投稿者: nakano

東京都美術館

近年世界的に注目を集める、スウェーデン美術黄金期の絵画を本格的に紹介する日本初の展覧会「東京都美術館開館100周年記念 スウェーデン絵画　北欧の光、日常のかがやき」が東京都美術館で開催されています。会期は2026年1月27日（火）から4月12日（日）まで。

※掲載作品はすべてスウェーデン国立美術館所蔵です。

岩礁が続く海岸線。雄大な森や湖。雪に覆われた厳しい冬の大地。あるいは、夏至祭に代表される伝統文化やウェルビーイングな暮らし――。今日、私たちが思い描く「スウェーデンらしさ」が同国出身の画家たちにより「再発見」されたのは、スウェーデン美術の黄金期といわれる1880年代から1915年頃にかけてのことでした。本展は、スウェーデン国立美術館の全面協力のもと、スウェーデン美術の黄金期の展開を約80点の絵画で体系的に紹介。自然と共に豊かに生きる北欧ならではの感性に迫るものです。

展示は全6章構成。第1章「スウェーデン近代絵画の夜明け」は、スウェーデン独自の芸術の確立を目指し、北欧の神話や民間伝承を主題とした最初の画家とされる、ニルス・ブロメールから始まります。

スウェーデンでは、1735年に他の北欧諸国に先駆けて王立素描アカデミー（のちに王立美術アカデミーに改称）が創設されました。フランスに倣った伝統的な美術教育が行われ、自国の歴史や神話が重要な主題として奨励されていましたが、19世紀半ば頃になると、フランスやドイツで新たな潮流となっていたロマン主義的理念の影響を強く受けるようになります。とりわけ風景画では、綿密な自然観に基づいて、その荒々しさと崇高さをドラマティックに描き出すドイツのデュッセルドルフの画家たちの作品が手本とされ、スウェーデンをはじめとする多くの北欧の画家たちが憧れをもって同地へ赴きました。

こうした動向は、1850年にストックホルムで開催された北欧美術の展覧会が関係しています。同展には、デュッセルドルフ派に学んだノルウェー人画家たちが、ノルウェーの農民の生活やフィヨルドの雄大な景観を描いた作品を出品しました。それらはスウェーデン人画家たちの目に、外国の斬新な表現をまといつつも北欧の現実の世界に深く根差した芸術として映り、自国にも新しい固有の芸術を創造したいという思いを芽生えさせたのでした。

1870年代後半に入ると、アカデミーの時代遅れの教育法に不満を抱いていたスウェーデンの若い画家たちは、新しい表現や価値観と指導を求めてパリへ向かいました。当時のパリでは、従来の芸術の価値観を覆す印象派などの新しい表現が花開いていましたが、スウェーデン人画家の多くは、むしろ人間や自然のありのままの姿を写し取ろうとするレアリスムや自然主義的な表現に傾倒していきます。

第2章「パリをめざしてーフランス近代絵画との出合い」で紹介されるヒューゴ・サルムソン（1843-1894）は、フランスで研鑽を積んだ最初期のスウェーデン人画家であり、労働にいそしむ農民の姿を見つめたバルビゾン派やジュール・バスティアン=ルパージュ、ジュール・ブルトンらのレアリスム絵画を好んでいました。《落穂拾いの少女》を見れば、その影響が主題のみならず、即興的でラフな筆遣いによる自然描写にも顕著に表れていることがわかります。

また、パリ滞在中に外光派に触れ、明るくみずみずしい色彩と光に満ちた作風を獲得した画家のひとりにアーンシュト・ヨーセフソン（1851-1906）がいます。1885年には、ヨーセフソンらを中心とする若い芸術家たちが、旧態依然とした王立美術アカデミーに改革を求める意見書を提出。決別の道を選んだ彼らは「オポネンテナ（反逆者たち）」と呼ばれ、1890年代以降のスウェーデン絵画の流れを先導していくことになります。

第3章「グレ=シュル=ロワンの芸術家村」では、戸外制作を重視するようになった北欧の芸術家たちによって、フランス各地で制作のコロニー（共同体）が形成されたことを紹介。1880年代、スウェーデン人画家たちが拠点のひとつとしたのは、パリの南東70キロメートルに位置する小さな村グレ=シュル=ロワンです。彼らはここで夏を過ごしながら、農民たちの日常の営みやロワン川沿いの牧歌的な情景などを捉えました。

スウェーデンの国民的画家カール・ラーション（1853-1919）もまた、無名だった時代に同地に転居して水彩と出合い、まばゆい光にあふれた軽やかな風景画に新たな表現の方向性を見出しています。

1880年代の終わり頃になると、フランスで制作していたスウェーデン画家たちの多くが帰郷し、自国のアイデンティティを示すべく、スウェーデンらしい芸術の創造を目指しました。

第4章「日常のかがやき―“スウェーデンらしい”暮らしのなかで」では、厳しくも豊かな自然や自らの家族、気の置けない仲間たち、あるいは日常にひそむ一瞬の喜びのような「かがやき」にモティーフを見いだし、親密で情緒あふれる表現で描き出していった画家たちの作品を取り上げています。

