전이 첫 기회가 된다든가.

제1장 “덴마크의 의자──그 디자인이 빠진 배경”

본전은 제1장부터 제3장까지의 3장 구성으로 되어 있습니다.

제1장 「덴마크의 의자」는, 유럽을 석권한 합리주의·기능주의를 내건 모더니즘 운동에, 덴마크의 젊은 건축가나 디자이너가 접하는 계기가 된 1930년의 스톡홀름 박람회의 소개로부터 스타트해 합니다.

전통적인 가구 만들기를 계승하면서 일반 시민에게 디자인을 개방한다는 덴마크 독자적인 모더니즘 운동을 주도해, 전통 가구를 연구·재구축하는 「리디자인」의 사상이나 인간공학에 근거하는 방법론을 제창한 「 덴마크 모던 가구 디자인의 아버지”라고 불리는 코어 클린트 (1888-1954).

그가 초대 교수를 맡은 덴마크 가구 디자인의 발전에 가장 영향을 준 것으로 여겨지는 덴마크 왕립 예술 아카데미 가구과의 창설 .

가구 장인을 효율적으로 육성해, 기술의 높이를 어필하는 전시회도 빈번히 개최한 가구 장인 조합 의 존재.

사진이나 포스터, 출판물, 영상 등 다양한 자료와 함께 전세계에서 사랑받는 덴마크의 명작 가구가 만들어진 배경을 정중하게 되돌아봅니다.

여기에서는 코어 클린트는 물론, 왕립 예술 아카데미 가구과의 2대째 교수가 된 올레 밴셔 , 일반 서민을 위한 여분의 장식을 배제한 기능적인 가구를 디자인한 보에 모엔센, 목재에 깊은 조예와 발군의 크래프트맨쉽으로 차례차례로 명작 가구를 낳은 한스·J·웨그너 등, 이름 디자이너들에 의한 다양한 의자를 일망할 수 있습니다.

자리, 등, 다리라는 심플한 기본 구조로 이루어진 의자이지만, 그 중에는 테니스 라켓에 붙는 가트를 사용한 헤르게 베스타 고드 젠젠의 "라켓 의자"나 아이스 콘 같은 모양을 한 베르나・판톤의《콘・체어》, 종이 접기로 만들어진 것 같은 그레이테・야르크의《프라이우드 의자》등, 약간 기발한 디자인의 것도 있어 실로 버라이어티 풍부.

다만, 기발해도 화려한 인상은 없고, 덴마크·디자인에 공통되는 차분한 분위기를 정리하고 있습니다.

동장에서는, 덴마크의 가구 디자인 황금기의, 놀라울 정도로 다양한 사고와 발상을 느낄 수 있을 것입니다.

제2장 「핀・유의 세계」

당시의 가구 디자이너들의 대부분은 코어 클린트의 문하생이나 가구 공방의 출신이었습니다.

한편 핀유는 미술사가를 지망하면서도 아버지의 권고에서 건축을 배우기 위해 1930년에 왕립예술아카데미에 입학. 건축 사무소에서 건물의 디자인이나 인테리어 디자인에 종사하면서 독학으로 가구 디자인을 배워, 1937년, 25세 때에 가구 장인 조합의 전시회에 첫 출품했다는, 이단의 경력의 소유자입니다.

제2장 '핀유의 세계'는 그런 건축가, 인테리어 디자이너, 가구 디자이너인 핀유의 초기 건축 드로잉에서 시작합니다.

1930년대 후반, 뛰어난 가구 장인 닐스 보터 와 짜서 독특한 형태를 탐구했을 무렵에 낳은, 《이지 체어 No.45》《치프텐체어》

1942년에 코펜하겐 북부에 지어져 평생의 일장이 된 자저(핀·유르 저택)의 설계.

국외에서 평가되게 된 1950년 이후의 일로서, 뉴욕에 있는 국제 연합 본부에서 손질한 인테리어 디자인이나, 스웨덴 스칸디나비아 항공의 사무실이나 여객기의 객실 디자인까지, 핀·유의 폭넓은 활동 의 전모를 소개하고 있습니다.

'조각처럼'으로 평가되는 핀·유의 작품은 조각가 한스(알)·알프 등의 추상 조각의 형태나 내재하는 미학에 큰 영향을 받고 있다고 한다.

특히 초기 작품은 조각적인 어프로치가 현저하고, 팔꿈치를 따라 매끄러운 암이나, 날씬하고 샤프한 다리가 흐르는 곡선은, 알프의 인체를 모티브로 한 조각과 같은, 추상화된 몸을 연상시킵니다.

"의자는 단순한 일용품이 아니라 그 자체가 형태이고 공간이다"라는 핀유르의 말대로 유기적인 형태를 가진 그의 의자는 앉아서 기분 좋을 뿐만 아니라 건축과 미술, 일용품과 농밀하게 울려 퍼지면서 공간의 조화를 낳는 점이 큰 매력이 되고 있습니다.

