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國立西洋美術館

在東京上野的國立西洋美術館，從6月18日（星期二）到2019年的9月23日（星期一），2019年， “日本和芬蘭建立100年的外交關係。房子被舉行。

自舉辦展覽的新聞預覽以來，我們將在此次發布報告。

什麼是現代女性展覽？

現代女性展覽重點展示了獨立前後在芬蘭生活的七位女藝術家，以紀念日本與芬蘭建交100週年，並為該國的現代藝術帶來了重大創新。這是日本的第一次展覽。

展出約90件作品，包括繪畫，雕塑，素描和版畫。
最近吸引了全世界關注的海倫·沙爾貝克的作品，以及19世紀末20世紀初活躍的五位畫家的作品，以及兩位在巴黎與奧古斯特·羅丹一起學習的雕塑家的作品都在展出。 。

芬蘭女性藝術家的歷史

（照片）Helen Scharfbeck

芬蘭從19世紀末到20世紀初。
在此期間，芬蘭改變了婦女在社會中的地位和作用，以跟上俄羅斯的獨立運動和1917年出生的新國家的形成。

芬蘭的第一所藝術學校成立於19世紀中葉，在成立之初就在歐洲制定了一項罕見的教育政策，它推薦了性別平等的藝術教育。因此，這個時代的女性能夠在國際環境中獲得研究，並在海外留學機會和獎學金的支持下，開拓藝術家的職業生涯。

展出作品介紹

Maria Vik <在教堂>
1884年布面油畫，56.0 x 46.5厘米

一個直視祈禱的女孩。
看起來我會毫不猶豫地把目光轉向純淨的眼睛。

Helen Schallbeck <算命先生（黃色禮服女）>
1926年布面油畫，65.5 x 51.0厘米

這部作品的特點是整體色彩蒼白。
穿著黃色連衣裙的算命先生叫做凜。

Ellen Tesslev <芬蘭春天>
1942年布面油畫，70.0 x 54.5厘米

被春天到來感到振奮的女孩的形像被描繪得五彩繽紛。

（工作權）
Seagrid Shoman <自畫像>
沒有年油，帆布41.0×32.5厘米

（工作左圖）
Seagrid Shoman <Elisabetz Volf>
1940年布面油畫，42.0 x 33.5厘米

這些作品似乎是無法清楚識別的肖像。
奇怪的是，當你欣賞它時，你會覺得好像有一種豐富的表情浮出水面。

（工作權）
Erga Seseman <街道>
1945年布面油畫，73.5 x 54.0厘米

（工作左圖）
Elga Seseman <在咖啡館>
1945年油，紙板73.0×49.5厘米

右邊的作品描繪了一條被毀壞的街道的景觀。
這有點寂寞，但它讓我想起了一個人走在右邊的電影場景。

相比之下，左邊的工作。
穿著新時尚的女性有決心在芬蘭的新時代生存下來。

Seagrid Ahu Folssels <青年>
1880年代青銅42.0×43.0×26.0厘米

一個漂亮的女人。
充滿希望的表達並沒有讓我們對未來感到任何恐懼。

摘要

芬蘭女藝術家，她們在開拓女性在社會中的地位和作用的同時發展了自己的職業生涯。從他們的工作中，您不僅可以感受到芬蘭文化，還可以感受到性別平等和女性社會進步的基礎。場地充滿了那些盯著這些藝術家作品的人的熱情。

你想參加這個展覽並親身體驗一下嗎？

活動大綱

文章提供： Kokosil Ueno

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國立西洋美術館

東京上野國立西洋美術館，2019年6月11日（星期二）至9月23日星期一。
“國立西洋美術館60週年松田收藏展”
正在舉行。

自舉辦展覽的新聞預覽以來，我們將在此次發布報告。

什麼是松田系列？

Kojiro Matsukata（1866-1950），為國家西方藝術博物館收藏奠定了基礎的商人。
在神戶領導川崎造船廠（現在的川崎重工業株式會社）的松田在1916年至1927年間在倫敦和巴黎擴建了大量藝術品，在第一次世界大戰的船舶需求背景下擴大了業務範圍。我買的。當時的收藏品大約有3000件來自Monet，Gogan，Gogh的畫作，現代作品如羅丹的雕塑，中世紀的木板畫和掛毯。