なかでも「スウェーデンらしい暮らし」のイメージをかたち作ったのはラーションです。ラーションは、中部のダーラナ地方にある田舎町スンドボーンに構えた2階建ての家「リッラ・ヒットネース」に、同じく画家であった妻カーリンと7人の子どもたちと暮らしました。家族の用途に合わせて繰り返し改築を行っており、当時イギリスで流行したアーツ・アンド・クラフツ運動にも影響を受けつつ、さまざまな時代・様式の家具をうまく組み合わせ、カーリン自らデザインしたテキスタイルや刺繍などで室内を装飾。情熱をもって生活の総合芸術たる理想の家を作り上げていきました。

当時のスウェーデン社会では、職人の手仕事による「真に美しいもの」に囲まれた、質素でありながら快適な住居環境が人々の美意識を育み、よりよい社会の形成につながるという考え方が広まりつつあったといいます。こうした文化的背景のもとで、ラーションは自邸の室内装飾や、賑やかでのびのびとした生活の様子、季節行事などを収めた水彩画集『ある住まい（Ett hem）』を1899年に発刊。これが「スウェーデンらしさ」を象徴する理想的な家庭のイメージとして広く知られるようになったのです。

なお、24点の水彩画が収録されている『ある住まい』ですが、本展では作品保護のため、原画展示は東京、山口、名古屋の各会場で1点ずつとなっています。かわりに、特別制作された映像コンテンツによってさらに9点の水彩画を紹介。大画面で「リッラ・ヒットネース」に満ちた心温まる雰囲気を伝えています。

ラーションの友人であり、国際的に最も早く成功を収めたスウェーデン人画家のひとりであるアンデシュ・ソーン（1860-1920）もまた、パリから戻り、生まれ故郷であるダーラナ地方のモーラに定住しました。ダーラナ地方はスウェーデンの中でも特に歴史や伝統が息づく土地であり、ソーンは近代化の影で失われつつあった、ダーラナの伝統的な音楽や衣装といった民俗文化をたびたび主題にしています。素早い筆致で、そこに流れる一瞬の光や空気を逃さず鮮やかにとらえた作風が魅力であり、《編み物をするダーラナの少女コール=マルギット》は、今日までスウェーデンで最も愛され、繰り返し複製イメージが作られた作品として知られています。

一方で、自らの精神世界やナショナリズムに結びついた北欧神話、民間伝承の視覚化といった、現実を超えた見えない世界に関心を寄せた画家たちに焦点を当てるのが第5章「現実のかなたへ―見えない世界を描く」です。

スウェーデンの童話集『トムテとトロルといっしょ（Bland tomtar och troll）』の挿絵で有名なヨン・バウエル（1882-1918）は、トロルや森の妖精が登場する北欧民話を主題とした幻想的な世界観で愛された挿絵画家です。抑制された色彩で描かれた、まるで意思を持つかのような薄暗い森の表現、不気味さの中に哀愁やユーモアを帯びたトロルの姿は、神秘性をたたえて自然への畏敬の念を強く印象づけます。

ひときわ特異なのは、19世紀スウェーデンを代表する劇作家、文筆家のアウグスト・ストリンドバリ（1849-1912）です。ストリンドバリが独学で絵画制作に没頭したのは、生涯のうちごく限られた期間であり、それは戯曲創作の不振や家庭内での不和、オカルティズムや化学実験への傾倒など、精神的に不安定であった時期と重なります。ペインティングナイフを用いて、制作過程での偶然性や無意識から浮かび上がるイメージを最大限に生かす独創的な表現で、自身の心境までも見る者の心理に直接訴えかける風景を生み出しました。

第6章「自然とともにー新たなスウェーデン絵画の創造」は本展のハイライトです。かつては「描くべきもののない国」とされたスウェーデンでしたが、1890年代以降、豊かな森林や湖、岩礁の続く海岸線、雪に覆われた冬の大地といったスウェーデンならではの自然が画家たちによってあらためて「発見」され、それらを描くにふさわしい表現方法が模索されました。

たとえば、グスタヴ・フィエースタード（1868-1948）はスウェーデン中西部ヴァルムランド地方のラッケン湖畔に定住し、生涯を通じて冬の情景を描き続けた画家です。《冬の月明かり》は、地面や針葉樹を覆う、もこもこと丸みを帯びた雪の量感たっぷりな装飾的表現が特徴の作品。小さな点や線をリズミカルに重ね、面としての統一感をもたせるような独自の点描が生み出す光の効果が、一面の銀世界にフィエースタードらしい神秘的で静謐な雰囲気を与えています。

とりわけこの時期の風景画では、画題や技法の探求にとどまらず、風景を通して感情や雰囲気を表現することが重視されました。その役割を担ったのは、1880年代の作品に見られた燦燦と輝く陽光の代わりに登場した、黄昏時や夜明けの淡く繊細な光――夏の夜であれば、長い時間続く薄明りや夜を包む青い光が叙情をたたえて、スウェーデンの豊かな自然の風景を照らすようになったのです。のちに「ナショナル・ロマン主義」と呼ばれるこうした芸術潮流により、他国の美術には見られないスウェーデンらしい絵画が生み出されていきました。