그 매력이 현저하게 나타나고 있는 것이, 핀·유르 저택의 관련 전시. 누구로부터도 간섭받지 않고 자신의 구상을 구현화할 수 있는 장소로서, 건물의 설계 뿐만이 아니라 가구나 일용품도 스스로 디자인했다고 하는 집념의 저택입니다.

윌헬름 룬스트롬의 회화 등의 예술 작품도 아름답게 배치되어 무성한 숲의 경치와 조화를 이루는 저택의 공간을 소개하는 영상 자료에서는 핀 유르의 디자인에 대한 미학의 일단을 느낄 수 있습니다.

제3장 “덴마크 디자인을 체험한다”

핀·유는 의자에 대해 “거기에 앉아 있는 사람이 없으면, 의자는 단지 물건에 지나지 않는다. 사람이 앉아 처음으로, 기분 좋은 일용품이 된다” 라고 생각하고 있었다고 한다.

그런 핀·유를 특집하고 있는 본전 특유의 코너로서, 제3장 「덴마크・디자인을 체험한다」에서는, 일상의 도구이며, 사용하는 사람의 생활을 바라보고 디자인되고 있는 의자 본래의 역할 에 돌아왔다. 무려, 30종류 이상의 덴마크의 의자에 실제로 앉을 수 있습니다!

핀·유는 물론, 제1장에서 본 덴마크의 가구 디자인 황금기를 지지한 디자이너들의 의자가 즐비. 사장석과 같은 가죽의 중후한 의자도 있으면, 야외 제작에 딱 맞는 접이식 의자도 있습니다.

의자에 직접 닿아 앉기 쉬움이나 촉감을 확인하거나 앉아있는 사람의 모습을 관찰해 보거나. 디자이너들이 각각 의자를 둘러싼 과제에 어떻게 마주보고 어떻게 해결했는가. 풍부한 발상을 몸으로 맛볼 수 있습니다.

여기에 소개되어 있는 의자와 조명기구는, 지금도 덴마크의 제조회사에 의해 계속 제작되고 있는 것뿐입니다.

'세계에서 가장 행복한 나라'로 알려진 덴마크.
가치관과 라이프 스타일이 끊임없이 변화하는 세계에서 심플한 디자인과 기능성, 그리고 어떤 공간에도 친숙한 보편적인 친숙함을 가진 덴마크 디자인이 전세계에 뿌리 내리고 있다는 사실은 나 우리가 편안하게 살기 위한 팁이 될지도 모릅니다.

모든 일상을 지탱하는 의자라는 친밀한 가구에 다시 빛을 비추는 「핀・유와 덴마크의 의자」전의 개최는, 2022년 10월 9일까지.

덧붙여서 본전의 개최에 관해서는, 2012년의 도쿄도 미술관 리뉴얼대로, 중앙동의 1층 「사토 케이타로 기념 아트 라운지」에 핀·유를 비롯한 덴마크의 의자나 테이블을 설치해, 휴식 코너를 신설한 것이 계기라고 합니다.

내관자가 느긋한 시간을 보낼 수 있는 아늑한 스페이스로 하기 위해 설치했다고 합니다만, 도쿄도 미술관의 건축과 북유럽 가구의 친화성의 높이도 물론, 공간의 인상을 일변시키는 가구의 힘에 도 놀랐다든가.

본전에 발길을 옮기면, 꼭 「사토 케이타로 기념 아트 라운지」도 들여다 보세요.

기획전 「핀・유와 덴마크의 의자」개요

※기사의 내용은 취재일(2022/7/22) 시점의 것입니다. 최신 정보는 공식 사이트 등에서 확인하십시오.

기사 제공: 코코실 우에노

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국립 서양 미술관

약 1년 반의 휴관을 거쳐 올해 4월에 재개관을 완수한 국립서양미술관.

리뉴얼 오픈 기념이 되는 본 전시회는 개관 100주년을 맞이하는 독일 폴크뱅 미술관과의 공동 기획이 된다.

양관이 자랑하는 100점 이상의 명품을 통해 자연과 사람의 대화에서 태어난 예술의 전개를 추적한다는 시도다.

이번은, 개최 전날에 행해진 보도 내람회의 모습을 전한다.

본전 「국립서양미술관 리뉴얼 오픈 기념 자연과 사람의 다이얼로그 프리드리히, 모네, 고흐, 리히터까지」 는 독일·폴크뱅 미술관의 협력을 얻어 개최된다.

폴크뱅 미술관은 독일 하겐의 은행원의 집에서 태어난 칼 에른스트 오스트하우스(1874-1921)가 19세기부터 수집한 미술품을 핵으로 하고 있지만, 한편 국립 서양 미술관도 마츠가타 유키지로 1866-1950)이 유럽에서 모은 서양 미술을 기반으로 한 미술관이다.

즉, 양관은 거의 동시대를 살았던 개인의 컬렉션을 기초로 하고 있다는 점에서 공통되고 있다.
오스트하우스는 탄광지대로 알려진 현지의 룰 지방 사람들에게 컬렉션을 개방하고, 또 마츠가타 코지로도 '공락 미술관'을 구상해 서민에게 서양 문화를 즐길 수 있는 기회를 제공했다.