“我想為日本人做一個藝術博物館”

從這些想法中收集的作品是Matsukata系列。

本次展覽追溯了松田藏品的形成和消散過程，以及約160件珍貴的藝術品和歷史材料建立的國家西洋藝術博物館。從序幕到結語的十個章節將向我們傳達松田的想法，他們將生命押在收藏中。

Matsukata系列的亮點

本次展覽的亮點大致分為三個。

第一個展示了前松田的一系列傑作，這些傑作散落在世界各地，包括文森特梵高的阿爾勒臥室（1889年）。

第二個是Matsukata直接在莫奈的工作室購買，並且在恢復長壽傑作“水百合和柳樹的反映”（1916年）後，它將首次亮相。

第三是當鬆田館藏在羅丹博物館的舊教堂裡時，法國攝影師皮埃爾施穆夫拍攝的365塊玻璃板中的16塊作為歷史材料被揭開是的

“睡蓮，柳樹的反映”努力工作恢復和未來的前景

在三個亮點中，最引人注目的是Claude Monet的睡蓮和柳樹思考 。
這是一項非常大規模的作品，使用的裝飾技術讓人想起日本楓樹的圖片，表明柳樹倒掛在睡蓮池塘的水面上。維修前的工作很少受到損壞。

國家西部藝術博物館的研究員Naomi Kashiwagi說： “在第二次世界大戰期間，逃離尋找納粹並將工程撤離給農民的過程中，他們被倒置並存放起來。猜到了“？”

在這項工作的情況下，最初修復需要三到四年，但由於恢復期短至一年，據說恢復被限制在最低限度。它很重，因為它是一項非常龐大的工作，只需要完成工作需要大量的七個人，這是一項艱苦的工作。

此外，栃木先生總結說： “我希望從長遠來看修莫奈作品，同時比較和研究未來莫奈的其他睡蓮系列” 。

展出作品介紹

文森特梵高< 玫瑰>

1889年布面油畫，33 x 41.3厘米東京國立西洋藝術博物館

在聖雷米精神病醫院住院期間，患有精神疾病的梵高吸引了附近的玫瑰。充滿活力，活潑的玫瑰用強烈的筆觸畫出來。

不僅玫瑰的質地，而且似乎感覺到氣味。

Camille Pissarro < 收穫>

1882 光面蛋彩畫，帆布70.3×126厘米 東京國立西洋美術館（Konjiro Matsukata，死者家屬捐贈）

這項工作成為畢沙羅的一個里程碑，它挑戰了膠水蛋白的材料， 並從傳統的風景畫家轉變為肖像畫家。 那些只被吸引為 同伴的人現在 將被吸引到前面。您將被寬敞的鄉村所吸引，在那裡您可以看到遠處的房屋。

我可以聽到風吹過的小麥的質地和工作的人的氣息。

愛德華蒙克< 雪中的工人>

1910年布面油畫，223.5 x 162厘米 私人收藏，東京（存放在國家西洋藝術博物館）

這是由蒙克年末繪製的一幅畫。在深雪下在惡劣條件下工作的工人。三名男子肩上扛著勺子，在前面的雪地上刺傷，並以驕傲的眼光看著這個人。在他們身後，生動地描繪了默默工作的人。

每個圖中都沒有黑暗，而是可以感受到均勻的亮度。

Charles-FrançoisDaubigny< 維拉瑞維爾海岸，日落>

1870年布面油畫100×197厘米東京三井住友銀行

風景畫家巴比森的年末工作。

波浪的聲音在大海洋和落日的天空中靜靜地流淌。在沙灘上散步的人們的風景和人物令人印象深刻。人們只能看起來很小，但它是什麼樣的表達方式？上班後你有光明的臉嗎？

我可以激發我的想像力。

Matsukata系列由於關東大地震和昭和金融危機而丟失，一直追求奇怪的命運。
本次展覽中展覽的標題仔細描述了購買作品的時間和地點，其設計使您可以了解過渡的歷史。