パリ滞在時からさまざまな労働環境で働く馬に強い関心を寄せていたニルス・クルーゲル（1858-1930）は、スウェーデン帰国後も故郷カルマルに近いウーランド島で、放牧された馬や牛などの家畜が憩う姿を繰り返し描きました。晩年のファン・ゴッホから強い影響を受けており、黄昏時の空気と光を情感豊かに捉えた《夜の訪れ》でも、画面の半分を占める青い光が、ファン・ゴッホ的な短いストロークの描線で表現されています。よく観察すれば、青い光は空を満たすだけでなく、草を食む馬の身体や大地にも降り注いでおり、何気ない風景に壮大で幻想的な雰囲気を生み出しています。

なお、本展の音声ガイド（有料）には、同館初の試みとしてスペシャルトラックに「スロールッキング」が取り入れられています。スウェーデン国立美術館の教育プログラムでも実践されている鑑賞プログラムであり、1つの作品をじっくりと観察し、問いを重ねるプロセスを通じて、作品をより深く味わうことができますので、来場の際はぜひ忘れずにチェックしてみてください。

「東京都美術館開館100周年記念　スウェーデン絵画　北欧の光、日常のかがやき」概要

※記事の内容は取材時点のものです。最新情報は展覧会公式サイト等でご確認ください。

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台東区立一葉記念館

 

台東区立一葉記念館では、代表作「たけくらべ」の舞台にもなった、下谷龍泉寺町（現・竜泉）での樋口一葉の暮らしを紹介する特別展「一葉が暮らした下谷龍泉寺町」が開催中です。会期は令和7年10月25日（土）から12月21日（日）まで。

■台東区立 一葉記念館 明治期の傑出した女流作家・樋口一葉の文学業績を永く後世に遺すべく集まった有志らの尽力により、昭和36年（1961）に日本初となる女性作家の単独文学館として開館。一葉が新五千円札の肖像画に選ばれたことを契機に、平成18年（2006）に老朽化した旧館をリニューアル。建築家・柳澤孝彦設計によるデザインの美しさも見どころとなっています。館内には「たけくらべ」の未定稿をはじめ、書簡、和歌短冊といった、一葉の創作活動や暮らしぶりを伝える貴重な資料が多数収蔵・展示されています。

〈奇跡の14か月〉の糧となった、下谷龍泉寺町の生活体験

樋口一葉（本名：奈津）は明治5年（1872）生まれ、当時の中流家庭の出身です。幼い頃から才気にあふれ、14歳で中島歌子の歌塾「萩の舎」に入り、古典や和歌、書を学びました。

明治22年、病没した父が遺した多額の負債を抱え、わずか17歳で戸主として母たき・妹くにを支える苦しい生活を余儀なくされます。新聞記者兼作家の半井桃水に師事し、明治25年に文芸雑誌『武蔵野』に掲載した「闇桜」で小説家デビュー。原稿料で家族を養おうとしますが、窮乏から脱することは叶わず、明治26年7月、閑静な本郷菊坂町から吉原遊郭近くの下谷龍泉寺町368番町に転居し、荒物（※日用品）駄菓子屋を開業。千束稲荷の祭礼や酉の市など地域の年中行事の熱気に触れ、遊郭に出入りする人々を観察しながら日々を過ごします。

結局、商売は軌道に乗らず、わずか9か月余りで本郷丸山福山町へ移り住むことになりましたが、そこから執筆活動に専念し、下谷龍泉寺町での生活体験に取材した「たけくらべ」や「にごりえ」、「十三夜」など傑作小説を次々に発表。のちに〈奇跡の14か月〉と評されます。森鷗外や幸田露伴らに絶賛され、執筆依頼も相次ぎますが、明治29年（1896）、肺結核のため24歳の若さでこの世を去ります。

特別展「一葉が暮らした下谷龍泉寺町」は、一葉が作家として才能を開花させる土壌となった下谷龍泉寺町の地域性を紹介し、彼女がここでどのように暮らし、何を見て、何を学んだのかをひも解くものです。

一葉が暮らした貧しい長屋街

展示室に入ると、綿密な時代考証と聞き取り調査にもとづき再現された、当時の下谷龍泉寺町の模型が来場者を迎えます。中央には一葉が暮らしていた二軒長屋があり、そこからまっすぐ伸びる大音寺通り（現・茶屋町通り）の先に見えるのは、吉原遊郭との境界を示す「お歯黒どぶ」の石垣と非常門。歩いて数分ほどの近さです。

■「お歯ぐろ溝に燈火うつる三階の騒ぎも手に取る如く、明けくれなしの車の行来にはかり知られぬ全盛をうらなひて（中略）三嶋神社の角をまがりてよりこれぞと見ゆる大厦（いへ）もなく、かたぶく軒端の十軒長屋二十軒長や……」（「たけくらべ」冒頭より） 現代語訳：お歯黒どぶにまで灯りが映る三階建ての遊郭の騒ぎが、手に取るように聞こえてくる。朝夕の区別がない車の往来の多さに、計り知れない栄華があることが伺える。（中略）しかし、三嶋神社の角を曲がって進むと、目立つような大きな屋敷は見当たらず、傾いた軒の長屋が十軒、二十軒並んでいる。