두 사람의 실업가가 품은 뜻은 오랜 시간을 거쳐 본 전시회에서 낡았다고도 할 수 있을 것이다.

자연과 사람이 대화에 의해 울려 퍼진다.

본전의 테마는 「자연과 사람」이다.
2개의 미술관의 컬렉션이라는 테두리로 잘라낸 다양한 풍경과 자연의 모티프가 전 4장이라는 구성 속에서 서로 울려퍼진다. 고흐, 시냑, 쿠르베 … 그 작품의 그린 손은 틀림없는 서양 미술들의 '거장'들이다.

전시 내용에 대해, 본전의 담당 연구원·첸오카 메구미씨(국립 서양 미술관 주임 연구원)는, 「본전은 연대순이 아니고, 자연이라고 하는 것에 반복 바리에이션을 더해 가는 구성으로 했다」 라고 말한다 .

예를 들면 제1장 「하늘을 흐르는 시간」에서는 끊임없이 옮겨가는 자연의 여러상을 나타내, 제2장 「<그쪽>으로의 여행」에서는 작가 자신의 오감과 연결된 눈에 보이지 않는 심상 풍경을 전관. 계속되는 제3장 「빛의 건축」에서는 질서나 법칙 등 자연에 있어서의 영속적인 요소를 추출해, 최종장 「천과 땅 사이, 순환하는 시간」에서는 자연의 영속적인 사이클과 인간의 생명을 링크 만든 것 같은 작품을 찾을 수 있다.

「하늘」의 표현으로부터 시작되는 자연에의 눈빛은, 회장에서 행보를 진행하는 것으로 우리 자신의 정신의 심층으로 내려가, 곧 빛이나 우주의의 표현으로 종횡무진으로 변화해 간다. 그것은 마치 자연 그 자체를 둘러싼 장대한 여로인 것 같다.

100점을 넘는 작품으로 유럽의 자연 표현을 소개

본전에서는 독일 로망주의에서 인상파, 포스트 인상파, 20세기 회화까지 100점을 넘는 작품으로 유럽의 자연 표현을 소개하고 있다.
고흐를 비롯해 마네, 모네, 세잔느, 고건, 시냑, 노르데, 호들러, 에른스트 등, 서양 회화의 거장들의 경연에 의한 다채로운 자연을 둘러싼 표현을 즐길 수 있는 것 외에, 양관 각각이 소장하는 같은 화가의 작품 를 비교할 수 있는 것도 포인트다.

그런 작품군 중에서도 백미라고 할 수 있는 것이, 핀센트 판 고흐가 만년에 임한 풍경화 《깎아 넣는 사람이 있는 산=폴 병원 뒤의 보리밭》 이다. 만년 정신을 앓고 요양 중이었던 고흐가 '자연이라는 위대한 책이 말하는 죽음의 이미지'를 묘출했다는 대표적인 풍경화의 한 작품으로 이번이 첫 일본 방문이 된다.

제2장에서 전시되는 구스타브 쿠르베의 《파》 도 또한 단순한 객관적 사건을 넘은 엄격한 자연의 실상을 우리에게 보여준다.
프랑스의 산악지대에 자란 쿠르베에게 있어서, 오랫동안 미지의 세계였던 바다. 그는 1860년대 후반부터 이 웅대한 모티프에 본격적으로 임하게 되었다고 한다. 검은 청록색을 한 바다와 회색을 띤 아카이바라의 하늘이라는 색채 대비, 한층 더 그림 붓과 페인팅 나이프에 의한 질감의 그리기···간결한 구도이면서 작가의 뛰어난 기량을 엿볼 수 있는 작품이다.

최종장에서 압도적인 존재감을 발하는 것이 클로드 모네 《수련, 버드나무의 반영》《수련》 , 한층 더 독일의 여성 사진가 엔네・비아만이 한 바퀴의 수련을 촬영한 사진이 동시 전시된 공간 이다.

최근 프랑스에서 발견되어 수리 작업을 거쳐 2019년에 처음 공개된 모네의 《수련, 버드나무의 반영》(1916)과 유명한 《수련》이 같은 공간에서 울려 퍼지고, 우리의 마음에 이상한 감개 를 불러 일으킨다. 여기에 제시된 자연의 여러 가지는 매우 근접한, 미크로의 시점에 의한 것이며, 장대한 「하늘」의 전시로 시작된 이 여로가 종반에 접한 것을 느끼게 한다.

첸오카씨가 「작품이 출발점이 되었다」라고 말하는 본전은, 어디까지나 개개의 작품이 주역인 것은 틀림없지만, 벽면에는 동시대를 살았던 시인이나 예술가들의 말이 흩어져 또한 전시공간의 각 곳에도 모험적인 장치를 실시했다고 한다.
전시회를 열 때 첸오카 씨는

「작품 각각이 대화를 나누는 구성을 유의했습니다. 작품, 텍스트, 공간.

라고 본전의 볼거리에 대해 총괄했다.
꼭, 회장에 발길을 옮겨 자연과 사람의 울림을 피부로 느껴 주시면 좋겠다고 생각한다.

개최 개요

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