Matsujiro Kojiro的夢想是“我想為日本創造一個藝術博物館”，這個夢想在幾十年後就已經成熟。
你為什麼不來場地嘗試觸摸那種感覺的一端？

活動大綱

文章提供： Kokosil Ueno

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東京都美術館

從2019年4月23日（星期二）到7月10日（星期三）， “維也納克里姆特展覽會和日本1900”將在東京都藝術博物館舉行。在開幕之前，新聞預覽於4月22日舉行，我們將講述情況。

使用許多小母豬的華麗裝飾。世紀末的感性，也能感知死亡，愛慾和生命鏈。在19世紀末的維也納，由畫家古斯塔夫·克里姆特（Gustav Klimt，1862-1918）創作的可愛的女性雕像和風景仍然非常受歡迎。

這個展覽是為了紀念他去世後100年，從早期的自然主義作品到大家都知道的“黃金時代”時代的風格，女性的繪畫和山水畫，克里姆特的油畫已經在日本過去超過25件作品的最大集合。此外，將同時介紹在同一時期活躍的畫家的作品，受克里姆特影響的日本藝術品等，並將全面了解克里姆特的繪畫業務。

展覽風光

本次展覽共有八章。

我克里姆特和他的家人
二訓練期和劇院裝飾
三，私生活
IV維也納和日本1990
維也納分離主義者
VI山水畫
VII肖像
VIII生命的聯繫

克里姆特在生活中沒有多說話， 說 ： “如果你想了解我，你應該仔細觀察我的照片。”
從他的照片傳來的只是“生命”本身，以支持這些詞。展覽的組成也是從一開始就遵循克里姆特的繪畫作品。

克里姆特是一種華麗的金色風格，但它的風格是經過反複試驗而產生的。克里姆特最初通過工作室“藝術家公司”的管理工作從事正統的古典繪畫，但他的共同擁有者，他的弟弟，很快轉向了1897年的“維也納分離主義者”。克里姆特成為其第一任總統，並取得了學術和保守的風格，並帶來了獨特的世界觀。

此外，本次展覽將向您介紹移動克里姆特的風格，但第4章不容忽視。
克里姆特喜歡收集日本藝術品，如浮世繪和凱，但他展出的作品展示了他的研究成果，如“17歲的Emilylier Frege” 。我將在“日本和克里姆特”的背景下解讀和解釋繪畫世界。

展出作品介紹

Gustav Klimt“Judit I”1901

朱迪思一世，被稱為克里姆特的傑作。

“這項工作具有使克里姆特成為今天著名畫家的所有元素，”奧地利藝術博物館Belvedere的策展人馬克斯·費林格說。

這個主題是舊約外交聖經的一個場景。一個年輕的寡婦，朱迪思，誘惑了Holofernes，他已經包圍了猶太鎮Bethuria，並切斷了他的脖子。
程式化的構圖，裝飾圖案，暴露裸體的寡婦的色情。最重要的是，使用真正的金箔，這是一個真正成為“黃金時代的終結”的象徵性作品。

雖然朱迪托用他空洞的眼睛看著這個眼睛的表情很害怕，但此時克里姆特不得不通過讓兩個未被提交的孩子來支持他，這種個人情況反映在他的工作中好像已經完成了（！）。

Gustav Klimt“Eugenia Primafez的肖像”1913年或14年

作為克里姆特最重要的支持者之一和富有的銀行家的妻子的女人的肖像。
屏幕上有五顏六色的鮮花，右上角是瓷器，或像徵著可能受到景泰藍雕像啟發的好運和長壽的象徵。

值得注意的是背景的黃色。克里姆特在後來的大部分作品中都使用了補色，在這部作品中，背景黃色和優生服飾的顏色以及花卉裝飾形成鮮明對比。

古斯塔夫克里姆特“三代女性”1905年

第八章，題為“生命的聯繫”，討論了克里姆特的圖像世界受到嚴重影響的主題，生命與性的關係，從生殖到死亡。

這部作品是直接涉及這些主題的作品，在本次展覽中展出的克里姆特作品中有著非常神秘的存在。

睡覺的嬰兒和年輕女性充滿活力，由鮮花著色。一位老婦人，背後以一種虛偽的姿勢嘆了口氣。
這是一個在一個屏幕上描繪“三代女性”的傑作，象徵性地描繪了女性在其生命的每個階段的形象。
裝飾的奇特之處，如三角形，圓形和彩色漩渦，也令人印象深刻。