■「此家ハ下谷よりよし原がよひの只一筋道にて　夕がたよりとゞろく車の音飛びちがふ燈火の光り　たとへん詞になし」（日記「塵之中」より） 現代語訳：この家は下谷から吉原へ通じるただ一本の道沿いにあり、夕方になると人力車の音が響き、明かりがあちこちに揺れている。その様子は言葉でたとえようがないほどだ。

三島神社から吉原遊郭へ繋がる大音寺通りは、吉原通いの人力車が行き交う主要なルートでした。一葉の残した言葉と模型を合わせて眺めると、吉原の華やかな灯りや三階建て妓楼の賑わい、絶え間ない車の往来と、そのすぐ近くの粗末な長屋街という、強い対比が鮮明に立ち上がってきます。

明治時代の吉原の姿――仁和賀は子供たちも熱中

「たけくらべ」は、下谷龍泉寺町界隈と吉原遊郭を舞台に、いずれ僧侶となる信如と、遊女となる美登利、そしてその幼馴染・正太郎の淡い恋心や大人に近づいていく葛藤を、季節の行事を背景に情緒豊かに描いた作品です。

物語は千束稲荷の祭礼2日前の8月18日に始まり、三の酉の後、11月末から12月初め頃に終わりますが、それは一葉が下谷龍泉寺町で過ごした期間と重なります。一葉自身の生活体験が作品に色濃く反映されているのは明らかで、登場人物も多くは実在の人物をモデルにしていたといわれます。

今にも喧騒が伝わってきそうな錦絵「新吉原角街稲本樓ヨリ仲之街仁和賀一覧之図」で描かれているのは、作中にも登場する秋の仁和賀（にわか）。街頭の屋台で芸者衆が即興芝居を披露する行事です。吉原では春の仲之町桜（夜桜）、夏の玉菊灯篭、秋の仁和賀が吉原三景物として人気を集めており、一葉はこれらを作品に取り入れることで四季の移ろいを美しく表現しました。

また作中では、吉原の空気にすっかり染まった訳知り顔の子どもたちが、仁和賀の時期になると芸者の真似をし始める様子が描かれていますが、一葉はその上達の早さを「孟子の母も驚くだろう」と半ば呆れを滲ませるように記しています。こうしたリアルな所感が盛り込まれるのも、実際の生活者であった一葉ならではと言えるでしょう。

一葉は吉原を外から眺めるだけでなく、実際に足を運ぶこともあったといいます。仕事を斡旋してくれた引手茶屋の女中頭から廓内の事情を聞いたり、玉菊灯篭を見物したり、廓内を流す新内節の女大夫の年齢・服装・佇まいまで細かく書きとめたり……。そうした一つひとつの取材が、のちの『たけくらべ』を形づくっていったのです。

荒物駄菓子屋で試行錯誤する日々――ときには愚痴をこぼすことも

ひときわ目を引く一葉の肖像画は、日記「塵之中」にある明治26年（1893）8月6日の記述「六日、晴れ。店を開く、（略）今宵はじめて荷をせをふ、中々に重きものなり……」から着想を得たとされています。8月6日は店の開店日であり、当初ははたき、石鹸、たわし、浅草紙などの雑貨を販売していました。すぐにそれだけでは商売にならないことを察し、菓子卸売業を営む友人の父を頼り、めんこ、風船、絵草紙といった玩具や駄菓子の扱いも開始。集まった子供たちとも親しく接する日々を送りました。

夏の暑さの中、転居先探しに下駄か草履で一日20kmを歩き回るほど元気溌剌な一葉でも、商いの目まぐるしさは堪えたようで、手紙や日記にはさまざまな愚痴が残されています。たとえば、友人・野々宮起久子から故郷の千葉県多古町へ保養に誘われた一葉は、

■「せめては三日がほどを塵外にのがれ度と願ひながら（中略）厘毛のあらそひに寸の暇もなく火宅のやどにうごめき居候次第御笑い可被下候」 現代語訳：せめて三日でもいいから、この煩わしい俗世の外へ逃れたいと願っているのですが、些細な問題事が絶えず起こり、少しの暇もなく、苦しい生活環境でもがいているありさまです。どうか笑ってやってください。

と、返事の手紙の中で自身の境遇を自嘲気味に綴っています。

方々に手を尽くしたものの、翌年1月には茶屋町通りに同業者が開業したこともあり、経営は悪化。結局、わずか9か月余りで荒物駄菓子屋を畳み、転居した本郷丸山福山町で腹をくくり、執筆活動に専念することとなりました。

再び小説家の道に戻った一葉

ところで、ほぼ絶筆状態だった下谷龍泉寺町での生活の最中も、「うもれ木」で一葉の才能を高く評価していた作家・星野天知や平田禿木は、多忙を理由に執筆をためらう一葉を根気よく説得し続けていました。その結果、彼らが創刊した雑誌『文学界』に「琴の音」と「花ごもり」の2作を発表するに至っています。本展では、推敲の跡や大幅な削除が見られ、執筆の苦心が伝わる「花ごもり」の未定稿や、「琴の音」執筆時の呻吟の様子を記した日記資料、両作の初出掲載誌などを展示しています。

会場の最後には「たけくらべ」の関連資料が並び、未定稿や折画本『たけくらべ絵巻』、さらには『文芸倶楽部』一括掲載時の原稿を掲載した書籍などを鑑賞できます。未定稿は完成稿とは大きく内容が異なるため、読み比べてみると新たな発見があるでしょう。

ありふれた悲恋物をはじめ、空想的な作風だった初期から、下谷龍泉寺町での鮮烈な生活体験をもとに、ときに貧困や女性の苦境など過酷な現実を捉えたリアルな作風へ変化した一葉。明治期を代表する作家として高い評価を受けることとなった彼女の、重大な創作の転換点を紹介する本展にぜひ足を運んでみてください。

なお、一葉記念館から2分ほど歩いた茶屋町通りには「樋口一葉旧居跡碑」があります。竜泉界隈は、関東大震災後の帝都復興計画による土地区画整理事業の影響で、一葉が暮らしていた当時とは大きく姿を変えていますが、「下谷よりよし原がよひの只一筋道にて」の面影は残っています。

茶屋町通りを東側に進むと、吉原揚屋町の非常門の場所を示す柱も建っています。特別展の鑑賞とあわせて、一葉の長屋から吉原遊郭がどのように見えていたか、現地で思いを馳せてはいかがでしょうか。

特別展「一葉が暮らした下谷龍泉寺町」概要

会期	令和7年10月25日（土）～12月21日（日）
会場	台東区立 一葉記念館（東京都台東区竜泉3丁目18番4号）
開館時間	午前9時～午後4時30分（入館は4時まで）
休館日	毎週月曜日
入館料	大人　300円、小中高生　100円 ※身体障害者手帳、療育手帳、精神障害者保健福祉手帳、特定疾患医療受給者証をお持ちの方とその介護者の方は無料。 ※毎週土曜日は台東区在住・在学の小、中学生とその引率者の入館料が無料。
お問い合わせ	一葉記念館　03-3873-0004
公式サイト	https://www.taitogeibun.net/ichiyo/

※記事の内容は取材日時点のものです。最新の情報は公式サイト等でご確認ください。

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国立科学博物館

 

地球40億年の歴史上で起きた5回の「大量絶滅」事変、通称ビッグファイブをテーマとした特別展「大絶滅展―生命史のビッグファイブ」が、国立科学博物館で開催中です。会期は2025年11月1日（土）から2026年2月23日（月・祝）まで。

生命史において「絶滅」と「進化」は隣り合わせです。ある生物種が子孫を残さずに死に絶えることを絶滅と呼び、通常では100万年ごとに10%程度の種が絶滅すると考えられています。一方で、異なる分類群の生物種が、地質学的に極めて短期間で一斉に絶滅する現象を大量絶滅と呼びます。

ときに生物種の約90％が死に絶え、生態系に甚大な影響を及ぼしてきた――。こう聞くと、大量絶滅という現象にネガティブな印象を抱くかもしれません。しかし、約6600万年前の小惑星衝突は「恐竜時代」に終焉をもたらした一方で、空白となった陸上生態系の主導権を哺乳類が引き継ぎ、その後の多様な進化の過程が私たち人類の誕生へとつながりました。このように、絶滅した分類群に代わって新しい分類群が繁栄することは、生命史を通じて繰り返されてきました。つまり、大量絶滅は生命史における大きな転換点であり、生命の進化と多様化を促す原動力としても捉えることができるのです。

特別展「大絶滅展―生命史のビッグファイブ」は、生命史を大きく方向づけた、特に大規模な5回の大量絶滅事変、通称ビッグファイブをテーマに、それぞれの要因や絶滅前後の生物多様性を、最新研究にもとづくエビデンスとともに紐解くものです。

イントロダクションを抜けると、ビッグファイブのダイジェストイメージを流す球状の映像展示「大絶滅スフィア」が来場者を出迎えます。

この大絶滅スフィアを中心として、ビッグファイブをエピソード別に解説するエリアに、その後に続く新生代の世界について触れるエリアを加えた、計6エリアを放射状で配置。一つのエリアを見終わるたびに大絶滅スフィアに戻っているという、科博の特別展ではやや珍しい展示構成になっており、各エリアの行き来がしやすいのがポイントです。

展示内容は次のとおり。

エピソード1「O-S境界　海の環境の多様化」　
エピソード2「F-F境界　陸上生態系の発展」
エピソード3「P-T境界　史上最大の絶滅」
エピソード4「T-J境界　恐竜の時代への大変革」
エピソード5「K-Pg境界　中生代の終焉」
エピソード6「新生代に起きた生物の多様性 ビッグファイブ後の世界」