1911年至1913年間在羅馬看到作品的日本藝術家太田太郎指出，在日本繪畫的描繪和朋友的模式中，可以看到“日本繪畫的味道”。 。克里姆特的作品說，日本的獨特之處，顏色和圖案的組合是獨一無二的。在這項工作中，似乎維也納和克里姆特繪畫中的日本繪畫的生活是遺傳的。

“所有的作品，無論是肖像畫還是風景畫，都是古斯塔夫·克里姆特（Gustav Klimt）的共同點，畫作是飾品。這不是用引人注目的東西繪製的，因為肖像也被視為裝飾性的，這是克里姆特畫作的特徵之一。“

Marks Ferringer在展覽評論中強調克里姆特畫作中的“可裝飾性”，同時他在19世紀維也納藝術世界的背景下說“最重要的存在”。

他的思想世界可以通過輪流繞過一些場地來看到。一生。
請在場地享受各種各樣的表達，包括創新和色情，以及“金色風格”。

活動大綱

文章提供： Kokosil Ueno

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東京國立博物館

在平成館，將於2019年3月26日（星期二）至6月2日（太陽）舉辦特別展覽“國寶寺 – 庫凱和佛像曼拉”。

在我們參加活動前舉行的新聞發布會時，我們將講述情況。

To-ji Temple（Koh Gokoku-ji Temple）與West-ji Temple一起建造，作為保護大城堡的公共寺廟，以及Heian-Kei的首都搬遷。 空海弘法大師，誰歸還學習深奧的是在唐新佛教，期待冬治比嵯峨天皇823年間，是真言密教的根本道場。

Kukai說： “神秘主義是如此之深，很難用句子來描述。相反，我畫了一幅畫並將其展示給我無法理解的東西”（“Gyorai目錄”） ，我強調了這一點。從這個角度來看，神秘藝術中仍有許多優秀的作品。

在這個展覽中，我們介紹了東寺的各種文化資產，包括許多與Kukai有關的著名寶藏。

在接下來的七天，去上學的路上

Kukai說根據經文練習和練習是保密的。各種學科中最重要的是在Shingon-in舉行七天后的實踐，這是一個在宮殿中設立的世俗神殿。

它為國家的安全和皇帝的健康祈禱，自明治時代以來一直在東京舉行。

目前尚不清楚正在進行什麼樣的練習，但是對於這個展覽，允許在儀式期間在道場設置攝影，並且在展廳中再現這種情況。這是了解珍貴儀式的寶貴機會！

兩個世界曼荼羅

曼陀羅以各種方式直觀地展示了佛教經典的世界觀。 Kukai強調的“兩個世界的曼荼羅”是代表世界經典“戴日經”和“孔子商會”的“Jokura世界曼荼羅”。它指的是Kongokai Mandara。兩個世界曼荼羅也在7天后使用。

在本次展覽中，我們將在此期間更換並展示3套兩個世界曼荼羅（共6個）。

從3月26日（星期二）到4月7日（星期日）顯示。 Kukai是從中國帶回的彩色曼陀羅（Nera Mandara）的第二個成績單，被指定為重要文化財產。

曼陀羅是一種向任何人展示深層世俗教義的方式。 Mandala的佈局圖也在展出，所以請嘗試破譯以Dainichi為中心的世界。

三維曼荼羅

在To-ji寺的禮堂，據說21組佛像三維地代表了“孔宗”的世界觀，這是一個深奧宗教的基本經典。這些三維曼荼羅是由Kukai設計的。其中，展出的15個展覽將是有史以來規模最大的展覽。