「〇-〇境界」は地質年代区分の用語であり、たとえば「O-S境界」は、第1の大量絶滅が起きた約4億4400万年前、オルドビス紀とシルル紀の境界を表しています。

なお、本展開催にあたっては、ビッグファイブと関連の深いモロッコにおいて、オルドビス紀末の大量絶滅前の世界を垣間見られる「フェゾウアタ化石群」や、三葉虫などの採集標本、三畳紀末の大量絶滅に関わる火山活動の調査なども実施し、調査結果を世界初公開しています。エピソード2で登場する巨大な甲冑魚、板皮類のダンクルオステウスの化石標本もその成果の一つです。

約3億8000万年前～約3億6000万年前、F-F境界（デボン紀後期に相当）で段階的に発生した大量絶滅は、火山噴火などによる急激な寒冷化と、海洋無酸性化の二重打撃が原因とされています。規模はビッグファイブの中で最小であったものの、主に海域生物が甚大な被害を受け、属の18～41％、種の42～69％が絶滅。サンゴ礁の大崩壊が起き、顎をもたない魚類はほぼ100％が姿を消しました。

ダンクルオステウスは4mを超える体長、強力な顎を備えた頭骨を持つ大型の板皮類。デボン紀後期の海の支配者として君臨していましたが、板皮類もまた、石灰紀まで生き延びることはできなかったようです。

一方で陸域を見ると、根も葉ももたなかった植物は、デボン紀を通じて体の構造の急速な進化を果たし、デボン紀中期以降には太い幹をつくり木となる複数の分類群が登場。このうち、世界最古の木として知られるのがアメリカ・ニューヨーク州で発見された原始的なシダ類、ワッティエザです。（本展ではレプリカを展示）初期の全裸子植物や小葉類なども現れ、デボン紀後期には史上初めての森林が形成されました。

こうした森林の登場による大規模な二酸化炭素の消費が気候の寒冷化を促し、海洋生物の大量絶滅を助長した可能性も指摘されています。

エピソード5「K-Pg境界　中生代の終焉」では、約6600万年前の白亜紀末に起きた第5の大量絶滅について解説しています。引き金となったのは、メキシコのユカタン半島付近に落下した、直径約10kmもの小惑星の衝突です。

落下の衝撃エネルギーは大量の硫黄を含む蒸気を発生させ、それが水蒸気と反応して硫酸塩エアロゾルとなり、森林火災により発生した煤とともに数年～数十年間にわたり太陽光を遮断。食物連鎖の基盤たる植物の光合成を停止させたうえ、硫酸塩エアロゾルが硫酸の酸性雨を発生させたことで、生物に大打撃を与えました。

会場では、その小惑星と同タイプだと推定される、1969年にオーストラリア・マーチソン地方に落下したCM2型の炭素質コンドライト隕石や、小惑星衝突の際に発生した地震と巨大津波が形成した地層の標本を展示しています。

また、第5の大量絶滅を生き延びた中生代の哺乳類や森林の回復を取り上げるパートでは、世界有数の脊椎動物と植物の化石コレクションを誇る、アメリカのデンバー自然科学博物館から来日した貴重な化石標本が多数登場しています。

貴重な標本といえば、続くエピソード6「新生代に起きた生物の多様性 ビッグファイブ後の世界」では、東京・多摩川で発見されたステラーダイカイギュウの全身骨格化石を世界初公開しています。ステラーダイカイギュウは北太平洋に生息していた海藻食の大型哺乳類で、今回展示している全長約6ｍの化石は世界最古のもの。この種は1768年の目撃情報を最後に姿を消しており、人間活動が絶滅を早めたのではないかとする説もあるようです。

近年、人間活動が起因したと考えられる環境変化や生物多様性の消失が世界各地で話題となり、現代は「第6の大量絶滅期」であるとも表現されています。本展を訪れたなら、通覧してきたような自然科学研究から得られた知見で、いま起こっている絶滅や気候変動が将来何をもたらしうるかを予測し、準備や対策につなげることの重要性を理解できるでしょう。

先立って行われた報道発表会では、本展のスペシャルナビゲーターをつとめる福山雅治さんが登壇しました。

福山さんは、NHKの自然ドキュメンタリー番組『ホットスポット　最後の楽園』でナビゲーターを務め、15年にわたり世界各地を巡りながら、絶滅の危機にある野生動物たちの驚きの生態や進化の不思議を追いかけてきました。第2会場では、福山さんが撮影した動物たちの写真27枚を、ステートメント「生命の声、地球の歌」とともに特別展示しています。

創作活動の原点には、女手一つで4人の子どもを育てながら、農業で自然と向き合い続けた祖母の存在があったと話す福山さん。「自然は、遠くにあるすごく美しいものであると同時に、生きていくには非常に大変な場所、という考えが幼い頃からありました。ですので、自然番組のオファーをいただいたときに、なにか美しいものを見に行きたいというよりは、僕たち家族が生きてきた、生きさせてもらえた自然というものが、今どうなっているのかということに関する興味がありました」と番組への想いを明かします。