Kukai說： “曼陀羅的佛像在森林裡整齊地排列成一棵樹，有各種顏色的紅色和藍色 。”它被認為是一個意識到孔戈世界曼荼羅的詞。就像這些文字一樣，這是一個傑作，15個佛像在一個大型展廳排隊。

您還可以欣賞著名佛像1號佛像的佛像。

VR工作“Kukai形式的祈禱”

在主要展覽的同時，VR工作“Kukai祈禱形式”正在東京國立博物館的一樓進行放映。

除了遵循Kukai到來的動作場所建設之外，您還可以通過VR技術欣賞再現21個三維曼陀羅的佛像的形象。位於三維曼荼羅中心的7米高的“Dainichi Nyorai”以全尺寸投影，這是一個強大的分數。請與本次展覽一起享受！

活動摘要

文章提供 ： Kokosil Ueno

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台東區朝倉雕刻博物館

Asakura Sculptor’s Museum博物館距離Yanaka Ginza購物區有3分鐘步行路程，保留了市區的氛圍。作為雕刻家Fumio Asakura（1883-1964）的工作室和住所的建築向公眾開放。當然可以通過朝倉的手來欣賞雕塑作品，但是朝倉自己設計的建築物登記了該國的有形文化財產（2001年），整個地點是“前淺倉文雄花園”。被指定為（2008）的景點。近年來，您可以在這裡欣賞作品，建築和花園的朝倉雕塑博物館吸引了海外遊客的注意。

這一次，在8月8日（週五）至2019年6月5日（週三）舉行的展覽中，在朝倉雕塑家大廳接受采訪， “在被選中的過程中被選中的帥哥★Oshimen”我會告訴你的。

在朝倉雕塑博物館舉辦的作品中，常設展覽的特色展示了工作人員認為很帥的作品。

前面是工作人員的熱門NO.1“賽前”。小臉，身體結實，肌肉發達

工作室，一個大窗戶，倒入自然光線。使用混凝土時有點溫暖的氣氛，因為曲線被大量使用。看起來陰影也很柔和。天花板高度為8.5米。

使警犬明星號成為模特的工作被選為帥哥。不僅是人，而且模仿動物的作品都忠實地再現了真實的東西並看到了細節。這是一個悲傷但令人髮指的明星。

朝倉的代表作“Tombguard”。這部作品描繪了一位嚴肅病房老人的未受污染的外表。生活經歷散發出來的表情很帥

繼續從工作室到研究。

存儲在內置書架中的大約一半的大書都是外國書籍。大多數外國書籍來自東京藝術學院（現為東京藝術大學）在朝倉時的助理教師Toru Iwamura。在Iwamura去世後，Asakura負債並將它們全部收集在一起，這樣他的書就不會消散。朝倉深深地尊重岩村，並從他身上學到了很多東西。

我在研究中發現了一個英俊的人物。雙葉雕像

一個名為“雙手合作”的書擋

到目前為止，它是由混凝土製成的，但是從住宅後的起居室開始是木製的。具有良好美感的朝倉善於協調不同的元素。由混凝土製成的工作室和由Sukiya製成的木製部件相鄰，沒有任何不適感。

許多中國書籍都歸。朝倉更喜歡中國的愛好生活

這是一個走廊花園，尤其應該注意木製部分。所有客房均設計為展示充滿大量水的花園，您可以根據自己的外觀欣賞不同的景緻。來自大分縣的Asakura富含水，似乎特別強調這個花園結構。 Asakura將過著這樣一個生活，感受到這個住宅的季節變化。

據說Asakura沒有生產雕塑，因為空調沒有效果，空調效果不佳，因為工作室有很大的天花板和寬敞的空間。我在房間裡寫了一份手稿，在寒冷的天氣裡看到了花園

通往二樓的樓梯。它使用了大量的原木和竹子，並且具有獨特的設計，結合了圓度和直線

從二樓看到的混凝土建築（右）和木製Sukiya（左）之間的界限。不同的材料令人欽佩地融合

在三樓，我們有一個日式房間接待一個名為“為朝陽”的客人。在這個房間裡，您可以感受到朝倉的承諾，使用奢華的材料，例如襯有Kojiro雪鬆的雪松樹皮的天花板和帶有碎瑪瑙的牆壁。