また、福山さんは本展を通じて、地球を一つの生命体と捉えたときの“代謝”として、地殻変動や火山活動が起きているように感じたそう。「大絶滅が起こったときは70％、場合によっては90％の生物が絶滅してしまうということで。それは地球という生命体が成⾧・進化するための生贄だったのか。生き残った生物は地球にとって必要な生物だったのだろうなと考えると……。であれば、現在を“第6の絶滅期”と考えたときに、果たして我々は地球という生命体に対して何ができているのか。もしかしたら我々も、地球の成長・変化の生贄になってしまうのか」と、さまざまに考えを巡らせたと語りました。

最後に、本展を訪れる子どもたちに向けて次のようなメッセージを贈りました。

「展示を見て、（周囲の環境や運など）与えられたものと、自分で一生懸命つかんでいくもの、両方がなければ生き残っていけないのだと感じました。なぜ勉強しなければならないのか、なぜ学校に行かなければいけないのか、といった思いがあるかもしれません。しかし、世界に貧困、差別、分裂、断絶がある中で、義務教育として学校に行ける、学べるという環境があることは、非常に恵まれているのだと気づいてもらえたらいいなと。大絶滅展を見て怖いなと思っても、大好きな家族や友達と生き残るためにはどうすればいいかな、頑張らなきゃいけないな、という気持ちになってもらいたいですね」

特別展「大絶滅展―生命史のビッグファイブ」概要

会期	2025年11月1日(土)～2026年2月23日（月・祝）
会場	国立科学博物館（東京･上野公園）
開館時間	9：00～17：00（入場は16：30まで）
休館日	月曜日、11月4日（火）、11月25日（火）、12月28日（日）～2026年1月1日（木）、1月13日（火） ※ただし、11月3日（月・祝）、11月24日（月・休）、1月12日（月・祝）、2月16日（月）、2月23日（月・祝）は開館
観覧料	一般・大学生 2,300円　小・中・高校生 600円 ※未就学児は無料。 ※障がい者手帳をお持ちの方とその介護者１名は無料。 ※そのほか、詳細は展覧会公式サイトでご確認ください。
主催	国立科学博物館、NHK、NHKプロモーション、読売新聞社
お問い合わせ	050-5541-8600(ハローダイヤル)
展覧会公式HP	https://daizetsumetsu.jp/

※記事の内容は取材日時点のものです。最新の情報は展覧会公式HP等でご確認ください。

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国立西洋美術館

印象派画家たちの室内をめぐる表象に焦点を当てた展覧会「オルセー美術館所蔵　印象派―室内をめぐる物語」が国立西洋美術館にて開催されています。会期は2025年10月25日（土）から2026年2月15日（日）まで。

私たちが「印象派」と聞いてまず思い浮かべるのは、戸外の光、あるいは移ろう大気をとらえた風景画ではないでしょうか。彼らの風景画における制作態度や外光表現は、たしかに近代美術に一つの革新をもたらしました。一方で、自然光よりも人工的な照明の効果を探求し、磨かれた人間観察による室内画の傑作を多く残したエドガー・ドガを筆頭に、屋内空間への関心もまた、印象派の欠くことのできない一側面をなしています。

第1回印象派展は、大々的な都市整備事業、いわゆるオスマンの大改造を経て、近代化が急速に進む1874年のパリで開催されました。このせわしなくも活気に満ちた大都市において、人々が多くの時間を過ごした屋内環境の情景は、むしろ戸外より親密な関係にあり、本質的に現代的な主題の一つだったといえます。つまり、時代に応じた新しい絵画を生み出そうと目論む画家たちにインスピレーションを与える、格好の画題となったのです。

本展では、「印象派の殿堂」ともいわれるパリ・オルセー美術館所蔵の傑作約70点を中心に、国内外の重要作品も加えたおよそ100点の絵画、素描、装飾美術を展示。ドガ、マネ、モネ、ルノワールなど、印象派あるいは同時代の画家たちの室内をめぐる関心のありかや表現上の挑戦を、全４章でたどる内容になっています。

 

第1章「室内の肖像」では、19世紀後半のサロンや美術市場で非常に高い人気を誇り、印象派にとっても重要な表現手段であった肖像画に着目。彼らは肖像画において、モデルを日常環境の中で描写することで、その人となりや職業、社会階級、美的趣味といった社会的属性を、時に周到な演出を織り交ぜながら表現しようと試みました。

本章のハイライトは、修復を経て日本初公開となった、若かりし頃のドガによる傑作《家族の肖像（ベレッリ家）》（1858-69）です。フィレンツェに亡命していたドガの叔母一家を描いた本作は、青色が映えるブルジョワらしい誂えのアパルトマンの一室を舞台にした、一見フォーマルな家族の肖像画に映ります。しかし、そこでは個々人の性格や個性を率直に取り入れるのみならず、緊張状態にあったという夫婦関係や互いの心理的な隔たりをも、表情やポーズ、配置などの巧みな操作によって心理劇のように示唆しています。旧来の表面的に理想化された家族像を逸脱するアプローチは非常に近代的であり、若きドガの誠実さと辛辣なまでの観察眼の鋭さが感じられるでしょう。