地板之間沒有水平差異，牆壁是圓形的。 sencha愛好的設置和味道是對整體的一個很好的總結。前面的桌子由朝倉設計，可以拆卸成壁櫥的大小

混凝土建築的屋頂上有一個花園。

朝倉將此命名為“朝倉雕刻塾”並收到了許多門徒。作為他們教育的一部分，他們在屋頂花園種植蔬菜，讓門徒有機會觸摸土壤，觀察從種子變成蔬菜的過程。朝倉的風格被稱為自然現實主義，但我熱衷於詳細觀察模型並忠實再現它。通過這種方式，有一種信念，即技術是用自己的雙手觸摸物體，並從你感覺到的地方進行精煉。

橄欖樹

今天，屋頂花園種植了百子蓮和玫瑰，每個季節都會招待遊客。另外，蔬菜園部分栽培，蔬菜栽培。

喜歡東方蘭花的朝倉在二樓做了一個種植蘭花的溫室。目前，貓雕塑在“Ranma”展出。朝倉喜歡貓，並留下許多貓圖案的作品。

在此次展覽的同時，還舉辦了“台東鳥棲”相關項目“Yohito Saito Photo Exhibition” 。

朝倉雕塑博物館有五件作品，攝影師Yoto Saito為Taito Ward出版的文化藝術公關雜誌Taito Tosu拍攝。

朝倉雕塑博物館，包括花園和建築，都可以說是在朝倉的美學下創造的。每個角落都能感受到朝倉的承諾，外觀也足夠了。獨特的項目展覽“國內選擇帥哥”和“台東鳥棲”相關項目“Yoshido Saito攝影展”將於2019年6月5日（星期三）舉行。一次抓住這個機會怎麼樣？

使用指南

※進入大廳時請準備襪子

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國立西洋美術館

在2019年2月19日星期二至2019年5月19日期間，在國立西洋美術館，國立西洋美術館開放60週年期間，將舉行“勒柯布西耶繪畫建築 – 純淨時代” 。展覽會於2月18日舉行，我會告訴你它是怎麼回事。

國立西洋美術館，2016年被聯合國教科文組織列為世界遺產。這座主樓由Le Corbusier設計，他被稱為20世紀建築大師。

建築，繪畫，雕塑，詩歌…… Charles-Edouard Jeanure（Le Corbusier的真名），一位開展了各種活動的藝術家，是在第一次世界大戰結束後的1918年底，與建築機械文明進步相對應的“建築與整合”我開始練習藝術家Purismu 。 Jeanuret在20世紀20年代得到了Purrism的創作以及與巴黎藝術世界的交流，得到了極大的讚譽，重生為現代建築“Le Corbusier”的旗手。

本次展覽是為了紀念國家國立西洋美術館開館60週年而舉辦的，展出了勒·柯布西耶在巴黎創作新藝術運動的年輕日常畫作，以及他的當代作家畢加索。 ，Black，Leger等人的大約100件藝術品，包括建築模型，出版物和圖像等材料。在他的建築中體驗Le Corbusie世界時代的精神是一次非常寶貴的機會。

展覽景觀

場地景觀。從展廳二樓俯瞰一樓的”19世紀大廳”

二樓展廳。高天花板和低天花板相結合，柱子有節奏地排列。從連續窗口到達的明亮光線看起來像自然光

最初，他的朋友Ozanfan編輯並出版了“Esprit Nouveau”雜誌的封面

與勒·柯布西耶（Le Corbusier）有朋友的作家的作品，如潛水立體雕塑家，與建築空間緊密相連

您可以享受勒·柯布西耶（Le Corbusier）設計的建築師的精確模型，這是真正的驚險之一。這是“La Roche-JeanuléHouse”的1/30型號

Fernand Leger的畫作通過純粹主義運動深深地與Le Corbusier的朋友們合作。用簡單的表面和線條代替您所看到的是Purismu繪畫的特徵

顯示組合物如下。

ⅠPurismu的誕生
Ⅱ與立體主義的對抗
Ⅲ純淨的頂部和末端
勒·柯布西耶在Ⅳ純粹主義之後

這個展覽將從國立西洋美術館的”19世紀大廳”舉行，這個空間成為二樓的走廊。這是基於Le Corbusier提出的“休閒成長藝術博物館”的概念，該建築從中心螺旋式展開。

通常情況下，永久性展覽通常都是這個空間，但是牆壁的顏色比往常更明亮，以便將“勒柯布西耶的繪畫融入建築 – 建築 – 純淨時代”，它就像一個不同的空間而誕生我很驚訝。

“這是一個充滿光明的空間，這是Le Corbusier最初打算展出的展覽空間，他工作時代的畫家，朋友的作品，以及勒柯布西耶的建築談話的外觀我能感覺到，我認為與常規展覽有很大的不同。“

這就是國立西洋美術館副館長村上博之的原因。
除了觀看圖片和雕塑外，一定要考慮工作與建築之間的關係，並看看走廊。

展覽工作介紹

Charles-Edouard Jeanure（勒·柯布西耶）“獨立展覽中的大型靜物展”1922年斯德哥爾摩現代藝術博物館

通過最具紀念意義的方式實現了Purisumu的“以普通現實主題創造創造性和普遍性藝術”的理念。

我認為很難理解桌子上的吉他，瓶子，玻璃水瓶等被認為是完美的固體，並且它將其重新配置為一個有序的空間···，重要的是“在現實生活中寫作它不是“代替”用“簡單的線條和麵孔”替換對象。以這種方式繪製的Purisum塗料所感受到的立體效果肯定會導致Le Corbusier的建築空間。

與Ozan Fan在同年繪製的“靜物與瓶子”相比，這很有意思（左圖）。 Ozanfan還通過再次組合垂直線和水平線組成屏幕，但與Jeanure（Le Corbusier）的作品相比，它給人一種平面印象。 Jeanure的作品似乎更具立體感，三維元素更強。

勒柯布西耶“燈塔午餐”1928巴黎，勒柯布西耶基金會

Pique的自然豐富的環境從1926年起每年夏天度假。根據Piquet“燈塔午餐”中的草圖，桌子上的靜物和燈塔的海灣風景以明顯的方式捆綁在一起。

圓形曲線。暖色調。這與Jeanure之前的Purism繪畫完全不同。在20世紀20年代後期，勒·柯布西耶的目標是追求“幾何秩序”，並將“風景”和“人物”作為他的繪畫的新主題，以靜物為唯一主題。他的目標是“人與自然的和諧”。隨著新主題，他的風格逐漸改變。

但同樣，他認為“幾何秩序是人與自然的本質”似乎沒有動搖。

Le Corbusier“Savoie住宅”1928年 – 31年（照片是1/100型Taisei Corporation）

1928年 – 1931年在巴黎郊區建造的豪宅“薩瓦住宅”模型。 Savoie House充滿了各種各樣的想法，如寬大的長方形窗戶和斜坡，它被稱為最能描述Purisumu精神的建築。外觀看起來就像Jeanure的Pyrism畫。他的建築形象旨在實現植根於幾何學的普遍性。

1928年薩沃伊住宅的設計開始時，它可能是勒·柯布西耶的“轉折點”。有一件事是將純粹時代被壓抑的女性和風景圖像引入繪畫中。另一件事是繪畫也簽署了“勒柯布西耶”，而不是真正的名字“珍妮”。薩瓦（Savoie）住宅只是現代建築的先驅，可以說它是勒·柯布西耶（Le Corbusier）的一部巨大作品。

“通過國立西洋美術館的設計，他希望這個博物館能夠成為傳播現代精神的基礎。他認為”現代“是一個清晰，有力，積極的東西，在根部有幾何形狀，請在這個他的建築和繪畫作品迴盪的空間感受到它。“

負責展覽評論的國立西洋美術館的村上先生說道。

“勒柯布西耶的起源”，您可以在世界遺產建築中享受。
你為什麼不來訪我們一次。

概要

文章提供： Kokosil Ueno

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