パリ近郊アルジャントゥイユのモネの住まいを描いた、詩情豊かな《アパルトマンの一隅》（1875）は、数少ないモネの室内画。光の効果に対するモネの鋭敏な感覚がいかんなく発揮されており、画面手前の開かれたカーテンと植物、その奥に続く薄暗い室内が、光と陰、暖色と寒色のドラマティックなコントラストをなしています。息子ジャンと妻カミーユと思われる女性の姿はごく控えめに、ほとんどシルエットでとらえていますが、カーテンや寄木模様の床で繰り返す斜線が視線を誘導し、その印象を強調しています。

また、職場と住まいに明確な境界が引かれつつあった19世紀後半、公共空間を闊歩していた男性とは対照的に、自由な外出が許されなかったブルジョワ階級の女性たちは、家庭室内を主な活動領域としていました。第2章「日常の情景」では、そうした女性たちの奏楽会、読書、針仕事といった、くつろいだ家庭で趣味や手仕事に興じる何気ない情景を描きとめた作品を紹介しています。

本展のメインビジュアルにも採用されているルノワールの《ピアノを弾く少女たち》（1892）は、時の美術局長官の要請で、リュクサンブール美術館（当時の国立現代美術館）の栄誉ある買い上げを前提に制作されたもの。この頃、ピアノを持つことは裕福さと文化的な生活を意味し、その演奏は上流階級の子女の嗜みとされ、画題としても人気を集めていました。本作は、温かみのある色調と柔らかな筆致でまとめられた眩い画面に、顔を寄せ合い楽譜をのぞき込む少女たちを、ブルジョワ家庭の理想的なイメージとして表しています。

印象派が戸外の光や自然への関心を、いかに室内に取り入れていったのかを展覧する第3章「室内の外光と自然」では、バルコニーやテラス、19世紀に社交の場として流行した温室といった、室内と戸外をつなぐ複合的空間を舞台とする作品が並びます。

アルベール・バルトロメの《温室の中で》（c1881）は、自邸に誂えたガラス張りの温室での一幕を描いた作品です。強い日差しを後に、ヤシやゼラニウムが生き生きと葉を伸ばす温室の薄暗がりへと足を進めるのは、涼やかな紫のサマードレスをまとったバルトロメの妻プロスペリー。顔やドレスを不規則に陰らせる和らいだ光が、心地よい夏の雰囲気を漂わせます。

プロスペリーは本作が描かれてまもなく病に倒れ、1887年に亡くなりました。悲しみに沈んだバルトロメは、本作でとらえた輝かしい一日の思い出を大切にし、絵画だけでなくドレスも終生手放すことがなかったそう。会場では特別に、ドレスの実物を絵画と併置しています。

また、同章では、室内に持ち込まれた装飾的な自然としての静物画や、自然を最大の着想源に斬新な装飾美術を生み出したジャポニズムの展開についても紹介しています。

第4章「印象派の装飾」では、旧来低級で浅薄な表現形態とみなされていた「装飾美術」が肯定的にとらえられていく中で、印象派による室内への自然の取り込みが生み出した、さまざまな室内装飾の表象について取り上げます。ルーマニアの貴族ビベスコ公のために、若きルノワールと建築家シャルル=ジュスタン・ル・クールが協業した邸宅の設計案や、モリゾが自ら設計した応接間兼アトリエを再現した模型では、装飾画が生活空間にどのような精彩を添えていたのか、その効果が垣間見えます。

マネとモネは、支援者だった実業家エルネスト・オシュデが所有する城館を装飾するための絵画を制作しました。庭園に繁殖する草花から顔をのぞかせるオシュデ家の長男ジャックを描いたマネの《花の中の子ども（ジャック・オシュデ）》（1876）と、城を背景に草地をそぞろ歩く家禽の群れを描いたモネの《七面鳥》（1877）。いずれも、オシュデ家になじみの深い情景やモチーフを印象派らしい明るい色調と大胆な筆致でとらえており、依頼主の趣味とともに印象派の美学が堪能できます。

園芸や造園への情熱をモネと共有していたギュスターヴ・カイユボットは、植物の装飾画にも強い関心を寄せていました。《ヒナギクの花壇》（1892-1893）は自邸の壁面装飾として構想されたと思われる未完成の作品。白いヒナギクを俯瞰視点で画面いっぱいに散らすことで、鑑賞者を包み込むような没入感を生んでいます。始まりも終わりもない無限に広がるイメージは、モネの「大装飾画」プロジェクトへ結実した「睡蓮」連作とも重なります。

19世紀パリの都市生活の中で、自然と室内の境界を越える革新的な芸術にたどりついた印象派の魅力に触れられる展覧会「オルセー美術館所蔵 印象派―室内をめぐる物語」は、2026年2月15日（日）まで開催されています。

「オルセー美術館所蔵　印象派—室内をめぐる物語」概要

※記事の内容は取材時点のものです。最新情報は展覧会公式サイト等でご確認ください。

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